Barockstil in der Architektur. Barock in der Kultur des 17. Jahrhunderts

Geschichte

Im 17. Jahrhundert Italien, das erste Glied in der Kunst der Renaissance, verlor seine wirtschaftliche und politische Macht. Ausländer – die Spanier und die Franzosen – beginnen, das Territorium Italiens zu regieren, sie diktieren die Bedingungen der Politik usw. Das erschöpfte Italien hat den Höhepunkt seiner kulturellen Stellung nicht verloren – er bleibt bestehen Kulturzentrum Europa. Das Zentrum der katholischen Welt ist Rom, es ist reich an spirituellen Kräften.

Macht in der Kultur manifestierte sich durch die Anpassung an neue Bedingungen – der Adel und die Kirche brauchten, dass jeder seine Stärke und seinen Reichtum sah, aber da kein Geld für den Bau eines Palazzo vorhanden war, wandte sich der Adel der Kunst zu, um die Illusion von Macht und Reichtum zu erzeugen. Ein Stil, der sich erheben kann, wird populär, und so entstand im Italien des 16. Jahrhunderts der Barock.

Ursprung des Begriffs

Ursprung des Wortes Barock sorgt für mehr Kontroversen als die Namen aller anderen Stile. Es gibt mehrere Versionen des Ursprungs. Portugiesisch Barroko- Perle unregelmäßige Form Da sie über keine Rotationsachse verfügen, waren solche Perlen im 17. Jahrhundert beliebt. Auf Italienisch Barock- falscher Syllogismus, asiatische Form der Logik, auf Metaphern basierende Sophistik. Wie unregelmäßig geformte Perlen, barocke Syllogismen, deren Falschheit durch ihre metaphorische Natur verdeckt wurde.

Die Verwendung des Begriffs durch Kritiker und Kunsthistoriker geht auf die 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts zurück und bezog sich zunächst auf die figurative Kunst, später auch auf die Literatur. Barock erhielt zunächst eine negative Bedeutung und nur in Ende des 19. Jahrhunderts Jahrhundert kam es zu einer Aufwertung des Barock, dank des europäischen Kulturkontexts vom Impressionismus bis zum Symbolismus, der Verbindungen zur Barockzeit hervorhebt.

Eine umstrittene Theorie besagt, dass alle diese europäischen Wörter aus dem Lateinischen stammen bis-roca, verdrehter Stein. Eine andere Theorie – aus dem Lateinischen Warze, steile hohe Stelle, Defekt im Edelstein.

In verschiedenen Kontexten könnte das Wort Barock „Anmaßung“, „Unnatürlichkeit“, „Unaufrichtigkeit“, „Elite“, „Deformation“, „übertriebene Emotionalität“ bedeuten. All diese Konnotationen des Wortes Barock wurden in den meisten Fällen nicht als negativ wahrgenommen.

Schließlich besagt eine andere Theorie, dass dieses Wort in allen genannten Sprachen sprachlich parodistisch ist und seine Wortbildung durch seine Bedeutung erklärt werden kann: ungewöhnlich, unnatürlich, mehrdeutig und trügerisch.

Die Mehrdeutigkeit des Barockstils erklärt sich aus seinem Ursprung. Nach Ansicht einiger Forscher wurde es der Architektur der seldschukischen Türken entlehnt.

Barocke Merkmale

Der Barock ist geprägt von Kontrast, Spannung, dynamischen Bildern, Affektiertheit, dem Wunsch nach Größe und Pracht, nach der Verbindung von Realität und Illusion, nach der Verschmelzung der Künste (Stadt-, Schloss- und Parkensembles, Oper, Kirchenmusik, Oratorium); gleichzeitig - eine Tendenz zur Autonomie einzelner Genres (Concerto Grosso, Sonate, Suite in der Instrumentalmusik).

Die ideologischen Grundlagen des Stils entstanden als Folge des Schocks im 16. Jahrhundert. Reformation und die Lehren des Kopernikus. Die in der Antike etablierte Vorstellung von der Welt als einer rationalen und beständigen Einheit sowie die Renaissance-Vorstellung vom Menschen als dem intelligentesten Wesen veränderten sich. Der Mensch begann sich selbst als „etwas zwischen allem und nichts“ zu erkennen, wie Pascal es ausdrückte, „jemand, der nur die Erscheinung von Phänomenen erfasst, aber weder ihren Anfang noch ihr Ende verstehen kann.“

Barockzeit

Im Barock entsteht viel Zeit für Unterhaltung: statt Pilgerfahrten - die Promenade (Spaziergänge im Park); statt Ritterturnieren - „Karussells“ (Ausritte) und Kartenspiele; Statt Mysterientheater gibt es Theater und Maskenball. Sie können auch das Aussehen von Schaukeln und „Feuerspaß“ (Feuerwerk) hinzufügen. In den Innenräumen traten Porträts und Landschaften an die Stelle von Ikonen, und die Musik verwandelte sich vom Spirituellen in ein angenehmes Klangspiel.

Die Barockzeit lehnt Traditionen und Autoritäten als Aberglauben und Vorurteile ab. Alles, was „klar und deutlich“ gedacht ist oder einen mathematischen Ausdruck hat, ist wahr, sagt der Philosoph Descartes. Daher ist der Barock auch das Jahrhundert der Vernunft und der Aufklärung. Es ist kein Zufall, dass das Wort „Barock“ manchmal verwendet wird, um eine der Arten von Schlussfolgerungen in der mittelalterlichen Logik zu bezeichnen – um Barock. Der erste europäische Park entsteht in Versailles, wo die Idee eines Waldes äußerst mathematisch ausgedrückt wird: Lindenalleen und Kanäle scheinen mit einem Lineal gezeichnet zu sein, und die Bäume sind nach Art stereometrischer Figuren beschnitten. Zum ersten Mal legten die uniformierten Armeen des Barock großen Wert auf den „Drill“ – die geometrische Korrektheit der Formationen auf dem Exerzierplatz.

Barocker Mann

Madame de Montespan, Barockfrau

Der barocke Mensch lehnt die Natürlichkeit ab, die mit Wildheit, Zügellosigkeit, Tyrannei, Brutalität und Ignoranz gleichgesetzt wird – alles, was im Zeitalter der Romantik zur Tugend werden würde. Die Barockfrau schätzt ihre blasse Haut und trägt eine unnatürliche, aufwendige Frisur, ein Korsett und einen künstlich weiten Rock mit Fischbeinrahmen. Sie trägt Absätze.

Und der Gentleman wird zum idealen Mann im Barock – aus dem Englischen. sanft: „sanft“, „sanft“, „ruhig“. Anfangs rasierte er sich lieber Schnurrbart und Bart, trug Parfüm und trug gepuderte Perücken. Was nützt Gewalt, wenn man nun durch Drücken des Abzugs einer Muskete tötet. Natürlichkeit ist im Barock ein Synonym für Brutalität, Wildheit, Vulgarität und Extravaganz. Für den Philosophen Hobbes der Zustand der Natur Naturzustand) ist ein Staat, der durch Anarchie und Krieg aller gegen alle gekennzeichnet ist.

Anthony van Dyck. Porträt von James Stewart, ca. 1637

Der Barock ist geprägt von der Idee, die Natur auf der Grundlage der Vernunft zu veredeln. Nicht um die Not zu ertragen, sondern „um sie anmutig in angenehmen und höflichen Worten anzubieten“ (Honest Mirror of Youth, 1717). Laut dem Philosophen Spinoza sind Triebe nicht mehr der Inhalt der Sünde, sondern „das Wesen des Menschen“. Daher wird der Appetit in einer raffinierten Tischetikette formalisiert (im Barock tauchten Gabeln und Servietten auf); interessiert an anderes Geschlecht- im höflichen Flirt, im Streit - im anspruchsvollen Duell.

Der Barock ist geprägt von der Idee eines schlafenden Gottes – dem Deismus. Gott wird nicht als Erlöser betrachtet, sondern als großer Architekt, der die Welt so erschaffen hat, wie ein Uhrmacher einen Mechanismus erschafft. Daher ein Merkmal der barocken Weltanschauung als Mechanismus. Das Gesetz der Energieerhaltung, die Absolutheit von Raum und Zeit werden durch das Wort Gottes garantiert. Nachdem Gott jedoch die Welt erschaffen hatte, ruhte er sich von seiner Arbeit aus und mischt sich in keiner Weise in die Angelegenheiten des Universums ein. Es ist sinnlos, zu einem solchen Gott zu beten – man kann nur von Ihm lernen. Daher sind die wahren Hüter der Aufklärung nicht Propheten und Priester, sondern Naturwissenschaftler. Isaac Newton entdeckt das Gesetz der universellen Gravitation und schreibt das grundlegende Werk „Mathematische Prinzipien der Naturphilosophie“ (1689), und Carl Linnaeus systematisiert die Biologie in „Das System der Natur“ (1735). In den europäischen Hauptstädten werden Akademien der Wissenschaften und wissenschaftliche Gesellschaften gegründet.

Die Vielfalt der Wahrnehmung erhöht den Bewusstseinsgrad – so etwa sagt der Philosoph Leibniz. Galilei richtet als erster ein Teleskop auf die Sterne und beweist die Rotation der Erde um die Sonne (1611), und Leeuwenhoek entdeckt winzige lebende Organismen unter einem Mikroskop (1675). Riesige Segelschiffe durchpflügen die Weiten der Weltmeere und löschen weiße Flecken auf geografischen Weltkarten. Reisende und Abenteurer wurden zu den literarischen Symbolen dieser Zeit: Kapitän Gulliver und Baron Münchhausen.

Barock in der Malerei

Caravaggio. Die Berufung des Apostels Matthäus

Der Barockstil in der Malerei zeichnet sich durch Dynamik der Kompositionen, „Flachheit“ und Pracht der Formen, Aristokratie und Originalität der Motive aus. Am meisten Charaktereigenschaften Barock – eingängige Blumigkeit und Dynamik; Ein markantes Beispiel ist das Werk von Rubens und Caravaggio.

Michelangelo Merisi (1571-1610), der nach seinem Geburtsort in der Nähe von Mailand den Spitznamen Caravaggio erhielt, gilt als der bedeutendste Meister unter den italienischen Künstlern des ausgehenden 16. Jahrhunderts. ein neuer Stil in der Malerei. Seine Gemälde zu religiösen Themen ähneln realistischen Szenen zeitgenössischer Autor Leben und schafft einen Kontrast zwischen der Zeit der Spätantike und der Neuzeit. Die Helden werden in der Dämmerung dargestellt, aus der Lichtstrahlen die ausdrucksstarken Gesten der Charaktere herausholen und ihre Eigenschaften kontrastreich hervorheben. Anhänger und Nachahmer Caravaggios, die zunächst Caravaggisten genannt wurden, und die Bewegung selbst Caravaggismus, wie Annibale Carracci (1560-1609) oder Guido Reni (1575-1642), übernahmen den Gefühlsausbruch und die charakteristische Art Caravaggios, sowie sein Naturalismus in der Darstellung von Menschen und Ereignissen.

Peter Paul Rubens (1577-1640) zu Beginn des 17. Jahrhunderts. studierte in Italien, wo er den Stil von Caravaggio und Carraci lernte, obwohl er erst nach Abschluss eines Studiums in Antwerpen dorthin kam. Er kombinierte glücklich die besten Eigenschaften der Malschulen des Nordens und des Südens und verschmolz in seinen Leinwänden das Natürliche und das Übernatürliche, Realität und Fantasie, Wissenschaft und Spiritualität. Neben Rubens erlangte mit van Dyck (1599–1641) ein weiterer Meister des flämischen Barock internationale Anerkennung. Mit dem Werk von Rubens gelangte der neue Stil nach Holland, wo er von Frans Hals (1580/85–1666), Rembrandt (1606–1669) und Vermeer (1632–1675) übernommen wurde. In Spanien arbeitete Diego Velazquez (1599-1660) in der Art von Caravaggio und in Frankreich - Nicolas Poussin (1593-1665), der mit der Barockschule nicht zufrieden war, legte in seinem Werk den Grundstein für eine neue Bewegung – den Klassizismus .

Barock in der Architektur

Carlo-Maderna-Kirche der Heiligen Susanna, Rom

Kirche der Seelen im Fegefeuer in Ragusa, ein Beispiel des sizilianischen Barocks

Die barocke Architektur (L. Bernini, F. Borromini in Italien, B. F. Rastrelli in Russland, Jan Christoph Glaubitz im polnisch-litauischen Commonwealth) zeichnet sich durch räumliche Weite, Einheit und Fließfähigkeit komplexer, meist krummliniger Formen aus. Oft gibt es großflächige Kolonnaden, eine Fülle von Skulpturen an den Fassaden und in den Innenräumen, Voluten, eine Vielzahl von Verstrebungen, gewölbte Fassaden mit Verstrebungen in der Mitte, rustizierte Säulen und Pilaster. Kuppeln nehmen komplexe Formen an, oft mehrstufig, wie die des Petersdoms in Rom. Charakteristische barocke Details – Telamon (Atlas), Karyatide, Maskaron.

Der bedeutendste Vertreter der Barockkunst in der italienischen Architektur war Carlo Maderna (1556-1629), der mit dem Manierismus brach und einen eigenen Stil schuf. Sein Hauptwerk ist die Fassade der romanischen Kirche Santa Susanna (1603). Die Hauptfigur in der Entwicklung der barocken Bildhauerei war Lorenzo Bernini, dessen erste Meisterwerke im neuen Stil um 1620 entstanden. Bernini war auch Architekt. Er ist verantwortlich für die Gestaltung des Platzes des Petersdoms in Rom und der Innenräume sowie anderer Gebäude. Bedeutende Beiträge wurden von D. Fontana, R. Rainaldi, G. Guarini, B. Longhena, L. Vanvitelli und P. da Cortona geleistet. Auf Sizilien entstand nach einem schweren Erdbeben im Jahr 1693 ein neuer spätbarocker Stil – Sizilianischer Barock.

Als Inbegriff des Barock, einer beeindruckenden Verschmelzung von Malerei, Bildhauerei und Architektur, gilt die Coranaro-Kapelle in der Kirche Santa Maria della Vittoria (1645-1652).

Der Barockstil verbreitete sich in Spanien, Deutschland, Belgien (damals Flandern), den Niederlanden, Russland, Frankreich und dem polnisch-litauischen Commonwealth. Spanischer Barock oder lokal Churrigueresco (zu Ehren des Architekten Churriguera), der sich auch in Lateinamerika ausbreitete. Ihr beliebtestes Denkmal ist die Kathedrale in Santiago de Compostela, die auch eine der am meisten verehrten Kirchen Spaniens ist. In Lateinamerika vermischt sich der Barock mit lokalen Architekturtraditionen. Dies ist die aufwändigste Version und wird als Ultrabarock bezeichnet.

In Frankreich kommt der Barockstil bescheidener zum Ausdruck als in anderen Ländern. Früher glaubte man, dass sich der Stil hier überhaupt nicht entwickelte und barocke Denkmäler als Denkmäler des Klassizismus galten. Der Begriff „barocker Klassizismus“ wird manchmal in Bezug auf die französische und englische Version des Barock verwendet. Wird heute als französischer Barock betrachtet Schloss von Versailles zusammen mit einem regulären Park, dem Luxemburg-Palast, dem Gebäude der Französischen Akademie in Paris und anderen Werken. Sie weisen einige klassizistische Merkmale auf. Ein charakteristisches Merkmal des Barockstils ist der regelmäßige Stil in der Landschaftsgärtnerei, ein Beispiel dafür ist der Park von Versailles.

Später, zu Beginn des 18. Jahrhunderts. Die Franzosen entwickelten ihren eigenen Stil, eine Art Barock – Rokoko. Es manifestierte sich nicht in der äußeren Gestaltung von Gebäuden, sondern nur in den Innenräumen sowie in der Gestaltung von Büchern, Kleidung, Möbeln und Gemälden. Der Stil war in ganz Europa und Russland weit verbreitet.

In Belgien ist das herausragende Barockdenkmal das Grand-Place-Ensemble in Brüssel. Rubens‘ Haus in Antwerpen, das nach dem Entwurf des Künstlers erbaut wurde, weist barocke Merkmale auf.

In Russland entstand im 17. Jahrhundert der Barock („Naryschkin-Barock“, „Golitsyn-Barock“). Im 18. Jahrhundert, während der Regierungszeit von Peter I., begann sich in St. Petersburg und seinen Vororten durch das Werk von D. Trezzini der sogenannte „Petrusbarock“ (zurückhaltender) zu entwickeln, der während der Regierungszeit von Peter I. seinen Höhepunkt erreichte Elisabeth Petrowna im Werk von S. I. Chevakinsky und B. Rastrelli.

Das herausragende Barockdenkmal in Deutschland ist das Neue Palais in Sans Souci (Autoren: I. G. Bühring, H. L. Manter) und das dortige Sommerpalais (G. W. von Knobelsdorff).

Der größte und Berühmte Ensembles Barock in der Welt: Versailles (Frankreich), Peterhof (Russland), Aranjuez (Spanien), Zwinger (Deutschland), Schönbrunn (Österreich).

Im Großfürstentum Litauen verbreiteten sich die Stile des sarmatischen Barocks und des Wilnaer Barocks, deren größter Vertreter Jan Christoph Glaubitz war. Unter ihm berühmte Projekte- wiederaufgebaute Himmelfahrtskirche (Vilnius), Sophienkathedrale (Polotsk) usw.

Barock in der Skulptur

Trier. Barocke Sphinx im Kurfürstlichen Schloss.

Papst Innozenz XII. Der Petersdom in Rom.

Barockzwerge im Augsburger Hofgarten

Barock in der Literatur

Schriftsteller und Dichter im Barock empfanden die reale Welt als Illusion und Traum. Realistische Beschreibungen wurden oft mit ihrer allegorischen Darstellung kombiniert. Symbole, Metaphern, Theatertechniken, grafische Bilder (Gedichtzeilen bilden ein Bild), Reichtum an rhetorischen Figuren, Antithesen, Parallelismen, Abstufungen und Oxymorone sind weit verbreitet. Es herrscht eine burleske-satirische Haltung gegenüber der Realität. Charakteristisch für die barocke Literatur ist der Wunsch nach Vielfalt, eine Zusammenfassung des Wissens über die Welt, Inklusivität, Enzyklopädismus, der manchmal in Chaos und das Sammeln von Kuriositäten umschlägt, der Wunsch, die Existenz in ihren Gegensätzen (Geist und Fleisch, Dunkelheit und Licht, Zeit und…) zu studieren Ewigkeit). Die barocke Ethik ist geprägt von der Sehnsucht nach der Symbolik der Nacht, dem Thema Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit, dem Leben als Traum (F. de Quevedo, P. Calderon). Calderons Stück „Das Leben ist ein Traum“ ist berühmt. Auch Genres wie der galant-heroische Roman (J. de Scudéry, M. de Scudéry) und der alltägliche und satirische Roman (Furetière, C. Sorel, P. Scarron) entwickeln sich. Im Rahmen des Barockstils entstehen seine Varianten und Richtungen: Marinismus, Gongorismus (Culteranismus), Konzeptismus (Italien, Spanien), die metaphysische Schule und Euphuismus (England) (siehe Präzisionsliteratur).

Die Handlung der Romane wird oft in die fiktive Welt der Antike, nach Griechenland, übertragen, Hofherren und -damen werden als Hirten und Schäferinnen dargestellt, was man als Hirten (Honoré d’Urfe, „Astraea“) bezeichnet. Anmaßung und die Verwendung komplexer Metaphern gedeihen in der Poesie. Zu den gebräuchlichen Formen gehören Sonett, Rondo, Concetti (ein kurzes Gedicht, das einen witzigen Gedanken zum Ausdruck bringt) und Madrigale.

Ein herausragender Vertreter im Bereich des Romans ist im Westen G. Grimmelshausen (der Roman „Simplicissimus“), im Bereich des Dramas P. Calderon (Spanien). In der Poesie wurden V. Voiture (Frankreich), D. Marino (Italien), Don Luis de Gongora y Argote (Spanien) und D. Donne (England) berühmt. In Russland gehören S. Polotsky und F. Prokopovich zur Barockliteratur. In Frankreich blühte in dieser Zeit die „kostbare Literatur“ auf. Es wurde damals hauptsächlich im Salon von Madame de Rambouillet gepflegt, einem der aristokratischen Salons in Paris, dem modischsten und berühmtesten. In Spanien wurde die barocke Strömung in der Literatur nach dem Namen ihres prominentesten Vertreters „Gongorismus“ genannt (siehe oben).

In der deutschen Literatur werden die Traditionen des Barockstils noch immer von Mitgliedern der Blumenorden-Literatur gepflegt. Sie versammeln sich im Sommer literarische Feiertage im Irrheinhain bei Nürnberg. Der Verein wurde 1646 vom Dichter Philipp Harsdörfer mit dem Ziel gegründet, die im Dreißigjährigen Krieg schwer beschädigte deutsche Sprache wiederherzustellen und zu bewahren

Barockmusik

Barockmusik entstand am Ende der Renaissance und ging der Musik der Klassik voraus.

Barocke Mode

Die Mode des Barock entspricht in Frankreich der Regierungszeit Ludwigs XIV., der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Dies ist die Zeit des Absolutismus. Am Hof herrschten strenge Etikette und komplexe Zeremonien. Das Kostüm unterlag der Etikette. Frankreich war ein Trendsetter in Europa, daher übernahmen andere Länder schnell die französische Mode. Dies war das Jahrhundert, in dem sich in Europa eine allgemeine Mode etablierte und nationale Merkmale in den Hintergrund traten oder in der bäuerlichen Volkstracht erhalten blieben. Vor Peter I. wurden europäische Kostüme auch von einigen Aristokraten in Russland getragen, wenn auch nicht überall.

Nicolas de Largier. Porträt Ludwigs XIV. mit seiner Familie

Die Tracht zeichnete sich durch Steifheit, Pracht und eine Fülle von Verzierungen aus. Der ideale Mann war Ludwig XIV., der „Sonnenkönig“, ein erfahrener Reiter, Tänzer und Schütze. Er war klein und trug deshalb High Heels.

Als er noch ein Kind war (er wurde im Alter von 5 Jahren gekrönt), wurden zunächst kurze Jacken genannt Büstenhalter, reich verziert mit Spitze. Dann kamen Hosen in Mode, regraviert, ähnlich einem Rock, weit, ebenfalls reich mit Spitze verziert, der lange hielt. Später erschien justocor(aus dem Französischen lässt sich das übersetzen: „genau nach dem Körper“). Dies ist eine Art kaftan, knielang, in dieser Zeit wurde er zugeknöpft und mit einem Gürtel darüber getragen. Unter dem Kaftan trugen sie ein ärmelloses Leibchen. Der Kaftan und das Leibchen können mit der späteren Jacke und Weste verglichen werden, zu der sie 200 Jahre später werden sollten. Der Kragen des Justocor war zunächst umgeschlagen, wobei die halbkreisförmigen Enden nach unten verlängert waren. Später wurde es durch eine Rüsche ersetzt. Neben Spitze gab es viele Schleifen an der Kleidung, eine ganze Reihe Schleifen an Schultern, Ärmeln und Hosen. In der vorherigen Ära, unter Ludwig XIII., waren Stiefel beliebt ( Stiefel). Hierbei handelt es sich um einen Feldschuhtyp; sie wurden normalerweise von der Militärschicht getragen. Aber zu dieser Zeit gab es häufig Kriege und Stiefel wurden überall getragen, sogar auf Bällen. Unter Ludwig XIV. wurden sie weiterhin getragen, jedoch nur zu ihrem vorgesehenen Zweck – im Feld, auf Feldzügen. Im zivilen Umfeld standen Schuhe an erster Stelle. Bis 1670 waren sie mit Schnallen verziert, dann wurden die Schnallen durch Schleifen ersetzt. Man nannte aufwendig verzierte Schnallen ein Graph.

Das Damenkleid war im Gegensatz zum Kleid der Vorperiode nicht gerahmt, sondern mit Fischbein gefüttert. Nach unten hin weitete es sich allmählich aus und hinten wurde eine Schleppe getragen. Voll Damenanzug bestand aus zwei Röcken, dem unteren ( kostenlos) und oben ( bescheiden). Das erste ist hell, das zweite dunkler. Der Unterrock war sichtbar, der Oberrock lief seitlich vom unteren Teil des Mieders ab. Die Seiten des Rocks waren mit Vorhängen verziert. Auch am Rand des Ausschnitts befanden sich Drapierungen. Der Ausschnitt war weit und ließ die Schultern frei. Die Taille war schmal, unter dem Kleid wurde ein Korsett getragen. Während unter Ludwig In den 1660er Jahren waren Frisuren in Mode mancini Und Sevigne, benannt nach der Nichte von Kardinal Mazarin, in die der König in seiner Jugend verliebt war, und nach dem berühmten Schriftsteller. Später kam die Frisur in Mode Schriftart(nicht zu verwechseln mit der Fontange-Mütze), benannt nach einer der Mätressen des Königs. Dies ist eine hohe Frisur mit vielen Locken. In der Kostümgeschichte wird auch Frisur genannt Frisur.

Männer trugen flauschige Perücken, die hoch abstanden und tief über ihre Schultern fielen. Perücken wurden während der Herrschaft Ludwigs XIII. verwendet, der eine Glatze hatte. Jetzt sind sie viel prächtiger geworden. Hüte in den 1660er Jahren hatten eine breite Krempe und eine hohe Krone. Am Ende des Jahrhunderts wurden sie durch einen Dreispitz ersetzt, der auch im nächsten 18. Jahrhundert beliebt blieb.

Auch Regenschirme kamen in Mode und für Frauen - Muffs und Fächer. Kosmetika wurden maßlos verwendet. Korne kamen zum Vorschein, Gesichter und Perücken wurden gepudert, um sie weiß zu machen, und ein schwarzes Korn sorgte für Kontrast. Die Perücken waren so stark gepudert, dass Hüte oft in den Händen getragen wurden. Sowohl Männer als auch Frauen trugen Stöcke. Schlinge ( banduliera), an denen Schwerter getragen wurden, kam in der Vorzeit in Mode. Schon früher wurden Schwerter an einem Schwertgürtel getragen, einem dünnen Riemen, der am Hüftgürtel befestigt wurde. Früher war das Tragetuch aus Leder, jetzt aber auch aus Moiré. Materialien der damaligen Zeit: Wolle, Samt, Satin, Brokat, Taft, Moiré, Camelot, Baumwolle.

Barock im Innenraum

Der Barockstil zeichnet sich aus durch protziger Luxus, obwohl es ein so wichtiges Merkmal des klassischen Stils wie die Symmetrie beibehält.

Malerei war schon immer beliebt und im Barockstil wurde sie einfach notwendig, da Innenräume viel Farbe und große, reich verzierte Details erforderten. Die mit Fresken verzierte Decke, die Wände aus bemaltem Marmor und Vergoldungen waren beliebter denn je. Im Innenraum wurden häufig kontrastierende Farben verwendet: Oftmals waren Marmorböden zu finden, die einem Schachbrett ähnelten. Gold war überall und alles, was vergoldet werden konnte, war vergoldet. Beim Dekorieren blieb keine Ecke des Hauses unbeaufsichtigt.

Die Möbel waren ein echtes Kunstwerk und schienen nur zur Innendekoration gedacht zu sein. Stühle, Sofas und Sessel waren mit teurem, farbenprächtigem Stoff gepolstert. Riesige Himmelbetten mit fließenden Tagesdecken und riesigen Kleiderschränken waren üblich. Die Spiegel waren mit Skulpturen und Stuck verziert Blumenmuster. Als Möbelmaterialien wurden häufig Südliches Walnussholz und Ceylon-Ebenholz verwendet.

Der Barockstil eignet sich nicht für kleine Räume, da massive Möbel und Dekorationen viel Platz beanspruchen und damit der Raum nicht wie ein Museum aussieht, muss viel Freiraum vorhanden sein. Selbst in einem kleinen Raum können Sie den Geist dieses Stils nachbilden, indem Sie sich auf die Stilisierung mit einigen barocken Details beschränken, wie zum Beispiel:

Figuren und Vasen mit Blumenornamenten;
Wandteppiche;
Spiegel in vergoldetem Rahmen mit Stuck;
Stühle mit geschnitzten Rückenlehnen usw.

Wichtig ist, dass die verwendeten Teile miteinander kombiniert werden, sonst sieht der Innenraum kitschig und geschmacklos aus.

Kultur der Aufklärung

Zeitalter der Erleuchtung(fr. Siècle des lumières, Deutsch Aufklärung) – eine der Schlüsselepochen in der Geschichte der europäischen Kultur, verbunden mit der Entwicklung des wissenschaftlichen, philosophischen und sozialen Denkens. Diese intellektuelle Bewegung basierte auf Rationalismus und Freidenken. Ausgehend von England breitete sich diese Bewegung auf Frankreich, Deutschland, Russland und andere europäische Länder aus. Besonders einflussreich waren die französischen Aufklärer, die zu „Meistern des Denkens“ wurden. Die Prinzipien der Aufklärung bildeten die Grundlage der amerikanischen Unabhängigkeitserklärung und der französischen Erklärung der Menschen- und Bürgerrechte. Die intellektuelle und philosophische Bewegung dieser Ära hatte großer Einflussüber die nachfolgenden Veränderungen in der Ethik und im gesellschaftlichen Leben Europas und Amerikas, den Kampf um die nationale Unabhängigkeit der amerikanischen Kolonien europäische Länder, Abschaffung der Sklaverei, Bildung der Menschenrechte. Darüber hinaus erschütterte es die Autorität der Aristokratie und den Einfluss der Kirche auf das soziale, intellektuelle und kulturelle Leben.

Descartes' Diskurs über die Methode

Eigentlich der Begriff Ausbildung kam sowohl in die russische Sprache als auch ins Englische ( Die Erleuchtung) und Deutsch ( Zeitalter der Aufklärung) aus dem Französischen ( Siècle des lumières) und bezieht sich in erster Linie auf die philosophische Bewegung des 18. Jahrhunderts. Gleichzeitig handelt es sich nicht um den Namen einer bestimmten philosophischen Schule, da die Ansichten der Aufklärungsphilosophen oft erheblich voneinander unterschieden und widersprüchlich waren. Daher wird Aufklärung weniger als ein Ideenkomplex als vielmehr als eine bestimmte Richtung des philosophischen Denkens betrachtet. Die Philosophie der Aufklärung basierte auf einer Kritik der damals existierenden traditionellen Institutionen, Bräuche und Moralvorstellungen.

Über die Datierung dieser Richtung besteht kein Konsens. Einige Historiker führen den Beginn dieser Ära auf das Ende des 17. Jahrhunderts zurück, andere auf die Mitte des 18. Jahrhunderts. . Im 17. Jahrhundert Die Grundlagen des Rationalismus wurden von Descartes in seinem Werk „Diskurs über die Methode“ (1637) gelegt. Das Ende der Aufklärung wird oft mit dem Tod Voltaires (1778) oder mit dem Beginn der Napoleonischen Kriege (1800-1815) in Verbindung gebracht. Gleichzeitig gibt es die Meinung, die Grenzen der Aufklärungszeit mit zwei Revolutionen zu verbinden: der „Glorious Revolution“ in England (1688) und der Großen Französischen Revolution (1789).

Es gibt viele Widersprüche in den Ansichten der Denker dieser Zeit. Der amerikanische Historiker Henry F. May identifizierte vier Phasen in der Entwicklung der Philosophie dieser Zeit, von denen jede die vorherige in gewisser Weise leugnete.

Die erste war die gemäßigte oder rationale Aufklärungsphase, verbunden mit dem Einfluss von Newton und Locke. Es zeichnet sich durch religiöse Kompromisse und die Wahrnehmung des Universums als geordnete und ausgewogene Struktur aus. Diese Phase der Aufklärung ist eine natürliche Fortsetzung des Humanismus des XIV.-XV. Jahrhunderts als rein säkularer Kulturrichtung, die darüber hinaus durch Individualismus und Individualismus gekennzeichnet ist kritische Haltung zu Traditionen. Aber das Zeitalter der Aufklärung ist vom Zeitalter des Humanismus durch die Zeit der religiösen Reformation und der katholischen Reaktion getrennt, als theologische und kirchliche Prinzipien im Leben Westeuropas wieder Vorrang hatten. Die Aufklärung ist eine Fortsetzung der Traditionen nicht nur des Humanismus, sondern auch des fortgeschrittenen Protestantismus und des rationalistischen Sektierertums des 16. und 17. Jahrhunderts, von denen sie die Ideen der politischen Freiheit und der Gewissensfreiheit geerbt hat. Wie Humanismus und Protestantismus, die Aufklärung verschiedene Länder lokale erhalten und Volkscharakter. Der Übergang von den Ideen der Reformationszeit zu den Ideen der Aufklärung lässt sich am deutlichsten in England beobachten spätes XVII Und Anfang des 18. Jahrhunderts Jahrhunderte, als sich der Deismus entwickelte, der gewissermaßen den Abschluss der religiösen Entwicklung der Reformationszeit und den Beginn der sogenannten „Naturreligion“ darstellte, die von den Aufklärern des 18. Jahrhunderts gepredigt wurde. Es gab eine Vorstellung von Gott als dem großen Architekten, der am siebten Tag von seiner Arbeit ruhte. Er gab den Menschen zwei Bücher – die Bibel und das Buch der Natur. So tritt neben der Priesterkaste auch eine Wissenschaftlerkaste hervor.

Parallelität von spirituellem und säkulare Kultur in Frankreich führte allmählich zur Diskreditierung des ersten wegen Bigotterie und Fanatismus. Diese Phase der Aufklärung wird als skeptisch bezeichnet und ist mit den Namen Voltaire, Holbach und Hume verbunden. Für sie ist die einzige Quelle unseres Wissens der vorurteilsfreie Geist. Im Zusammenhang mit diesem Begriff gibt es noch weitere, etwa: Aufklärer, Aufklärungsliteratur, aufgeklärter (bzw. aufklärerischer) Absolutismus. Als Synonym für diese Phase der Aufklärung wird der Ausdruck „Philosophie des 18. Jahrhunderts“ verwendet.

Auf die skeptische Phase folgte eine revolutionäre Phase, die in Frankreich mit dem Namen Rousseau und in Amerika mit Paine und Jefferson verbunden war. Charakteristische Vertreter Die letzte Phase der Aufklärung, die im 19. Jahrhundert weit verbreitet war, sind Philosophen wie Thomas Reed und Francis Hutcheson, die zu gemäßigten Ansichten, Respekt vor Moral, Recht und Ordnung zurückkehrten. Diese Phase wird als didaktisch bezeichnet.

Historische Bedeutung

Porträt von Voltaire aus dem Palast des preußischen Königs Friedrich des Großen Sansoussi. Kupferstich von P. Baku

Europaweite Bedeutung im 18. Jahrhundert. erhielt französische Bildungsliteratur in der Person von Voltaire, Montesquieu, Rousseau, Diderot und anderen Schriftstellern. Ihr gemeinsames Merkmal ist die Dominanz des Rationalismus, der in Frankreich seine Kritik auf Fragen politischer und sozialer Natur richtete, während es den deutschen Aufklärern dieser Zeit eher um die Lösung religiöser und moralischer Fragen ging.

Das Hauptanliegen der Aufklärung bestand darin, durch die Aktivität des menschlichen Geistes natürliche Prinzipien zu finden. Menschenleben(Naturreligion, Naturrecht, natürliche Wirtschaftsordnung der Physiokraten usw.). Unter dem Gesichtspunkt solcher vernünftigen und natürlichen Prinzipien wurden alle historisch begründeten und tatsächlich existierenden Formen und Beziehungen (positive Religion, positives Recht usw.) kritisiert. Unter dem Einfluss der Ideen der Aufklärung wurden Reformen durchgeführt, die das Ganze neu aufbauen sollten soziales Leben(aufgeklärter Absolutismus und die Französische Revolution). Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Die Aufklärung löste eine Reaktion gegen sich selbst aus, die einerseits eine Rückkehr zur alten theologischen Weltanschauung darstellte, andererseits ein Appell an das Studium der historischen Tätigkeit, das von den Ideologen des 18. Jahrhunderts stark vernachlässigt wurde. Bereits im 18. Jahrhundert. Es wurden Versuche unternommen, den grundlegenden Charakter der Bildung zu bestimmen. Der bemerkenswerteste dieser Versuche stammt von Kant („Beantwortung der Frage: was ist Aufklärung?“, 1784). Aufklärung ist nicht die Ersetzung einiger dogmatischer Ideen durch andere dogmatische Ideen, sondern eigenständiges Denken. In diesem Sinne lehnte Kant die Aufklärung ab Aufklärung und erklärte, dass es einfach die Freiheit sei, den eigenen Intellekt zu nutzen.

Das moderne europäische philosophische und politische Denken, wie etwa der Liberalismus, geht weitgehend auf die Aufklärung zurück. Philosophen unserer Zeit betrachten die Haupttugenden der Aufklärung als strenge geometrische Denkordnung, Reduktionismus und Rationalismus und stellen ihnen Emotionalität und Irrationalismus gegenüber. Insofern verdankt der Liberalismus seine philosophische Grundlage und kritische Haltung gegenüber Intoleranz und Vorurteilen der Aufklärung. Unter berühmte PhilosophenÄhnliche Ansichten vertreten Berlin und Habermas.

Münze mit einem Nennwert von 3 Rubel aus der Serie „Das Zeitalter der Aufklärung“. XVIII Jahrhundert"

Es liegen auch aufklärerische Ideen dahinter politische Freiheiten und Demokratie als Grundwerte moderne Gesellschaft sowie die Organisation des Staates als selbstverwaltete Republik, religiöse Toleranz, Marktmechanismen, Kapitalismus, die wissenschaftliche Methode. Seit der Aufklärung beharren Denker auf ihrem Recht, die Wahrheit zu suchen, was auch immer sie sein mag und was auch immer sie die gesellschaftlichen Grundlagen bedrohen mag, ohne dass ihnen eine Strafe „für die Wahrheit“ droht.

Nach dem Zweiten Weltkrieg, mit der Entstehung der Postmoderne, wurden bestimmte Merkmale der modernen Philosophie und Wissenschaft als Mängel angesehen: Überspezialisierung, mangelnde Beachtung der Tradition, Unvorhersehbarkeit und die Gefahr unbeabsichtigter Konsequenzen sowie eine unrealistische Einschätzung und Romantisierung der Persönlichkeiten der Aufklärung. Philosophen wie Michel Foucault wenden sich gegen die Dämonisierung von Gegnern des Rationalismus. Max Horkheimer und Theodor Adorno glauben sogar, dass die Aufklärung indirekt den Totalitarismus hervorgebracht habe. Avram Chomsky sieht in der Philosophie der Aufklärung die Grundlagen nicht nur für den Liberalismus, sondern auch für den Anarchismus und den Sozialismus. Der Zusammenhang zwischen der Aufklärung und diesen relativ späteren Bewegungen lässt sich in den Werken von Humboldt, Kropotkin und Bakunin nachvollziehen.

Die wichtigsten Vertreter.

Barockstil in der Architektur Italiens des 17. Jahrhunderts. Teil 1

Die monumentale Architektur Italiens im 17. Jahrhundert befriedigte fast ausschließlich die Bedürfnisse von katholische Kirche und die höchste weltliche Aristokratie. In dieser Zeit entstanden vor allem Kirchenbauten, Paläste und Landvillen.

Kirche St. Priscilla in Taxco de Alarcon – ein Beispiel für kolonialen Ultrabarock

Auch der Manierismus leistete seinen Beitrag zur Barockarchitektur. Trotz aller Mängel und Launen übernahmen die Meister des Manierismus den Staffelstab der intellektuellen Suche, der hohen Gelehrsamkeit, des virtuosen Könnens und der Wissenschaft und gaben ihn an die Architekten des Frühbarock weiter (Giacomo Della Porta, Domenico Fontana, Carlo Maderna).

Palazzo Carignano (Architekt: Guarino Guarini)

Zu dieser Zeit entstanden (entsprechend den Bedürfnissen der Gesellschaft) die Typen des majestätischen Stadtschlosses, des Barockklosters, der Landvilla mit Palast und des Barockgartens. Die Fassade der Kirche Il Gesu in Rom (Architekt Giacomo della Porta) wurde zum Vorbild für den Bau vieler Kirchen in Italien und weit über seine Grenzen hinaus (Paris, Grodno, Lemberg usw.).

Stupinigi bei Turin

Die schwierige wirtschaftliche Lage in Italien ermöglichte den Bau sehr großer Bauwerke nicht. Gleichzeitig mussten die Kirche und die höchste Aristokratie ihr Ansehen und ihren Einfluss stärken. Daher der Wunsch nach ungewöhnlichen, extravaganten, zeremoniellen und scharfen architektonischen Lösungen, der Wunsch nach mehr Dekorativität und Klangfülle der Formen.

San Carlo alle Quattro Fontane – ein Beispiel für Borrominis radikale Stilinterpretation

Der Bau beeindruckender, wenn auch nicht so großer Gebäude trug zur Entstehung der Illusion des sozialen und politischen Wohlergehens des Staates bei.

Kirche der Gesu – „Kirche des Heiligen Namens Jesu“ – die Domkirche des Jesuitenordens in Rom

Kirchenschiff

Kirchendecke

Projekt
Der Barock erreicht seine größte Spannung und seinen größten Ausdruck in Gotteshäusern und Kirchengebäuden; Seine architektonischen Formen entsprachen perfekt den religiösen Prinzipien und der rituellen Seite des militanten Katholizismus. Durch den Bau zahlreicher Kirchen versuchte die katholische Kirche, ihr Ansehen und ihren Einfluss im Land zu stärken und zu stärken.

Fassade der Kirche St. Susanna, Carlo Maderna
Der in der Architektur dieser Zeit entwickelte Barockstil zeichnet sich einerseits durch den Wunsch nach Monumentalität aus, andererseits durch die Vorherrschaft der dekorativen und malerischen Prinzipien gegenüber dem Tektonischen.

Fassade des PetersdomsFassade von Maderna.
Denkmäler der Barockarchitektur (insbesondere Kirchengebäude) wurden wie Kunstwerke so gestaltet, dass sie die emotionale Wirkung auf den Betrachter verstärken. Das rationale Prinzip, das der Kunst und Architektur der Renaissance zugrunde lag, wich dem irrationalen Prinzip: Statik, Ruhe – Dynamik, Spannung.

Santa Maria della Vittoria, Carlo Maderna

Die Wurzeln des Barock gehen auf die Architektur der Renaissance zurück. Das erste wirklich große und majestätische Ensemble wurde im Vatikan von Bramante geschaffen. Dabei handelt es sich um den Belvedere-Hof mit einer Länge von 300 Metern, der in einem einzigen Stil erbaut wurde und gleichzeitig die verschiedenen Funktionen der Gebäude (Belvedere mit antiken Skulpturen, ein formaler Garten, die Vatikanische Bibliothek und ein Theater darunter) bewahrte Freiluft.) Aber alle Formen der Architektur sind recht ruhig und ausgeglichen. Das ist noch nicht barock.

In einem Stich von Piranesi. Palazzo Barberini
Barock – ein Stil der Kontraste und ungleichen Verteilung kompositorische Elemente. Von besonderer Bedeutung sind dabei große und saftige krummlinige, gewölbte Formen. Barocke Gebäude zeichnen sich durch Frontalität und Fassadenkonstruktion aus. Gebäude werden in vielen Fällen von einer Seite wahrgenommen – von der Seite der Hauptfassade, die oft das Volumen des Baukörpers verdeckt.

Villa Aldobrandini und Frascati Teatro delle Acque
Der Barock legt großen Wert auf architektonische Ensembles – Stadt und Park, doch die Ensembles dieser Zeit basieren auf anderen Prinzipien als die Ensembles der Renaissance. Barockensembles in Italien basieren auf dekorativen Prinzipien. Sie zeichnen sich durch Isolation und relative Unabhängigkeit von aus gemeinsames System Stadtplanung. Ein Beispiel ist das größte Ensemble in Rom - Platz vor der Kathedrale St. Petra.

Petersplatz
Kolonnaden und dekorative Mauern, die den Raum vor dem Domeingang abschlossen, verdeckten die ungeordneten, chaotischen Gebäude dahinter.

Projekt Sangallo

Der Petersdom, von der Engelsburg aus gesehen, zeigt die Kuppel, die sich hinter der Maderna-Fassade erhebt.

Es besteht keine Verbindung zwischen dem Platz und dem angrenzenden komplexen Netz aus Gassen und Einzelhäusern. Einzelne Gebäude, die Teil barocker Ensembles sind, scheinen ihre Eigenständigkeit zu verlieren und sich vollständig dem allgemeinen Kompositionsplan unterzuordnen.
Der Barock stellte das Problem des Gesamtkunstwerks auf neue Weise.

Bildhauerei und Malerei, die in den Bauwerken dieser Zeit eine sehr wichtige Rolle spielen, ineinander verflochten sind und architektonische Formen oft verdecken oder illusorisch verformen, tragen dazu bei, den Eindruck von Reichtum, Pracht und Pracht zu erzeugen, den barocke Denkmäler ausnahmslos hervorrufen.

Das Werk Michelangelos war für die Entstehung eines neuen Stils von großer Bedeutung. In seinen Werken entwickelte er eine Reihe von Formen und Techniken, die später in der Barockarchitektur Anwendung fanden.

Auch der Architekt Vignola kann als einer der unmittelbaren Vorläufer des Barock charakterisiert werden; In seinen Werken kann man eine Reihe früher Anzeichen dieses Stils erkennen.

Santa Maria degli Angeli (Assisi)Mignola
Ein neuer Stil – der Barockstil in der italienischen Architektur – löste die Renaissance in den 80er Jahren des 16. Jahrhunderts ab und entwickelte sich im 17. und in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts.

Brunnen von Mignola
Konventionell lassen sich innerhalb der Architektur dieser Zeit drei Phasen unterscheiden: Frühbarock – von den 1580er bis Ende der 1620er Jahre, Hoch- oder Reifebarock – bis zum Ende des 17. Jahrhunderts und später – die erste Hälfte des 18. Jahrhundert.

Kirche Santa Maria ai Monti in Rom.D.Porta

Als erste Meister des Barock gelten die Architekten Giacomo della Porta und Domenico Fontana. Sie gehörten zur nächsten Generation im Verhältnis zu Vignola, Alessi, Ammanati, Vasari und beendeten ihre Tätigkeit zu Beginn des 17. Jahrhunderts. Gleichzeitig lebten, wie bereits erwähnt, die Traditionen der Spätrenaissance im Werk dieser Meister weiter.

Vignola, erster Hof der Villa Giulia in Rom

Bramantes Idee, ein Ensemble aus mehreren Gebäuden zu schaffen, wurde von Vignola (1507-1573) aufgegriffen. Er hatte nicht die gleichen Möglichkeiten wie Bramante, viele Baumaterialien und Bereiche zu nutzen. Daher war sein Ensemble der Villa Giulia für Papst Julius III. (Papst 1550-1555) klein. Die Villa weist bereits alle Merkmale des Barock auf – ein einziges Ensemble mit Pavillons, einem Garten, einem Brunnen, Stufen verschiedener Art und verbindenden Terrassen verschiedene Level. Die Villa ist immer noch sehr abgelegen Umfeld Es ist in sich geschlossen, wie die meisten Gebäude der Renaissance, und auch seine Architektur ist ausgewogen, wie die meisten Gebäude der Renaissance.

Sant"Atanasio, Nachmittagssonne auf der Via del Babuino..D.Porta
Giacomo della Porta. Giacomo della Porta (1541–1608) war ein Schüler von Vignola. Ihr frühester Bau, die Kirche Sita Catarina in Funari (1564), gehört stilistisch zur Renaissance.

Skulpturen in der Cappella di San Giovanni (San Lorenzo, Genua). D. Porta

Skulpturen in der Cappella di San Giovanni (San Lorenzo, Genua)‎Giacomo della Porta

„Christus übergibt dem heiligen Petrus die Schlüssel des Himmels“ (1594) des Architekten und Bildhauers Giacomo della Porta; St. Peter-Kapelle in der Kirche Santa Pudenziana, Rom, Italien

Jedoch Fassade der Kirche des Gesù, das dieser Architekt nach dem Tod von Vignola (ab 1573) vollendete, ist viel barocker als das ursprüngliche Projekt seines Lehrers. Die Fassade dieser Kirche mit ihrer charakteristischen Aufteilung in zwei Ebenen und seitlichen Voluten sowie der Bauplan waren Vorbild für eine Reihe katholischer Kirchen in Italien und anderen Ländern.

Giacomo della Porta vollendete den Bau nach dem Tod Michelangelos große Kuppel der Kathedrale St. Petra. Dieser Meister war auch der Autor des berühmten Villa Aldobrandini (siehe oben) in Frascati in der Nähe von Rom (1598-1603).

Wie üblich liegt das Hauptgebäude der Villa am Berghang; Eine in beide Richtungen verlaufende, abgerundete Rampe führt zum Haupteingang. Auf der gegenüberliegenden Seite des Gebäudes befindet sich ein Garten. Am Fuße des Berges befindet sich eine halbkreisförmige Grotte mit Bögen; darüber befindet sich eine von Treppen eingerahmte Wasserkaskade. Das Gebäude selbst hat eine sehr einfache prismatische Form und wird durch einen riesigen gebrochenen Giebel abgerundet.

In der Komposition der Villa, in den Parkstrukturen, aus denen sie besteht, und in der Art der plastischen Details kommt der für den Barock in Italien so charakteristische Wunsch nach bewusster Schönheit und Raffinesse der Architektur deutlich zum Ausdruck.

Brunnen von D. Port
Zum Berichtszeitpunkt nahm das italienische Parksystem endlich Gestalt an. Es zeichnet sich durch das Vorhandensein einer einzigen Parkachse am Berghang mit zahlreichen Hängen und Terrassen aus. Das Hauptgebäude liegt auf derselben Achse. Ein typisches Beispiel für einen solchen Komplex ist die Villa Aldobrandini.

Villa Aldobrandini in Frascati

Roma, Palazzo Maffei Marescotti und Vicariato, Innenhof
Domenico Fontana. Ein weiterer bedeutender Architekt des Frühbarocks war Domenico Fontana (1543–1607), einer der römischen Nachfolger von Michelangelo und Vignola.

Lateranpalast und Basilika

Sein größtes Werk ist der Lateranpalast in Rom. Der Palast in der Form, die Fontana ihm gab, ist ein fast regelmäßiger Platz mit einem darin umschlossenen quadratischen Innenhof. Die Fassadengestaltung des Palastes orientiert sich vollständig an der Architektur des Palazzo Farnese von Antonio Sangallo dem Jüngeren. Im Allgemeinen basierte der Palastbau Italiens im 17. Jahrhundert auf der Weiterentwicklung des kompositorischen Typs des Palastpalastes, der durch die Architektur der Renaissance entwickelt wurde.

Zusammen mit seinem Bruder Giovanni Fontana baute Domenico 1585–1590 in Rom den Acqua Paolo-Brunnen (ohne Dachboden, der später von Carlo Maderna angefertigt wurde). Seine Architektur basiert auf der Neugestaltung der Formen antiker Triumphbögen.

Carlo Maderna. Der Schüler und Neffe von Domenico Fontana, Carlo Maderna (1556-1629), stärkte schließlich den neuen Stil. Sein Werk steht im Übergang zur Periode des entwickelten Barock.

Decke der Sale Sixtinischen Kirche (Detail) – Saal des Päpstlichen Archivs – Domenico Fontana.

Decke entworfen von Carlo Maderno (1556–1629), der die Fassade von St. Petersdom. Diese Kirche liegt abseits der ausgetretenen Pfade, ist aber von innen fabelhaft.

Madernas frühes Werk - Fassade der frühchristlichen Basilika Susanna in Rom(um 1601). In Anlehnung an die Fassadengestaltung der Gesù-Kirche ist die Fassade der Susanna-Kirche klar nach Orden gegliedert, mit Statuen in Nischen und zahlreichen Zierverzierungen geschmückt.

Rom - Kuppel des Dan"Andrea della Valle

Im Jahr 1604 wurde Maderna zum Chefarchitekten der Kathedrale St. Petra.

Im Auftrag von Papst Paul V. entwarf Maderna ein Projekt zur Erweiterung der Kathedrale durch den Anbau des vorderen Eingangsteils. Der Klerus bestand darauf, das griechische Kreuz in die lateinische Form zu verlängern, was der Tradition des Kirchenbaus entsprach. Darüber hinaus deckten die Abmessungen der Michelangelos-Kathedrale nicht vollständig den Bereich ab, in dem sich die antike Basilika befand, was aus Sicht der Kirchenpriester inakzeptabel war.
Dies führte zum Bau der neuen Vorderfassade des Doms

Rom, Palazzo del Monte di Pietà: lapide dedicatoria con stemmi dei papi che lo stabilirono (Clemente VIII Aldobrandini (a sinistra) und Paolo III Farnese (a destra)) und Cristo in Pietà (1604)

Maderna hat sich völlig verändert Ursprünglicher Plan Michelangelo. Letzterer konzipierte die Kathedrale so, dass sie in der Mitte eines großen Platzes stehen sollte, so dass man um das Gebäude herumgehen und es von allen Seiten betrachten konnte. Maderna verschloss mit seiner Erweiterung die Seiten der Kathedrale vor dem Betrachter: Die Breite der Fassade übersteigt die Breite des Längsteils des Tempels. Die Verlängerung des Gebäudes führte dazu, dass die Kuppel von St. Petra ist erst aus sehr großer Entfernung vollständig wahrnehmbar, nähert man sich dem Gebäude, verschwindet es allmählich hinter der Fassadenwand.

Roma, Fontana nel cortile del Monte di Pietà

Galerenbrunnen am Piazzale della Galera in der Vatikanstadt

Le Palais Barberini

Fortsetzung folgt...

Barockkunst (Barockkunst), ein Stil europäischer Kunst und Architektur des 17. und 18. Jahrhunderts. Zu verschiedenen Zeiten hatte der Begriff „Barock“ unterschiedliche Bedeutungen. Zunächst hatte es eine beleidigende Konnotation, die Absurdität und Absurdität implizierte. Derzeit wird es in kunsthistorischen Werken verwendet, um den Stil zu definieren, der die europäische Kunst zwischen Manierismus und Rokoko, also von etwa 1600 bis zum Beginn des 18. Jahrhunderts, dominierte. Vom barocken Manierismus erbte die Kunst Dynamik und tiefe Emotionalität, von der Renaissance Solidität und Pracht: Die Merkmale beider Stile verschmolzen harmonisch zu einem Ganzen.

Macht in der Kultur manifestierte sich durch die Anpassung an neue Bedingungen – der Adel und die Kirche brauchten jeden, um ihre Stärke und ihren Reichtum zu sehen, aber da kein Geld für den Bau eines Palazzo vorhanden war, wandte sich der Adel der Kunst zu, um die Illusion von Macht und Reichtum zu erzeugen. Ein Stil, der sich erheben kann, wird populär, und so entstand im Italien des 16. Jahrhunderts der Barock.

Der Ursprung des Wortes Barock ist umstrittener als die Namen aller anderen Stilrichtungen. Es gibt mehrere Versionen des Ursprungs.

Portugiesische Barroco-Perlen sind unregelmäßig geformte Perlen ohne Rotationsachse; solche Perlen waren im 17. Jahrhundert beliebt.

Im Italienischen ist baroco ein falscher Syllogismus, eine asiatische Form der Logik, ein auf Metaphern basierendes Mittel der Sophistik. Wie unregelmäßig geformte Perlen, barocke Syllogismen, deren Falschheit durch ihre metaphorische Natur verdeckt wurde.

Die Verwendung des Begriffs durch Kritiker und Kunsthistoriker geht auf die 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts zurück und bezog sich zunächst auf die figurative Kunst, später auch auf die Literatur. Zunächst erhielt dieser Begriff eine negative Bedeutung. Ernst Gombrich schrieb: „Das Wort „Barock“, das „bizarr“, „lächerlich“, „seltsam“ bedeutet, entstand später auch als bissiger Spott. Mit dem Wort „Barock“ wurden bewusste Abweichungen von den strengen Normen der Klassik gebrandmarkt, was für sie gleichbedeutend mit schlechtem Geschmack war.“ Erst Ende des 19. Jahrhunderts kam es zu einer Neubewertung des Barock, und zwar dank des europäischen Kulturkontexts vom Impressionismus bis zum Symbolismus, der Verbindungen zum Barock aufzeigt.

Eine umstrittene Theorie besagt, dass alle diese europäischen Wörter vom lateinischen bis-roca, verdrehter Stein, stammen. Eine andere Theorie geht auf das lateinische Wort „verruca“ zurück, eine steile, hohe Stelle, eine Fehlstelle in einem Edelstein.

Die Mehrdeutigkeit des Barockstils erklärt sich aus seinem Ursprung. Nach Ansicht einiger Forscher wurde es der Architektur der seldschukischen Türken entlehnt.

Die charakteristischsten Merkmale des Barock – auffällige Blumigkeit und Dynamik – entsprachen dem Selbstbewusstsein und der Souveränität der neu mächtigen römisch-katholischen Kirche. Außerhalb Italiens hatte der Barockstil seine tiefsten Wurzeln in katholischen Ländern. Am Ursprung der Tradition der Barockkunst in der Malerei stehen zwei große italienische Künstler – Caravaggio und Annibale Carracci, die im letzten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts – dem ersten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts – die bedeutendsten Werke schufen. Die italienische Malerei des späten 16. Jahrhunderts ist geprägt von Unnatürlichkeit und stilistischer Unsicherheit. Caravaggio und Carracci stellten mit ihrer Kunst ihre Integrität und Ausdruckskraft wieder her. Der bedeutendste Vertreter der Barockkunst in der italienischen Architektur war Carlo Maderna (1556-1629), der mit dem Manierismus brach und einen eigenen Stil schuf. Sein Hauptwerk ist die Fassade der romanischen Kirche Santa Susanna (1603). Die Hauptfigur in der Entwicklung der barocken Skulptur war Lorenzo Bernini, dessen erste Meisterwerke im neuen Stil um 1620 entstanden. Die Coranaro-Kapelle in der Kirche Santa Maria della Victoria (1645-1652) gilt als Inbegriff des Barock , eine beeindruckende Verschmelzung von Malerei, Skulptur und Architektur. .

Berninis bedeutendste italienische Zeitgenossen während dieser reifen Barockperiode waren der Architekt Borromini und der Künstler sowie der Architekt Pietro da Cortona. Etwas später wirkte Andrea del Pozzo (1642-1709); seine bemalte Decke in der Kirche Sant'Ignazio in Rom (Apotheose des heiligen Ignatius von Loyola) ist der Höhepunkt der barocken Tendenz zu pompöser Pracht. Im 17. Jahrhundert war Rom die Kunsthauptstadt der Welt und zog Künstler aus ganz Europa an, und die Barockkunst verbreitete sich bald darüber hinaus. Ewige Stadt". In jedem barocken Land wurde die Kunst von lokalen Traditionen genährt. In einigen Ländern wurde sie extravaganter, wie zum Beispiel in Spanien und Lateinamerika, wo sich ein architektonischer Dekorationsstil namens Churrigueresque entwickelte; in anderen wurde er eher gedämpft eher konservativen Geschmäckern. Im katholischen Flandern blühte die Barockkunst im Werk von Rubens auf, hatte jedoch einen weniger spürbaren Einfluss auf das protestantische Holland. Zwar sind die reifen Werke Rembrandts, äußerst lebendig und dynamisch, deutlich vom Einfluss der Barockkunst geprägt . In Frankreich drückte es sich am deutlichsten im Dienst der Monarchie und nicht der Kirche aus. Ludwig XIV. verstand die Bedeutung der Kunst als Mittel zur Verherrlichung der königlichen Macht. Sein Berater auf diesem Gebiet war Charles Lebrun, der die Künstler und Künstler beaufsichtigte Dekorateure, die im Ludwigspalast in Versailles arbeiteten. Versailles war mit seiner grandiosen Kombination aus üppiger Architektur, Bildhauerei, Malerei, Dekorations- und Landschaftskunst eines der beeindruckendsten Beispiele für die Verschmelzung der Künste.

Die Barockkunst trug zur Schaffung theatralischer Effekte bei, die durch Beleuchtung, falsche Perspektiven und spektakuläre Bühnendekorationen erzielt wurden. Dem zurückhaltenden britischen Geschmack entsprach es jedoch wenig. In der englischen Architektur war der Einfluss des Barock erst zu Beginn des 18. Jahrhunderts im einzigartigen Werk von Vanbrugh und Hawksmore spürbar. Einige von Wrens späteren Werken nähern sich diesem Stil. Der Wunsch der barocken Kunst nach Maßstäben ist in den majestätischen Bauten der St. Paul's Cathedral (1675-1710) und des Greenwich Hospital (Anfang 1696) spürbar. Der Barock wich einem ruhigeren Palladianismus. In allen Kunstgattungen verschmolz der Barock mit dem leichteren Rokoko-Stil. Dieser Zusammenschluss war in Mitteleuropa, insbesondere in Dresden, Wien und Prag, sehr fruchtbar.

Die Barockzeit bringt eine Menge Unterhaltung zum Zweck der Unterhaltung hervor: statt Pilgerfahrten - die Promenade (Spaziergänge im Park); statt Ritterturnieren - „Karussells“ (Ausritte) und Kartenspiele; statt Mysterien - Theater und Maskenbälle. Sie können auch das Aussehen von Schaukeln und „Feuerspaß“ (Feuerwerk) hinzufügen. In den Innenräumen traten Porträts und Landschaften an die Stelle von Ikonen, und die Musik verwandelte sich vom Spirituellen in ein angenehmes Klangspiel.

Die Barockzeit lehnt Traditionen und Autoritäten als Aberglauben und Vorurteile ab. Alles, was „klar und deutlich“ gedacht ist oder einen mathematischen Ausdruck hat, ist wahr, sagt der Philosoph Descartes. Daher ist der Barock auch das Jahrhundert der Vernunft und der Aufklärung. Der erste europäische Park entsteht in Versailles, wo die Idee eines Waldes äußerst mathematisch ausgedrückt wird: Lindenalleen und Kanäle scheinen mit einem Lineal gezeichnet zu sein, und die Bäume sind nach Art stereometrischer Figuren beschnitten. Zum ersten Mal legten die uniformierten Armeen des Barock großen Wert auf das „Drilling“ – die geometrische Korrektheit der Formationen auf dem Exerzierplatz.

Barocker Mann.

Und der Gentleman wird zum idealen Mann im Barock – aus dem Englischen. sanft: „sanft“, „sanft“, „ruhig“. Anfangs rasierte er sich lieber Schnurrbart und Bart, trug Parfüm und trug gepuderte Perücken. Was nützt Gewalt, wenn man nun durch Drücken des Abzugs einer Muskete tötet. Natürlichkeit ist im Barock ein Synonym für Brutalität, Wildheit, Vulgarität und Extravaganz. Für den Philosophen Hobbes ist der Naturzustand durch Anarchie und Krieg aller gegen alle gekennzeichnet.

Der Barock ist geprägt von der Idee, die Natur auf der Grundlage der Vernunft zu veredeln. Nicht um die Not zu ertragen, sondern „um sie anmutig in angenehmen und höflichen Worten anzubieten“ (Honest Mirror of Youth, 1717). Laut dem Philosophen Spinoza sind Triebe nicht mehr der Inhalt der Sünde, sondern „das Wesen des Menschen“. Daher wird der Appetit in einer raffinierten Tischetikette formalisiert (im Barock tauchten Gabeln und Servietten auf); Interesse am anderen Geschlecht – an höflichem Flirt, Streit – an einem raffinierten Duell.

Somit ist Barock ein Stil der europäischen Kunst und Architektur des 17. bis 18. Jahrhunderts. Der Barock ist geprägt von Kontrast, Spannung, dynamischen Bildern, Affektiertheit, dem Wunsch nach Größe und Pracht, nach der Verbindung von Realität und Illusion, nach der Verschmelzung der Künste; gleichzeitig - eine Tendenz zur Autonomie einzelner Genres.

Die ideologischen Grundlagen des Stils entstanden als Folge des Schocks, den die Reformation und die Lehren des Kopernikus für das 16. Jahrhundert darstellten.

Die Ausweitung der Formen künstlerischer Realitätsreflexion und deren Vielfalt wurde im 17. Jahrhundert besonders deutlich. Stilproblem. Die integrale Qualität des Stils ist die Synthese aller Arten der bildenden Kunst in einem einzigen figurativen Ganzen, in der die Architektur eine führende und prägende Rolle spielt. Stil ist Kunstsystem, gekennzeichnet durch die Einheit ideologischer Prinzipien und Techniken der künstlerischen Sprache.

Im 17. Jahrhundert Es entstanden zwei Stilsysteme: Barock und Klassizismus, aber darüber hinaus bildete sich eine dritte, extralinke (realistische) Richtung in der Kunst heraus.

Die Barockkunst entwickelte sich in feudal-absolutistischen Staaten unter starkem Einfluss des Katholizismus (Italien, Spanien, Flandern). Die barocke bildende Kunst ist ohne ihre Verbindung zur Architektur nicht zu verstehen. Architektur, die in stärkerem Maße als andere Kunstarten utilitaristische und künstlerische Faktoren vereint, wird mit materiellem Fortschritt in Verbindung gebracht und ist stark von der vorherrschenden Ideologie abhängig (Tempelarchitektur und Stadtplanung werden mit Geldern der Kirche und reicher Leute durchgeführt, aber zugleich dient es der Gesellschaft als Ganzes). In barocken Sakralbauten sind die vielfältigsten Möglichkeiten der Synthese von Architektur, Bildhauerei, dekorativer Kunst und Malerei darauf ausgelegt, die Fantasie des Betrachters in Erstaunen zu versetzen und ihn mit religiösem Gefühl zu „durchdringen“. Auch in Italien wurden weltliche Gebäude errichtet, die eine wichtige Etappe in der Entwicklung der Weltarchitektur darstellten. Es werden Methoden der Stadtplanung und eines integralen Stadtensembles entwickelt, Schloss- und Parkanlagen errichtet, in denen neue Prinzipien der Verbindung von Architektur und Natur entdeckt werden.

Der Barock zeichnet sich durch eine große emotionale Hochstimmung und einen pathetischen Charakter der Bilder aus, die durch die Größe der Gebäude, die übertriebene Monumentalisierung der Formen, die Dynamik der Raumkonstruktion und die erhöhte plastische Ausdruckskraft der Volumen erreicht werden. Daher die Krummlinigkeit der Grundrisse, die Biegungen der Wände, auf denen Gesimse, Giebel und Pilaster zu wachsen scheinen; Es gibt viele kleine Formen architektonischer Dekoration: Fenster sind mit verschiedenen Platbands verziert, Nischen sind mit Statuen geschmückt. Der Gesamteindruck von schneller Bewegung und Reichtum wird durch Skulpturen, Gemälde, Stuck, Dekorationen mit farbigem Marmor und Bronze ergänzt. Hinzu kommen malerische Hell-Dunkel-Kontraste, Perspektiven und illusionistische Effekte.

Religiöse, Palastbauten, Skulpturen, Brunnen (Rom) werden zu einem Ganzen zusammengefasst künstlerisches Bild. Das Gleiche gilt für die Palast- und Parkanlagen anderer Regionen Italiens im Barockzeitalter, die sich durch die außergewöhnlich meisterhafte Nutzung komplexer Gelände, reiche südliche Vegetation, Wasserkaskaden in Kombination mit kleinen Formen – Pavillons, Zäune, Brunnen, Statuen – auszeichnen und Skulpturengruppen.

Die Merkmale des Barock kamen am deutlichsten in der monumentalen Skulptur zum Ausdruck das Werk von Lorenzo Bernini (Ideen vom Triumph der Mystik über die Realität, ekstatische Ausdruckskraft der Bilder, gewalttätige Dynamik der Form).

In der Malerei trugen die Bologneser Akademiker, die Carracci-Brüder Guido, Reni und Guercino, zur Barockkunst bei. Das barocke Konzept erreicht seine volle Entfaltung bei Pietro da Norton, Baciccio und anderen. In ihren vielfigurigen Kompositionen, reich an starker Bewegung, scheinen die Figuren von einer unbekannten Kraft mitgerissen zu werden. In der Barockmalerei dominierten monumentale und dekorative Gemälde, hauptsächlich Lampenschirme, Altargemälde mit Bildern der Apotheosen von Heiligen, Szenen von Wundern, Martyrien, riesigen historischen und allegorischen Kompositionen (großer Stil).

Die Barockkunst Flanderns hat ihre eigenen Besonderheiten. Bei Rubens, Jordaens und anderen Meistern kommt der für das barocke Konzept charakteristische Gegensatz von Irdischem und Mystischem, Realem und Illusionärem eher äußerlich zum Ausdruck, ohne in tragische Dissonanzen zu münden. In vielen Altarkompositionen von Rubens sowie in Gemälden zu Themen der antiken Mythologie werden der Mensch und die reale Existenz verherrlicht.

In Frankreich nahm der Barockstil keine führende Stellung ein. Frankreich 17. Jahrhundert - Dies ist die historische Arena für die Entwicklung des Klassizismus.

Klassizismus

Der Stil des Klassizismus entsteht parallel zum Barockstil als Stil derselben Epoche und löst aus anderen Positionen und anderen visuellen Mitteln die Aufgaben seiner Zeit – die Verherrlichung der Macht des absoluten Monarchen.

Der Klassizismus nahm in Frankreich während der Ära Ludwigs XIV., die zum Höhepunkt des Absolutismus wurde, eine vorherrschende Stellung ein.

Anstelle der dramatischen Wirkung der Barockarchitektur vertritt er das Prinzip, die majestätische Feierlichkeit des Architekturbildes mit angemessener Klarheit zu verbinden. Obwohl das 17. Jahrhundert stellt die erste Stufe des Klassizismus dar, als die Merkmale dieses Stils nicht den strengsten und reinsten Ausdruck erreichten; öffentliche und Palastgebäude, Stadtensembles, Schloss- und Parkanlagen waren vom Geist feierlicher Pracht erfüllt. Ihre räumliche Lösung zeichnet sich durch klare Logik aus, die Fassade zeichnet sich durch die Harmonie der kompositorischen Konstruktion mit der Proportionalität der Teile aus und die architektonischen Formen zeichnen sich durch Einfachheit und Strenge aus. Auch in der Natur wird strenge Ordnung eingeführt: Die Meister des Klassizismus schufen ein System des sogenannten Regelparks. Architekten des Klassizismus wenden sich in großem Umfang dem antiken Erbe zu, studieren die allgemeinen Prinzipien der antiken Architektur und vor allem das Ordnungssystem und überarbeiten einzelne Motive und Formen. Der Geist des Klassizismus war nicht förderlich für den Ausdruck religiöser und mystischer Ideen, und daher haben religiöse Gebäude in der Architektur des Klassizismus nicht die enorme Bedeutung wie im Barock. Der Klassizismus hinterließ so wunderbare Denkmäler künstlerischer Synthese wie das Ensemble von Versailles.

In der bildenden Kunst des Klassizismus war eines der Hauptthemen das Thema der Pflicht, der Sieg des Publikums über das Persönliche, das Thema der Bekräftigung der höchsten ethischen Prinzipien: Heldentum, Tapferkeit, moralische Reinheit, die ihre künstlerische Umsetzung finden in Bildern voller erhabener Schönheit und Erhabenheit. Der Klassizismus stellt den Widersprüchen und Unvollkommenheiten der Realität das Prinzip der Rationalität und strengen Disziplin gegenüber, mit deren Hilfe ein Mensch die Hindernisse des Lebens überwinden muss. Nach der Ästhetik des Klassizismus ist die Vernunft das Hauptkriterium der Schönheit. Ein Künstler muss in seiner Arbeit von perfekten Beispielen ausgehen, die als Werke der antiken Kunst und der Hochrenaissance galten. Im Gegensatz zum Barock erlaubte der Klassizismus keine übertriebene emotionale Ausdruckskraft: So zeichnen sich die Helden des französischen Künstlers Poussin durch willensstarke Gelassenheit und Selbstbeherrschung aus, und die Leinwände zeichnen sich durch Klarheit und Ausgewogenheit der Komposition aus. Die Figuren in seinem Gemälde zeichnen sich durch Strenge und klassische Vollständigkeit aus. In der Bildsprache gibt die Theorie des Klassizismus der Zeichnung den Vorzug, der Farbgebung kommt eine untergeordnete Rolle zu. In Anerkennung der Schönheit des wirklichen Lebens, der Schönheit der Natur, bevorzugten klassizistische Künstler die Darstellung der Natur, die nicht nur als aktiver Hintergrund in Handlungskompositionen dient, sondern oft auch die bestimmende Grundlage in der Gesamtstruktur des Bildes bildet. In der Malerei des Klassizismus (Nicolas Poussin und Claude Lorrain) entstand die Landschaft nicht nur als Gattung, sondern erlebte auch eine gewisse Blüte.

Der Klassizismus wurde vor allem in der Architektur, der monumentalen und dekorativen Malerei zum Stil der französischen Monarchie, und im zeremoniellen Porträt entsprachen die repräsentativen Qualitäten des Barock eher den Anforderungen des Absolutismus. Charles Lebrun wurde berühmt für seine Gemälde; Rigaud war Hofmeister für zeremonielle Porträts.

Neben Barock und Klassizismus in der Malerei des 17. Jahrhunderts. Es entsteht eine grundsätzlich neue, außerlinke Form der Realitätsreflexion. Sein Erscheinen ist einer der wichtigsten Meilensteine in der Geschichte der Weltkunst. Sein Wesen besteht darin, dass das künstlerische Bild nicht im Rahmen des Stils entsteht, sondern auf der Grundlage der direkten Berufung des Künstlers auf die Phänomene der realen Welt, auf den gesamten Reichtum der Natur. Wir sprechen von der direkten Verbindung von Bildern mit der Realität. Die künstlerische Verallgemeinerung wird hier durch die Auswahl der typischsten Bilder, Phänomene der Realität und die Offenlegung ihrer wesentlichen Merkmale erreicht. Gerade die Vielfalt der realen Welt ist der Grund dafür, dass sich sowohl die verschiedenen kreativen Bewegungen als auch die einzelnen Meister, die dieses neue künstlerische System repräsentieren, durch eine außergewöhnliche Vielfalt an Ideen und Bildsprache auszeichnen. Unter brillante Künstler die in ihren Werken die wesentlichen Aspekte der Epoche offenbarten, nennen wir Velazquez und Rembrandt, den Porträtmaler Frans Hals und den Landschaftsmaler van Ruisdael.

Die neue extralinke realistische Methode trug zu einer beispiellosen Erweiterung der Möglichkeiten der bildenden Kunst bei. Neue Genres sind entstanden: Alltag, Stillleben; Landschaft nahm in den am weitesten entwickelten Formen Gestalt an, es kam zu entscheidenden Veränderungen in den Genres, die dies getan hatten jahrhundertealte Traditionen(biblische und mythologische Kompositionen, historisches Bild, Porträt). Das ist extralinke Kunst des 17. Jahrhunderts. V Wissenschaftliche Literatur oft als „Realismus“ bezeichnet. Mit unterschiedlicher Verbreitung entwickelte sich das neue künstlerische System in fast allen Ländern Westeuropas. In Italien sind es Caravaggio und seine Anhänger, in Flandern Brouwer; in Frankreich - Louis Le Nain, in Spanien - Velazquez.

Diese realistischen Tendenzen fanden ihren vollständigsten und konsequentesten Ausdruck in der niederländischen Kunst, wo das republikanisch-bürgerliche System, das Fehlen des Absolutismus und die Dominanz der kirchlichen Ideologie besonders günstige Bedingungen für die Entwicklung fortschrittlicher künstlerischer Bewegungen boten. Kreativität der Großen Niederländische Künstler treibt die sozialgeschichtliche Entwicklung der Gesellschaft voran, überschreitet ihre Grenzen und gerät mit ihr in Konflikt.

Aber man kann nicht anders, als zuzugeben, dass die unbedingten Errungenschaften der realistischen (stillosen) Richtung mit dem Verlust der stilistischen Integrität und der Möglichkeit einer fantasievollen Verschmelzung aller Arten bildender Künste zu einem einzigen Ensemble einhergingen. Die Malerei wird endgültig von Architektur und Skulptur abgegrenzt und der Prozess der Staffeleimalerei, also die Entstehung der Staffeleimalerei, intensiviert sich.

Der Realismus erforderte umfassende Verallgemeinerungen, die für reale Bilder typisch sind. Aus diesem Grund wenden sich herausragende Meister biblischen und mythologischen Themen zu und ermöglichen es ihnen, mit einer tiefen, lebensnahen und wahrheitsgetreuen Interpretation von Bildern Verallgemeinerungen auf die Ebene des Mythos zu bringen (Caravaggio, Rembrandt).

Ein gewisser Grad an Einheitlichkeit, der die Kunst des 17. Jahrhunderts auszeichnet. verschiedenen europäischen Ländern erklärt sich nicht nur aus der gemeinsamen historischen Entwicklung, sondern auch aus dem kulturellen Austausch. Italien und insbesondere Rom bleiben ein Mekka für Künstler und entwickeln sich zu einem internationalen Kunstzentrum.

Persönlichkeiten

Unter dem Feuerwerk der Namen, die am Himmel aufblitzen künstlerische Kultur Das 17. Jahrhundert sollte am meisten hervorgehoben werden prominente Vertreter Barock, Klassizismus und Realismus – Bernini, Rubens, Poussin, Rembrandt, Caravaggio und Velazquez.

Lorenzo Bernini ist ein italienischer Architekt und Bildhauer. Hauptwerke:

Apollo und Daphne (1622–1625) – Marmor, 243 cm, Galerie Borghese, Rom.

Stuhl von St. Peter (1624) – Bronze, Vatikan.

Tritonbrunnen (1624-1643) - Piazza Barberini, Rom

Ekstase der Heiligen Teresa (1647-1652) – Marmor, Santa Maria della Vittoria, Rom

Brunnen der vier Flüsse (1648-1651) – Marmor und Travertin, Piazza Navona, Rom

Ekstase der seligen Ludovica Albertoni (1671–1674) – Marmor, San Francesco a Ripa, Rom

Neptun und Triton

Pieter Powel Rubens (1577-1640) – flämischer Maler. Seine Kunst entwickelte sich, wie die gesamte flämische Kunst des 17. Jahrhunderts, im Einklang mit dem Barockstil, verfügt jedoch über mehr lebensbejahende Kraft und weniger religiösen Einfluss als der italienische Barock. Rubens war der Leiter der flämischen Nationalschule, seine Kunst vermittelt perfekt den Zeitgeist. Er arbeitete in Antwerpen und zwischen 1600 und 1606. lebte in Italien. Er war eine universelle Persönlichkeit: nicht nur Maler, Graveur, sondern auch Diplomat; Dank letzterem Umstand war er als „König der Maler“ ein Künstler für Königinnen und arbeitete an den Königshöfen Frankreichs, Italiens und Spaniens.

Die für den Barock charakteristische Hochstimmung, Pathos, heftige Bewegung und Dekorativität verbinden sich in Rubens' Kunst mit der sinnlichen Schönheit der Bilder und kühnen realistischen Beobachtungen. In Rubens' barocken Gemälden dominieren religiöse und mythologische Themen. Die berühmtesten dieser Gemälde sind „Die Kreuzabnahme“, „Perseus und Andromeda“ und „Der betrunkene Bacchus“. Im Jahr 1635 begann die Sten-Periode des Schaffens des Malers, als Rubens sich mit seiner jungen Frau Elena Fourman nach dem Kauf des Landschlosses Sten darin niederließ. Zu dieser Zeit schuf Rubens Landschaften und Szenen aus dem bäuerlichen Leben (Die Rückkehr der Schnitter, Bauerntanz), die von einem demokratischen Geist und einem Gefühl für mächtige Naturkräfte geprägt waren. Rubens' malerisches Können zeigte sich besonders stark im Genre der Porträtmalerei: So sind die Porträts voller lebendigem Charme „Elena Fourment mit Kindern“, „Pelzmantel“ und „Die Kammerzofe“. Rubens' Malerei zeichnet sich durch eine ungehemmte freie Art, ausdrucksstarke Plastizität und subtile Farbabstufungen aus. Van Dyck, Jordans und Snyders arbeiteten in Rubens‘ Werkstatt.

Nicolas Poussin (1594–1665) – der Begründer der klassizistischen Malerei, der wichtigsten Stilrichtung in Frankreich; Seine Gemälde zu religiösen, mythologischen und historischen Themen bekräftigen die Macht der Vernunft in sozialen und ethischen Normen. Poussins Malerei zeichnet sich durch eine erhabene figurative Struktur aus. Es verbindet ein tiefes philosophisches Konzept mit klarer Komposition und Gestaltung: „Tancred und Erminia“, „Der Tod des Germanicus“. Poussins majestätische Heldenlandschaften sind wunderschön: „Landschaft mit Polyphem“, „Arkadische Hirten“. Die Massen darin sind streng ausbalanciert, die Luft ist transparent, die Farben rein.

Harmens van Rijn Rembrandt (1606–1669) – niederländischer Maler, Zeichner, Radierer, Vertreter der linksrealistischen Bewegung. Rembrandts innovative Kunst zeichnet sich durch Demokratie und Lebendigkeit der Bilder aus. Eine außergewöhnliche Breite des kreativen Spektrums, eine kontinuierliche Suche nach neuen künstlerischen Ausdrucksmitteln, höchste Professionalität Erlauben Sie uns, das Werk des Künstlers als einen der Höhepunkte der Weltmalerei zu betrachten, der die Tiefe psychologischer Merkmale mit außergewöhnlichem malerischen Können kombiniert, das auf den Effekten des Hell-Dunkel-Effekts basiert. Er malte Porträts, darunter Paar- und Gruppenporträts („Selbstporträt mit Saskia auf den Knien“, „Nachtwache“) sowie religiöse und mythologische Szenen („Die Heilige Familie“, „Danae“).

In den 1660er Jahren umfassen die komplexeste psychologische Struktur religiöser, historischer Kompositionen und Porträts von Rembrandt („Rückkehr verlorene Sohn", "Syndiks"). Seine breite, freie Malerei erhält räumliche Tiefe und besondere Spiritualität. Dezenter Schimmer Farbspektrum Das Hell-Dunkel-Spiel dient als Mittel, um typologische Kollisionen zwischen der Handlung und dem mentalen Zustand der Bilder sichtbar zu machen. Rembrandts Werk ist zutiefst humanistisch. Im Mittelpunkt des Künstlers steht seit jeher der Mensch, seine geistige Welt und sein innerer Reichtum. Kreatives Erbe Der Künstler hatte großen Einfluss auf die spätere Entwicklung der europäischen realistischen Malerei.

Michelangelo da Caravaggio (1573-1610). Dieser italienische Maler, der um die Jahrhundertwende lebte, gilt als Begründer des Realismus, der als künstlerische Bewegung in der europäischen Malerei des 17. Jahrhunderts Gestalt annahm und in die er Demokratie, außergewöhnliche Konkretheit und Materialität der Form sowie Emotionalität einführte Spannung, die durch die Kontraste von Licht und Schatten vermittelt wird. Diese Eigenschaften sind so erkennbar, dass man sie als „Caravaggismus“ bezeichnet, unter dem fast alle großen Künstler der realistischen Bewegung und seine Zeitgenossen „litten“.

Caravaggios Gemälde zeichnen sich durch Einfachheit und Lakonismus der Komposition sowie ausdrucksstarke Plastizität aus. Er schuf religiöse und mythologische Kompositionen von außergewöhnlicher dramatischer Kraft und emotionaler Ausdruckskraft. Darüber hinaus ist er als Autor von Genrebildern bekannt, die die Realität überraschend genau und direkt wiedergeben.

Unter seinen meisten Berühmte Gemälde Dazu gehören „Grablegung“, „Bacchus“, „Mädchen mit Laute“ und „Lautenspieler“.

Caravaggios Schicksal ist tragisch. Er starb im Alter von 36 Jahren, nachdem er die letzten Jahre seines Lebens auf Wanderschaft verbracht hatte. Der strenge Realismus des Künstlers wurde von Anhängern der hohen Kunst, Akademikern der Bologna-Akademie, die den Grundstein für die akademische Bewegung in der Malerei an der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert legten, nicht verstanden.

Diego Velazquez (1599-1660). Das Ende des 16. und die erste Hälfte des 17. Jahrhunderts waren die Blütezeit der spanischen Kultur und insbesondere der Malerei. Den Hauptplatz im Werk spanischer Maler nimmt der Mensch ein. Bildende Kunst Spanien erreicht seinen Höhepunkt im Werk von Velazquez, einem der herausragenden Meister der realistischen Bewegung in der westlichen Kunst. Europa XVII V.

Seine Malerei zeichnet sich durch die Tiefe psychologischer Merkmale und die strahlende Individualität seiner Modelle aus. Velasquez hatte eine besondere Gabe, die inneren, tief verborgenen Charaktereigenschaften und die geistige Beschaffenheit eines Menschen zu offenbaren. Diese Fähigkeit des Malers zeigte sich besonders deutlich in berühmtes Porträt Papst Innozenz X. (1650). Auch seine Genrebilder, Gruppenporträts, mythologischen und historischen Sujets zeichnen sich durch porträthafte Tiefe aus und zeichnen sich zudem durch die Harmonie der Komposition und den Sinn für Proportionen aus. Velazquez war einer der ersten, der die Valerie-Malerei verwendete und die feinsten Farbtöne eines Tons erzielte. Die bekanntesten Werke sind „Die Kapitulation von Breda“, „Las Meninas“ und „Spinners“.

Kunst (Barockkunst), ein Stil der europäischen Kunst und Architektur des 17. und 18. Jahrhunderts. Zu verschiedenen Zeiten erhielt der Begriff „Barock“ unterschiedliche Bedeutungen – „bizarr“, „seltsam“, „zum Exzess neigend“. Anfangs hatte es eine beleidigende Konnotation und implizierte Absurdität, Absurdität (vielleicht geht es auf das portugiesische Wort zurück, das eine hässliche Perle bedeutet). Derzeit wird es in kunsthistorischen Werken verwendet, um den Stil zu definieren, der die europäische Kunst zwischen Manierismus und Rokoko, also von etwa 1600 bis zum Beginn des 18. Jahrhunderts, dominierte. Vom barocken Manierismus erbte die Kunst Dynamik und tiefe Emotionalität, von der Renaissance Solidität und Pracht: Die Merkmale beider Stile verschmolzen harmonisch zu einem Ganzen.

Barock. (Clementinum-Bibliothek, Prag, Tschechische Republik).

Die charakteristischsten Merkmale – auffällige Blütenpracht und Dynamik – entsprachen dem Selbstbewusstsein und der Souveränität der neu mächtigen römisch-katholischen Kirche. Außerhalb Italiens hatte der Barockstil seine tiefsten Wurzeln in katholischen Ländern, und beispielsweise in Großbritannien war sein Einfluss unbedeutend. Am Ursprung der Tradition der Barockkunst in der Malerei stehen zwei große italienische Künstler – Caravaggio und Annibale Carracci, die im letzten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts – dem ersten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts – die bedeutendsten Werke schufen.

Gemälde von Caravaggio