Goncharov I. „A Million Torments“ (kritische Studie). „A Million Torments“ (kritische Studie) Beziehung zu Famusova

Die Komödie „Woe from Wit“ sticht irgendwie in der Literatur hervor und unterscheidet sich durch ihre Jugendlichkeit, Frische und stärkere Vitalität von anderen Werken des Wortes. Sie ist wie ein hundertjähriger Mann, um den herum jeder, nachdem er seine Zeit ausgelebt hat, der Reihe nach stirbt und sich hinlegt, und er geht kraftvoll und frisch zwischen den Gräbern alter Menschen und den Wiegen neuer Menschen umher. Und es kommt niemandem in den Sinn, dass er eines Tages an der Reihe sein wird.

„Woe from Wit“ erschien vor Onegin, Pechorin, überlebte sie, überstand die Gogol-Zeit unbeschadet, lebte diese ein halbes Jahrhundert seit seinem Erscheinen und lebt immer noch sein unvergängliches Leben, wird noch viele weitere Epochen überleben und nicht alles verlieren seine Vitalität.

Warum ist das so und was ist „Woe from Wit“ überhaupt?

Die Kritik verdrängte die Komödie nicht von ihrem einst eingenommenen Platz, als wüsste sie nicht, wo sie sie einordnen sollte. Die mündliche Beurteilung war der gedruckten voraus, ebenso wie das Stück selbst der Drucklegung um Längen voraus war. Aber die gebildeten Massen wussten es tatsächlich zu schätzen. Sie erkannte sofort seine Schönheit und fand keine Mängel, riss das Manuskript in Stücke, in Verse, Halbverse, verbreitete das ganze Salz und die Weisheit des Stücks in der Umgangssprache, als hätte sie eine Million in Zehn-Kopeken-Stücke verwandelt, und würzte das Gespräch mit Gribojedows Sprüchen so sehr, dass sie die Komödie buchstäblich bis zur Sättigung erschöpfte. .

Die gedruckte Kritik hat immer nur die Bühnenaufführung des Stücks mit mehr oder weniger Strenge behandelt, die Komödie selbst kaum berührt oder sich in fragmentarischen, unvollständigen und widersprüchlichen Rezensionen geäußert. Es wurde ein für alle Mal entschieden, dass die Komödie ein vorbildliches Werk war – und damit schlossen alle Frieden.

Manche legen in der Komödie Wert auf ein Bild der Moskauer Sitten einer bestimmten Epoche, die Schaffung lebender Typen und ihre geschickte Gruppierung. Das ganze Stück scheint ein Kreis von Gesichtern zu sein, die dem Leser vertraut und darüber hinaus so eindeutig und geschlossen sind wie ein Kartenspiel. Die Gesichter von Famusov, Molchalin, Skalozub und anderen waren so fest ins Gedächtnis eingebrannt wie Könige, Buben und Damen im Kartenspiel, und jeder hatte eine mehr oder weniger einheitliche Vorstellung von allen Gesichtern, bis auf eines – Chatsky. Sie sind also alle korrekt und streng gezeichnet und daher jedem bekannt geworden. Nur über Chatsky sind viele ratlos: Was ist er? Es ist, als wäre er die dreiundfünfzigste mysteriöse Karte im Deck. Wenn es im Verständnis anderer Menschen kaum Meinungsverschiedenheiten gab, dann sind die Differenzen bei Chatsky im Gegenteil noch nicht vorbei und werden vielleicht noch lange nicht enden.

Andere, die dem Bild der Moral, der Treue der Typen gerecht werden, legen Wert auf das eher epigrammatische Salz der Sprache, die lebendige Satire – die Moral, mit der das Stück noch immer wie eine unerschöpfliche Quelle jeden in jedem alltäglichen Schritt des Lebens versorgt.

All diese verschiedenen Eindrücke und die darauf aufbauende eigene Sichtweise eines jeden dienen als beste Definition des Stücks, d. h. das Die Komödie „Woe from Wit“ ist sowohl ein Moralbild als auch eine Galerie lebender Typen und eine immer scharfe, brennende Satire und zugleich eine Komödie und, sagen wir mal für uns selbst – vor allem eine Komödie – was in anderen Literaturen kaum zu finden ist, wenn wir die Gesamtheit aller anderen genannten Bedingungen akzeptieren. Als Gemälde ist es zweifellos riesig. Ihre Leinwand fängt einen langen Zeitraum des russischen Lebens ein – von Katharina bis Kaiser Nikolaus. Die Gruppe von zwanzig Gesichtern spiegelte wie ein Lichtstrahl in einem Wassertropfen das gesamte ehemalige Moskau, seine Gestaltung, seinen damaligen Geist, seinen historischen Moment und seine Moral wider. Und das mit einer solchen künstlerischen, objektiven Vollständigkeit und Sicherheit, dass es in unserem Land nur Puschkin und Gogol gab.

In einem Bild, in dem es keinen einzigen blassen Fleck, keinen einzigen fremden Strich oder Ton gibt,- Der Betrachter und der Leser fühlen sich auch jetzt, in unserer Zeit, unter lebenden Menschen. Sowohl das Allgemeine als auch die Details, all dies ist nicht komponiert, sondern vollständig aus Moskauer Wohnzimmern übernommen und auf das Buch und auf die Bühne übertragen, mit mit all der Wärme und mit all dem „besonderen Eindruck“ „Moskau“ – von Famusov über die kleinen Details bis hin zu Fürst Tugoukhovsky und dem Lakaien Petruschka, ohne den das Bild nicht vollständig wäre.

Allerdings handelt es sich für uns noch nicht um ein vollständig abgeschlossenes Geschichtsbild: Wir haben uns nicht so weit von der Epoche entfernt, dass zwischen ihr und unserer Zeit ein unüberwindbarer Abgrund liegen würde. Die Färbung wurde überhaupt nicht geglättet; Das Jahrhundert hat sich nicht wie ein abgeschnittenes Stück von unserem getrennt: Wir haben etwas von dort geerbt, obwohl sich die Famusovs, Molchalins, Zagoretskys usw. so verändert haben, dass sie nicht mehr in die Haut von Griboyedovs Typen passen. Die harten Züge sind natürlich überholt: Kein Famusov wird Maxim Petrowitsch jetzt einladen, ein Narr zu werden und ein Beispiel zu geben, zumindest so positiv und deutlich, dass Molchalin, selbst vor der Magd, heimlich jetzt nicht die Gebote bekennt dass sein Vater ihm vermachte; Ein solcher Skalozub, ein solcher Zagoretsky sind selbst in einem fernen Outback unmöglich. Aber solange es einen Wunsch nach Ehre abgesehen von Verdiensten gibt, solange es Herren und Jäger gibt, die zufrieden sind und „Belohnungen annehmen und glücklich leben“, solange werden Klatsch, Müßiggang und Leere nicht als Laster, sondern als solche vorherrschen Elemente des gesellschaftlichen Lebens – solange natürlich die Merkmale der Famusovs, Molchalins und anderer in der modernen Gesellschaft aufblitzen, besteht keine Notwendigkeit, dass dieser „besondere Abdruck“, auf den Famusov stolz war, aus Moskau selbst gelöscht wird.

Universelle menschliche Modelle bleiben natürlich immer bestehen, auch wenn sie sich aufgrund vorübergehender Veränderungen in unkenntliche Typen verwandeln, so dass Künstler manchmal nach längerer Zeit die Grundzüge der Moral und der menschlichen Natur im Allgemeinen aktualisieren müssen, um die alten zu ersetzen tauchten einst in Bildern auf und bekleideten sie im Geiste ihrer Zeit mit neuem Fleisch und Blut

Dies ist insbesondere auf Gribojedows Komödie zurückzuführen. Darin ist das lokale Kolorit zu grell und die Bezeichnung der Charaktere selbst so streng abgegrenzt und mit einer solchen Detailrealität versehen, dass allgemeine menschliche Züge unter gesellschaftlichen Stellungen, Rängen, Kostümen usw. kaum hervortreten können.

Chatsky selbst wettert gegen das „vergangene Jahrhundert“, als die Komödie geschrieben wurde, und zwar zwischen 1815 und 1820.

oder:

sagt er zu Famusov

Von dem Lokalkolorit ist daher nur noch wenig übrig geblieben: Rangleidenschaft, Speichelleckerei, Leere. Aber mit einigen Reformen können sich die Reihen entfernen, Speichelleckerei im Ausmaß von Molchalinskys Lakaien versteckt sich bereits in der Dunkelheit, und die Poesie der Früchte ist einer strengen und rationalen Richtung in militärischen Angelegenheiten gewichen.

Aber es gibt immer noch einige lebendige Spuren, und sie verhindern immer noch, dass sich das Gemälde in ein vollendetes historisches Flachrelief verwandelt. Diese Zukunft liegt noch weit vor ihr.

Salz, ein Epigramm, eine Satire, dieser umgangssprachliche Vers scheint niemals zu sterben, genau wie der darin verstreute scharfe und ätzende, lebendige russische Geist, den Gribojedow wie eine Art Zauberergeist in seinem Schloss eingesperrt hat, und so weiter Da bröckelt ein böses Lachen. Es ist unmöglich, sich vorzustellen, dass jemals eine andere, natürlichere, einfachere, mehr dem Leben entnommene Sprache erscheinen könnte. Prosa und Vers sind hier zu etwas Untrennbarem verschmolzen, so scheint es, so dass es einfacher wäre, sie im Gedächtnis zu behalten und all die Intelligenz, den Humor, die Witze und den Zorn des russischen Geistes und der russischen Sprache, die der Autor gesammelt hat, wieder in Umlauf zu bringen. Diese Sprache wurde dem Autor auf die gleiche Weise gegeben wie einer Gruppe dieser Individuen, wie die Hauptbedeutung der Komödie gegeben wurde, wie alles zusammengegeben wurde, als ob es auf einmal ausströmte, und alles eine außergewöhnliche Komödie bildete - sowohl im engeren Sinne, wie ein Bühnenstück, als auch im weiteren Sinne, wie eine Komödie. Es konnte nichts anderes als eine Komödie sein

Lassen wir die beiden Hauptaspekte des Stücks, die so klar für sich sprechen und daher die meisten Bewunderer haben, nämlich das Bild der Epoche, mit einer Gruppe lebender Porträts und dem Salz der Sprache, – lassen wir uns Wenden wir uns zunächst der Komödie als Bühnenstück zu, dann als Komödie im Allgemeinen, ihrer allgemeinen Bedeutung, ihrem Hauptgrund in sozialer und literarischer Bedeutung, und schließlich sprechen wir über ihre Aufführung auf der Bühne.

Wir sind seit langem daran gewöhnt zu sagen, dass es keine Bewegung gibt, das heißt, es gibt keine Handlung im Stück. Wie kann es sein, dass es keine Bewegung gibt? Es gibt – lebendig, ununterbrochen, von Chatskys erstem Auftritt auf der Sienna bis zu seinem letzten Wort: „Kutsche für mich, Kutsche!“

Dies ist eine subtile, intelligente, elegante und leidenschaftliche Komödie im engeren, technischen Sinne, die in kleinen psychologischen Details wahr ist, für den Zuschauer jedoch schwer fassbar ist, weil sie durch die typischen Gesichter der Helden, die raffinierte Zeichnung und die Farbe der Figuren verdeckt wird Ort, die Epoche, der Charme der Sprache, alle poetischen Kräfte, die im Stück so reichlich verbreitet sind. Die Handlung, also die eigentliche Intrige darin, wirkt vor diesen kapitalen Aspekten blass, überflüssig, fast unnötig.

Erst beim Herumfahren im Eingangsbereich scheint der Zuschauer von der unerwarteten Katastrophe, die zwischen den Hauptfiguren ausgebrochen ist, zu erwachen und sich plötzlich an die komödiantische Intrige zu erinnern. Aber auch dann nicht mehr lange. Die enorme, wahre Bedeutung der Komödie wächst bereits vor ihm.

Die Zukunft wird dies würdig zu schätzen wissen

Komödie und platzierte sie unter den ersten

Volkskreationen.

A. Bestuschew

Komödie „Woe from Wit“

und ein Bild der Moral und eine Galerie der Lebenden

Typen und immer scharfe, brennende Satire,

und gleichzeitig eine Komödie...

I. A. Goncharov

Fast ein halbes Jahrhundert nachdem A. S. Griboyedov seine große Komödie „Woe from Wit“ schuf, kehrte 1872 der talentierteste russische Schriftsteller, Autor der berühmten Romane „Eine gewöhnliche Geschichte“, „Oblomov“ und „Cliff“, aus dem Stück zurück. Woe from Wit“ schrieb Notizen zu dieser Komödie, aus denen dann der Artikel „A Million Torments“ entstand – das beste Werk der kritischen Literatur über Gribojedows Meisterwerk.

Goncharov beginnt den Artikel mit einer sehr kühnen Aussage, dass „Woe from Wit“ im Gegensatz zu den größten literarischen Werken (er nennt Puschkins „Eugen Onegin“ und Lermontovs „Held unserer Zeit“) niemals altern und nicht einfach nur ein literarisches Werk werden wird Denkmal, wenn auch ein brillantes: „„Woe from Wit“ erschien vor Onegin, Petschorin, überlebte sie, überstand die Gogol-Zeit unbeschadet, lebte diese ein halbes Jahrhundert seit seiner Entstehung und alles lebt sein unvergängliches Leben, wird viele überleben mehr Epochen und alles wird seine Vitalität nicht verlieren.“

Warum? Goncharov beantwortet diese Frage ausführlich und beweist, dass die unvergängliche Jugend der Komödie durch ihre Treue zur Wahrheit des Lebens erklärt wird: ein wahrheitsgetreues Bild der Moral des Moskauer Adels nach dem Krieg von 1812, die Vitalität und psychologische Wahrheit der Charaktere, die Entdeckung von Chatsky als einem neuen Helden der Ära (vor Gris-Boedov gab es in der Literatur keine derartigen Charaktere), in der innovativen Sprache der Komödie. Er betont die Typizität der von Gribojedow geschaffenen Bilder des russischen Lebens und seiner Helden, das Ausmaß der Handlung, obwohl sie nur einen Tag dauert. Die Komödienleinwand fängt einen langen historischen Zeitraum ein – von Katharina II. bis Nikolaus I., und der Betrachter und Leser hat auch ein halbes Jahrhundert später das Gefühl, unter lebenden Menschen zu sein, so wahrhaftig sind die von Gribojedow geschaffenen Charaktere. Ja, in dieser Zeit haben sich die Famusovs, die Molchalins, die Skalozubs, die Zagoretskys verändert: Jetzt wird kein Famusov Maxim Petrowitsch als Vorbild geben, kein Molchalin wird zugeben, welche Gebote seines Vaters er gehorsam erfüllt usw. Aber vorerst da wird der Wunsch bestehen, unverdiente Ehrungen zu erhalten, „Auszeichnungen entgegenzunehmen und glücklich zu leben“, solange es Menschen gibt, für die es selbstverständlich erscheint, „es nicht zu wagen, eine eigene Meinung zu haben“, während Klatsch, Müßiggang, Leere vorherrschen und Dies wird von der Gesellschaft nicht verurteilt, Gribojedows Helden werden nicht altern, nicht der Vergangenheit angehören.

„Chatsky ist vor allem ein Aufdecker von Lügen und allem, was überholt ist, was neues Leben übertönt.“ Im Gegensatz zu Onegin und Petschorin weiß er, was er will und gibt nicht auf. Er erleidet eine vorübergehende – aber nur vorübergehende – Niederlage. „Chatsky ist von der Menge der alten Macht gebrochen, nachdem er ihr wiederum mit der Qualität der neuen Macht einen tödlichen Schlag versetzt hat. Er ist der ewige Ankläger der Lügen, die im Sprichwort verborgen sind: „Allein auf dem Feld ist kein Krieger.“ Nein, ein Krieger, wenn er Chatsky ist, und zwar ein Sieger, aber ein fortgeschrittener Krieger, ein Scharmützler und immer ein Opfer.“

Darüber hinaus zieht Goncharov die wichtigste Schlussfolgerung über Chatskys Typizität: „Chatsky ist bei jedem Wandel von einem Jahrhundert zum anderen unvermeidlich.“ Und wenn Sie den Artikel lesen, verstehen Sie: Chatsky mag zu verschiedenen Zeiten anders aussehen, anders sprechen, aber sein unkontrollierbarer Impuls, sein leidenschaftlicher Wunsch nach Wahrheit, Ehrlichkeit und Selbstlosigkeit machen ihn zu einem Zeitgenossen und Verbündeten des fortgeschrittenen Teils aller Generationen. Material von der Website

Der Autor erklärt ausführlich die Charaktere und die Psychologie der anderen Helden der Komödie: Famusov, Sophia, Molchalin, und seine Argumente sind sehr überzeugend. Goncharov, ein Kenner menschlicher Charaktere, schätzt das Talent des Psychologen Gribojedow sehr hoch ein. Das brillante Talent Gribojedows als Dramatiker zeigte sich laut Goncharov in der Art und Weise, wie er es schaffte, die wichtigsten gesellschaftlichen Themen seiner Zeit in dem Werk anzusprechen, die Komödie nicht „auszutrocknen“ und nicht schwerfällig zu machen. Die Satire in „Woe from Wit“ wird sehr natürlich wahrgenommen, ohne weder komische noch tragische Motive zu übertönen. Alles ist wie im Leben: Die Famusovs, die Silencers und die Skalozubs sind lustig, aber auch gruselig; die kluge Sophia selbst begann zu klatschen und erklärte Chatsky für verrückt; der einst würdige Mann Platon Michailowitsch ist vulgär geworden; Repetilov und Zagoretsky werden als Nichtigkeiten in die Gesellschaft aufgenommen.

Goncharov schätzt nicht weniger die Beherrschung der Sprache von „Woe from Wit“ und sieht in der Sprache einen der Hauptgründe für die Popularität der Komödie. Seinen Worten zufolge „verstreute das Publikum das ganze Salz und die ganze Weisheit des Stücks in die umgangssprachliche Sprache ... und würzte das Gespräch mit Gribojedows Sprüchen so sehr, dass es die Komödie buchstäblich bis zur Sättigung erschöpfte.“ Aber nachdem sie vom Buch zur Live-Rede übergegangen war, wurde die Komödie den Lesern noch lieber, so genau, weise und überzeugend waren Gribojedows „geflügelte Ausdrücke“, so natürlich waren die Sprachmerkmale der Helden, sehr vielfältig, aber immer wahrheitsgetreu und entschlossen durch die Psychologie der Helden und ihren sozialen Status.

Goncharov gab „Ich brenne vor Witz“ zu Recht eine sehr hohe Bewertung ab und identifizierte (und die Zeit hat dies bestätigt!) seinen Platz in der Geschichte der russischen Literatur richtig und sagte seine Unsterblichkeit genau voraus.

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Artikel Goncharova Trauer aus dem Kopf
Belinsky und Goncharov über die Komödie Woe from Wit
Goncharov über die Sprache der Komödie Woe from Wit
Goncharov las über die Komödie Woe from Wit
I. Goncharov glaubt, dass Chatsky für Gribojedow ist -

Iwan Gontscharow

„Eine Million Qualen“

(Kritische Studie)

Wehe vom Verstand Griboedova.- Monakhovs Wohltätigkeit, November 1871

Wie man aussieht und aussieht (sagt er),
Dieses Jahrhundert und dieses Jahrhundert Vergangenheit,
Die Legende ist frisch, aber kaum zu glauben –

Und über seine Zeit äußert er sich so:

Jetzt jeder atmet freier,-

Ausgeschimpft dein für immer bin ich gnadenlos, -

Ich würde gerne dienen, aber es macht mich krank, zu dienen,

Er deutet sich selbst an. Von „sehnsüchtiger Faulheit, müßiger Langeweile“ und noch weniger von „zärtlicher Leidenschaft“ als Wissenschaft und Beschäftigung ist keine Rede. Er liebt es ernsthaft und sieht Sophia als seine zukünftige Frau.

In der Zwischenzeit musste Chatsky den bitteren Kelch bis auf den Grund austrinken – er fand bei niemandem „lebendiges Mitgefühl“ und ging und nahm nur „eine Million Qualen“ mit sich. Weder Onegin noch Petchorin hätten im Allgemeinen so dumm gehandelt, insbesondere in Bezug auf Liebe und Heiratsvermittlung. Aber sie sind bereits blass geworden und haben sich für uns in Steinstatuen verwandelt, und Chatsky bleibt und wird für seine „Dummheit“ immer am Leben bleiben. Der Leser erinnert sich natürlich an alles, was Chatsky getan hat. Lassen Sie uns den Verlauf des Stücks ein wenig nachzeichnen und versuchen, daraus das dramatische Interesse der Komödie hervorzuheben, die Bewegung, die sich durch das gesamte Stück zieht, wie ein unsichtbarer, aber lebendiger Faden, der alle Teile und Gesichter der Komödie miteinander verbindet. Chatsky rennt direkt aus der Kutsche zu Sophia, ohne bei ihm vorbeizuschauen, küsst ihr leidenschaftlich die Hand, schaut ihr in die Augen, freut sich über das Date, hofft, eine Antwort auf sein altes Gefühl zu finden – und findet sie nicht. Ihm fielen zwei Veränderungen auf: Sie wurde ungewöhnlich hübscher und kühlte sich ihm gegenüber ab – ebenfalls ungewöhnlich. Das verwirrte ihn, verärgerte ihn und irritierte ihn ein wenig. Vergeblich versucht er, das Salz des Humors in sein Gespräch zu streuen, teils spielt er mit seiner Stärke, die Sophia natürlich früher gefiel, als sie ihn liebte – teils unter dem Einfluss von Ärger und Enttäuschung. Jeder versteht es, er hat alle durchgemacht – von Sophias Vater bis Molchalin – und mit welchen treffenden Zügen er Moskau zeichnet – und wie viele dieser Gedichte sind in lebendige Sprache übergegangen! Doch alles ist umsonst: zarte Erinnerungen, Witze – nichts hilft. Er erleidet nichts als Kälte von ihr, bis er Molchalin ätzend berührte und sie auch berührte. Sie fragt ihn bereits mit versteckter Wut, ob er nicht zufällig „gute Dinge über jemanden gesagt hat“, und verschwindet am Eingang ihres Vaters, indem sie Chatsky fast mit dem Kopf an diesen verrät, das heißt, ihn zum Helden des erzählten Traums erklärt schon sein Vater. Von diesem Moment an kam es zu einem heißen Duell zwischen ihr und Chatsky, der lebhaftesten Handlung, einer Komödie im engeren Sinne, in der zwei Personen, Molchalin und Lisa, eine enge Rolle spielen. Jeder Schritt von Chatsky, fast jedes Wort im Stück ist eng mit dem Spiel seiner Gefühle für Sophia verbunden, irritiert von einer Art Lüge in ihren Handlungen, die er bis zum Schluss nur schwer enträtseln kann. Sein ganzer Geist und seine ganze Kraft stecken in diesem Kampf: Er diente als Motiv, als Grund zur Verärgerung für die „Millionen von Qualen“, unter deren Einfluss er nur die ihm von Gribojedow angedeutete Rolle spielen konnte, eine Rolle von viel größerer, höherer Bedeutung als die erfolglose Liebe, kurz gesagt, die Rolle, für die die ganze Komödie geboren wurde. Chatsky bemerkt Famusov kaum, beantwortet kalt und geistesabwesend seine Frage: „Wo warst du?“ „Interessiert es mich jetzt?“ - sagt er und verspricht, wiederzukommen, geht und sagt aus dem, was ihn beschäftigt:

Wie Sofja Pawlowna für Sie hübscher geworden ist!

Bei seinem zweiten Besuch beginnt er das Gespräch erneut über Sofja Pawlowna: „Ist sie nicht krank? War sie traurig? - und er ist von dem Gefühl ihrer blühenden Schönheit und ihrer Kälte ihm gegenüber so überwältigt und angespornt, dass er auf die Frage seines Vaters, ob er sie heiraten will, geistesabwesend fragt: „Was willst du?“ Und dann fügt er gleichgültig, nur aus Anstand, hinzu:

Lass mich dich umwerben, was würdest du mir sagen?

Und fast ohne auf die Antwort zu hören, äußert er sich träge zum Ratschlag „dienen“:

Ich würde gerne dienen, aber bedient zu werden ist widerlich!

Er kam nach Moskau und nach Famusov, offensichtlich für Sophia und nur für Sophia. Er kümmert sich nicht um andere; Auch jetzt noch ärgert es ihn, dass er statt ihr nur Famusov vorfand. „Wie konnte sie nicht hier sein?“ - fragt er sich und erinnert sich an seine frühere Jugendliebe, die in ihm „weder Distanz, noch Unterhaltung, noch Ortswechsel abkühlte“ – und wird von ihrer Kälte gequält. Er ist gelangweilt und unterhält sich mit Famusov – und erst Famusovs positive Herausforderung zu einem Streit bringt Chatsky aus seiner Konzentration.

Das war’s, ihr seid alle stolz:

Famusov spricht und zeichnet dann ein so grobes und hässliches Bild der Unterwürfigkeit, dass Chatsky es nicht ertragen konnte und seinerseits eine Parallele zwischen dem „vergangenen“ Jahrhundert und dem „gegenwärtigen“ Jahrhundert zog.

Doch seine Verärgerung hält sich noch in Grenzen: Er scheint sich zu schämen, dass er beschlossen hat, Famusov von seinen Konzepten abzubringen; Er beeilt sich, einzufügen, dass „er nicht über seinen Onkel spricht“, den Famusov als Beispiel anführte, und fordert diesen sogar auf, über sein Alter zu schimpfen; schließlich versucht er auf jede erdenkliche Weise, das Gespräch zu vertuschen, da er sieht, wie Famusov gedeckt hat seine Ohren, er beruhigt ihn, entschuldigt sich fast.

Es ist nicht mein Wunsch, die Debatte fortzusetzen,

Er sagt. Er ist bereit, wieder in sich selbst einzutreten. Doch er wird durch Famusovs unerwarteten Hinweis auf ein Gerücht über Skalozubs Heiratsvermittlung geweckt.

Es ist, als würde er Sofjuschka heiraten ... usw.

Chatsky spitzte die Ohren.

Wie viel Aufhebens er macht, was für eine Beweglichkeit!

„Und Sophia? Gibt es hier nicht wirklich einen Bräutigam?“ - sagt er, und obwohl er dann hinzufügt:

Ah - sag der Liebe das Ende,
Wer wird für drei Jahre weggehen! —

Aber er selbst glaubt noch immer nicht daran, dem Beispiel aller Liebenden folgend, bis sich dieser Liebesaxiom bis zum Ende auf ihn auswirkt.

Famusov bestätigt seinen Hinweis auf Skalozubs Heirat, drängt diesem den Gedanken an „die Frau des Generals“ auf und lädt ihn fast offensichtlich zu einer Partnervermittlung ein. Diese Hinweise auf die Ehe weckten bei Chatsky Zweifel an den Gründen für Sophias Veränderung ihm gegenüber. Er stimmte sogar Famusovs Bitte zu, „falsche Ideen“ aufzugeben und vor dem Gast zu schweigen. Aber die Verärgerung nahm bereits zu, und er mischte sich in das Gespräch ein, bis er beiläufig war und dann, verärgert über Famusovs unbeholfenes Lob seiner Intelligenz usw., seinen Ton erhöhte und sich mit einem scharfen Monolog entschloss: „Wer sind die Richter?“ usw. Hier beginnt ein weiterer Kampf, ein wichtiger und ernster, ein ganzer Kampf. Hier erklingt in wenigen Worten das Hauptmotiv, wie in einer Opernouvertüre, und der wahre Sinn und Zweck der Komödie wird angedeutet. Sowohl Famusov als auch Chatsky warfen sich gegenseitig den Fehdehandschuh hin:

Wenn wir nur sehen könnten, was unsere Väter getan haben
Sie sollten lernen, indem Sie auf Ihre Ältesten schauen! —

Der militärische Schrei von Famusov war zu hören. Wer sind diese Ältesten und „Richter“?

Für die Altersschwäche der Jahre
Ihre Feindschaft gegenüber einem freien Leben ist unversöhnlich, -

Chatsky antwortet und führt aus -

Die gemeinsten Merkmale des vergangenen Lebens.

Es bildeten sich zwei Lager, einerseits ein ganzes Lager der Famusovs und aller Brüder von „Vätern und Ältesten“, andererseits ein leidenschaftlicher und tapferer Kämpfer, „der Feind der Suche“. Dies ist ein Kampf um Leben und Tod, ein Kampf ums Dasein, wie die neuesten Naturforscher die natürliche Generationenfolge in der Tierwelt definieren. Famusov möchte ein „Ass“ sein – „von Silber und Gold essen, in einem Zug fahren, voller Orden, reich sein und Kinder reich sehen, in Rängen, in Orden und mit einem Schlüssel“ – und so weiter endlos und so weiter Dies nur deshalb, weil er Papiere unterschreibt, ohne sie zu lesen, und Angst vor einer Sache hat, „damit sich nicht viele davon ansammeln“. Chatsky strebt nach einem „freien Leben“, „dem Streben nach Wissenschaft und Kunst nach“ und fordert „Dienst an der Sache, nicht an Einzelpersonen“ usw. Auf wessen Seite steht der Sieg? Komödie gibt es nur bei Chatsky „Eine Million Qualen“ und lässt Famusov und seine Brüder offenbar in der gleichen Lage wie zuvor, ohne etwas über die Folgen des Kampfes zu sagen. Diese Konsequenzen kennen wir mittlerweile. Sie wurden mit dem Erscheinen der Komödie, noch im Manuskript, ans Licht gebracht – und wie eine Epidemie erfasste ganz Russland. In der Zwischenzeit nimmt die Intrige der Liebe ihren Lauf, korrekt, mit subtiler psychologischer Treue, die dem Autor in jedem anderen Stück ohne andere kolossale Gribojedow-Schönheiten einen Namen machen könnte. Sophias Ohnmacht, als Molchalin vom Pferd fiel, ihr so nachlässig ausgedrücktes Mitgefühl für ihn, Chatskys neue Sarkasmen über Molchalin – all das erschwerte die Handlung und bildete den Hauptpunkt, der in den Gedichten Handlung genannt wurde. Hier konzentrierte sich das dramatische Interesse. Chatsky hätte fast die Wahrheit erraten.

Verwirrung, Ohnmacht, Eile, Wut oder Schrecken!
(anlässlich des Sturzes Molchalins vom Pferd) -
Das alles kann man spüren
Wenn du deinen einzigen Freund verlierst,

Sagt er und geht voller Aufregung, voller Misstrauen gegenüber den beiden Rivalen.

Im dritten Akt begibt er sich vor allen anderen zum Ball, mit dem Ziel, Sophia „zu einem Geständnis zu zwingen“ – und geht mit zitternder Ungeduld direkt zur Sache mit der Frage: „Wen liebt sie?“ Nach einer ausweichenden Antwort gibt sie zu, dass sie seine „Anderen“ bevorzuge. Es scheint klar. Er sieht das selbst und sagt sogar:

Und was will ich, wenn alles entschieden ist?
Für mich ist es eine Schlinge, aber für sie ist es lustig!

Allerdings steigt er, wie alle Liebenden, trotz seiner „Intelligenz“ ein und wird angesichts ihrer Gleichgültigkeit bereits schwächer. Er wirft eine Waffe, die gegen einen glücklichen Gegner nutzlos ist – einen direkten Angriff auf ihn – und lässt sich dazu herab, so zu tun.

Einmal in meinem Leben werde ich so tun, als

Er beschließt, „das Rätsel zu lösen“, tatsächlich aber Sophia festzuhalten, als sie auf den neuen Pfeil zustürzte, der auf Molchalin abgefeuert wurde. Das ist kein Vorwand, sondern ein Zugeständnis, mit dem er um etwas betteln will, um das man nicht erbetteln kann – Liebe, wenn es keine gibt. In seiner Rede sind bereits ein flehender Ton, sanfte Vorwürfe, Beschwerden zu hören:

Aber hat er diese Leidenschaft, dieses Gefühl, diese Begeisterung ...
Damit er außer dir die ganze Welt hat
Kam es Ihnen wie Staub und Eitelkeit vor?
Damit jeder Herzschlag
Die Liebe beschleunigte sich auf dich zu... -

Er sagt – und schließlich:

Um mich gegenüber dem Verlust gleichgültiger zu machen,
Als Mensch – Du, der mit Dir aufgewachsen ist,
Als dein Freund, als dein Bruder,
Lass mich sicherstellen...

Das sind schon Tränen. Er berührt ernste Gefühlsstränge –

Ich kann mich vor Wahnsinn hüten
Ich werde weggehen, um mich zu erkälten, mich zu erkälten ... -

Er kommt zu dem Schluss. Dann blieb mir nur noch, auf die Knie zu fallen und zu schluchzen. Die Überreste seines Geistes bewahren ihn vor nutzloser Demütigung.

Eine solch meisterhafte Szene, ausgedrückt in solchen Versen, wird in kaum einem anderen dramatischen Werk dargestellt. Es ist unmöglich, ein Gefühl edler und nüchterner auszudrücken, wie es von Chatsky ausgedrückt wurde, es ist unmöglich, sich subtiler und anmutiger aus einer Falle zu befreien, wie Sofja Pawlowna sich selbst befreit. Nur Puschkins Szenen mit Onegin und Tatjana ähneln diesen subtilen Merkmalen intelligenter Naturen. Sophia schaffte es, Chatskys neuen Verdacht vollständig loszuwerden, aber sie selbst ließ sich von ihrer Liebe zu Molchalin mitreißen und ruinierte fast die ganze Sache, indem sie ihre Liebe fast offen zum Ausdruck brachte. Auf Chatskys Frage:

Warum haben Sie ihn (Molchalin) so kurz kennengelernt?

- Sie antwortet:

Ich habe es nicht versucht! Gott hat uns zusammengebracht.

Das reicht aus, um Blinden die Augen zu öffnen. Aber Molchalin selbst rettete sie, das heißt seine Bedeutungslosigkeit. In ihrer Begeisterung beeilte sie sich, sein Ganzkörperporträt zu zeichnen, vielleicht in der Hoffnung, nicht nur sich selbst, sondern auch andere, sogar Chatsky, mit dieser Liebe zu versöhnen, ohne zu bemerken, wie vulgär das Porträt ausfiel:

Schauen Sie, er hat die Freundschaft aller im Haus gewonnen.
Dient drei Jahre lang dem Priester;
Er ist oft sinnlos wütend,
Und er wird ihn mit Schweigen entwaffnen,
Aus der Güte seiner Seele wird er vergeben.
Und nebenbei,
Ich könnte nach Spaß suchen, -
Überhaupt nicht, die alten Leute werden die Schwelle nicht überschreiten!
Wir toben und lachen;
Er wird den ganzen Tag bei ihnen sitzen, ob er glücklich ist oder nicht,
Spielen...

Weiter:

Von wunderbarster Qualität...
Er ist schließlich: gefügig, bescheiden, ruhig,
Und in meiner Seele gibt es kein Unrecht;
Er schneidet Fremde nicht wahllos ab...
Deshalb liebe ich ihn!

Chatskys Zweifel wurden zerstreut:

Sie respektiert ihn nicht!
Er ist ungezogen, sie liebt ihn nicht.
Er ist ihr völlig egal! —

Er tröstet sich mit jedem ihrer Loblieder auf Molchalin und greift dann nach Skalozub. Aber ihre Antwort, dass er „nicht der Held ihres Romans“ sei, zerstreute auch diese Zweifel. Er verlässt sie ohne Eifersucht, sondern in Gedanken und sagt:

Wer wird dich entwirren!

Er selbst glaubte nicht an die Möglichkeit solcher Rivalen, aber jetzt ist er davon überzeugt. Doch seine Hoffnungen auf Gegenseitigkeit, die ihn bis dahin leidenschaftlich beunruhigt hatten, wurden völlig erschüttert, vor allem, als sie unter dem Vorwand, dass „die Zange kalt werden würde“, nicht zustimmte, bei ihm zu bleiben, und ihn dann darum bat, ihn zu lassen Als sie in ihr Zimmer kam und Molchalin erneut angegriffen hatte, entwischte sie ihm und schloss sich ein. Er hatte das Gefühl, dass das Hauptziel, nach Moskau zurückzukehren, ihn verraten hatte, und verließ Sophia traurig. Er, wie er später im Eingangsbereich gesteht, vermutete von diesem Moment an nur noch ihre Kälte gegenüber allem – und nach dieser Szene wurde die Ohnmacht selbst nicht wie zuvor „einem Zeichen lebendiger Leidenschaften“ zugeschrieben, sondern „einer Laune von …“. verdorbene Nerven.“ Seine nächste Szene mit Molchalin, die dessen Charakter vollständig beschreibt, bestätigt Chatsky definitiv, dass Sophia diesen Rivalen nicht liebt.

Der Lügner hat mich ausgelacht! —

Er bemerkt es und lernt neue Gesichter kennen.

Die Komödie zwischen ihm und Sophia endete; Der brennende Ärger der Eifersucht ließ nach und die Kälte der Hoffnungslosigkeit drang in seine Seele. Alles, was er tun musste, war zu gehen; Doch eine weitere, lebhafte, lebhafte Komödie dringt auf die Bühne, es eröffnen sich gleich mehrere neue Perspektiven des Moskauer Lebens, die nicht nur Chatskys Intrige aus dem Gedächtnis des Zuschauers verdrängen, sondern Chatsky selbst scheint sie zu vergessen und steht der Menge im Weg. Neue Gesichter gruppieren sich um ihn und spielen, jedes in seiner eigenen Rolle. Dies ist ein Ball mit der ganzen Moskauer Atmosphäre, mit einer Reihe von Live-Bühnenskizzen, in denen jede Gruppe ihre eigene Komödie kreiert, mit einem vollständigen Überblick über die Charaktere, die es geschafft haben, sich in wenigen Worten zu einer vollständigen Handlung zu entwickeln . Spielen die Gorichevs nicht eine komplette Komödie? Dieser Ehemann, der vor kurzem noch ein kräftiger und lebhafter Mann war, ist jetzt im Moskauer Leben erniedrigt, wie in ein Gewand gekleidet, ein Gentleman, „ein Knaben-Ehemann, ein Diener-Ehemann, das Ideal der Moskauer Ehemänner“, so Chatsky treffende Definition: - unter den Schuhen einer süßen, niedlichen, weltlichen Frau, einer Moskauer Dame? Und diese sechs Prinzessinnen und die Gräfin-Enkelin – dieses ganze Kontingent von Bräuten, „die laut Famusov wissen, wie man sich mit Taft, Ringelblume und Dunst kleidet“, „die Spitzennoten singt und sich an Militärs klammert“? Diese Khlestova, ein Überbleibsel aus Katharinas Jahrhundert, mit einem Mops, mit einem Schwarzmoormädchen – diese Prinzessin und Prinz Peter Iljitsch – ohne ein Wort, aber so eine sprechende Ruine der Vergangenheit; Zagoretsky, ein offensichtlicher Betrüger, der aus dem Gefängnis in die besten Wohnzimmer entkommt und sich mit Unterwürfigkeit auszahlt, wie Hundedurchfall – und diese N.N. und all ihr Gerede und all der Inhalt, der sie beschäftigt! Der Zustrom dieser Gesichter ist so groß, ihre Porträts sind so lebendig, dass der Betrachter von der Intrige kalt wird und keine Zeit hat, diese schnellen Skizzen neuer Gesichter einzufangen und ihrem ursprünglichen Gespräch zuzuhören. Chatsky steht nicht mehr auf der Bühne. Aber bevor er ging, gab er der Hauptkomödie reichlich Nahrung, die im ersten Akt mit Famusov und dann mit Molchalin begann – diesem Kampf mit ganz Moskau, in den er dann nach den Zielen des Autors kam. In kurzen, sogar sofortigen Treffen mit alten Bekannten gelang es ihm, alle mit ätzenden Bemerkungen und Sarkasmen gegen sich zu wappnen. Schon jetzt ist er von Kleinigkeiten aller Art angetan – und lässt seiner Zunge freien Lauf. Er verärgerte die alte Frau Khlestova, gab Gorichev einige unangemessene Ratschläge, unterbrach die Gräfin-Enkelin abrupt und beleidigte Molchalin erneut. Aber der Becher lief über. Völlig verärgert verlässt er die Hinterzimmer und geht aus alter Freundschaft in der Menschenmenge erneut zu Sophia, in der Hoffnung auf zumindest schlichtes Mitgefühl. Er vertraut ihr seinen Geisteszustand an:

Eine Million Qualen! —

Er sagt. er beschwert sich bei ihr, ohne zu ahnen, welche Verschwörung sich im feindlichen Lager gegen ihn entwickelt hat.

„Eine Million Qualen“ und „Wehe!“ - das hat er für alles geerntet, was er gesät hat. Bisher war er unbesiegbar gewesen: Sein Geist schlug gnadenlos auf die wunden Stellen seiner Feinde ein. Famusov findet nichts anderes, als sich vor seiner Logik die Ohren zuzuhalten, und antwortet mit Gemeinplätzen der alten Moral. Molchalin verstummt, die Prinzessinnen und Gräfinnen weichen von ihm zurück, verbrannt von den Nesseln seines Lachens, und seine ehemalige Freundin Sophia, die er allein verschont, verstellt sich, entgleitet ihm und versetzt ihm heimlich den Hauptschlag, indem sie ihn für „at“ erklärt Hand, beiläufig, verrückt. Er spürte seine Stärke und sprach selbstbewusst. Doch der Kampf erschöpfte ihn. Er wurde offensichtlich von diesen „Millionen Qualen“ geschwächt, und die Unordnung machte sich in ihm so deutlich bemerkbar, dass sich alle Gäste um ihn versammelten, so wie sich eine Menschenmenge um jedes Phänomen schart, das aus der gewöhnlichen Ordnung der Dinge kommt. Er ist nicht nur traurig, sondern auch gallig und wählerisch. Er sammelt wie ein Verwundeter alle seine Kräfte, fordert die Menge heraus – und schlägt jeden – aber er hat nicht genug Kraft gegen den vereinten Feind. Er verfällt in Übertreibungen, fast in einen Rederausch, und bestätigt nach Meinung der Gäste das von Sophia verbreitete Gerücht über seinen Wahnsinn. Man hört keinen scharfen, giftigen Sarkasmus mehr, in den eine richtige, eindeutige Idee, die Wahrheit, eingefügt wird, sondern eine Art bittere Klage, als handele es sich um eine persönliche Beleidigung, um eine Leere oder, wie er es ausdrückt, „unbedeutend“. Treffen mit einem Franzosen aus Bordeaux“, was er in einem normalen Geisteszustand kaum bemerkt hätte. Er hat aufgehört, sich zu beherrschen und merkt nicht einmal, dass er selbst am Ball eine Leistung erbringt. Auch er verfällt in patriotisches Pathos, geht sogar so weit zu sagen, dass er den Frack im Widerspruch zu „Vernunft und den Elementen“ halte und ärgert sich darüber, dass Madame und Mademoiselle nicht ins Russische übersetzt wurden – mit einem Wort: „il divague!“ - alle sechs Prinzessinnen und die Gräfin-Enkelin haben wahrscheinlich über ihn geschlossen. Er spürt das selbst und sagt: „In der Menschenmenge ist er verwirrt, er ist nicht er selbst!“ Er ist definitiv nicht er selbst, beginnend mit dem Monolog „über einen Franzosen aus Bordeaux“ – und bleibt es bis zum Ende des Stücks. Es liegen nur noch „Millionen von Qualen“ vor uns. Puschkin, der Chatsky seine Gedanken verweigerte, hatte wahrscheinlich vor allem die letzte Szene des 4. Akts im Sinn, die im Eingangsbereich beim Herumfahren stattfand. Natürlich hätten weder Onegin noch Petchorin, diese Dandys, das getan, was Chatsky im Eingangsbereich getan hat. Sie waren zu „in der Wissenschaft der zärtlichen Leidenschaft“ geschult, aber Chatsky zeichnet sich übrigens durch Aufrichtigkeit und Einfachheit aus, weiß nicht wie und will nicht angeben. Er ist kein Dandy, kein Löwe. Hier verrät ihn nicht nur sein Verstand, sondern auch sein gesunder Menschenverstand, sogar einfacher Anstand. Er hat solchen Unsinn gemacht! Nachdem er Repetilovs Geschwätz losgeworden war und sich im Schweizer Wagen versteckt hatte, der auf die Kutsche wartete, spionierte er Sophias Date mit Molchalin aus und spielte die Rolle des Othello, ohne das Recht dazu zu haben. Er wirft ihr vor, warum sie ihn „mit Hoffnung gelockt“ habe, warum sie nicht direkt gesagt habe, dass die Vergangenheit vergessen sei. Nicht jedes Wort hier ist wahr. Sie lockte ihn nicht mit irgendeiner Hoffnung. Sie ging nur von ihm weg, sprach kaum mit ihm, gab Gleichgültigkeit zu, nannte einen alten Kinderroman und das Verstecken in Ecken „kindisch“ und deutete sogar an, dass „Gott sie mit Molchalin zusammengebracht hat“. Und er, nur weil –

So leidenschaftlich und so niedrig
Es gab eine Verschwendung zärtlicher Worte, -

Aus Wut über seine eigene nutzlose Demütigung, über die Täuschung, die er sich freiwillig auferlegt hat, exekutiert er alle und wirft ihr ein grausames und unfaires Wort entgegen:

Mit dir bin ich stolz auf meine Trennung, -

Als es nichts zu zerreißen gab! Schließlich kommt er zum Punkt des Missbrauchs und schüttet Galle aus:

Für die Tochter und für den Vater.
Und auf den Liebhaber dumm —

Und er brodelt vor Wut über alle, „über die Peiniger der Menge, Verräter, ungeschickte Weise, listige Einfaltspinsel, finstere alte Frauen“ usw. Und er verlässt Moskau, um nach „einer Ecke für beleidigte Gefühle“ zu suchen, und bezeichnet ihn als gnadenlos Urteil und Urteil über alle!

Wenn er einen einzigen gesunden Moment gehabt hätte, wenn er nicht von „einer Million Qualen“ verbrannt worden wäre, hätte er sich natürlich die Frage gestellt: „Warum und aus welchem Grund habe ich diesen ganzen Schlamassel angerichtet?“ Und natürlich würde ich die Antwort nicht finden. Für ihn ist Gribojedow verantwortlich, der das Stück nicht ohne Grund mit dieser Katastrophe beendete. Darin brach nicht nur für Sophia, sondern auch für Famusov und alle seine Gäste Chatskys „Geist“, der im ganzen Stück wie ein Lichtstrahl funkelte, am Ende in jenen Donner aus, bei dem, wie das Sprichwort sagt, Männer werden getauft. Vor dem Donner bekreuzigte sich Sophia als Erste und blieb, bis Chatsky auftauchte, als Molchalin bereits zu ihren Füßen kroch, mit derselben bewusstlosen Sofia Pawlowna, mit denselben Lügen, in denen ihr Vater sie großzog, in denen er selbst lebte, sein ganzes Haus und sein ganzer Kreis. Nachdem sie sich noch nicht von Scham und Entsetzen erholt hat, als die Maske von Molchalin fiel, freut sie sich zunächst darüber, dass „sie nachts alles gelernt hat, dass in ihren Augen keine vorwurfsvollen Zeugen sind!“ Aber es gibt keine Zeugen, deshalb ist alles zugenäht und zugedeckt, man kann vergessen, vielleicht heiraten, Skalozub, und in die Vergangenheit schauen... Keine Möglichkeit hinzusehen. Sie wird ihren moralischen Sinn ertragen, Lisa lässt sich nicht entgehen, Molchalin traut sich nicht, ein Wort zu sagen. Und Ehemann? Aber was für ein Moskauer Ehemann, „einer der Pagen seiner Frau“, würde auf die Vergangenheit zurückblicken! Das ist ihre Moral und die Moral ihres Vaters und des gesamten Kreises. Inzwischen ist Sofya Pavlovna nicht individuell unmoralisch: Sie sündigt mit der Sünde der Unwissenheit, der Blindheit, in der alle lebten –

Das Licht bestraft keine Wahnvorstellungen,
Aber es erfordert Geheimnisse für sie!

Dieses Couplet von Puschkin drückt die allgemeine Bedeutung der konventionellen Moral aus. Sophia hat nie das Licht von ihr gesehen und hätte es ohne Chatsky aus Mangel an Zufall auch nie gesehen. Nach der Katastrophe war es von dem Moment an, als Chatsky auftauchte, nicht mehr möglich, blind zu bleiben. Seine Schiffe können nicht ignoriert, nicht mit Lügen bestochen oder besänftigt werden – das ist unmöglich. Sie kann nicht umhin, ihn zu respektieren, und er wird ihr ewiger „vorwurfsvoller Zeuge“ sein, der Richter ihrer Vergangenheit. Er öffnete ihr die Augen. Vor ihm war sie sich der Blindheit ihrer Gefühle für Molchalin nicht bewusst, und selbst als sie letzteres in der Szene mit Chatsky Faden für Faden analysierte, sah sie selbst kein Licht auf ihn. Sie bemerkte nicht, dass sie ihn selbst zu dieser Liebe aufgerufen hatte, an die er vor Angst zitternd nicht einmal zu denken wagte. Es war ihr nicht peinlich, sich nachts allein zu treffen, und sie ließ ihm in der letzten Szene sogar ihre Dankbarkeit dafür entgehen, dass er „in der Stille der Nacht ängstlicher in seinem Wesen war!“ Dass sie sich also nicht völlig und unwiderruflich hinreißen lässt, verdankt sie nicht sich selbst, sondern ihm! Schließlich, gleich zu Beginn, platzt sie vor dem Dienstmädchen noch naiver heraus.

Denken Sie nur daran, wie launisch das Glück ist,

Sie sagt, als ihr Vater Molchalin frühmorgens in ihrem Zimmer fand: „

Es kann schlimmer sein – Sie können damit durchkommen!

Und Molchalin saß die ganze Nacht in ihrem Zimmer. Was meinte sie mit „schlimmer“? Man könnte meinen, Gott weiß was: Aber Schatz, ich denke mal nach! Sofja Pawlowna ist gar nicht so schuldig, wie sie scheint. Dies ist eine Mischung aus guten Instinkten und Lügen, einem lebhaften Geist ohne jede Spur von Ideen und Überzeugungen, Konzeptverwirrung, geistiger und moralischer Blindheit – all dies hat bei ihr nicht den Charakter persönlicher Laster, sondern erscheint als allgemein Merkmale ihres Kreises. In ihrem eigenen, persönlichen Gesicht verbirgt sich etwas Eigenes im Schatten, heiß, zärtlich, sogar verträumt. Der Rest gehört der Bildung. Französische Bücher, über die sich Famusov beklagt, Klavier (auch mit Flötenbegleitung), Poesie, französische Sprache und Tanz – das galt als klassische Ausbildung einer jungen Dame. Und dann „Kusnezki Most und ewige Erneuerung“, Bälle wie dieser Ball bei ihrem Vater und diese Gesellschaft – das ist der Kreis, in dem das Leben der „jungen Dame“ endete. Frauen lernten nur das Vorstellen und Fühlen, nicht aber das Denken und Wissen. Der Gedanke schwieg, nur die Instinkte sprachen. Sie schöpften weltliche Weisheiten aus Romanen und Geschichten – und von dort aus entwickelten sich Instinkte zu hässlichen, erbärmlichen oder dummen Eigenschaften: Tagträumen, Sentimentalität, der Suche nach einem Ideal in der Liebe und manchmal Schlimmerem. In einer einschläfernden Stagnation, in einem hoffnungslosen Meer von Lügen, wurde die Mehrheit der Frauen draußen von der konventionellen Moral dominiert – und in aller Stille wimmelte das Leben, in Ermangelung gesunder und ernsthafter Interessen, überhaupt von Inhalt, von diesen Romanen Daraus entstand die „Wissenschaft der zärtlichen Leidenschaft“. Die Onegins und Petchorins sind Vertreter einer ganzen Klasse, fast einer Rasse geschickter Herren, Jeunes Premiers. Diese hochentwickelten Persönlichkeiten im gehobenen Leben – solche fanden sich auch in Werken der Literatur, wo sie von der Ritterzeit bis in unsere Zeit, bis hin zu Gogol, einen ehrenvollen Platz einnahmen. Puschkin selbst, ganz zu schweigen von Lermontow, schätzte diesen äußeren Glanz, diese Repräsentativität du bon ton, die Manieren der High Society, unter denen „Bitterkeit“, „sehnsüchtige Faulheit“ und „interessante Langeweile“ lagen. Puschkin verschonte Onegin, obwohl er seine Trägheit und Leere mit leichter Ironie berührt, aber er beschreibt bis ins kleinste Detail und mit Vergnügen den modischen Anzug, den Schmuck der Toilette, das Dandytum – und das setzt Nachlässigkeit und Unaufmerksamkeit gegenüber irgendetwas voraus, diese Fatuité, das Posieren, das die Dandys zur Schau stellten. Der Geist der späteren Zeit nahm seinem Helden und allen „Herren“ seinesgleichen die verlockenden Gewänder ab, erkannte die wahre Bedeutung dieser Herren und verdrängte sie aus dem Vordergrund. Sie waren die Helden und Anführer dieser Romane, und beide Parteien wurden vor der Heirat ausgebildet, die alle Romane fast spurlos in sich aufnahm, es sei denn, jemand begegnete einem schwachen, sentimentalen – mit einem Wort, einem Narren – und verkündete, oder der Held erwies sich als so aufrichtig „verrückt“ wie Chatsky. Aber bei Sofya Pavlovna beeilen wir uns, einen Vorbehalt zu machen, das heißt, in ihren Gefühlen für Molchalin steckt viel Aufrichtigkeit, die stark an Tatiana Puschkin erinnert. Der Unterschied zwischen ihnen liegt im „Moskauer Abdruck“, dann in der Lebhaftigkeit, der Fähigkeit, sich selbst zu beherrschen, die bei Tatjana zum Vorschein kam, als sie Onegin nach der Heirat kennenlernte, und bis dahin war sie nicht einmal in der Lage, die Liebe gegenüber dem Kindermädchen zu belügen . Aber Tatjana ist ein Landmädchen, und Sofja Pawlowna ist ein Moskauer Mädchen, so entwickelt wie es damals war. Inzwischen ist sie in ihrer Liebe ebenso bereit, sich zu verraten wie Tatjana: Beide wandern wie schlafwandelnd in kindlicher Einfachheit umher. Und Sophia beginnt wie Tatjana den Roman selbst, findet darin nichts Verwerfliches, sie weiß nicht einmal davon. Sophia wundert sich über das Lachen des Dienstmädchens, als sie erzählt, wie sie und Molchalin die ganze Nacht verbringen: „Kein freies Wort! „Und so vergeht die ganze Nacht!“ „Der Feind der Unverschämtheit, immer schüchtern, schüchtern!“ Das ist es, was sie an ihm bewundert! Es ist lustig, aber es gibt hier eine Art Beinahe-Anmut – und weit entfernt von Unmoral, es gibt keinen Grund, dass sie es verschweigen lässt: Schlimmer ist auch Naivität. Der große Unterschied besteht nicht zwischen ihr und Tatjana, sondern zwischen Onegin und Molchalin. Sophias Wahl empfiehlt sie natürlich nicht, aber auch Tatjanas Wahl war zufällig, selbst sie hatte kaum jemanden zur Auswahl. Schaut man sich Sophias Charakter und ihre Umgebung genauer an, erkennt man, dass es nicht Unmoral (aber natürlich nicht „Gott“) war, der sie mit Molchalin „zusammengebracht“ hat. Zuallererst der Wunsch, einen geliebten, armen, bescheidenen Menschen zu bevormunden, der es nicht wagt, den Blick auf sie zu richten – ihn zu sich selbst, zu seinem Kreis zu erheben, ihm Familienrechte zu geben. Ohne Zweifel genoss sie die Rolle, über ein unterwürfiges Geschöpf zu herrschen, es glücklich zu machen und einen ewigen Sklaven in ihm zu haben. Es ist nicht ihre Schuld, dass dies ein zukünftiger „Ehemann-Junge, Ehemann-Diener – das Ideal der Moskauer Ehemänner“ war! Im Haus von Famusov konnte man nirgends auf andere Ideale stoßen. Im Allgemeinen ist es schwierig, Sofja Pawlowna gegenüber unsympathisch zu sein: Sie hat starke Neigungen von bemerkenswerter Natur, einen lebhaften Geist, Leidenschaft und weibliche Weichheit. Es war ruiniert in der stickigen Atmosphäre, in die kein einziger Lichtstrahl, kein einziger frischer Luftstrom eindrang. Kein Wunder, dass Chatsky sie auch liebte. Nach ihm bittet sie, allein aus dieser ganzen Menge, um ein trauriges Gefühl, und in der Seele des Lesers gibt es nicht das gleichgültige Lachen gegen sie, mit dem er sich von anderen Menschen trennte. Sie hat es natürlich schwerer als alle anderen, sogar noch schwerer als Chatsky, und sie bekommt ihre „Millionen Qualen“. Chatskys Rolle ist eine passive Rolle: Es kann nicht anders sein. Dies ist die Rolle aller Chatskys, obwohl sie gleichzeitig immer siegreich ist. Aber sie wissen nichts von ihrem Sieg, sie säen nur, und andere ernten – und das ist ihr Hauptleid, nämlich die Hoffnungslosigkeit des Erfolgs. Natürlich hat er Pavel Afanasyevich Famusov nicht zur Besinnung gebracht, ihn nicht nüchtern gemacht oder korrigiert. Wenn Famusov bei seiner Abreise keine „vorwurfsvollen Zeugen“ gehabt hätte, also eine Menge Lakaien und einen Türsteher, hätte er seine Trauer leicht verkraftet: Er hätte seiner Tochter eine Kopfwäsche gegeben, er hätte Lisa das Ohr herausgerissen und beschleunigte die Hochzeit von Sophia mit Skalozub. Aber jetzt ist es unmöglich: Am nächsten Morgen wird es dank der Szene mit Chatsky ganz Moskau wissen – und vor allem „Prinzessin Marya Alekseevna“. Sein Frieden wird von allen Seiten gestört – und wird ihn unweigerlich dazu bringen, über etwas nachzudenken, das ihm nie in den Sinn gekommen ist. Es ist unwahrscheinlich, dass er sein Leben als „Ass“ wie die vorherigen beendet. Die von Chatsky verbreiteten Gerüchte konnten nicht anders, als den gesamten Kreis seiner Verwandten und Freunde aufzurütteln. Er selbst fand keine Waffe mehr gegen Chatskys hitzige Monologe. Alle Worte Chatskys werden sich verbreiten, überall wiederholt werden und ihren eigenen Sturm erzeugen. Molchalin kann nach der Szene im Eingangsbereich nicht mehr derselbe Molchalin bleiben. Die Maske wird abgenommen, er wird erkannt und muss sich wie ein ertappter Dieb in einer Ecke verstecken. Die Gorichevs, Zagoretskys, die Prinzessinnen – sie alle fielen unter dem Hagel seiner Schüsse, und diese Schüsse werden nicht spurlos bleiben. In diesem immer noch konsonanten Refrain werden andere Stimmen, die gestern noch kühn waren, verstummen oder andere werden gehört, sowohl dafür als auch dagegen. Der Kampf verschärfte sich gerade. Chatskys Autorität war früher als Autorität der Intelligenz, des Witzes, natürlich des Wissens und anderer Dinge bekannt. Er hat bereits Gleichgesinnte. Skalozub beschwert sich darüber, dass sein Bruder den Dienst verlassen habe, ohne seinen Rang zu erhalten, und begonnen habe, Bücher zu lesen. Eine der alten Frauen murrt, dass ihr Neffe, Prinz Fjodor, Chemie und Botanik studiert. Alles, was nötig war, war eine Explosion, ein Kampf, und er begann hartnäckig und heiß – an einem Tag in einem Haus, aber seine Folgen spiegelten sich, wie wir oben sagten, in ganz Moskau und Russland wider. Chatsky schuf eine Spaltung, und wenn er in seinen persönlichen Zielen getäuscht wurde, „den Charme von Treffen, lebendiger Teilnahme“ nicht fand, dann besprengte er selbst lebendiges Wasser auf toten Boden – und nahm „eine Million Qualen“ mit sich, die von Chatsky Dornenkrone – Qualen von allem: vom „Geist“ und noch mehr von „beleidigten Gefühlen“. Weder Onegin noch Petchorin oder andere Dandys waren für diese Rolle geeignet. Sie wussten, wie man mit der Neuheit von Ideen, aber auch mit der Neuheit eines Anzugs, eines neuen Parfüms usw. glänzt. Nachdem Onegin in die Wildnis gefahren war, überraschte er alle damit, dass er „sich nicht den Händen von Damen näherte, Rotwein in Gläsern trank, keine Schnapsgläser“ und einfach sagte: „Ja und Nein“ statt „Ja, Sir, und nein, Sir.“ Beim „Preiselbeerwasser“ zuckt er zusammen, schimpft enttäuscht über den Mond „dumm“ – und den Himmel auch. Er brachte einen neuen für einen Cent mit, und nachdem er „klug“ und nicht wie Chatsky „dumm“ in die Liebe von Lensky und Olga eingegriffen und Lensky getötet hatte, nahm er keine „Million“, sondern eine Qual für einen mit Dime! Jetzt, in unserer Zeit, würden sie Chatsky natürlich vorwerfen, warum er sein „beleidigtes Gefühl“ über öffentliche Angelegenheiten, das Gemeinwohl usw. gestellt hat und nicht in Moskau geblieben ist, um seine Rolle als Kämpfer gegen Lügen und Vorurteile fortzusetzen. seine Rolle ist höher und wichtiger als die des abgelehnten Bräutigams? Ja jetzt! Und zu dieser Zeit wäre für die Mehrheit der Begriff der öffentlichen Angelegenheiten derselbe gewesen wie für Repetilov die Rede von „der Kamera und der Jury“. Die Kritik hat einen großen Fehler begangen, als sie im Prozess gegen die berühmten Toten den historischen Punkt verließ, vorauslief und mit modernen Waffen auf sie einschlug. Lassen Sie uns ihre Fehler nicht wiederholen – und wir werden Chatsky nicht dafür verantwortlich machen, dass in seinen heißen Reden an Famusovs Gäste das Gemeinwohl nicht erwähnt wird, wenn es bereits eine solche Spaltung von der „Suche nach Orten, von den Reihen“ gibt ” als „Beschäftigung mit Wissenschaft und Kunst“ galt als „Raub und Feuer“. Die Vitalität von Chatskys Rolle liegt nicht in der Neuheit unbekannter Ideen, brillanter Hypothesen, heißer und gewagter Utopien oder gar en herber Wahrheiten: Er kennt keine Abstraktionen. Vorboten einer neuen Morgenröte, Fanatiker oder einfach Boten – all diese fortschrittlichen Kuriere der unbekannten Zukunft sind und sollen – dem natürlichen Verlauf der gesellschaftlichen Entwicklung entsprechend – erscheinen, aber ihre Rollen und Physiognomien sind unendlich vielfältig. Die Rolle und Physiognomie der Chatskys bleibt unverändert. Chatsky ist vor allem ein Aufdecker von Lügen und allem, was überholt ist, was neues Leben, „freies Leben“, übertönt. Er weiß, wofür er kämpft und was ihm dieses Leben bringen soll. Er verliert nicht den Boden unter seinen Füßen und glaubt nicht an ein Gespenst, bis er Fleisch und Blut angezogen hat, nicht von der Vernunft, der Wahrheit erfasst wurde – mit einem Wort, nicht menschlich geworden ist. Bevor er sich von einem unbekannten Ideal mitreißen lässt, vor der Verführung eines Traums, wird er nüchtern innehalten, so wie er vor der sinnlosen Leugnung von „Gesetzen, Gewissen und Glauben“ in Repetilovs Geschwätz stehengeblieben ist, und sein eigenes sagen:

Hören Sie zu, lügen Sie, aber wissen Sie, wann Sie aufhören müssen!

Er stellt seine Forderungen sehr positiv dar und formuliert sie in einem vorgefertigten Programm, das nicht von ihm, sondern von dem bereits begonnenen Jahrhundert entwickelt wurde. Mit jugendlichem Eifer vertreibt er nicht alles von der Bühne, was überlebt hat, was nach den Gesetzen der Vernunft und Gerechtigkeit, wie nach den Naturgesetzen der physischen Natur, noch zu leben bleibt, was erträglich sein kann und soll. Er verlangt Raum und Freiheit für sein Alter: Er verlangt Arbeit, will aber nicht dienen und stigmatisiert Unterwürfigkeit und Possenreißer. Er fordert „Dienst an der Sache und nicht an Einzelpersonen“, vermischt nicht „Spaß oder Albernheit mit Geschäft“ wie Molchalin; er schmachtet inmitten der leeren, müßigen Menge von „Peinigern, Verrätern, finsteren alten Frauen, streitsüchtigen alten Männern, „Sie weigern sich, sich ihrer Autorität aus Altersschwäche, Rangliebe usw. zu beugen. Er ist empört über die hässlichen Erscheinungsformen der Leibeigenschaft, des wahnsinnigen Luxus und der abscheulichen Moral von „Verschwender bei Festen und Extravaganz“ – Phänomene geistiger und moralischer Blindheit und Korruption. Sein Ideal eines „freien Lebens“ ist definitiv: Dies ist die Freiheit von all diesen unzähligen Ketten der Sklaverei, die die Gesellschaft fesseln, und dann die Freiheit – „sich auf die Wissenschaften zu konzentrieren, den wissensdurstigen Geist“ oder sich ungehindert dem „Kreativen“ hinzugeben , hohe und schöne Künste“ – Freiheit „zu dienen oder nicht zu dienen“, „im Dorf zu leben oder zu reisen“, ohne als Räuber oder Brandstifter angesehen zu werden, und – eine Reihe weiterer aufeinanderfolgender ähnlicher Schritte zur Freiheit – von Unfreiheit. Sowohl Famusov als auch andere wissen das und natürlich stimmen sie alle insgeheim mit ihm überein, aber der Kampf ums Dasein hält sie davon ab, nachzugeben. Aus Angst um sich selbst, um sein gelassenes, müßiges Dasein verschließt Famusov die Ohren und verleumdet Chatsky, als er ihm sein bescheidenes Programm des „freien Lebens“ erzählt. Übrigens -

Wer reist, wer wohnt im Dorf –

Er sagt und widerspricht entsetzt:

Ja, er erkennt die Behörden nicht an!

Er lügt also auch, weil er nichts zu sagen hat und alles, was in der Vergangenheit als Lüge gelebt hat, Lüge ist. Die alte Wahrheit wird niemals durch die neue in Verlegenheit gebracht werden – sie wird diese neue, wahrheitsgemäße und vernünftige Last auf ihre Schultern nehmen. Nur die Kranken, die Unnötigen haben Angst, den nächsten Schritt nach vorne zu machen. Chatsky wird von der Menge an alter Macht gebrochen, die ihr wiederum mit der Qualität neuer Macht einen tödlichen Schlag versetzt. Er ist der ewige Ankläger der Lügen, die im Sprichwort verborgen sind: „Allein auf dem Feld ist kein Krieger.“ Nein, ein Krieger, wenn er Chatsky ist, und zwar ein Sieger, aber ein fortgeschrittener Krieger, ein Scharmützler und immer ein Opfer. Chatsky ist bei jedem Wechsel von einem Jahrhundert zum anderen unvermeidlich. Die Position der Chatskys auf der sozialen Leiter ist unterschiedlich, aber die Rolle und das Schicksal sind alle gleich, von großen Staats- und Politikern, die das Schicksal der Massen kontrollieren, bis hin zu einem bescheidenen Anteil in einem engen Kreis. Sie alle werden von einer Sache gesteuert: Irritation aus verschiedenen Motiven. Einige, wie Gribojedows Chatsky, haben Liebe, andere haben Stolz oder Liebe zum Ruhm – aber sie alle bekommen ihren Anteil an „einer Million Qualen“, und keine hohe Position kann sie davor bewahren. Nur sehr wenige, die aufgeklärten Chatskys, erhalten die beruhigende Gewissheit, dass sie aus einem bestimmten Grund gekämpft haben – wenn auch desinteressiert, nicht für sich selbst und nicht für sich selbst, sondern für die Zukunft und für alle, und sie hatten Erfolg. Neben großen und prominenten Persönlichkeiten leben die Chatskys in scharfen Übergängen von einem Jahrhundert zum anderen und werden nicht in die Gesellschaft übertragen, sie wiederholen sich auf Schritt und Tritt, in jedem Haus, wo Alt und Jung unter einem Dach zusammenleben, wo zwei Jahrhunderte stehen sich auf engstem Raum gegenüber Familien – der Kampf zwischen den Frischen und den Veralteten, den Kranken und den Gesunden geht weiter, und alle kämpfen in Duellen, wie Horaces und Curiatia – Miniatur-Famusovs und Chatskys. Jedes Geschäft, das aktualisiert werden muss, ruft den Schatten von Chatsky hervor – und egal wer die Figuren sind, egal um welche menschliche Sache es sich handelt – sei es eine neue Idee, ein Schritt in der Wissenschaft, in der Politik, im Krieg – egal wie sich die Menschen gruppieren, sie Den beiden Hauptmotiven des Kampfes kann man sich nirgends entziehen: einerseits dem Ratschlag „Lernen Sie, indem Sie auf die Älteren schauen“, und andererseits dem Drang, immer weiter von der Routine zu einem „freien Leben“ zu streben das andere. Deshalb ist Gribojedows Tschatski und mit ihm die ganze Komödie noch nicht gealtert und wird wahrscheinlich auch nie alt werden. Und die Literatur wird dem von Gribojedow gezogenen Zauberkreis nicht entkommen, sobald der Künstler den Kampf der Konzepte und den Generationswechsel berührt. Er wird entweder einen Typus extremer, unreifer, fortgeschrittener Persönlichkeiten darstellen, die kaum einen Ausblick auf die Zukunft geben und daher kurzlebig sind, von denen wir bereits viele im Leben und in der Kunst erlebt haben, oder er wird ein modifiziertes Bild von Chatsky schaffen, wie es später der Fall ist Cervantes' Don Quijote und Shakespeares Hamlet, unzählige davon sind erschienen und haben Ähnlichkeiten In den ehrlichen, leidenschaftlichen Reden dieser späteren Chatskys werden Gribojedows Motive und Worte für immer zu hören sein – und wenn nicht die Worte, dann die Bedeutung und der Ton der gereizten Monologe seines Chatsky. Gesunde Helden im Kampf gegen das Alte werden diese Musik nie verlassen. Und das ist die Unsterblichkeit von Gribojedows Gedichten! Man könnte viele Chatskys nennen, die beim nächsten Epochen- und Generationenwechsel im Kampf um eine Idee, für eine Sache, für die Wahrheit, für den Erfolg, für eine neue Ordnung auf allen Ebenen, in allen Schichten des russischen Lebens usw. auftraten Arbeit – laute, tolle Dinge und bescheidene Sessel-Heldentaten. Über viele von ihnen gibt es eine neue Legende, andere haben wir gesehen und kannten, und wieder andere kämpfen immer noch. Wenden wir uns der Literatur zu. Erinnern wir uns nicht an eine Geschichte, nicht an eine Komödie, nicht an ein künstlerisches Phänomen, sondern nehmen wir einen der späteren Kämpfer des alten Jahrhunderts, zum Beispiel Belinsky. Viele von uns kannten ihn persönlich, und jetzt kennt ihn jeder. Hören Sie sich seine leidenschaftlichen Improvisationen an – und sie klingen nach den gleichen Motiven – und dem gleichen Ton wie Gribojedows Chatsky. Und so starb er, zerstört durch „eine Million Qualen“, getötet durch das Fieber der Erwartung und nicht auf die Erfüllung seiner Träume wartend, die nun keine Träume mehr sind. Lassen wir Herzens politische Wahnvorstellungen hinter uns, in denen er aus der Rolle eines normalen Helden, aus der Rolle von Chatsky, diesem russischen Mann von Kopf bis Fuß, hervortrat, und erinnern wir uns an seine Pfeile, die in verschiedene dunkle, entlegene Ecken Russlands geworfen wurden, wo sie den Täter fanden . In seinen Sarkasmen kann man das Echo von Gribojedows Lachen und die endlose Entwicklung von Chatskys Witzen hören. Und Herzen litt unter „einer Million Qualen“, vielleicht am meisten unter den Qualen der Repetilovs seines eigenen Lagers, zu denen er zu Lebzeiten nicht den Mut hatte zu sagen: „Lüge, aber kenne deine Grenzen!“ Aber er nahm dieses Wort nicht mit ins Grab und gestand nach seinem Tod die „falsche Schande“, die ihn daran hinderte, es auszusprechen. Zum Schluss noch eine letzte Anmerkung zu Chatsky. Sie werfen Gribojedow vor, dass Chatsky nicht so künstlerisch gekleidet sei wie andere Gesichter der Komödie, in Fleisch und Blut, dass er wenig Vitalität habe. Manche sagen sogar, dass es sich hierbei nicht um eine lebende Person handelt, sondern um eine Zusammenfassung, eine Idee, eine wandelnde Moral einer Komödie und nicht um eine so vollständige und vollständige Schöpfung wie beispielsweise die Figur von Onegin und anderen aus dem Leben gerissenen Typen. Das ist nicht fair. Es ist unmöglich, Chatsky neben Onegin zu stellen: Die strenge Objektivität der dramatischen Form erlaubt nicht die gleiche Breite und Fülle des Pinsels wie das Epos. Wenn andere Gesichter der Komödie strenger und schärfer sind, dann verdanken sie dies der Vulgarität und den Kleinigkeiten ihrer Natur, die der Künstler in leichten Skizzen leicht erschöpft. Während in Chatskys Persönlichkeit, reich und vielseitig, eine dominante Seite in der Komödie hervorgehoben werden konnte – und Gribojedow gelang es, auf viele andere hinzuweisen. Dann – wenn man sich die Menschentypen in der Menge genauer anschaut – dann sind es fast häufiger als andere diese ehrlichen, leidenschaftlichen, manchmal bösartigen Individuen, die sich nicht demütig vor der herannahenden Hässlichkeit verstecken, sondern mutig darauf zugehen und eintreten in einen Kampf verwickelt, oft ungleich, immer zum Nachteil der eigenen Person und ohne sichtbaren Nutzen für die Sache. Wer kannte oder kennt nicht, jeder in seinem eigenen Kreis, so kluge, leidenschaftliche, edle Verrückte, die eine Art Chaos in jenen Kreisen anrichten, wohin das Schicksal sie führt, für die Wahrheit, für eine ehrliche Überzeugung?! Nein, Chatsky ist unserer Meinung nach die lebendigste Persönlichkeit von allen, sowohl als Person als auch als Darsteller der ihm von Gribojedow zugewiesenen Rolle. Aber wir wiederholen, seine Natur ist stärker und tiefer als die anderer Menschen und konnte daher nicht in der Komödie erschöpft werden. Lassen Sie uns abschließend noch ein paar Bemerkungen über die kürzliche Aufführung von Komödien auf der Bühne machen, insbesondere bei Monakhovs Benefizaufführung, und darüber, was sich der Zuschauer von den Darstellern wünschen kann. Wenn der Leser zustimmt, dass in einer Komödie, wie gesagt, die Bewegung vom Anfang bis zum Ende leidenschaftlich und kontinuierlich aufrechterhalten wird, dann sollte daraus natürlich folgen, dass das Stück sehr szenisch ist. Das ist sie. Zwei Komödien scheinen ineinander verschachtelt zu sein: die eine ist sozusagen privat, kleinlich, häuslich, zwischen Chatsky, Sofia, Molchalin und Lisa: das ist die Intrige der Liebe, das alltägliche Motiv aller Komödien. Als der erste unterbrochen wird, erscheint in der Pause unerwartet ein anderer, und die Handlung beginnt von neuem, eine Privatkomödie entwickelt sich zu einer allgemeinen Schlacht und wird zu einem Knoten geknüpft. Künstler, die über die Gesamtbedeutung und den Ablauf des Stücks reflektieren und jeder in seiner eigenen Rolle, finden ein weites Handlungsfeld. Es ist mit viel Arbeit verbunden, jede noch so unbedeutende Rolle zu meistern, und zwar umso mehr, je gewissenhafter und subtiler der Künstler mit der Kunst umgeht. Einige Kritiker sehen die Verantwortung der Künstler darin, die historische Treue der Charaktere und die Farbe der Zeit in allen Details wiederzugeben, sogar bis hin zu den Kostümen, also bis zum Stil der Kleidung und der Frisur. Das ist schwierig, wenn nicht sogar völlig unmöglich. Als historische Typen sind diese Gesichter, wie oben erwähnt, immer noch blass und lebende Originale sind nicht mehr zu finden: Es gibt nichts, wovon man lernen könnte. Dasselbe gilt auch für Kostüme. Altmodische Fracks mit sehr hoher oder sehr niedriger Taille, Damenkleider mit hohem Oberteil, hohe Frisuren, alte Mützen – in all dem wirken die Figuren wie Flüchtlinge aus einem überfüllten Markt. Eine andere Sache sind die völlig veralteten Kostüme des letzten Jahrhunderts: Leibchen, Robrons, Visiere, Puder usw. Aber bei der Aufführung von „Woe from Wit“ geht es nicht um die Kostüme. Wir wiederholen, dass das Spiel überhaupt keinen Anspruch auf historische Treue erheben kann, da die lebendige Spur fast verschwunden ist und die historische Distanz immer noch gering ist. Daher ist es für den Künstler notwendig, auf Kreativität und die Schaffung von Idealen zurückzugreifen, je nachdem, wie gut er die Epoche und das Werk Gribojedows versteht. Dies ist die erste, also die Hauptstadienbedingung. Das Zweite ist die Sprache, also die künstlerische Ausführung der Sprache, wie die Ausführung einer Handlung: ohne dieses Zweite ist das Erste natürlich unmöglich. In so erhabenen literarischen Werken wie „Woe from Wit“, wie Puschkins „Boris Godunow“ und einigen anderen, sollte die Aufführung nicht nur bühnenhaft, sondern auch literarisch sein, wie die Aufführung beispielhafter Musik durch ein exzellentes Orchester, bei der jede musikalische Phrase berücksichtigt wird Es muss einwandfrei gespielt werden und jede Note ist drin. Als Musiker ist ein Schauspieler verpflichtet, seine Darbietung zu vollenden, d Poesie der Sprache von Puschkin und Gribojedow. Bei Puschkin zum Beispiel in „Boris Godunow“, wo es fast keine Handlung oder zumindest keine Einheit gibt, wo die Handlung in einzelne Szenen zerfällt, die nicht miteinander verbunden sind, ist eine andere Aufführung als eine rein künstlerische und literarische nicht möglich . Darin soll jede andere Handlung, jede Theatralik, jede Mimik nur als leichte Würze der literarischen Darbietung, der Handlung im Wort dienen. Mit Ausnahme einiger Rollen lässt sich weitgehend das Gleiche über „Woe from Wit“ sagen. Und das meiste Spiel steckt in der Sprache: Man kann die Unbeholfenheit der Mimik ertragen, aber jedes Wort mit der falschen Betonung schmerzt im Ohr wie ein falscher Ton. Wir dürfen nicht vergessen, dass das Publikum Stücke wie „Woe from Wit“, „Boris Godunov“ auswendig kennt und nicht nur mit seinen Gedanken jedem Wort folgt, sondern sozusagen mit seinen Nerven jeden Fehler in der Aussprache spürt. Man kann sie genießen, ohne sie zu sehen, sondern nur, indem man sie hört. Diese Stücke wurden und werden oft im Privatleben aufgeführt, einfach als Lesungen unter Literaturliebhabern, wenn sich ein guter Leser im Kreise befindet, der es versteht, diese Art literarischer Musik subtil zu vermitteln. Vor einigen Jahren, so heißt es, sei dieses Stück im besten St. Petersburger Kreis mit vorbildlicher Kunst aufgeführt worden, was natürlich neben einem subtilen kritischen Verständnis des Stücks dem Ensemble in Ton, Manieren und Stil sehr geholfen habe vor allem die Fähigkeit, perfekt lesen zu können. Es wurde in den 30er Jahren in Moskau mit vollem Erfolg aufgeführt. Bis heute haben wir den Eindruck dieser Partie bewahrt: Shchepkin (Famusov), Mochalov (Chatsky), Lensky (Molchalin), Orlov (Skalozub), Saburov (Repetilov). Natürlich wurde dieser Erfolg durch die damals auffallende Neuheit und Kühnheit des offenen Angriffs von der Bühne auf vieles, das noch keine Zeit hatte, sich zu entfernen, und das sie selbst in der Presse fürchteten, zu berühren, erheblich erleichtert. Dann äußerten Shchepkin, Orlov und Saburov typischerweise noch lebende Ähnlichkeiten mit den verstorbenen Famusovs, hier und da mit den überlebenden Molchalins oder mit denen, die sich in den Ställen hinter dem Rücken ihrer Nachbarn Zagoretskys versteckten. All dies verlieh dem Stück zweifellos ein enormes Interesse, aber darüber hinaus war neben dem hohen Talent dieser Künstler und der daraus resultierenden Typizität der Ausführung jeder ihrer Rollen auch an ihrer Leistung bemerkenswert, wie an einem hervorragenden Chor Die Sängerinnen und Sänger waren ein außergewöhnliches Ensemble des gesamten Personals bis hin zu den kleinsten Rollen, und vor allem haben sie diese außergewöhnlichen Gedichte subtil verstanden und hervorragend gelesen, mit genau dem „Sinn, Gefühl und Arrangement“, das für sie notwendig ist. Mochalov, Shchepkin! Letzterer ist natürlich inzwischen fast dem gesamten Orchester bekannt und erinnert sich daran, wie er auch im hohen Alter seine Rollen sowohl auf der Bühne als auch in Salons las! Auch die Inszenierung war vorbildlich – und sollte an Pflege auch heute noch die Inszenierung jedes Balletts übertreffen, denn die Komödie dieses Jahrhunderts wird die Bühne nicht verlassen, auch wenn spätere vorbildliche Stücke gelungen sind. Jede der Rollen, auch kleinere, wird, subtil und gewissenhaft gespielt, als Künstlerdiplom für eine große Rolle dienen. Leider entspricht die Aufführung des Stücks auf der Bühne schon lange nicht mehr seinen hohen Vorzügen; es glänzt weder durch Harmonie im Spiel noch durch Gründlichkeit in der Inszenierung, wenn auch getrennt, in der Darbietung einiger Künstler sind erfreuliche Andeutungen und Versprechen für die Möglichkeit einer subtileren und sorgfältigeren Aufführung. Aber der allgemeine Eindruck ist, dass der Zuschauer neben den wenigen guten Dingen auch seine „Millionen Qualen“ aus dem Theater mitnimmt. Bei der Inszenierung sind Nachlässigkeit und Knappheit nicht zu übersehen, die den Betrachter zu warnen scheinen, dass sie schwach und nachlässig spielen werden, daher besteht kein Grund, sich um die Frische und Genauigkeit des Zubehörs zu kümmern. Zum Beispiel ist die Beleuchtung auf dem Ball so schwach, dass man Gesichter und Kostüme kaum erkennen kann, die Menge der Gäste ist so dünn, dass Zagoretsky laut dem Text der Komödie nicht „verschwindet“, sondern irgendwohin flüchtet Die Menge muss aufgrund von Khlestovas Schelte durch die gesamte leere Halle rennen, aus deren Ecken wie aus Neugier zwei oder drei Gesichter hervorschauen. Im Allgemeinen sieht alles irgendwie langweilig, abgestanden und farblos aus. Im Spiel dominiert statt des Ensembles Zwietracht, wie in einem Chor, der keine Zeit zum Singen hatte. In einem neuen Stück könnte man diesen Grund vermuten, aber man kann nicht zulassen, dass diese Komödie für irgendjemanden in der Truppe neu ist. Die Hälfte des Stücks vergeht unhörbar. Zwei, drei Verse werden deutlich hervorbrechen, die anderen beiden werden vom Schauspieler wie nur für sich selbst ausgesprochen – abseits des Zuschauers. Die Charaktere wollen Gribojedows Gedichte wie einen Varieté-Text spielen. Manche Menschen machen viel unnötiges Aufhebens um ihre Mimik, dieses eingebildete, falsche Spiel. Selbst diejenigen, die zwei oder drei Wörter sagen müssen, begleiten sie entweder mit erhöhter, unnötiger Betonung oder mit unnötigen Gesten oder sogar mit einer Art Spiel im Gang, um auf der Bühne auf sich aufmerksam zu machen, obwohl diese beiden oder Drei Worte würden, intelligent und taktvoll gesagt, viel mehr wahrgenommen werden als alle Körperübungen. Einige der Künstler scheinen zu vergessen, dass die Aktion in einem großen Moskauer Haus stattfindet. Molchalin zum Beispiel lebt, obwohl ein armer kleiner Beamter, in der besten Gesellschaft, wird in die ersten Häuser aufgenommen, spielt Karten mit edlen alten Frauen und mangelt es daher nicht an einem gewissen Anstand in seinen Manieren und seinem Ton. Er sei „einschmeichelnd, ruhig“, heißt es im Stück über ihn. Dies ist eine Hauskatze, sanft, anhänglich, die überall im Haus herumläuft, und wenn sie Unzucht treibt, dann ruhig und anständig. So wilde Angewohnheiten, die der Schauspieler, der seine Rolle spielt, ihm angeeignet hat, kann er nicht haben, auch wenn er mit ihr allein gelassen zu Lisa eilt. Die meisten Künstler können sich auch nicht damit rühmen, die oben genannte wichtige Voraussetzung zu erfüllen, nämlich die richtige, künstlerische Lektüre. Sie beklagen schon lange, dass diese Kapitalbedingung immer mehr von der russischen Bühne verschwindet. Ist es möglich, dass mit der Rezitation der alten Schule auch die Fähigkeit, eine künstlerische Rede zu lesen und auszusprechen, generell verbannt wurde, als ob diese Fähigkeit überflüssig oder unnötig geworden wäre? Über manche Koryphäen der Drama- und Comedy-Szene kann man sogar häufig Klagen darüber hören, dass sie sich nicht die Mühe machen, ihre Rollen zu lernen! Was bleibt den Künstlern dann noch zu tun? Was meinen sie mit Rollenspielen? Bilden? Mimikry? Seit wann beginnt diese Vernachlässigung der Kunst? Wir erinnern uns sowohl an die St. Petersburger als auch an die Moskauer Szene in der glänzenden Zeit ihrer Tätigkeit, angefangen bei Schtschepkin und den Karatygins bis hin zu Samoilow und Sadowski. Es gibt noch ein paar Veteranen der alten St. Petersburger Bühne, und unter ihnen erinnern die Namen Samoilov und Karatygin an die goldene Zeit, als Shakespeare, Moliere, Schiller auf der Bühne standen – und derselbe Griboyedov, den wir jetzt vorstellen , und all dies wurde zusammen mit einem Schwarm verschiedener Varietés, Abwandlungen aus dem Französischen usw. gegeben. Aber weder diese Abänderungen noch die Varietés beeinträchtigten die hervorragende Leistung von Hamlet, Lear oder The Miser. Als Antwort darauf hört man einerseits, dass es so sei, als sei der Geschmack des Publikums (welches Publikum?) verfallen, in eine Farce übergegangen, und die Folge davon sei und sei die Entwöhnung der Künstler die ernsthafte Bühne und ernsthafte, künstlerische Rollen; und andererseits, dass sich die Bedingungen der Kunst selbst verändert haben: vom historischen Typ, von der Tragödie, der hohen Komödie – die Gesellschaft verließ sich wie unter einer schweren Wolke und wandte sich dem Bürgerlichen zu, dem sogenannten Drama und der Komödie, und Endlich zum Genre. Eine Analyse dieser „Verfälschung des Geschmacks“ oder der Umwandlung alter Kunstzustände in neue würde uns von „Woe from Wit“ ablenken und vielleicht zu einem anderen, hoffnungsloseren Kummer führen. Es ist besser, den zweiten Einwand (der erste ist nicht der Rede wert, da er für sich selbst spricht) als vollendete Tatsache zu akzeptieren und diese Modifikationen zuzulassen, obwohl wir nebenbei bemerken, dass auch Shakespeare und neue historische Dramen auf der Bühne erscheinen, wie „Der Tod von Iwan dem Schrecklichen“, „Wassilisa Melentyeva“, „Shuisky“ usw., die genau die Lesefähigkeit erfordern, über die wir sprechen. Aber neben diesen Dramen gibt es auch andere in Prosa geschriebene Werke der Neuzeit auf der Bühne, und diese Prosa hat, fast wie die Gedichte von Puschkin und Gribojedow, ihre eigene typische Würde und erfordert die gleiche klare und deutliche Ausführung wie die Lesung von Gedichten. Jeder Satz von Gogol ist ebenso typisch und enthält unabhängig von der allgemeinen Handlung eine eigene besondere Komödie, genau wie jeder Vers von Gribojedow. Und nur eine zutiefst getreue, hörbare und deutliche Darbietung im gesamten Saal, also die Bühnenaussprache dieser Sätze, kann die Bedeutung ausdrücken, die der Autor ihnen gegeben hat. Viele von Ostrowskis Stücken weisen ebenfalls weitgehend diese typische Seite der Sprache auf, und oft hört man Phrasen aus seinen Komödien in der Umgangssprache, in verschiedenen Anwendungen auf das Leben. Die Öffentlichkeit erinnert sich, dass Sosnitsky, Shchepkin, Martynov, Maksimov, Samoilov in den Rollen dieser Autoren nicht nur Typen auf der Bühne schufen, was natürlich vom Grad des Talents abhängt, sondern auch mit intelligenter und prominenter Aussprache ihre ganze Kraft behielten einer vorbildlichen Sprache, die jedem Satz, jedem Wort Gewicht verleiht. Wo sonst, wenn nicht auf der Bühne, möchte man eine beispielhafte Lektüre beispielhafter Werke hören? Es scheint, dass sich die Öffentlichkeit in letzter Zeit zu Recht über den Verlust dieser sozusagen literarischen Aufführung von Kunstwerken beklagt. Neben der Schwäche der Ausführung im allgemeinen Verlauf, was das richtige Verständnis des Stücks, die mangelnde Lesekompetenz usw. angeht, könnten wir uns auch auf einige Ungenauigkeiten im Detail konzentrieren, wollen aber gerade deshalb nicht wählerisch wirken Kleinere oder besondere Ungenauigkeiten, die auf Fahrlässigkeit zurückzuführen sind, verschwinden, wenn die Künstler das Stück gründlicher kritisch analysieren. Wünschen wir uns, dass unsere Künstler aus der ganzen Masse der Stücke, mit denen sie von ihren Pflichten überwältigt werden, mit Liebe zur Kunst Kunstwerke herausgreifen, und davon haben wir so wenige – und übrigens vor allem „Wehe.“ aus Witz“ – und nachdem sie sich daraus ein Repertoire ausgesucht haben, würden sie es anders aufführen als alles andere, was sie jeden Tag spielen müssen, und sie werden es mit Sicherheit richtig aufführen.

Wie schreibe ich einen Aufsatz. Zur Vorbereitung auf das Einheitliche Staatsexamen Vitaly Pavlovich Sitnikov

Goncharov I. „A Million Torments“ (kritische Studie)

Goncharov I. A

„Eine Million Qualen“

(kritische Studie)

Die Komödie „Woe from Wit“ sticht in der Literatur irgendwie heraus und unterscheidet sich durch ihre Jugendlichkeit, Frische und stärkere Vitalität von anderen Werken des Wortes. Sie ist wie ein hundertjähriger alter Mann, um den herum jeder, nachdem er seine Zeit ausgelebt hat, der Reihe nach stirbt und sich hinlegt, und er geht kraftvoll und frisch zwischen den Gräbern alter Menschen und den Wiegen neuer Menschen umher. Und es kommt niemandem in den Sinn, dass er eines Tages an der Reihe sein wird.<…>

Aber auch diesen Test bestand das Stück – es wurde nicht nur nicht vulgär, sondern schien den Lesern auch teurer zu werden, es fand in jedem von ihnen einen Gönner, einen Kritiker und einen Freund, wie Krylovs Fabeln, die ihre literarische Qualität nicht verloren Macht, die vom Buch zur lebendigen Rede übergegangen ist.<…>

Manche legen in der Komödie Wert auf ein Bild der Moskauer Sitten einer bestimmten Epoche, die Schaffung lebender Typen und ihre geschickte Gruppierung. Das ganze Stück scheint ein Kreis von Gesichtern zu sein, die dem Leser vertraut und darüber hinaus so eindeutig und geschlossen sind wie ein Kartenspiel. Die Gesichter von Famusov, Molchalin, Skalozub und anderen waren so fest ins Gedächtnis eingebrannt wie Könige, Buben und Damen im Kartenspiel, und jeder hatte eine mehr oder weniger einheitliche Vorstellung von allen Gesichtern, bis auf eines – Chatsky. Sie sind also alle korrekt und streng gezeichnet und daher jedem bekannt geworden. Nur über Chatsky sind viele ratlos: Was ist er? Es ist, als wäre er die dreiundfünfzigste mysteriöse Karte im Stapel. Wenn es im Verständnis anderer Menschen kaum Meinungsverschiedenheiten gab, dann sind die Differenzen bei Chatsky im Gegenteil noch nicht vorbei und werden vielleicht noch lange nicht enden.

Andere, die dem Bild der Moral, der Treue der Typen gerecht werden, legen Wert auf das eher epigrammatische Salz der Sprache, die lebendige Satire – die Moral, mit der das Stück noch immer wie eine unerschöpfliche Quelle jeden in jedem alltäglichen Schritt des Lebens versorgt.

Doch über die „Komödie“ selbst, die Handlung, gehen beide Kenner fast schweigend hinweg, viele leugnen sogar die konventionelle Bühnenbewegung.<…>

All diese verschiedenen Eindrücke und die darauf basierende Sichtweise jedes Einzelnen dienen als beste Definition des Stücks, das heißt, dass die Komödie „Woe from Wit“ sowohl ein Bild der Moral als auch eine Galerie lebender Typen ist immer scharfe, beißende Satire, und damit zugleich eine Komödie und, sagen wir mal, vor allem eine Komödie – die in anderen Literaturen kaum zu finden ist, wenn wir die Gesamtheit aller anderen genannten Bedingungen akzeptieren . Als Gemälde ist es zweifellos riesig. Ihre Leinwand fängt einen langen Zeitraum des russischen Lebens ein – von Katharina bis Kaiser Nikolaus. Die Gruppe von zwanzig Gesichtern spiegelte wie ein Lichtstrahl in einem Wassertropfen das gesamte ehemalige Moskau, seine Gestaltung, seinen damaligen Geist, seinen historischen Moment und seine Moral wider. Und das mit einer solchen künstlerischen, objektiven Vollständigkeit und Sicherheit, dass es in unserem Land nur Puschkin und Gogol gab.

In einem Bild, in dem es keinen einzigen blassen Fleck, keinen einzigen fremden Strich oder Ton gibt, fühlt sich der Betrachter und Leser auch jetzt, in unserer Zeit, unter lebenden Menschen. Sowohl das Allgemeine als auch die Details, all dies wurde nicht komponiert, sondern wurde vollständig aus Moskauer Wohnzimmern übernommen und in das Buch und auf die Bühne übertragen, mit aller Wärme und mit der ganzen „besonderen Prägung“ Moskaus – von Famusov bis zum kleinste Berührungen, an Fürst Tugoukhovsky und an den Lakaien Petersilie, ohne die das Bild nicht vollständig wäre.

Allerdings handelt es sich für uns noch nicht um ein vollständig abgeschlossenes Geschichtsbild: Wir haben uns nicht so weit von der Epoche entfernt, dass zwischen ihr und unserer Zeit ein unüberwindbarer Abgrund liegen würde. Die Färbung wurde überhaupt nicht geglättet; Das Jahrhundert hat sich nicht wie ein abgeschnittenes Stück von unserem getrennt: Wir haben etwas von dort geerbt, obwohl sich die Famusovs, Molchalins, Zagoretskys und andere so verändert haben, dass sie nicht mehr in die Haut von Griboyedovs Typen passen. Die harschen Züge sind natürlich obsolet geworden: Kein Famusov wird nun Maxim Petrowitsch zum Narren einladen und Maxim Petrowitsch als Vorbild anführen, zumindest nicht auf so positive und offensichtliche Weise. Molchalin bekennt sich jetzt, selbst vor der Magd, still und heimlich nicht zu den Geboten, die sein Vater ihm hinterlassen hat; Ein solcher Skalozub, ein solcher Zagoretsky sind selbst in einem fernen Outback unmöglich. Aber solange es einen Wunsch nach Ehre abgesehen von Verdiensten gibt, solange es Herren und Jäger gibt, die zufrieden sind und „Belohnungen annehmen und glücklich leben“, solange werden Klatsch, Müßiggang und Leere nicht als Laster, sondern als solche vorherrschen Elemente des gesellschaftlichen Lebens – solange natürlich die Merkmale der Famusovs, Molchalins und anderer in der modernen Gesellschaft aufblitzen, besteht keine Notwendigkeit, dass dieser „besondere Abdruck“, auf den Famusov stolz war, aus Moskau selbst gelöscht wird.<…>

Salz, ein Epigramm, eine Satire, dieser umgangssprachliche Vers scheint niemals zu sterben, genau wie der darin verstreute scharfe und ätzende, lebendige russische Geist, den Gribojedow wie ein Zauberer eines Geistes in seinem Schloss einsperrte, und er bricht dort mit bösem Gelächter aus. Es ist unmöglich, sich vorzustellen, dass jemals eine andere, natürlichere, einfachere, mehr dem Leben entnommene Sprache erscheinen könnte. Prosa und Vers sind hier zu etwas Untrennbarem verschmolzen, so scheint es, so dass es einfacher wäre, sie im Gedächtnis zu behalten und all die Intelligenz, den Humor, die Witze und den Zorn des russischen Geistes und der russischen Sprache, die der Autor gesammelt hat, wieder in Umlauf zu bringen. Diese Sprache wurde dem Autor auf die gleiche Weise gegeben wie einer Gruppe dieser Individuen, wie die Hauptbedeutung der Komödie gegeben wurde, wie alles zusammengegeben wurde, als ob es auf einmal ausströmte, und alles eine außergewöhnliche Komödie bildete - sowohl im engeren Sinne, wie ein Bühnenstück, als auch im weiteren Sinne, wie ein Komödienleben. Es hätte nichts anderes als eine Komödie sein können.<…>

Wir sind seit langem daran gewöhnt zu sagen, dass es in einem Theaterstück keine Bewegung, also keine Handlung gibt. Wieso gibt es keine Bewegung? Es gibt – lebendig, kontinuierlich, von Chatskys erstem Auftritt auf der Bühne bis zu seinem letzten Wort: „Eine Kutsche für mich, eine Kutsche.“

Dies ist eine subtile, intelligente, elegante und leidenschaftliche Komödie, im engeren, technischen Sinne, wahr in kleinen psychologischen Details, aber für den Zuschauer fast schwer fassbar, weil sie durch die typischen Gesichter der Helden, die geniale Zeichnung und die Farbe verdeckt wird der Ort, die Epoche, der Charme der Sprache, mit all den poetischen Kräften, die in dem Stück so reichlich zum Ausdruck kommen. Die Handlung, also die eigentliche Intrige darin, wirkt vor diesen kapitalen Aspekten blass, überflüssig, fast unnötig.

Erst beim Herumfahren im Eingangsbereich scheint der Zuschauer von der unerwarteten Katastrophe, die zwischen den Hauptfiguren ausgebrochen ist, zu erwachen und sich plötzlich an die komödiantische Intrige zu erinnern. Aber auch dann nicht mehr lange. Die enorme, wahre Bedeutung der Komödie wächst bereits vor ihm.

Die Hauptrolle spielt natürlich die Rolle von Chatsky, ohne die es keine Komödie gäbe, aber vielleicht ein Bild der Moral.

Gribojedow selbst führte Chatskys Kummer auf seinen Verstand zurück, aber Puschkin bestritt ihm jeglichen Verstand.

Man könnte meinen, dass Gribojedow ihm aus väterlicher Liebe zu seinem Helden im Titel schmeichelte, als wollte er den Leser warnen, dass sein Held klug ist und alle anderen um ihn herum nicht klug sind.

Im Gegenteil, Chatsky bereitete sich offenbar ernsthaft auf seine Aktivitäten vor. „Er schreibt und übersetzt gut“, sagt Famusov über ihn, und alle reden von seiner hohen Intelligenz. Er reiste natürlich aus gutem Grund, studierte, las, machte sich offenbar an die Arbeit, pflegte Beziehungen zu Ministern und trennte sich – der Grund dafür ist nicht schwer zu erraten.

„Ich würde gerne dienen, aber bedient zu werden ist widerlich“, deutet er selbst an. Von „sehnsüchtiger Faulheit, müßiger Langeweile“ und noch weniger von „zärtlicher Leidenschaft“ als Wissenschaft und Beschäftigung ist keine Rede. Er liebt es ernsthaft und sieht Sophia als seine zukünftige Frau.

In der Zwischenzeit musste Chatsky den bitteren Kelch bis auf den Grund austrinken – er fand bei niemandem „lebendiges Mitgefühl“ und ging und nahm nur „eine Million Qualen“ mit sich.<…>

Jeder Schritt von Chatsky, fast jedes Wort im Stück ist eng mit dem Spiel seiner Gefühle für Sophia verbunden, irritiert von einer Art Lüge in ihren Handlungen, die er bis zum Schluss nur schwer enträtseln kann. Sein ganzer Geist und seine ganze Kraft stecken in diesem Kampf: Er diente als Motiv, als Grund zur Verärgerung für die „Millionen von Qualen“, unter deren Einfluss er nur die ihm von Gribojedow angedeutete Rolle spielen konnte, eine Rolle von viel größerer, höherer Bedeutung als die erfolglose Liebe, kurz gesagt, die Rolle, für die die Komödie geboren wurde.<…>

Chatsky strebt nach einem „freien Leben“, „dem Streben nach Wissenschaft und Kunst nach“ und fordert „Dienst an der Sache, nicht an Einzelpersonen“ usw. Auf wessen Seite steht der Sieg? Komödie gibt es nur bei Chatsky „Eine Million Qualen“ und lässt Famusov und seine Brüder offenbar in der gleichen Lage wie zuvor, ohne etwas über die Folgen des Kampfes zu sagen.

Diese Konsequenzen kennen wir mittlerweile. Sie tauchten mit dem Aufkommen der Komödie, noch im Manuskript, ans Licht – und breiteten sich wie eine Epidemie über ganz Russland aus.

In der Zwischenzeit nimmt die Intrige der Liebe ihren Lauf, korrekt, mit subtiler psychologischer Treue, die dem Autor in jedem anderen Stück ohne andere kolossale Gribojedow-Schönheiten einen Namen machen könnte.<…>

Die Komödie zwischen ihm und Sophia endete; Der brennende Ärger der Eifersucht ließ nach und die Kälte der Hoffnungslosigkeit drang in seine Seele.

Alles, was er tun musste, war zu gehen; Doch eine weitere, lebhafte, lebhafte Komödie dringt auf die Bühne, es eröffnen sich gleich mehrere neue Perspektiven des Moskauer Lebens, die nicht nur Chatskys Intrige aus dem Gedächtnis des Zuschauers verdrängen, sondern Chatsky selbst scheint sie zu vergessen und steht der Menge im Weg. Neue Gesichter gruppieren sich um ihn und spielen, jedes in seiner eigenen Rolle. Dies ist ein Ball mit der ganzen Moskauer Atmosphäre, mit einer Reihe lebhafter Bühnenskizzen, in denen jede Gruppe ihre eigene Komödie entwickelt, mit einem vollständigen Überblick über die Charaktere, die es geschafft haben, sich in wenigen Worten zu einer vollständigen Handlung zu entwickeln .

Spielen die Gorichevs nicht eine komplette Komödie? Dieser Ehemann, der vor kurzem noch ein fröhlicher und lebhafter Mann war, ist jetzt im Moskauer Leben erniedrigt, wie in ein Gewand gekleidet, ein Gentleman, „ein Knaben-Ehemann, ein Diener-Ehemann, das Ideal der Moskauer Ehemänner“, so Chatsky treffende Definition: - unter den Schuhen einer süßen, niedlichen, weltlichen Frau, einer Moskauer Dame?

Und diese sechs Prinzessinnen und die Gräfin-Enkelin – dieses ganze Kontingent von Bräuten, „die wissen, wie sie“, so Famusov, „sich mit Taft, Ringelblume und Dunst kleiden“, „die Kopfnoten singen und sich an Militärs klammern“ ?

Diese Khlestova, ein Überbleibsel aus Katharinas Jahrhundert, mit einem Mops, mit einem schwarzen Moormädchen, – diese Prinzessin und Prinz Peter Iljitsch – ohne ein Wort, aber so eine sprechende Ruine der Vergangenheit; Zagoretsky, ein offensichtlicher Betrüger, der aus dem Gefängnis in den besten Wohnzimmern flieht und sich mit Unterwürfigkeit auszahlt, wie Hundedurchfall – und diese NNs und all ihr Gerede und all der Inhalt, der sie beschäftigt!

Der Zustrom dieser Gesichter ist so groß, ihre Porträts sind so lebendig, dass der Betrachter von der Intrige kalt wird und keine Zeit hat, diese schnellen Skizzen neuer Gesichter einzufangen und ihrem ursprünglichen Gespräch zuzuhören.

Chatsky steht nicht mehr auf der Bühne. Aber bevor er ging, gab er der Hauptkomödie reichlich Nahrung, die im ersten Akt mit Famusov und dann mit Molchalin begann – diesem Kampf mit ganz Moskau, in den er dann nach den Zielen des Autors kam.

In kurzen, sogar sofortigen Treffen mit alten Bekannten gelang es ihm, alle mit ätzenden Bemerkungen und Sarkasmen gegen sich zu wappnen. Er lässt sich von allerlei Kleinigkeiten bereits lebhaft anstecken – und lässt seiner Zunge freien Lauf. Er verärgerte die alte Frau Khlestova, gab Gorichev einige unangemessene Ratschläge, unterbrach die Gräfin-Enkelin abrupt und beleidigte Molchalin erneut.<…>

„Eine Million Qualen“ und „Trauer“ – das hat er für alles geerntet, was er gesät hat. Bisher war er unbesiegbar gewesen: Sein Geist schlug gnadenlos auf die wunden Stellen seiner Feinde ein. Famusov findet nichts anderes, als sich vor seiner Logik die Ohren zuzuhalten, und antwortet mit Gemeinplätzen der alten Moral. Molchalin verstummt, die Prinzessinnen und Gräfinnen weichen von ihm zurück, verbrannt von den Nesseln seines Lachens, und seine ehemalige Freundin Sophia, die er allein verschont, verstellt sich, rutscht aus und versetzt ihm heimlich den Hauptschlag, indem sie ihn für bereit erklärt , beiläufig, verrückt.

Er spürte seine Stärke und sprach selbstbewusst. Doch der Kampf erschöpfte ihn. Er wurde offensichtlich von diesen „Millionen Qualen“ geschwächt, und die Unordnung machte sich in ihm so deutlich bemerkbar, dass sich alle Gäste um ihn versammelten, so wie sich eine Menschenmenge um jedes Phänomen schart, das aus der gewöhnlichen Ordnung der Dinge kommt.

Er ist nicht nur traurig, sondern auch gallig und wählerisch. Er sammelt wie ein Verwundeter alle seine Kräfte, fordert die Menge heraus – und schlägt jeden – aber er hat nicht genug Kraft gegen den vereinten Feind.

Er verfällt in Übertreibungen, fast in einen Rederausch, und bestätigt nach Meinung der Gäste das von Sophia verbreitete Gerücht über seinen Wahnsinn. Man hört keinen scharfen, giftigen Sarkasmus mehr, in den eine richtige, eindeutige Idee, die Wahrheit, eingefügt wird, sondern eine Art bittere Klage, als handele es sich um eine persönliche Beleidigung, um eine Leere oder, wie er es ausdrückt, „unbedeutend“. Treffen mit einem Franzosen aus Bordeaux“, was er in einem normalen Geisteszustand kaum bemerkt hätte.

Er hat aufgehört, sich zu beherrschen und merkt nicht einmal, dass er selbst am Ball eine Leistung erbringt.<…>

Er ist definitiv „nicht er selbst“, beginnend mit dem Monolog „über einen Franzosen aus Bordeaux“ – und bleibt es bis zum Ende des Stücks. Es liegen nur noch „Millionen von Qualen“ vor uns.

Puschkin, der Chatsky seine Gedanken verweigerte, hatte wahrscheinlich vor allem die letzte Szene des 4. Akts im Sinn, die im Eingangsbereich beim Herumfahren stattfand. Natürlich hätten weder Onegin noch Petchorin, diese Dandys, das getan, was Chatsky im Eingangsbereich getan hat. Sie waren zu „in der Wissenschaft der zärtlichen Leidenschaft“ geschult, und Chatsky zeichnet sich übrigens durch Aufrichtigkeit und Einfachheit aus, weiß nicht wie und will nicht angeben. Er ist kein Dandy, kein Löwe. Hier verrät ihn nicht nur sein Verstand, sondern auch sein gesunder Menschenverstand, sogar einfacher Anstand. Er hat solchen Unsinn gemacht!

Nachdem er Repetilovs Geschwätz losgeworden war und sich im Schweizer Wagen versteckt hatte, der auf die Kutsche wartete, spionierte er Sophias Date mit Molchalin aus und spielte die Rolle des Othello, ohne das Recht dazu zu haben. Er wirft ihr vor, warum sie ihn „mit Hoffnung gelockt“ habe, warum sie nicht direkt gesagt habe, dass die Vergangenheit vergessen sei. Nicht jedes Wort hier ist wahr. Sie lockte ihn nicht mit irgendeiner Hoffnung. Sie ging nur von ihm weg, sprach kaum mit ihm, gab Gleichgültigkeit zu, nannte einen alten Kinderroman und das Verstecken in Ecken „kindisch“ und deutete sogar an, dass „Gott sie mit Molchalin zusammengebracht hat“.

Und er, nur weil –

… so leidenschaftlich und so niedrig

War eine Verschwendung zärtlicher Worte,-

Aus Wut über seine eigene nutzlose Demütigung, über die Täuschung, die er sich freiwillig auferlegt hat, exekutiert er alle und wirft ein grausames und unfaires Wort auf sie:

Mit dir bin ich stolz auf meine Trennung,-

als es nichts zu zerreißen gab! Schließlich kommt er zum Punkt des Missbrauchs und schüttet Galle aus:

Für die Tochter und für den Vater,

Und auf den Liebhaber Narr -

und brodelt vor Wut über alle, „über die Peiniger der Menge, Verräter, ungeschickte Weise, listige Einfaltspinsel, finstere alte Frauen“ usw. Und er verlässt Moskau, um „eine Ecke für beleidigte Gefühle“ zu suchen, und verkündet ein gnadenloses Urteil und Urteil über alle!

Hätte er nur einen einzigen gesunden Moment gehabt, wäre er nicht von „einer Million Qualen“ verbrannt worden, würde er sich natürlich die Frage stellen: „Warum und aus welchem Grund habe ich all diesen Schlamassel angerichtet?“ Und natürlich würde ich die Antwort nicht finden.

Für ihn ist Gribojedow verantwortlich, der das Stück nicht ohne Grund mit dieser Katastrophe beendete. Darin brach nicht nur für Sophia, sondern auch für Famusov und alle seine Gäste Chatskys „Geist“, der im ganzen Stück wie ein Lichtstrahl funkelte, am Ende in jenen Donner aus, bei dem, wie das Sprichwort sagt, Männer werden getauft.

Vor dem Donner bekreuzigte sich Sophia als Erste und blieb, bis Chatsky auftauchte, als Molchalin bereits zu ihren Füßen kroch, immer noch dieselbe bewusstlose Sofia Pawlowna, mit derselben Lüge, in der ihr Vater sie großzog, in der er selbst lebte, sein ganzes Haus und sein ganzer Kreis. Nachdem sie sich noch nicht von Scham und Entsetzen erholt hat, als die Maske von Molchalin fiel, freut sie sich zunächst darüber, dass „sie nachts alles gelernt hat, dass in ihren Augen keine vorwurfsvollen Zeugen sind!“

Aber es gibt keine Zeugen, deshalb ist alles zugenäht und zugedeckt, man kann vergessen, vielleicht heiraten, Skalozub, und in die Vergangenheit schauen...

Keine Möglichkeit hinzusehen. Sie wird ihren moralischen Sinn ertragen, Lisa lässt sich nicht entgehen, Molchalin traut sich nicht, ein Wort zu sagen. Und Ehemann? Aber was für ein Moskauer Ehemann, „einer der Pagen seiner Frau“, würde auf die Vergangenheit zurückblicken!

Das ist ihre Moral und die Moral ihres Vaters und des gesamten Kreises.<…>

Chatskys Rolle ist eine passive Rolle: Es kann nicht anders sein. Dies ist die Rolle aller Chatskys, obwohl sie gleichzeitig immer siegreich ist. Aber sie wissen nichts von ihrem Sieg, sie säen nur, und andere ernten – und das ist ihr Hauptleid, nämlich die Hoffnungslosigkeit des Erfolgs.

Natürlich hat er Pavel Afanasyevich Famusov nicht zur Besinnung gebracht, ihn nicht nüchtern gemacht oder korrigiert. Wenn Famusov bei seiner Abreise keine „vorwurfsvollen Zeugen“ gehabt hätte, also eine Menge Lakaien und einen Türsteher, hätte er seine Trauer leicht verkraftet: Er hätte seiner Tochter eine Kopfwäsche gegeben, er hätte Lisa das Ohr zerrissen und beeilte sich mit Sophias Hochzeit mit Skalozub. Aber jetzt ist es unmöglich: Am nächsten Morgen wird es dank der Szene mit Chatsky ganz Moskau wissen – und vor allem „Prinzessin Marya Alekseevna“. Sein Frieden wird von allen Seiten gestört – und wird ihn unweigerlich dazu bringen, über etwas nachzudenken, das ihm nie in den Sinn gekommen ist.<…>

Molchalin kann nach der Szene im Eingangsbereich nicht mehr derselbe Molchalin bleiben. Die Maske wird abgenommen, er wird erkannt und muss sich wie ein ertappter Dieb in einer Ecke verstecken. Die Gorichevs, Zagoretskys, die Prinzessinnen – sie alle fielen unter dem Hagel seiner Schüsse, und diese Schüsse werden nicht spurlos bleiben.<…>Chatsky schuf eine Spaltung, und wenn er in seinen persönlichen Zielen getäuscht wurde, „den Charme von Treffen, lebendiger Teilnahme“ nicht fand, dann besprengte er selbst lebendiges Wasser auf toten Boden – und nahm „eine Million Qualen“ mit sich, die von Chatsky Dornenkrone – Qualen von allem: vom „Geist“ und noch mehr von „beleidigten Gefühlen“.<…>

Die Rolle und Physiognomie der Chatskys bleibt unverändert. Chatsky ist vor allem ein Aufdecker von Lügen und allem, was überholt ist, was neues Leben, „freies Leben“, übertönt.

Er weiß, wofür er kämpft und was ihm dieses Leben bringen soll. Er verliert nicht den Boden unter seinen Füßen und glaubt nicht an ein Gespenst, bis er Fleisch und Blut angezogen hat, nicht von der Vernunft, der Wahrheit erfasst wurde – mit einem Wort, nicht menschlich geworden ist.<…>Er stellt seine Forderungen sehr positiv dar und formuliert sie in einem vorgefertigten Programm, das nicht von ihm, sondern von dem bereits begonnenen Jahrhundert entwickelt wurde. Mit jugendlichem Eifer vertreibt er nicht alles von der Bühne, was überlebt hat, was nach den Gesetzen der Vernunft und Gerechtigkeit, wie nach den Naturgesetzen der physischen Natur, noch zu leben bleibt, was erträglich sein kann und soll. Er verlangt Raum und Freiheit für sein Alter: Er bittet um Arbeit, will aber nicht dienen, und stigmatisiert Unterwürfigkeit und Possenreißer. Er fordert „Dienst an der Sache, nicht an Einzelpersonen“, vermischt nicht „Spaß oder Albernheit mit Geschäft“, wie Molchalin, er schmachtet inmitten der leeren, müßigen Menge von „Peinigern, Verrätern, finsteren alten Frauen, streitsüchtigen alten Männern“. Sie weigern sich, sich ihrer Autorität der Altersschwäche, der Rangliebe usw. zu beugen. Er ist empört über die hässlichen Erscheinungsformen der Leibeigenschaft, des wahnsinnigen Luxus und der abscheulichen Moral von „Verschwender bei Festen und Extravaganz“ – Phänomene geistiger und moralischer Blindheit und Korruption.

Sein Ideal eines „freien Lebens“ ist eindeutig: Es ist die Freiheit von all diesen unzähligen Ketten der Sklaverei, die die Gesellschaft fesseln, und dann die Freiheit – „sich auf die Wissenschaften zu konzentrieren, den wissensdurstigen Geist“ oder sich ungehindert dem „Kreativen“ hinzugeben , hohe und schöne Künste“ – Freiheit „zu dienen oder nicht zu dienen“, „im Dorf zu leben oder zu reisen“, ohne als Räuber oder Brandstifter angesehen zu werden, und – eine Reihe weiterer aufeinanderfolgender ähnlicher Schritte zur Freiheit – von Unfreiheit.<…>

Chatsky wird von der Menge an alter Macht gebrochen, die ihr wiederum mit der Qualität neuer Macht einen tödlichen Schlag versetzt.

Er ist der ewige Ankläger der Lügen, die im Sprichwort verborgen sind: „Allein auf dem Feld ist kein Krieger.“ Nein, ein Krieger, wenn er Chatsky ist, und zwar ein Sieger, aber ein fortgeschrittener Krieger, ein Scharmützler und immer ein Opfer.

Chatsky ist bei jedem Wechsel von einem Jahrhundert zum anderen unvermeidlich. Die Position der Chatskys auf der sozialen Leiter ist unterschiedlich, aber die Rolle und das Schicksal sind alle gleich, von großen Staats- und Politikern, die das Schicksal der Massen kontrollieren, bis hin zu einem bescheidenen Anteil in einem engen Kreis.<…>

Neben großen und prominenten Persönlichkeiten leben die Chatskys in scharfen Übergängen von einem Jahrhundert zum anderen und werden nicht in die Gesellschaft übertragen, sie wiederholen sich auf Schritt und Tritt, in jedem Haus, wo Alt und Jung unter einem Dach zusammenleben, wo zwei Jahrhunderte stehen sich in überfüllten Familien gegenüber – der Kampf der Frischen mit den Veralteten, der Kranken mit den Gesunden geht weiter, und alle kämpfen in Duellen, wie Horaces und Curiatia – Miniatur-Famusovs und Chatskys.

Jedes Geschäft, das aktualisiert werden muss, ruft den Schatten von Chatsky hervor – und egal, wer die Figuren sind, in Bezug auf jede menschliche Angelegenheit – sei es eine neue Idee, ein Schritt in der Wissenschaft, in der Politik, im Krieg – egal, wie sich die Menschen gruppieren, sie können es nicht Entfliehen Sie den beiden Hauptmotiven des Kampfes: einerseits dem Ratschlag „Lernen Sie, indem Sie auf die Älteren schauen“ und andererseits dem Drang, immer weiter von der Routine zu einem „freien Leben“ zu streben andere.<…>

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KRITISCHER SENTIMENTALISMUS So charakterisierte Sergei Gandlevsky seine eigene künstlerische Erfahrung und die Erfahrung der informellen poetischen Schule „Moskauer Zeit“ (A. Soprovsky, B. Kenzheev, A. Tsvetkov) in einem gleichnamigen Artikel aus dem Jahr 1989. Laut ihn

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In seiner kritischen Skizze „A Million Torments“ I.A. Goncharov beschrieb „Woe from Wit“ als eine lebendige, scharfe Satire, aber gleichzeitig auch als Komödie, die die Moral und historischen Momente Moskaus und seiner Bewohner zeigt.

In dem Stück berührte Gribojedow ganz wichtige Themen wie Erziehung, Bildung, Bürgerpflicht, Dienst am Vaterland, Leibeigenschaft und Verehrung von allem Fremden. Das Werk beschreibt einen großen Zeitraum im Leben des russischen Volkes, von Katharina bis Kaiser Nikolaus, symbolisiert durch eine Gruppe von 20 Gästen beim Empfang von Famusov, an dem Chatsky, die Hauptfigur der Komödie, teilnimmt. Der Autor zeigte den Kampf zwischen Vergangenheit und Gegenwart in den Bildern der Chatsky- und Famus-Gesellschaft.

Als Chatsky bei Famusov ankommt, um seine geliebte Sophia zu besuchen, trifft er auf Menschen, die in Lügen und Heuchelei leben. Menschen, die sich nur für Dinnerpartys und Tänze interessieren, die überhaupt kein Interesse an etwas Neuem haben. Chatsky verkörpert einen Menschen mit einer neuen Struktur von Geist und Seele, der von neuen Ideen und Erkenntnissen inspiriert ist und nach neuen Horizonten sucht. Es ist ihm zuwider, dem Vaterland nur um Rang und Reichtum willen zu dienen.

Was ist mit Sophia? Sophia liebte Chatsky nicht, sie betrog ihn und wählte den engstirnigen Molchalin, der weiß, wo und wem er dienen soll. Nachdem Sophia Chatsky für verrückt erklärt hat, schließt sie sich Chatskys „Peinigern“ an, die ihn lachen und verspotten.

In Famusovs Gesellschaft bleibt Chatsky unverstanden. Er sieht und versteht den Schrecken der Leibeigenschaft und die Tatsache, dass diese Welt jenen Herren gehört, denen die Probleme des einfachen Volkes und des Staates absolut egal sind; ihnen geht es mehr um ihr eigenes Wohl. Gleichzeitig versteht Chatsky nicht, wie es möglich ist, einen Menschen gegen einen Hund einzutauschen oder seinen Eltern ein Kind wegzunehmen, um den Willen des Herrn zu befriedigen.

Leider stören weder seine Reden noch sein Leiden irgendjemanden, und indem er alles zum Ausdruck bringt, was er angesammelt hat, bringt Chatsky alle noch mehr gegen sich auf. Und er stellt sich gegen Menschen, die Macht und Reichtum schätzen, aber große Angst vor Aufklärung und Wahrheit haben. Er spricht darüber, wie der Fortschritt der Gesellschaft mit der Entwicklung der Persönlichkeit, dem Aufblühen von Wissenschaft und Aufklärung verbunden ist. Aber leider ist das alles der Gesellschaft des alten Moskau fremd und fremd. Sie weisen ihn, seine Vorfahren, immer darauf hin, dass er derselbe sein muss. Chatsky ist sehr klug und gebildet und versteht nicht, dass man nicht leben, sondern nur seine Rollen spielen kann. Verspottet und missverstanden verlässt er Famusovs Haus mit seinen ungelösten Qualen.

Goncharov glaubt, dass Chatsky an der Menge der alten Macht gebrochen wurde, ihr aber wiederum mit der Qualität der neuen Macht einen tödlichen Schlag versetzte und damit ein neues Jahrhundert begann.

Das unsterbliche Werk des berühmten Gribojedow-Klassikers „Woe from Wit“, auf dessen Grundlage ständig Aufführungen aufgeführt wurden und in vielen Theatern auf der ganzen Welt aufgeführt werden, hat im Laufe der Zeit nicht an Aktualität verloren.