Die Rückkehr des verlorenen Sohnes, wo befindet sie sich? „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ von Rembrandt. Warum ist das ein Meisterwerk?

Russland ist laut offizieller Statistik zu 80 % ein orthodoxes Land, lebt aber tatsächlich noch unentschlossen Fastenzeit

Die Gottesdienste in Kirchen und Cafés haben sich verlängert Fastenmenü. Aber der Teil der Bevölkerung, der nicht statistisch, sondern bewusst der Orthodoxie angehört, begann mehrere Wochen im Voraus, sich auf das Fasten vorzubereiten. „The Table“ versuchte durch die Eremitage in diese Tradition einzudringen.

Der Rembrandt-Saal in der Eremitage hat grüne Wände. Das erste Bild, das uns beim Betreten der Halle begrüßt, ist „Rückkehr verlorene Sohn" Figuren treten aus der dichten Dunkelheit hervor, Gesten und Beziehungen der Charaktere werden klarer. Der vom Schicksal gequälte Sohn mit dem rasierten Kopf eines Sträflings, in schäbiger Kleidung, mit abgenutzten Beinen, die nicht mehr gehen können, steht auf den Knien und klammert sich an seinen Vater. Und er legte seine Hände auf seine Schultern und akzeptierte. Das Gesicht des Sohnes ist fast unsichtbar. Das Gesicht des Vaters ist wie eine Lichtquelle.

Rembrandt. Rückkehr des verlorenen Sohnes. 1668-1669

Ein gewisser Mann hatte zwei Söhne. Und so jüngerer Sohn sagte zu seinem Vater: „Vater, gib mir den Anteil am Familienvermögen, der mir zusteht!“ Und er teilte sein Eigentum unter ihnen auf. Nach ein paar Tagen reiste der jüngste Sohn mit allem ab fernes Land und dort führte er ein ausschweifendes Leben und verschwendete seinen ganzen Reichtum (Lukas 15:11-13)

Am Ende glich das Leben von Rembrandt Harmensz van Rijn einer fallenden Blume. Er starb 1669. Das notarielle Inventar des vom Künstler hinterlassenen Nachlasses ist sehr kurz: zwei Jacken, ein Dutzend Baskenmützen, Taschentücher, diverse Accessoires für Gemälde und die Bibel.

In den letzten zehn Jahren seines Lebens verlor er sein Vermögen, die Freunde, denen er seine Bilder schenkte, und das Haus, in dem er mit seiner ersten und geliebten Frau Saskia lebte. Sie machte ihren Mann reich und glücklich, indem sie acht Jahre lang mit ihm zusammenlebte, starb jedoch kurz nach der Geburt ihres vierten und einzigen überlebenden Kindes, des Jungen Titus. Einer der meisten Berühmte Werke Das „Selbstporträt mit Saskia auf dem Schoß“ der Künstlerin ist die Apotheose des Glücks der Autorin. Aber viele Leute nennen dasselbe Werk „Der verlorene Sohn in der Taverne“: der Autor in Ruhm und Macht. Er ist selbstbewusst, er hofft auf sich selbst und auf ewiges Glück.

Nach Saskia versuchte Rembrandt sein Glück bei anderen Frauen. Und so war seine Auserwählte die Magd Hendrikje Stoffels. Aufgrund der Verbindung zu ihr wandten sich viele angewidert von der Künstlerin ab. Doch bis zu ihrem Tod im Jahr 1663 war sie seine treue Begleiterin. Rembrandts letzter Trost war sein einziger Sohn. Aber er verließ auch seinen Vater und starb nur sieben Monate nach Hendrickje.

Rembrandt arbeitete weiter. Der Ruhm verließ dann den Künstler und ruhte sich heimlich auf den Knien seiner Schüler aus – mutige, moderne und zugleich heute fast vergessene Maler. Aber der Meister nahm weiterhin Befehle entgegen und führte sie mit Bravour aus. Ich habe auch mein eigenes geschrieben. In seinem Todesjahr vollendete er das Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“.

Rembrandt. Selbstporträt mit Saskia auf dem Schoß. 1635

Und als er alles ausgegeben hatte, herrschte in diesem Land eine schwere Hungersnot, und die Not wurde ihm empfindlich. Er ging und verdingte sich bei einem der Bewohner dieses Landes und schickte ihn auf seine Weiden, um Schweine zu weiden. Und er hätte sich gern satt gegessen, sogar von den Hörnern, mit denen die Schweine gefüttert wurden, aber niemand erlaubte es ihm (Lukas 15,14-16)

– Der Sonntag des verlorenen Sohnes ist einer der Vorbereitungssonntage für die Fastenzeit. Es entsteht eine Stimmung zur Reue – sagt Kunsthistoriker, Magister der Theologie und Katechet . - Vor ihr Es ist eine Wocheüber den Zöllner und den Pharisäer. Es geht darum, wie Menschen beten, von denen einer sich über den anderen erhebt, und dass dadurch keine Rechtfertigung erreicht werden kann. Und dahinter verbirgt sich die Woche des verlorenen Sohnes, in der sich jeder in seine Lage versetzt: Schließlich fallen wir im Leben, wie man glaubt, immer von Gott ab, und der verlorene Sohn macht uns klar, dass wir umkehren und zurückkehren müssen zu ihm.

Kopirovsky erinnert sich, dass dieses liturgische System erst recht spät erschien, als den Kirchenmitgliedern bereits gesagt werden musste, dass es notwendig sei, Buße zu tun; als sie Orientierungspunkte, Leuchtfeuer und „Stimulanzien“ brauchten, um sich geistig aufzurütteln und zu sehen, wo die Löcher in ihrem Leben von Motten oder Rost gefressen wurden.

Je mehr Unwissenheit und heidnische Überreste ein Mensch mit der Zeit in die Kirche mitbrachte, desto mehr solcher Erinnerungen traten auf Kirchenkalender. Diese Erinnerungen bleiben im Gottesdienst bis heute unverändert.

– Im Mittelpunkt dieses Tages steht die Vergebung – das Prinzip und das Wichtigste. Es regt jeden zum Nachdenken an. Es geht nicht einmal darum, dass eine Person lernt zu vergeben – darüber wird normalerweise nachgedacht letzter Ausweg,- aber zumindest gemerkt, dass jemandem vergeben wurde, dass andere vergeben.

Alexander Michailowitsch Kopirowski

Und dann kam er zur Besinnung und sagte sich: „Wie viele Arbeiter meines Vaters bekommen Essen im Überfluss, und hier sterbe ich vor Hunger!“ Ich werde aufstehen, zu meinem Vater gehen und ihm sagen: „Vater, ich habe gegen den Himmel und gegen dich gesündigt; Ich bin es nicht mehr wert, dein Sohn genannt zu werden, lass mich einer deiner Arbeiter sein!“ Und er stand auf und ging zu seinem Vater. Sein Vater sah ihn von weitem und hatte tiefes Mitleid mit ihm. Er lief ihm entgegen, warf sich ihm um den Hals und küsste ihn (Lukas 15,17-20).

IN Sowjetzeit Dieses Bild kann unterschiedlich interpretiert werden. Die Themen der Heiligen Schrift für einen starken ideologischen Leitfaden waren Mythen und kulturelle Fakten. Rublevs „Dreifaltigkeit“ wurde oft als „süße Erinnerung an ein grünes, leicht bräunliches Roggenfeld, übersät mit Kornblumen“ dargestellt und drängte seine Essenz und seinen spirituellen Inhalt auf die zehnte Ebene. Auch Rembrandt blieb nicht verschont. Alexander Kopirovsky erinnert sich:

– Sie sagten und schrieben, dass Rembrandt ein Realist sei, dass er den bürgerlichen Geschmack seiner Zeit überwand, die Tradition zerstörte, nach der die Malerei hell und äußerlich repräsentativ sein sollte, die menschliche Seele offen zeigen sollte ... Das heißt, sie haben alles berücksichtigt Psychologie. Das Gemälde könnte als Erinnerung an seinen verstorbenen Sohn interpretiert werden, als Ausdruck seiner elterlichen Gefühle. Aber Titus lief nicht vor seinem Vater davon, obwohl er nicht die Absicht hatte, sein Werk und seine Tradition fortzusetzen.

Natürlich drückte Rembrandt in seinen Werken, die auf Szenen aus der Bibel basieren, weder sich persönlich noch ausschließlich seine Erfahrungen und Gefühle aus. Er offenbarte, was in der Heiligen Schrift selbst enthalten war.

–Die Bedeutung und der Geist des Gleichnisses des Evangeliums vom verlorenen Sohn ist das, was er zum Ausdruck brachte: – sagt Alexander Michailowitsch. – Er illustriert das Gleichnis nicht. Die Abbildung setzt eine strikte Einhaltung des Textes voraus. Aber auf dem Bild hat der verlorene Sohn bereits alle Worte gesagt, die er in der Handlung ausspricht, und der Vater verhält sich nicht wie in der Heiligen Schrift. Es heißt nicht, dass er seinen Sohn umarmte und erstarrte – es bezieht sich sofort auf einen Feiertag zu Ehren der Rückkehr des jungen Mannes. Darüber hinaus ist auf dem Bild auch ein ältester Sohn zu sehen. Hier steht er rechts in einem roten Umhang, wie der seines Vaters, obwohl er laut Handlung in diesem Moment nicht dort war. Aber was einen echten Künstler interessant macht, ist, dass er die Grenzen der Handlung mutig erweitert! Er interpretiert es frei, ohne etwas Eigenes einzuführen, sondern enthüllt die Bedeutung des Ereignisses, die nicht an der Oberfläche liegt.

Murillo. Rückkehr des verlorenen Sohnes. 1660

Aber der älteste Sohn wurde wütend und wollte nicht eintreten; aber sein Vater kam heraus und begann ihn einzuladen. Und er antwortete seinem Vater: „Siehe, ich habe dir so viele Jahre lang gedient, und ich habe deinem Befehl nie widersprochen; Und du hast mir kein einziges Mal ein Kind geschenkt, damit ich mit Freunden feiern konnte. Und wie ist dieser dein Sohn zurückgekehrt, der dein Eigentum mit Huren verschlungen hat – für ihn hast du das gemästete Kalb getötet!“ Aber er sagte zu ihm: „Kind, du bist immer bei mir, und alles, was mein ist, ist dein; aber ihr hättet euch freuen und freuen sollen, denn dieser eure Bruder war tot und lebt wieder, er war verloren und ist gefunden“ (Lukas 15:28-30)

Das Gleichnis wird so erzählt, dass man nicht seine Handlung hören kann, sondern sein Wesen, das Ergebnis. Die Barmherzigkeit des Vaters ist ein Geheimnis, ihre Tiefe ist unverständlich, aber sie wird offenbart. Die Liebe triumphiert.

Als die Propheten und Interpreten des Evangeliums verstummten, wurde ihre Rolle gewissermaßen von Dichtern, Schriftstellern und Künstlern übernommen. Und Rembrandt interpretiert das Gleichnis aus dem Evangelium kühn und zeigt die Kraft und Schönheit der Barmherzigkeit des Vaters und nicht seiner äußere Handlungen. Er schildert die Begegnung eines Vaters mit einem verlorenen Sohn, und zwar äußerst realistisch, aber zugleich mystisch. Dies wird auch durch die im wahrsten Sinne des Wortes „klingenden“ satten Farben des Bildes erleichtert, vor allem rot, königlich und friedlich zugleich. Davon zeugt auch das darin verströmte geheimnisvolle „rembrandtsche“ Licht, das die Figuren des Gleichnisses aus der sie umgebenden Dunkelheit entreißt.

Forscher streiten darüber, was für „zusätzliche“ Personen auf dem Bild sind? Sie raten, probieren Rollen aus, stellen Hypothesen auf. Aber höchstwahrscheinlich waren es Sie und ich, die als Zeugen eines Wunders die Leinwand „betraten“.

Die Reue des jüngsten Sohnes besteht nicht nur darin, dass er sich seines Sündenfalls bewusst wird. Er konnte sich selbst geißeln, so viel weinen, wie er wollte, und trotzdem bei seinen Schweinen bleiben. Aber er „kam zur Besinnung“, stand auf und ging zu seinem Vater, kam zu ihm und sagte alles, was er ihm sagen wollte – das ist Reue, der sicherlich das Wunder der Vergebung folgen wird. Es ist sehr gut, in einer solchen Stimmung in die Fastenzeit zu gehen.

Alexander Kopirovsky glaubt, dass Rembrandt hier über sich selbst hinausgewachsen ist. Es gelang ihm, eine Szene zu zeigen, die moralisch nicht erbaulich war: Wie gut es ist, zu vergeben! Er zeigte sozusagen eine Lösung für das Problem von Vätern und Kindern auf: Wenn es eine solche Umarmung gibt, existiert dieses Problem nicht. Vater und Sohn sind wie eins, sie sind verschmolzen. Der Vater legt seine riesigen, schweren Hände auf den Rücken seines Sohnes, und der Sohn fällt nicht auf die Brust seines Vaters, nicht auf seine Schultern, sondern wie ein kleines Kind in den Schoß seines Vaters. Die Rückgabe erfolgte.

– Dies ist ein Gespräch über Essenz des Lebens, – sagt Kopirovsky. – Hier bedarf es keiner klugen Interpretation. So können Sie ernsthaft mit uns reden moderner Mann zumindest einige spirituelle Fragen stellen. Denn heute kommt ein solcher Mensch meist nicht als verlorener Sohn zu Gott, sondern als Zuschauer in einem Museum. „Was hast du hier? Ich frage mich, nun, zeig mir Gott! Nun, schau... Und etwas passiert. Die Person beginnt zu sehen.

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669)

Van Gogh sagte sehr treffend über Rembrandt: „Man muss mehrmals sterben, um so zu malen... Rembrandt dringt so tief in das Geheimnis ein, dass er über Objekte spricht, für die es in keiner Sprache Worte gibt.“ Deshalb wird Rembrandt genannt: ein Zauberer. Und das ist kein einfaches Handwerk.“

Vielleicht weckt kein anderes Gemälde von Rembrandt so erhabene Gefühle wie dieses Gemälde. In der Weltkunst gibt es nur wenige Werke von so intensiver emotionaler Wirkung wie das monumentale Hermitage-Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“.

Ja, Rembrandts Gemälde sind zweifellos der Höhepunkt Niederländische Malerei, und im Werk des Künstlers selbst war einer dieser Höhepunkte das Gemälde „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“. Er hat es hineingeschrieben Letztes Jahr Leben, als ich schon alt, arm, unheilbar krank und gebrechlich war und in Hunger und Kälte lebte. Und doch schrieb, schrieb und schrieb er dem Schicksal zum Trotz in dem Land und der Stadt, die er für immer verherrlichte.

Das Thema des Gemäldes war das berühmte Gleichnis vom Evangelium, das erzählt, wie der verlorene Sohn nach langen Wanderungen in einer unbequemen Welt zurückkehrte unerfüllte Hoffnungen dem Vater, den er verlassen hat. Diese Geschichte zog schon lange vor Rembrandt viele Künstler an. Die Meister der Renaissance sahen in der Versöhnung eines Vaters mit einem ungehorsamen Sohn ein schönes und unterhaltsames Schauspiel. So spielt sich die Handlung auf dem Gemälde des venezianischen Künstlers Bonifacio vor einem reichen Anwesen, vor einer überfüllten, herausgeputzten Menschenmenge ab. Niederländische Künstler Sie fühlten sich mehr von den Prüfungen angezogen, denen der rebellische Sohn in einem fremden Land ausgesetzt war (zum Beispiel die Szene, als ein degenerierter, liederlicher Mann in einem Scheunenhof inmitten von Schweinen bereit war, mit frommen Gebeten für seine Sünden zu büßen).

Viele Jahre seines Lebens beschäftigte Rembrandt das Thema des „verlorenen Sohnes“. Bereits 1636 wandte er sich diesem Thema zu, als er an einer gleichnamigen Radierung arbeitete. In seinen Gemälden zu biblischen und evangelischen Themen stellte der Künstler selten Leidenschafts- oder Wunderszenen dar; er fühlte sich mehr von Geschichten über das Alltagsleben der Menschen angezogen, insbesondere von Szenen aus dem patriarchalischen Leben Familienleben. Die Geschichte vom verlorenen Sohn wurde erstmals von Rembrandt in einem Stich dargestellt, in dem er biblische Geschichte in ein niederländisches Setting und stellte seinen Sohn als knochiges, halbnacktes Wesen dar. Aus dieser Zeit stammt auch die Zeichnung, in der der Vater energisch mit der Hand den zottigen Kopf seines reuigen Sohnes drückt: Auch im Moment der Versöhnung möchte er seine väterliche Macht zeigen.

Die Geschichte des verlorenen Sohnes in den Werken von Rembrandt

Das Gleichnis vom verlorenen Sohn finden wir im Lukasevangelium. Es erzählt von einem jungen Mann, der das Haus seines Vaters verließ und sein Erbe verschleuderte. Er verbrachte seine Tage in Müßiggang, Ausschweifung und Trunkenheit, bis er sich auf einem Scheunenhof wiederfand, wo er mit den Schweinen aus demselben Trog aß. Der junge Mann befindet sich in einer verzweifelten Situation und völliger Armut und kehrt zu seinem Vater zurück, bereit, sein letzter Sklave zu werden. Doch statt Verachtung findet er königlichen Empfang, statt Wut – allverzeihende, tiefe und zärtliche väterliche Liebe.

Mindestens dreimal im Laufe seines Lebens greift Rembrandt auf das Gleichnis vom verlorenen Sohn zurück.

1633 „Selbstbildnis mit Saskia“

Erstmals 1633 im Gemälde „Selbstbildnis mit kniender Saskia“. Das Gemälde wurde von Rembrandt in einer für ihn glücklichen Zeit gemalt. Er hatte gerade die Tochter der Bürgermeisterin Saskia van Uylenburch geheiratet, die er sehr liebte. Und dies war ihr erstes und letztes (bis auf Zeichnungen) gemeinsames Porträt. Das Gemälde zeigt ein elegant gekleidetes Mädchen, jung und schön. Damals verhielt sie sich eher leichtfertig, denn sie saß auf dem Schoß eines jungen Mannes, der ihre flexible Figur umarmte. Der junge Mann ist ein Dandy, ein unbeschwerter Dandy in einem Samthemd und einem Hut mit einer riesigen Straußenfeder. Er ist fröhlich und zufrieden mit sich selbst: Er genießt die Aufmerksamkeit einer Dame, ein Glas Sekt in der Hand, ein herzhaftes Abendessen wird auf einem reich gedeckten Tisch serviert. Rembrandt schilderte sich und seine Geliebte in einem unbeschwerten Zeitvertreib, in Freude, in Ekstase des Lebens und des menschlichen Glücks.

In der oberen linken Ecke der Leinwand sehen wir zwar eine Schiefertafel. Solche Tafeln hingen meist in Wirtshäusern und darauf stand der Preis für das, was getrunken und gegessen wurde. War dies ein Hinweis für den Betrachter, dass alles im Leben bezahlt werden muss, oder erforderte einfach die Komposition des Bildes einen Platz in der Ecke? Vor Zeitgenossen erschien das Bild, auf dem die Zuschauer das junge Paar erkannten, mit dem Titel „Der verlorene Sohn in der Taverne“ („Das Fest des verlorenen Sohnes“). Dieser Titel vermittelt sowohl stolze Selbstironie als auch Rebellion. junger Künstler, der die prüden niederländischen Bürger herausforderte. Er wurde jedoch nicht verstanden. Das Porträtgenre war bei den Amsterdamer Reichen beliebt und Rembrandts nächstes Gemälde machte ihn noch berühmter und erweiterte seinen Kundenkreis.

Rembrandt griff dieses Thema viele Male auf und präsentierte es im Laufe der Jahre jedes Mal anders. In frühen Versionen bringt der Sohn energisch seine Reue und Unterwerfung zum Ausdruck. In einer Reihe späterer Zeichnungen sind die spirituellen Impulse von Vater und Sohn nicht mehr so offensichtlich, das Element der Erbauung verschwindet. Anschließend begann Rembrandt von der fast unerwarteten Begegnung eines alten Vaters und Sohns fasziniert zu sein, bei der die Kräfte der menschlichen Liebe und Vergebung gerade erst bereit waren, sich zu offenbaren. Manchmal saß ein einsamer alter Mann in einem geräumigen Zimmer, sein unglücklicher Sohn kniete vor ihm. Manchmal ist es ein alter Mann, der auf die Straße geht, wo ihn eine unerwartete Begegnung erwartet; oder sein Sohn kommt auf ihn zu und drückt ihn fest in seine Arme.

Nach 30 Jahren schafft der Künstler eine weniger detaillierte, erzählerische Komposition, in der der Schwerpunkt auf den alten Vater verlagert wird. Die Handlung des Gemäldes „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“ steht nicht in direktem Zusammenhang mit den vorherigen Skizzen, aber Rembrandt investierte darin seine gesamte kreative Erfahrung und vielleicht die wichtigste Lebenserfahrung.

Rembrandt las die biblische Geschichte nachdenklich, aber er war kein einfacher Illustrator, der sich bemühte, den Text genau wiederzugeben. Er gewöhnte sich an das Gleichnis, als ob er selbst Zeuge des Geschehens gewesen wäre, und dies gab ihm das Recht, das Ungesagte zu vervollständigen.

Mehrere Menschen versammelten sich auf einer kleinen Fläche vor dem Haus. Zerfetzt, bettelarm, in Lumpen gekleidet und mit einem Seil umschnürt, mit dem rasierten Kopf eines Sträflings, steht der verlorene Sohn auf den Knien und verbirgt sein Gesicht auf der Brust des alten Mannes. Von Scham und Reue überwältigt, spürte er vielleicht zum ersten Mal seit vielen Jahren die Wärme einer menschlichen Umarmung. Und der Vater beugt sich zum „Landstreicher“ und drückt ihn mit vorsichtiger Zärtlichkeit an sich. Seine senilen, unsicheren Hände liegen zärtlich auf dem Rücken seines Sohnes. Diese Minute auf ihre Art psychologischer Zustand gleich einer Ewigkeit, bevor beide die Jahre verbringen, die sie ohne einander verbracht haben und die so viel seelischen Schmerz mit sich gebracht haben. Es scheint, dass das Leiden sie bereits so sehr gebrochen hat, dass die Freude über die Begegnung keine Erleichterung brachte.

Die Handlung ist dem Neuen Testament entnommen

Rückkehr des verlorenen Sohnes“ – - das ist ein Gefühl grenzenloser Freude an Familie und väterlichem Schutz. Dies ist wahrscheinlich der Grund, warum wir den Vater als Hauptfigur bezeichnen können und nicht den verlorenen Sohn, der zum Grund für die Manifestation der Großzügigkeit wurde. Edann Trauer über die verlorene Jugend, Bedauern darüber, dass es unmöglich ist, die verlorenen Tage zurückzugeben.

Diese Geschichte zog viele an berühmte Vorgänger von Rembrandt: Dürer, Bosch, Lukas von Leiden, Rubens.

GLEICHNIS

Ein Mann hatte zwei Söhne. Der jüngste Sohn wollte seinen Teil des Nachlasses erhalten, und der Vater teilte den Nachlass unter seinen Söhnen auf. Bald sammelte der jüngste Sohn alles, was er hatte, und machte sich auf den Weg in ein fernes Land. Dort verschwendete er sein gesamtes Vermögen für ein ausschweifendes Leben. Am Ende geriet er in große Not und musste als Schweinehirt arbeiten.

Er war so hungrig, dass er bereit war, seinen Magen mit dem Brei zu füllen, den man den Schweinen gab. Aber auch dies wurde ihm vorenthalten, weil... Im Land begann eine Hungersnot. Und dann dachte er: „Wie viele Diener gibt es im Haus meines Vaters, und es gibt genug zu essen für sie alle.“ Und hier sterbe ich vor Hunger. Ich werde zu meinem Vater zurückkehren und sagen, dass ich gegen den Himmel und ihn gesündigt habe.“ Und er kehrte nach Hause zurück. Als er noch weit weg war, sah ihn sein Vater und hatte Mitleid mit seinem Sohn. Er rannte ihm entgegen, umarmte ihn und begann ihn zu küssen.

Er sagte: „Vater, ich habe gegen den Himmel und gegen dich gesündigt und bin es nicht länger wert, dein Sohn genannt zu werden.“ Aber der Vater sagte zu seinen Dienern: „Geht schnell, bringt ihm die besten Kleider und kleidet ihn an.“ Lege ihm einen Ring an die Hand und ziehe ihm Sandalen an. Bringen Sie ein gemästetes Kalb mit und schlachten Sie es. Lasst uns ein Fest veranstalten und feiern. Schließlich war mein Sohn tot und jetzt lebt er wieder! Er war verloren und jetzt wurde er gefunden!“ Und sie begannen zu feiern.

Der älteste Sohn war zu dieser Zeit auf dem Feld. Als er sich dem Haus näherte, hörte er Musik und Tanz im Haus. Er rief einen der Diener an und fragte, was dort los sei. „Dein Bruder kam“, antwortete der Diener, „und dein Vater hat das gemästete Kalb getötet, weil sein Sohn gesund ist und ihm alles gut geht.“

Der älteste Sohn wurde wütend und wollte nicht einmal das Haus betreten. Dann kam der Vater heraus und begann ihn zu betteln. Aber der Sohn sagte: „All die Jahre habe ich als Sklave für dich gearbeitet und immer alles getan, was du gesagt hast.“ Aber du hast nie ein Kind für mich abgeschlachtet, damit ich Spaß mit meinen Freunden haben konnte.

Aber als dieser dein Sohn, der dein ganzes Vermögen durch Ausschweifungen verschwendet hatte, nach Hause kam, hast du ein gemästetes Kalb für ihn geschlachtet!“ "Mein Sohn! - sagte der Vater damals, - du bist immer bei mir und alles, was ich habe, gehört dir. Aber wir sollten uns freuen, dass dein Bruder tot war, und jetzt lebt er wieder, er war verloren und wurde gefunden!“

Die religiöse Bedeutung des Gleichnisses ist folgende: Egal wie sehr ein Mensch sündigt, Reue wird immer mit freudiger Vergebung belohnt.

ÜBER DAS BILD

Dieses Bild ist zweifellos die Krönung spätere Kreativität Rembrandt, über die reuige Rückkehr des Sohnes, über die selbstlose Vergebung des Vaters, offenbart klar und überzeugend die tiefe Menschlichkeit der Geschichte.

Rembrandt hebt mit Licht das Wesentliche im Bild hervor und lenkt unsere Aufmerksamkeit darauf. Kompositionszentrum befindet sich fast am Bildrand. Der Künstler balanciert die Komposition mit einer rechts stehenden Figur.

Wie immer stellte die Fantasie des Künstlers alles, was geschah, sehr konkret dar. Es gibt keine einzige Stelle auf der riesigen Leinwand, die nicht mit subtilen Farbveränderungen gefüllt wäre. Die Handlung findet am Eingang eines Hauses zu unserer Rechten statt, das von Efeu umrankt und in Dunkelheit gehüllt ist.

Der verlorene Sohn, der vor seinem heruntergekommenen Vater, der auf seinen Wanderungen das letzte Stadium der Armut und Demütigung erreichte, auf die Knie fiel, ist ein Bild, das mit erstaunlicher Kraft den tragischen Weg des Lernens über das Leben verkörpert. Der Wanderer trägt Kleidung, die einst reich war, jetzt aber in Lumpen verwandelt ist. Die linke seiner zerschlissenen Sandalen fiel ihm vom Fuß.

Aber es ist nicht die Eloquenz der Erzählung, die den Eindruck dieses Bildes bestimmt. In den majestätischen, strengen Bildern offenbaren sich hier die Tiefe und Spannung der Gefühle, und Rembrandt erreicht dies durch das völlige Fehlen von Dynamik – tatsächlicher Handlung – im gesamten Bild.

VATER UND SOHN

Das Bild werde „nur von einer Figur dominiert – dem Vater, dargestellt von vorne, mit einer breiten, segnenden Geste seiner Hände, die er nahezu symmetrisch auf die Schultern seines Sohnes legt.“

Der Vater ist ein würdevoller alter Mann mit edlen Gesichtszügen, gekleidet in königlich klingende rote Gewänder. Schauen Sie sich diesen Mann genau an – er scheint älter als die Zeit selbst zu sein, und seine blinden Augen sind unerklärlich, genau wie die goldbemalten Lumpen des jungen Mannes. Die dominierende Stellung des Vaters im Bild wird sowohl durch stillen Triumph als auch durch verborgene Pracht bestätigt. Es spiegelt Mitgefühl, Vergebung und Liebe wider.

Ein Vater, der seine Hände auf das schmutzige Hemd seines Sohnes legt, als ob er ein heiliges Sakrament spenden würde, überwältigt von der Tiefe des Gefühls, sollte seinen Sohn sowohl festhalten als auch festhalten ...

Vom edlen Haupt des Vaters, von seinem kostbaren Gewand, fällt unser Blick auf den geschorenen Kopf, den kriminellen Schädel des Sohnes, auf seine wahllos an seinem Körper hängenden Lumpen, auf die kühn dem Betrachter entblößten Fußsohlen, versperrt ihm die Sicht...

Rückkehr des verlorenen Sohnes, 1669. Öl auf Leinwand, 262 x 206.
Staatliche Eremitage, Sankt Petersburg

Das Treffen von Vater und Sohn findet wie an der Schnittstelle zweier Räume statt: In der Ferne erkennt man eine Veranda und dahinter das gemütliche Vaterhaus. Vor dem Bild ist angedeutet und unsichtbar der grenzenlose Raum der vom Sohn befahrenen Straßen, eine fremde Welt, die sich als feindlich für ihn erweist, zu erkennen.

Die Figuren von Vater und Sohn bilden eine geschlossene Gruppe; unter dem Einfluss der Gefühle, die sie erfassten, schienen sie zu einer Einheit zu verschmelzen. Der Vater ragt über seinen knienden Sohn und berührt ihn mit sanften Handbewegungen. Sein Gesicht, seine Hände, seine Körperhaltung – alles spricht von Frieden und Glück, das er danach gefunden hat seit langen Jahren schmerzhaftes Warten. Die Stirn des Vaters scheint Licht auszustrahlen, und dies ist die hellste Stelle auf dem Bild.

Nichts durchbricht die konzentrierte Stille. Mit großer Aufmerksamkeit verfolgen die Anwesenden die Begegnung zwischen Vater und Sohn. Unter ihnen sticht der rechts stehende Mann in einem roten Umhang hervor, dessen Figur die Hauptfiguren mit den Menschen um sie herum zu verbinden scheint.

Auch die Person, die dahinter steht, beobachtet aufmerksam, was passiert. Der Blick seiner weit geöffneten Augen lässt darauf schließen, dass auch er von der ganzen Bedeutung und Ernsthaftigkeit dieses Augenblicks erfüllt war. Eine in einiger Entfernung stehende Frau blickt Vater und Sohn mit aufrichtigem Mitgefühl an. Es ist schwer zu sagen, wer diese Leute sind. Möglicherweise strebte Rembrandt nicht nach einer individuellen Charakterisierung der Anwesenden, da diese nur als Ergänzung zur Hauptgruppe dienen.

Rembrandt suchte lange und beharrlich nach der Figur des verlorenen Sohnes; der verlorene Sohn ist bereits in den Prototypen zahlreicher Zeichnungen und Skizzen sichtbar. Auf dem Bild ist er fast der Einzige klassische Malerei ein Held, der dem Publikum völlig den Rücken gekehrt hat. Der junge Mann ist viel gereist, hat viel erlebt und erlebt: Sein Kopf ist voller Krusten, seine Schuhe sind abgenutzt. Einer von ihnen fiel vom Fuß und der Betrachter sieht seine verhärtete Ferse. Er erreichte kaum die Schwelle des Hauses seines Vaters und fiel erschöpft auf die Knie. Ein grober Schuh, der von seinem Fuß fällt, erzählt beredt davon, wie lange der Weg zurückgelegt wurde und welche Demütigungen er erlitten hatte. Der Betrachter hat keine Gelegenheit, sein Gesicht zu sehen, aber im Anschluss an den verlorenen Sohn scheint auch er ins Bild zu treten und fällt auf die Knie.

Aus den Tiefen der düsteren Leinwand strömt ein geheimnisvolles Licht. Es umhüllt sanft die Gestalt eines blinden Vaters, der aus der Dunkelheit auf seinen Sohn zugeht. Die Menschen um ihn herum schienen in Erwartung der Worte der Vergebung erstarrt zu sein, aber es gab keine Worte ... Der alte Vater macht tatsächlich den Eindruck, blind zu sein, obwohl das Gleichnis nichts über seine Blindheit sagt. Aber Rembrandt schien sie offenbar eher in der Lage zu sein, die Erregung eines berührten Herzens anschaulich darzustellen.

Ein Gefühl grenzenloser Freude und Liebe erfasst den Vater völlig; tatsächlich umarmt er seinen Sohn nicht einmal, da er nicht mehr die Kraft dazu hat und seine Hände nicht in der Lage sind, seinen Sohn an sich zu drücken. Er fühlt ihn einfach, verzeiht und beschützt ihn dadurch.

Der Kunstkritiker M. Alpatov betrachtet den Vater als Hauptfigur des Gemäldes und der verlorene Sohn sei nur ein Vorwand für den Vater, seine Großzügigkeit zu zeigen. Er glaubt sogar, dass das Gemälde „Der Vater vergibt dem verlorenen Sohn“ heißen könnte.

Derjenige, der am meisten schätzt äußere Schönheit Vielleicht wird er in diesem Gemälde von Rembrandt viele hässliche und eckige Dinge finden. Doch die geheimnisvolle Wirkung des Lichts, verstärkt durch die weitreichende Dunkelheit, fesselt jeden Betrachter und die Harmonie wunderbarer Farbnuancen wirkt auf seine Seele wie die Melodien alter Kirchenlieder.

Der Meister platzierte die Hauptfiguren an der Schnittstelle von Bild- und Realraum

(Später wurde die Leinwand unten platziert, aber nach dem Plan des Autors befand sich seine Unterkante auf Höhe der Zehen kniend Sohn

Derzeit ist das Bild sehr dunkel und daher nur noch bei normalem Licht zu sehen Vordergrund, ein schmaler Bühnenbereich mit einer Gruppe von Vater und Sohn auf der linken Seite und einem großen Wanderer in einem roten Umhang, der zu unserer Rechten auf der letzten – zweiten – Stufe der Veranda steht. Aus den Tiefen der Dunkelheit hinter der Leinwand strömt ein geheimnisvolles Licht.

Es umhüllt sanft, wie geblendet vor unseren Augen, die Gestalt des alten Vaters, der aus der Dunkelheit auf uns zutrat, und des Sohnes, der mit dem Rücken zu uns auf die Knie des alten Mannes fiel und darum bat Vergebung. Aber es gibt keine Worte. Nur die Hände, die sehenden Hände des Vaters, spüren zärtlich das liebe Fleisch. Die stille Tragödie des Erkennens, der erwiderten Liebe, so meisterhaft dargestellt vom Künstler.

SEKUNDÄRE FIGUREN

Das Bild zeigt neben Vater und Sohn noch 4 weitere Charaktere. Es handelt sich um dunkle Silhouetten, die vor einem dunklen Hintergrund schwer zu erkennen sind, aber wer sie sind, bleibt ein Rätsel. Manche nannten sie die „Brüder und Schwestern“ des Protagonisten. Bezeichnend ist, dass Rembrandt Konflikte vermeidet: Das Gleichnis spricht von der Eifersucht eines gehorsamen Sohnes, und die Harmonie des Bildes wird in keiner Weise gestört.

Die Frau in der oberen linken Ecke

Figur, das einer Allegorie der Liebe ähnelt und zusätzlich ein rotes herzförmiges Medaillon trägt. Vielleicht ist dies ein Bild der Mutter des verlorenen Sohnes.

Zwei Figuren im Hintergrund, in der Mitte gelegen (offenbar weiblich, möglicherweise eine Magd). Der sitzende junge Mann mit Schnurrbart könnte, wenn man der Handlung des Gleichnisses folgt, der zweite, gehorsame Bruder sein.

Die Aufmerksamkeit der Forscher wird auf die Figur des letzten Zeugen gelenkt, die sich auf der rechten Seite des Bildes befindet. Sie spielt wichtige Rolle in der Komposition und fast so hell geschrieben wie der Hauptteil Figuren. Sein Gesicht drückt Mitgefühl aus und der Reiseumhang, den er trägt und Personal in den Händen deuten darauf hin, dass dieser, wie der verlorene Sohn, ein einsamer Wanderer ist.

Es gibt eine andere Version, die zwei Figuren auf der rechten Seite des Bildes zeigt: einen jungen Mann mit Baskenmütze und stehender Mann- Dies sind derselbe Vater und derselbe Sohn, die auf der anderen Hälfte dargestellt sind, jedoch nur, bevor der verlorene Sohn das Haus verlässt, um ausgelassen zu feiern. Somit scheint die Leinwand zwei chronologische Pläne zu kombinieren. Es wurde vermutet, dass es sich bei diesen beiden Figuren um ein Bild des Zöllners und des Pharisäers aus dem Gleichnis des Evangeliums handelt.

Flötist

Im Profil ist in Form eines Flachreliefs auf der rechten Seite des stehenden Zeugen ein Musiker abgebildet, der Flöte spielt. Seine Figur erinnert vielleicht an die Musik, die in wenigen Augenblicken das Haus seines Vaters mit Freudenklängen erfüllen wird. T.

Die Umstände des Gemäldes sind mysteriös. Es wird angenommen, dass es in den letzten Lebensjahren des Künstlers geschrieben wurde. Änderungen und Korrekturen Ursprünglicher Plan Auf Röntgenbildern sichtbare Gemälde weisen auf die Echtheit der Leinwand hin.

Zeichnung von 1642

Rembrandt „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“. Radierung auf Papier, Landesmuseum, Amsterdam

Basierend auf dem neutestamentlichen Gleichnis vom verlorenen Sohn, ausgestellt in der Eremitage.

Das Gemälde zeigt die letzte Episode des Gleichnisses, als der verlorene Sohn nach Hause zurückkehrte, „und als er noch weit weg war, sah ihn sein Vater und hatte Mitleid; und lief, fiel ihm um den Hals und küsste ihn“, und sein älterer, gerechter Bruder, der bei seinem Vater blieb, wurde wütend und wollte nicht eintreten.

Die Handlung erregte die Aufmerksamkeit von Rembrandts berühmten Vorgängern: Dürer, Bosch, Lukas von Leiden, Rubens.

Dies ist Rembrandts größtes Gemälde zu einem religiösen Thema.

Mehrere Menschen versammelten sich auf einer kleinen Fläche vor dem Haus. Auf der linken Bildseite ist ein kniender verlorener Sohn mit dem Rücken zum Betrachter dargestellt. Sein Gesicht ist nicht zu sehen, sein Kopf ist in profil perdu geschrieben. Der Vater berührt sanft die Schultern seines Sohnes und umarmt ihn. Das Gemälde ist ein klassisches Beispiel für eine Komposition, bei der die Hauptsache stark von der Mittelachse des Bildes verschoben wird, um die Hauptidee des Werkes möglichst genau wiederzugeben. „Rembrandt hebt mit Licht das Wesentliche im Bild hervor und lenkt unsere Aufmerksamkeit darauf. Das kompositorische Zentrum liegt fast am Bildrand. Der Künstler gleicht die Komposition mit der rechts stehenden Figur seines ältesten Sohnes aus. Die Platzierung des semantischen Hauptzentrums auf einem Drittel der Höhendistanz entspricht dem Gesetz des Goldenen Schnitts, das Künstler seit der Antike nutzen, um die größte Ausdruckskraft ihrer Werke zu erreichen.“

Der Kopf des verlorenen Sohnes, rasiert wie der eines Sträflings, und seine zerfetzte Kleidung weisen auf seinen Sturz hin. Der Kragen bewahrt einen Hauch von vergangenem Luxus. Die Schuhe sind abgenutzt und ein rührendes Detail ist, dass einer herunterfiel, als der Sohn niederkniete. In der Tiefe erkennt man eine Veranda und dahinter das Haus des Vaters. Der Meister platzierte die Hauptfiguren an der Schnittstelle zwischen Bild- und Realraum (später wurde die Leinwand unten platziert, aber nach dem Plan des Autors war es so). Unterkante auf Höhe der Zehen des knienden Sohnes passiert). „Die Tiefe des Raumes wird durch die konsequente Abschwächung von Licht und Schatten vermittelt Farbkontraste, beginnend im Vordergrund. Tatsächlich besteht es aus Zeugenfiguren der Szene der Vergebung, die sich allmählich in der Dämmerung auflösen.“ „Wir haben eine dezentrale Zusammensetzung mit Hauptgruppe(ein Ereignisknoten) auf der linken Seite und eine Zäsur, die ihn von der Gruppe der Zeugen des Ereignisses auf der rechten Seite trennt. Das Ereignis führt dazu, dass die Teilnehmer der Szene unterschiedlich reagieren. Die Handlung basiert auf Kompositionsschema"Antwort"".

Irina Linnik, Mitarbeiterin der Eremitage, glaubt, dass Rembrandts Leinwand ein Vorbild in einem Holzschnitt von Cornelis Antonissen (1541) hat, auf dem ebenfalls ein kniender Sohn und ein kniender Vater umgeben von Figuren dargestellt sind. Aber auf der Gravur sind diese Figuren eingraviert: Glaube, Hoffnung, Liebe, Reue und Wahrheit. Am Himmel steht auf der Gravur „Gott“ auf Griechisch, Hebräisch und Latein. Eine Röntgenaufnahme des Hermitage-Gemäldes zeigte die anfängliche Ähnlichkeit von Rembrandts Gemälde mit den Details des erwähnten Stichs. Eine direkte Analogie lässt sich jedoch nicht ziehen – das Bild hat nur eine vage Ähnlichkeit mit einer von Antonissens Allegorien (die am weitesten entfernte und fast in der Dunkelheit verschwindende), die einer Allegorie der Liebe ähnelt und darüber hinaus eine rote Herzform aufweist Medaillon. Vielleicht ist dies ein Bild der Mutter des verlorenen Sohnes.

Die beiden Figuren im Hintergrund, die sich in der Mitte befinden (offenbar weiblich, vielleicht eine Magd oder eine andere personifizierte Allegorie, und männlich), sind schwieriger zu erraten. Der sitzende junge Mann mit Schnurrbart könnte, wenn man der Handlung des Gleichnisses folgt, der zweite, gehorsame Bruder sein. Es gibt Spekulationen, dass der zweite Bruder tatsächlich die vorherige „weibliche“ Figur ist, die die Säule umarmt. Darüber hinaus ist dies vielleicht nicht nur eine Säule – in ihrer Form ähnelt sie der Säule des Jerusalemer Tempels und könnte durchaus die Säule des Gesetzes symbolisieren, und die Tatsache, dass sich der rechtschaffene Bruder dahinter verbirgt, bekommt eine symbolische Bedeutung.

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Im 17. Jahrhundert erfreute sich eine auf der Bibel basierende Handlung bei den damaligen Künstlern großer Beliebtheit. Insbesondere Pinselmeister versuchten dann, auf ihren Leinwänden die Handlung der Rückkehr des verlorenen Sohnes darzustellen. Darin heißt es, dass der unglückliche Sohn einen Teil des Erbes seines Vaters annahm und anfing zu gehen und sich zu benehmen auf die bestmögliche Art und Weise. Nachdem er von Trunkenheit und Ausgelassenheit überwältigt wurde, musste er Schweinehirt werden, weshalb seine unreife Seele allen Prüfungen, die ihm widerfuhren, nicht standhalten konnte. junger Mann Ich musste zu meinem Vater zurückkehren. Natürlich am meisten liebende Person Ich akzeptierte es und konnte meine Tränen nicht zurückhalten.

Die Hauptidee des Bildes

Die Leinwand ist sehr dunkel. Manchmal kann man die Gesichter einiger Charaktere auf dem Bild sogar nicht zum ersten Mal erkennen. Die Handlung spielt vor einem reichen Haus, wo sich Sohn und Vater nach langer Trennung trafen. Die ganze Familie versammelte sich, um zuzusehen, wie dieses lang erwartete Treffen für den Vater stattfinden würde. Er ist blind, aber trotz seiner Krankheit erwies er sich als überraschend scharfsinnig und sein Herz ist voller Güte und Liebe. Die Leinwand ist dunkel, sogar ein wenig eckig, aber trotzdem kann man hier das innere Licht erkennen, das allmählich in die Seele eindringt und sie reinigt.

Helden des Bildes

Interessant ist, dass sich die beiden Hauptfiguren Vater und Sohn nicht in der Bildmitte befinden. Dadurch wird die Hauptidee besser sichtbar. Rembrandt erstaunlich konnte die Aufmerksamkeit nicht durch ihre Position auf der Leinwand auf die Hauptfiguren lenken, sondern dank des Lichts, das deutlich macht, wer genau im Vordergrund steht.

Der verlorene Sohn wird mit kahlgeschorenem Kopf dargestellt, und das ist kein Zufall. Tatsache ist, dass zu dieser Zeit nur Sträflinge dieses Aussehen trugen, sodass deutlich wird, dass der junge Mann auf der untersten Stufe der sozialen Leiter steht. Der Kragen zeugt von dem Luxus, in dem er einst lebte.

Jedes Bild im Bild sagt etwas. So symbolisiert das Bild eines älteren Bruders das Gewissen und das Bild einer Mutter die Grenzenlosigkeit Mutterliebe. Manche sagen, dass das Gemälde selbst eine Wiedergeburt der Bilder des Künstlers suggeriert. Es gibt noch 4 weitere Figuren, sie sind in der Dunkelheit versteckt.

Rembrandt ließ sie symbolisieren:

Glaube;
Buße;
Hoffnung;
Die Wahrheit;
Liebe.

Die Malerei gilt als Weg zur Reinigung, zur Verbesserung des Menschen und zu seiner Selbsterkenntnis. Dies liegt daran, dass der Autor des Gemäldes nie als frommer Mensch galt, weshalb viele die Mitte des Gemäldes als Spiegelbild von Rembrandts Seele betrachten. Er ist kein Teilnehmer, er ist ein Beobachter.

Handlung

Beschreibung

Dies ist Rembrandts größtes Gemälde zu einem religiösen Thema. Anders als seine Vorgänger Dürer und Lukas von Leiden, die den verlorenen Sohn beim Schlemmen entweder in ausschweifender Gesellschaft oder mit Schweinen darstellten, konzentrierte sich Rembrandt auf das Wesentliche des Gleichnisses – die Begegnung von Vater und Sohn und die Vergebung.

Mehrere Menschen versammelten sich auf einer kleinen Fläche vor dem Haus. Auf der linken Bildseite ist ein kniender verlorener Sohn mit dem Rücken zum Betrachter dargestellt. Sein Gesicht ist nicht zu sehen, sein Kopf ist eingeschrieben Profil perdu. Der Vater berührt sanft die Schultern seines Sohnes und umarmt ihn. Das Gemälde ist ein klassisches Beispiel für eine Komposition, bei der die Hauptsache stark von der Mittelachse des Bildes verschoben wird, um die Hauptidee des Werkes möglichst genau darzustellen. „Rembrandt hebt mit Licht das Wesentliche im Bild hervor und lenkt unsere Aufmerksamkeit darauf. Das kompositorische Zentrum liegt fast am Bildrand. Der Künstler gleicht die Komposition mit der rechts stehenden Figur seines ältesten Sohnes aus. Die Platzierung des semantischen Hauptzentrums auf einem Drittel der Höhendistanz entspricht dem Gesetz des Goldenen Schnitts, das von Künstlern seit der Antike verwendet wird, um die größte Ausdruckskraft ihrer Werke zu erreichen.“

Der Kopf des verlorenen Sohnes, rasiert wie der eines Sträflings, und seine zerfetzte Kleidung weisen auf seinen Sturz hin. Der Kragen bewahrt einen Hauch von vergangenem Luxus. Die Schuhe sind abgenutzt und ein rührendes Detail ist, dass einer herunterfiel, als der Sohn niederkniete. In der Tiefe erkennt man eine Veranda und dahinter das Haus des Vaters. Der Meister platzierte die Hauptfiguren an der Schnittstelle von Bild- und Realraum (später wurde die Leinwand unten platziert, aber nach dem Plan des Autors befand sich ihre Unterkante auf Höhe der Zehen des knienden Sohnes). „Die Tiefe des Raumes wird durch eine konsequente Abschwächung der Licht- und Schattenkontraste sowie der Farbkontraste, ausgehend vom Vordergrund, vermittelt. Tatsächlich besteht es aus Zeugenfiguren der Szene der Vergebung, die sich allmählich in der Dämmerung auflösen.“ „Vor uns liegt eine dezentrale Komposition mit der Hauptgruppe (Ereignisknoten) auf der linken Seite und einer Zäsur, die sie von der Gruppe der Zeugen des Ereignisses auf der rechten Seite trennt. Das Ereignis führt dazu, dass die Teilnehmer der Szene unterschiedlich reagieren. Die Handlung ist nach dem Kompositionsschema „Antwort“ aufgebaut.

Nebenfiguren

Die Frau in der oberen linken Ecke

Nebenfiguren auf der rechten Seite des Bildes

Die Aufmerksamkeit der Forscher wird auf die Figur des letzten Zeugen gelenkt, die sich auf der rechten Seite des Bildes befindet. Sie spielt eine wichtige Rolle in der Komposition und ist fast so eindringlich geschrieben wie die Hauptfiguren. Sein Gesicht drückt Mitgefühl aus, und der Reiseumhang, den er trägt, und der Stab in seinen Händen lassen vermuten, dass er, wie der verlorene Sohn, ein einsamer Wanderer ist. Die israelische Forscherin Galina Luban glaubt, dass dieses Bild mit der Figur des ewigen Juden verbunden ist. Anderen Annahmen zufolge ist er der älteste Sohn, was nicht mit der Altersbeschreibung der neutestamentlichen Figur übereinstimmt, obwohl er ebenfalls bärtig und gekleidet ist wie sein Vater. Diese reiche Kleidung ist jedoch auch eine Widerlegung der Version, da er dem Evangelium zufolge, nachdem er von der Rückkehr seines Bruders gehört hatte, direkt vom Feld gerannt kam, wo er höchstwahrscheinlich Arbeitskleidung trug. Einige Forscher sehen in dieser Figur ein Selbstporträt von Rembrandt selbst.

Flötist

Es gibt auch eine Version, bei der es sich bei den beiden Figuren auf der rechten Seite des Bildes, einem jungen Mann mit Baskenmütze und einem stehenden Mann, um denselben Vater und Sohn handelt, die auf der anderen Hälfte abgebildet sind, jedoch erst, bevor der verlorene Sohn das Haus verlässt hin zum Feiern. Somit scheint die Leinwand zwei chronologische Pläne zu kombinieren. Es wurde vermutet, dass diese beiden Figuren eine Darstellung des Zöllners und des Pharisäers aus dem Gleichnis des Evangeliums sind.

Geschichte

Zeichnung von 1642

Radierung von 1636

Selbstporträt mit Saskia auf dem Schoß

Umstände der Schöpfung

Dies ist nicht die einzige Arbeit des Künstlers zu diesem Thema, obwohl er Werke mit einer anderen Komposition schuf. 1636 schuf er eine Radierung und 1642 eine Zeichnung (Teyler Museum in Haarlem). Im Jahr 1635 schuf er das Gemälde „Selbstporträt mit Saskia auf den Knien“, das eine Episode der Legende über den verlorenen Sohn widerspiegelte, der das Erbe seines Vaters verschwendete.

Die Umstände des Gemäldes sind mysteriös. Es wird angenommen, dass es im letzten Lebensjahr des Künstlers geschrieben wurde. Auf dem Röntgenbild erkennbare Änderungen und Korrekturen am ursprünglichen Entwurf des Gemäldes weisen auf die Echtheit der Leinwand hin.

Die traditionelle Datierung von 1668–1669 wird jedoch von manchen als umstritten angesehen. Die Kunsthistoriker G. Gerson und I. Linnik schlugen vor, das Gemälde auf 1661 oder 1663 zu datieren.

Jüdisches Thema

Rembrandt lebte in Amsterdam, dem Zentrum des jüdischen Handels, und kommunizierte aktiv mit den örtlichen Juden. Viele seiner Gemälde sind Juden gewidmet, und er verwendete Juden als Vorbilder für seine biblischen Gemälde.

Das jüdische Buch „Kol Bo“, eine alte Sammlung von Ritualen und Regeln, Abschnitt „Teshuva“, das die Allegorie der Begegnung eines Vaters und seines Sohnes verwendet, die den Glauben an Gott verloren haben (eine Variation des Gleichnisses), erschien 1991 in Amsterdam das 17. Jahrhundert. Anscheinend wurde es vom ersten Verleger der Stadt herausgegeben – Menashe ben Israel, einem Freund und Nachbarn von Rembrandt, der seine Publikationen illustrierte. Für Juden, die im religiös toleranten Holland nach streng katholischen Ländern lebten, wurde Teschuwa – eine Rückkehr zum Judentum – zu einem Massenphänomen. Es ist merkwürdig, dass Menashe ben Israel den ewigen Juden als sein Emblem wählte.

Herkunft

Betrat die Eremitage 1766 (ein Jahr vor seinem Tod) aus der Pariser Sammlung von Andre d'Ansezen, dem letzten Herzog von Cadrousse – auf Katharinas Anweisung wurde sie von Prinz Dmitri Alekseevich Golitsyn gekauft, der seine Sammlung von seiner Frau erbte stammte aus der Familie Colbert. Ihr Großvater Charles Colbert führte wichtige diplomatische Aufträge für Ludwig XIV. in Holland aus, wo er das Gemälde möglicherweise erworben hatte.

In der Kultur

Literatur

Lyuban, Galina. Rückkehr des verlorenen Sohnes. Mehr als das Auge sehen kann. M., 2007.

Anmerkungen

Rembrandt Harmens van Rijn
Gemälde	Porträt von Jacob de Geyn III (1632) Die Anatomiestunde von Doktor Tulp (1632) Der verlorene Sohn in der Taverne (1635) Die Steinerne Brücke (1638) Porträt von Maria Trip (1639) Die Nachtwache (1642) Danae (1636- 1647) · Aristoteles mit einer Homer-Büste (1653) · Verleugnung des Petrus (1660) · Verschwörung des Julius Civilis (1661) · Syndiken (1662) · Jüdische Braut (1665) · Rückkehr des verlorenen Sohnes (1666-1669)
Gravuren	Christus heilt die Kranken (1643-1649) Drei Bäume (1643) Faust (1652) Drei Kreuze (1653)

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