Russische Kultur des Silbernen Zeitalters. Russische Kultur des späten 19.–frühen 20. Jahrhunderts. Künstlerische Kultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts

Diese Zeit war von der Komplexität der soziokulturellen Situation in Russland geprägt. Die Ära des Russisch-Japanischen und des Ersten Weltkriegs, drei Revolutionen, schreckliche Katastrophen und soziale Explosionen.

Zur gleichen Zeit, Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. geprägt von den Errungenschaften des wissenschaftlichen und technischen Fortschritts. Die Einführung der Elektrizität in die Industrie, das Aufkommen von Autos und Flugzeugen, die Entdeckung von Radio- und Röntgenwellen – alles veränderte das Erscheinungsbild des Landes und die Lebensweise der Menschen. Zu Beginn des Jahrhunderts entstanden die ersten russischen Städte mit mehr als einer Million Einwohnern. Seit dem Frühjahr 1896 begann das Kino zunächst in St. Petersburg und Moskau und dann in anderen Großstädten (1903–1904) zu funktionieren. Bis 1913 gab es in Russland mehr als 1.400 Kinos.

Der allgemeine Entwicklungsprozess der russischen Kunst verlief widersprüchlich und fiel durch die Vielfalt künstlerischer Methoden, Schulen, Strömungen auf.

In der russischen Kunstkultur wurde dieser Zeitraum genannt Silbernes Zeitalter, das nach Solotoi kam, das die höchsten Errungenschaften der russischen Kunst verkörperte.

Die Originalität der künstlerischen Kultur des Silbernen Zeitalters lässt sich als parallele Entwicklung der realistischen Richtung und einer Reihe nichtrealistischer Strömungen charakterisieren, vereint unter dem Namen Avantgarde. Wie der Kunstkritiker V. Vanslov feststellt: „Im 20. Jahrhundert wurden Realismus und Avantgarde im Kampf und in der gegenseitigen Negierung beurteilt.“

Der Realismus behält künstlerische Bedeutung und Fruchtbarkeit. Es genügt, Kreativität als Beispiel zu nennen. L.N. Tolstoi(1898 – 1910) – Dramaturgie („Fruits of Enlightenment“ 1891; „The Living Corpse“ – 1900; Prosa – „The Kreutzer Sonata“ 1891; „Father Sergius“ – veröffentlicht 1912, „Hadji Murat“ – veröffentlicht 1912; religiös-philosophische Suche – „Confession“, veröffentlicht 1906 und andere.

Um die Jahrhundertwende wurden realistische Tendenzen mit Elementen des Impressionismus in Prosa und Drama verkörpert. A.P. Tschechow(1860 - 1904), verbunden mit dem Moskauer Kunsttheater, das Werk von K. Stanislavsky und V. Nemirovich-Danchenko: Prosa - „Bezirk Nr. 6“ – 1892, „Haus mit Zwischengeschoss“ – 1896; „Ionych“, „Man in a Case“, „Gooseberry“, alle im Jahr 1898; Dramaturgie – „Onkel Wanja“, „Die Möwe“ 1896; „Drei Schwestern“, „Der Kirschgarten“ – beide 1904.

Die realistischen Tendenzen der russischen klassischen Literatur werden von A. Kuprin, I. Bunin, V. Veresaev entwickelt. Heutzutage wird ihre Richtung genannt Neorealismus.

A. Kuprin(1870 – 1953) – „Listerigonen“ (1907-1911); „Gambrinus“ – 1907, „Granatarmband“ – 1911, „Anathema“ – 1913. Es sei darauf hingewiesen, dass Kuprin auf der Krim in Balaklava lebte; Die Geschichte „Listrigons“ 1907-1911 ist seinen Fischerbewohnern gewidmet.

Ich. Bunin(1870 – 1953) – Nobelpreisträger, seit 1920 im Exil. In Russland: „Antonov Apples“ – 1900, „Mr. from San Francisco“ – 1915, „Easy Breathing“ – 1910 und andere. Gleichzeitig ist I. Bunin ein herausragender Dichter: „Falling Leaves“, 1981; Sänger der Liebe („Dark Alleys“ und andere), brillanter Stylist, Meister der Sprache.

V. Weresajew(1867 - 1945) warf in den Erzählungen und Kurzgeschichten „Without a Road“ – 1895, „Plague“ – 1989, „Two Ends“ – 1899-1903, „Notes of a Doctor“ – 1901 und anderen Fragen nach dem Schicksal auf der russischen Intelligenz der Wendezeit. Romane N.G. Garin-Michailowski(1852 – 1906; „Thema Kindheit“, „Gymnasiumsschüler“, „Studenten“, „Ingenieure“). „Die Geschichte meines Zeitgenossen“ (veröffentlicht 1922) V.G. Korolenko(1853 - 1921) waren eine verlässliche Erzählung über das spirituelle Leben und die Aufgaben der russischen Jugend.

In dieser Zeit begann der kreative Weg von M. Gorki (1868 - 1936), der um die Jahrhundertwende realistische Geschichten, Kurzgeschichten und Romane („Foma Gordeev“, – 1899, „Drei“ – 1901) und Theaterstücke schuf ( „The Bourgeois“ – 1902, „At the Lower Depths“ – 1902, „Summer Residents“ – 1905, „Enemies“ – 1906 und andere). Auf Gorkis Initiative wurde der Verlag „Wissen“ gegründet, der realistische Schriftsteller (N. Teleshov, A. Serafimovich, I. Schmelev, E. Chirikov und andere) vereint. Gleichzeitig ist M. Gorki Autor romantischer Werke: „Tales of Italy“, 1911 – 1913, „Old Woman Izergil“, 1895 und andere.

Zusammen mit Realismus, Neorealismus in der Literatur der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Sowohl in Europa als auch in Russland bilden sich unrealistische Richtungen, darunter Symbolismus. Das Konzept der Symbolik vereinte Dichter zweier Generationen:

„ältere“ Symbolisten(Dichter der 90er Jahre): Z. Gippius (1869 – 1921), D. Merezhkovsky (1865 – 1911), V. Bryusov (1873 – 1924), F. Sologub (1865 – 1941) und andere.

„jüngere“ Symbolisten– Generation des 20. Jahrhunderts: A. Blok (1880 – 1949), A. Bely (1880 – 1934), Vyach. Ivanov (1866 – 1949) und andere.

Nach Rimbaud, Malariy, Baudelaire versuchten russische Symbolisten, basierend auf der Poetik des Symbols, einen surrealen künstlerischen Raum, den Effekt der Unsicherheit, wiederherzustellen, der sie der Poetik der Romantik näher brachte. Das schöpferische Prinzip (Theurgie, Lebenskreativität), die Austauschbarkeit der Fähigkeit, Künste zu synthetisieren, wurden verkündet (S. Bulgakov: „... alle Kunst in ihren Tiefen ist alle Kunst ...“, C. Baudelaire – das Gesetz von „universelle Analogie“). Die philosophische Grundlage waren die Ideen von A. Schopenhauer, F. Nietzsche und anderen.

Was so viele verschiedene Meister vereinte, war die Lehre Vl. Solovyova: Ideen der „integralen Kreativität“, der Unterordnung der Materie unter das ideale göttliche Prinzip.

K. Balmont– „In der Weite“, 1895; „Lasst uns sein wie die Sonne“, 1902;

A. Bely– „Gold in Azurblau“, 1904; „Northern Symphony, 1904;

A. Blok– „Vergeltung“, 1908 – 1913; „Gedichte über eine schöne Dame“, 1904, 1905; „Der Nachtigallgarten“, 1915 und andere.

Oh, ich möchte verrückt leben:

Um alles zu verewigen, was existiert,

Humanisieren Sie das Unpersönliche

Machen Sie das Unerfüllte wahr!

A. Blok, „Iambas“

In der Entwicklung der Formen, der Musikalität der sprachlichen Mittel des russischen Verses, in der Bereicherung des „Landes der russischen Poesie“ A. Blok, V. Bryusov, in den besten Werken von A. Bely, K. Balmont, F. Sologub hat viel getan und sich zu Recht als bedeutende Meister etabliert. Schaffung A. Blok bildeten eine Ära in der russischen Kultur (die Zyklen „Vergeltung“, „Auf dem Kulikovo-Feld“, „Mutterland“, „Iambas“ usw.) und spiegelten die Komplexität und Widersprüche der russischen Kunst dieser Zeit wider.

Neue Richtung der russischen Moderne – Akmeismus(vom griechischen akme – der höchste Grad von etwas, Höhepunkt, blühende Kraft) wurden von den größten Dichtern des 20. Jahrhunderts vertreten. Das Manifest des Akmeismus war N. Gumilyovs Artikel „Das Erbe des Symbolismus und des Akmeismus“, der seine künstlerische Ausrichtung widerspiegelte. Eine der Organisationsformen war die „Werkstatt der Dichter“, zu der gehörten: N. Gumilev (1886 – 1921), A. Achmatowa (1889 – 1966), O. Mandelstam (1891 – 1938).

Im Zentrum der akmeistischen Ästhetik steht das Problem der Größe des Wortes, eine ehrfürchtige Haltung gegenüber der Muttersprache. Gumilyovs Gedicht „Das Wort“ war das programmatische Gedicht:

An diesem Tag, wenn über der neuen Welt
Dann senkte Gott sein Gesicht
Die Sonne wurde mit einem Wort gestoppt
Kurz gesagt, sie zerstörten Städte...

Das Schicksal dieser Dichter ist tragisch: N. Gumilyov wurde erschossen (1921), O. Mandelstam starb in den Lagern (1938).

Anna Achmatowa in späteren Werken - „ Requiem», « Gedicht ohne Helden„spiegelte die Tragödie der Ära der 30er Jahre wider. 20. Jahrhundert. Sie wurde als große russische Dichterin anerkannt und zum Gewissen der Generation.

Im schrecklichen Kriegsjahr 1942, am 23. Februar, schrieb sie Gedichte, in denen sie das russische Wort als Eigentum des Volkes bezeichnete, als Symbol seines Mutes und seiner Unsterblichkeit.

Mut

Wir wissen, was jetzt auf der Waage steht
Und was passiert jetzt.
Die Stunde des Mutes hat auf unserer Uhr geschlagen,
Und der Mut wird uns nicht verlassen.
Es ist nicht beängstigend, tot unter den Kugeln zu liegen,
Es ist nicht bitter, obdachlos zu sein,
Und wir werden dich retten, russische Sprache,
Tolles russisches Wort.
Wir befördern Sie frei und sauber
Wir werden es unseren Enkeln schenken und uns aus der Gefangenschaft retten
Für immer!

Eine Richtung namens Russische Avantgarde entwickelt sich rasant. Von den Avantgarde-Bewegungen in Russland die am weitesten entwickelte Futurismus, später in Kubofuturismus umgewandelt.

In früheren Abschnitten des Buches wurde darauf hingewiesen, dass der Geburtsort des Futurismus Westeuropa war und sein Gründer Tomaso Marinetti war, ein junger italienischer Dichter, der 1909 in Paris das „Erste Manifest des Futurismus“ veröffentlichte. „Die Hauptelemente unserer Poesie“, erklärte Marinetti, „werden Mut, Kühnheit und Rebellion sein.“

Der Autor positionierte die „offensive Bewegung“, nicht nur den „Turnschritt“, sondern auch die Geschwindigkeit des „Rennwagens“ als bestimmende Merkmale seiner Richtung und verband dies alles mit der „Schönheit der Geschwindigkeit“ und der Dynamik, der zerstörerischen Kraft .

Der russische Futurismus war zwar in vielerlei Hinsicht dem italienischen ähnlich, aber nicht so monolithisch. V. Majakowski (1893 – 1930), V. Chlebnikow (1885 – 1922), A. Kruchenykh(1886 – 1968), schließlich D. Burliuk(1883 – 1967), auch „Vater des Futrismus“ genannt, waren kluge Köpfe und Experimentatoren. Nach Marinettis Besuch in Russland (1914) veröffentlichten D. Burliuk und V. Kamensky einen Brief, in dem sie feststellten: „Mit den italienischen Futuristen haben wir außer einem Spitznamen nichts gemeinsam.“

Die Futuristen stellten sich die Aufgabe, „synthetische“ Kunst zu schaffen, die alle Arten künstlerischer Tätigkeit vereint. Auf dieser Grundlage sind Synthetik und Gesamtkunst die charakteristischen Merkmale des kreativen Stils futuristischer Meister.

Sie waren Dichter, Künstler und Theaterschaffende.

Ich habe sofort die Karte von Dubnya verwischt,

Spritzende Farbe aus einem Glas,

Ich zeigte Gelee auf einem Teller

Die schrägen Wangenknochen des Ozeans.

Auf den Schuppen eines Blechfisches

Ich lese die Rufe neuer Lippen

Nocturne-Stück

Könnten

Auf der Abflussrohrflöte?

V. Mayakovsky (1913)

Futuristen beschäftigten sich mit der Schaffung von Sprachen (V. Mayakovsky, V. Khlebnikov), der Suche nach neuen Bildformen (D. Burlyuk, A. Kruchenykh, A. Ekster, M. Goncharova, V. Larionov und anderen), der Durchführung von Debatten und der Organisation von Ausstellungen . Der Appell an Primitivismus, beliebter beliebter Druck. Avantgarde-Künstler legten besonderes Augenmerk auf Formprobleme: kompositorische Lösungen, Farbe und Linie, Rhythmus, Textur usw.

Dm. charakterisiert die Originalität der russischen Avantgarde. Sarabyanov betonte, dass seine Figuren die „allgemeinen Probleme der Existenz“ lösten: das Verhältnis zwischen Irdischem und Kosmischem (Malewitsch), der Vorrang des Geistigen vor dem Materiellen (Kandinsky), die Einheit der Menschheit in ihrem historischen, modernen und zukünftigen Zustand ( Filonov), die Verwirklichung des menschlichen Traums in „seiner Verschmelzung mit dem menschlichen Gedächtnis (Chagall). „Diese Probleme wurden nicht in philosophischen Abhandlungen gelöst, sondern in bildlichen Formeln, und diese Formeln erhielten eine philosophische Färbung.“ Der Futurismus in der russischen Poesie fand seinen Ausdruck in den Werken von D. Burliuk (1882 – 1967), V. Khlebnikov (1885 – 1922), A. Kruchenykh (1886 – 1968). Der klügste Dichter, dessen Werk die Merkmale des Futurismus widerspiegelte, war V. Mayakovsky (1893 - 1930), der die Grenzen seiner Poesie erweiterte, die zum Schmerzensschrei eines von der Stadt eroberten Mannes wurde („Vladimir Mayakovsky“, „ Cloud in Pants“ und andere)

Die Poesie ist zum Sänger der heimischen Natur geworden, zum Vertreter der innersten Geheimnisse der menschlichen Seele. S. Yesenina(1895 – 1925): Sammlungen „ Radunitsa„1916; " Taube„1918“, Persische Motive„1925, Gedichte“ Anna Snegina„1925“, Schwarzer Mann» 1926 und andere. Die menschliche Welt und die natürliche Welt sind im Gedicht von S. Yesenin untrennbar miteinander verbunden. Er schrieb gefühlvoll:

Ich denke:
Wie schön
Erde
Und da ist ein Mann drauf

Das kurze Leben und der kreative Weg des Dichters spiegelten sowohl die Widersprüche der Realität als auch die Komplexität seiner Persönlichkeit wider. Aber die Hauptrichtung seiner Poesie war schon immer die Liebe zum Vaterland, seiner Kultur, Natur und dem russischen Wort:

Aber selbst dann
Wenn auf dem ganzen Planeten
Die Stammesfehde wird vorübergehen,
Lügen und Traurigkeit werden verschwinden,
Ich werde singen
Mit dem ganzen Wesen im Dichter
Sechstel des Landes
Mit einem Kurznamen „Rus“.

Im kulturellen Leben Russlands am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts. Ein bedeutendes Ereignis war die Gründung des Moskauer Kunst- und Volkstheaters K.S. Stanislawski Und IN UND. Nemirowitsch-Dantschenko. Das Theater verteidigte die realistischen Prinzipien der Schauspielerei. Zu seinem Repertoire gehörten Stücke von A. Tschechow, M. Gorki, L. Tolstoi, G. Hauptmann, G. Ibsen.

In dieser Zeit blüht die Kreativität bemerkenswerter Schauspieler auf: M.N. Ermolova, A.P. Lensky, Sadovsky-Dynastie(Maly Theater), M.G. Savina, V.N. Davydova, V.F. Komissarzhevskaya(Alexandria Theater) und andere. Die Inszenierungen von E. Meyerhold am Alexandria Theatre, der später sein eigenes Team gründete, zeichneten sich durch Originalität ihrer Interpretation und Originalität aus.

Ein bedeutendes Phänomen in der künstlerischen Kultur Russlands um die Jahrhundertwende war die Tätigkeit der ersten Filmregisseure, darunter - Ya.A. Protasanow ( 1881 – 1945), eine Galaxie populärer Schauspieler (V. Kholodnaya, I. Mozzhukhin, V. Maksimov, V. Polonskaya).

Aktiv weiterentwickeln Musical Leben. Die höhere musikalische Ausbildung wurde durch die bereits in den 60er Jahren entstandenen Konservatorien in St. Petersburg und Moskau repräsentiert. 19. Jahrhundert. Musikschulen in Kiew, Saratow und Odessa wurden in den 10er Jahren umgestaltet. am Wintergarten. Die Philharmonische Gesellschaft ist in Moskau aktiv, „ Zeitgenössische Musikabende“ In Petersburg „ Musikausstellungen".

Die größten Komponisten des 20. Jahrhunderts waren S. Rachmaninow (1873 – 1943), A. Glasunow (1865 – 1936), A. Skrjabin(1872 – 1915). Die Musik war von innovativen Trends geprägt I. Strawinsky und Jung S. Prokofjew. „Sie spielten eine große Rolle bei der Förderung russischer Kunst im Ausland“ Russische Jahreszeiten in Paris„S. Diaghilev, wo Strawinskys Ballette („Feuervogel“, „Petruschka“) aufgeführt wurden, tanzten sie A. Pawlowa, M. Fokin Und V. Nijinsky Die Landschaft wurde von A. Benois und A. Golovin gemalt.

Die Aktivitäten der Vertreter der bildenden Künste waren vielfältig und vielfältig - Malerei, Grafik, Architektur, Skulptur,angewandte Künste. Einer der wichtigsten Aspekte des künstlerischen Lebens Russlands in dieser Zeit war die Fülle an Ausstellungen (10–15 pro Jahr) und die Erweiterung ihrer Geographie (Charkow, Odessa, Nischni Nowgorod, Kasan, Saratow und andere). Der Verband der Wanderausstellungen setzt seine Aktivitäten zusammen mit der St. Petersburger Künstlervereinigung und der Moskauer Künstlervereinigung fort. Seit Anfang 1899 werden in St. Petersburg Ausstellungen der neuen Gesellschaft organisiert Welt der Kunst„Danke an die Aktivitäten eines Mitglieds dieses Kreises S. Diaghileva(1872 - 1929) geht russische Kunst ins Ausland und in Russland finden internationale Ausstellungen statt.

War für Zuschauer geöffnet Russisches Museum in St. Petersburg (1898); im August 1892 P. Tretjakow schenkte seine Kunstsammlung der Stadt Moskau; 1898 erfolgte die Grundsteinlegung für den Bau des Museums der Schönen Künste in Moskau (heute Puschkin-Museum der Schönen Künste). In Moskau gab es mehrere private Kunstgalerien: P. Shchukin, I. Morozov, A. Bakhrushev und andere

Kunstkritik entwickelt sich, junge Kritiker und Kunsthistoriker sprechen: A. Benoit (1870 – 1960), I. Grabar(1871 – 1960), viel veröffentlicht N. Roerich(1874 – 1947) und andere.

Realistische Richtung in Malerei, Wie in der Literatur war es sehr fruchtbar. Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. funktionierten noch I. Repin, V. Surikow, V. Wasnezow, V. Wereschtschagin, V. Polenow und andere. In dieser Zeit blühte das Talent von V.A. auf. Serov (1865 – 1911), der den Inhalt des Realismus vertiefte und seine Ausdrucksmöglichkeiten erweiterte („Mädchen mit Pfirsichen“, „Von der Sonne beleuchtetes Mädchen“, Porträts von Gorki, Ermolova und anderen). Serov variierte seinen künstlerischen Stil je nach den Merkmalen des Werkes und der Originalität der Natur (Porträts von M. Morozov, Bankier V. Girshman, Prinzessin Orlova). Einen bedeutenden Platz in seinem Werk nehmen historische Kompositionen („Peter I.“) und mythologische Themen („Der Raub Europas“, „Odysseus und Nausikaa“) ein.

Einer der herausragenden Meister, der der Malerei neue Wege ebnete - K. Korowin(1864 - 1939), der vom Impressionismus beeinflusst wurde („Im Winter“, „Sommer“, „Rosen und Veilchen“ und andere), schafft Korovin Bühnenbilder für Aufführungen der Russischen Privatoper von S. Mamontov, des Kaiserlichen Theaters und des Bolschoi-Theaters . Korowins beste Theaterwerke sind mit nationalen Themen verbunden, mit Russland, seinen Epen und Märchen, seiner Geschichte und Natur.

Kunst ist erregt und vergeistigt M. Vrubel(1856 – 1910). Die Ausdruckskraft seiner Werke steigert sich durch dynamische Malerei, flirrende Farben und energische Zeichnung. Dabei handelt es sich um ein Staffeleigemälde, eine Buchillustration, eine monumentale Dekorationstafel und eine Theaterkulisse.

Eines der zentralen Themen seiner Arbeit ist das Thema Dämon, inspiriert von der Poesie von M. Lermontov („Der sitzende Dämon“, „Der fliegende Dämon“, „Der besiegte Dämon“). In seinen Tafeln „Mikula Selyaninovich“ und „Bogatyr“ erwachen epische Helden zum Leben. Die Märchenbilder von „Pan“ und „Die Schwanenprinzessin“ sind wunderschön. Die Porträts (von S. Mamontov, V. Borisov und anderen) sind einzigartig und bedeutsam.

Die Poetisierung von Natur- und Menschenbildern wurde im Werk von V. Borisov-Musatov (1870 - 1905) verkörpert.

Ein bedeutendes Phänomen im russischen Kunstleben war die ideologische und künstlerische Vereinigung. Welt der Kunst", zu denen A. Benois (1870 - 1960), K. Somov (1869 - 1939), L. Bakst (1866 - 1924), E. Lanceray (1875 - 1946), M. Dobuzhinsky (1875 - 1957) gehörten. In In zwei Kunstgattungen erzielten die Künstler der „Welt der Künste“ die bedeutendsten Erfolge: in der Theater- und Dekorationskunst sowie in der Grafik. Landschaften des alten St. Petersburg und seiner Vororte sowie Porträts wurden zur Originalität der Staffeleigrafiken. A Einen großen Beitrag zur Grafik des frühen 20. Jahrhunderts leistete A. Ostroumova-Lebedeva. I. Bilibin, D. Kardovsky, G. Narbut und andere arbeiteten fruchtbar in der Buchgrafik.

Talentierte Meister wurden vereint und „ Union russischer Künstler"(1903 - 1923), an deren Ausstellungen K. Korovin, A. Arkhipov, A. Vasnetsov, S. Malyutin und andere teilnahmen; A. Rylov, K. Yuon, I. Brodsky standen der „Union“ in ihrer Nähe nahe künstlerische Positionen, A. Malyavin. Landschaft- das Hauptgenre in der Kunst der Meister des Verbandes russischer Künstler. Sie zeigten die Natur Zentralrusslands, den sonnigen Süden, den rauen Norden sowie antike russische Städte und antike Landgüter. Diese Künstler waren an einer schnellen visuellen Darstellung der Welt, einer dynamischen Komposition und der Verwischung der Grenzen zwischen kompositorischer Malerei und Lebensskizze interessiert.

Im Jahrzehnt 1907 - 1917 Zu den Künsten zählen talentierte Maler. Z.E. Serebryakova(1884 - 1967) entwickelte die Traditionen von Venetsianov, den großen Meistern der Renaissance („Die Ernte“, „Die Leinwand aufhellen“). Ihre Porträts (Selbstporträts, Kinderporträts) zeichnen sich durch innere Wärme und künstlerische Ausdruckskraft aus.

K.S. Petrow-Wodkin(1878 – 1939) interessierte sich für antike russische Kunst, insbesondere für die Ikonenmalerei. Dies spiegelte sich in den Gemälden „Mutter“ und „Morgen“ wider, in denen die Bilder von Bäuerinnen eine hohe vergeistigte moralische Reinheit symbolisieren. Ein neues Phänomen war das Gemälde „Das Baden des roten Pferdes“ (1912), das sich durch seine lakonische Komposition, die Dynamik des Raumes, die klassische Strenge des Designs und die Harmonie der Farben auf der Grundlage der Hauptfarben des Spektrums auszeichnete.

Die Entstehung der Kreativität wird mit dem Beginn des 20. Jahrhunderts in Verbindung gebracht MS. Saryan(1880 – 1972). Seine lakonischen Werke basieren auf hellen und einfarbigen Silhouetten, Kontrasten aus Rhythmus, Licht und Schatten („Straße. Mittag. Konstantinopel“, „Dattelpalme. Ägypten“ und andere).

Eines der bedeutendsten Phänomene der russischen Kunst des frühen 20. Jahrhunderts ist das Werk von M.V. Nesterova (1862 – 1942). Der Künstler wandte sich der Welt der idealen Schönheit zu und besang die Reinheit des religiösen Gefühls. Eine große Rolle in Nesterovs Werken spielt die Landschaft, mit der die innere Welt seiner Helden verbunden ist. Das " Einsiedler", "Vision für den jungen Bartholomäus", "Tolle Tonsur"und andere. Nesterovs Fähigkeiten als Porträtmaler entwickeln sich ebenfalls weiter. Der Künstler malt die meisten seiner Porträts vor dem Hintergrund einer Landschaft (Porträt seiner Tochter: Die Figur eines Mädchens in schwarzem Reitkleid hebt sich in einer wunderschönen Silhouette davon ab vor dem Hintergrund einer Abendlandschaft, die das Ideal der Jugend, die Schönheit des Lebens und die Harmonie verkörpert).

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts kam es zu einem spürbaren Aufschwung Skulptur, eine Galaxie bedeutender Meister erschien. P. P. Trubetskoy (1866 – 1938) zeigte sein Talent in Porträts („Künstler I. I. Levitan“, Porträt von L. Tolstoi). Das Denkmal für Alexander III. erfreute sich großer Beliebtheit.

Zu den markanten Phänomenen der russischen Kunst an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. bezieht sich auf das Werk von A. S. Golubkina (1864 – 1927). Ihre Kunst ist betont spirituell, voller tiefer Inhalte und konsequent demokratisch. Sie schafft skulpturale Porträts des Schriftstellers A. N. Tolstoi und einer einfachen Frau („Marya“, 1903). Ihre Lieblingstechnik ist die scharfe Licht- und Schattenmodellierung, mit deren Hilfe die Bildhauerin eine besondere Dynamik und Emotionalität des Bildes erreicht.

Der talentierte, originelle und vielseitige Bildhauer S.G. Konenkov (1874 – 1971) schuf in dieser Zeit die Werke „Stonebreaker“, „Samson“ und eines der faszinierendsten Bilder – „Nike“ (1906). Traditionen der russischen Folklore nehmen einen großen Platz ein („Old Field Man“ usw.).

Die Architektur Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. zeichnet sich durch die Entwicklung des Jugendstils aus; die die Aufgabe einer entscheidenden Erneuerung der künstlerischen und bildlichen Sprache stellten. Eines der wichtigsten kreativen Probleme war das Gesamtkunstwerk. Ein charakteristisches Merkmal des Jugendstils ist die Verflechtung kreativer Umgangsformen und verschiedener Strömungen. Der Modernismus entwickelte sich schnell. Sein Frühstadium war geprägt von formalen Dekorationstechniken und manierierter Ornamentik. An der Wende von 1900 zu 1910. rationalistische Tendenzen verstärkten sich. Die Spätmoderne zeichnet sich durch den Wunsch nach Einfachheit und Strenge aus.

Einer der führenden Meister des Jugendstils – F.O. Shekhtel (1859 – 1926). Seine Hauptwerke sind das Herrenhaus von S.P. Rjabuschinski; Der Bahnhof Jaroslawl (1902) ist ein Beispiel für den nationalen Modernismus („neorussischer Stil“) usw.

Ein typisches Beispiel der frühen Moderne ist das Metropol Hotel (Architekt V.F. Valkot), dessen Fassaden mit Majolikaplatten nach Skizzen von M. Vrubel und A. Golovin verziert sind. In St. Petersburg das Kshesinskaya-Herrenhaus (A.I. von Hugen), das Eliseev-Ladengebäude am Newski-Prospekt (G.V. Baranovsky), der Vitebsky-Bahnhof (S.A. Brzhozovsky).

Seit den 1910er Jahren besteht in der Architektur der Wunsch, die Tradition der Ensemblebildung des Klassizismus wiederzubeleben. Vertreter des Neoklassizismus - I.A. Fomin (1872 – 1936), V. A. Shchuko (1878 – 1939), A.V. Shchusev (1873 – 1949) – Autor des Kasaner Bahnhofs in Moskau.

Im Laufe der Jahrhunderte der Geschichte hat sich die russische Kunst verändert, bereichert, verbessert, ist aber immer originell geblieben und drückt den nationalen Charakter der russischen Kultur aus.

STAATLICHE BILDUNGSEINRICHTUNG

Höhere Berufsausbildung

NABEREZHNOCHOLNY-STAAT

PÄDAGOGISCHES INSTITUT

FAKULTÄT FÜR GESCHICHTE UND MANAGEMENT

UNTERRICHTSPLAN

Gruppe 3.4 (11 „G“)

Thema: Russische Kultur des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts

V-Jahres-Praktikant, Gruppe 582

Saitov Ildar Herbertovich

Schulgeschichtslehrerin: Smuryakova E. E. _______________

Gruppenleiter: Magsumov T.A. _______________

Unterrichtsnote _______________

Nabereschnyje Tschelny, 2009

Verwendete Literatur zum Thema:

1. Levandovsky A. A. Russland im 20. Jahrhundert: Lehrbuch. für die Klassen 10 – 11. Allgemeinbildung Institutionen / A. A. Levandovsky, Yu. A. Shchetinov. – 6. Aufl. – M.: Bildung, 2002. – 368 S., 16 Blatt. Abb., Karte.

2. Levandovsky A. A. LEKTIONSENTWICKLUNGEN FÜR DAS LEHRBUCH „Russland im 20. Jahrhundert“ / A. A. Levandovsky, Yu. A. Shchetinov, L. V. Zhukova. - 160 Seiten: Abb. (in der Region)

14.12.2009

Lektion Nr. 10: Gruppe 3.4 (11 „G“)

Abschnitt III. Am Vorabend des Zusammenbruchs.

Thema: Russische Kultur des späten 19. - frühen 20. Jahrhunderts

Unterrichtsart: Verallgemeinerung und Erlernen neuer Materialien.

Unterrichtsart: Unterricht - Vorlesung.

Der Zweck der Lektion:

1. Kognitives, pädagogisches Ziel – bei den Schülern grundlegende Vorstellungen über den Stand der Dinge in Bildung, Wissenschaft und Presse zu entwickeln und über die Richtungen der Literatur und Kunst in Russland zu berichten.

2. Das Entwicklungsziel besteht darin, den Studierenden dabei zu helfen, den Zusammenhang zwischen der Entwicklung der Kultur und den Ereignissen in den internen und externen Aktivitäten des Staates zu verstehen.

3. Das Bildungsziel besteht darin, bei den Schülern moralische Persönlichkeitsmerkmale zu entwickeln: Schönheit und Selbstvertrauen zu schätzen, Respekt vor den kulturellen Traditionen des Staates und der Völker des Russischen Reiches zu fördern.

Ausrüstung: Lehrbuch, Arbeitsbücher, visuelle Hilfsmittel: Diagramm „Russische Kultur“, Tafel, Kreide, Zeiger.

Blick auf die Tafel im Unterricht

Grundlegendes Konzept:

Modern, Realismus.

Haupttermine:

1905 – Die Zweite Duma befasst sich mit dem Gesetz über die allgemeine Grundschulbildung.

Seit den 1860er Jahren sind Studentenunruhen an der Tagesordnung.

1898 – Gründung des Künstlervereins „World of Art“.

1899 – „Vorübergehende Regeln für Studentenstreiks“, wonach Studenten zu Aufständen zu den Soldaten geschickt werden konnten.

1903 – Der Verband russischer Künstler wird gegründet.

1904 – I. P. Pavlov erhält den Nobelpreis für seine Entdeckungen auf dem Gebiet der Verdauung.

1904 – Unter Beteiligung von N. E. Schukowski wurde das erste aerodynamische Institut in Europa gegründet.

1907 – 1913 Russische Spielzeiten in Paris unter der Leitung von S. P. Diaghilew.

1911 – Generalstreik der Studenten, Tausende von Universitäten verwiesen.

Hauptpersönlichkeiten: Nikolai Dmitrievich Zelinsky, P. N. Lebedev, K. A. Timiryazev, A. S. Suvorin, Ivan Dmitrievich Sytin, Brüder Sabashnikov, Ivan Petrovich Pavlov, Ilya Ilyich Mechnikov, N. E. Zhukovsky, Konstantin Eduardovich Tsiolkovsky, Vladimir Sergeevich Solovyov, Nikolai Aleksandrovich Berdyaev, S. N. Bulgakov, Pav el Aleksandrovich Florensky, S.N. und E.N. Trubetskoy, S.L. Frank, Pavel Nikolaevich Milyukov, A. A. Kornilov, M. O. Gershenzon, M. I. Tugan-Baranovsky, Pjotr Berngardovich Struve, Vasily Osipovich Klyuchevsky, F. F. Fortunatov, A. A. Shakhmatov, N. V. Krushevsky, L. N. Tolstoi, A. P. Tschechow, I. A. Bunin, A. I. Kuprin, L. N. Andreev, A. N. Tolstoi, A. M. Gorki, V. Ya. Bryusov, K. D. Balmont, N. S. Gumilev, A. A. Blok, Valentin Aleksandrovich Serov, K. A. Korovin, Mikhail Aleksandrovich Vrubel, A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, I. E. Grabar, K. F. Yuon, A. A. Rylov, A. N. Skrjabin, Sergej Wassiljewitsch Rachmaninow, I. V. Strawinsky, Sergej Pawlowitsch Djagilev, F. I. Lidval, A. V. Shchusev, Fedor Osipovich Shekhtel.

Unterrichtsplan:

1. Aufklärung.

2. Drucken.

4. Literatur.

5. Kunst.

Detaillierter Unterrichtsplan:

1. Aufklärung. Russland verfügte über ein umfangreiches und weit verzweigtes Bildungssystem:

Grundschule (Pfarrschulen, öffentliche Schulen);

Sekundarstufe (klassische Gymnasien, Real- und Handelsschulen);

Höhere (Universitäten, Institute)

1905 – Die Zweite Duma befasst sich mit dem Gesetz über die allgemeine Grundschulbildung. In Gymnasien wurde die klassische Ausrichtung geschwächt und mehr Zeit für den Unterricht in Naturwissenschaften und Mathematik vorgesehen. Auch eine zu enge Spezialisierung in Realschulen wurde beseitigt. Handelsschulen wurden vom Bürgertum gefördert und es gab eine Koedukation von Mädchen und Jungen.

Seit den 1860er Jahren sind Studentenunruhen an der Tagesordnung.

1899 – „Vorübergehende Regeln“, nach denen Studenten zu Aufständen zu den Soldaten geschickt werden konnten.

1911 – Generalstreik der Studenten, Tausende von Universitäten verwiesen. Abwanderung von Professuren als Zeichen des Protests – N. D. Zelinsky, P. N. Lebedev, K. A. Timiryazev und andere.

3. Wissenschaft. Die russische Wissenschaft rückt in den Vordergrund. Physiologe I.P. Pavlov, der eine grundlegende Methode zur Untersuchung lebender Organismen entwickelt hat. 1904 – I. P. Pavlov erhält den Nobelpreis für seine Entdeckungen auf dem Gebiet der Verdauung. I. I. Mechnikov wurde Nobelpreisträger für Forschung in der vergleichenden Pathologie, Mikrobiologie und Immunologie. V. I. Wernadskij und seine Lehren legten den Grundstein für neue Wissenschaften: Biochemie, Biogeochemie, Radiogeologie. 1904 – Unter Beteiligung von N. E. Schukowski wurde das erste aerodynamische Institut in Europa gegründet. Die Arbeiten von K. E. Tsiolkovsky legten den Grundstein für die Theorie des Raketenantriebs und die theoretische Kosmonautik. Die revolutionäre Situation in Russland ging mit einem Interesse an Politik und Geisteswissenschaften einher: Geschichte, Philosophie, Wirtschaft und Recht. V. S. Solovyov ist der Begründer der Religionsphilosophie. Auch den Problemen der Wegefindung nach religiösen Prinzipien gewidmet: N.A. Berdyaev, S.N. Bulgakov, P.A. Florensky, S.N. und E.N. Trubetskoy, S.L. Franc. Es erscheinen Werke mit Bezug zur historischen Forschung: „Essays zur Geschichte der russischen Kultur“ von P. N. Milyukov, „Bauernreform“ von A. A. Kornilov, „Geschichte des jungen Russland“ von M. O. Gershenzon. Ernsthafte Studien zur Geschichte der russischen Wirtschaft wurden von den „Rechtsmarxisten“ M. I. Tugan-Baranovsky und P. B. Struve erstellt. Veröffentlichung einer Vorlesung zur Geschichte von V. O. Klyuchevsky zu Beginn des 20. Jahrhunderts. Die russischen Linguisten F. F. Fortunatov, A. A. Shakhmatov und N. V. Krushevsky entwickelten Fragen für die aufstrebende Linguistik. In der Literaturkritik ist A. N. Veselovsky der Begründer der vergleichenden historischen Schule.

4. Literatur. Es entwickelte sich unter dem starken Einfluss der Krise; realistische Schriftsteller vermittelten ihr Gefühl für die Tragödie und die Unordnung des Daseins mit enormer künstlerischer Kraft: L. N. Tolstoi („Sonntag“, „Die lebende Leiche“), A. P. Tschechow („Ionych“, „House mit Zwischengeschoss“, „Die Möwe“), I. A. Bunin, A. I. Kuprin, L. N. Andreev, A. N. Tolstoi. Die Geschichten wurden von Jahr zu Jahr immer beunruhigender und düsterer. Der populärste realistische Schriftsteller A. M. Gorki war ein sensibler Beobachter, der die dunklen Seiten des russischen Lebens vermittelte: bäuerliche Wildheit, bürgerliche Gleichgültigkeit, grenzenlose Willkür der Macht (der Roman Foma Gordeev, die Theaterstücke Bourgeois, At the Lower Depths). Im poetischen Umfeld entstehen modernistische Bewegungen, die sich von traditionellen ästhetischen Normen und Ideen – Symbolik, Akmeismus, Futurismus usw. – lösen wollen – einer Weigerung, die umgebende Realität zu reproduzieren, die uninteressant, langweilig und zugleich erschreckend gefährlich erschien. Sie versuchten, in ihren Werken verallgemeinerte Symbole menschlicher Gefühle und Lebensphänomene zu schaffen, losgelöst von der Hektik des Alltags, oder den Leser mit der Exotik ferner Länder oder längst vergangener Epochen zu fesseln und ihn in die Tiefen des Alltags zu entführen das Unterbewusstsein oder die Superstellarwelten, um ihn mit beispielloser Leidenschaft zu überraschen usw. Die Vertreter waren: V.Ya. Bryusov, K. D. Balmont, N. S. Gumilyov, A. A. Bloka.

5. Kunst. Seit Ende des 19. Jahrhunderts. Der Einfluss der Moderne zeigt sich deutlich in der Malerei – in den impressionistischen Gemälden von V.A. Serov und K. A. Korovin, in den symbolistischen Gemälden von M. A. Vrubel („Dämon“, „Pan“ usw.). 1898 – Gründung des Künstlervereins „World of Art“. Künstler: A. N. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst gaben die realistische Wiedergabe der Realität auf und forderten das Streben nach „reiner Schönheit“ – Perfektion der Form, elegante Konvention, hohe zeitlose Ideale. 1903 – Der Verband russischer Künstler wird gegründet. Die Landschaftsmaler I. E. Grabar, K. F. Yuon und A. A. Rylov arbeiteten hier in einem Stil, der traditionelle und innovative Trends in der russischen Malerei vermischte.

Die Abkehr von alten Traditionen hin zu ästhetischer Raffinesse und der Suche nach neuen Formen war auch charakteristisch für die russische Musik, deren Vertreter A. N. Skrjabin, S. V. Rachmaninow und I. V. Strawinsky waren. 1907 – 1913 Russische Spielzeiten in Paris unter der Leitung von S. P. Diaghilew.

Die russische Architektur erlebt die letzte, kurze, aber helle Phase ihrer Blütezeit, die mit dem Aufkommen des Jugendstils verbunden ist. Die Schöpfer berücksichtigten neue Designs und Materialien und verstanden sie gleichzeitig ästhetisch, was den Gebäuden künstlerische Ausdruckskraft verlieh. Architekten: F. I. Lidval – das Gebäude der Asow-Don-Bank, A. V. Shchusev – Kasaner Bahnhof, F. O. Shekhtel – Jaroslawler Bahnhof und die Druckerei der Zeitung „Morning of Russia“.

Fazit: Die russische Kultur überrascht mit ihrer Helligkeit, ihrem Reichtum und ihrer Fülle an Talenten in verschiedenen Bereichen. Zugleich handelte es sich um die Kultur einer dem Untergang geweihten Gesellschaft, die sich in vielen ihrer Werke erahnen lässt.

Hausaufgabe: §22 – 23, Vervollständigen Sie das Diagramm. Bereiten Sie für den Test 3 Aufgaben für 2 Punkte für die Absätze 16 – 23 und 4 Termine für einen Punkt für alle Absätze 1 – 23 vor. Jeder erhält individuelle Tickets. Bringen Sie ein leeres Blatt Papier mit, unterschrieben mit Ihrem vollständigen Namen und Ihrer Ticketnummer

Während des Unterrichts:

Unterrichtsschritte	Lehreraktivitäten	Studentische Aktivitäten
I. Organisatorischer Moment	Der Lehrer begrüßt die Schüler.	Die Schüler begrüßen den Lehrer.
II. Phase der Hausaufgabenüberprüfung.	In der letzten Lektion haben Sie und ich die russische Außenpolitik am Vorabend des Ersten Weltkriegs und die Teilnahme des Landes am Ersten Weltkrieg besprochen. Die Hausaufgabe bestand darin, die Absätze 20 bis 21 zu lesen und einen Aufsatz zum Thema zu schreiben: „Machen Sie es Sie glauben, dass Europa im Jahr 1914 zu einer groß angelegten militärischen Konfrontation verurteilt war“ und füllen Sie die Tabelle „Militärische Aktionen im Ersten Weltkrieg“ aus. Beantworten Sie außerdem die folgenden Fragen: 1. Erzählen Sie uns die Strategie des russischen Feldzugs im Jahr 1914? 2. Geben Sie auf der Karte die während des „Großen Rückzugs“ verlorenen Gebiete an? 3. Was wissen Sie über den „Brusilovsky-Durchbruch“? 4. Beschreiben Sie die innere Situation nach der Frontniederlage?	Die Schüler hören sich die Einführung des Lehrers zum behandelten Stoff an. Am Ende der Unterrichtsstunde werde ich die Schreibweise des Aufsatzes und der Tabelle überprüfen, indem ich die Notizbücher der Schüler einsammele. Die Befragung wird frontal mit Elementen einer Einzelbefragung durchgeführt; die Befragten antworten von ihren Sitzplätzen aus. Bei Fragen, die ein Diagramm erfordern, zeichnen die Schüler ein Diagramm an die Tafel und erklären dann seine Elemente. Die Antwort berücksichtigt auch die Fähigkeit, auf einer Karte zu navigieren. Für diejenigen, die nicht zurechtkommen oder nicht bereit für den Unterricht sind, stelle ich zusätzliche Fragen. Anstatt die Noten nicht zu bestehen, bereiten Sie bitte Abstracts und Berichte vor.
III. Neues Material lernen.	Wir öffnen unsere Notizbücher und notieren Datum und Thema unserer Unterrichtsstunde. Heute betrachten wir die Kultur Russlands am Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts nach folgendem Plan: 1. Aufklärung. 2. Drucken. 4. Literatur. 5. Kunst. Der Einfachheit halber betrachten wir das Thema in Form eines Diagramms, einen Teil davon bearbeiten wir im Unterricht und den Rest erarbeiten Sie selbst zu Hause, Absätze 22 – 23.	Die Schüler notieren Datum und Thema der Unterrichtsstunde. Wir beginnen mit der Ausfüllung des Diagramms „Russische Kultur des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts“. Gemeinsam füllen wir die Aufklärung aus, weisen auf den Gradualismus der Bildung und die Unruhe der Studenten unter der Autokratie hin. Wir werden auf jeden Fall die allgemeinen Punkte des Abschlusses und der Richtung der Kultur aufschreiben.
IV. Vertiefung des Gelernten	Frage: „Wie wirkten sich die Ereignisse der Innen- und Außenpolitik und der Realität auf die Kultur Russlands am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts aus?“ Notieren Sie die Schlussfolgerung in Ihren Notizbüchern.	Erwartete Schlussfolgerung: Die russische Kultur überrascht mit ihrer Helligkeit, ihrem Reichtum und ihrer Fülle an Talenten in verschiedenen Bereichen. Zugleich handelte es sich um die Kultur einer dem Untergang geweihten Gesellschaft, die sich in vielen ihrer Werke erahnen lässt.
V. Zusammenfassung der Lektion.	Wir öffnen unsere Tagebücher und schreiben unsere Hausaufgaben auf.	Die Schüler schreiben ihre Hausaufgaben in ein Tagebuch.

Praktikant______________________________

Geschichtslehrer an der Schule___________________________

Gruppenführer___________________________

Das Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts ist eine wichtige Periode in der Entwicklung der russischen Kunst. Es fällt mit der Phase der Befreiungsbewegung in Russland zusammen, die W. I. Lenin als proletarisch bezeichnete. Es war eine Zeit erbitterter Klassenkämpfe, drei Revolutionen – 1905–1907, die bürgerlich-demokratische Februarrevolution und die Große Sozialistische Oktoberrevolution, die Zeit des Zusammenbruchs der alten Welt. Das umgebende Leben und die Ereignisse dieser außergewöhnlichen Zeit bestimmten das Schicksal der Kunst: Sie erlebte in ihrer Entwicklung viele Schwierigkeiten und Widersprüche. Das Werk von M. Gorki eröffnete neue Wege für die Kunst der Zukunft, der sozialistischen Welt. Sein 1906 verfasster Roman „Mutter“ wurde zu einem Beispiel für die talentierte Verkörperung der Prinzipien der Parteimitgliedschaft und der Nationalität in der künstlerischen Kreativität, die erstmals von W. I. Lenin im Artikel „Parteiorganisation und Parteiliteratur“ (1905) klar definiert wurden. . Shulgin V. S. Kultur Russlands 9.-20. Jahrhundert. - M, 2006., S. 34.

Wie war das allgemeine Bild der Entwicklung der russischen Kunst in dieser Zeit? Auch die führenden Meister des Realismus – I. E. Repin, V. I. Surikov, V. M. Vasnetsov, V. E. Makovsky – arbeiteten fruchtbar. In den 1890er Jahren fanden ihre Traditionen ihre Weiterentwicklung in einer Reihe von Werken der jüngeren Generation von Peredwischniki-Künstlern, zum Beispiel von Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930), dessen Werk auch mit dem Leben der Menschen, mit dem Leben von, verbunden ist Die Bauern. Seine Bilder sind wahrheitsgetreu und einfach, die frühen sind lyrisch („Entlang des Oka-Flusses“, 1890; „Reverse“, 1896), während die späteren, leuchtend malerischen Bilder eine überschwängliche Fröhlichkeit aufweisen („Mädchen mit Krug“, 1927; alle drei in der Tretjakow-Galerie). IN DEN 1890er Jahren malte Arkhipov das Gemälde „Wäscherinnen“, das von der anstrengenden Arbeit der Frauen erzählt und als anschauliches, belastendes Dokument gegen die Autokratie (GRM) dient.

Zur jüngeren Generation der Peredwischniki gehört auch Sergej Alexejewitsch Korowin

(1858–1908) und Nikolai Alekseevich Kasatkin (1859–1930). Korowin arbeitete zehn Jahre lang an seinem zentralen Gemälde „Über die Welt“ (1893, Tretjakow-Galerie). Er reflektierte darin die komplexen Prozesse der Schichtung der Bauernschaft im kapitalisierten Dorf seiner Zeit. Kasatkin konnte in seinem Werk auch die wichtigsten Aspekte des russischen Lebens offenlegen. Er brachte ein völlig neues Thema zur Stärkung der Rolle des Proletariats zur Sprache. In den Bergleuten, die in seinem berühmten Gemälde „Coal Miners. Smena“ (1895, Tretjakow-Galerie) kann man die mächtige Kraft erahnen, die in naher Zukunft das verrottete System des zaristischen Russlands zerstören und eine neue, sozialistische Gesellschaft aufbauen wird.

Doch in der Kunst der 1890er Jahre zeichnete sich ein anderer Trend ab. Viele Künstler versuchten nun, im Leben vor allem seine poetischen Seiten zu finden, und so nahmen sie sogar Landschaften in Genrebilder auf. Sie wandten sich oft der alten russischen Geschichte zu. Diese Kunsttrends sind in den Werken von Künstlern wie A. P. Ryabushkin, B. M. Kustodiev und M. V. Nesterov deutlich zu erkennen.

Das Lieblingsgenre von Andrei Petrowitsch Rjabuschkin (1861-1904) war das historische Genre, er malte aber auch Bilder aus dem zeitgenössischen bäuerlichen Leben. Der Künstler fühlte sich jedoch nur von bestimmten Aspekten des Volkslebens angezogen: Ritualen, Feiertagen. In ihnen sah er eine Manifestation des ursprünglichen russischen Nationalcharakters („Moskowskaja-Straße des 17. Jahrhunderts“, 1896, Staatliches Russisches Museum). Die meisten Charaktere nicht nur für Genres, sondern auch für historische Gemälde wurden von Rjabuschkin von Bauern geschrieben – der Künstler verbrachte fast sein ganzes Leben im Dorf. Rjabuschkin führte einige charakteristische Merkmale der altrussischen Malerei in seine historischen Gemälde ein, als ob er damit die historische Authentizität der Bilder betonen würde („Hochzeitszug in Moskau (17. Jahrhundert)“, 1901, Tretjakow-Galerie).

Ein weiterer bedeutender Künstler dieser Zeit, Boris Michailowitsch Kustodiew (1878-1927), zeigt Jahrmärkte mit bunten Löffeln und Stapeln bunter Waren, russische Maslenitsa mit Reiten in Troikas, Szenen aus dem Kaufmannsleben.

Im Frühwerk von Michail Wassiljewitsch Nesterow kamen die lyrischen Seiten seines Talents am deutlichsten zum Vorschein. Landschaft spielte in seinen Gemälden immer eine große Rolle: Der Künstler suchte Freude an der Stille der ewig schönen Natur. Er liebte es, dünnstämmige Birken, zarte Grashalme und Wiesenblumen darzustellen. Seine Helden sind dünne Jugendliche – Bewohner von Klöstern oder freundliche alte Männer, die Frieden und Ruhe in der Natur finden. Gemälde, die dem Schicksal einer russischen Frau gewidmet sind („Auf den Bergen“, 1896, Museum für Russische Kunst, Kiew; „Große Tonsur“, 1897-1898, Staatliches Russisches Museum) sind von tiefer Anteilnahme erfüllt. Kljutschewski V. Russische Geschichte. Vollständiger Vortragsverlauf. - M.: OLMA-PRESS Education, 2004., p. 133.

Aus dieser Zeit stammt das Werk des Landschafts- und Tiermalers Alexei Stepanovich Stepanov (1858-1923). Der Künstler liebte Tiere aufrichtig und verfügte über ein tadelloses Wissen nicht nur über das Aussehen, sondern auch über den Charakter jedes Tieres, seine Fähigkeiten und Gewohnheiten sowie die Besonderheiten verschiedener Jagdarten. Die besten Gemälde des Künstlers sind der russischen Natur gewidmet, durchdrungen von Lyrik und Poesie – „Kraniche fliegen“ (1891), „Elche“ (1889; beide in der Staatlichen Tretjakow-Galerie), „Wölfe“ (1910, Privatsammlung, Moskau) .

Auch die Kunst von Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870-1905) ist von tiefer Lyrik geprägt. Seine Bilder nachdenklicher Frauen – Bewohner alter Gutsparks – und alle seine harmonischen, musikalischen Gemälde („Reservoir“, 1902, Tretjakow-Galerie) sind wunderschön und poetisch.

In den 80er und 90er Jahren des 19. Jahrhunderts entstand das Werk der herausragenden russischen Künstler Konstantin Alexejewitsch Korowin (1861–1939), Walentin Alexandrowitsch Serow und Michail Alexandrowitsch Wrubel. Ihre Kunst spiegelte die künstlerischen Errungenschaften der Zeit am besten wider.

Das Talent von K.A. Korovin kam sowohl in der Staffeleimalerei, vor allem in der Landschaftsmalerei, als auch in der theatralischen Dekorationskunst gleichermaßen deutlich zum Ausdruck. Der Charme von Korovins Kunst liegt in ihrer Wärme, ihrem Sonnenschein, in der Fähigkeit des Meisters, seine künstlerischen Eindrücke direkt und lebendig zu vermitteln, in der Großzügigkeit seiner Palette, im Farbreichtum seiner Malerei („Auf dem Balkon“, 1888-1889; „Im Winter“, 1894-; beide in GTG).

Ganz am Ende der 1890er Jahre wurde in Russland eine neue künstlerische Gesellschaft namens „World of Art“ unter der Leitung von A. N. Benois und S. P. Diaghilev gegründet, die großen Einfluss auf das künstlerische Leben des Landes hatte. Sein Hauptkern sind die Künstler K.A. Somov, L.S. Baket, M.V. Dobuzhinsky, E.E. Lansere, A.P. Ostroumova-Lebedeva. Die Aktivitäten dieser Gruppe waren sehr vielfältig. Die Künstler leisteten aktive kreative Arbeit, gaben das Kunstmagazin „World of Art“ heraus und organisierten interessante Kunstausstellungen unter Beteiligung vieler herausragender Meister. Miriskusniki, wie die Künstler der „Welt der Kunst“ genannt wurden, wollte ihren Zuschauern und Lesern die Errungenschaften der nationalen und internationalen Kunst näherbringen. Ihre Aktivitäten trugen zur weiten Verbreitung der künstlerischen Kultur in der russischen Gesellschaft bei. Aber gleichzeitig hatte es auch seine Nachteile. Die Studenten der „World of Art“ suchten im Leben nur nach Schönheit und sahen die Erfüllung der Künstlerideale nur im ewigen Charme der Kunst. Ihrer Arbeit fehlte der Kampfgeist und die soziale Analyse, die für die Wanderers charakteristisch waren, unter deren Banner die fortschrittlichsten und revolutionärsten Künstler marschierten.

Alexander Nikolaevich Benois (1870-1960) gilt zu Recht als Ideologe der „Welt der Kunst“. Er war ein umfassend gebildeter Mann und verfügte über große Kenntnisse auf dem Gebiet der Kunst. Er beschäftigte sich hauptsächlich mit Grafik und arbeitete viel für das Theater. Wie seine Kameraden entwickelte Benoit in seinem Werk Themen aus vergangenen Epochen. Er war der Dichter von Versailles, seine kreative Fantasie entfachte Feuer, als er immer wieder die Parks und Paläste der St. Petersburger Vororte besuchte. In seinen historischen Kompositionen, bevölkert von kleinen, scheinbar leblosen Menschenfiguren, reproduzierte er sorgfältig und liebevoll Kunstdenkmäler und einzelne Details des Alltags („Parade unter Peter1“, 1907, Russisches Russisches Museum).

Ein prominenter Vertreter der „Welt der Kunst“ war Konstantin Andrejewitsch Somow (1869-1939). Er wurde weithin als Meister romantischer Landschaften und galanter Szenen bekannt. Seine üblichen Helden sind Damen mit hohen, gepuderten Perücken und flauschigen Krinolinen, als kämen sie aus der fernen Antike, und kultivierte, träge Herren in Satinhemden. Somov beherrschte das Zeichnen hervorragend. Dies galt insbesondere für seine Porträts. Der Künstler schuf eine Galerie mit Porträts von Vertretern der künstlerischen Intelligenz, darunter der Dichter A.A. Blok und M.A. Kuzmin (1907, 1909; beide in der Tretjakow-Galerie).

Im künstlerischen Leben Russlands zu Beginn des Jahrhunderts spielte auch die Künstlergruppe „Union russischer Künstler“ eine bedeutende Rolle. Darunter waren die Künstler K.A. Korovin, A.E. Arkhipov, S.A. Vinogradov, S.Yu. Zhukovsky, L.V. Turzhansky, K.F. Yuon und andere. Das Hauptgenre im Werk dieser Künstler war die Landschaft. Sie waren die Nachfolger der Landschaftsmalerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Aufsatz

in den Kulturwissenschaften

Zu diesem Thema

„Russische Kultur des späten 19. Jahrhunderts“

frühes 20. Jahrhundert"

Grischin Sergej

1. Einleitung.

2. Malerei des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts: Schwierigkeiten und Widersprüche.

4. Skulptur: Suche nach einem neuen Helden.

5. Symbolik in der Literatur der Jahrhundertwende.

6. Andere Trends in der Literatur.

7. Musik: Prioritäten ändern.

8. Der Aufstieg der Theater.

9. Fazit

1. Einleitung.

Das Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts war von einer tiefen Krise geprägt, die die gesamte europäische Kultur erfasste und aus der Enttäuschung über frühere Ideale und dem Gefühl des nahenden Untergangs des bestehenden gesellschaftspolitischen Systems resultierte.

Aber dieselbe Krise brachte eine große Ära hervor – die Ära der russischen kulturellen Renaissance zu Beginn des Jahrhunderts – eine der anspruchsvollsten Epochen in der Geschichte der russischen Kultur. Dies war die Ära des kreativen Aufstiegs von Poesie und Philosophie nach einer Zeit des Niedergangs. Gleichzeitig war es eine Ära der Entstehung neuer Seelen, neuer Sensibilität. Seelen öffneten sich allen möglichen mystischen Tendenzen, sowohl positiven als auch negativen. Nie zuvor waren alle Arten von Täuschung und Verwirrung unter uns so stark ausgeprägt. Gleichzeitig wurden die russischen Seelen von Vorahnungen drohender Katastrophen überwältigt. Dichter sahen nicht nur die bevorstehende Morgendämmerung, sondern auch etwas Schreckliches, das sich Russland und der Welt näherte ... Religiöse Philosophen waren von apokalyptischen Gefühlen durchdrungen. Die Prophezeiungen über das nahende Ende der Welt meinten vielleicht wirklich nicht das nahende Ende der Welt, sondern das nahende Ende des alten, imperialen Russlands. Unsere kulturelle Renaissance fand in der vorrevolutionären Ära statt, in der Atmosphäre eines bevorstehenden großen Krieges und einer großen Revolution. Es gab nichts Nachhaltiges mehr. Historische Körper sind geschmolzen. Nicht nur Russland, sondern die ganze Welt geriet in einen flüssigen Zustand... In diesen Jahren wurden viele Geschenke nach Russland geschickt. Dies war die Ära des Erwachens des unabhängigen philosophischen Denkens in Russland, des Aufblühens der Poesie und der Schärfung der ästhetischen Sensibilität, der religiösen Angst und Suche, des Interesses an Mystik und Okkultismus. Neue Seelen erschienen, neue Quellen kreativen Lebens wurden entdeckt, neue Morgendämmerungen wurden gesehen, die Gefühle des Niedergangs und des Todes verbanden sich mit dem Gefühl des Sonnenaufgangs und mit der Hoffnung auf die Transformation des Lebens.“

Im Zeitalter der kulturellen Renaissance kam es in allen Bereichen der Kultur zu einer Art „Explosion“: nicht nur in der Poesie, sondern auch in der Musik; nicht nur in der bildenden Kunst, sondern auch im Theater... Das damalige Russland bescherte der Welt eine Vielzahl neuer Namen, Ideen und Meisterwerke. Zeitschriften wurden herausgegeben, verschiedene Zirkel und Gesellschaften gegründet, Debatten und Diskussionen organisiert, neue Trends entstanden in allen Bereichen der Kultur.

2. Das Ende bemalen XIX - gestartet XX Jahrhunderte: Schwierigkeiten und Widersprüche.

In den 1890er Jahren fanden ihre Traditionen ihre Weiterentwicklung in einer Reihe von Werken der jüngeren Generation von Peredwischniki-Künstlern, zum Beispiel von Abram Efimovich Arkhipov (1862-1930), dessen Werk auch mit dem Leben der Menschen, mit dem Leben von, verbunden ist Die Bauern. Seine Bilder sind wahrheitsgetreu und einfach, die frühen sind lyrisch („Entlang des Oka-Flusses“, 1890; „Reverse“, 1896), während die späteren, leuchtend malerischen Bilder eine überschwängliche Fröhlichkeit aufweisen („Mädchen mit Krug“, 1927; alle drei in der Tretjakow-Galerie). IN DEN 1890er Jahren malte Arkhipov das Gemälde „Wäscherinnen“, das von der anstrengenden Arbeit der Frauen erzählt und als anschauliches, belastendes Dokument gegen die Autokratie (GRM) dient.

Zur jüngeren Generation der Itineranten gehören auch Sergei Alekseevich Korovin (1858-1908) und Nikolai Alekseevich Kasatkin (1859-1930). Korowin arbeitete zehn Jahre lang an seinem zentralen Gemälde „Über die Welt“ (1893, Tretjakow-Galerie). Er reflektierte darin die komplexen Prozesse der Schichtung der Bauernschaft im kapitalisierten Dorf seiner Zeit. Kasatkin konnte in seinem Werk auch die wichtigsten Aspekte des russischen Lebens offenlegen. Er brachte ein völlig neues Thema zur Stärkung der Rolle des Proletariats zur Sprache. In den Bergleuten, die in seinem berühmten Gemälde „Coal Miners. Shift“ (1895, Tretjakow-Galerie) dargestellt sind, kann man die mächtige Kraft erkennen, die in naher Zukunft das verrottete System des zaristischen Russlands zerstören und eine neue, sozialistische Gesellschaft aufbauen wird.

Ein prominenter Vertreter der „Welt der Kunst“ war Konstantin Andrejewitsch Somow (1869-1939). Er wurde weithin als Meister romantischer Landschaften und galanter Szenen bekannt. Seine üblichen Helden sind Damen mit hohen, gepuderten Perücken und flauschigen Krinolinen, als kämen sie aus alten Zeiten, und elegante, träge Herren in Satinhemden. Somov beherrschte das Zeichnen hervorragend. Dies galt insbesondere für seine Porträts. Der Künstler schuf eine Galerie mit Porträts von Vertretern der künstlerischen Intelligenz, darunter der Dichter A.A. Blok und M.A. Kuzmin (1907, 1909; beide in der Tretjakow-Galerie).

3. Architektur: Moderne und Neoklassizismus.

Architektur als Kunstform ist am stärksten von sozioökonomischen Beziehungen abhängig. Daher kam es in Russland unter den Bedingungen der monopolistischen Entwicklung des Kapitalismus zu einer Konzentration akuter Widersprüche, die zur spontanen Entwicklung von Städten führte, die der Stadtplanung schadete und Großstädte in Monster der Zivilisation verwandelte.

Hohe Gebäude verwandelten Innenhöfe in schlecht beleuchtete und belüftete Brunnen. Das Grün wurde aus der Stadt verdrängt. Das Missverhältnis zwischen der Größe von Neubauten und Altbauten hat einen grimassenartigen Charakter angenommen. Gleichzeitig entstanden industrielle Architekturstrukturen – Fabriken, Fabriken, Bahnhöfe, Spielhallen, Banken, Kinos. Bei ihrem Bau kamen modernste Planungs- und Designlösungen zum Einsatz, aktiv wurden Stahlbeton- und Metallkonstruktionen eingesetzt, die es ermöglichten, Räume zu schaffen, in denen sich gleichzeitig große Menschenmassen aufhalten.

Wie sieht es derzeit mit Stilen aus?! Vor einem retrospektiv-elektrisierenden Hintergrund entstanden neue Trends – Modernismus und Neoklassizismus. Die ersten Erscheinungsformen des Jugendstils gehen auf das letzte Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts zurück, der Neoklassizismus entstand in den 1900er Jahren.

Der Jugendstil in Russland unterscheidet sich nicht grundsätzlich von der westlichen Kunst. Es gab jedoch eine klare Tendenz, Moderne mit historischen Stilen zu vermischen: Renaissance, Barock, Rokoko sowie altrussische Architekturformen (Jaroslawski-Bahnhof in Moskau). Variationen des skandinavischen Jugendstils waren in St. Petersburg weit verbreitet.

In Moskau war der Architekt Fjodor Osipowitsch Schechtel (1859–1926) der Hauptvertreter des Jugendstils; er baute das Gebäude des Moskauer Kunsttheaters und das Rjabuschinski-Herrenhaus (1900–1902) – Werke, die für den reinen Jugendstil am typischsten sind. Sein Bahnhof Jaroslawl ist ein Beispiel stilistisch gemischter Architektur. Im Ryabushinsky-Herrenhaus weicht der Architekt von traditionellen vorgegebenen Bauplänen ab und nutzt das Prinzip der freien Asymmetrie. Jede der Fassaden ist unterschiedlich gestaltet. Das Gebäude ist in der freien Entwicklung der Volumen gehalten und ähnelt mit seinen Vorsprüngen einer wurzelnden Pflanze, dies entspricht dem Prinzip des Jugendstils, einer architektonischen Struktur eine organische Form zu verleihen. Andererseits ist das Herrenhaus recht monolithisch und entspricht dem Grundsatz eines bürgerlichen Zuhauses: „Mein Zuhause ist meine Festung.“

Die vielfältigen Fassaden werden durch einen breiten Mosaikfries mit stilisiertem Irisbild vereint (das florale Ornament ist charakteristisch für den Jugendstil). Buntglasfenster sind charakteristisch für den Jugendstil. Sie und die Gestaltung des Gebäudes werden von skurrilen Linienführungen dominiert. Im Inneren des Gebäudes erreichen diese Motive ihren Höhepunkt. Möbel und Dekoration wurden nach Shekhtels Entwürfen angefertigt. Der Wechsel von dunklen und hellen Räumen, die Fülle an Materialien, die ein bizarres Lichtreflexionsspiel erzeugen (Marmor, Glas, poliertes Holz), das farbige Licht von Buntglasfenstern, die asymmetrische Anordnung von Türen, die die Richtung des Lichtflusses ändern - all das verwandelt die Realität in eine romantische Welt.

Als sich Shekhtels Stil entwickelte, traten rationalistische Tendenzen auf. Das Handelshaus der Moskauer Handelsgesellschaft in der Malo Cherkassky Lane (1909), das Gebäude der Druckerei „Morning of Russia“ (1907) kann als vorkonstruktivistisch bezeichnet werden. Der Haupteffekt sind die verglasten Flächen der riesigen Fenster, abgerundete Ecken, die dem Gebäude Plastizität verleihen.

Die bedeutendsten Meister des Jugendstils in St. Petersburg waren F. I. Lidval (1870-1945, Astoria Hotel. Azov-Don Bank) I. N. Lyalevich (Gebäude der Firma Mertex am Newski-Prospekt).

Der Neoklassizismus war ein rein russisches Phänomen und war 1910 in St. Petersburg am weitesten verbreitet. Ziel dieser Richtung war es, die Traditionen des russischen Klassizismus von Kasakow, Woronikhin, Sacharow, Rossi, Stasow, Gilardi der zweiten Hälfte des 18. und des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts wiederzubeleben. Die Anführer des Neoklassizismus waren I.A. Fomin (1872-1936; A.A. Polovtsevs Herrenhaus auf der Kamenny-Insel in St. Petersburg), V. Shuko (Wohngebäude), A. Tamanyan, I. Zholtovsky (G.A. Tarasovs Herrenhaus in Moskau). Sie schufen viele herausragende Bauwerke, die sich durch harmonische Kompositionen und exquisite Details auszeichnen. Das Werk von Alexander Viktorovich Shchusev (1873-1949) ist eng mit dem Neoklassizismus verbunden. Aber er wandte sich dem Erbe der nationalen russischen Architektur des 11.-17. Jahrhunderts zu (manchmal wird dieser Stil als neorussischer Stil bezeichnet). Shchusev baute das Marfa-Mariinskaya-Kloster und den Kasaner Bahnhof in Moskau. Trotz all seiner Vorzüge war der Neoklassizismus eine besondere Spielart in der höchsten Form des Retrospektivismus.

Trotz der Qualität der architektonischen Strukturen dieser Zeit ist anzumerken, dass sich die russische Architektur und Innenarchitektur nicht vom Hauptlaster des Eklektizismus befreien konnte; ein besonderer neuer Entwicklungsweg wurde nicht gefunden.

Die genannten Richtungen wurden nach der Oktoberrevolution mehr oder weniger weiterentwickelt.

4. Skulptur: Suche nach einem neuen Helden.

Die Entwicklungswege der russischen Skulptur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts wurden maßgeblich durch ihre Verbindungen zur Kunst der Wanderer bestimmt. Genau das erklärt seine Demokratie und seinen Inhalt.

Bildhauer beteiligen sich aktiv an der Suche nach einem neuen, modernen Helden. Die Materialien werden immer vielfältiger: Es werden nicht nur wie bisher Marmor und Bronze verwendet, sondern auch Stein, Holz, Majolika und sogar Ton. Es wird versucht, Farbe in die Skulptur einzuführen. Zu dieser Zeit arbeitete eine brillante Galaxie von Bildhauern – P. P. Trubetskoy, A. S. Golubkina, S. T. Konenkov, A. T. Matveev.

Die Kunst von Anna Semyonovna Golubkina (1864-1927) trägt den Stempel ihrer Zeit. Es ist betont spirituell und stets zutiefst und konsequent demokratisch. Golubkina ist eine überzeugte Revolutionärin. Ihre Skulpturen „Slave“ (1905, Tretjakow-Galerie), „Walking“ (1903, Staatliches Russisches Museum) und das Porträt von Karl Marx (1905, Tretjakow-Galerie) sind eine natürliche Reaktion auf die fortschrittlichen Ideen unserer Zeit. Golubkina ist eine große Meisterin der psychologischen skulpturalen Porträtmalerei. Und hier bleibt sie sich selbst treu und arbeitet mit der gleichen kreativen Begeisterung an Porträts sowohl des großen Schriftstellers („Lew Tolstoi“, 1927, Staatliches Russisches Museum) als auch einer einfachen Frau („Marja“, 1905, Tretjakow-Galerie).

Das bildhauerische Werk von Sergei Timofeevich Konenkov (1874-1971) ist besonders reich und vielfältig an Stil- und Genreformen.

Sein Werk „Samson Breaking the Bonds“ (1902) ist von den gigantischen Bildern Michelangelos inspiriert. „Der militante Arbeiter von 1905, Ivan Churkin“ (1906) ist die Verkörperung eines unzerstörbaren Willens, gemildert im Feuer der Klassenkämpfe.

Nach einer Reise nach Griechenland im Jahr 1912 begann er sich wie V. Serov für antike Archaik zu interessieren. Bilder der heidnischen antiken griechischen Mythologie sind mit Bildern der antiken slawischen Mythologie verflochten. Abramzewos Vorstellungen von Folklore fanden auch in Werken wie „Welikosil“, „Stribog“, „Staritschek“ und anderen ihren Niederschlag. „Die Bettlerbrüder“ (1917) wurde als ein Ding der Vergangenheit Russlands wahrgenommen. Die aus Holz geschnitzten Figuren zweier armer, elender Wanderer, gebeugt, knorrig, in Lumpen gehüllt, sind realistisch und phantastisch zugleich.

Die Traditionen der klassischen Bildhauerei wurden von Ivan Timofeevich Matveev (1878-1960), einem Schüler von Trubetskoy an der Moskauer Schule, wiederbelebt. In den Motiven der Aktfigur entwickelte er ein Minimum an plastischen Grundthemen. Die plastischen Prinzipien der Matveevsky-Skulptur kommen am deutlichsten in den Bildern junger Männer und Jungen zum Ausdruck („Sitting Boy“, 1909, „Sleeping Boys“, 1907, „Young Man“, 1911 und einer Reihe von Statuen, die für einen von ihnen bestimmt waren Parkensembles auf der Krim). Matveevs antike leichte Kurven der Jungenfiguren werden mit einer spezifischen Präzision der Posen und Bewegungen kombiniert, die an die Gemälde von Borisov-Musatov erinnern. Matveev verkörperte in seinen Werken den modernen Durst nach Harmonie in modernen künstlerischen Formen.

5. Symbolik in der Literatur der Jahrhundertwende.

„SYMBOLISMUS“ ist eine Bewegung in der europäischen und russischen Kunst, die um die Wende des 20. Jahrhunderts entstand und sich hauptsächlich auf den künstlerischen Ausdruck konzentrierte SYMBOL„Dinge an sich“ und Ideen, die jenseits der Sinneswahrnehmung liegen. In dem Bestreben, die sichtbare Realität zu „verborgenen Realitäten“, dem überzeitlichen idealen Wesen der Welt, ihrer „unvergänglichen“ Schönheit zu durchbrechen, drückten die Symbolisten eine Sehnsucht nach spiritueller Freiheit, eine tragische Vorahnung der sozio-historischen Veränderungen in der Welt und Vertrauen aus uralte kulturelle Werte als verbindendes Prinzip.

Die Kultur des russischen Symbolismus sowie der Denkstil der Dichter und Schriftsteller, die diese Richtung prägten, entstanden und entwickelten sich an der Schnittstelle und gegenseitigen Ergänzung äußerlich gegensätzlicher, aber tatsächlich fest verbundener und sich gegenseitig erklärender philosophischer und philosophischer Linien ästhetische Einstellung zur Realität. Es war ein Gefühl der beispiellosen Neuheit von allem, was die Jahrhundertwende mit sich brachte, begleitet von einem Gefühl der Unruhe und Instabilität.

Die symbolische Poesie formierte sich zunächst als romantische und individualistische Poesie, die sich von der Polyphonie der „Straße“ löste und sich in die Welt persönlicher Erfahrungen und Eindrücke zurückzog.

Die im 19. Jahrhundert entdeckten und formulierten Wahrheiten und Kriterien genügten heute nicht mehr. Es brauchte ein neues Konzept, das der neuen Zeit entspricht. Wir müssen den Symbolisten Tribut zollen – sie schlossen sich keinem der im 19. Jahrhundert geschaffenen Stereotypen an. Nekrasov lag ihnen am Herzen, wie Puschkin, Fet – wie Nekrasov. Und hier geht es nicht um die Unleserlichkeit und Allesfresserschaft der Symbolisten. Es geht um die Breite der Ansichten und vor allem um das Verständnis, dass jede große Persönlichkeit in der Kunst das Recht auf eine eigene Sicht auf die Welt und die Kunst hat. Was auch immer die Ansichten ihres Schöpfers sein mögen, die Bedeutung der Kunstwerke selbst verliert nichts. Das Wichtigste, was die Künstler der symbolischen Bewegung nicht akzeptieren konnten, war Selbstgefälligkeit und Ruhe, das Fehlen von Ehrfurcht und Brennen.

Mit einer solchen Haltung gegenüber dem Künstler und seinem Schaffen war auch die Einsicht verbunden, dass wir jetzt, in diesem Moment, am Ende der 90er Jahre des 19. Jahrhunderts, in eine neue – beunruhigende und unruhige Welt eintreten. Der Künstler muss sowohl von dieser Neuheit als auch von dieser Unordnung durchdrungen sein, seine Kreativität damit durchdringen und sich letztendlich der Zeit opfern, den Ereignissen, die noch nicht sichtbar, aber so unvermeidlich sind wie die Bewegung der Zeit.

„Der Symbolismus selbst war nie eine Kunstschule“, schrieb A. Bely, „aber er war eine Tendenz zu einer neuen Weltanschauung, die die Kunst auf ihre eigene Weise brach ... Und wir betrachteten neue Kunstformen nicht als eine Veränderung der Formen.“ allein, aber als deutliches Zeichen verändert sich die innere Wahrnehmung der Welt.“

Im Jahr 1900 hielt K. Balmont in Paris einen Vortrag, dem er den demonstrativen Titel gab: „Elementare Worte über symbolische Poesie“. Balmont glaubt, dass die Lücke bereits gefüllt ist – eine neue Richtung zeichnet sich ab: symbolische Poesie, was ein Zeichen der Zeit ist. Von einem „Geist der Verwüstung“ muss von nun an nicht mehr gesprochen werden. In seinem Bericht versuchte Balmont, den Zustand der modernen Poesie so umfassend wie möglich zu beschreiben. Er spricht von Realismus und Symbolismus als völlig gleichwertigen Formen der Weltanschauung. Gleich, aber im Wesentlichen unterschiedlich. Dabei handele es sich um zwei „verschiedene Systeme künstlerischer Wahrnehmung“. „Realisten werden wie eine Brandung vom konkreten Leben erfasst, hinter dem sie nichts sehen; Symbolisten, losgelöst von der wirklichen Realität, sehen darin nur ihren Traum, sie betrachten das Leben aus dem Fenster.“ So wird der Weg des symbolistischen Künstlers umrissen: „von unmittelbaren Bildern, schön in ihrer eigenständigen Existenz, zu der in ihnen verborgenen spirituellen Idealität, die ihnen doppelte Kraft verleiht.“

Diese Kunstauffassung erforderte eine entscheidende Umstrukturierung des gesamten künstlerischen Denkens. Sie basierte nun nicht mehr auf realen Phänomenkorrespondenzen, sondern auf assoziativen Korrespondenzen, und die objektive Bedeutung von Assoziationen wurde keineswegs als obligatorisch angesehen. A. Bely schrieb: „Ein charakteristisches Merkmal der Symbolik in der Kunst ist der Wunsch, das Bild der Realität als Mittel zur Vermittlung des erlebten Bewusstseinsinhalts zu nutzen.“ Die Abhängigkeit der Bilder der Sichtbarkeit von den Bedingungen des wahrnehmenden Bewusstseins verlagert den Schwerpunkt in der Kunst vom Bild auf die Methode seiner Wahrnehmung... Ein Bild als Modell des erlebten Bewusstseinsinhalts ist ein Symbol. Die Methode, Erfahrungen mit Bildern zu symbolisieren, ist Symbolik.“

So tritt die poetische Allegorie als Haupttechnik der Kreativität in den Vordergrund, wenn ein Wort, ohne seine gewohnte Bedeutung zu verlieren, zusätzliche potentielle, mehrdeutige Bedeutungen erhält, die sein wahres „Wesen“ der Bedeutung offenbaren.

Die Umwandlung eines künstlerischen Bildes in ein „Modell des erlebten Bewusstseinsinhalts“, also in ein Symbol, erforderte eine Verlagerung der Aufmerksamkeit des Lesers vom Ausgedrückten auf das Angedeutete. Das künstlerische Bild erwies sich zugleich als allegorisches Bild.

Gerade der Appell an implizite Bedeutungen und die imaginäre Welt, die bei der Suche nach idealen Ausdrucksmitteln Halt boten, hatte eine gewisse Anziehungskraft. Dies diente später als Grundlage für die Annäherung zwischen den symbolistischen Dichtern und Vl. Solovyov, der einigen von ihnen als Suchender nach neuen Wegen der spirituellen Transformation des Lebens erschien. Da sie den Beginn von Ereignissen von historischer Bedeutung vorhersahen, das Wirken der verborgenen Kräfte der Geschichte spürten und nicht in der Lage waren, ihnen eine Interpretation zu geben, waren die Dichter des Symbolismus mystisch-eschatologischen Theorien ausgeliefert. Zu diesem Zeitpunkt fand ihr Treffen mit Vl. Solovyov statt.

Natürlich basierte die Symbolik auf der Erfahrung der dekadenten Kunst der 80er Jahre, aber es handelte sich um ein qualitativ anderes Phänomen. Und es fiel nicht in allem mit Dekadenz zusammen.

Entstanden in den 90er Jahren im Zeichen der Suche nach neuen Mitteln der poetischen Darstellung, fand die Symbolik zu Beginn des neuen Jahrhunderts ihre Grundlage in vagen Erwartungen an bevorstehende historische Veränderungen. Der Erwerb dieses Bodens diente als Grundlage für seine weitere Existenz und Entwicklung, allerdings in eine andere Richtung. Die Poesie des Symbolismus blieb inhaltlich grundsätzlich und betont individualistisch, erhielt jedoch eine Problematik, die nun auf der Wahrnehmung einer bestimmten Epoche beruhte. Basierend auf ängstlicher Vorfreude kommt es nun zu einer Intensivierung der Wahrnehmung der Realität, die in Form gewisser geheimnisvoller und alarmierender „Zeichen der Zeit“ in das Bewusstsein und die Kreativität der Dichter eindrang. Ein solches „Zeichen“ könnte jedes Phänomen, jede historische oder rein alltägliche Tatsache sein („Zeichen“ der Natur – Sonnenaufgänge und Sonnenuntergänge; verschiedene Arten von Begegnungen, denen eine mystische Bedeutung gegeben wurde; „Zeichen“ eines Geisteszustands – Doppelgänger; „Zeichen“. „der Geschichte – Skythen, Hunnen, Mongolen, allgemeine Zerstörung; „Zeichen“ der Bibel, die eine besonders wichtige Rolle spielten – Christus, eine neue Wiedergeburt, weiße Farbe als Symbol für die reinigende Natur zukünftiger Veränderungen usw.). Auch das kulturelle Erbe der Vergangenheit wurde gemeistert. Daraus wurden Fakten ausgewählt, die „prophetischen“ Charakter haben könnten. Diese Fakten wurden sowohl in schriftlichen als auch in mündlichen Präsentationen häufig verwendet.

Aufgrund ihrer inneren Zusammenhänge entwickelte sich die Poesie des Symbolismus damals in Richtung einer immer tieferen Transformation unmittelbarer Lebenseindrücke, ihres geheimnisvollen Verständnisses, dessen Zweck nicht darin bestand, reale Zusammenhänge und Abhängigkeiten herzustellen, sondern das zu begreifen „verborgene“ Bedeutung der Dinge. Dieses Merkmal liegt der schöpferischen Methode der Dichter des Symbolismus, ihrer Poetik, zugrunde, wenn wir diese Kategorien bedingt und allgemein für die gesamte Bewegung nehmen.

Das 20. Jahrhundert war eine Zeit der Blüte, Erneuerung und Vertiefung symbolistischer Lyrik. Keine andere Bewegung in der Poesie konnte in diesen Jahren mit der Symbolik konkurrieren, weder hinsichtlich der Anzahl der veröffentlichten Sammlungen noch hinsichtlich ihres Einflusses auf das Lesepublikum.

Der Symbolismus war ein heterogenes Phänomen, das in seinen Reihen Dichter vereinte, die die widersprüchlichsten Ansichten vertraten. Einige von ihnen erkannten sehr bald die Sinnlosigkeit des poetischen Subjektivismus, während andere Zeit brauchten. Einige von ihnen hatten eine Leidenschaft für die geheime „esoterische“ Sprache, andere mieden sie. Die Schule der russischen Symbolisten war im Wesentlichen eine ziemlich bunte Vereinigung, zumal sie in der Regel hochbegabte Menschen mit einer hellen Individualität umfasste.

Kurz über die Menschen, die an den Ursprüngen des Symbolismus standen, und über die Dichter, in deren Werk diese Richtung am deutlichsten zum Ausdruck kommt.

Einige der Symbolisten, wie Nikolai Minsky, Dmitry Merezhkovsky, begannen ihre kreative Karriere als Vertreter der bürgerlichen Poesie und begannen sich dann auf die Ideen der „Gottesbildung“ und der „Religionsgemeinschaft“ zu konzentrieren. Nach 1884 wurde N. Minsky von der populistischen Ideologie desillusioniert und wurde Theoretiker und Praktiker der dekadenten Poesie, ein Prediger der Ideen Nietzsches und des Individualismus. Während der Revolution von 1905 tauchten in Minskys Gedichten erneut bürgerliche Motive auf. Im Jahr 1905 veröffentlichte N. Minsky die Zeitung „Neues Leben“, die zum Rechtsorgan der Bolschewiki wurde. D. Merezhkovskys Werk „Über die Ursachen des Niedergangs und neue Tendenzen in der modernen russischen Literatur“ (1893) war eine ästhetische Erklärung der russischen Dekadenz. In seinen Romanen und Theaterstücken, die auf historischem Material basieren und das Konzept des Neo-Christentums entwickeln, versucht Merezhkovsky, die Weltgeschichte als den ewigen Kampf der „Religion des Geistes“ und der „Religion des Fleisches“ zu begreifen. Merezhkovsky ist der Autor der Studie „L. Tolstoi und Dostojewski“ (1901-02), die bei seinen Zeitgenossen großes Interesse erregte.

Andere – zum Beispiel Valery Bryusov, Konstantin Balmont (sie wurden manchmal auch „ältere Symbolisten“ genannt) – betrachteten den Symbolismus als eine neue Stufe in der fortschreitenden Entwicklung der Kunst, die den Realismus ersetzte, und gingen weitgehend vom Konzept der „Kunst um der Kunst willen“ aus .“ Die Poesie von V. Bryusov zeichnet sich durch historische und kulturelle Themen, Rationalismus, Vollständigkeit der Bilder und deklamatorische Struktur aus. In den Gedichten von K. Balmont - der Kult des Selbst, das Spiel der Flüchtigkeit, der Gegensatz zum „Eisernen Zeitalter“ des ursprünglich ganzheitlichen „Sonnen“-Prinzips; Musikalität.

Und schließlich waren die dritten – die sogenannten „jüngeren“ Symbolisten (Alexander Blok, Andrei Bely, Vyacheslav Ivanov) – Anhänger eines philosophischen und religiösen Weltverständnisses im Geiste der Lehren des Philosophen Vl. Solovyov. Wenn in A. Bloks erster Gedichtsammlung „Gedichte über eine schöne Dame“ (1903) oft ekstatische Lieder vorkommen, die der Dichter an seine schöne Dame richtete, dann bewegt sich Blok bereits in der Sammlung „Unerwartete Freude“ (1907) eindeutig in Richtung Realismus. Im Vorwort der Sammlung erklärte er: „Unerwartete Freude“ ist mein Bild der kommenden Welt.“ A. Belys frühe Poesie ist geprägt von mystischen Motiven, einer grotesken Realitätswahrnehmung („Symphonien“) und formalen Experimenten. Vyach.Ivanovs Poesie konzentriert sich auf kulturelle und philosophische Fragen der Antike und des Mittelalters; Der Begriff der Kreativität ist religiös und ästhetisch.

Symbolisten stritten ständig miteinander und versuchten die Richtigkeit ihrer Urteile über diese literarische Bewegung zu beweisen. Daher betrachtete V. Bryusov es als Mittel zur Schaffung einer grundlegend neuen Kunst; K. Balmont sah darin einen Weg, die verborgenen, ungelösten Tiefen der menschlichen Seele zu verstehen; Vyach. Ivanov glaubte, dass die Symbolik dazu beitragen würde, die Kluft zwischen dem Künstler und dem Volk zu überbrücken, und A. Bely war überzeugt, dass dies die Grundlage für die Schaffung neuer Kunst sei, die in der Lage sei, die menschliche Persönlichkeit zu verändern.

Alexander Blok nimmt zu Recht einen der führenden Plätze in der russischen Literatur ein. Blok ist ein Weltklasse-Texter. Sein Beitrag zur russischen Poesie ist ungewöhnlich reichhaltig. Das lyrische Bild Russlands, ein leidenschaftliches Geständnis über helle und tragische Liebe, die majestätischen Rhythmen der italienischen Poesie, das durchdringend umrissene Gesicht von St. Petersburg, die „tränenüberströmte Schönheit“ der Dörfer – all dies hat Blok mit der Breite und Durchdringung einbezogen von Genialität in seiner Arbeit.

Bloks erstes Buch, „Poems about a Beautiful Lady“, wurde 1904 veröffentlicht. Bloks Texte aus dieser Zeit sind in betenden und mystischen Tönen gehalten: Die reale Welt darin wird einer gespenstischen, „jenseitigen“ Welt gegenübergestellt, die nur in geheimen Zeichen und Offenbarungen verstanden wird. Der Dichter wurde stark von Vl. Solovyovs Lehren über das „Ende der Welt“ und die „Weltseele“ beeinflusst. In der russischen Poesie nahm Blok seinen Platz als prominenter Vertreter des Symbolismus ein, obwohl sein weiteres Werk alle symbolischen Rahmen und Kanons überforderte.

In seiner zweiten Gedichtsammlung „Unerwartete Freude“ (1906) entdeckte der Dichter neue Wege für sich, die in seinem ersten Buch nur skizziert wurden.

Andrei Bely versuchte, den Grund für den scharfen Wandel in der Muse des Dichters zu ergründen, der gerade „in schwer fassbaren und zarten Zeilen“ „die Annäherung an den ewig weiblichen Beginn des Lebens“ zu besingen schien. Er sah es in Bloks Nähe zur Natur, zur Erde: „Unerwartete Freude“ drückt das Wesen von A. Blok tiefer aus ... Die zweite Sammlung von Bloks Gedichten ist interessanter und großartiger als die erste. Wie erstaunlich sich hier der subtilste Dämonismus mit der einfachen Traurigkeit der armen russischen Natur verbindet, immer dieselbe, immer schluchzend in Schauern, uns immer mit dem Grinsen der Schluchten unter Tränen erschreckend... Die russische Natur ist schrecklich, unbeschreiblich. Und Blok versteht sie wie kein anderer ...“

Die dritte Sammlung, „Erde im Schnee“ (1908), wurde von Kritikern mit Feindseligkeit aufgenommen. Kritiker wollten oder konnten die Logik von Bloks neuem Buch nicht verstehen.

Die vierte Sammlung, „Night Hours“, erschien 1911 in einer sehr bescheidenen Auflage. Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung überkam Blok zunehmend ein Gefühl der Entfremdung von der Literatur und er veröffentlichte bis 1916 keinen einzigen Gedichtband.

Zwischen A. Blok und A. Bely entwickelte sich eine schwierige und verwirrende Beziehung, die fast zwei Jahrzehnte dauerte.

Bely war von Bloks ersten Gedichten sehr beeindruckt: „Um die Eindrücke dieser Gedichte zu verstehen, muss man sich diese Zeit klar vorstellen: Für uns, die wir auf die Zeichen der auf uns scheinenden Morgendämmerung geachtet haben, klang die ganze Luft wie die Zeilen von A.A.; und es schien, dass Blok nur das aufschrieb, was die Luft seinem Bewusstsein sagte; Er hat die roségoldene und angespannte Atmosphäre dieser Ära mit Worten wirklich unter Beschuss genommen.“ Bely half bei der Veröffentlichung von Bloks erstem Buch (unter Umgehung der Moskauer Zensur). Im Gegenzug unterstützte Blok Bely. So spielte er eine entscheidende Rolle bei der Entstehung von Belyjs Hauptroman „Petersburg“ und lobte öffentlich sowohl „Petersburg“ als auch „Silberne Taube“.

Gleichzeitig erreichten ihre Beziehungen und ihre Korrespondenz den Punkt der Feindseligkeit; Ständige Vorwürfe und Anschuldigungen, Anfeindungen, sarkastische Sticheleien und aufgezwungene Diskussionen vergifteten das Leben beider.

Doch trotz aller Komplexität und Komplexität kreativer und persönlicher Beziehungen respektierten, liebten und schätzten beide Dichter weiterhin die Kreativität und Persönlichkeit des anderen, was Belys Rede zum Tod von Blok erneut bestätigte.

Nach den revolutionären Ereignissen von 1905 verschärften sich die Widersprüche in den Reihen der Symbolisten noch mehr, was diese Bewegung schließlich in die Krise führte.

Es ist jedoch anzumerken, dass russische Symbolisten einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der russischen Kultur leisteten. Die talentiertesten von ihnen spiegelten auf ihre Weise die Tragödie der Situation eines Menschen wider, der in einer von grandiosen sozialen Konflikten erschütterten Welt seinen Platz nicht finden konnte und versuchte, neue Wege für ein künstlerisches Verständnis der Welt zu finden. Sie machten bedeutende Entdeckungen auf dem Gebiet der Poetik, der rhythmischen Neuordnung der Verse und der Stärkung des darin enthaltenen musikalischen Prinzips.

6. Andere Trends in der Literatur.

„Die postsymbolistische Poesie verwarf die „übersinnlichen“ Bedeutungen des Symbolismus, aber die erhöhte Fähigkeit des Wortes, unbenannte Ideen hervorzurufen und das Fehlende durch Assoziationen zu ersetzen, blieb bestehen. Im symbolistischen Erbe erwies sich intensive Assoziativität als am praktikabelsten.“

Zu Beginn des zweiten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts entstanden zwei neue poetische Bewegungen – Akmeismus und Futurismus.

Acmeisten (vom griechischen Wort „acme“ – Blütezeit, der höchste Grad von etwas) forderten die Befreiung der Poesie von der Philosophie und allen möglichen „methodischen“ Hobbys, von der Verwendung vager Andeutungen und Symbole und verkündeten eine Rückkehr zur materiellen Welt und die Akzeptanz dafür, wie sie ist: mit ihren Freuden, Lastern, ihrem Bösen und ihrer Ungerechtigkeit, die demonstrative Weigerung, soziale Probleme zu lösen und das Prinzip „Kunst um der Kunst willen“ zu bekräftigen. Die Arbeit so talentierter akmeistischer Dichter wie N. Gumilev, S. Gorodetsky, A. Akhmatova, M. Kuzmin und O. Mandelstam ging jedoch über die von ihnen verkündeten theoretischen Prinzipien hinaus. Jeder von ihnen brachte seine eigenen, für ihn einzigartigen Motive und Stimmungen, seine eigenen poetischen Bilder in die Poesie ein.

Die Futuristen vertraten unterschiedliche Ansichten zur Kunst im Allgemeinen und zur Poesie im Besonderen. Sie erklärten sich zu Gegnern der modernen bürgerlichen Gesellschaft, die das Individuum entstellt, und zu Verteidigern der „natürlichen“ Person, ihres Rechts auf freie, individuelle Entfaltung. Aber diese Aussagen liefen oft auf eine abstrakte Erklärung des Individualismus und der Freiheit von moralischen und kulturellen Traditionen hinaus.

Im Gegensatz zu den Akmeisten, die sich zwar gegen die Symbolik stellten, sich aber gewissermaßen als deren Nachfolger betrachteten, verkündeten die Futuristen von Anfang an eine völlige Ablehnung jeglicher literarischen Traditionen und vor allem des klassischen Erbes und argumentierten, dies sei hoffnungslos veraltet. In ihren laut und kühn geschriebenen Manifesten verherrlichten sie ein neues Leben, das sich unter dem Einfluss von Wissenschaft und technischem Fortschritt entwickelte, lehnten alles ab, was „vorher“ war, und erklärten ihren Wunsch, die Welt neu zu gestalten, was aus ihrer Sicht auch der Fall sein sollte durch Poesie wesentlich erleichtert werden. Futuristen versuchten, das Wort zu verdinglichen und seinen Klang direkt mit dem Objekt zu verbinden, das es bezeichnete. Ihrer Meinung nach sollte dies zur Rekonstruktion des Natürlichen und zur Schaffung einer neuen, allgemein zugänglichen Sprache führen, die in der Lage ist, die verbalen Barrieren, die die Menschen trennen, abzubauen.

Der Futurismus vereinte verschiedene Gruppen, unter denen die berühmtesten waren: Kubofuturisten (V. Mayakovsky, V. Kamensky, D. Burlyuk, V. Khlebnikov), Ego-Futuristen (I. Severyanin), die Zentrifugengruppe (N. Aseev, B. Pasternak usw.).

Unter den Bedingungen des revolutionären Aufschwungs und der Krise der Autokratie erwiesen sich Akmeismus und Futurismus als unrentabel und hörten Ende der 1910er Jahre auf zu existieren.

Unter den neuen Trends, die in dieser Zeit in der russischen Poesie aufkamen, nahm eine Gruppe sogenannter „Bauerndichter“ einen herausragenden Platz ein – N. Klyuev, A. Shiryaevets, S. Klychkov, P. Oreshin. S. Yesenin stand ihnen einige Zeit nahe, der anschließend einen unabhängigen und breiten kreativen Weg einschlug. Zeitgenossen sahen in ihnen Nuggets, die die Sorgen und Nöte der russischen Bauernschaft widerspiegelten. Sie einten auch die Gemeinsamkeit einiger poetischer Techniken und die weit verbreitete Verwendung religiöser Symbole und folkloristischer Motive.

Unter den Dichtern des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts gab es solche, deren Werk nicht in die damaligen Strömungen und Gruppen passte. Dies sind zum Beispiel I. Bunin, der die Traditionen der russischen klassischen Poesie fortführen wollte; I. Annensky, in gewisser Weise den Symbolisten nahe und zugleich weit von ihnen entfernt, sucht seinen Weg im weiten poetischen Meer; Sasha Cherny, der sich selbst als „chronischen“ Satiriker bezeichnete, beherrschte die „antiästhetischen“ Mittel zur Aufdeckung von Spießertum und Spießertum auf brillante Weise; M. Tsvetaeva mit ihrer „poetischen Reaktionsfähigkeit auf den neuen Klang der Luft“.

Die russischen Literaturbewegungen des frühen 20. Jahrhunderts sind durch die Hinwendung der Renaissance zur Religion und zum Christentum gekennzeichnet. Russische Dichter konnten dem Ästhetizismus nicht widerstehen; auf unterschiedliche Weise versuchten sie, den Individualismus zu überwinden. Der erste in dieser Richtung war Merezhkovsky, dann begannen die führenden Vertreter der russischen Symbolik, Konziliarismus dem Individualismus, Mystik dem Ästhetizismus gegenüberzustellen. Vyach. Ivanov und A. Bely waren Theoretiker der mystisch gefärbten Symbolik. Es kam zu einer Annäherung an die aus Marxismus und Idealismus hervorgegangene Strömung.

Wjatscheslaw Iwanow war einer der bemerkenswertesten Menschen dieser Zeit: der beste russische Hellenist, Dichter, gelehrte Philologe, Spezialist für griechische Religion, Denker, Theologe und Philosoph, Publizist. An seinen „Umgebungen“ auf dem „Turm“ (wie Ivanovs Wohnung genannt wurde) nahmen die begabtesten und bemerkenswertesten Menschen dieser Zeit teil: Dichter, Philosophen, Wissenschaftler, Künstler, Schauspieler und sogar Politiker. Die raffiniertesten Gespräche fanden zu literarischen, philosophischen, mystischen, okkulten, religiösen und auch sozialen Themen aus der Perspektive des Kampfes der Weltanschauungen statt. Auf dem „Turm“ wurden die anspruchsvollen Gespräche der begabtesten Kulturelite geführt, und unten tobte die Revolution. Das waren zwei getrennte Welten.

Neben Strömungen in der Literatur entstanden auch neue Strömungen in der Philosophie. Die Suche nach Traditionen für das russische philosophische Denken begann bei den Slawophilen Wl. Solowjow und Dostojewski. Im Merezhkovsky-Salon in St. Petersburg wurden religiöse und philosophische Treffen organisiert, an denen sowohl Vertreter der an Religionsangst erkrankten Literatur als auch Vertreter der traditionellen orthodoxen Kirchenhierarchie teilnahmen. So beschrieb N. Berdyaev diese Treffen: „V. Rozanovs Probleme überwogen. Von großer Bedeutung war auch V. Ternavtsev, ein Chiliast, der ein Buch über die Apokalypse schrieb. Wir sprachen über die Beziehung des Christentums zur Kultur. Im Mittelpunkt stand ein Thema über das Fleisch, über Sex... In der Atmosphäre des Merezhkovsky-Salons lag etwas Überpersönliches, das in der Luft lag, eine Art ungesunder Zauber, der wahrscheinlich in sektiererischen Kreisen, in Sekten vorkommt eines nicht-rationalistischen und nicht-evangelikalen Typs ... Die Merezhkovskys gaben immer vor, von einem bestimmten „Wir“ zu sprechen und wollten Menschen, die mit ihnen in engem Kontakt standen, in dieses „Wir“ einbeziehen. D. Filosofov gehörte zu diesem „Wir“, und A. Bely hätte sich einst beinahe dazugesellt. Dieses „Wir“ nannten sie das Geheimnis der Drei. So sollte die neue Kirche des Heiligen Geistes Gestalt annehmen, in der das Geheimnis des Fleisches offenbart werden würde.“

In der Philosophie von Wassili Rosanow bedeuteten „Fleisch“ und „Sex“ eine Rückkehr zum Vorchristentum, zum Judentum und Heidentum. Seine religiöse Denkweise verband sich mit Kritik an der christlichen Askese, der Apotheose von Familie und Geschlecht, in deren Elementen Rozanov die Grundlage des Lebens sah. Für ihn triumphiert das Leben nicht durch die Auferstehung zum ewigen Leben, sondern durch die Zeugung, das heißt durch den Zerfall der Persönlichkeit in viele neugeborene Persönlichkeiten, in denen das Leben der Rasse weitergeht. Rozanov predigte die Religion der ewigen Geburt. Für ihn ist das Christentum eine Religion des Todes.

In Vladimir Solovyovs Lehre vom Universum als „totaler Einheit“ ist der christliche Platonismus mit den Ideen des neuen europäischen Idealismus, insbesondere F. V. Schelling, dem naturwissenschaftlichen Evolutionismus und der unorthodoxen Mystik (der Lehre von der „Weltseele“ usw.) verflochten. Der Zusammenbruch des utopischen Ideals einer globalen Theokratie führte zu verstärkten eschatologischen Gefühlen (über die Endlichkeit der Welt und des Menschen). Vl. Soloviev hatte großen Einfluss auf die russische Religionsphilosophie und Symbolik.

Pavel Florensky entwickelte die Lehre von Sophia (der Weisheit Gottes) als Grundlage für die Sinnhaftigkeit und Integrität des Universums. Er war der Initiator einer neuen Art orthodoxer Theologie, nicht der scholastischen Theologie, sondern der experimentellen Theologie. Florensky war Platoniker und interpretierte Platon auf seine eigene Weise und wurde später Priester.

Sergej Bulgakow ist eine der Hauptfiguren der Religions- und Philosophischen Gesellschaft „im Gedenken an Wladimir Solowjow“. Vom juristischen Marxismus, den er mit dem Neukantianismus zu verbinden versuchte, wechselte er zur Religionsphilosophie, dann zur orthodoxen Theologie und wurde Priester.

Und natürlich ist Nikolai Berdyaev eine Persönlichkeit von Weltrang. Ein Mann, der jede Form von Dogmatismus, wo immer sie auftauchte, kritisieren und überwinden wollte, ein christlicher Humanist, der sich selbst als „gläubiger Freidenker“ bezeichnete. Ein Mann mit tragischem Schicksal, der aus seiner Heimat vertrieben wurde, und sein ganzes Leben lang schmerzte seine Seele danach. Ein Mann, dessen Erbe bis vor kurzem auf der ganzen Welt untersucht wurde, jedoch nicht in Russland. Der große Philosoph, der auf die Rückkehr in seine Heimat wartet.

Lassen Sie uns näher auf zwei Bewegungen eingehen, die mit mystischen und religiösen Suchen verbunden sind.

„Eine Strömung war die orthodoxe Religionsphilosophie, die jedoch für das offizielle Kirchenleben nicht sehr akzeptabel war. Dies sind vor allem S. Bulgakov, P. Florensky und die um sie herum gruppierten Personen. Eine weitere Bewegung war die religiöse Mystik und der Okkultismus. Das sind A. Bely, Vyach. Ivanov... und sogar A. Blok, obwohl er keiner Ideologie zugeneigt war, die um den Musaget-Verlag gruppierten Jugendlichen, Anthroposophen. Eine Bewegung führte Sophia in das System des orthodoxen Dogmas ein. Eine andere Bewegung war von unlogischer Sophistik fasziniert. Die kosmische Verführung, die für die gesamte Ära charakteristisch war, war hier und dort vorhanden. Mit Ausnahme von S. Bulgakov standen Christus und das Evangelium für diese Bewegungen überhaupt nicht im Mittelpunkt. P. Florensky war trotz seines Wunsches, ultraorthodox zu sein, völlig der kosmischen Verführung verfallen. Die religiöse Wiederbelebung war christlich orientiert, christliche Themen wurden diskutiert und christliche Terminologie verwendet. Aber es gab ein starkes Element der heidnischen Wiederbelebung, der hellenische Geist war stärker als der biblische messianische Geist. Zu einem bestimmten Zeitpunkt gab es eine Mischung verschiedener spiritueller Bewegungen. Die Ära war synkretistisch, sie erinnerte an die Mysteriensuche und den Neuplatonismus der hellenistischen Ära und die deutsche Romantik des frühen 19. Jahrhunderts. Es gab keine wirkliche religiöse Erweckung, aber es gab spirituelle Spannung, religiöse Aufregung und Suche. Es entstand eine neue Problematik des religiösen Bewusstseins, die mit den Bewegungen des 19. Jahrhunderts verbunden war (Khomyakov, Dostoevsky, Vl. Solovyov). Doch die offizielle Kirchlichkeit blieb bei diesem Thema außen vor. Es gab keine religiöse Reform in der Kirche.“

Ein Großteil des kreativen Aufschwungs dieser Zeit floss in die Weiterentwicklung der russischen Kultur ein und ist heute Eigentum aller russischen Kulturschaffenden. Aber dann war da noch der Rausch der Kreativität, des Neuen, der Spannung, des Kampfes, der Herausforderung.

7. Musik: Prioritäten ändern.

Das späte 19. und frühe 20. Jahrhundert (vor 1917) waren eine nicht weniger reiche, aber viel komplexere Zeit. Es ist durch keinen scharfen Wendepunkt vom vorherigen getrennt: Zu dieser Zeit schaffen M.A. Balakirev und Ts.A. Cui weiter; die besten Spitzenwerke von Tschaikowsky und Rimsky-Korsakow stammen aus den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts. und das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Aber Musorsky und Borodin waren bereits 1893 verstorben. - Tschaikowsky. An ihre Stelle treten Schüler, Erben und Traditionsfortsetzer: S. Tanev, A. Glasunow, S. Rachmaninow. In ihrer Arbeit sind neue Zeiten und neue Geschmäcker zu spüren. Auch bei den Genreprioritäten gab es Veränderungen. Damit geriet die Oper, die mehr als 100 Jahre lang den Hauptplatz der russischen Musik einnahm, in den Hintergrund. Und im Gegenteil, die Rolle des Balletts ist gewachsen. Die Arbeit von P. I. Tschaikowsky – die Schaffung wunderschöner Ballette – wurde von Alexander Konstantinowitsch Glasunow (1865-1936) fortgesetzt – dem Autor der wunderbaren „Raymonda“ (1897) und „Die junge Bäuerin“ (1898).

Symphonische und kammermusikalische Genres haben eine breite Entwicklung erfahren. Glasunow schuf acht Sinfonien und die symphonische Dichtung „Stepan Rasin“ (1885) 1. Sergej Iwanowitsch Tanejew (1856–1915) komponierte Sinfonien, Klaviertrios und Quintette. Und Rachmaninows Klavierkonzerte gehören (wie Tschaikowskys Konzerte und Glasunows Violinkonzert) zu den Höhepunkten der Weltkunst.

Unter der jüngeren Musikergeneration gab es Komponisten eines neuen Typs. Sie schrieben Musik auf neue, manchmal sogar ausgefallene Weise. Dazu gehören Skrjabin, dessen Musik einige durch ihre Kraft fesselte und andere durch ihre Neuheit erschreckte, und Strawinsky, dessen Ballette, die während der Russischen Jahreszeiten in Paris aufgeführt wurden, die Aufmerksamkeit ganz Europas auf sich zogen. In den Jahren des Ersten Weltkriegs ging am russischen Horizont ein weiterer Stern auf: S. Prokofjew.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Wie in der gesamten Kunst gibt es auch in der russischen Musik das Thema der Erwartung großer Veränderungen, die stattgefunden haben und die Kunst beeinflusst haben.

Sergej Wassiljewitsch Rachmaninow (1873–1943). Seine Musik erlangte schnell die Aufmerksamkeit und Anerkennung des Publikums. Seine frühen Werke „Elegy“, „Barcarolle“, „Punichinelle“ wurden als Lebenstagebuch wahrgenommen.

Tschechow war sein Lieblingsschriftsteller; die symphonische Dichtung „The Cliff“ entstand nach Tschechows Erzählungen „On the Road“.

Erst 1926 er vollendete das in Russland begonnene 4. Klavierkonzert. Dann erscheinen „Drei russische Lieder für Chor und Orchester“, in denen die Kraft der Verzweiflung erklingt. Zwischen 1931 und 1934 Rachmaninow arbeitete an zwei großen Zyklen: für Klavier „Variationen über ein Thema von Corelli“ (20 Variationen) und „Rhapsodie für Klavier und Orchester über ein Thema eines Violinstücks von Nicolo Paganini“, bestehend aus Variationen.

Rachmaninow widmete sein letztes Werk, „Symphonic Mysteries“ (1940), dem Philadelphia Orchestra, mit dem er besonders gerne auftrat.

Alexander Nikolajewitsch Skrjabin (1871-1915). Skrjabins Werke enthielten detaillierte literarische Programme, die Titel waren jedoch recht abstrakt („Göttliches Gedicht“ – 3. Symphonie, 1904, „Gedicht der Ekstase“, 1907, „Gedicht des Feuers“ – „Prometheus“, 1910). Aber Skrjabin konzipierte ein noch grandioseres Werk über synthetische Prinzipien – „Mystery“. Außerdem entstanden drei Sinfonien (1900, 1901, 1904), die Oper „Koschey der Unsterbliche“ (1901), „Gedicht der Ekstase“, „Prometheus“ für Klavier: 10 Sonaten, Mazurkas, Walzer, Gedichte, Etüden usw. 2.

Igor Fedorovich Strawinsky (1882-1971). In „Der Feuervogel“ (1910) ist dies das Thema des Märchens über den bösen Koshchei und den Untergang seines dunklen Königreichs, in „Das heilige Wien“ (1913) das Thema alter heidnischer Rituale, Opfer zu Ehren des Frühlingswiedergeburt des Lebens, zu Ehren der Erdenschwester. Das Ballett „Petruschka“ (1911), eines der beliebtesten, wurde von Maslenitsa-Feierlichkeiten und traditionellen Puppenspielen mit Petruschka, seinem Rivalen Arap und der Ballerina (Columbine) inspiriert.

Da er weit weg von zu Hause und von seiner Heimat war, lebte das russische Thema in seinen Werken weiter („Hochzeit“, 1923).

Die Vielfalt von Strawinskys Kompositionen ist auffallend atemberaubend. Hervorzuheben sind das Opern-Oratorium „König Ödipus“ und das Ballett „Apollo Musagete“ (1928). Strawinsky schrieb die Oper „The Rake's Progress“ (1951).

Wenn man über die Musik des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts spricht, kommt man nicht umhin, das Musiktheater zu erwähnen. Ballett- und Opernkunst wurden mit staatlicher Unterstützung gefördert. Balletttänzer wurden von den bedeutendsten Persönlichkeiten gefördert (Matilda Kmesinskaya und die Schirmherrschaft der Großfürsten der Romanows). Darüber hinaus wurden Opern- und Ballettkunst im Rahmen der „Russischen Jahreszeiten“ in Paris von Sergei Dyagelev (1907-1913) zum Markenzeichen der gesamten russischen Kunst.

Die Moskauer Privatoper förderte in ihrem Repertoire vor allem die Werke russischer Komponisten und spielte eine wichtige Rolle bei der realistischen Darstellung von Mussorgskys Opern und bei der Entstehung neuer Werke von Rimsky-Korsakov. Schaljapin sang darin, Rachmaninow stand an der Spitze, Rimski-Korsakow war ihr Freund und kreativer Rückhalt. Hier wurde die Aufführung von einem Bühnenensemble geschaffen, an dem der Komponist, das vom Dirigenten geleitete Orchester, der Regisseur und Bühnenbildner beteiligt waren – diese waren Komplizen bei der Schaffung eines Ganzen, was im Kaiserreich nicht der Fall war Theater, in denen jeder getrennt arbeitete. So arbeiteten herausragende Künstler V.D. an der Mamontov Private Opera. Polenow („Die Meerjungfrau“ von Dargomyschski, 1896, „Orpheus“ von Gluck, 1897, „Faust“ von Gounod, 1897, „Boris Godunow“ von Mussorgski, 1898, „Die Jungfrau von Orleans“ von Tschaikowsky, 1899 usw.) , V. Vasnetsov („Das Schneewittchen“ von Rimsky-Korsakov, 1885, „Die Zauberin“ von Tschaikowsky, 1900), M.A. Vasnetsov („Ivan Susanin“ von Glinka, 1896, „Chovanshchina“ von Mussorgsky, 1897), M.A. Vrubel ( „Tannhäuser“ von Wagner, „Alesya“ Ippolitov Ivanova, „Der Gefangene des Kaukasus“ von Cui, „Die Pique Dame“ von Tschaikowsky, „Rogneda“ von A. Serov, „Das Schneewittchen“, „Sadko“, „ Das Märchen vom Zaren Saltan“, „Mozart und Salieri“, „Die Zarenbraut“ von Rimsky-Korsakow), V. Serov („Judith“ und „Rogneda“), K. Korovin („Die Pskower Frau“, „Faust“), „Prinz Igor“, „Sadko“).

8. Der Aufstieg der Theater.

Dies ist die „theatralischste“ Ära in der Geschichte der russischen Literatur. Das Theater spielte dabei vielleicht die führende Rolle und weitete seinen Einfluss auf andere Kunstformen aus.

Das Theater war in diesen Jahren eine öffentliche Plattform, auf der die drängendsten Fragen unserer Zeit zur Sprache kamen, und gleichzeitig ein kreatives Labor, das die Tür für Experimente und kreative Suche weit öffnete. Bedeutende Künstler wandten sich dem Theater zu und strebten nach einer Synthese verschiedener Arten von Kreativität.

Für das russische Theater ist dies eine Ära der Höhen und Tiefen, innovativer kreativer Suchen und Experimente. In diesem Sinne blieb das Theater nicht hinter Literatur und Kunst zurück.

An der Spitze der Theaterkunst stand das Moskauer Kunsttheater unter der Leitung von Stanislavsky und Nemirowitsch-Danchenko mit einer wunderbaren Truppe junger Schauspieler, zu der O. Knipper-Chekhova, M. Limina, Vs. Meyerhold, V. Kachalov und I. M. Moskvin gehörten , A. Vishnevsky und andere.

Der Aufschwung der Theaterkunst war mit der Zusammenarbeit des Theaters mit A.P. Tschechow nach der triumphalen Premiere von „Die Möwe“ im Dezember 1898 verbunden. Im Jahr 1900. Ein Ereignis im Theaterleben war die Inszenierung von R. Ibsens Stück „Doktor Shtokman“. Es erlangte auf der Bühne eine starke gesellschaftliche Resonanz. Shtokman, gespielt von Stanislavsky, wurde „zum Helden einer heldenlosen Zeit“.

Eine neue Seite in der Geschichte des Moskauer Kunsttheaters und der gesamten Theaterkunst war die Dramaturgie von M. Gorki, der sich in die Theatertruppe verliebte und an Tschechow schrieb, es sei kriminell, nicht für ein solches Theater zu schreiben.

Das erste Stück, „Der Bürger“, wurde 1902 von Gorki geschrieben; es durfte mit reichlich Zensurnotizen aufgeführt werden (alles, was über das harte Los der Arbeiter, über ihre Rechte, über den unvermeidlichen Zusammenbruch der bestehenden Ordnung gesagt wurde). wurde durchgestrichen). Doch bei der Vorführung des Stücks in St. Petersburg, wo das Theater auf Tournee war, herrschte im und um das Theatergebäude eine starke Polizeipräsenz. Und Nemirovich-Dantschenko ging auf die Galerie und forderte die studentische Jugend auf, keine Demonstrationen zu organisieren, damit Gorki nicht unterdrückt würde.

Gorkis neuer Held, der Arbeiter Nil, sagt: „Der Besitzer ist derjenige, der arbeitet... Der Mensch muss seine eigenen Rechte erkämpfen, wenn er nicht unterdrückt werden will...“. Das Stück wurde für Volkstheater verboten, dennoch wurde „Philister“ in vielen Städten aufgeführt: Samara, Saratow, Kiew, Jaroslawl, Perm, Wyborg, Pinsk, Jelez, Sarapul usw.

Ein Jahr später schenkte Gorki es dem Na-Dne-Theater. In der ersten Saison erschien das Stück in zwei Monaten 50 Mal auf den Plakaten des Moskauer Kunsttheaters und 12 Mal auf Tournee in St. Petersburg. Und das ausnahmslos – vor einem überfüllten Saal. Die Aufregung nach den Auftritten sprengte alle üblichen Grenzen. Am Ende der Aufführung nahmen die Herausforderungen des Autors, der Regisseure und der Darsteller kein Ende (Stanislavsky – Satin, Moskvin – Luka, Kachalov – Baron, Knipper – Nastya, Leonidov – Vaska Pepla ...). Mann – das klingt stolz! - wurde zum Passwort des Volkskampfes gegen den Zarismus.

Auch das Stück „In den tieferen Tiefen“ wurde auf den meisten Theaterbühnen Russlands aufgeführt, wenn auch mit unterschiedlichen Interpretationen. Manchmal wurde in Provinztheatern der Slang der Absteige genossen, die Handlung wurde als Komödie präsentiert. Aber die Mehrheit nahm das Stück ernst und nachdenklich.

K. S. Stanislavsky gab zu, dass „der Hauptinitiator und Schöpfer des gesellschaftspolitischen Lebens des Theaters Gorki war.“ Das russische Theater wird zu einer Arena des offenen politischen Kampfes. Aber nicht alle Theater nahmen in diesem Kampf fortschrittliche Positionen ein. Viele hielten sich davon fern in dieser Schlacht, und manchmal erlaubten sie Stücke im Stil der Schwarzen Hundert auf ihrer Bühne („The Return“ von Donne im Moskauer Korsh-Theater) usw.

Ein weiterer Beitrag zur Bühneninterpretation von Gorkis Dramaturgie ist mit dem Theater von Vera Fedorovna Komissarzhevskaya verbunden, die 1902 die kaiserliche Bühne des Alexander-Theaters verließ und nach Tourneen durch die Provinzen ihr eigenes Theater auf Aktienbasis gründete, ähnlich wie das Moskauer Kunsttheater.

Im November 1904 fand hier die Uraufführung von Gorkis 3. Stück „Sommerbewohner“ über die russische Intelligenz statt, die aus demokratischen Schichten stammte, aber nach Erreichen einer bestimmten gesellschaftlichen Stellung den Kontakt zum Volk verlor und dessen Interessen und Bedürfnisse vergaß um ihr Leben zu verbessern. Der bei der Premiere anwesende Schriftsteller A. N. Serebrov (Tichonow) nannte „Dachnikov“ „eine Aufführung – eine Demonstration, eine Aufführung – einen Kampf“.

Im Herbst 1905 wurde im Theater „Kinder der Sonne“ aufgeführt. Nach der Aufführung verlangten sie den Autor, obwohl jeder wusste, dass Gorki im Exil war.

So wurden Gorkis Stücke zum Repertoire des Komissarzhevskaya-Theaters, des Moskauer Kunsttheaters und anderer Theater. Doch seit 1906 hat sich die Situation dramatisch verändert: „Sommerbewohner“ und „Kinder der Sonne“ verschwanden von den Plakaten, „Philister“ und „In den tieferen Tiefen“ rückten in den Hintergrund. Gorkis Stücke „Feinde“ (1906) und „Der Letzte“ (1908) durften sie nicht aufführen. Und was inszeniert wurde, wurde verzerrt. So wurde „Warwarow“ 1907 am St. Petersburger Modernen Theater als Komödie inszeniert. „Vassa Zheleznova“ wurde 1910 im Moskauer Neslobin-Theater als formelhaftes Melodram aufgeführt. Daraus entstanden die Stücke „Die Zykows“ (1913), „Die falsche Münze“ (1913) und „Der alte Mann“ (1915). vor der Revolution überhaupt nicht inszeniert.

Es waren die Jahre der politischen Reaktion und das Theater suchte nach neuen Existenz- und Selbstdarstellungsformen, doch für viele Theatergruppen waren es Jahre der Stagnation. Ein schlammiger Strom von Stücken zweifelhafter Natur ergoss sich auf die Theaterbühnen („Mädchen mit der Maus“ von S. Aleksin, „Vera Mirtseva“ von L. Urvantsev sowie „Die Komödie des Todes“ von V. Baryatinsky usw. ) Es wurden Theaterstücke aufgeführt, die offen für billige Sensation gedacht waren („Blinde Liebe“ von N. Gruschko, wo eine Mutter das Verbrechen ihres Sohnes vertuscht, der ein Mädchen erdrosselt hat; „Geschimpft“ von P. Nevezhin mit Gräueltaten, Selbstmorden, mit einem echten Denkmal Dienst für die Verstorbenen - das war während der Kriegsjahre). Die den Theatern gemeinsame Trennung des Repertoires von der Moderne erfasste für einige Zeit teilweise sogar das Moskauer Kunsttheater. Kritiker bemerkten damals, dass die Aufführungen des Theaters von kreativer Ermüdung geprägt seien.

Das gleiche Bild war im Moskauer Maly-Theater zu sehen. Der Realismus von Ostrowskis Stücken wurde durch kleinliche Alltäglichkeit ersetzt.

Symbolik wurde nicht genehmigt. So war in den Dramen von F. K. Sologub eine philosophische Ablehnung des Lebens zu spüren, in dem es keinen Platz für hohe Spiritualität, für Schönheit und Wahrheit gibt. Die Folklorestücke von A. M. Remizov waren voller finsterer Motive.

Die Symbolik beeinflusste einige der Stücke von L. N. Andreev im Frühwerk des Futuristen V. Mayakovsky (die Tragödie „Vladimir Mayakovsky“).

Die größten Theater wandten sich der Dramaturgie der Symbolisten zu. Also im Jahr 1904 Auf Anraten von A.P. Tschechow inszenierte K. Stanislavsky Maeterlincks Trilogie „The Blind“, „Uninvited“ und „There Inside“ im Moskauer Kunsttheater. Im Jahr 1905 er eröffnete das Studiotheater in der Povarskaya, wo er gemeinsam mit Meyerhold die Produktionsmöglichkeiten der neuen künstlerischen Richtung untersuchte. Es gab viele Fragen: Wie kann man die Konventionalität des Bühnenbildes mit dem alltäglichen Charakter der Darbietungen der Schauspieler vereinbaren, wie kann man die Kreativität der Schauspieler auf die Ebene hoher poetischer Verallgemeinerung heben usw.?

Stanislavsky nutzte die Techniken der Symbolik in seiner Arbeit an den Stücken „Das Drama des Lebens“ von K. Hamsun und „Das Leben des Menschen“ von Andreev und war von der Notwendigkeit überzeugt, einen neuen Schauspieler auszubilden, der in der Lage ist, das „Leben von“ tief zu enthüllen der menschliche Geist“ und begann seine Experimente zur Schaffung eines „Systems“. Im Jahr 1908 er inszenierte Maeterlincks philosophisches Märchenspiel „Der blaue Vogel“ (Bühne des Künstlers V.E. Egorov) – vielleicht das beste Werk aus dem symbolischen Repertoire. Das Märchen blieb über 60 Jahre auf der Bühne des Moskauer Kunsttheaters.

In St. Petersburg wurden im Theater von Vera Fedorovna Komissarzhevskaya neue Durchsuchungen durchgeführt. Sie lud Meyerhold als Hauptregisseur ein, der zwischen 1906 und 1908 eine Reihe von Inszenierungen durchführte. Erfolgreich waren Bloks „Showroom“, M. Maeterlincks „Schwester Beatrice“ und andere. Nach dem Aufschwung der Symbolik markierten einige Theater weiterhin die Zeit und passten sich dem Geschmack des bürgerlichen Publikums an, während andere weiterhin kühn im Sinne von experimentierten Avantgardeismus. Zu diesen mutigen Experimentatoren gehört V. E. Meyerhold. Bereits im „Studio auf der Povarskaya“ proklamierte er die Ideen des „konventionellen Theaters“. Im Jahr 1906 V.E. Meyerhold wird Chefdirektor des V.F. Theaters. Komissarzhevskaya und erhält die Möglichkeit, sein künstlerisches Programm vollständig umzusetzen.

Bei der Umsetzung des Regiekonzepts sollte V.E. Meyerhold von einem Künstler unterstützt werden. Der Künstler musste die Illusion von Authentizität zerstören und im Theater ein konventionelles Design schaffen, das die Idee des Regisseurs zum Ausdruck brachte. Zu diesem Zweck versuchte V.E. Meyerhold, den dreidimensionalen Bühnenraum zu zerstören und ihn zweidimensional zu machen. Die Kulisse wurde durch eine malerische Tafel ersetzt, der Bühnenbereich wurde verkleinert und zu dessen Anhängsel (oft auf das Proszenium verlegt). Der Regisseur behandelte den Schauspieler als farbenfrohen Fleck, da es ihm auf der Bühne nicht nur um den Ausdruck realer Charaktere ging, sondern auch darum, die Essenz eines symbolischen Stücks durch die Idee des Regisseurs zu offenbaren. Er versuchte, die Illusion der Plausibilität durch Konventionen zu ersetzen. Dies geschah im Gegensatz zum Moskauer Kunsttheater, das stets die Absichten des Dramatikers offenlegte und unermüdlich die zentrale Bedeutung der Kreativität des Schauspielers im Stück betonte.

V. E. Meyerhold fand Künstler, die seine Verbündeten wurden (N. N. Sapunov, S. Yu. Sudeikin, N. P. Uljanow, V. S. Denisov usw.). Im Komissarzhevskaya-Theater waren die Inszenierungen von V. E. Meyerhold uneinheitlich. So wurde das soziale, alltägliche, psychologische Theaterstück „Hedda Gabler“ von Ibsen (Künstler Sudeikin, Sapunov, V.D. Milioti) auf konventionell symbolische Weise inszeniert.

1906-1907 V.E. Meyerhold inszeniert im Komissarzhevskaya-Theater eine Reihe von Aufführungen, die jeweils nach neuen Gestaltungstechniken suchen. Der Regisseur strebte danach, in der Schauspielerei eine fast völlige Statuenhaftigkeit zu erreichen, und motivierte dies entweder durch die „mystische Natur“ der Inszenierung (zum Beispiel „Beatrices Schwestern“) oder durch die Idee, das antike Theater wiederzubeleben. Dies führte dazu, dass eine lebende Person durch eine Puppe ersetzt wurde. Und deshalb rebellierte sehr bald ein Teil der Truppe, angeführt von Komissarzhevskaya selbst, gegen V. E. Meyerhold. Und sie trennte sich von V. E. Meyerhold, genau wie Stanislavsky zuvor mit ihm Schluss gemacht hatte. Mit symbolistischer Dramaturgie versuchte er, die Prinzipien eines neuen „konventionellen Theaters“ zu schaffen.

Im Jahr 1908 V. A. Telyakovsky (Direktor des Büros der kaiserlichen Theater (1901-1917), er versuchte, das Werk zu erneuern, die besten Kräfte anzuziehen, die Theater mit der Erfahrung moderner Kunst zu bereichern) lockte V. E. Meyerhold nach seinem Weggang in die kaiserlichen Theater Komissarzhevskaya. Zu dieser Zeit arbeitete V.E. Meyerhold aktiv mit dem Künstler A.Ya. Golovin zusammen. In seinen Regieplänen widmete V.E. Meyerhold der Gestaltung des Theaters einen großen Raum. Ein Beispiel für eine erfolgreiche Zusammenarbeit zwischen dem Regisseur V. E. Meyerhold und dem Künstler Golovin kann das Stück „Don Juan“ von Moliere im Alexandria Theatre (1910) sein. Von ihnen im Jahr 1917 geliefert. Lermontovs „Maskerade“ lief bis 1939 auf der Bühne des Alexandria-Theaters. V.E. Meyerhold und Golovin versuchten nicht erfolglos, die gefundenen Gestaltungsprinzipien auf das Musiktheater zu übertragen (die Oper „Orpheus“ von Gluck, 1911, das Ballett „Die aragonesische Jagd“ von Glinka, 1916, die Oper „Der steinerne Gast“) von Dargomyzhsky, 1917 im Mariinsky-Theater usw. ). Der Fehler von V.E. Meyerhold bestand darin, dass er versuchte, die Prinzipien des „Bedingten“ („Traditionelles Theater“) universell zu machen.

Im Jahr 1913 Es entsteht ein Theater futuristischer Rebellen gegen die bürgerliche Realität. Hier wurde die Tragödie „Wladimir Majakowski“ aufgeführt, die von P. N. Filonov und I. S. Shkolnik entworfen wurde.

Im Jahr 1914 nahm das Kammertheater in Moskau unter der Leitung von A. Ya. Tairov seinen Betrieb auf, dessen Team mutig experimentierte und sich auch für das „Theaterspielen“ interessierte.

In diesem Theater entwickelten sich die Aktivitäten bedeutender Künstler wie N. S. Goncharov, A. V. Lentulov, P. V. Kuznetsov und A. A. Exter.

Interessant waren die Experimente des in Frankreich aufgewachsenen A. Exter mit den Werken der Postimpressionisten, die das Theater und seine Aufführungen im Stil des Kubofuturismus und Konstruktivismus gestalteten. So wurde bei der Inszenierung von O. Wildes „Salome“ (1916) die Bühne diagonal durch zwei Tribünen geteilt, zwischen denen sich eine Wendeltreppe befand.

Das Moskauer Kunsttheater, das sich der modischen Dramaturgie der Symbolisten zuwandte, vergaß die Klassiker nicht: „Ein Monat im Dorf“ von I. S. Turgenev (Art. Dobuzhinsky), „Einfachheit ist genug für jeden weisen Mann“ von A. N. Ostrovsky ( Art. Kustodiev), „The Imaginary Ill“ von J. B. Moliere, „The Hostess of the Hotel“ von C. Goldoni (Stanislavsky und Benois waren sich in der Kritik am „konventionellen Theater“ einig), „The Brothers Karamazov“ von F. M. Dostoevsky (Künstler Dobushinsky) , usw.

Ein interessantes Phänomen im Theaterleben der Hauptstädte waren Kabaretttheater, die sich in der Nähe der Volksbude befanden.

Also im Februar 1908 Der Schauspieler des Moskauer Kunsttheaters Nikita Baliev eröffnete zusammen mit einigen Mitarbeitern das Bat Theatre. Die Idee zu einem solchen Theater stammt von den berühmten Sketchmachern des Art Theatre. „Die Fledermaus“ wurde zu einem nächtlichen Rückzugsort für Schauspieler des Moskauer Kunsttheaters und war bis zu seiner Schließung im Jahr 1919 das Zentrum des Moskauer Nachtlebens.

Im Jahr 1920 Baliev ließ „Die Fledermaus“ in Paris wieder aufleben, mit der er um die Welt tourte.

Das Leben solcher Kabaretttheater dauerte nicht lange, aber sie brachten eine besondere Stimmung in das damalige Theaterleben.

9. Fazit.

Abschließend möchte ich mit den Worten von N. Berdyaev den ganzen Schrecken, die ganze Tragödie der Situation beschreiben, in der sich die Schöpfer der spirituellen Kultur, die Blüte der Nation, die besten Köpfe nicht nur Russlands, sondern auch befinden der Welt fanden sich.

„Das Unglück der kulturellen Renaissance des frühen 20. Jahrhunderts bestand darin, dass darin die kulturelle Elite in einem kleinen Kreis isoliert und von den breiten gesellschaftlichen Strömungen der Zeit abgeschnitten war.“ Dies hatte fatale Folgen für den Charakter, den die russische Revolution annahm ... Die damaligen russischen Menschen lebten auf verschiedenen Etagen und sogar in verschiedenen Jahrhunderten. Die kulturelle Renaissance hatte keine breite gesellschaftliche Ausstrahlung.... Viele Anhänger und Vertreter der kulturellen Renaissance blieben Linke, sympathisierten mit der Revolution, aber es gab eine Abkühlung gegenüber sozialen Fragen, es gab eine Versenkung in neue Probleme einer philosophischen, ästhetische, religiöse, mystische Natur, die den Menschen fremd blieb und sich aktiv an der sozialen Bewegung beteiligte. Die Intelligenz beging einen Selbstmordakt. In Russland bildeten sich vor der Revolution sozusagen zwei Rassen. Und die Schuld lag auf beiden Seiten, nämlich bei den Figuren der Renaissance, in ihrer sozialen und moralischen Gleichgültigkeit ...

Die für die russische Geschichte charakteristische Spaltung, die Spaltung, die sich im Laufe des 19. Die Revolution begann, diese kulturelle Renaissance zu zerstören und die Kulturschaffenden zu verfolgen... Arbeiter der russischen spirituellen Kultur waren größtenteils gezwungen, ins Ausland zu ziehen. Teilweise war dies eine Vergeltung für die soziale Gleichgültigkeit der Schöpfer spiritueller Kultur.“

Die Zeit und die Vernachlässigung der Nachkommen führten zum Verlust vieler Kulturdenkmäler. Doch die Geschichte der russischen Kultur zeigt, dass es neben Verlusten auch Funde und Entdeckungen gab. So kehrte nach vielen Jahrhunderten „Die Geschichte von Igors Feldzug“ in unsere Kultur zurück und die spirituelle Bedeutung der russischen Literatur wurde wiederbelebt. So wurden alte russische Ikonen, die unter mehreren Schichten späterer Bemalung entdeckt wurden, restauriert. Die inländische nichtmarxistische Philosophie wird neu beherrscht und die Literatur und Kunst der russischen Diaspora des 20. Jahrhunderts hält Einzug in unsere Kultur.

Die Geschichte der nationalen Kultur beschränkt sich nicht auf nationale Grenzen. Vertreter anderer Nationen leisteten einen enormen Beitrag zur russischen Kultur, ebenso wie Persönlichkeiten russischer Herkunft ihre Kraft und ihr Talent der kulturellen Entwicklung der Völker der UdSSR und anderer Länder widmeten.

Die russische Kultur entstand und entwickelt sich heute als einer der Zweige des mächtigen Baumes der weltweiten universellen menschlichen Kultur. Sein Beitrag zum weltweiten kulturellen Fortschritt ist unbestreitbar: Es handelt sich um kulturwissenschaftliche Entdeckungen, Meisterwerke der Literatur und Kunst und, was vielleicht am wichtigsten ist, um die Treue zu humanistischen Idealen.

Referenzliste:

1. Russische Poesie des 19. – frühen 20. Jahrhunderts, M., 1987

2. „Geschichte der Weltliteratur“, M., 1998

3. Großes enzyklopädisches Wörterbuch, M., 1994

4. Drei Jahrhunderte russische Poesie, M., 1968

5. Bely A. „Der Beginn des Jahrhunderts“, M., 1990

6. Berdyaev N. „Selbsterkenntnis“, M., 1990.

7. Blok A. „Zehn poetische Bücher“, M., 1980

Eschatologie ist eine religiöse Lehre über die endgültigen Schicksale der Welt und des Menschen.

Esoterisch – geheim, verborgen, ausschließlich für Eingeweihte bestimmt.

Ekstatisch – enthusiastisch, rasend, in einem Zustand der Ekstase.

Anthroposophie ist eine hypersensible Welterkenntnis durch Selbsterkenntnis des Menschen als kosmisches Wesen.

Einführungslektion kostenlos;
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„Ende des Jahrhunderts“ – „Fin de Siècle“ – ein besonderer Zustand der Welt und des Menschen an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Veränderte Archetypen von Zeit, Raum, dem Platz des Menschen in der Welt ... Die Geburt eines neuen Jahrhunderts wurde von vielen als außergewöhnliches Phänomen wahrgenommen, das das Ende eines historischen Zyklus und den Beginn einer völlig neuen Ära markierte.

Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. wurde zu einer äußerst fruchtbaren Zeit in der Entwicklung der nationalen Kultur. Das spirituelle Leben der Gesellschaft, das die raschen Veränderungen im Erscheinungsbild des Landes um die Jahrhundertwende und die turbulente politische Geschichte Russlands in dieser Zeit widerspiegelte, zeichnete sich durch außergewöhnlichen Reichtum und Vielfalt aus. „In Russland gab es zu Beginn des Jahrhunderts eine echte kulturelle Renaissance“, schrieb N.A. Berdyaev. „Nur diejenigen, die zu dieser Zeit lebten, wissen, was für einen kreativen Aufschwung wir erlebten, was für ein Hauch von Geist durch die russischen Seelen wehte.“ Die Kreativität russischer Wissenschaftler, Literaten und Künstler hat einen großen Beitrag zum Schatz der Weltzivilisation geleistet. , Drei Richtungen des intellektuellen und künstlerischen Schaffens dieser Zeit: Religionsphilosophie, Symbolik und Avantgarde waren die Hauptpfeiler der Kultur des Silbernen Zeitalters. Das Silberne Zeitalter der russischen Kultur erwies sich als überraschend kurz. Es dauerte weniger als ein Vierteljahrhundert: 1900 - 22. Das Startdatum fällt mit dem Todesjahr des russischen Religionsphilosophen und Dichters V.S. zusammen. Solovyov und das letzte - mit dem Jahr der Vertreibung einer großen Gruppe von Philosophen und Denkern aus Sowjetrussland. Der Ausdruck und der Name „Silberzeitalter“ wurden von den Vertretern des Silberzeitalters selbst erfunden. Bei A. Akhmatova ist es in den berühmten Zeilen präsent: „Und der silberne Monat erkaltete strahlend im Laufe des silbernen Zeitalters ...“.

Ein besonderes Phänomen dieser Zeit war die Entstehung einer Vielzahl künstlerischer Vereinigungen, die sich rund um jede Ausstellung bildeten, sich aus Kreisen heraus entwickelten und sich um literarische und künstlerische Publikumszeitschriften und Kunstmäzene gruppierten.

Die größten Vereine dieser Zeit an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert waren „Welt der Kunst“, „Union russischer Künstler“, „Blaue Rose“ und „Karo-Bube“. SYNTHESE DER KÜNSTE – eine organische Kombination verschiedener Künste oder Kunstarten zu einem künstlerischen Ganzen, das die materielle und spirituelle Umgebung der menschlichen Existenz ästhetisch organisiert.

Literatur: Die literarische Entwicklung in Russland war komplex, widersprüchlich und stürmisch. Viele literarische Strömungen wurden geboren und entwickelt. Die Macht der Literatur des kritischen Realismus in der Person von L.N. versiegte nicht. Tolstoi, A.P. Tschechow. In den Werken dieser Autoren verschärft sich der soziale Protest („After the Ball“, Hadji Murat, „Resurrection“ von L. N. Tolstoi), die Erwartung eines reinigenden Sturms („The Cherry Orchard“ von A. P. Chekhov).

Die Traditionen des kritischen Realismus wurden in den Werken des großen Schriftstellers I.A. weiterhin bewahrt und weiterentwickelt. Bunin (1870-1953). Die bedeutendsten Werke dieser Zeit sind die Erzählungen „Village“ (1910) und „Sukhodol“ (1911).

Es findet die Geburt und Entwicklung der proletarischen Literatur statt, die später als Literatur des sozialistischen Realismus bezeichnet wird. Dies ist vor allem auf die schöpferische Tätigkeit von M. Gorki zurückzuführen. Seine „Stadt Okurov“, „Das Leben von Matvey Kozhemyakin“ und die Geschichtenkette „Across Rus“ enthielten eine umfassende Wahrheit des Lebens.

Symbolismus. Die russische Symbolik war eng mit den gesellschaftlichen Umbrüchen und ideologischen Bestrebungen der vorrevolutionären Jahrzehnte verbunden. Die russische Symbolik hat drei Wellen überstanden. Auftritte 80-90 N. Minsky, D.S. Merezhkovsky, Z.N. Gipius spiegelte die dekadenten Tendenzen der Krisenzeiten liberaler und populistischer Ideen wider. Die Symbolisten besangen das „Reine“, die geheimnisvolle Welt des Unwirklichen; das Thema des „spontanen Genies“ lag ihnen am Herzen. Die innere Welt des Einzelnen war ein Indikator für den allgemeinen tragischen Zustand der Welt, einschließlich der „schrecklichen Welt“ der russischen Realität, die zur Zerstörung verurteilt war; und gleichzeitig eine Vorahnung einer bevorstehenden Erneuerung.

Die Gegner der Symbolisten waren Akmeisten(vom griechischen „acme“ – der höchste Grad von etwas, blühende Kraft). Sie leugneten die mystischen Bestrebungen der Symbolisten, verkündeten den inneren Wert des wirklichen Lebens und forderten, den Worten ihre ursprüngliche Bedeutung zurückzugeben und sie von symbolischen Interpretationen zu befreien. Das Hauptkriterium für die Beurteilung der Kreativität für Akmeisten (N. S. Gumilev, A. A. Akhmatova, O. E. Mandelstam) war der tadellose ästhetische Geschmack, die Schönheit und die Verfeinerung des künstlerischen Wortes.

Modernismus(Avantgardeismus) in der russischen Poesie wurde durch die Werke der Futuristen repräsentiert. In Russland existierte der Futurismus als Bewegung etwa von 1910 bis 1915.

Das Schicksal des russischen Futurismus ähnelt dem Schicksal des Symbolismus. Es gab aber auch Besonderheiten. Wenn für die Symbolisten eines der zentralen Momente der Ästhetik die Musik war (die Komponisten Tanejew und Rachmaninow, Prokofjew und Strawinsky, Gliere und Majakowski schufen zahlreiche Romanzen auf der Grundlage der Gedichte von Blok, Bryusov, Sologub, Balmont), dann war es für die Futuristen die Linie und Licht. Die Poesie des russischen Futurismus war eng mit der Avantgarde-Kunst verbunden. Es ist kein Zufall, dass fast alle futuristischen Dichter als gute Künstler bekannt sind – V. Khlebnikov, V. Mayakovsky, E. Guro, V. Kamensky, A. Kruchenykh. Gleichzeitig schrieben viele Avantgarde-Künstler Gedichte und Prosa , beteiligte sich als Schriftsteller an futuristischen Publikationen. Die Malerei hat den Futurismus enorm bereichert. K. Malevich, V. Kandinsky, N. Goncharova und M. Larionov haben fast das geschaffen, was die Futuristen anstrebten.

Theater. Das Theater war in diesen Jahren eine öffentliche Plattform, auf der die drängendsten Fragen unserer Zeit zur Sprache kamen, und gleichzeitig ein kreatives Labor, das die Tür für Experimente und kreative Suche weit öffnete. Bedeutende Künstler wandten sich dem Theater zu und strebten nach einer Synthese verschiedener Arten von Kreativität. Werke herausragender Theaterregisseure. (Das Moskauer Kunsttheater unter der Leitung von Stanislawski und Nemirowitsch-Dantschenko, den Gründern der psychologischen Schauspielschule, glaubte, dass die Zukunft des Theaters im tiefgreifenden psychologischen Realismus liege, in der Lösung der Superaufgaben der Schauspielerei Transformation). V. E. Meyerhold führte Recherchen im Bereich theatralischer Konventionen, Verallgemeinerungen und der Verwendung von Elementen der Volksfarce und des Maskentheaters durch. E. B. Vakhtangov bevorzugte ausdrucksstarke, spektakuläre und freudige Darbietungen.

Film. Die Entwicklung des russischen Kinos war schwieriger, da Russland über keine eigene Produktion von Geräten verfügte und importierte Geräte, hauptsächlich aus Frankreich, verwendete. Kabinenkabinen wurden durch stationäre Kinos ersetzt. Kino gehörte zum Alltag. Das Kino war bei allen beliebt; im Zuschauerraum konnte man Studenten und Gendarmen, Offiziere und Studentinnen, Intellektuelle und Arbeiter, Angestellte, Händler, Damen von Welt, Hutmacherinnen, Beamte usw. sehen.

Skulptur Die Entwicklungswege der russischen Skulptur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts wurden maßgeblich durch ihre Verbindungen zur Kunst der Wanderer bestimmt. Genau das erklärt seine Demokratie und seinen Inhalt. Bildhauer beteiligen sich aktiv an der Suche nach einem neuen, modernen Helden. Die Materialien werden immer vielfältiger: Es werden nicht nur wie bisher Marmor und Bronze verwendet, sondern auch Stein, Holz, Majolika und sogar Ton. Es wird versucht, Farbe in die Skulptur einzuführen. Zu dieser Zeit arbeitete eine brillante Galaxie von Bildhauern – P. P. Trubetskoy, A. S. Golubkina, S. T. Konenkov, A. T. Matveev.

Die Architektur In Russland kam es unter den Bedingungen der monopolistischen Entwicklung des Kapitalismus zu einer Konzentration akuter Widersprüche, die zur spontanen Entwicklung von Städten führte, die der Stadtplanung schadete und Großstädte in Monster der Zivilisation verwandelte. Hohe Gebäude verwandelten Innenhöfe in schlecht beleuchtete und belüftete Brunnen. Gleichzeitig entstanden industrielle Architekturstrukturen – Fabriken, Fabriken, Bahnhöfe, Spielhallen, Banken, Kinos. Vor einem retrospektiv-elektrischen Hintergrund entstanden neue Trends - Jugendstil und Neoklassizismus. Die ersten Erscheinungsformen des Jugendstils gehen auf das letzte Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts zurück, der Neoklassizismus entstand im 20. Jahrhundert. Der Jugendstil in Russland unterscheidet sich nicht grundlegend vom Westen. Es gab jedoch eine klare Tendenz, Moderne mit historischen Stilen zu vermischen: Renaissance, Barock, Rokoko sowie altrussische Architekturformen (Jaroslawski-Bahnhof in Moskau). Variationen des skandinavischen Jugendstils waren in St. Petersburg weit verbreitet. In Moskau baute der Jugendstilarchitekt Fjodor Osipowitsch Schechtel (1859–1926) das Gebäude des Moskauer Kunsttheaters und das Rjabuschinski-Herrenhaus (1900–1902) – Werke, die typisch für den reinen Jugendstil sind.

Musik Das späte 19. und frühe 20. Jahrhundert (vor 1917) waren eine nicht weniger reiche, aber viel komplexere Zeit. Es ist durch keinen scharfen Wendepunkt vom vorherigen getrennt: Zu dieser Zeit schaffen M.A. Balakirev und Ts.A. Cui weiter; die besten Spitzenwerke von Tschaikowsky und Rimsky-Korsakow stammen aus den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts. und das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Sie werden durch Erben und Fortsetzer der Traditionen ersetzt: S. Tanev, A. Glasunow, S. Rachmaninow. In ihrer Arbeit sind neue Zeiten und neue Geschmäcker zu spüren. Auch bei den Genreprioritäten gab es Veränderungen. Damit geriet die Oper, die mehr als 100 Jahre lang den Hauptplatz der russischen Musik einnahm, in den Hintergrund. Und im Gegenteil, die Rolle des Balletts ist gewachsen. Das Werk von P. I. Tschaikowsky – die Schaffung wunderschöner Ballette – wurde von Alexander Glasunow (1865-1936) fortgesetzt, dem Autor der wunderbaren „Raymonda“ (1897) und „Die junge Bäuerin“ (1898).

Symphonische und kammermusikalische Genres haben eine breite Entwicklung erfahren. Glasunow schuf acht Sinfonien und die symphonische Dichtung „Stepan Rasin“ (1885)1. Sergej Iwanowitsch Tanejew (1856–1915) komponierte Sinfonien, Klaviertrios und Quintette. Und Rachmaninows Klavierkonzerte gehören (wie Tschaikowskys Konzerte und Glasunows Violinkonzert) zu den Höhepunkten der Weltkunst.