Середньовічні музиканти. Рання музика та епоха середньовіччя. Середньовічні музичні школи

Професійна музична культура Середньовіччя у Європі пов'язана, передусім, із церквою, тобто із областю культової музики. Повне релігійності мистецтво канонічно і догматично, але все ж таки не застигло, воно звернене від мирської метушні до відчуженого світу служіння Господу. Тим не менш, поряд з такою «вищою» музикою існували і фольклор, і творчість бродячих музикантів, а також сповнена шляхетності лицарська культура.

Духовна музична культура раннього Середньовіччя

В епоху раннього Середньовіччя професійна музика звучала лише в соборах і співочих школах, що були при них. Центром музичної культури Середньовіччя Західної Європи була столиця Італії – Рим – це місто, де розташовувалося «верховне церковне начальство».

У 590-604 роках папою Григорієм I було проведено реформу культового співу. Він упорядкував і зібрав різні піснеспіви у збірці «Григоріанський антиліхтар». Завдяки Григорію I у західноєвропейській духовній музиці формується напрямок, званий григоріанським хоралом.

Хорал– це, як правило, одноголосний спів, у якому відбилися багатовікові традиції європейських та близькосхідних народів. Саме ця плавна одноголосна мелодія покликана була спрямовувати парафіян на осягнення основ католицизму та прийняття єдиної волі. Здебільшого хорал виконувався хором, і деякі частини солістами.

Основу григоріанського хоралу становив поступовий рух за звуками діатонічних ладів, але іноді в тому ж хоралі зустрічалися і повільні, суворі псалмодії, і мелізматичні співи окремих складів.

Виконання таких мелодій не довірялося будь-кому, оскільки вимагало від співаків професійної вокальної майстерності. Так само як і музика, текст піснеспівів незрозумілою для багатьох парафіян латинською мовою викликає смирення, відчуженість від дійсності, споглядальність. Найчастіше залежністю від тексту зумовлювалося і ритмічне оформлення музики. Григоріанський хорал не можна сприймати як ідеальну музику, це скоріше розспівування молитвослівного тексту.

Меса– головний жанр композиторської музики Середньовіччя

Католицька меса - Головне богослужіння церкви. Вона об'єднала у собі такі види григоріанського співу, як:

• антифонне (коли два хори співають по черзі);
• респонсорне (по черзі співають солісти та хор).

Община ж брала участь лише у співі спільних молитов.
Пізніше, у XII ст. у месі з'явилися гімни (псалми), секвенції, стежки. Вони являли собою додаткові тексти, що мають риму (на відміну від основного хоралу) і особливий наспів. Ці релігійні римовані тексти набагато краще запам'ятовувалися парафіянами. Підспівуючи ченцям, вони варіювали мелодію, й у духовну музику стали просочуватися елементи народної та стало приводом для авторської творчості (Ноткер Заїка і Токелон монах – монастир Санкт-Голене). Пізніше ці наспіви взагалі витіснили псалмодичні частини та значно збагатили звучання григоріанського хоралу.

З монастирів походять перші зразки багатоголосся, такі як органум – рух паралельними квартами чи квінтами, гімель, фобурдон – рух секстаккордами, кондукт. Представниками такої музики є композитори Леонін та Перотін (Собор Паризької Богоматері – XII-XIII ст.).

Світська музична культура Середньовіччя

Світську сторону музичної культури Середньовіччя представляли: у Франції – жонглери, міми, менестрелі , в Німеччині - шпільмани, в Іспанії - хоглари, на Русі - скоморохи. Всі вони були мандрівними артистами і поєднували у своїй творчості гру на інструментах, спів, танець, фокусництво, ляльковий театрциркове мистецтво.

Іншою складовою світської музики була лицарська, так звана куртуазна культура . Сформований особливий лицарський кодекс, говорив, кожен із лицарів повинен мати як відвагою і хоробрістю, а й вишуканими манерами, освітою і бути відданим Прекрасної Дамі. Всі ці сторони життя лицарів знайшли своє відображення у творчості трубадурів(Південна Франція – Прованс), труверів(північна Франція), мінезінгерів(Німеччина).

Їхня творчість представлена ​​переважно в любовній ліриці, найпоширенішим її жанром була канцона (альби – «Ранкові пісні» у мінезінгерів). Широко застосовуючи досвід трубадурів, трувери створили свої жанри: травневі пісні, ткацькі пісні.

Найважливішою областю музичних жанрів представників куртуазної культури були пісенні та танцювальні жанри, такі як рондо, віреле, балада, героїчний епос. Роль інструментів була дуже незначною, вона зводилася до обрамлення вокальних співів вступом, інтермедією, постлюдією.

Зріле Середньовіччя ХІ-ХІІІ ст.

Характерною рисою зрілого Середньовіччя є розвиток бюргерської культури . Її спрямованістю були антицерковність, вільнодумство, зв'язок зі сміховим та карнавальним фольклором. З'являються нові жанри багатоголосся: мотет, для якого властива мелодійна несхожість голосів, більше того, в мотеті співаються одночасно різні тексти і навіть на різних мовах; мадригал – пісня на рідною мовою(італійською), качча – вокальна п'єса з текстом, що описує полювання.

З XII століття народному мистецтву приєдналися ваганти і голіарди, які на відміну інших володіли грамотою. Носіями музичної культури Середньовіччя стали університети. Оскільки ладова система Середньовіччя була розроблена представниками духовної музики, всі вони стали називатися церковними ладами (іонійський лад, еолійський лад).

Також висунуто вчення про гексахарди – у ладах використовувалося лише 6 ступенів. Монах Гвідо Аретинський зробив більш досконалою систему запису нот, яка полягала в наявності 4-х ліній, між якими було терцеве співвідношення та ключовий знакабо забарвлення ліній. Ще їм введено складову назву сходів, тобто висота сходів стала позначатися літерними знаками.

Ars Nova XIII-XV ст.

Перехідним періодом між Середньовіччям та Відродженням став XIV ст. Цей період у Франції та Італії звався Ars Nova, тобто «нове мистецтво». Настав час нових експериментів у мистецтві. Композитори стали складати твори, ритм яких став набагато складнішим за попередні (Філіп де Вітрі).

Також на відміну від духовної музики, тут було запроваджено півтони, внаслідок чого почали виникати випадкові підвищення та зниження тонів, але це ще не модуляція. В результаті таких експериментів виходили цікаві твори, але далеко не завжди милозвучними. Найяскравішим експериментатором-музикантом на той час був Соляж. Музична культура Середньовіччя більш розвинена порівняно з культурою Стародавнього світунезважаючи на обмеження коштів і містить передумови для розквіту музики в епоху Ренесансу.

Середньовіччя – найдовша культурна епоха історія Західної Європи. Вона охоплює дев'ять століть – з VI до XIV століття. Це був час панування католицької церкви, яка з перших кроків була покровителькою мистецтв. Церковне слово (молитва) у різних країнах Європи та різних соціальних верствах було нерозривно пов'язані з музикою: звучали псалми, гімни, хорали – зосереджені, відчужені мелодії, далекі від повсякденної метушні.

Також на замовлення церкви зводили величні храми, прикрашали їх скульптурами та барвистими вітражами; завдяки заступництву церкви архітектори та художники, скульптори та співаки присвячували себе неподільно улюбленому мистецтву, тобто католицька церква підтримувала їх з матеріального боку. Таким чином, найзначніша частина мистецтва взагалі та музичного, зокрема, перебувала під веденням католицької релігії.

Церковний спів у всіх країнах Західної Європи звучав суворою латинською мовою і для того, щоб ще більше посилити єдність, спільність католицького світу, папа Григорій I, який вступив на престол на початку IV століття, зібрав докупи все церковні піснеспівиі наказав на виконання кожного з них певний день церковного календаря. Зібрані татом мелодії отримали назву григоріанських хоралів, а співоча традиція, заснована на них, називається григоріанським співом.

У мелодійному сенсі григоріанський хорал орієнтований на октоіх – систему восьми ладів. Саме лад часто залишався єдиною вказівкою на те, як потрібно виконувати хорал. Усі лади становили октаву і були модифікацією античної трихордної системи. Лади мали лише нумерацію, поняття «дорійська», «лідійська» та ін. виключалися. Кожен лад представляв з'єднання двох тетрахордів.

Григоріанські хорали ідеально відповідали своєму молитовному призначенню: неквапливі мелодії складалися з непомітно перетікаючих один в одного мотивів, мелодійна лінія була обмежена за теситурою, інтервали між звуками були невеликими, ритмічний малюнок був також плавним, будувалися хора. Григоріанські хорали виконувались одноголосно чоловічим хором і навчалися такого співу переважно в усній традиції. Письмові джерела григоріаніки є взірцем несамовитої нотації (спеціальні значки, що стояли над латинським текстом), проте такий тип нотного запису вказував лише приблизну висоту звуку, узагальнений напрямок мелодійної лінії і зовсім не стосувався ритмічної сторони і тому вважався складним для прочитання. Співаки, які виконували церковні хорали не завжди були утворені та навчалися своєму ремеслу в усній формі.

Григоріанський хорал став символом величезної доби, яка відобразила у ньому своє розуміння життя та світу. Сенс та зміст хоралів відбивали уявлення середньовічної людини про сутність буття. У цьому вся сенсі Середньовіччі часто називають «юністю європейської культури», коли, після падіння античного Риму 476 року, племена варварів, галлів і германців вторглися у Європу і почали будувати своє життя заново. Їхня віра в християнських святих відрізнялася невигадливістю, простотою та мелодією григоріанських хоралів базувалися на тому ж принципі природності. Деяка монотонність хоралів відбиває уявлення середньовічної людини про простір, яке обмежується полем зору. Також і уявлення про час було пов'язане з ідеєю повторюваності та незмінності.

Григоріанський спів як панівний музичний стиль до IX століття остаточно утвердився на всій території Європи. Тоді ж у музичному мистецтві сталося найбільше відкриття, що вплинув на всю його подальшу історію: вчений-монах, італійський музикант Гвідо з Ареццо (Аретинський) винайшов нотний запис, яким ми користуємося і донині. Відтепер і григоріанський хорал можна було заспівати за нотами, і він вступив у нову фазу свого розвитку.

З VII по IX століття поняття «музика» та «григоріанський хорал» існували нероздільно. Вивчаючи мелодику хоралів, середньовічні музиканти та співачі хотіли прикрасити їх, але змінювати церковні співи не дозволялося. Вихід було знайдено: над хоральною мелодією на рівній відстані від усіх її звуків був надбудований другий голос, який точно повторював мелодійний малюнок хоралу. Мелодія здавалася потовщеною, подвоєною. Такі перші двоголосні твори одержали назви органумів, оскільки нижній голос, у якому звучав хорал, називався vox principalis (основний голос), а верхній, присочінений – vox organalis (додатковий голос). Звучання органумів викликало асоціації з акустикою храму: воно було гучним, глибоким. Далі, протягом XI-XIII століть, двоголосі виросло до трьох-(triptum) та чотириголосся.

Ритмічні форми органумів – приклад модусної (модальної) ритміки. Їх шість: ямб (l ¡), тріха (хорей) (¡ l), дактиль (¡ . l ¡), анапест (l ¡ ¡ . ), спондей (¡ . ¡ . ), тритрахій (l l l).

Крім церковного мистецтва, з розвитком європейських міст та економіки, у Середньовіччі відбулося народження нового мистецтва. Прості люди (городяни, селяни) часто бачили у своїх поселеннях бродячих акторів і музикантів, які танцювали, розігрували театралізовані вистави на різні теми: про ангелів і Пресвяту Богородицю або про чортів і пекельних мук. Це нове світське мистецтво припало не до смаку аскетичним служителям церкви, які знаходили у легковажних піснях та уявленнях підступи диявола.

Розквіт середньовічних міст і феодальних замків, інтерес до світського мистецтва, що охоплював усі стани, призвели до появи першої професійної школи світської поезії та музики – школи трубадурів, що виникла на півдні Франції у XII столітті. Аналогічні німецькі поети та музиканти називалися міннезінгерами (мейстерзінгерами), північнофранцузькі – труверами. Як автори віршів, поети-трубадури виступали одночасно і як композитори, і як співаки-виконавці.

Музика пісень трубадурів виросла з поезії і наслідувала її своєю простотою, жартівливістю, безтурботністю. Зміст таких пісень обговорювало все життєві теми: любов і розлуку, настання весни та її радості, веселе життя мандрівних студентів-школярів, витівки Фортуни та її примхлива вдача та ін. Ритмічність, чітке членування на музичні фрази, акцентність, періодичність – все це було властиво пісням трубадурів.

Григоріанський спів та лірика трубадурів – два самостійні напрями в середньовічній музиці, проте, за всієї їх контрастності, можна відзначити і загальні риси: внутрішня спорідненість зі словом, схильність до плавного, хитромудрого голосознавства.

Вершиною раннього багатоголосся (поліфонії) стала школа Нотр-Дам. Музиканти, що належали до неї, працювали в Парижі в соборі Паризької Богоматері у XII- XIII століттях. Їм вдалося створити такі багатоголосні структури, завдяки яким музичне мистецтво стало самостійнішим, менш залежним від виголошення латинського тексту. Музика перестала сприйматися як його підтримка та прикраса, вона тепер призначалася спеціально для слухання, хоча органуми майстрів цієї школи, як і раніше, виконувались у церкві. На чолі школи Нотр-Дам стояли професійні композитори: у другій половині XII століття – Леонін, межі XII-XIII століть – його учень Перотин.

Поняття «композитор» в епоху Середньовіччя існувало на другому плані музичної культури і саме походить від «компонувати» - тобто. поєднувати, створювати щось нове із відомих елементів. Професія композитора виникла лише у XII столітті (у творчості трубадурів і майстрів школи Нотр-Дам). Наприклад, знайдені Леоніном правила композиції унікальні тому, що, почавши з глибокого дослідження музичного матеріалу, Створеного до нього, композитор зумів згодом поєднувати традиції суворого григоріанського співу з вільними нормами мистецтва трубадурів.

Вже в органумах Перотина придумали спосіб продовження музичної форми. Так, музична тканина розчленовувалась на короткі мотиви, побудовані за принципом подоби (всі вони представляють досить близькі варіанти один одного). Перотин передає ці мотиви з одного голосу в інший, створюючи щось на зразок мотивного ланцюжка. Користуючись такими поєднаннями та перестановками, Перотин дозволив органумам розростатися за масштабами. Звуки григоріанського хоралу, поміщені в голос cantus firmus, розташовуються на великій відстані один від одного – це також сприяє розширенню музичної форми. Так виник новий жанр – МОТЕТ; як правило, це триголосний твір, що набув поширення в XIII столітті. Краса нового жанру полягала в одночасному поєднанні різних мелодійних ліній, хоча вони по суті були варіантом, дублюванням, відображенням основного співу – cantus firmus. Такі мотети називалися «упорядкованими».

Однак більшою популярністю у публіки користувалися мотети, які, на противагу мотетам на cantus firmus, перебільшували принципи різноголосства: деякі з них навіть вигадували різномовні тексти.

Середньовічні мотети могли бути як духовного, і світського змісту: любовного, сатиричного тощо.

Раннє багатоголосся існувало не лише як вокальне мистецтво, а й як інструментальне. Для карнавалів та свят складалася танцювальна музика, пісні трубадурів також супроводжувалися грою на інструментах. Були популярними і своєрідні інструментальні фантазії, схожі на мотети.

XIV століття в західноєвропейському мистецтві називається восени Середньовіччя. В Італію вже прийшла нова доба – Відродження; вже творили Данте, Петрарка, Джотто – великі майстри раннього Ренесансу. Решта Європи підбивала підсумки середньовіччя і відчувала народження нової теми мистецтво – теми индивидуальности.

Вступ середньовічної музики в нову епоху було ознаменовано появою трактату Філіпа де Вітрі "Ars Nova" - "Нове мистецтво". У ньому вчений і музикант намагався описати новий образ музично-прекрасного. Назва цього трактату дала ім'я і всієї музичної культури XIV століття. Відтепер музика мала відмовитися від простих і грубих звучань і поринути у м'якість, чарівність звуку: замість порожніх, холодних співзвучностей Ars antiqua наказувалося використовувати повні та співучі співзвуччя.

Рекомендувалося залишити в минулому і одноманітний ритм (модальний) і користуватися нововідкритою мензуральною (вимірювальною) нотацією, коли короткі та довгі звуки відносяться один до одного як 1:3 або 1:2. Таких тривалостей багато - максима, лонга, бревіс, семібревіс; кожна з них має своє зображення: довші звуки не заштриховуються, більш короткі зображуються чорним кольором.

Ритм став гнучкішим, різноманітнішим, можна використовувати синкопи. Менш суворим стало обмеження використання інших, крім діатонічних церковних ладів: можна використовувати альтерації, підвищення, зниження музичних тонів.

Музичне мистецтво Середньовіччя. Образно-смислове наповнення. Особи.

Середньовіччя- Тривалий, що охоплює понад тисячу років період розвитку людства.

Якщо ми звернемося до образно-емоційного середовища періоду "Похмурого середньовіччя", як його часто називають, то побачимо, що він був наповнений інтенсивним духовним життям, творчим екстазом та пошуками істини. Християнська церква надавала сильний вплив на уми та серця. Теми, сюжети та образи Священного писання розуміли як історію, яка розгортається від створення світу через пришестя Христа і до дня Страшного суду. Земне життя сприймалося як безперервна боротьба темних і світлих сил, причому ареною цієї боротьби була душа людини. Чеканням кінця світу пронизане світовідчуття середньовічних людей, воно забарвлює мистецтво цього періоду в драматичні тони. У умовах музична культура розвивалася двома потужними пластами. З одного боку – професійна церковна музика, що пройшла протягом усього середньовічного періоду величезний шлях розвитку; з іншого боку - народна музикальна творчість, що зазнавала гонінь з боку представників "офіційної" церкви, і світська музика, що існувала, як аматорська, протягом майже всього середньовічного періоду. Незважаючи на антагонізм цих двох напрямів, вони зазнали взаємного впливу, і до кінця цього періоду результати взаємопроникнення світської та церковної музики стали особливо відчутними. З боку емоційно-смислового змісту найбільш характерним для середньовічної музики є переважання ідеального, духовного та дидактичного початку – як у світських, так і в церковних жанрах.

Емоційний та смисловий зміст музики християнської церкви було спрямоване на вихваляння Божественності, заперечення земних благ заради відплати після смерті, проповідь аскетизму. Музика концентрувала у собі те, що було з виразом " чистого " , позбавленого всякої " тілесної " , матеріальної формипрагнення до ідеального. Вплив музики посилювався акустикою церков зі своїми високими склепіннями, що відбивають звук і створюють ефект Божественного присутності. Особливо яскраво злиття музики з архітектурою виявилося з виникненням готичного стилю. Багатоголосна музика, що розвинулася до цього часу, створювала спрямоване вгору, вільне ширяння голосів, що повторює архітектурні лінії готичного храму, що створює відчуття безмежності простору. Найбільш яскраві зразки музичної готики створили композитори собору Нотр-Дам - магістр Леонін та магістр Перотін, прозваний Великим.

Музичне мистецтво Середньовіччя. Жанри. Особливості музичної мови.

Формування світських жанрів у цей період було підготовлено творчістю бродячих музикантів. жонглерів, менестрелів та шпільманів, які були співаками, акторами, циркачами та інструменталістами в одній особі До жонглерів, шпільманів та менестрелів приєднувалися також ваганти та голіарди- невдачливі студенти і ченці, які втікали в "артистичне" середовище грамотність і певну ерудованість. Народні пісні звучали не тільки національними мовами, що формуються (французькою, німецькою, англійською та іншими), а й латинською. Мандрівні студенти і школяри (ваганти) нерідко мали велику майстерність у латинському віршуванні, що надавало особливу гостроту їхнім викривальним пісням, спрямованим проти світських феодалів та католицької церкви. Поступово мандрівні артисти почали утворювати цехи, осідати у містах.

У цей період висувається своєрідна " інтелігентська " прошарок - лицарство, у середовищі якого (у періоди перемирій) також розпалюється інтерес до мистецтва. Замки перетворюються на центри лицарської культури. Складається зведення правил лицарської поведінки, що вимагала "куртуазної" (вишуканої, ввічливої) поведінки. У 12 столітті у Провансі при дворах феодальних сеньйорів зароджується мистецтво трубадурів, що являло собою характерне вираження нової світської лицарської культури, що проголошує культ земної любові, насолоди природою, земними радощами. По колу образів музично-поетичне мистецтво трубадурів знало чимало різновидів, пов'язаних переважно з любовною лірикою чи військовими, службовими піснями, що відбивали ставлення васала до свого сюзерена. Нерідко любовна лірика трубадурів надягала форму феодального служіння: співак визнавав себе васалом дами, якою зазвичай була дружина його сеньйора. Він оспівував її достоїнства, красу і шляхетність, прославляв її панування і "томився" за недосяжною метою. Звичайно, в цьому було багато умовного, продиктованого того часу придворним етикетом. Однак часто за умовними формами лицарського служіння таїлося непідробне почуття, яскраво і вражаюче виражене в поетичних і музичних образах. Мистецтво трубадур було багато в чому передовим для свого часу. Увага до особистих переживань художника, акцент на внутрішньому світі люблячої та страждаючої особистості говорять про те, що трубадури відкрито протиставили себе аскетичним тенденціям середньовічної ідеології. Трубадур прославляє реальне земне кохання. У ній бачить він "джерело і походження всіх благ".

Під впливом поезії трубадурів склалася творчість труверів, Яке було більш демократичним (більшість труверів - вихідці з городян) Тут розроблялися ті ж теми, подібним був і художній стиль пісень. У Німеччині століттям пізніше (13 ст) сформувалася школа мінезінгерів, у якій частіше, ніж у трубадурів і труверів, розроблялися пісні морально-повчального змісту, любовні мотиви нерідко набували релігійного забарвлення, пов'язувалися з культом діви Марії. Емоційний лад пісень відрізнявся більшою серйозністю, поглибленістю. Миннезингеры переважно служили при дворах, де й влаштовували свої змагання. Відомі імена Вольфрама фон Ешенбаха, Вальтера фон дер Фогельвейде, Тангейзера – героя знаменитої легенди. В опері Вагнера заснованої на цій легенді, центральною картиноює сцена змагання співаків, де герой до загального обурення прославляє земні почуття та насолоди. Лібрето "Тангейзера" написане Вагнером - зразок чудового проникнення у світовідчуття епохи, що оспівує моральні ідеали, примарне кохання і перебуває в постійній драматичній боротьбі з гріховними пристрастями.

Церковні жанри

Григоріанський хорал.У ранньохристиянській церкві існувало безліч варіантів церковних співів і латинських текстів. Виникла необхідність створення єдиного культового ритуалу та відповідної йому богослужбової музики. Цей процес завершився до рубежу 6 та 7вв. папою Григорієм I. Церковні наспіви, відібрані, канонізовані, розподілені в межах церковного року, склали офіційне склепіння - антиліхтар. Вхідні хорові мелодії стали основою богослужбового співу католицької церкви і отримали назву григоріанського хоралу. Він виконувався одноголосно хором чи ансамблем чоловічих голосів. Розвиток наспіву відбувається неквапливо і ґрунтується на варіюванні початкової поспівки. Вільний ритм мелодії підпорядкований ритму слів. Тексти - прозові латинською мовою, саме звучання якого створювало відчуженість від усього мирського. Мелодичне рух плавне, якщо з'являються невеликі стрибки, вони відразу компенсуються рухом у зворотний бік. Самі мелодії григоріанських піснеспівів розпадаються на три групи: речитацію, де кожному складу тексту відповідає один звук співу, псалмодія, де допускається співання деяких складів і ювіляцію, коли склади співали в складних мелодійних візерунках, найчастіше "Алілуйя" ("Хвала богу"). Велике значення, як і інших видах мистецтва, має просторова символіка (у разі "верх" і "низ"). Весь стиль цього одноголосного співу, відсутність у ньому "другого плану", "звукової перспективи" нагадує принцип площинного зображення у середньовічному живописі.
Гімн . Розквіт гімнотворчості відноситься до 6 ст. Гімни, що відрізнялися більшою емоційною безпосередністю, несли у собі дух світського мистецтва. Вони ґрунтувалися на мелодіях пісенного складу, близьких до народних. Наприкінці V століття вони були вигнані з церкви, але протягом століть існували як позабогослужбова музика. Повернення в церковний побут (9в.) стало своєрідною поступкою мирським почуттям віруючих. На відміну від хоралів, гімни спиралися на віршовані тексти, причому спеціально вигадані (а не запозичені зі священних книг). Це визначило чіткішу структуру співу, а також більшу свободу мелодії, не підпорядкованої кожному слову тексту.
Меса. Ритуал меси складався багато століть. Послідовність її частин у головних рисах визначилася до 9в., Остаточний свій вид меса набула лише до XI століття. Тривалим був процес формування її музики. Найбільш древній вид богослужбового співу – псалмодія; безпосередньо пов'язана з самим літургійним дійством, вона звучала протягом усієї служби та виконувалася священиками та церковними співачами. Введення гімнів збагатило музичний стиль меси. Гімнічні наспіви звучали окремі моменти ритуалу, висловлюючи колективні почуття віруючих. Спочатку їх співали самі парафіяни, згодом - професійний церковний хор. Емоційний вплив гімнів був настільки сильним, що вони поступово почали витісняти псалмодія, займаючи в музиці меси чільне місце. Саме як гімнів оформилися п'ять основних частин меси (так званий ординарій).
I. "Kyrie eleison"("Господи, помилуй") - благання про прощення і помилування;
ІІ. "Gloria"("Слава") - подякий гімн творцю;
ІІІ. "Credo"("Вірую") – центральна частина літургії, в якій викладаються основні догмати християнського віровчення;
IV. "Sanctus"("Свят") - триразово повторений урочисто-світлий вигук, що змінюється вітальним вигуком "Osanna", який обрамляє центральний епізод "Benedictus" ("Благословен той, хто прийде");
V. "Agnus Dei"("Агнець божий") - ще одна благання про помилування, звернена до Христа, що приніс себе в жертву; завершується ж остання частина словами: "Dona nobis pacem" ("Даруй нам мир").
Світські жанри

Вокальна музика
Середньовічне музично-поетичне мистецтво мало здебільшогоаматорський характер. Воно передбачало достатній універсалізм: та сама людина була і композитором, і поетом, і співаком, і інструменталістом, оскільки пісня часто виконувалася у супроводі лютні чи віоли. Великий інтерес становлять віршовані тексти пісень, особливо зразки лицарського мистецтва. Що ж до музики, то вона зазнала впливу григоріанських піснеспівів, музики бродячих музикантів, а також музики східних народів. Часто виконавцями, а іноді й авторами музики пісень трубадурів були жонглери, які мандрували з лицарями, супроводжуючи їх спів та виконуючи функції слуги та помічника. Завдяки цьому співробітництву стиралися кордони між народним і лицарським. музичною творчістю.
Танцювальна музика Областью, у якій значення інструментальної музики виявилося особливо сильно, була танцювальна музика. З кінця XI століття виникає ціла низка музично-танцювальних жанрів, призначених виключно для виконання на інструментах. Жодне свято врожаю, жодне весілля чи інше сімейне свято не обходилося без танців. Танці часто виконувались під спів самих танців чи під ріжок, у деяких країнах - під оркестр, що складається з труби, барабана, дзвінка, тарілок.
Бранль Французький народний танець. У середні віки був найпопулярнішим у містах та селах. Незабаром після своєї появи привернув увагу аристократії та став бальним танцем. Завдяки простим рухам бранлі могли танцювати всі. Його учасники тримаються за руки, утворюючи закрите коло, яке може розбиватися на лінії, перетворюючись на зигзагоподібні ходи. Існувало багато різновидів бранля: простий, подвійний, веселий, кінський, бранль прачок, бранль зі смолоскипами та ін. На основі рухів бранля побудовані гавот, пасп'є і буррі, з бранля поступово виник іменує.
Стелла Танець виконували паломники, які прийшли до монастиря, щоб поклонитися статуї Діви Марії. Вона стояла на вершині гори, освітлена сонцем, і здавалося, що від неї струмує неземне світло. Звідси і виникла назва танцю (stella – від лат. Зірка). Люди танцювали в єдиному пориві, вражені пишнотою та чистотою Божої матері.
Кароль Був популярним у 12в. Кароль – відкрите коло. Під час виконання кароля танцюючі співали, тримаючись за руки. Попереду танцюючих йшов співати. Приспів виконували усі учасники. Ритм танцю був то плавним і повільним, то прискорювався і переходив у біг.
Танці смерті У період пізнього середньовіччя європейській культуріТема смерті стала досить популярною. Епідемія чуми, яка забирає величезну кількість життів вплинула на ставлення до смерті. Якщо раніше вона була рятуванням від земних страждань, то в XIII ст. її сприймали з жахом. Смерть зображувалася в малюнках і гравюрах у вигляді образів, що лякають, обговорювалася в текстах пісень. Танець виконується у колі. Танцюючі починають рухатися, ніби їх спричиняє невідома сила. Поступово ними опановує музика, яку награє посланець Смерті, вони починають танцювати і наприкінці падають мертво.
Басданси Променадні танці-ходи. Вони мали урочистий характер та технічно були нескладними. Ті, хто зібрався на бенкет у своїх найкращих вбраннях, проходили перед господарем, ніби демонструючи себе і свій костюм - у цьому й полягав сенс танцю. Танці-ходи міцно увійшли до придворного побуту, без них не обходилося жодне свято.
Естампі (естампіди) Парні танці, що супроводжувалися інструментальною музикою. Іноді "естампі" виконувалося втрьох: один чоловік вів двох жінок. Велику роль грала музика. Вона складалася з кількох частин і зумовлювала характер рухів та кількість тактів, що припадає на кожну частину.

Трубадури:

Гіраут Рік'єр 1254-1292

Guiraut Riquier – провансальський поет, якого часто називають "останнім трубадуром". Плодитий і вмілий майстер (збереглося 48 його мелодій), проте не чужий духовної тематики, який значно ускладнив свій вокальний лист, віддаляючись від пісенності. Багато років перебував при дворі у Барселоні. Брав участь у хрестовому поході. Інтерес представляє також його позиція щодо мистецтва. Відоме його листування зі знаменитим покровителем мистецтв Альфонсом Мудрим, королем Кастилії та Леона. У ній він нарікав, що безчесний народ, "принижує звання жонглера", часто поєднують з знаючими трубадурами. Це "ганебно та шкідливо" для представників " високого мистецтвапоезії та музики, які вміють складати вірші і творити повчальні та неминущі твори". Під виглядом відповіді короля Рік'єр запропонував свою систематизацію: 1) "лікарі поетичного мистецтва" - найкращі з трубадурів, що "висвітлюють шлях суспільству", автори "зразкових віршів і кансон, граціоз новел і дидактичних творів" на розмовній мові; 2) трубадури, які складають пісні та музику до них, створюють танцювальні мелодії, балади, альби та сирвенти; 3) жонглери, що догоджають смаку знатних: вони грають на різних інструментах, розповідають повісті та казки, співають чужі вірші та кансони; 4) буфони (блаки) "своє низьке мистецтво на вулицях і площах показують і ведуть спосіб життя недостойний". Вони виводять дресованих мавп, собак та кіз, демонструють маріонеток, наслідують спів птахів. Буффон за дрібні подачки на інструментах грає чи ниє перед простонароддям... мандруючи від двору до двору, без сорому, терпляче переносить усілякі приниження і зневажає приємні та шляхетні заняття.

Рік'єра, як і багатьох трубадурів, турбував питання про лицарських чеснот. Найвищою гідністювін вважав щедрість. "У жодному разі не кажу я погано про доблесть і розум, але щедрість все перевершує".

Почуття гіркоти і досади різко посилюються до кінця XIII ст., коли крах Хрестових походів перетворився на непереборну реальність, з якою не можна було не зважати і над якою неможливо було не замислюватися. "Пора мені з піснями кінчати!" - у таких віршах (вони ставляться вже 1292 р.) висловив своє розчарування згубним результатом хрестоносних підприємств Гіраут Рік'єр:
"Нам час прийшов - за раттю рать - Святу землю покидати!" Вірш "Час мені з піснями кінчати" (1292) вважається останньою трубадурською піснею.

Композитори, музиканти

Гійом де Машо прибл. 1300 – 1377

Machaut – французький поет, музикант та композитор. Служив при дворі чеського короля, з 1337 року був каноніком Реймського собору. Один із найвидатніших музикантів пізнього середньовіччя, найбільша фігура французького Ars nova. Відомий як багатожанровий композитор: до нас дійшли його мотети, балади, віреле, ле, рондо, канони та інші пісенні (пісенно-танцювальні) форми. Його музика відрізняється витонченою експресивністю, рафінованою чуттєвістю. Крім того, Машо створив першу в історії авторську месу (для коронації короля Карла V у Реймсі в 1364 р. вона є першою в історії музики авторською месою - цілісним і закінченим твором відомого композитора. У його мистецтві ніби зібрані важливі лінії, що проходять, з одного боку, від музично-поетичної культури трубадурів і труверів у її давній пісенній основі, а з іншого - від французьких шкіл багатоголосся 12-13 століть.

Леонін (середина XII ст.)

Леонін - видатний композитор, поряд з Перотином належить до Нотр-Дамської школи. Історія зберегла нам ім'я цього знаменитого свого часу творця "Великої книги органумів", розрахованої на річне коло церковного співу. Органуми Леоніна замінювали хоровий співв унісон двоголосним співом солістів. Його двоголосні органуми відрізнялися такою ретельною розробкою, гармонійною "злагодженістю" звучання, яка була неможлива без попереднього продумування та запису: у мистецтві Леоніна на перший план вже виступає не співак-імпровізатор, а композитор. Основним нововведенням Леоніна була ритмізована запис, що дозволяла встановити чіткий ритм переважно рухомого верхнього голосу. Сам характер верхнього голосу вирізнявся мелодійною щедрістю.

Перотен

Perotin, Perotinus - Французький композитор кінця 12 - 1-ї третини 13 ст. У сучасних йому трактатах іменувався "майстер Перотин великий" (хто саме мав на увазі, достеменно невідомо, тому що було кілька музикантів, до яких можна віднести це ім'я). Перотин розвинув рід багатоголосного співу, що склався у творчості його попередника Леоніна, який також належав до так званої Паризької або Нотр-Дамської школи. Перотин створив високі зразки мелізматичного органуму. Він писав як 2-х голосні (як Леонін), а й 3-х, 4-х голосні твори, причому, певне, ускладнив і збагатив багатоголосся ритмічно і фактурно. Його 4-х голосні органуми ще підпорядковувалися існуючим законам поліфонії (імітація, канон та інших.). У творчості Перотина склалася традиція багатоголосних піснеспівів католицької церкви.

Жоскен де Пре бл. 1440-1524

Франкофламандський композитор. З юних літ церковний співочий. Служив у різних містах Італії (1486-99 співочий папської капели в Римі) та Франції (Камбре, Париж). Був придворним музикантом Людовіка XII; отримав визнання як майстер не тільки культової музики, а й світських пісень, які передбачали французький шансон. Останні роки життя настоятель собору в Конде-сюр-Еско. Жоскен Депре - один із найбільших композиторів епохи Відродження, що вплинув на подальший розвиток західно європейського мистецтва. Творчо узагальнивши досягнення нідерландської школи, він створив пройняті гуманістичним світовідчуттям новаторські твори духовних і світських жанрів (меси, мотети, псалми, фроттоли), підпорядковуючи високу поліфонічну техніку новим художнім завданням. Мелодика його творів, пов'язана з жанровими витоками, багатша і багатогранніша, ніж у ранніх нідерландських майстрів. "Прояснений" поліфонічний стиль Жоскена Депре, вільний від контрапунктичної ускладненості, став поворотним пунктом історія хорового письма.

Вокальні жанри

Для всієї епохи в цілому характерне явне переважання вокальних жанрів, зокрема вокальної поліфонії. Надзвичайно складна майстерність поліфонії суворого стилю, справжня вченість, віртуозна техніка сусідили з яскравим та свіжим мистецтвом побутового розповсюдження. Інструментальна музика набуває деякої самостійності, але її безпосередня залежність від вокальних форм і від побутових витоків (танець, пісня) буде подолана лише трохи пізніше. Великі музичні жанри залишаються пов'язаними із словесним текстом. Суть ренесансного гуманізму знайшла свій відбиток у творі хорових пісень у стилі фроттол і віланелл.
Танцювальні жанри

В епоху Відродження побутовий танець набуває велике значення. В Італії, Франції, Англії, Іспанії з'являється багато нових танцювальних форм. Різні верстви суспільства мають свої танці, виробляють манеру їхнього виконання, правила поведінки під час балів, вечорів, свят. Танці епохи Відродження складніші, ніж невигадливі бранлі пізнього середньовіччя. На зміну танцям з хороводною та лінійно-шеренговою композицією приходять парні (дуетні) танці, побудовані на складних рухах та фігурах.
Вольта - парний танецьіталійського походження. Назва його походить від італійського слова voltare, що означає "повертатися". Розмір тридольний, темп помірно-швидкий. Головний малюнок танцю полягає в тому, що кавалер швидко і різко повертає в повітрі танцюючу з ним жінку. Цей підйом зазвичай робиться дуже високо. Він вимагає від кавалера великої сили та спритності, оскільки, незважаючи на різкість та деяку рвучкість рухів, підйом повинен виконуватися чітко та красиво.
Гальярда - Стародавній танець італійського походження, поширений в Італії, Англії, Франції, Іспанії, Німеччині. Темп ранніх гальярд помірно-швидкий, тридольний розмір. Гальярда часто виконувалася після павани, з якою іноді була пов'язана тематично. Гальярди 16 ст. витримані у мелодико-гармонійній фактурі з мелодією у верхньому голосі. Мелодії гальярд були популярними у широких шарах французького суспільства. Під час виконання серенад орлеанські студенти грали мелодії гальярди на лютнях та гітарах. Як і куранта, гальярда мала характер своєрідного танцювального діалогу. Кавалер рухався залом разом зі своєю дамою. Коли чоловік виконував соло, жінка залишалася на місці. Чоловіче соло складалося з різноманітних складних рухів. Після цього він знову підходив до жінки і продовжував танець.
Павана - Придворний танець 16-17 ст. Темп помірно-повільний розмір 4/4 або 2/4. У різних джерелах немає єдиної думки щодо її походження (Італія, Іспанія, Франція). Найбільш популярна версія - іспанський танець, що наслідує рухів павича, що йде з красиво розпущеним хвостом. Був близький до басдансу. Під музику павани відбувалися різні церемоніальні ходи: в'їзди влади до міста, проводи почесної нареченої до церкви. У Франції та Італії паван затверджується як придворний танець. Урочистий характер павани дозволяв придворному суспільству виблискувати витонченістю та грацією своїх манер та рухів. Народ та буржуазія цей танець не виконували. Павана, як і менует, виконувалася по рангах. Починали танець король і королева, потім до нього вступав дофін зі знатною дамою, потім принци тощо. Кавалери виконували павану при шпазі та в пелеринах. Жінки були в парадних сукнях з важкими довгими тренами, якими потрібно було майстерно володіти під час рухів, не піднімаючи їх із підлоги. Рух трену робили ходи красивими, надаючи павані пишноту та урочистість. За королевою наближені жінки несли шлейф. Перед початком танцю потрібно було обходити зал. Наприкінці танцю пари з поклонами та реверансами знову обминали зал. Але перед тим, як надіти капелюха, кавалер повинен був покласти праву руку ззаду на плече дамі, ліву (тримає капелюх) - на її талію і поцілувати її в щоку. Під час танцю у жінки були опущені очі; Лише час від часу вона дивилася на свого кавалера. Найбільш довго паван зберігалася в Англії, де була дуже популярна.
Алеманда - Повільний танець німецького походження у 4-дольному розмірі. Він належить до масових "низьких", безстрибкових танців. Виконавці ставали парами один за одним. Кількість пар не обмежувалася. Кавалер тримав пані за руки. Колона рухалася залом, і, коли доходила до кінця, учасники робили поворот на місці (не роз'єднуючи рук) і продовжували танець у зворотному напрямку.
Куранта - Придворний танець італійського походження. Куранта була проста та складна. Перша складалася з простих, глиссирующих кроків, які виконували переважно вперед. Складна куранта мала пантомімічний характер: троє кавалерів запрошували трьох дам для участі в танці. Дам відводили у протилежний кут зали та просили танцювати. Жінки відмовлялися. Кавалери, отримавши відмову, йшли, але потім поверталися знову і ставали перед дамами навколішки. Тільки після пантомімної сцени розпочинався танець. Розрізняються куранти італійського та французького типів. Італійська куранта - жвавий танець у розмірі 3/4 або 3/8 із простим ритмом у мелодико-гармонійній фактурі. Французька - урочистий танець ("танець манери"), плавна гордовита хода. Розмір 3/2, помірний темп, досить розвинена поліфонічна фактура.
Сарабанда - популярний танець 16 – 17 ст. Походить від іспанського жіночого танцю з кастаньєтами. Спочатку супроводжувався співом. Відомий балетмейстер і педагог Карло Блазіс в одній зі своїх праць дає короткий опис сарабанди: "У цьому танці кожен вибирає собі даму, до якої він не байдужий. Музика дає сигнал, і двоє закоханих виконують танець, шляхетний, мірний, втім, важливість цього танцю. анітрохи не заважає задоволенню, а скромність надає йому ще більше граціозності; погляди всіх із задоволенням стежать за танцями, які виконують різні постаті, висловлюють своїм рухом усі фази кохання”. Спочатку темп сарабанди був помірно-швидким, пізніше (з 17 в.) з'явилася повільна французька сарабанда з характерним ритмічним малюнком: …… У себе батьківщині сарабанда потрапила до розряду непристойних танців й у 1630г. була заборонена Кастильською радою.
Жига - танець англійського походження, найбільш швидкий, тридольний, що переходить у тріольність. Спочатку жига була парним танцем, серед моряків поширилася як сольний дуже швидкий танець комічного характеру. Пізніше існує в інструментальній музиці як заключна частина старовинної танцювальної сюїти.

Вокальні жанри

Найбільш явно риси бароко виявлялися у жанрах, де музика перепліталася коїться з іншими мистецтвами. Це були, перш за все, опера, ораторія та такі жанри духовної музики, як пасіони та кантати. Музика у поєднанні зі словом, а в опері - з костюмами та декораціями, тобто з елементами живопису, прикладного мистецтваі архітектури, були покликані висловити складний душевний світ людини, складні і різноманітні події, що переживаються нею. Сусідство героїв, богів, реальної та ірреальної дії, всякі чари були природними для барокового смаку, були вищим виразом мінливості, динамізму, перетворення, дива були не зовнішніми, чисто декоративними елементами, а становили неодмінну частину художньої системи.

Опера.

Найбільшу популярність оперний жанр набув Італії. Відкривається велика кількість оперних театрів, що були дивовижним, унікальним явищем. Численні, задрапіровані важким оксамитом ложі, обгороджений бар'єром партер (де тоді стояли, а чи не сиділи) збирали під час 3-х оперних сезонів майже все населення міста. Ложі закуповувалися на весь сезон патриціанськими прізвищами, у партері юрмився простий люд, що іноді впускався безкоштовно - але всі почувалися невимушено, в атмосфері безперервного святкування. У ложах були буфети, кушетки, ломберні столики для гри в "фараон"; кожна з них поєднувалася зі спеціальними приміщеннями, де готувалася їжа. Публіка ходила в сусідні ложі, як у гості; тут зав'язувалися знайомства, починалися любовні інтриги, відбувався обмін. останніми новинами, йшла карткова грана великі гроші і т. п.. А на сцені розгорталося розкішне, чарівне видовище, покликане впливати на розум і почуття глядачів, чарувати зір та слух. Мужність і доблесть героїв античності, казкові пригоди міфологічних персонажів поставали перед захопленими слухачами у всій пишноті музичного та декоративного оформлення, досягнутого за майже сторічне існування оперного театру.

Виникнувши наприкінці 16 століття у Флоренції, у гуртку ("camerata") вчених-гуманістів, поетів та композиторів, опера незабаром стає провідним музичним жанром Італії. Особливо велику роль у розвитку опери зіграв К. Монтеверді, який працював у Мантуї та Венеції. Два його найвідоміші сценічні твори, "Орфей" та "Коронація Поппеї", відзначені вражаючою досконалістю музичної драматургії. Ще за життя Монтеверді у Венеції виникла нова оперна школа на чолі з Ф. Каваллі та М. Честі. З відкриттям 1637 р. у Венеції першого загальнодоступного театру Сан-Кассіано з'явилася можливість потрапити на оперу будь-кому, хто купив квиток. Поступово в сценічній дії зростає значення видовищних, зовні ефектних моментів на шкоду античним ідеалам простоти та природності, які надихали першовідкривачів оперного жанру. Величезний розвиток отримує постановочна техніка, що дозволяє втілювати на сцені найфантастичніші пригоди героїв - аж до корабельних аварій, польотів повітрям і т. п. Грандіозні, барвисті декорації, що створюють ілюзію перспективи (сцена в італійських театрах була овальної форми), переносили глядача в і на морські простори, в таємничі підземелля та чарівні сади.

У той же час у музиці опер все більший акцент робився на сольному. вокальному початку, що підпорядковував собі інші елементи виразності; це надалі неминуче призвело до захоплення самодостатньою вокальною віртуозністю та зниження напруженості драматичної дії, яка часто ставала лише приводом для демонстрації феноменальних голосових даних співаків-солістів. Відповідно до звичаю як солістів, які виконували і чоловічі та жіночі партії, виступали співаки-кастрати. Їхнє виконання поєднувало силу і блиск чоловічих голосів з легкістю і рухливістю жіночих. Подібне використання високих голосіву партіях мужньо-героїчного складу було на той час традиційним і не сприймалося як протиприродне; воно широко поширене у папському Римі, де жінкам офіційно заборонялося виступати в опері, а й у інших містах Італії.

З другої половини 17 ст. провідна роль історії італійського музичного театру перетворюється на неаполітанської опері. Розроблені неаполітанськими композиторами принципи оперної драматургії стають універсальними, і неаполітанська опера ототожнюється із загальнонаціональним типом італійської опери seria. Величезну роль у розвитку неаполітанської оперної школи відіграли консерваторії, які виросли з притулків для дітей-сиріт у спеціальні музичні навчальні заклади. У них особлива увага приділялася заняттям зі співаками, які включали тренування на повітрі, на воді, у галасливих багатолюдних місцях і там, де луна ніби контролювала співака. Довга низка блискучих віртуозів-вокалістів - вихованців консерваторій - розносила на весь світ славу італійської музики та "прекрасного співу" (bel canto). Для неаполітанської опери консерваторії становили постійний резерв професійних кадрів, запорукою її творчого оновлення. Серед численних італійських оперних композиторів епохи Бароко найбільш визначним явищем була творчість Клаудіо Монтеверді. У його пізніх творах склалися основні засади оперної драматургії та різні форми оперного сольного співу, яким слідувала більшість італійських композиторів 17 століття.

Справжнім та єдиним творцем національної англійської опери був Генрі Перселл. Він написав велику кількість театральних творів, серед яких єдина опера - "Дідона та Еней". "Дідона і Еней" - чи не єдина англійська опера без розмовних вставок та діалогів, в якій драматична дія від початку до кінця покладена на музику. Всі інші музично-театральні промови Перселла містять розмовні діалоги (у наш час такі твори називають "мюзикл").

"Опера - її чудове місцеперебування її - країна перетворень; миттєво люди стають богами, і боги стають людьми. Там мандрівникові не треба об'їжджати країни, бо країни самі перед ним подорожують. Вам нудно в жахливій пустелі? Миттєво звук свистка? Ідилії, інший вас з пекла в житло богів наводить: ще інший - і ви в таборі фей знайдетеся.

"Опера - вистава настільки ж дивна, як прекрасна, де очі і вуха більш задовольняються, ніж розум; де підпорядкування музиці смішні безглуздя викликає, де при руйнуванні міста співають арії, а навколо могили танцюють; де палаци Плутона і Сонця бачити можна, а також богів, демонів, чарівників, чудовиськ, чаклунство, палаци споруджувані і руйнуються миттєво. Такі дивацтва терплять і навіть любуються, бо опера - країна фей " (Вольтер, 1712).

Ораторія

Ораторію, у тому числі духовну, сучасники часто сприймали як оперу без костюмів і декорацій. Втім, культові ораторії та пасіони звучали у храмах, де й сам храм, і вбрання священиків служили декорацією та костюмом.

Ораторія і була, насамперед, духовним жанром. Саме слово ораторія (іт. oratorio) походить від пізньолатинського oratorium - "молельня", і латинського ого - "говорю, благаю". Зародилася ораторія одночасно з оперою та кантатою, але у храмі. Її попередницею стала літургійна драма. Розвиток цього церковного дійства відбувався у двох напрямках. З одного боку, все більш набуваючи простонародного характеру, вона поступово перетворилася на комічну виставу. З іншого боку, прагнення зберегти серйозність молитовного спілкування з Богом постійно штовхало до статичності виконання, навіть за найрозвиненішого і драматичного сюжету. І це призвело, зрештою, до виникнення ораторії як самостійного, спочатку суто храмового, та був і концертного жанру.

В умовах раннього Середньовіччя вся музична культура зводиться до двох основних «доданків». На одному її полюсі - узаконена церквою професійна богослужбова музика, в принципі єдина для всіх народів, які прийняли християнство (єдність мови - латина, єдність співу - григоріанський хорал). На іншому боці - гнана церквою народна музика різними місцевими мовами, пов'язана з народним побутом, з діяльністю бродячих музикантів.

Незважаючи на абсолютну нерівність сил (у сенсі підтримки з боку держави, матеріальних умов та інше), народна музика інтенсивно розвивалася і навіть частково проникала до церкви у вигляді різних вставок у канонізований григоріанський спів. Серед них, наприклад, стежки та секвенції, створювані обдарованими музикантами.

Стежки - це текстові та музичні доповнення, що вставляють у середину хоралу. Різновидом стежка є секвенція. Середньовічнісеквенції - це підтекстування складних вокалізів. Однією з причин, що викликали їхнє виникнення, була значна труднощі запам'ятовування довгих мелодій, що співають на одній голосній літері. Згодом секвенції стали ґрунтуватися на мелодіях народного складу.

Серед авторів перших секвенцій називають ченцяНоткера на прізвисько Заїка з монастиря Санкт-Галлен (у Швейцарії, поблизу Боденського озера). Ноткер (840-912) бувкомпозитором, поетом, музичним теоретиком, істориком, богословом. Він викладав у монастирській школі і, незважаючи на заїкуватість, користувався славою прекрасного вчителя. Для своїх секвенцій Ноткер частково використав відомі мелодії, частково написав сам.

Постановою Тридентського собору (1545-63) майже всі секвенції було вигнано з церковної служби, крім чотирьох. Серед них найбільшої популярності набула секвенціяDies irae («День гніву»), яка розповідає про судний день . Пізніше в католицький церковний ужиток було допущено і п'яту секвенцію,Stabat Mater («Стояла скорботна мати»).

Дух мирського мистецтва у церковний ужиток привносили ігімни - духовні піснеспіви, близькі народним пісням на віршований текст.

З кінця XIстоліття у музичне життя Західної Європи включаються нові види творчості та музикування, пов'язані з лицарською культурою. Співаки-лицарі, по суті, започаткували світську музику. Їх мистецтво стикалося з народно-побутовою музичною тради-цією (використання народно-пісенних інтонацій, практика співпраці з народними музикантами). У ряді випадків трубадури, ймовірно, підбирали до своїх текстів існуючі народні мелодії.

Найбільшим досягненням музичної культури Середньовіччя стало народження професійної європейськоїполіфонії . Її початок відноситься доIXвіці, коли унісонне виконання григоріанського хоралу стало інколи замінюватися двоголосним. Найбільш раннім видом двоголосся був паралельнийорганум , в якому григоріанський наспів дублювався в октаву, кварту чи квінту Потім з'явився і непаралельний органум з непрямим (коли рухався тільки один голос) і протилежним рухом. Поступово голос, що супроводжував григоріанський хорал, ставав все більш самостійним. Подібний стиль двоголосості отримав назвудискантового (У перекладі - «пе-ние нарізно»).

Вперше такі органуми почали писатиЛеонін , перший відомий композитор-поліфоніст (XIIстоліття). Він служив регентом у знаменитому соборі Паризької Богоматері, де склалася велика поліфонічна школа.

Творчість Леоніна була пов'язана зars antiqua (Арс антиква, що означає «стародавнє мистецтво»). Таку назву дали культової поліфонії.XII- XIIIстоліть музиканти раннього Відродження, що протиставляли їїars nova («Нове мистецтво»).

На початку XIIIстоліття традиції Леоніна продовживПеротин , на прізвисько Великий. Він складав уже не двоголосні, а 3х та 4 х -Голосні органуми. Верхні голоси Перотина іноді утворюють контрастне двоголосся, часом він майстерно застосовує імітацію.

За часів Перотину сформувався і новий типполіфонії -кондукт , основою якого був уже не григоріанський хорал, а популярна побутова або мелодія, що вільно складалася.

Ще сміливішою поліфонічною формою з'явивсямотет - поєднання мелодій з різним ритмом і різними текстами, нерідко навіть різними мовами. Мотет був першим музичним жанром, однаково поширеним й у церкві, й у придворному побуті.

Розвиток багатоголосся, відхід від одночасного виголошення кожного складу тексту в усіх голосах (у мотетах), зажадало вдосконалення нотації, точного позначення тривалостей. З'являєтьсямензуральна нотація (від лат. Mensura - міра; буквально - розмірена нотація), яка дала можливість фіксувати і висоту, і відносну тривалість звуків.

Паралельно з розвитком поліфонії відбувався процес становленнямеси - багатоголосного циклічного твору на текст головного богослужіння католицької церкви. Ритуал меси складався протягом багатьох століть. Остаточний свій вигляд він набув лише доXIвіку. Як цілісна музикальна композиціямеса оформилася ще пізніше, вXIVстолітті, ставши провідним музичним жанром епохи Відродження.

Музика Середньовіччя

Музична культура Середньовіччя – надзвичайно об'ємне та різнобічне історичне явище, що хронологічно розташовується між епохами античності та Відродження. Його важко уявити як єдиний період, т. до. у різних країнах розвиток мистецтва йшло своїми особливими шляхами.

Специфічною особливістю епохи Середньовіччя, що наклала відбиток на всі сфери життєдіяльності людини в той час, була керівна роль церкви в політиці, етиці, мистецтві тощо. функцію. Її зміст, образність, вся її естетична сутність втілювали заперечення цінностей земного життя заради відплати після смерті, проповідь аскетизму, відчуженості від зовнішніх благ. Народне мистецтво, яке продовжувало нести відбиток язичницьких вірувань, нерідко зазнавало нападів з боку «офіційного» мистецтва католицької церкви.

Перший період – раннє Середньовіччя– прийнято обчислювати з епохи, що почалася відразу після падіння Римської імперії, тобто з VI ст. н. е. В цей час на території Європи існувало і мігрувало безліч племен і народів, що знаходяться на різних щаблях історичного розвитку. Однак пам'ятками музичного мистецтва цього періоду, що збереглися, є тільки музика християнської церкви (в основному в пізнішій нотації), успадкована, з одного боку, культурі Римської імперії, з іншого – музиці Сходу (Іудея, Сирія, Вірменія, Єгипет). Передбачається, що виконавські традиції християнського співу – антифон (протиставлення двох хорових груп) та респонсорій (чергування сольного співу та «відповідей» хору) – склалися на основі східних зразків.

До VIII століття у європейських країнах поступово формується традиція літургійного співу, основою якого стає григоріанський хорал – склепіння систематизованих Папою Григорієм I одноголосних хорових співів. Тут слід детальніше зупинитися на особистості самого Григорія, удостоєного завдяки значущості своєї постаті в історії титулу Великий.

Він народився Римі в 540 року у сім'ї почесного походження, не відчувала фінансових труднощів. Після смерті батьків Григорій отримав багату спадщину і зміг заснувати кілька монастирів у Сицилії та один у Римі, на Целійському пагорбі, у своєму родовому домі. Останню обитель, що називалася монастирем Святого апостола Андрія, він обрав місцем проживання.

У 577 році Григорій був посвячений у сан диякона, у 585 році – обраний настоятелем заснованого ним монастиря, у 590 році його за одностайним рішенням римського сенату, кліру та народу обрали на папський престол, який він займав аж до своєї смерті, що настала у 604 році. .

Ще за життя Григорій мав величезну пошану на Заході, не забули його і після смерті. Існує безліч розповідей про чудеса, здійснені ним. Прославився він і як письменник: біографи прирівнюють його в цьому відношенні до великих філософів та мудреців. Крім того, Григорій Великий є одним із найголовніших діячів у галузі розробки церковної музики. Йому належить заслуга у розширенні системи амв-росіанських ладів та у створенні особливої ​​школи співу, що називається cantus gregorianus.

Григорій багато років збирав наспіви різних християнських церков, Зробивши з них згодом збірку під назвою «Антифонарій», який прикували ланцюгом до вівтаря церкви Святого Петра в Римі як зразок християнського співу.

Папа ввів октавну систему замість грецької системи тетрахордів, а назви тонів, що були раніше грецькими, позначив латинськими літерами A, В, С і т. д., причому восьмий тон отримував знову назву першого. Весь звукоряд Григорія Великого складався з 14 тонів: А, В, c, d, e, f, g, a, b, c1, d1, e1, f1, g1. Літера В (b) мала двояке значення: У кругле (В rotundum) і В квадратне (В quadratum), тобто сі-бемоль і сі-бекар, дивлячись по необхідності.

Але повернемося до Папи Григорія, який, до всього іншого, став основоположником співочої школи в Римі, ревно стежив за навчанням і навіть сам викладав, суворо караючи учнів за недбальство та лінощі.

Слід зазначити, що поступово григоріанський хорал, що складається з піснеспівів двох типів – псалмодій (мірної речитації тексту Святого Письма, переважно на одній звуковій висоті, при якій на один склад тексту припадає одна нота співу) та гімнів-юбіляцій (вільні співи складів слова «Алілуйя»), витіснив із церкви амвросіанський спів. Від останнього він відрізнявся тим, що був рівним, незалежним від тексту. Це своє чергу давало можливість мелодії литися природно і гладко, а музичний ритм відтепер ставав самостійним, що стало найважливішою подієюісторія музики.

Вплив хорального співу на парафіян посилювався акустичними можливостями церков із їхніми високими склепіннями, що відбивають звук та створюють ефект Божественної присутності.

У наступні століття з поширенням впливу Римської церкви григоріанський хорал вводився (іноді насильно насаджувався) у богослужіннях практично всіх європейських країн. В результаті до кінця XI століття вся католицька церква була об'єднана загальними формамибогослужіння.

Музична наука тим часом розвивалася у зв'язку з монастирської культурою. У VIII – IX століттях на основі григоріанського хоралу складається система церковних ладів Середньовіччя. Ця система пов'язана з одноголосним музичним складом, з монодією, і являє собою вісім діатонічних звукорядів (дорійський, гіподорійський, фригійський, гіпофригійський, лідійський, гіполідійський, міксолидійський, гіпоміксолідійський), кожен з яких сприймався середньовічними практиками. лад - "спритний", другий - "серйозний", третій - "стрімкий" і т. д.).

У цей період починає формуватися нотація, спочатку представлена ​​про невмами – значками, наочно показували рух мелодії вгору чи вниз. З невм згодом розвинулися нотні знаки. Реформу нотного листа здійснив у другій чверті XI століття італійський музикант Гвідо Д'Ареццо, який народився 990 року. Про його дитячі роки відомо небагато. Досягнувши зрілого віку, Гвідо став ченцем бенедиктинського монастиря Помпози поблизу Равенни.

Гвідо Д’Ареццо

Природа щедро обдарувала його різними талантами, що давало йому можливість у навчанні легко перевершувати своїх товаришів. Останні заздрили його успіхам і тому, як добре проявив себе Гвідо як викладач співу. Все це спричиняло різко негативне, а частково навіть вороже ставлення оточуючих до Гвідо, і той, зрештою, змушений був перейти в інший монастир – в Ареццо, від назви якого і отримав своє прізвисько Аретинський.

Отже, Гвідо був одним із видатних музикантів свого часу, і його нововведення у галузі викладання духовного співу дали блискучі результати. Він звернув увагу на нотацію та винайшов чотирилінійну систему, на якій точно визначив місцезнаходження півтонів (від них, що траплялися між ступенями григоріанських ладів, залежали характерні риситого чи іншого ладу, а також заснованої на цьому ладі мелодії).

Прагнучи якнайточніше записати мелодію, Гвідо вигадував різні правила, які були оформлені в складну і заплутану систему з новими назвами тонів: ut, re, mi, fa, sol, la. Незважаючи на різні труднощі, викликані використанням такої системи, вона протрималася дуже довго, і її сліди трапляються у теоретиків XVIII ст.

Цікаво, що спочатку Гвідо Д’Ареццо за свої нововведення зазнав гонінь. Але оскільки система талановитого музикантабагато в чому полегшував запис і читання мелодій, Папа з почестями повернув його до монастиря Помпози, де Гвідо Д'Ареццо і прожив до самої смерті, тобто до 1050 року.

У XI – XII століттях у розвитку художньої культури Середньовіччя намітився перелом, зумовлений новими соціально-історичними процесами (зростання міст, Хрестові походи, висування нових громадських верств, зокрема лицарства, складання перших центрів світської культури тощо. буд.). Нові культурні явища поширюються у всій Європі. Відбувається складання та поширення середньовічного роману, готичного стилю в архітектурі, музиці йдерозвиток багатоголосного письма, формування світської музично-поетичної лірики.

Головною особливістю розвитку музичного мистецтва в цей період стає утвердження та розвиток багатоголосства, в основу якого було покладено григоріанський хорал: до основної церковної мелодії співаки приєднували другий голос. У ранніх прикладах двоголосся, зафіксованих у нотних зразках IX – XI століть, голоси рухаються паралельно в єдиному ритмі (в інтервалах кварти, квінти чи октави). Пізніше з'являються зразки непаралельного руху голосів («Один співак веде основну мелодію, інший майстерно блукає іншими звуками», – пише теоретик Гвідо Д'Ареццо). Такий тип двох-і багатоголосся за назвою голосу, що приєднується, називається органумом. Пізніше голос, що приєднується, почали прикрашати мелізмами, він почав рухатися вільніше в ритмічному відношенні.

Розвиток нових форм багатоголосся особливо активно відбувався у Парижі та Ліможі у XII – XIII століттях. В історію музичної культури цей період увійшов як "епоха Нотр-Дама" (за назвою всесвітньо відомого пам'ятникаархітектури, де працювала співоча капела). Серед авторів, імена яких зберегла історія, – Леонін та Перотін, автори органумів та інших багатоголосних творів. Леонін створив « Велику книгуорганумів», розраховану на річне коло церковного співу. З ім'ям Перотина пов'язаний перехід до трьох- і чотириголосся, подальшого збагачення мелодійного листа. У цьому слід зазначити, що значення школи Нотр-Дам істотно як для Франції, але й усього європейського мистецтва на той час.

Формування світських жанрів у період було підготовлено творчістю бродячих народних музикантів – жонглерів, менестрелів і шпильманів. Відкидані і навіть гнані офіційною церквою, мандрівні музиканти з'явилися першими носіями світської лірики, а також чисто інструментальної традиції (використовували різні духові та смичкові інструменти, арфу тощо).

На той час артисти були акторами, циркачами, співаками та інструменталістами в одній особі. Вони подорожували з міста в місто, виступали на святах при дворах, біля замків, на ярмаркових площах і т. д. До жонглерів, шпильманів і менестрелів приєднувалися також ваганти і голіарди – невдахи студенти і ченці, завдяки яким в «артистичній» грамотність. Поступово у цих колах намітилася спеціалізація, мандрівні артисти почали утворювати цехи, осідати у містах.

У цей період висувається своєрідна «інтелігентська» прошарок – лицарство, у середовищі якого (у періоди перемирій) також розпалюється інтерес до мистецтва. У XII столітті в Провансі зароджується мистецтво трубадурів, яке стало основою особливого творчого руху. Трубадури здебільшого були вихідцями з найвищої знаті, володіли музичною грамотою. Вони створювали складні формою музично-поетичні твори, у яких оспівували земні радості, героїку Хрестових походів тощо.

Трубадур був насамперед поетом, мелодія ж нерідко запозичувалася ним із побутового вжитку та творчо переосмислювалась. Іноді трубадури наймали менестрелів для інструментального супроводу свого співу, залучали жонглерів до виконання та твору музики. Серед трубадурів, чиї імена дійшли до нас крізь завісу століть – Джуафре Рюдель, Бернарт де Вентадорн, Бертран де Борн, Рамбаут де Вакейрас та ін.

Поезія трубадурів справила безпосередній вплив формування творчості труверів, яке було демократичнішим, т. до. більшість труверів – вихідці з городян. Деякі трувери створювали твори на замовлення. Найбільш відомим з них був Адам де ла Аль, уродженець Арраса, французький поет, композитор, драматург другої половини XIII століття.

Мистецтво трубадурів та труверів поширювалося по всій Європі. Під його впливом у Німеччині століттям пізніше (XIII століття) склалися традиції школи міннезингерів, представники якої, обдаровані музиканти та композитори, переважно служили при дворах.

Своєрідним переходом до ери Ренесансу можна розглядати XIV століття. Цей період по відношенню до французької музики прийнято позначати «Ars Nova» («Нове мистецтво») за назвою наукової праці, створеного близько 1320 року паризьким теоретиком та композитором Філіпом де Вітрі.

Слід зазначити, що у зазначений час у мистецтві справді з'являються принципово нові елементи: наприклад, відбувається затвердження (у тому числі теоретично) нових принципів ритмічного поділу та голосознавства, нових ладових систем (зокрема, альтерацій та тональних тяжінь – тобто. «дієзів» та «бемолів»), нових жанрів, вихід на новий рівень професійної майстерності.

У ряд найбільших музикантів XIV століття, крім Філіпа де Вітрі, який створював на власні тексти мотети, потрібно поставити і Гійома де Машо, що народився в місті Машо, в Шампані, близько 1300 року.

Гійом де Машо у свій час перебував на службі при дворі Іоанни Наваррської, дружини Пилипа Красивого, пізніше став особистим секретарем короля Богемії Іоанна Люксембурзького, а під кінець життя перебував при дворі Карла V Французького. Сучасники шанували його незвичайний музичний талант, завдяки якому він був не лише блискучим виконавцем, а й прекрасним композитором, який залишив по собі величезну кількість творів: до нас дійшли його мотети, балади, рондо, канони та інші пісенно-танцювальні форми.

Музика Гійома де Машо вирізняється витонченою експресивністю, граціозністю і, на думку дослідників, є виразником духу епохи «Ars Nova». Головна ж заслуга композитора у тому, що він написав першу історія авторську месу з нагоди вступу на престол Карла V.