Особливості мистецтва найвищого відродження. Мистецтво Високого Відродження

Відродження- Епоха в історії культури і мистецтва, що відобразила початок переходу від феодалізму до капіталізму. У класичних формах Відродження склалося в Західній Європі, насамперед в Італії, проте аналогічні процеси протікали в Східної Європита в Азії. У кожній країні цей тип культури мав свої особливості, пов'язані з її етнічними характеристиками, специфічними традиціями, впливом інших. національних культур. Відродження пов'язане з процесом формування світської культури, гуманістичної свідомості. У подібних умовах розвивалися подібні процеси в мистецтві, філософії, науці, моралі, соціальної психологіїта ідеології. Італійські гуманісти XV століття орієнтувалися на відродження античної культури, світоглядні та естетичні принципи якої були визнані ідеалом, гідним наслідування. В інших країнах такої орієнтації на античну спадщину могло не бути, але сутність процесу звільнення людини та утвердження сили, розумності, краси, свободи особистості, єдності людини та природи властиві всім культурам ренесансного типу.

Головна особливість Відродження — цілісність та різнобічність у розумінні людини, життя та культури. Різке зростання авторитету мистецтва не вело для його протиставлення науці і ремеслу, а усвідомлювалося як рівноцінність і рівноправність різних форм людської діяльності. У цю епоху високого рівня досягли прикладні мистецтва та архітектура, що поєднали художня творчістьз технічним конструюванням та ремеслом. Особливість мистецтва Відродження у цьому, що має яскраво виражений демократичний і реалістичний характер, у центрі його стоять людина і природа. Краса, гармонія, добірність розглядаються як властивості дійсного світу.

Раннє Відродження(Петрарка, Боккаччо, Донателло, Боттічеллі, Джотто)

Високе Відродження (Леонардо да Вінчі, Мікеланджело, Рафаелем, Франсуа Рабле)

У XVI столітті в Італії ренесансне мистецтво набуло фази найвищого розквіту. Мистецтво Італії цієї пори складно і суперечливо. Саме тоді відбувається високий зліт мистецтва, заснованого на традиціях гуманістичної культури. І в цей же час виникають нові художні явища, що виражають крах гуманістичних ідеалів, що породили маньєризм, що поширюється у багатьох європейських країнах.
Пізніше Відродження- Криза гуманізму (Шекспір, Сервантес). Виявилися риси кризи. У Західній Європі це позначилося у виникненні академізму та маньєризму в образотворчому мистецтві, у настанні релігійності та містицизму на світську та гуманістичну культуру. Позначився розрив між мистецтвом і наукою, красою та користю, між духовним та фізичним життям людини. Гуманізм пізнього Відродження збагатився свідомістю суперечливості життя, трагічним світовідчуттям.

Раннє Відродження

Епоха Відродження вважається перехідною від Середньовіччя до Нового часу. У цей період відбуваються зміни в економічній та культурного життя. З'являються перші зародки капіталістичної промисловості, розвивається банківська справа, міжнародна торгівля. У цей час формується наукова картина світу, зароджується експериментальне природознавство, найбільшими вченими доби Н.Коперником, Дж.Бруно, Г.Галілеєм обґрунтовується геліоцентрична система. Крім того, відбуваються відкриття нових земель та перші кругосвітні подорожіКолумба, Магеллана.

У різних країнахкультура Відродження розвивається різними темпами. В Італії епоху Відродження відносять у XIV-XVI століттях, в інших країнах - XV-XVI ст. Найвища точка розвитку культури Ренесансу посідає XVI століття — Високе, чи класичне, Відродження, коли Ренесанс поширюється інші країни Європи.

Поєднують культуру різних європейських народів ідеї гуманізму. принцип гуманізму, тобто. вищого культурного та морального розвитку людських здібностей, що найбільш повно виражає основну спрямованість європейської культури XIV-XVI ст. Ідеї ​​гуманізму захоплюють усі верстви суспільства – купецькі кола, релігійні сфери, народні маси. Складається нова світська інтелігенція. Гуманізм утверджує віру у безмежні можливості людини. Завдяки гуманістам у духовну культуру приходять свобода суджень, незалежність стосовно авторитетів, сміливий критичний дух. Особистість, могутня та прекрасна, стає центром ідеологічної сфери.

Першим гімном гідності людини стала «Божественна комедія» Данте Аліг'єрі — твір, що поєднав у собі поезію, філософію, Теологію, науку, пройнятий вірою у земне призначення людини. Молодший сучасник Данте - Франческо Петрарка, філософ та ліричний поет, вважається родоначальником гуманістичного руху в Італії. У творах італійських гуманістів присутні Головна ідеяпро те, що людина творець своєї долі і самої себе, як, наприклад у творі Піко делла Мірандола «Про гідність людини». на думку гуманістів, людина має свободу дій, вона сама керує долею і суспільством, роблячи раціональний вибір.

У період розквіту гуманізму наука, поезія, архітектура, образотворчі мистецтва досягли небувалого розмаху. Багато володарів стали покровителями мистецтв. Ці люди часто поєднували у собі риси жахливих лиходіїв і тонких поціновувачів прекрасного; добро і зло в епоху Відродження перепліталися найхимернішим чином.

Важливою особливістю культури Відродження стало звернення до античної спадщини. Відродився античний ідеал людини, розуміння краси як гармонії та заходи, реалістична мова пластичних видів мистецтва на відміну середньовічного символізму. Художників, скульпторів та поетів Відродження залучали сюжети античної міфологіїта історії, стародавні мови - латинська та грецька. Велику роль поширенні античного спадщини зіграв винахід друкарства.

На культуру Ренесансу вплинула середньовічна культураз її багаторічною історією та міцними традиціями, але гуманісти критикували культуру середньовіччя, вважаючи її варварською; в епоху Відродження з'являється величезна кількість творів, спрямованих проти церкви та її служителів. Водночас ренесанс не був повністю світською культурою. Деякі діячі хотіли примирити християнство з античністю чи створити нову, єдину релігію, переосмислити її. Мистецтво Відродження було своєрідним синтезом античної фізичної краси та християнської духовності.

Культура Відродження зародилася Італії. Італійське Відродження ділять на чотири етапи: Проторенесанс (Передродження) - друга половина XIII - XIV століття; Раннє Відродження - XV століття; Високе Відродження - кінець XV - перша третина XVI ст.; Пізніше Відродження - кінець XVI ст.

Проторенесанс, або треченто, тісно пов'язаний із середньовіччям, з романськими, готичними, візантійськими традиціями, він став підготовкою Відродження. Початок нової доби пов'язаний з ім'ям Джотто ді Бондоне, якого художники Відродження вважали реформатором живопису. Джотто намітив шлях, яким пішов її розвиток: наповнення релігійних форм світським змістом, поступовий перехід від площинних зображень до об'ємних і рельєфних, наростання реалістичності. Найбільші художні школиІталії містилися в Пізі та Сієні. Творчість Нікколо та Джованні Пізано багато в чому визначила подальший розвитокіталійського мистецтва. У цей час зароджується національна література італійською мовою. Найбільший поет цієї епохи Данте зберіг у своїй творчості сліди середньовічної поезії та поєднав їх із ренесансною реалістичністю образів. У творчості поета Франческо Петрарки та родоначальника італійської літературної прози Джованні Боккаччо гуманістичні, ренесансні риси тріумфують над середньовіччям. Головним змістом літературних творів стає опис земного реального світу, людини з його переживаннями та пристрастями.

На початку XV століття Відродження Італії остаточно перемогло готику. Виникнення потужного вогнища ренесансної культури у Флоренції спричинило оновлення всієї італійської художньої культури. Творчість видатних майстрів Раннього Відродження, або кватроченто, — Донателло, Мазаччо, Боттічеллі — пройнята ідеалами гуманізму, вона піднімає людину над рівнем буденності, звеличуючи його.

XV століття стало переломним історія європейської культури. Майже водночас митці в Італії та Нідерландах звернулися до зображення земного світу та стали стверджувати етичну цінність та красу людини. Реальний світ і тілесна природа людини вимагали достовірного зображення простору та заповнення його фігурами та предметами. Розвиток мистецтва у цю епоху тісно взаємодіє зі зростанням наукових знань. З цього часу мистецтво Італії набуває реалістичної спрямованості та життєстверджуючого світського характеру, що становлять найважливішу рису Відродження. Художники Раннього Відродження використовують античну спадщину ширше та творчіше. Прагнення до пізнання світу спонукає художників до його вивчення, що сприяє розширенню їхнього кругозору, звільненню мистецтва від вузькості цехового ремесла та створенню допоміжних дисциплін. Художники цього часу відкривають закони лінійної перспективи. У цей час ренесансний стиль оформляється й у архітектурі, яку вплинула антична, готична і візантійська культура. Удосконалюється будівельна техніка, архітектори Відродження проектують будівлі і часто самі здійснюють будівництво, нерідко є і скульпторами, декораторами, живописцями.

Перша половина XV століття характеризується як початок Відродження музикою. У цей час формується ренесансний ідеал гармонії та краси, норми так званого суворого стилю. У музиці, як і в інших видах мистецтва, посилюється тенденція до зображення різноманітності світу, причому ідея різноманітності поєднується із прагненням до гармонії та пропорційності всіх елементів цілого. Відбувається переосмислення соціального статусумузики - з'являється демократична публіка, широко поширюється аматорське музикування. Зростає роль світських жанрів, виникає інтерес до танцювального мистецтва.

Нове мистецтво, що перемогло на початку XV ст. у Флоренції не відразу отримує визнання в інших областях країни. У північній Італії довго панувала готика, що поступово витісняється Ренесансом. Флоренція тим часом є центром італійського гуманізму. У середині XV століття тут було засновано Платонівську академію, яка здійснила наступний зв'язок Відродження з античністю.

Високе Відродження

Майстри Високого Відродження прагнули досягти у своїх творах гармонійного синтезу найпрекрасніших сторін дійсності. Формування мистецтва Високого Відродження розпочалося наприкінці XV століття у Флоренції. Першим художником Високого Відродження був Леонардо да Вінчі - художник-вчений, живописець, який пробував сили і в архітектурі та скульптурі, математик, дослідник природи, механік, винахідник. Він був дослідником та новатором у всіх починаннях і залишив слід в історії науки і техніки, багато в чому випередивши свій час. З самого початку творчої діяльностіЛеонардо визначилися основні особливості його мистецтва - інтерес до психологічних рішень, прагнення до лаконічності та узагальнення, до просторового розташування та об'ємності форм. Велика увагаприділяв художник розробці перспективної побудови та розташування фігур у просторі. У залишених їм нотатках про живопис міститься багато відомостей з анатомії, перспективи, взаємодії кольорів. Теоретичні праці Леонардо були опубліковані за його життя, але багато його ідеї здобули популярність і вплинули творчість низки художників. Інший найвідоміший художник Високого Відродження, Рафаель, синтезував досягнення своїх попередників і створив у традиціях гуманізму образ досконалої людини. У творах Рафаеля багато перегукується з творчістю його великих сучасників - Леонардо да Вінчі та Мікеланджело. Мікеланджело у своїй творчості відбив глибокі протиріччя свого часу, втілив тривогу та передчуття прийдешніх катастроф. Венеціанська школа займала в італійському мистецтві XVI ст. особливе місце. Тут біля витоків Високого Відродження стояв Джорджоне. У своїй творчості він прагнув ритму і гармонійної єдності, одухотвореності та психологічної виразності образів, основним мотивом його картин було єдність людини та природи. Продовжив справу Джорджоне Тіціан, роботам якого властиве земне, життєрадісне почуття. У його творчості велике значеннянадається кольору, колірним відносинам. Велике місце у творчості Тиціана займають портрети, у яких прагнув створити образ, відповідний гуманістичним ідеалам, розкрити духовний образ людини. Тіціан застосував нові прийоми живопису, які вплинули на розвиток європейського мистецтва.

Література Високого Відродження характеризується розквітом героїчної поемиЛ. Пульчі в Італії, Л. Камоенса - в Іспанії, в центрі якої - людина, народжена для великих справ. У Франції період Високого відродження представлений творчістю Франсуа Рабле. У його творі «Гаргантюа та Пантагрюель» у народній казковій та філософсько-комічній формі дана всебічна картина суспільства та його героїчних ідеалів.

У музиці періоду Високого Відродження з'являються нові жанри – мадригал, шансон, вільянсіко; набуває самостійності інструментальна музика — канцони, ричеркари, імпровізаційні п'єси — прелюдії, фантазії, токкати. Відбувається формування національних музичних шкіл- Нідерландської (Жоскен Депре, Гійом Дюфаї), італійської (Палестрина, Джезуальдо), французької (К.Жанекен), німецької, англійської, іспанської і т.д.

У період, коли Італія вступила до найвищої стадії розквіту, починається Північне Відродження. У мистецтві Північного Ренесансу більше середньовічного світогляду, релігійного почуття, символіки, воно умовніше за формою, архаїчне, менш знайоме з античністю. Філософською основою Північного Ренесансу був пантеїзм, який розчиняв Бога в природі і наділяв її божественними атрибутами. Пантеїсти вважали, що кожен шматочок природи гідний зображення, оскільки у ньому є частка Бога. Це спричинило появу пейзажу як самостійного жанру. У цей час виникає жанр портрета. Якщо в італійському Відродженні першому плані вийшла естетична сторона, то північному — етична. Німецькі художники вважали, що духовна краса важливіша за тілесну.

Пізніше Відродження. Криза Гуманізму

Пізніше Відродження характеризується кризою ідеї гуманізму і свідомістю прозаїчності буржуазного суспільства, що складається. Розчарування гуманістів походить від грандіозної невідповідності реальності ренесансним уявленням про людину. Наприкінці XVI в. це розчарування стало повсюдним. Криза гуманізму визрівала поступово, виникши в його глибині. Гуманістична спрямованість виявилася у результатах, несподіваних самих гуманістів. Так було в першій половині XVI в. публікується твір Коперника про геліоцентричну систему. Земля перестала бути центром світобудови. Людина стала маленькою і загубилася у нескінченному всесвіті.

Криза гуманізму висловилася також у створенні утопій. Перші утопісти Т. Мор та Т. Кампанелла були гуманістами. Утопічні ідеї виникли як реакція на протиріччя та неспроможності гуманізму, його нездатність відповісти на хвилюючі гуманістів питання. Утопією — за назвою вигаданої Т. Мором країни — називають фантастичний пристрій, що не має коріння насправді. ідеального суспільства. Поява утопій свідчить про втрату довіри до історії та людської природи. Утопісти відмовляють людині у творчому початку, обмежуючи її існування первинними потребами.

У мистецтві Західної Європи риси кризи гуманізму позначилися у виникненні академізму та маньєризму. Позначився розрив між мистецтвом і наукою, красою та користю, між духовним та фізичним життям людини. Вже у 20-30 рр. XVI століття поряд із Відродженням у мистецтві Італії виникають нові явища. Розлад гуманістичних ідеалів і дійсності породив невіру у можливість гармонійного розвитку особистості. Ряд художників відмовилися від класичних принципівдля пошуку нових засобів вираження. У творах цих художників порушено принципи рівноваги та гармонії, властиві мистецтву Високого Відродження. Цей напрямок отримав назву маньєризму. Остаточно він сформувався на середину XVI в. Для зрілого маньєризму характерне прагнення відгородитися від життя, поставити мистецтво вище за реальність. Новий ідеал витонченості ґрунтується на довільних нормах естетичного смаку. Позбавлене високого ідейного змісту, властивого мистецтву Відродження, мистецтво художників-маньєристів стало не лише надто манірним, а й холодним, маловиразним. У другій половині XVI століття маньєризм поширився на все європейське мистецтво, його впливу не піддається лише венеціанська школа, що зберегла вірність традиціям Ренесансу та його гуманістичним принципам, проте вона відмовляється від героїки і звертається до зображення реальних живих людей та їх оточення. Велике місце у венеціанському мистецтві займали краєвид, портрет, масові сцени. Найбільші представники венеціанської школи - Веронезе та Тінторетто. Картини Веронезе відрізняються вишуканістю барвистих поєднань, динамічністю та сміливістю композиції, більшості з них властива життєрадісність та піднесеність. В останні десятиліття XVI століття криза гуманізму Відродження вплинула і на венеціанську школу. Це помітно у творчості Тінторетто, що поєднує реалізм із маньєричною витонченістю форм.

Італійське Відродження вплинуло на мистецтво Іспанії. Іспанські художники перейняли багато в італійців, але маньєризм виявився їм ближче за духом, ніж Ренесанс. Із середини XVI ст. цей напрямок був витіснений придворним мистецтвом. Найбільш відомий іспанський художник другої половини XVI століття - Ель Греко, чия творчість ближча до венеціанської школи. Він став останнім великим представником європейського маньєризму.

У мистецтві Нідерландів XVI ст. розвиток відбувався поступово, нові риси поєднувалися зі старими. Один із напрямів у нідерландському живописі — «романізм» — звернення до мистецтва Італії, яке зазнало впливу як Ренесансу, так і маньєризму. У другій половині XVI століття в Нідерландах розвивався жанр портрета, складався його новий різновид — груповий портрет. Виділяється у самостійний жанр побутова картина. Найбільший художникНідерландів - Пітер Брейгель, чиє мистецтво національно за формою та змістом. Брейгель яскраво відбиває сучасне йому життя.

Італійське мистецтво Відродження вплинуло і на культуру Німеччини. Німецькі художники долучаються до здобутків Ренесансу, опановують науковими засадамимистецтва. Для німецького мистецтва XVI ст. характерно розширення тематики, оволодіння зображенням простору та людського тіла. Серед художників Німеччини XVI століття виділяється Альбрехт Дюрер, живописець та гравер, який залишив трактати з теорії мистецтва. Дюрер, крім живопису та графіки, займався також природничими та точними науками, втілюючи ренесансний тип художника-вченого. Інші великі німецькі художникина той час — Лукас Кранах, Ганс Гольбейн.

Вищий зліт літератури Пізнього Відродження - драми Шекспіра та романи Сервантеса. Найбільш відомим твором Сервантеса став роман Хитромудрий ідальгоДон-Кіхот Ламанчський», в якому письменник дав широку реалістичну картину життя Іспанії. «Дон Кіхот» пародує лицарські романи, вводячи героя в чуже йому середовище. Романтично налаштований ідальго неспроможна зрозуміти, що час лицарських подвигів минув. Драма невдачливого лицаря близька Сервантесу, який, як і значної частини іспанського дворянства на той час, було пристосуватися до нових умов життя і відчував свою нікчемність. Інші твори Сервантеса, наприклад, «Навчальні новели», стали своєрідним описом сучасних авторів вдач.

У творчості найбільшого драматургацієї епохи Шекспіра криза гуманізму знайшла особливо яскраве втілення в образі Гамлета, який розривається між гуманістичними ідеалами та необхідністю діяти в умовах далеко не ідеального суспільства, де будь-яка дія суперечить духу гуманізму. Творчість Шекспіра виявилося багатством ідей і пристрастей, що виникали в переломну епоху. Література цього періоду звертається до земної природи людини, її почуттів та пристрастей, боротьби за реальні інтереси. Нова особистість, ініціативна та заповзятлива, виступає в ній на перший план. Історичні драми Шекспіра відтворюють найбільш трагічні моменти англійської історіїі пройняті думками про велич Англії. У творах Шекспіра відбилися протиріччя свідомості, сумніви та коливання переломної доби.

Музика наприкінці XVI століття піддається тим самим змінам, як і інші види мистецтв. Часто музику цього періоду відносять до маньєризму. У той самий час відбувається розвиток музичних жанрів. У другій половині століття з'являються жанри опери та балету. Велику роль формуванні опери зіграв К. Монтеверді, який розвивав традиції ренесансної музикиі прагнув єдності драматичного та музичного почав. Інший великий композиторкінця XVI ст., О. Лассо, поєднав у своїх творах нідерландську, німецьку, французьку та італійську музичну культуру. Гуманістичні риси Відродження відбилися у творчості глави римської школи Дж.Палестріни.

Мистецтво Італії у XVI ст. ще переживає розквіт, але у другій половині століття художник перестає відчувати себе божественним творцем. Зіткнення гуманістичного ідеалу з реальністю викликає глибоке розчарування. Гуманісти почали розглядати свої уявлення про людину не з погляду вічності, а в конкретних життєвих ситуаціях, і тоді їхній гуманізм, зазнавши радикальних змін і перетворення, став світоглядом зовсім не ренесансного типу.

Висновок

Мистецтво під час відродження було основним видом духовної діяльності. Майже не було людей, байдужих до мистецтва. Художні творинайповніше висловлюють ідеал гармонійного світу, і місце людини у ньому. Це завдання різною мірою підпорядковані всі види мистецтва.

Основні етапи та жанри літератури епохи Відродження пов'язані з еволюцією гуманістичних концепцій у період Раннього, вищого та Пізнього Відродження. Для літератури Раннього Ренесансу характерна новела, особливо комічна, що прославляє підприємливу та вільну від забобонів особистість. Високе Відродження відзначено розквітом героїчної поеми. У період Пізнього Відродження розвиваються жанри роману і драми, засновані на трагічних та трагікомічних конфліктах між героїчною особистістю та негідною людиною системою суспільного життя.

Прогресивний гуманістичний зміст культури Відродження набуває яскравого вираження в театральному мистецтві, що зазнає значного впливу античної драматургії. Для нього характерний інтерес до внутрішнього світу людини, наділеної яскравою індивідуальністю. У театрі епохи Відродження розвиваються традиції народного мистецтва, поєднуються трагічні та комічні елементи, як у театрі Італії, Іспанії, Англії. У XVI столітті в Італії розвивається імпровізаційна комедія дель арте. Найвищого розквіту досягло театральне мистецтво Відродження у творчості Шекспіра.

Професійна музика в епоху Відродження переймається новим гуманістичним світовідчуттям, перестає бути суто церковним мистецтвом і зазнає впливу народної музики. З'являються різні жанри світського музичного мистецтва- Фроттала і вілланелла в Італії, Вільянсіка в Іспанії, балада в Англії, мадригал, що поширився з Італії на все європейські країни. Складаються нові жанри інструментальної музики, висуваються національні школи виконання на органі, лютні. Завершують епоху Відродження появу нових музичних жанрів – сольних пісень, опер, ораторій.

Найбільш повно ідеали Відродження висловили архітектура, скульптура, живопис, причому живопис у період виходить першому плані, відтіснивши архітектуру. Це тим, що з живопису було більше можливостей відобразити реальний світ, його красу, багатство і різноманітність.

Характерна риса культури Відродження - тісний зв'язок науки та мистецтва. Художники, прагнучи найповніше відобразити всі природні форми, звертаються до наукового знання. Виробляється нова системахудожнього бачення світу Митці Відродження розробляють принципи лінійної перспективи. Це відкриття допомогло розширити коло зображуваних явищ, включити у мальовничий простір пейзаж, архітектуру, перетворивши картину своєрідне вікно світ. Поєднання вченого та художника в одній творчій особистості було можливе лише в епоху Ренесансу. Титани Відродження - Леонардо да Вінчі, Мікеланджело Буонаротті, Рафаель Санті, Альбрехт Дюрер, найбільші художники-науковці, втілили характерні рисиРенесансу - універсальність, різнобічність, творчу обдарованість. В епоху Відродження зароджуються та розвиваються нові стилі та напрямки, що багато в чому визначили як розквіт сучасної культури, так і подальший її розвиток.

Для європейців закінчився період похмурого Середньовіччя, який змінився епохою Відродження. Вона дозволила відродити майже зниклу спадщину Античності та створити великі витвори мистецтва. Важливу роль розвитку людства зіграли і діячі науки епохи Відродження.

Парадигма

Криза та знищення Візантії призвели до появи в Європі тисяч емігрантів-християн, які привезли із собою книги. У цих манускриптах було зібрано знання античного періоду, напівзабуті на заході континенту. Вони стали основою гуманізму, що ставив на чільне місце людини, його ідеї та прагнення до свободи. Згодом у містах, де зросла роль банкірів, ремісників, торговців і майстрових, стали виникати світські центри науки та освіти, які не лише перебували під владою католицької церкви, а й нерідко боролися з її диктатом.

Живопис Джотто (епоха Відродження)

Діячі мистецтва в Середньовіччі створювали твори переважно релігійного змісту. Зокрема, довгий час основним жанром живопису був іконопис. Першим, хто наважився вивести на своїх полотнах звичайних людей, а також відмовитися від канонічної манери листа, притаманної візантійській школі, був Джотто ді Бондоне, якого вважають піонером Проторенесансу. На фресках церкви Сан Франческо, розташованої у місті Ассізі, він використав гру світлотіні та відійшов від загальноприйнятої композиційної будови. Однак головним шедевром Джотто став розпис капели дель Арена в Падуї. Цікаво, що відразу після цього замовлення художника покликали прикрасити міську ратушу. У роботі над однією з картин, щоб досягти найбільшої достовірності у зображенні «небесного знамення», Джотто консультувався з астрономом П'єтро д'Абано. Таким чином, завдяки цьому художнику живопис перестав зображати людей, предмети та явища природи згідно з певними канонами і став більш реалістичним.

Леонардо Да Вінчі

Багато діячів епохи Відродження мали різнобічний талант. Однак нікому з них не зрівнятися з його багатогранності з Леонардо да Вінчі. Він виявив себе як видатний живописець, архітектор, скульптор, анатом, природознавець та інженер.

У 1466 році Леонардо да Вінчі вирушив навчатися у Флоренцію, де окрім живопису вивчав хімію та креслення, а також набув навичок роботи з металом, шкірою та гіпсом.

Вже перші мальовничі полотна художника виділили його серед товаришів із цеху. За своє довге, на ті часи, 68-річне життя Леонардо да Вінчі створив такі шедеври, як «Мона Ліза», «Іоанн Хреститель», «Дама з горностаєм», « таємна вечеря» та ін.

Як і інші визначні діячі епохи Відродження, художник цікавився наукою та інженерною справою. Зокрема, відомо, що винайдений ним пістолетний колесцевий замок використовувався аж до 19 століття. Крім того, Леонардо да Вінчі були створені креслення парашута, літальної машини, прожектора, зорової труби з двома лінзами та ін.

Мікеланджело

Коли обговорюється питання, що дали світові діячі епохи Відродження, список їх досягнень обов'язково містить твори цього видатного архітектора, художника і скульптора.

До найбільш відомих творів Мікеланджело Буонарроті відносяться фрески стелі Сікстинської капели, статуя Давида, скульптура Бахуса, мармурова статуя Мадонни Брюгге, мальовниче полотно«Мучиння Святого Антонія» та багато інших шедеврів світового мистецтва.

Рафаель Санті

Художник народився 1483 року і прожив лише 37 років. Однак велика спадщина Рафаеля Санті ставить його в перші рядки будь-якого символічного рейтингу «Видатні діячі епохи Відродження».

До шедеврів художника ставляться «Коронування Марії» для вівтаря Одді, «Портрет П'єтро Бембо», «Дама з єдинорогом», численні фрески, замовлені для Станці делла Сеньятура та інших.

Вершиною творчості Рафаеля вважається "Сікстинська мадонна", створена для вівтаря храму монастиря св. Сікста у П'яченці. Ця картина робить на будь-кого, хто її бачить, незабутнє враження, оскільки зображена на ній Марія незбагненним чином поєднує в собі земну та небесну сутність Богоматері.

Альбрехт Дюрер

Відомі діячі доби Відродження були не лише італійцями. До них належить і німецький живописець і майстер гравюр Альбрехт Дюрер, який народився в Нюрнберзі в 1471 році. Найбільш значущими його роботами є «Вівтар Ландауера», автопортрет (1500), полотно «Свято вінків з троянд», три «Майстерні гравюри». Останні вважаються шедеврами графічного мистецтва всіх часів та народів.

Тіціан

Великі діячі епохи Відродження у сфері живопису залишили нам зображення найвідоміших сучасників. Одним із видатних портретистів цього періоду європейського мистецтва був Тіціан, що походив із відомого роду Вечелліо. Він увічнив на полотні Федеріко Гонзага, Карла V, Клариссу Строцці, П'єтро Аретіно, архітектора Джуліо Романо та багатьох інших. Крім того, його пензлі належать полотну на сюжети з античної міфології. Про те, наскільки високо митця цінували сучасники, свідчить той факт, що одного разу кисть, що впала з рук Тиціана, поспішив підібрати імператор Карл V. Монарх пояснив свій вчинок тим, що прислуговувати такому майстрові — це честь для будь-кого.

Сандро Ботічеллі

Художник народився 1445 року. Спочатку він збирався стати ювеліром, проте потім потрапив до майстерні Андреа Верроккьо, у якого свого часу навчався Леонардо да Вінчі. Поруч із творами релігійної тематики художник створив кілька картин світського змісту. До шедеврів Ботічеллі відносяться полотна «Народження Венери», «Весна», «Паллада та Кентавр» та багато інших.

Данте Аліг'єрі

Великі діячі епохи Відродження залишили свій незабутній слід і у світовій літературі. Одним із найвидатніших поетів цього періоду є Данте Аліг'єрі, який народився у 1265 році у Флоренції. У віці 37 років він був вигнаний із рідного міста через свої політичних поглядіві блукав до останніх років свого життя.

Ще в дитинстві Данте закохався у свою ровесницю Беатріче Портінарі. Подорослішавши, дівчина вийшла заміж за іншого та померла у віці 24 років. Беатріче стала музою поета, і саме їй він присвячував свої твори, у тому числі повість «Нове життя». В 1306 Данте приступає до створення своєї «Божественної комедії», над якою працює майже 15 років. У ньому він викриває вади італійського суспільства, злочини римських пап і кардиналів, а «раю» поміщає свою Беатриче.

Вільям Шекспір

Хоча ідеї Відродження потрапили на Британські острови з деяким запізненням, там також було створено визначні витвори мистецтва.

Зокрема, в Англії творив один із найвідоміших драматургів в історії людства - Вільям Шекспір. Його п'єси вже понад 500 років не сходять із театральних підмостків у всіх куточках планети. Його перу належать трагедії "Отелло", "Ромео і Джульєтта", "Гамлет", "Макбет", а також комедії "Дванадцята ніч", "Багато шуму з нічого" та багато інших. Крім того, Шекспір ​​відомий своїми сонетами, присвяченими таємничій Смаглявій дамі.

Леон Баттіста Альберті

Епоха Відродження сприяла і зміну образу європейських міст. У цей період було створено великі архітектурні шедеври, включаючи римський собор св. Петра, сходи Лауренціани, Флорентійський собор та ін. Поряд з Мікеланджело, до знаменитих архітекторів епохи Відродження належить відомий вчений Леон Баттіста Альберті. Він зробив величезний внесок у архітектуру, в теорію мистецтва та літературу. До сфери його інтересів входили також проблеми педагогіки та етики, математика та картографія. Він створив один із перших наукових працьз архітектури, під назвою «Десять книг про архітектуру». Ця робота мала величезний вплив на наступні поколінняйого колег.

Тепер вам відомі найвідоміші діячі культури епохи Відродження, завдяки яким людська цивілізаціявийшла на новий витоксвого розвитку.

З кінця XV століття Італія починає зазнавати всіх наслідків невигідного для неї економічного суперництва з Португалією, Іспанією та Нідерландами. Північні міста Європи організовують ряд військових походів на розрізнену Італію, що втрачає свою могутність. Цей важкий період викликає до життя ідею об'єднання країни, ідею, яка не могла не хвилювати найкращі уми Італії. Загальновідомо, що певні періоди розквіту мистецтва можуть збігатися із загальним розвитком суспільства, його матеріальним, економічним статусом. У важкі для Італії часи і настає недовге «золоте століття» італійського Відродження – так званий Високий Ренесанс, найвища точка розквіту італійського мистецтва. Високий Ренесанс збігся, таким чином, із періодом запеклої боротьби італійських міст за незалежність. Мистецтво цього часу було пронизане гуманізмом, вірою у творчі сили людини, в необмеженість його можливостей, у розумний устрій світу, у торжество прогресу. У мистецтві першому плані висунулися проблеми громадянського обов'язку, високих моральних якостей, подвигу, образ прекрасного, гармонійно розвиненого, сильного духом і тілом людини-героя, що зуміла піднятися над рівнем повсякденності. Пошук такого ідеалу і привів мистецтво до синтезу, узагальнення, розкриття загальних закономірностей явищ, виявлення їх логічного взаємозв'язку. Мистецтво Високого Ренесансу відмовляється від частковостей, незначних подробиць в ім'я узагальненого образу, в ім'я прагнення гармонійного синтезу прекрасних сторін життя. У цьому одна з головних відмінностей Високого Відродження від раннього.

Засновником мистецтва Чинквенченто можна вважати:

ЛЕОНАРДО ДА ВІНЧІ. (1452-1519).

Леонардо да Вінчі (1452-1519) став першим художником, наочно втіливши цю відмінність. Він народився в Анкіано, біля селища Вінчі; батько його був нотаріусом, що перебрався 1469 р. у Флоренцію. Першим учителем Леонардо був Андреа Вероккіо. Фігура ангела в картині вчителя «Хрещення» вже виразно демонструє різницю у сприйнятті світу художником минулої доби та нової доби: жодної фронтальної площинності Вероккіо, найтонше світлотіньове моделювання обсягу та надзвичайна одухотвореність образу. На час відходу з майстерні Вероккіо дослідники відносять «Мадонну з квіткою» (« Мадонна Бенуа», як вона називалася раніше, на ім'я власників). У цей час Леонардо, безсумнівно, деякий час перебував під впливом Боттічеллі. Його «Благовіщення» за деталізацією ще виявляє тісні зв'язки з Кватроченто, але спокійна, досконала краса фігур Марії та архангела, колірний лад картини, композиційна впорядкованість говорять про світогляд художника нової доби, характерний для Високого Ренесансу.

Від 80-х XV в. збереглися дві незакінчені композиції Леонардо: «Поклоніння волхвів» та «Св. Ієронім». Ймовірно, в середині 80-х років була створена в старовинній техніці темпери і «Мадонна Літта», в образі якої знайшов вираз тип леонардівської жіночої краси: важкі напівопущені повіки та ледь вловима посмішка надають особі мадонни особливу одухотвореність.

Флоренція, однак, ніби була не дуже привітна до художника в ці роки, і в 1482 р., дізнавшись, що герцог Міланський Лодовіко Сфорца, більш відомий як Лодовіко Моро, шукає скульптора для виконання пам'ятника своєму батькові Франческо Сфорцу, Леонардо пропонує свої послуги герцогу і їде до Мілана. Зауважимо, що у листі до Моро Леонардо передусім перерахував свої досягнення військового інженера (упорядника мостів, фортифікатора, «артилериста», будівельника судів), меліоратора, архітектора і потім скульптора і художника. Поєднуючи науковий і творчий початок, володіючи як логічним, і художнім мисленням, Леонардо все життя займався вченими дослідженнями нарівні з образотворчим мистецтвом; відволікаючись, він здавався повільним і залишив по собі трохи витворів мистецтва. При міланському дворі Леонардо працював як художник, науковець, винахідник, як математик і анатом. Разом з тим, потрапивши на службу до Моро, він здається ніби створеним для світського життя, подібного до того, яке веде міланський вельможа.

Зміцнення та прикраса міланської фортеці (Castello Sforzesсо), оформлення постійних свят та численних весіль, наукові заняття відривали Леонардо від мистецтва. При цьому міланський період, що тривав з 1482 по 1499 р., був одним із найплідніших у творчості майстра, який відкрив початок його художньої зрілості. Саме з цього часу Леонардо стає провідним художником Італії: в архітектурі він зайнятий проектуванням ідеального міста, у скульптурі – створенням кінного монумента, у живописі – написанням великого вівтарного образу. І кожне зі створених ним творінь було відкриттям у мистецтві. Першим великим твором, який він виконав у Мілані, була Мадонна в скелях (або Мадонна в гроті). Це перша монументальна вівтарна композиція Високого Ренесансу, цікава ще й тим, що у ній повною мірою висловились особливості леонардівської манери письма. Створивши в зображенні мадонни з немовлятами Христом і Іоанном і ангелом образ узагальнений, збірний, ідеально прекрасний за збереження всіх рис життєвої переконливості, Леонардо хіба що підбив підсумок всім шуканням епохи Кватроченто і звернув погляд у майбутнє. Композиція картини конструктивна, логічна, суворо вивірена. Група з чотирьох людей утворює піраміду, але жест руки Марії і вказівний перст ангела створюють усередині картини рух по колу, і погляд природно переходить від одного до іншого. Від фігур мадонни і ангела виходить спокій, але разом з тим вони вселяють і якесь почуття загадковості, таємничості, що турбує, підкреслене фантастичним виглядом самого грота і пейзажним фоном. По суті, це вже не просто пейзажне тло, а певне середовище, в якому взаємодіють зображені обличчя. Створенню цього середовища сприяє і та особлива якість живопису Леонардо, яка отримала назву «сфумато»: повітряний серпанок, що огортає всі предмети, пом'якшує контури, що утворює певну світло-повітряну атмосферу.

Найбільшою роботою Леонардо в Мілані, найвищим досягненням його мистецтва був розпис стіни трапезного монастиря Санта Марія делла Граціє на сюжет «Таємної вечері» (1495-1498). Христос востаннє зустрічається за вечерею зі своїми учнями, щоб оголосити їм про зраду одного з них. «Істинно кажу вам, один із вас зрадить мене». Леонардо зобразив момент реакції всіх дванадцяти на слова вчителя. Ця реакція різна, але у картині немає жодної зовнішньої афектації, все повно стриманого внутрішнього руху. Художник багато разів змінював композицію, але не змінив головного принципу: основою композиції покладено точний математичний розрахунок. За довгим столом, паралельно лінії полотна сидять тринадцять чоловік: двоє – у профіль до глядача з боків столу, а одинадцять – обличчям. Замком композиції є постать Христа, поміщена у центрі, і натомість дверного отвору, яким відкривається пейзаж; очі Христа опущені, на обличчі покірність вищій волі, смуток, свідомість неминучості долі, що чекає його. Інші дванадцять людей розбиті на чотири групи по три особи в кожній. Всі обличчя висвітлені, за винятком Юди, зверненого у профіль до глядача і спиною до джерела світла, що відповідало задуму Леонардо: виділити його серед інших учнів, зробити майже фізично відчутною його чорну, зрадницьку суть.

Для Леонардо мистецтво та наука існували нероздільно. Займаючись мистецтвом, він робив наукові пошуки, досліди, спостереження, він виходив через перспективу в область оптики та фізики, через проблеми пропорцій – в анатомію та математику тощо. Вона є також і новим етапом у мистецтві. Багато художників Кватроченто писали «Таємну вечерю». Для Леонардо головне - через реакцію різних людей, характерів, темпераментів, індивідуальностей розкрити одвічні питання людства: про любов і ненависть, відданість і зраду, шляхетність і підлість, користолюбство, що робить твір Леонардо таким сучасним, таким хвилюючим і донині. По-різному виявляють себе люди в момент душевного потрясіння: весь поник, лагідно опустивши очі, улюблений учень Христа Іван, схопився за ніж Петро, ​​розвів у подиві руками Яків, судорожно підняв руки Андрій. У стані повного спокою, зануреності у собі перебуває лише Христос, постать якого -смисловий, просторовий, колористичний центр картини, що повідомляє єдність всієї композиції. Сині та червоні тони, що панують у розписі, не випадково найінтенсивніше звучать в одязі Христа: синій плащ, червоний хітон.

На відміну від багатьох робіт Кватроченто в розписі Леонардо немає жодних ілюзіоністичних прийомів, що дозволяють реальному простору переходити до зображуваного. Але розташований уздовж стіни трапезний розпис підкорив собі весь інтер'єр. І це леонардівське вміння підкорити собі простір великою мірою проклало шлях Рафаелю та Мікеланджело.

Доля стінопису Леонардо трагічна: він сам поспішав швидкому її обсипанню, роблячи досліди змішування темпери та олії, експериментуючи над фарбами та ґрунтом. Пізніше в стіні були пробиті двері і в трапезну стали проникати волога та пари, що не сприяло збереженню живопису. Ті, що увірвалися наприкінці XVIII ст. до Італії бонапартисти влаштували в трапезну стайню, склад зерна, потім в'язницю. У Другу світову війнув трапезну потрапила бомба, і стіна лише дивом уціліла, тоді як протилежна і бічні стіни впали. У 50-х роках розпис був очищений від нашарувань і фундаментально реставрований.

Від занять анатомією, геометрією, фортифікацією, меліорацією, лінгвістикою, віршуванням, музикою Леонардо відривався для роботи над «Конем» - кінним пам'ятником Франческо Сфорца, заради якого він перш за все і приїхав до Мілана і який на початку 90-х років виконав у повний розмір у глині. Пам'ятнику не судилося втілитись у бронзі: у 1499 р. французи вторглися до Мілана і гасконські арбалетники розстріляли кінний монумент. Ми можемо судити про скульптуру Леонардо за його малюнками, виконаними на різних стадіях роботи. Монумент висотою близько 7 м мав у 1,5 рази перевищувати кінні статуї Донателло та Вероккіо, недарма сучасники називали його «великим колосом». Від динамічної композиції з вершником на здибленому коні, що зневажає противника, Леонардо йшов до спокійнішого рішення фігури Сфорца, який урочисто сидить на могутньому коні. З 1499 починаються роки поневірянь Леонардо: Мантуя, Венеція і, нарешті, рідне місто художника - Флоренція, де він пише картон «Св. Анна з Марією на колінах », яким створює картину маслом в Мілані (куди повернувся в 1506 р.). Недовгий час Леонардо пробув на службі у Цезаря Борджіа, а навесні 1503 повернувся до Флоренції, де отримав від П'єтро Содеріні, тепер довічного гонфалоньєра, замовлення на розпис стіни нового залу палаццо Синьорії (протилежну стіну мав розписувати Мікеланджело). Леонардо виконав картон на тему битви міланців і флорентійців при Ангіарі - момент запеклої битви за прапор, Мікеланджело - битву при Кашині - момент, коли за сигналом тривоги солдати виходять із ставка. Сучасники залишили свідчення, що другий картон користувався великим успіхом саме тому, що на ньому зображена не люта, майже звіряча злість, лють і збудження людей, що схопилися на смерть, як у Леонардо, а прекрасні молоді здорові юнаки, що поспішають одягнутися і вступити в бій, - піднесений образ героїзму та доблесті. Але обидва картони не збереглися, втілені у живопису були, і про леонардовском задумі знаємо лише з кількох малюнках. У Флоренції Леонардо було розпочато ще одну мальовничу роботу: портрет дружини купця дель Джокондо Мони Лізи, який став однією з найзнаменитіших картин у світі. Про портрет написано сотні сторінок: як Леонардо обставляв сеанси, запрошуючи музикантів, щоб не згасла на обличчі моделі посмішка, як довго (що характерно для Леонардо) тягнув із роботою, як прагнув досконало передати кожну рису цього живого обличчя. Портрет Мони Лізи Джоконди – це вирішальний крок на шляху розвитку ренесансного мистецтва. Вперше портретний жанр став в один рівень із композиціями на релігійну та міфологічну теми. При всій безперечній фізіономічній схожості портрети Кватроченто відрізнялися якщо не зовнішньою, то внутрішньою скутістю. Величавість Моне Лізі повідомляє вже одне зіставлення її сильно висунутої до краю полотна підкреслено об'ємної фігури з видимим ніби здалеку ландшафтом зі скелями і струмками, що тане, манить, невловиме і тому при всій реальності мотиву фантастичним. Ця ж невловимість є і в самому образі Джоконди, в її обличчі, в якому відчувається вольовий початок, напружене інтелектуальне життя, в його погляді, розумному і проникливому, ніби невідривно стежать за глядачем, в її ледь помітній посмішці, що зачаровує.

У портреті Мони Лізи досягнуто ступеня узагальнення, яка, зберігаючи всю неповторність зображеної індивідуальності, дозволяє розглядати образ як типовий для епохи Високого Ренесансу. І в цьому насамперед відмінність леонардівського портрета від портретів раннього Відродження. Це узагальнення, головна ідея якого – почуття власної значущості, високе право на самостійне духовне життя, досягнуте цілою низкою певних формальних моментів: і плавним контуром фігури, і м'яким моделюванням обличчя та рук, оповитих леонардівським «сфумато». При цьому, ніде не впадаючи в дріб'язкову деталізацію, не допускаючи жодної натуралістичної ноти, Леонардо створює таке відчуття живого тіла, яке дозволило Вазарі ще вигукнути, ніби в поглибленні шиї Мони Лізи можна бачити биття пульсу.

У 1506 р. Леонардо їде до Мілана, який належав вже французам. Останні роки на батьківщині - це роки поневірянь між Флоренцією, Римом, Міланом, заповнені, проте, і науковими дослідженнями, і творчими заняттями, переважно живописом. Тягаючись власною невлаштованістю, відчуттям невизнаності, почуттям самотності у своїй рідній Флоренції, що роздирається, як і вся Італія, зовнішніми і внутрішніми ворогами, Леонардо в 1515 р. на пропозицію французького короля Франциска I назавжди їде до Франції. Леонардо був видатним художником свого часу, генієм, який відкрив нові горизонти мистецтва. Він залишив по собі небагато творів, але кожен з них став етапом в історії культури. Леонардо відомий також як різнобічний учений. Його наукові відкриття, наприклад, його дослідження в галузі літальних апаратів становлять інтерес і в наш час космонавтики. Тисячі сторінок рукописів Леонардо, охоплюючи буквально всі галузі знання, свідчать про універсальність його генія.

Яскравим виразом класичної лінії в мистецтві Високого Відродження, де людина досконала, а світ знаходиться в рівновазі та гармонії, став урбінець:

Рафаель Ель Санті (1483-1520).

Ідеї ​​монументального мистецтва Відродження, в яких злилися традиції античності та дух християнства, знайшли найяскравіший вираз у творчості Рафаеля (1483-1520). У його мистецтві набули зрілого рішення два основних завдання: пластична досконалість людського тіла, що виражає внутрішню гармонію всебічно розвиненої особистості, в чому Рафаель слідував античності, і складна багатофігурна композиція, що передає все різноманіття світу. Проблеми ці були вирішені ще Леонардо у «Таємній вечорі» із властивою йому логікою. Рафаель збагатив ці можливості, досягнувши разючої свободи у зображенні простору та руху в ньому людської фігури, бездоганної гармонії між середовищем та людиною. Різноманітні життєві явища під пензлем Рафаеля просто й природно складалися в архітектонічно ясну композицію, але за цим стояли сувора вивіреність кожної деталі, невловима логіка побудови, мудре самообмеження, що робить його твори класичними. Ніхто з майстрів Відродження не сприйняв так глибоко та природно язичницьку сутність античності, як Рафаель; недарма його вважають художником, який найбільш повно зв'язав античні традиції із західноєвропейським мистецтвом нової пори.

Рафаель Санті народився 1483 р. у місті Урбіно, одному з центрів художньої культури Італії, при дворі герцога урбінського, в сім'ї придворного живописця та поета, який і став першим учителем майбутнього майстра. Ранній період творчості Рафаеля чудово характеризує невелика картина у формі тондо «Мадонна Конестабіліз», з її простотою і лаконізмом суворо відібраних деталей (при всій боязкості композиції) і особливим, властивим усім роботам Рафаеля, тонким ліризмом і почуттям умиротворення. У 1500 р. Рафаель виїхав з Урбіно в Перуджу вчитися в майстерні відомого умбрійського художника Перуджино, під впливом якого написано «Заручини Марії» (1504). Почуття ритму, пропорційності пластичних мас, просторових інтервалів, співвідношення фігур і фону, узгодження основних тонів (в «Заручини» це золотисті, червоні та зелені у поєднанні з ніжно-блакитним фоном неба) і створюють ту гармонію, яка проявляється вже в ранніх роботахРафаеля і відрізняє його від художників попередньої доби. У 1504 р. Рафаель перебирається до Флоренції, художня атмосфера якої була насичена вже віяннями Високого Ренесансу та сприяла його пошукам досконалого гармонійного образу.

Протягом усього життя Рафаель шукає цей образ у мадонні, його численні твори, які тлумачать образ мадонни, здобули всесвітню славу. Заслуга художника насамперед у тому, що він зумів втілити всі найтонші відтінки почуттів в ідеї материнства, поєднати ліричність та глибоку емоційність із монументальною величчю. Це видно у всіх його мадоннах, починаючи з юнацько боязкістю «Мадонни Конестабілізі»: у «Мадонні в зелені», «Мадонні зі щілинкою», «Мадонні в кріслі» і особливо у вершині рафаельєвського духу та майстерності – у «Сікстинській мадонні». Безперечно, це був шлях подолання простодушного тлумачення безтурботної та світлої материнської любові до образу, насиченого високою духовністю та трагізмом, побудованого на досконалому гармонійному ритмі: пластичному, колористичному, лінійному. Але це був шлях послідовної ідеалізації. Однак у «Сікстинській мадонні» цей ідеалізуючий початок відсувається на задній план і поступається місцем трагічному почуттю, що виходить від цієї ідеально прекрасної молодої жінки з немовлям-Богом на руках, якого вона віддає на викуп людських гріхів. Погляд мадонни, спрямований повз, вірніше крізь глядача, сповнений скорботного передбачення трагічної долі сина (погляд якого також недитяче серйозний). «Сикстинська мадонна» - один із найдосконаліших творів Рафаеля і з мови: постать Марії з немовлям, що строго вимальовується на тлі неба, об'єднана загальним ритмом руху з постатями св. Варвари та Папи Сикста II, жести яких звернені до мадонни, як і погляди двох ангелів (більш схожих на шляхті, що так характерно для Відродження), – у нижній частині композиції. Фігури об'єднані й загальним золотим колоритом, що ніби уособлює Божественне сяйво. Але головне - це тип обличчя мадонни, у якому втілено синтез античного ідеалу краси з духовністю християнського ідеалу, що так характерно світогляду Високого Відродження. «Сікстинська мадонна» – пізніше твір Рафаеля. До цього, 1509 р., Папа Юлій II запрошує молодого художника до Риму для розпису особистих папських кімнат (станц) у Ватиканському палаці. У початку XVIв. Рим стає основним культурним центром Італії. Мистецтво Високого Відродження досягає свого найвищого розквіту в цьому місті, де волею пап меценатств Юлія II і Лева Х працюють одночасно такі художники, як Браманте, Мікеланджело і Рафаель. Мистецтво розвивається під знаком національної єдності (бо папи мріяли про об'єднання країни під своєю владою), живляться античними традиціями, висловлює ідеологію гуманізму. Загальна ідейна програма розпису папських кімнат – служити прославленню авторитету католицької церкви та її глави – Папи.

Рафаель розписує перші два станці. У станці делла Сеньятура (кімнаті підписів, печаток) він написав чотири фрески-алегорії основних сфер духовної діяльності людини: філософії, поезії, богослов'я та юриспруденції. Для мистецтва середньовіччя та раннього Відродження було властиво зображати науки та мистецтва в образі окремих алегоричних постатей. Рафаель вирішив ці теми у вигляді багатофігурних композицій, які іноді представляють справжні групові портрети, цікаві як своєю індивідуалізацією, і типовістю. Саме у цих портретах Рафаель втілив гуманістичний ідеал досконалої інтелектуальної людини, за поданням Ренесансу. Офіційна програма розпису станці делла Сеньятура була відображенням ідеї примирення християнської релігії з античною культурою. Художня реалізація цієї програми Рафаелем – сином свого часу – вилилася у перемогу світського початку над церковним. У фресці «Афінська школа», що уособлює філософію, Рафаель представив Платона та Аристотеля в оточенні філософів та вчених різних періодів історії. Їхні жести (один вказує на небо, інший - на землю) характеризують істоту відмінностей їх навчань. Справа в образі Евкліда Рафаель зобразив свого великого сучасника архітектора Браманте; далі представлені знамениті астрономи та математики; біля краю правої групи художник написав себе. На сходах він зобразив засновника школи кініків Діогена, в лівій групі - Сократа, Піфагора, на передньому плані, у стані глибокої задумливості, - Геракліта Ефеського. За припущенням деяких дослідників, величний і прекрасний образ Платона був навіяний неабияким виглядом Леонардо, а Геракліті Рафаель зобразив Мікеланджело. Але як не виразні зображені Рафаелем індивідуальності, головним у розписі залишається загальна атмосфера високої духовності, відчуття сили та могутності людського духу та розуму.

Платон з Аристотелем, як і інші античні мудреці, мали символізувати симпатії пап язичницької античності. Розміщені вільно у просторі, у різноманітних ритмі та русі, окремі групи об'єднані фігурами Аристотеля та Платона. Логіка, абсолютна стійкість, ясність та простота композиції викликають у глядача враження надзвичайної цілісності та дивовижної гармонійності. У фресці «Парнас», що втілює поезію, зображений Аполлон серед муз і поетів - від Гомера і Сафо до Данте. Складність композиції полягала в тому, що фреска "Парнас" розміщена на стіні, розірваній отвором вікна. Зображенням жіночої фігури, що спирається на лиштву, Рафаель вміло зв'язав загальну композиціюіз формою вікна. Образ Данте двічі повторюється у фресках Рафаеля: вкотре він зобразив великого поета в алегорії богослов'я, найчастіше неправильно названої «Диспута», серед художників і філософів Кватроченто (Фра Анжеліко, Савонароли та інших.). Четверта фреска станці делла Сеньятура «Міра, Мудрість та Сила» присвячена юриспруденції.

У другій кімнаті, званій «станца Еліодора», Рафаель написав фрески на історичні та легендарні сюжети, що прославляють римських пап: «Вигнання Еліодора» - на сюжет Біблії про те, як кара Господня в образі ангела - прекрасного вершника в золотих обладунках-обрушилася на сирійського вождя Еліодора, який намагався викрасти з Єрусалимського храму золото, призначене для вдів та сиріт. Рафаель, який працював на замовлення Юлія II, не випадково звертається до цієї теми: французи готуються до походу до Італії і Папа нагадує про Боже покарання всіх, хто зазіхне на Рим. Недарма Рафаель увів у композицію і зображення самого Папи, якого несуть у кріслі до поваленого злочинця. Прославленню пап, їхній чудодійній силі присвячені й інші фрески: «Меса в Больсені», «Зустріч Папи Лева I з Аттілою», - причому в першій Папі надано риси Юлія II, і це один із найвиразніших його портретів, а в останній - Лева X. У фресках другої станці Рафаель приділяв велику увагу не лінійної архітектоніки, а ролі кольору та світла. Особливо це видно на фресці «Виведення апостола Петра з в'язниці». Триразова поява ангела в трьох сценах, зображених на одній площині стіни, в єдиній композиції (що саме по собі було архаїчним прийомом), представлено у складному висвітленні різних джерел світла: місяця, смолоскипів, сяйва, що походить від ангела, що створюють велику емоційну напругу. Це одна з найдраматичніших і найтонших за колоритом фресок. Інші фрески ватиканських станцій були написані учнями Рафаеля за його ескізами. Учні допомагали Рафаелю і в розписі прилеглих до кімнат Папи лоджій Ватикану, розписаних за його ескізами і під його спостереженням мотивами античних орнаментів, почерпнутих переважно з щойно відкритих античних гротів (звідси назва «гротески»).

Рафаель виконував роботи різних жанрів. Його дар декоратора, а також режисера, оповідача повністю проявився в серії з восьми картонів до шпалер для Сикстинської капели на сюжети з життя апостолів Петра та Павла («Чудовий улов риби», наприклад). Ці картини протягом XVI-XVIII ст. служили для класицистів свого роду зразком. Глибоке осягнення Рафаелем суті античності особливо видно в живописі римської вілли Фарнезіна, побудованої за його проектом (фреска «Тріумф Галатеї», сцени з казки Апулея про Амура та Психея). Рафаель був і найбільшим портретистом своєї епохи, який створив той вид зображення, в якому індивідуальне знаходиться в тісній єдності з типовим, де крім певних конкретних рис виступає образ людини епохи, що дозволяє бачити в портретах Рафаеля історичні портрети-типи («Папа Юлій II», «Лев X», друг художника письменник Кастільйоне, прекрасна «Донна Велата» та ін.). І в його портретних зображеннях зазвичай панує внутрішня врівноваженість і гармонія.

Наприкінці життя Рафаель був непомірно завантажений різноманітними роботами та замовленнями. Навіть важко уявити, що все це могла виконати одна людина. Він був центральною фігурою художнього життя Риму, після смерті Браманте (1514) став головним архітектором собору св. Петра, відав археологічними розкопками в Римі та його околицях та охороною античних пам'яток. Це неминуче викликало залучення учнів та великого штату помічників у виконанні великих замовлень. Рафаель помер 1520 р.; його передчасна смерть була несподіваною для сучасників. Прах його похований у Пантеоні.

МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРРОТІ (1475-1564).

Третій видатний майстер Високого Відродження - Мікеланджело - набагато пережив Леонардо та Рафаеля. Перша половина його творчого шляху посідає період розквіту мистецтва Високого Ренесансу, а друга - тимчасово Контрреформації і початок формування мистецтва бароко. З блискучої плеяди художників Високого Ренесансу Мікеланджело перевершив усіх насиченістю образів, громадянським пафосом, чуйністю до зміни суспільного настрою. Звідси й творче втілення краху ренесансних ідей. Мікеланджело Буонарроті (1475-1564) народився в Капрезі, в сім'ї подесту (містоправника, судді). У 1488 р. у Флоренції, куди переїхала сім'я, він вступає до майстерні до Гірландайо, за рік - у скульптурну майстерню при монастирі Сан Марко одного з учнів Донателло. У ці роки він зближується з Лоренцо Медічі, смерть якого залишила у ньому глибокий слід. Саме в садах Медічі та в будинку Медічі Мікеланджело і почав ретельно вивчати античну пластику. Його рельєф «Битва кентаврів» за внутрішньою гармонією вже є твір Високого Відродження. У 1496 р. молодий художник виїжджає до Риму, де створює свої перші твори, що принесли йому славу: «Вакх» і «П'єта». Буквально захоплений образами античності, Мікеланджело зобразив античного бога вина оголеним юнаком, що ніби трохи похитується, що звернув погляд на чашу з вином. Голе прекрасне тіло відтепер і назавжди для Мікеланджело стає головним предметом мистецтва. Друга скульптура - «П'єта» - відкриває цілий ряд робіт майстра на цей сюжет і висуває його до перших скульпторів Італії.

Мікеланджело зобразив Христа, розкинутим на колінах Марії. Молоде, ідеально прекрасне обличчя мадонни скорботне, але дуже стримане. Щоб розташувати велике чоловіче тілона колінах мадонни, скульптор множить кількість складок плаща, що спадає з колін Марії. Фігури утворюють у композиції піраміду, що повідомляє групі стійкість та закінченість. Водночас навіть у цій ранній роботі Мікеланджело є риси, не властиві мистецтву Ренесансу або, скажімо, незвичні для нього: у незвичайному сильному ракурсі закинуто голову Христа, вивернуто його праве плече, ліва частина композиції, навантажена правіше, зажадала складного асиметричного малюнку. , вищого у правій частині. Все разом додало групі внутрішню напругу, незвичайну для мистецтва Відродження. Проте панівними у цій композиції є риси, властиві саме Високому Ренесансу: цілісність героїчного образу, класична ясність монументальної художньої мови.

Повернувшись у 1501 р. до Флоренції, Мікеланджело за дорученням Синьйорії взявся вибрати фігуру Давида зі зіпсованої до нього невдахи скульптором мармурової брили. В 1504 Мікеланджело закінчив знамениту статую, названу флорентійцями «Гігантом» і поставлену ними перед палаццо Веккіа, міською ратушею. Відкриття пам'ятника перетворилося на народну урочистість. Образ Давида надихав багатьох художників Кватроченто. Але не хлопчиком, як у Донателло та Вероккіо, зображує його Мікеланджело, а юнаків у повному розквіті сил, і не після бою, з головою велетня біля ніг, а перед битвою, у момент найвищої напруги сил. У чудовому образі Давида, у його суворому обличчі скульптор передав титанічну силу пристрасті, непохитну волю, громадянську мужність, безмежну міць вільної людини. Флорентійці бачили у Давиді близького їм героя, громадянина республіки та її захисника. Суспільне значення скульптури було зрозуміло одночасно.

У 1504 р. Мікеланджело (як згадувалося у зв'язку з Леонардо) починає працювати над розписом «Залу п'ятисот» у палаццо Синьорії, але малюнки і картони для його «Битві при Кашині» не збереглися, як і твір Леонардо. У 1505 р. Папа Юлій II запросив Мікеланджело до Риму для спорудження собі гробниці. Задум скульптора був грандіозним: він хотів створити колосальний пам'ятник-мавзолей, прикрашений сорока фігурами більш ніж натуральну величину. Вісім місяців він провів у горах Каррари, керуючи здобиччю мармуру, але, коли повернувся до Риму, дізнався, що Папа від свого задуму відмовився. Розгніваний Мікеланджело поїхав у Флоренцію, але, витребуваний Папою, під натиском флорентійської влади, що боялися ускладнень з Римом, змушений був знову повернутися до Риму, цього разу для не менш грандіозного, але, на щастя, задуму, що втілився, - розпису стелі. Палац.

Над розписом плафону Сікстинської капели Мікеланджело працював один, з 1508 по 1512, розписавши площу близько 600 кв. м (48х13 м) на висоті 18 м. Центральну частину стелі Мікеланджело присвятив сценам священної історії, починаючи від створення світу. Ці композиції обрамлені написаним же, але створює ілюзію архітектури, карнизом і розділені, а також мальовничими, тягами. Мальовничі прямокутники наголошують і збагачують реальну архітектуру плафона. Під мальовничим карнизом Мікеланджело написав пророків і сивілл (кожна постать близько трьох метрів), у люнетах (арках над вікнами) зобразив епізоди з Біблії та предків Христа як простих людей, зайнятих повсякденними справами.

У дев'яти центральних композиціях розгортаються події перших днів творіння, історія Адама та Єви, всесвітній потоп, і всі ці сцени, по суті, є гімною людині, закладеній у ній силам, її могутності та її красі. Бог - це насамперед творець, який не знає перешкод на шляху до творення, образ, близький до уявлення гуманістичної епохи про творця (сцена «Створення Сонця та Місяця»). Адам ідеально прекрасний у сцені "Створення Адама", він ще позбавлений волі, але дотик руки творця, як електрична іскра, пронизує його і запалює життя в цьому чудовому тілі. Навіть трагічна ситуація потопу не може похитнути віру через людину. Велич, міць і шляхетність виражені і в образах пророків і сивілл: творче натхнення - в особі Єзекіїля, який почув голос Бога; споглядальність – в образі сівіли Еритрейської; мудрість, філософічна задумливість і відчуженість від мирської метушні – у постаті Захарії; скорботний роздум - Єремії. При величезній кількості фігур розпис Сікстінського плафона логічно зрозумілий і легко доступний для огляду. Вона не руйнує площину склепіння, а виявляє тектонічну структуру. Головними виразними засобами Мікеланджело є підкреслена пластичність, карбування і ясність лінії та обсягу. Пластичний початок у розписі Мікеланджело завжди домінує над мальовничим, підтверджуючи думку художника про те, що «найкращим буде той живопис, який найближчий до рельєфу». Незабаром після закінчення робіт у Сикстині помер Юлій II та його спадкоємці повернулися до думки про надгробок. У 1513-1516 pp. Мікеланджело виконує фігуру Мойсея та рабів (полонених) для цього надгробка. За його проектом учні скульптора потім спорудили настінну гробницю, у нижньому ярусі якої і було вміщено постать Мойсея. Образ Мойсея - один із найсильніших у творчості зрілого майстра. Він вклав у нього мрію про вождя мудрого, сміливого, повного титанічних сил, експресії, волі - якостей, настільки необхідних тоді для об'єднання його батьківщини. Фігури рабів не увійшли до остаточного варіанту гробниці. Можливо, вони мали якесь алегоричне значення (мистецтво в полоні після смерті Папи? – є і таке їхнє тлумачення). «Скутий раб», «Вмираючий раб» передають різні стани людини, різні стадії боротьби: потужний порив у бажанні звільнитися від пут, безсилля («Скований раб»), останній зітхання, що завмирає життя в прекрасному, але вже кочівному тілі («Вмираючий раб» »). З 1520 по 1534 р. Мікеланджело працює над одним із найзначніших і найтрагічніших скульптурних творів - над гробницею Медічі (флорентійська церква Сан Лоренцо), що виражає всі переживання, що випали в цей період на частку і самого майстра, і його рідного міста, і всієї країни загалом. З кінця 20-х років Італія буквально роздиралася як зовнішніми, і внутрішніми ворогами. У 1527 р. наймані солдати розгромили Рим, протестанти пограбували католицькі святині вічного міста. Флорентійська буржуазія скидає Медічі, які керували знову з 1510 р., після смерті П'єтро Содеріні, але Папа йде на Флоренцію походом. Флоренція готується до оборони, Мікеланджело стоїть на чолі будівництва військових укріплень, відчуває настрої сум'яття, розпачу, їде - буквально біжить з Флоренції, дізнавшись про зраду її кондотьєра, що готується, знову повертається в рідне місто, щоб виявитися свідком його розгрому. У страшному терорі, що почався, загинули багато друзів Мікеланджело, а сам він змушений був деякий час жити вигнанцем.

У настрої важкого песимізму, в стані глибокої релігійності, що посилюється, і працює Мікеланджело над гробницею Медічі. Він сам споруджує прибудову до флорентійської церкви Сан Лоренцо – невелике, але дуже високе приміщення, перекрите куполом, та оформляє дві стіни сакристії (її внутрішнього приміщення) скульптурними надгробками. Одну стіну прикрашає фігура Лоренцо, протилежну - Джуліано, а внизу біля їхніх ніг розміщуються саркофаги, прикрашені алегоричними скульптурними зображеннями - символами швидкоплинного часу: «Ранку» та «Вечори» - у надгробку Лоренцо, «Ночі, і «Дні . Обидва зображення – Лоренцо та Джуліано – не мають портретної подібності, чим відрізняються від традиційних рішень XV століття. Мікеланджело підкреслює вираз втоми та меланхолії в особі Джуліано і тяжкий роздум, що межує з розпачом, - у Лоренцо, вважаючи не обов'язковим точну передачу рис в особах моделей. Найвідомішою є «Ніч». Її уособлює постать жінки, яка, спершись на коліно, спить. Їй Мікеланджело присвятив наступні рядки:

«Втішно спати, втішним каменем бути,

О, у цей вік, злочинний і ганебний,

Не жити, не відчувати – доля завидна.

Прошу, мовчи, не смій мене будити».

Для нього важливіша філософська ідея протиставлення життя і смерті, одягнена в поетичну форму. Почуття занепокоєння, тривоги походить від образів Лоренцо та Джуліано. Це досягається і самою композицією: фігури посаджені в тісний простір ніш, ніби стиснуті пілястрами. Цей неспокійний ритм ще посилюється позами алегоричних фігур часу доби: напружені вигнуті тіла ніби скочуються з похилих кришок саркофагів, не знаходячи опори, їхні голови перетинають карнизи, порушуючи тектоніку стін. Всі ці дисонансні ноти, що підкреслюють стан надламаності, порушують архітектонічну гармонію Ренесансу і є передвістю нової епохи мистецтва. У капелі Медічі архітектурні форми та пластичні образиперебувають у нерозривному зв'язку, висловлюючи єдину ідею.

Ще Папа Климент VII незадовго до своєї смерті, скориставшись одним із приїздів Мікеланджело до Риму, пропонував йому розписати вівтарну стіну Сикстинської капели зображенням «Страшного суду». Зайнятий тоді статуями для капели Медічі у Флоренції, скульптор відповів відмовою. Павло III відразу після свого обрання став наполегливо вимагати від Мікеланджело виконання цього задуму, і в 1534 р., перервавши роботу над гробницею, яку він завершив тільки в 1545 р., Мікеланджело їде до Риму, де приступає до другої роботи в Сікстинській капелі - до розпису «Страшний суд» (1535-1541)-грандіозному творінню, що виразило трагедію людського роду. Риси нової художньої системи проявилися у цій роботі Мікеланджело ще яскравіше. Творчий суд, караючий Христос поміщений у центрі композиції, а навколо нього у обертальному круговому русі зображені грішники, що скидаються в пекло, підносяться до раю праведники, що встають з могил на Божий суд мерці. Все повно жаху, розпачу, гніву, сум'яття. Навіть Марія, яка постає перед людьми, боїться свого грізного сина і відвертається від його руки, що невблаганно відділяє грішників від праведників. Складні ракурси переплетених, закручених у клубок тіл, крайній динамізм, підвищена експресія, що висловлюють занепокоєння, тривоги, сум'яття,- все це риси, глибоко чужі Високому Відродженню, як чуже йому і саме трактування теми «Страшного суду» (замість торжества справедливості над злом - Катастрофа, аварія світу).

Художник, скульптор, поет, Мікеланджело був також і геніальним архітектором. Ним виконано сходи флорентійської бібліотеки Лауренціани, оформлено площу Капітолію в Римі, зведено браму Пія (Porta Pia), з 1546 р. він працює над собором св. Петра, розпочатим ще Браманте. Мікеланджело належить малюнок і креслення купола, яке було виконано вже після смерті майстра і досі є однією з головних домінант у панорамі міста.

Два останні десятиліття життя Мікеланджело припадають на той період, коли в Італії викорінюються риси вільнодумства великої гуманістичної епохи Ренесансу. На вимогу інквізиції, яка вважала за непристойну таку кількість оголених тіл у фресці «Страшний суд», учень Мікеланджело Данієле де Вольтерра записує деякі постаті. Останні роки життя Мікеланджело - це роки втрати надій, втрати близьких та друзів, час його повної духовної самотності. Але це час створення найсильніших за трагічністю світовідчуття і з лаконізму висловлювання творів, які свідчать про його невмираючому генії. В основному це скульптурні композиції та малюнки (у графіку Мікеланджело був таким же найбільшим майстром, як Леонардо та Рафаель) на тему «Оплакування» та «Розп'яття».

Мікеланджело помер у Римі у віці 89 років. Тіло його було вивезено вночі до Флоренції та поховано у найстарішій церкві рідного міста Санта Кроче. Історичне значення мистецтва Мікеланджело, його вплив на сучасників і наступні епохи важко переоцінити. Деякі закордонні дослідники трактують його як першого художника та архітектора бароко. Але найбільше він цікавий як носій великих реалістичних традицій Ренесансу.

Відмінна риса епохи Відродження - світський характер культури та її антропоцентризм (тобто інтерес, насамперед, до людини та її діяльності). З'являється інтерес до античної культури, відбувається хіба що її «відродження» - і виник термін.

Термін Відродженнязустрічається вже в італійських гуманістів, наприклад, у Джорджо Вазарі. У сучасному значенні термін був узвичаєний французьким істориком XIX століття Жюлем Мішле. В даний час термін Відродженняперетворився на метафору культурного розквіту: наприклад, Каролінгське Відродження IX ст.

Загальна характеристика

Нова культурна парадигмавиникла внаслідок кардинальних змінсуспільних відносин у Європі.

Зростання міст-республік привело до зростання впливу станів, які брали участь у феодальних відносинах: майстрових і ремісників, торговців, банкірів. Всім їм була чужа ієрархічна система цінностей, створена середньовічної, багато в чому церковної культурою та її аскетичний, смиренний дух. Це призвело до появи гуманізму - суспільно-філософського руху, що розглядав людину, її особистість, її свободу, її активну, що творить діяльність як найвищу цінність та критерій оцінки суспільних інститутів.

У містах стали виникати світські центри науки та мистецтва, діяльність яких перебувала поза контролем церкви. Нове світогляд звернулося до античності, бачачи у ній приклад гуманістичних, неаскетичних відносин. Винахід у середині століття друкарства зіграло величезну роль у поширенні античної спадщини та нових поглядів по всій Європі.

Періоди доби

Раннє Відродження

Період так званого «Раннього Відродження» охоплює собою в Італії час від року. Протягом цих вісімдесяти років мистецтво ще зовсім відмовляється від переказів недавнього минулого, але намагається домішувати до них елементи, запозичені з класичної давнини. Лише згодом, і лише помалу, під впливом дедалі сильніших і сильніших умов життя і культури, художники зовсім кидають середньовічні основи і сміливо користуються зразками античного мистецтва як у загальній концепції своїх творів, і у тому деталях.

Тоді як мистецтво в Італії вже рішуче йшло шляхом наслідування класичної давнини, в інших країнах воно довго трималося традицій готичного стилю. На північ від Альп, а також в Іспанії, Відродження настає тільки в кінці XV століття, і його ранній періодтриває приблизно до середини наступного століття, не виробляючи, втім, нічого особливо чудового.

Високе Відродження

Другий період Відродження - час найпишнішого розвитку його стилю - прийнято називати «Високим Відродженням», воно простягається в Італії приблизно з 1580 року. У цей час центр тяжкості італійського мистецтва з Флоренції переміщається до Риму, завдяки вступу на папський престол Юлія II, людину честолюбну, сміливу і заповзятливу, яка привернула до свого двору найкращих артистівІталії, який займав їх численними і важливими роботами і давав собою іншим приклад любові до мистецтв. У цьому татові та її найближчих наступниках, Рим стає хіба що новими Афінами часів Перикла : у ньому створюється безліч монументальних будинків, виконуються чудові скульптурні твори, пишуться фрески і картини, досі вважаються перлинами живопису; при цьому всі три галузі мистецтва струнко йдуть пліч-о-пліч, допомагаючи одне одному і взаємно діючи один на одного. Античне вивчається тепер більш ґрунтовно, відтворюється з більшою строгістю та послідовністю; спокій та гідність оселяються замість грайливої ​​краси, яка становила прагнення попереднього періоду; Пригадування середньовічного зовсім зникають, і класичний відбиток лягає на все створення мистецтва. Але наслідування стародавнім не заглушає в художниках їх самостійності, і вони, з великою винахідливістю і жвавістю фантазії, вільно переробляють і застосовують до справи те, що вважають за доречне запозичувати для нього з греко-римського мистецтва.

Північне Відродження

Період Ренесансу на території Нідерландів, Німеччини та Франції прийнято виділяти окремо стильовий напрям, Що має деякі відмінності з Відродженням в Італії, і називати "Північне Відродження".

Найбільш помітні стильові відмінності в живописі: на відміну від Італії, в живописі довго зберігалися традиції та навички готичного мистецтва, менша увага приділялася дослідженням античної спадщини та пізнання анатомії людини.

Людина епохи Відродження

Наука

В цілому, пантеїстична містика Відродження, що переважає в цю епоху, створювала несприятливий ідейний фон для розвитку наукових знань. Остаточне становлення наукового методуі Наукова революція XVII ст. пов'язані з опозиційним Відродження рухом Реформації.

Філософія

Філософи епохи Відродження

Література

У літературі Відродження найповніше висловилися гуманістичні ідеали епохи, уславлення гармонійної, вільної, творчої, всебічно розвиненої особистості. Любовні сонети Франческо Петрарки (1304-1374) відкрили глибину внутрішнього світулюдини, багатство його емоційного життя. У XIV-XVI ст. до числа «класичних» (поряд із давньогрецькою та давньоримською) літератур для інших країн.

Література Відродження спиралася на дві традиції: народну поезію та «книжкову» античну літературу, тому часто раціональний початок поєднувався в ній з поетичною фантастикою, а комічні жанри набули великої популярності. Це виявилося у найбільш значних літературних пам'ятках епохи: «Декамероні» Боккаччо, «Дон Кіхоті» Сервантеса, та «Гаргантюа та Пантагрюелі» Франсуа Рабле.

З епохою Відродження пов'язана поява національних літератур - на відміну від літератури середньовіччя, що створювалася переважно латиною.

Широкого поширення набули театр та драма. Найвідомішими драматургами цього часу стали Вільям Шекспір ​​(1564-1616, Англія) та Лопе де Вега (1562-1635, Іспанія)

Образотворче мистецтво

Для живопису та створення епохи Відродження характерно зближення художників з природою, найближчим проникненням їх у закони анатомії, перспективи, дії світла та інших природних явищ.

Художники Відродження, малюючи картини традиційної релігійної тематики, почали використовувати нові мистецькі прийоми: побудова об'ємної композиції, використання пейзажу на задньому плані. Це дозволило їм зробити зображення більш реалістичними, жвавими, у чому виявилася різка відмінність їхньої творчості від попередньої іконографічної традиції, яка рясніє умовностями у зображенні.

Архітектура

Головне, чим характеризується ця епоха - повернення в цуй

До принципів та форм античного, переважно римського мистецтва. Особливого значення в цьому напрямку надається симетрії, пропорції, геометрії та порядку складових частинпро що наочно свідчать вцілілі зразки римської архітектури. Складна пропорція середньовічних будівель змінюється впорядкованим розташуванням колон, пілястр і пристосування, на зміну несиметричним обрисам приходить півколо арки, півсфера купола, ніші, едикули.

Найбільший розквіт Ренесансна архітектура пережила в Італії, залишивши після себе два міста-пам'ятники: Флоренцію та Венецію. Над створенням будівель там працювали великі архітектори - Філіппо Брунеллескі, Леон Баттіста Альберті, Донато Браманте, Джорджо Вазарі та багато інших.

Музика

В епоху Відродження (Ренессанс) професійна музика втрачає характер суто церковного мистецтва і відчуває вплив народної музики, переймається новим гуманістичним світовідчуттям. Високого рівнядосягає мистецтво вокальної та вокально-інструментальної поліфонії у творчості представників «Ars nova» («Нового мистецтва») в Італії та Франції XIV ст., у нових поліфонічних школах – англійської (XV ст.), нідерландської (XV-XVI ст.), римській, венеціанській, французькій, німецькій, польській, чеській та ін. (XVI ст.).

З'являються різні жанри світського музичного мистецтва - фроттола і вілланелла в Італії, вільянсіко в Іспанії, балада в Англії, мадригал, що виник в Італії (Л. Маренціо, Я. Аркадельт, Джезуальдо да Веноза), але отримав повсюдне поширення, французька .Жанекен, К. Лежен). Світські гуманістичні устремління проникають і в культову музику - у франко-фламандських майстрів (Жоскен Депре, Орландо ді Лассо), мистецтво композиторів венеціанської школи (А. і Дж. Габрієлі). У період Контрреформації ставилося питання про вигнання багатоголосся з релігійного культу, і лише реформа глави римської школи Палестрини зберігає поліфонію для католицької церкви - в «очищеному», «проясненому» вигляді. Водночас у мистецтві Палестрини знайшли відображення й деякі цінні завоювання світської музикиепохи Відродження. Складаються нові жанри інструментальної музики, висуваються національні школи виконання на лютні, органі, верджинелі. В Італії розквітає мистецтво виготовлення смичкових інструментів, що мають багаті виразні можливості. Зіткнення різних естетичних установок проявляється в «боротьбі» двох типів смичкових інструментів - віоли, що існувала в аристократичному середовищі, та

2. Технічні досягнення епохи Відродження

Для філософії Відродження характерна пантеїстична тенденція. Найбільш яскраво пантеїзм виявився у працях Бернардіно Телезіо, Франческо Патріці, Джордано Бруно та Томмазо Кампанелли. Так, для вчення Телезіо характерно те, що і бог, і його творіння, включаючи безсмертну людську душуі доцільно побудовану природу, виявляються безособовими початками.

У Патриці понад усе світло, а все світобудова разом з людиною та матеріальними речами є тільки ієрархійна еманація цього первосвіту, тобто. маємо неоплатонізм.

Бруно створив одну з найглибших і цікавих формпантеїзму в Італії XVI ст.; в основі його вчення про красу божественного всесвіту і, отже, про красу кожного окремого елемента такого всесвіту, що героїчно прагне злитися з божеством (воно ж тут і матеріальний всесвіт), лежить основний онтологічний принцип - все у всьому (цей принцип використовується в науці XX ст. .).

Дуже суперечлива пантеїстична система Кампанелли, оскільки в ній виступає справжнісінький монотеїстичний бог і водночас проголошується повна свобода чуттєвого сприйняття людини, повна свобода заснованої на ньому логіки, гносеології та науки, а тим самим і повна незалежність від божества та його установ.

Суперечності системи Кампанелли та її загравання з точними науками, у яких мало що розумів, свідчать як про прогресуючому розвалі Ренесансу, і про прогресуючому становленні новітнього природознавства. Одним із найяскравіших явищ епохи Ренесансу в традиційному викладі зазвичай є геліоцентрична система Коперника і вчення про нескінченні заходи Джордано Бруно. Проте відкриття Коперника було передовим і революційним подією наступних століть, але Ренесансу це було явищем як занепаду, і навіть відродницького самозаперечення. Справа в тому, що Ренесанс виступив в історії західної культури як епоха звеличення людини, як період віри в людину, в її нескінченні можливості та її оволодіння природою. Але Коперник і Бруно перетворили Землю на якусь нікчемну піщинку світобудови, а разом з тим і людина виявилася незрівнянною, незрівнянною з нескінченною темною прірвою світового простору.

Відродженець любив споглядати природу разом із нерухомою Землею та вічно рухливим небесним склепінням. Але тепер виявилося, що Земля - ​​це якась нікчема, а ніякого неба взагалі не існує. Відродницька людина проповідувала могутність людської особистості і свій зв'язок з природою, яка для нього була взірцем його творінь, а сама вона теж намагалася у своїй творчості наслідувати природу та її творця - Великого художника.

Але разом з великими відкриттями Коперника, Галілея та Кеплера вся ця могутність людини впала і розсипалася на порох. Виникла картина світу, в якій людина перетворилася на нікчемність з нескінченно роздутим розумом і зарозумілістю. Таким чином, геліоцентризм і безліч світів не просто суперечили культурі Ренесансу, але були її запереченням.

Поряд із усім цим побутова практика алхімії, астрології та всякої магії охоплювала все відродницьке суспільство знизу догори і була аж ніяк не результатом невігластва.

Вона - результат все тієї ж індивідуалістичної спраги оволодіти таємничими силами природи, яка дається взнаки навіть у Френсіса Бекона, цього знаменитого поборника індуктивних методів у науці. З цим пов'язаний і той історичний парадокс, що священна інквізиція набуває розквіту в епоху Відродження.

Полювання на єретиків і відьом, нестримний терор і колективні психози, жорстокість та моральну нікчемність, страждання та звичайну худобу є продуктами Ренесансу; вони, як і діяльність священної інквізиції, не протистоять тодішнім великим досягненням духу та думки людини, а пов'язані з ними, є їхньою невід'ємною частиною, виражають автентичні прагнення та потреби людини.

Адже Відродження дуже багате на нескінченні забобони, які пронизували рішуче всі верстви суспільства, включаючи вчених і філософів, не кажучи вже про політиків і правителів.

3. Мистецтво Відродження.

Культура Ренесансу, його мистецтво і насамперед пластика дозволяють сформулювати парадокс: архетип юності, який за своєю суттю є виразом пошуку незмінності, на вигляд ніби історичний.

Основою цього феномена служить прийняте Ренесансом положення про принципову генетичну тотожність світу природи та світу культури. Це становище у ренесансній культурі стає лейтмотивом у творах письменників, філософів та художників.

Класичне формулювання Пікоделла Мірандоли в «Мова про гідність людини» є виразом загальноприйнятого уявлення про принципову єдність світу.

І нарешті, Ренесанс є першою культурну формурегенерації часу, що свідомо виражає ідею оновлення.

На епоху Ренесансу можна також подивитися як на велику цілісну спробу розпочати історію наново, на акт оновлення початку, регенерацію соціального часу. Загалом можна сказати, що саме в ренесансній культурі була вироблена ідея про безмежну могутність людини, про її необмежені можливості.

Естетика Відродження орієнтує мистецтво наслідування природи. Однак на першому місці тут не так природа, як художник, який у своїй творчій діяльності уподібнюється Богу. У творі мистецтва, що поступово звільняється від церковної ідеології, найбільше цінується гострий художній погляд на речі, професійна самостійність, спеціальні навички, а його створення набувають уже самодостатнього, а не священного характеру.

Одним із найважливіших принципів сприйняття творів мистецтва стає насолода, що свідчить про значну демократичну тенденцію на противагу моралізаторству та схоластичній "вченості" попередніх естетичних теорій.

Естетична думка Відродження містить як ідею абсолютизації людського індивіда на противагу надсвітової божественної особистості в середні віки, а й певне усвідомлення обмеженості такого індивідуалізму, заснованого на абсолютному самоствердження особистості.

Звідси мотиви трагізму, які у творчості У. Шекспіра, М. Сервантеса, Мікеланджело та інших. У цьому суперечливість культури, що відійшла від антично - середньовічних абсолютів, але з історичних обставин ще знайшли нових надійних засад.

Образотворче мистецтво Відродження багато в чому представляє контраст середньовічному. Воно знаменує становлення реалізму, який надовго визначив розвиток європейської художньої культури.

Це позначилося у поширенні світських зображень, у розвитку портрета і пейзажу чи нової, іноді майже жанрової інтерпретації релігійних сюжетів, а й у радикальному оновленні всієї художньої системи. В епоху Відродження об'єктивне зображення світу було побачене очима людини, тому однією з важливих проблем, які постали перед художниками, була проблема простору.

Мистецтво античності становить одну з основ мистецької культури Відродження. Відомо, що антична спадщина була використана і в середні віки, наприклад, за часів каролінгського Ренесансу, в живописі оттонівського періоду в Німеччині, у готичному мистецтві.

Але ставлення до цієї спадщини було різним. У середні віки відтворювалися окремі пам'ятки та запозичувалися окремі мотиви. А представники Відродження знаходять у античній культуріте, що співзвучне з їхніми власними устремліннями, - прихильність до реальності, життєрадісність, схиляння перед красою земного світу, перед величчю героїчного подвигу. Разом з тим, склавшись в інших історичних умовах, ввібравши традиції романського стилю і готики, мистецтво Відродження несе в собі печатку свого часу.

Порівняно з мистецтвом класичної давнини духовний світ людини стає все більш складним та багатогранним.

Роботи художників стають підписними, тобто наголошено на авторських. Дедалі більше з'являється автопортрет. Безперечною ознакою нової самосвідомості є й те, що художники все частіше ухиляються від прямих замовлень, віддаючись роботі з внутрішнього спонукання.

До кінця XIV століття відчутно змінюється і зовнішнє становище митця у суспільстві.

Художники починають удостоюватися всіляких суспільних зізнань, посад, почесних та грошових синекур. А. Мікеланджело, наприклад, піднесений на таку висоту, що без остраху образити вінценосців він відмовляється від пропонованих йому високих почестей. Йому цілком вистачає прізвисько "божественний".

Він наполягає, щоб у листах до нього опускали всякі титулування, а писали просто "Мікеланджело Буонаротті". Генія має ім'я. Звання йому тягар, бо пов'язані з неминучими обставинами і, отже, хоча б із частковою втратою тієї самої свободи від усього, що заважає його творчості.

Адже логічна межа, до якої тяжів художник Відродження, - здобуття повної особистої незалежності, припускаючи, зрозуміло, насамперед свободу творчу.

В архітектурі особливо велику роль відіграло звернення до класичної традиції. Воно виявилося у відмові від готичних форм і відродженні античної ордерної системи, а й у класичної пропорційності пропорцій, у створенні у храмовому зодчестві центричного типу будинків із легко осяжним простором інтер'єру.

Особливо багато нового було створено у галузі цивільного зодчества. В епоху Відродження набувають більш ошатного вигляду багатоповерхові міські будівлі (ратуші, будинки купецьких гільдій, університети, склади, ринки тощо), виникає тип міського палацу (палаццо) - житло багатого бюргера, а також тип заміської вілли. Вирішуються по-новому питання, пов'язані із плануванням міст, реконструюються міські центри.

На відміну від середньовіччя, коли головними замовниками творів були церква та великі феодали, тепер значно розширюється коло замовників та змінюється їхній соціальний склад. Поряд із церквою нерідко замовлення художникам дають і цехові об'єднання ремісників, і купецькі гільдії, і міська влада, і приватні особи – як знати, так і бюргери.

Поруч із монументальними дедалі ширше поширення набувають станкові форми - живопис на дереві та полотні, скульптура з дерева, бронзи, реракот і майоліки.

Хронологічні межі розвитку мистецтва Відродження у різних країнах не зовсім збігаються. Через історичні обставини Відродження у північних країнах Європи запізнюються порівняно з італійським.

І все ж таки мистецтво цієї епохи, при всій різноманітності приватних форм, має найважливішу спільну рису - прагнення до правдивого відображення реальності. Цю межу минулого століття перший історик епохи Відродження Якоб Буркхард визначив як "відкриття світу людства".

Мистецтво Відродження ділиться на чотири етапи: Проторенесанс (кінець XIII – I половина XIV століття),

Раннє Відродження (XV століття),

Високе Відродження (кінець XV століття перші три десятиліття XVI століття),

Пізніше Відродження (середина та друга половина XVI ст.).

У літературі про Відродження найчастіше використовують італійські найменування століть: дученто - XIII століття, треченто XIV століття, кватроченто - XVI століття.

ВИКОРИСТАНА ЛІТЕРАТУРА

1. Кравченко О.І. Культурологія: Навчальний посібник для вишів. - 3-тє вид.- М.: Академічний проект, 2001.

2. Культурологія для технічних вузів. Ростов-на-Дону: Фенікс, 2001.

3. Бічко О. К. та ін. Теорія та історія світової та вітчизняної культури: Курс лекцій. - К.: Лібідь, 1992. - 392с.

4. Культурологія у питаннях та відповідях. Навчальний посібник. Ротов-на-Дону: "Фенікс", 1997 - 480 с.

т до вирішення світоглядних завдань. Саме тому культура Відродження має чітко виражений художній характер. 1. Культура епохи Відродження Західної Європи XIV–XVI ст. – Італійське Відродження Тенденція переосмислення античності в епоху італійського Відродження сильна, але вона поєднується з культурними цінностями багато походження, зокрема християнської (католицької) ...

Викувався новий тип людини. Ця епоха "потребувала титанів" - і "породила титанів за силою думки, пристрасті та характеру, але багатосторонності та вченості". Важко знайти великого діяча культури епохи Відродження, який не писав би віршів. Талановитими поетами були Рафаель, Мікеланджело та Леонардо да Вінчі; вірші писали Джордано Бруно, Томас Мор, Ульріх фон Гуттен, Еразм Роттердамський. Мистецтві...

Бог, а людина. Бог – початок усіх речей, а людина – центр усього світу. Цей світоглядний поворот здійснили гуманісти доби Відродження. Гуманізм (латин. humanus – людський) – це одне з центральних явищ культури Ренесансу. Діячі Відродження велике значення надавали studia humanitatis – оволодіння духовною культурою. Цицерон, у якого був запозичений цей термін, розумів...

На противагу католицькій точці зору моральне значення мирської професійної праці та релігійна відплата за нього надзвичайно зросли”. Різними істориками питання співвідношення Відродження та Реформації вирішується по-різному. І Реформація і Ренесанс поставили у центр людську особистість, енергійну, спрямовану перетворення світу, з яскраво вираженим вольовим початком. Але Реформація при...