Die stilistische Vielfalt der Kunst des 17.-18. Jahrhunderts. Gliederung der MHC-Lektion „Die Entstehung neuer Stile im 17. – 18. Jahrhundert“, Lektion 11. Klasse, Stilvielfalt

Plan – Zusammenfassung der Lektion

Thema: „Die Entstehung neuer Stile inXVII – XVIIIJahrhunderte.“

Der Zweck der Lektion:

– pädagogisch (geben Sie eine Vorstellung von den wichtigsten künstlerischen Stilen, die in entstanden sindXVII – XVIIIJahrhunderte);

– entwicklungsorientiert (um die Fähigkeit zu entwickeln, die stilistische Vielfalt der Kunst zu verstehen, die Fähigkeit, bestimmte Kunstwerke zu analysieren);

– pädagogisch (um das Interesse an Kunst zu fördern und ein Verständnis für ihren Wert zu entwickeln).

Ausrüstung:

– Tafel (Bezeichnung des Unterrichtsthemas, Namen von Stilen, neue Begriffe, Namen von Meistern, die in jedem bestimmten Stil gearbeitet haben);

– Laptop mit Lautsprechern (zum Zeigen von Illustrationen von Künstlergemälden und zum Anhören von Audioaufnahmen).

Während des Unterrichts

Zeit organisieren.

Guten Tag, Klasse. Heute werden wir uns mit einem neuen Thema befassen, das uns einen kurzen Überblick darüber geben wird, worüber wir in den folgenden Lektionen mehr erfahren werden. Wir werden über die Stile sprechen, die in der europäischen Kunst während der Spätrenaissance auftauchten und sich bis zum Ende entwickeltenXVIIIJahrhunderte

Stellen Sie sicher, dass Sie Notizbücher und Stifte auf Ihren Schreibtischen haben, da ... Heutzutage müssen Sie viele wichtige Informationen aufzeichnen.

Erläuterung des neuen Materials.

Das Thema unserer Lektion lautet also „Die Entstehung neuer Stile in.“XVII – XVIIIJahrhunderte.“(Ich mache die Kinder auf das Thema aufmerksam: Es wird an die Tafel geschrieben und mit Kreide markiert) .

Bevor wir beginnen, versuchen wir uns daran zu erinnern, wie die Situation in der westeuropäischen Kunst am Ende warXVIV.

Ab der zweiten Hälfte ist bereits der Niedergang der italienischen Malerei spürbar, und je weiter er voranschreitet, desto stärker wird er. Auf die Blütezeit folgt eine Nachahmungsperiode. Die individuellen Eigenschaften brillanter Meister verwandeln sich bei ihren Nachahmern in Manierismus und Kanon.
Vielen berühmten Meistern fehlt bei aller Perfektion ihrer Technik und erfolgreichem Umgang mit Mustern das Augenmaß – die erste Voraussetzung für Schönheit und ernsthafte Würde. Es kommt zu einem „Fallout“ der für die Renaissance charakteristischen Prinzipien der Malerei hin zur Übertreibung. Diese Übertreibung bildet die Grundlage eines neuen künstlerischen Stils.

Manierismus (von lateinisch Technik, Manieren) (Der neue Begriff und seine Übersetzung stehen an der Tafel, ebenso die Namen von Vertretern dieses Stils. Ich mache die Kinder auf diese Notizen aufmerksam und bitte sie, sie in ihre Hefte zu übertragen.) spiegelt die Krise der Ideen der Renaissance über das Ideal wider.

Der Manierismus erschien in Italien, entwickelte sich jedoch sehr schnell zu einem europaweiten Stil.

Dies wurde durch zwei Faktoren erleichtert:

Aktivitäten italienischer Meister außerhalb Italiens;

breite Verbreitung von Gemälden, Grafiken, Stichen und Drucken manieristischer Meister.

Der Begriff selbst stammt vom Biographen und Maler Giorgio Vasari, der ihn als neues Bildsystem bezeichnet, das durch 3 Hauptmerkmale gekennzeichnet ist:

Die Schärfe der Bilder;

Ausdruck von Posen, verlängerte Figurenproportionen;

Licht- und Farbkontraste(Die oben genannten Prinzipien werden auch von den Studierenden aufgezeichnet und anschließend anhand von Beispielen von Gemälden von Künstlern analysiert, die den Stil repräsentieren.)

Alle drei Prinzipien spiegelten sich in den Werken manieristischer Meister wider, die allgemein als folgende angesehen werden:

- Allesandro Allori ;

- Francesco Parmigianino;

- Jacopo Tintoretto.

Auch Manieristen werden berücksichtigtVertreter der Fontainebleau-Schule in Frankreich undEl Greco in Spanien.

In Literatur und Musik wird der Begriff „Manierismus“ weiter verwendet als in der bildenden Kunst; Manieristen sind literarische Werke, die sich durch eine komplexe Silbe und Syntax sowie die Verwendung fantasievoller und fantastischer Bilder auszeichnen.

Ein markantes Beispiel hierfür ist der zweibändige Roman Euphues von John Lyly, der den Begriff „Euphuismus“ hervorbrachte, der einen höchst künstlichen und prätentiösen Stil bedeutet.

Manierismus in der Musik ist das Werk von Carlo di Vinosa, das sich durch Harmonie, Tempowechsel und lebendigen Ausdruck auszeichnet.

Trotz alledem unterscheiden Kunsthistoriker den Manierismus sehr oft nicht als eigenständigen Stil, sondern betrachten ihn lediglich als das frühe Stadium einer der ehrgeizigsten Strömungen in der Kunst.XVII – XVIIIJahrhunderte –Barock .

Barock wird als synthetischer Stil gelesen, d.h. künstlich geschaffen auf der Grundlage zweier früherer Strömungen – Renaissance und Manierismus. Vom ersten bekam er Prunk und Solidität, vom zweiten - Dynamik und Emotionalität.

Von Ende an dominierte der Barock die europäische KunstXVIzur MitteXVIIIJahrhunderte und deckte alle Arten von Kreativität ab, die sich am deutlichsten in der Architektur und den bildenden Künsten widerspiegelten.

Der Begriff kommt vom portugiesischen WortBarock , was eine unregelmäßig geformte Perle bedeutet. Im Italienischen gibt es jedoch ein Äquivalent –Barock – üppig, rot, seltsam. Tatsächlich definieren diese drei Worte – üppig, rot, seltsam – Barockkunst – hell, luxuriös, ertrinkend in Gold und Samt(Der Begriff und seine Interpretationen sind von der Tafel übernommen) .

Der Barock hinterließ einen großen Eindruck auf die Menschen, so dass er in katholischen Ländern sehr bald tiefe Wurzeln schlug und zu einem unverzichtbaren Merkmal der Macht und Macht des Papstes wurde. Aus diesem Grund sind Kirchen und Klöster die größten Denkmäler der Barockarchitektur.

Ein markantes Beispiel dafür ist der Petersplatz und die Kathedrale in Rom der Architekten Lorenzo Bernini und Francesco Borromini.

Als Vertreter des Barock gelten traditionell:

- Architekten Lorenzo Bernini und Francesco Borromini

- Künstler Caravaggio, Carracci, Peter Paul Rubens und Rembrandt van Rijn (Die an die Tafel geschriebenen Namen der Meister werden von den Kindern in ihre Hefte kopiert) .

Die barocke Kunst, sowohl in der Architektur als auch in der Bildhauerei und Malerei, zeichnet sich aus durch:

Kontrast, Kombination aus Licht und Schatten;

Dynamik;

Vorliebe für spektakuläre Inszenierung, Prunk und Glanz(Die Grundsätze können schriftlich niedergelegt oder nur mündlich dargelegt werden, da sie in den folgenden Lektionen ausführlicher besprochen werden.) .

Mehrfarbige Skulpturen, Modellierungen, Schnitzereien, Spiegel, Gemälde, Deckengemälde, Dutzende Meter Seide, Samt und Brokat in der Innenausstattung – das ist das umfangreiche Erbe, das uns der Barock hinterlassen hat.

All diese dekorativen Elemente halfen später Charles Lebrun und Louis Levo – dem Architekten und Bildhauer –, das Projekt des größten Denkmals der Schloss- und Parkarchitektur, Versailles, zu verwirklichen. Aber dazu später mehr.

Inzwischen haben wir ein JahrhundertXVIII, seine erste Hälfte. Die Könige Ludwigs, Monarchen der Bourbonen-Dynastie, versuchen, ihre Macht zu festigen, indem sie ihren Status als „Auserwählte“ mit allen verfügbaren Mitteln betonen. Ein riesiger königlicher Hof erfordert Unterhaltung und Luxus. Sie geben sich nicht mit dem Prunk des Barock zufrieden; sie brauchen etwas, etwas weniger Anspruchsvolles, aber Eleganteres. Ein neuer Stil „galanter Feierlichkeiten“ – das Rokoko – wird zur Entdeckung.

Rokoko (aus dem Französischen. Rocaillen – dekoratives Motiv in Form einer Muschel) - Dies ist ein Stil oder eine Stilrichtung in der Kunst Frankreichs in der ersten HälfteXVIIIJahrhundert(Der Name des Stils wird von den Kindern zusammen mit den Namen seiner Vertreter von der Tafel übernommen.) .

Der Begriff „Rokoko“ tauchte nicht sofort auf; später begann man, den diesem Stil innewohnenden Manierismus zu verachten.

Rokoko zeichnet sich aus durch:

Anmutige, raffinierte Formen,

Idyllische (pastorale) oder sinnliche Szenen,

Düstere Farben, dezente Lichtspiele, verschwommene Bilder(Jedes der Prinzipien wird anhand der unten aufgeführten Beispiele der Gemälde der Künstler veranschaulicht.) .

In der modernen Kunstgeschichte gelten vier herausragende französische Dekorationskünstler als Vertreter des Rokoko:Francois Boucher, Antoine Watteau, Nicolas Lancret und Jean Fragonard .

Diese vier Maler schufen im Laufe ihrer Arbeit den Stil, dessen Gemälde und Möbel viele Jahre lang die Paläste der reichsten Menschen Frankreichs schmückten.

Rokoko ist ein Kammerstil (kleine Formen), hauptsächlich Malerei und Skulptur, wobei der DPI ein bedeutender Platz eingeräumt wird.

Die Themen der Werke bewegen sich im Rahmen mythologischer und pastoraler Themen.

Die übermäßige Anziehungskraft auf Amoretten und Venusinnen, wunderschöne Hirten und Hirtinnen, ruinierte diesen Stil jedoch letztendlich.

Mitte der 50er JahreXVIIIJahrhundert wurde das Rokoko wegen Manierismus, übermäßiger Sinnlichkeit und absurder Kompliziertheit der Komposition kritisiert.

Das Zeitalter der Aufklärung schlich sich unbemerkt heran und versetzte den Prinzipien, dank derer sich das Rokoko entwickelte, einen vernichtenden Schlag. Erstens beeinflusste die Aufklärung mit ihren neuen Idealen die Architektur, die nie die Stärke des Rokoko war. Die Meister fühlten sich zunehmend von der Strenge und Ruhe der antiken, meist griechischen Architektur angezogen.

Das wachsende Interesse an der Antike wurde durch die Entdeckung der Stadt Pompeji mit ihrem reichen künstlerischen Erbe im Jahr 1755 sowie durch das Studium der Architektur in Süditalien gefördert. Das Ergebnis neuer Trends war ein hoher Kunst- und Literaturstil namens Klassik.

Also,Klassizismus (Kinder kopieren den Begriff von der Tafel) - ein Stil in Literatur und KunstXVIII- gestartetXIX, der sich dem antiken Erbe als Norm und Idealmodell zuwandte.

Dieser Stil entstand in Frankreich und verbreitete sich dann in anderen Ländern mit Künstlern und Architekten, die als Träger des Wissens der „absoluten Harmonie“ aktiv an die Höfe europäischer Monarchen eingeladen wurden.

Künstler, Schriftsteller und Architekten des Klassizismus glaubten, dass ein Kunstwerk die Frucht von Vernunft und Logik sei und daher frei von Chaos und fließenden Formen sein sollte.

Basierend auf der antiken Kunst entwickelten die Meister eine Reihe von Prinzipien, nach denen sich alle Vertreter des Stils verpflichteten, Folgendes zu schaffen:

Darstellung hoher (heroischer und moralischer) Ideale;

Strikte Organisation logischer, klarer Bilder;

Farbliche Zurückhaltung(alle diese Prinzipien werden Kindern anhand von Illustrationen von Kunstwerken klassischer Meister demonstriert) .

Es mag den Anschein haben, dass die Festlegung solch strenger Grenzen die künstlerischen Stilformen verarmte und sie zu Vorlagen machte. Dies ist jedoch nicht der Fall. Es ist bekannt, dass es den Architekten des Klassizismus gelang, jene Paläste und Parkensembles zu schaffen, die heute die ganze Welt begeistern.

Drei herausragende Architekten – Jules Hardouin-Mansart, Andre Le Nôtre und später Louis Leveau – bauten Versailles – das leuchtendste Beispiel klassischer Kunst.

Versailles, erbaut aus weißem Marmor, ist die Verkörperung aller Regeln des antiken Erbes. Äußerlich ist es Klarheit, Klarheit, Einfachheit der Form. Im Inneren findet die Wiedergeburt des Barockstils statt. Wir werden versuchen herauszufinden, warum dies in den nächsten Lektionen passiert ist.

Die größten Vertreter des Klassizismus sind:

- Architekten Jules Hardouin-Mansart, Andre Le Nôtre, Louis Levo;

- Bildhauer Antonio Canova;

- Künstler Jacques-Louis David und Nicolas Poussin (Kinder kopieren die Namen der Meister in ihre Hefte) .

Zur Zeit Napoleons, der den Zweck der Kunst darin sah, seine Persönlichkeit und seine Heldentaten zu verherrlichen, erlebte der Klassizismus eine Wiedergeburt in einem feierlichen und in vielerlei Hinsicht integraleren Stil – dem Empire-Stil.

Was die Musik der Klassik betrifft, sticht hier der „Wiener Kreis“ hervor – Haydn, Mozart und Beethoven. Die Literatur des Klassizismus wird im Westen durch die Werke von Moliere und Voltaire, in Russland von Lomonossow, Nowikowski und Gribojedow repräsentiert.

Zusammenfassend.

Heute haben wir vier neue Stile der europäischen Kunst kennengelernt, die charakteristischen Merkmale jedes einzelnen Stils analysiert und uns auch Abbildungen typischer Vertreter angesehen. In der nächsten Lektion werden wir diese Stile weiter studieren und uns dabei detaillierter auf den großartigsten von ihnen konzentrieren – den Barock.

Hausaufgabe.

Schreiben Sie nun Ihre Hausaufgabe auf. Lesen Sie Absatz Nr. 1 im Lehrbuch, Teil 1 – 3. Und denken Sie über die Antwort auf die Frage nach: „Welcher Stil?“XVII – XVIIIJahrhunderte Hat es dir besser gefallen?“, erkläre warum. Das ist alles. Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit, jeder ist frei.

Literaturverzeichnis

Danilova G.I. Weltkünstlerische Kultur: vom 17. Jahrhundert bis zur Gegenwart. 11. Klasse Grundniveau: Lehrbuch. für die Allgemeinbildung Institutionen. – M.: Bustard, 2012. – 366, S.

Emokhonova L.G. Weltkunst. Lehrbuch für die Klassen 10 – 11. Allgemeinbildung Institutionen. Um 3 Stunden. Teil 2. – M.: Bildung, 2012. – 255 S.

Virtuelles Museum für MalereiKleinBucht. Elektronische Enzyklopädie des Kunst- und Geschichtsmuseums/, 08.10.2016

8. Oktober 2016

< http:// Smallbay. ru/ Rokoko. html> , 8. Oktober 2016

< http:// Smallbay. ru/ klassisch. html> , 8. Oktober 2016

Folie 1

Folie 2

Folie 3

Folie 4

Folie 5

Folie 6

Folie 7

Folie 8

Folie 9

Lektion zur Blended-Learning-Technologie

Modul „Wechselnde Arbeitsbereiche“

Thema - Weltkünstlerische Kultur Klasse 11

Unterrichtsthema „Stilvielfalt in der Kultur des 17.-18. Jahrhunderts“

So viele Neuigkeiten in 20 Jahren

und im Reich der Sterne,

und im Bereich der Planeten,

Das Universum zerfällt in Atome,

Alle Verbindungen sind unterbrochen, alles ist in Stücke zerschmettert.

Die Grundfesten sind erschüttert, und zwar jetzt

Für uns ist alles relativ geworden.

John Donne (1572-1631) Dichter

Der Zweck der Lektion

Identifizieren Sie charakteristische MerkmaleVielfalt der Kulturstile des 17. und 18. Jahrhunderts.

Aufgaben

Bestimmen Sie das Muster sich ändernder künstlerischer Stile.

Entwickeln Sie die Fähigkeit der Schüler, Informationen auszuwählen und zu analysieren. Die Fähigkeit, Ihre Gefühle und Gefühle zu verbalisieren

Kultivierung einer bewussteren Wahrnehmung von Kunstwerken bei den Schülern.

Unterrichtsart – verallgemeinerndUnterrichtsstunde zur integrierten Wissensanwendung/Lektion zur Entwicklungskontrolle/.

Studienform : frontal, Gruppe

UUD gegründet

Kommunikation – Erwerb der Fähigkeiten, die Position des Gesprächspartners (Partners) zu berücksichtigen, die Zusammenarbeit und Zusammenarbeit mit dem Lehrer und den Mitschülern zu organisieren und durchzuführen, Informationen angemessen wahrzunehmen und zu übermitteln.

Kognitiv

die Fähigkeit, die Hauptidee auszudrücken und die Hauptbedeutung hervorzuheben.

die Fähigkeit, eine Aufgabe aus verschiedenen Blickwinkeln und anhand verschiedener Parameter zu analysieren.

persönlich

die Fähigkeit, dem Gesprächspartner zuzuhören und ihn zu hören.

die Fähigkeit, die eigene Position korrekt und überzeugend zu formulieren und dabei Respekt vor der Position und Meinung anderer Menschen zu zeigen.

Regulatorisch (reflexiv)

Die Fähigkeit, Ihre Sprache unter Berücksichtigung der Kommunikationssituation sowie ethischer und soziokultureller Normen zu kontrollieren.

Die Fähigkeit, die Wahrnehmung des Gesprächspartners vorherzusagen.

Unterrichtsausrüstung : Personal Computer (4 Stk.), interaktives Whiteboard,MultimediaVideoprojektor, Audioaufnahmen, Tonbandgerät, Präsentation für den Unterricht im ProgrammformatMicrosoftBüroSteckdose, Handouts (Reproduktionen von Werken, Karten mit Texten, Testaufgaben).

Unterrichtsplan

1.Organisatorischer Moment1-2 Min.

2. Einführung in das Thema2-3 Min.

3. Frontale Umfrage3-5 Min.

4.Hauptphase der Lektion25-30 Min.

5. Zusammenfassung der Lektion3-5 Min.

6.Reflexion1-2 Min.

7. Fazit1-2 Min .

Während des Unterrichts

Zeit organisieren - Grüße.

/ Auf der Folie steht der Name des Unterrichtsthemas, Epigraph. Der Lehrer beginnt den Unterricht mit dem Ton im Hintergrund IV Teil des Zyklus „Die Jahreszeiten“ von A. Vivaldi – „Winter“ /

2. Einführung in das Thema

XVII-XVIIIJahrhundert - eine der hellsten und brillantesten Epochen in der Geschichte der Weltkunstkultur. Dies war eine Zeit, in der sich das vertraute, scheinbar unerschütterliche Weltbild rasch veränderte und die Ideale der Renaissance im öffentlichen Bewusstsein zusammenbrachen. Dies ist die Zeit, in der die Ideologie des Humanismus und der Glaube an die unbegrenzten Möglichkeiten des Menschen durch ein anderes Lebensgefühl ersetzt wurden.

Jede Zeit trägt ihre eigenen Gesetze und Zweckmäßigkeiten in sich. Es ist bekannt, dass Werke der Architektur, Bildhauerei, Musik, dekorativen und angewandten Kunst, Malerei usw. eine Art Mittel zur Kodierung „kultureller Botschaften“ sind. Wir kommunizieren mit vergangenen Epochen mithilfe unserer Fähigkeit zur abstrakten Wahrnehmung. Wenn wir die „Codes“, in unserem Fall die Merkmale und Merkmale der Kunststile des 17. und 18. Jahrhunderts, kennen, können wir Kunstwerke bewusster wahrnehmen.

Unsere heutige Aufgabe besteht also darin, zu versuchen, das Muster sich ändernder Stile zu erkennen und zu lernen, den „Code“ eines bestimmten Stils zu erkennen (Folienkonzept „Stil“).Stil ist eine stabile Einheit von Ausdrucksmitteln, die die künstlerische Originalität eines Werkes oder einer Werkgruppe charakterisiert.

3 . Frontalvermessung - Leute, wer kann die wichtigsten Stile in der Kunst des 17. und 18. Jahrhunderts nennen?Die Studierenden benennen die wichtigsten Stile dieser Zeit (Manierismus, Barock, Rokoko, Klassizismus, Romantik, Realismus).

Im Laufe einer Reihe von Lektionen haben Sie sich mit jedem einzelnen davon vertraut gemacht. Wir stimmen der Aussage natürlich zuzeitgenössischer russischer Kunstkritiker Viktor Wlassow: „Stil ist die künstlerische Erfahrung der Zeit“

Lassen Sie uns jeden von ihnen kurz beschreiben.Für jeden Stil wird eine verbale Definition gegeben.

4.Hauptphase der Lektion . Daher beschäftigen wir uns heute mit dem Modul „Wechsel der Arbeitsbereiche“. Die Klasse ist in 4 Gruppen eingeteilt, von denen jede ihre eigene Aufgabe bearbeitet. Ihre Fähigkeit, zusammenzuarbeiten, sich gegenseitig zu beraten und zu einer gemeinsamen Meinung zu gelangen, ist sehr wichtig.

Gruppe „A“ (schwache Schüler) arbeitet mit Handouts, die gemäß den 6 genannten Stilen verteilt werden müssen. Hier finden Sie eine Definition des Stils und der jeweiligen Merkmale, Reproduktionen von Gemälden, Statements und poetischen Zeilen berühmter Persönlichkeiten.

Gruppe „B“ (Mittelstufe) bearbeitet Testaufgaben zu unserem Thema.

Sie müssen den Namen des Gemäldes mit dem Namen des Autors, den Stil mit dem Namen des Gemäldes, die Merkmale des Stils mit seinem Namen usw. in Beziehung setzen.

Und die Gruppe – „D„(exzellente Studierende), sie arbeitet an der Präsentation „Stile in der Kunst des 17.-18. Jahrhunderts...“ auf Laptops mit Internetzugang. Dies ist eine praktische Arbeit, sie enthält schwierige Aufgaben, die tiefe Kenntnisse im Fach „MHC“ erfordern.

Leute, ihr erledigt die Aufgaben 10-12 Minuten lang und wechselt dann eure Arbeitsbereiche: Gruppe „A“ zieht an den Platz von Gruppe „B“ und umgekehrt; Gruppe „C“ ändert sich mit dem Arbeitsbereich der Gruppe „D" Ich bin Lehrer, ich arbeite eng mit der Gruppe „A“ zusammen und meine Assistenten, Gewinner der MHC-Olympiaden, arbeiten mit den anderen drei zusammen, nennen wir sie Tutoren.Auf der Folie - « Tutor – vom englischen „Tutor“ – Kurator, Mentor, Pädagoge. Ein Tutor kann dabei helfen, organisatorische Probleme zu lösen, den Wunsch nach Aufgabenerledigung und Selbstständigkeit zu unterstützen, organisatorische Probleme zu lösen, Kontakte zwischen Studierenden herzustellen, den Mentee psychologisch auf produktive Arbeit vorzubereiten und ist ein Bindeglied zwischen Studierenden und Lehrenden.“

Während der Lektion werden Sie gebeten, den Grund für den Stilwechsel herauszufinden und zu versuchen, die Muster dieses Prozesses zu erkennen. Das wird das Ergebnis unserer heutigen Arbeit sein.

Die Studierenden arbeiten in Gruppen. Der Lehrer überwacht unauffällig den Bearbeitungsprozess der Aufgaben und korrigiert, wenn möglich, Antworten innerhalb der Gruppe. Tutoren koordinieren die Arbeit in jeder Gruppe.

Gruppe „A“ erfordert sorgfältigere und sorgfältig kontrollierte Arbeit. Für eine höhere Motivation ist es notwendig, problematische Situationen zu schaffen und individuelle Aufgaben zu stellen. Wenn Sie beispielsweise den Stil eines Gemäldes festlegen, achten Sie besonders auf die Details der Reproduktion, damit die Schüler die Aufgabe besser bewältigen können. Und wenn Sie mit einem poetischen Text arbeiten, finden Sie Schlüsselwörter oder Phrasen, die dabei helfen, den Stil und die Richtung in der Kunst zu bestimmen.

5. Zusammenfassung der Lektion.

Nun wollen wir herausfinden, wie Sie die Aufgabe gelöst haben und welche Schlussfolgerungen Sie gezogen haben?Vertreter jeder Gruppe äußern ihren Standpunkt…. Der Lehrer führt die Schüler indirekt zur richtigen Formulierung der Antworten: Kreative Menschen strebten immer nach etwas Neuem, Unbekanntem, das die Schaffung neuer Meisterwerke ermöglichte; Das 17.-18. Jahrhundert war eine Zeit der wissenschaftlichen Entdeckungen, die zu Veränderungen in allen Lebensbereichen, einschließlich der Kunst, führten; Der Stilwechsel ist ein natürlicher Prozess der Beherrschung der Welt nach den Gesetzen der Schönheit, ein natürliches Spiegelbild des menschlichen Lebens ...

Letztes Wort des Lehrers - Daher sind Sie und ich zu dem Schluss gekommen, dass die Umgebung, die Umgebung und die Reflexion der sich bewegenden Welt zum Hauptthema der Kunst werdenXVII – XVIIIJahrhunderteKunst beschränkt sich jedoch keineswegs auf den ästhetischen Bereich. Historisch gesehen erfüllten Kunstwerke in der Kultur nicht nur ästhetische (künstlerische) Funktionen, obwohl das Ästhetische schon immer das Wesen der Kunst war. Seit der Antike hat die Gesellschaft gelernt, die kraftvolle, wirksame Kraft der Kunst für eine Vielzahl sozialer und nützlicher Zwecke zu nutzen – religiöse, politische, therapeutische, erkenntnistheoretische und ethische.

Kunst ist eine festgelegte, kristallisierte und festgelegte Form der Welterkundung nach den Gesetzen der Schönheit. Es ist ästhetisch bedeutsam und trägt eine künstlerische Vorstellung von Welt und Persönlichkeit.

6.Reflexion

Versuchen Sie nun, die heutige Lektion und Ihre Einstellung dazu zu bewerten. Der Fragebogen ist anonym.

/ vor dem Hintergrund des Klangs von L. Beethovens Stück „Für Elise“ /

7. Fazit

Jetzt müssen wir nur noch Ihre Arbeit bewerten. Die Teilnehmer jeder Gruppe erhalten die gleichen Noten. Die Bewertungen sind also…. (Gruppe „A“ erhält ein wohlverdientes „B“, und der Rest der Schüler, ich denke, Sie werden dem zustimmen, erhält die Note „Fünf“.

Vielen Dank an alle für die Lektion!

Vanyushkina L.M., Moderne Lektion: Weltkünstlerische Kultur, St. Petersburg, KARO, 2009.

Dmitrieva N.A., A Brief History of Art, Moskau, „Iskusstvo“, 1990.

Danilova G.I., Weltkünstlerische Kultur: Programme für Bildungseinrichtungen. 5-11 Klassen, Moskau, Bustard, 2010.

Danilova G.I., Weltkünstlerische Kultur. 11. Klasse, Moskau, Interbook 2002.

Polevaya V.M., Enzyklopädie der populären Kunst: Architektur. Malerei. Skulptur. Grafik. Dekorative Kunst, Moskau, „Sowjetische Enzyklopädie“, 1986.

Lehrer des MHC MBOU Gymnasiums

Safonow, Gebiet Smolensk

Folie 2

Künstlerische Kultur des 17. – 18. Jahrhunderts.