Перший значний італійський художник епохи раннього відродження. Мистецтво Раннього Відродження

Епоха Відродження внесла великі зміни у мистецтво живопису. Художники опанували вміння тонко передавати світло і тінь, простір, природними стали пози і жести їхніх персонажів. З великою майстерністю зображували вони у своїх картинах складні людські почуття.

У живопису Раннього Відродження, або Кватроченто (XV ст.), Звичайно звучать мажорні ноти; її відрізняють чисті кольори, персонажі вишикувані в ряд і окреслені темними контурами, що відокремлюють їх від фону та далеких світлих планів. Дуже докладно та ретельно виписані всі деталі. Хоча живопис Кватроченто ще настільки досконала, як мистецтво Високого і Пізнього Відродження, вона до глибини душі зачіпає глядача своєю чистотою і щирістю.

Найпершим значним живописцем епохи Раннього Відродження став Мазаччо. Хоча митець прожив всього 28 років, він встиг залишити значний внесок не лише у живопис епохи Відродження, а й у всі світове мистецтво. Його картини відрізняються глибоким колоритом, фігури здаються щільними та напрочуд живими. Мазаччо чудово передає перспективу та обсяги, має світлотіньові ефекти. Першим з живописців Раннього Відродження він зобразив оголене людське тіло та представив своїх героїв прекрасними та сильними, гідними поваги та захоплення. Пізніше на творах Мазаччо («Вигнання з раю», «Диво з податтю») навчалися такі великі майстри Високого Відродження, як Леонардо да Вінчі, Мікеланджело та Рафаель.

У цей період свої твори створювали багато чудових художників. У Флоренції працював Паоло Уччелло, який писав батальні сцени і славився вмінням зображати коней та вершників у складних ракурсах та позах. Джорджо Вазарі, посередній художник і чудовий біограф та історик мистецтва, який жив у XVI ст., розповідав, що Уччелло міг тижнями і навіть місяцями не виходити з дому, вирішуючи поставлені перед собою найскладніші проблемиперспективи. Своїм близьким, що благали його перервати ці заняття, він відповідав: «Залиште мене, немає нічого солодшого за перспективу».

У Флоренції працював художник Філіппо Ліппі. В юності він був ченцем монастиря братів-кармелітів, але незабаром залишив його, присвятивши себе живопису. Про його життя існує безліч легенд. Розповідають, що за любовними пригодами колишнього ченця з цікавістю стежила вся Флоренція. Свою майбутню дружину, Лукрецію Буті, художник викрав із монастиря. Надалі він неодноразово писав її у образі Мадонни («Коронування Марії», 1447; «Мадонна під вуаллю»). Картини Філіппо Ліппі лише формально пов'язані з релігійними темами: вони позбавлені драматизму та патетики, немає в них величі та монументальності. У той же час життєрадісні кучеряві ангели, гарненькі діти та милі жінки полонять глядача своєю чарівністю. З великою майстерністю художник пише затишні та свіжі лісові пейзажі, які є тлом до біблійних сцен. У сучасників твори Філіппо Ліппі мали велику популярність, він був улюбленим художником Козімо Медічі, який був на той час правителем Флоренції.

У цей час працював інший флорентійський майстер, монах-домініканець і настоятель монастиря Сан-Марко Фра Беато Анджеліко, твори якого виконані глибокого релігійного почуття. Все своє життя Фра
Анджеліко присвятив створенню ікон та фресок для монастирів. Його живопис відрізняється яскравими та чистими фарбами, сяючою позолотою. Готично подовжені постаті його Мадонн здаються одухотвореними, відчуженими від усього земного. Одна з найкращих робіт Фра Анджеліко – вівтарна композиція «Коронування Марії» (бл. 1435-1436). Його Богоматір - втілення поетичної, чистої жіночності, радісної та спокійної. У живопису флорентійського майстра немає похмурого містицизму; навіть у багатофігурному вівтарі на тему Страшного суду на лівій стороні художник зобразив блаженний рай із фігурами щасливих ангелів у чудовому одязі.

У цей час у Нідерландах були винайдені масляні фарби, які дозволили живописцям робити колірні переходи тоншими, вільніше використовувати світло для пожвавлення колориту. Допомагали вони і домагатися єдиної тональності кольорів. Першим із італійських художниківолійними фарбами почав писати представник флорентійської школи, венеціанець за походженням, Доменіко Венеціано. Вже ранніх його роботах («Поклоніння волхвів», 1434) яскраво проявляється колористическое обдарування художника. Чисті, майже прозорі фарби, насичені світлом утворюють єдину тональну гаму. Пізніші твори вражають віртуозною передачею світлоповітряного середовища - вважається, що Доменіко Венеціано одним із перших став зображати її на своїх полотнах.

Майстерність живописця особливо повно виявилося у знаменитих флорентійських портретах Доменіко Венеціано.

Найчастіше він зображував жіночі обличчя у профіль (імена більшості моделей не встановлені) на тлі сріблястого неба чи пейзажу. Намагаючись зробити фарби чистішими та яскравішими, художник додавав до них лляну олію.

Досягнення Доменіко Венеціано були розвинені його учнем та послідовником П'єро делла Франческа, якого сучасники вважали «монархом живопису». Уродженець Тоскани, який працював у Флоренції, він вивчав творчість Джотто, Мазаччо та Паоло Уччелло. Певний вплив на нього справив також нідерландський живопис. Не лише художник, а й відомий дослідник мистецтва, П'єро делла Франческа написав теоретичні трактати – «Про перспективу в живописі» та книжку «Про п'ять правильних тіл».

Твори П'єро делла Франческі відрізняються ясною та чіткою композицією, вмілою передачею світлоповітряного середовища, чистими та свіжими фарбами. Людина в його картинах позбавлена ​​того внутрішнього конфлікту, який з'явиться надалі у живописі Пізнього Відродження та бароко. Герої П'єро делла Франческі спокійні, величні та мужні. Саме ці якості притаманні образам герцога та герцогині Урбінських – Федеріго да Монтефельтро та його дружини, Баттісти Сфорца, у знаменитому парному портреті.

Полководець, політик і меценат, цар Урбіно Федеріго да Монтефельтро був близьким другом художника. П'єро делла Франческа зобразив герцога і в іншій відомій картині - «Мадонна зі святими та ангелами та замовником Федеріго та Монтефельтро».

П'єро делла Франческа, який чудово вмів передавати перспективу, писав чудові архітектурні ведити (ведучи - картина-план «ідеального міста»), що вплинули на творчість сучасних йому архітекторів.

В епоху Високого Відродження мистецтво П'єро делла Франческі стало здаватися застарілим, і Римський Папа запропонував Рафаелю розписати стіни Ватикану, вкриті фресками П'єро делла Франческі. Рафаель погодився і майстерно впорався із роботою.

Найбільш яскраво-художні ідеали пізнього Кватроченто були представлені майстром умбрійської школи живопису П'єтро Перуджіно. Його живопис, спокійний, споглядальний і ліричний, наповнений тендітними та витонченими образами, оточеними поетичними горбистими пейзажами Умбрії. Ясна гармонія полотен Перуджино зближує його живопис із мистецтвом Високого Відродження («Оплакування Христа», бл. 1494-1495; «Мадонна зі святими, 1496). Живописець
вплинув на свого учня - знаменитого Рафаеля.

Майже у кожному місті Італії існувала художня школа, що мала власну індивідуальність.
Але всі вони прагнули показати у своєму мистецтві красу землі та людини. У цю епоху одним із найбільших культурних центрів була Падуя з її знаменитим університетом. У цьому місті XV ст. жив знавець мистецтва Франческо Скварчоне. Він збирав на околицях Падуї, а також далеко за межами міста античні монети, медалі, уламки барельєфів. Його захопленість передалася падуанським живописцям, скульпторам, майстрам із золота, які оточували його та вважали своїм учителем.

Скварчоне виховав великого живописця Андреа Мантенью, який потрапив до його будинку десятирічним хлопчиком. Творчість Мантеньї, що прожив довге життя, надзвичайно багатогранно: крім живопису та гравюри, він захоплювався геометрією оптикою, археологією. Який полюбив ще в будинку Скварчоне мистецтво античного Риму (в епоху Відродження в Італії ще не знали про мистецтво Стародавньої Греції), художник використовував у своїх творах його образи, надавши їм героїко-романтичні риси. Його святі, володарі, воїни, написані на тлі похмурого кам'янистого пейзажу, справляють враження величі та могутності. Багато робіт Мантеньї пронизані глибоким драматизмом. Такою є його знаменита композиція «Мертвий Христос», яка вразила сучасників своєю емоційністю.

Мантенья прославився як талановитий гравер на міді. Він першим зробив гравюру рівноправним видом образотворчого мистецтва.

Своєї вершини живопис Проторенессанс досяг у творчості Боттічеллі.

Сандро Боттічеллі

До наших днів дійшло не так багато відомостей про життя Сандро Боттічеллі та історію створення їм творів, що стали пізніше перлинами світового образотворчого мистецтва. Мистецтвознавцям та історикам стали відомі лише деякі факти з біографії великого майстра.

Народився Боттічеллі в 1444 р. Живописи навчався у художній майстерні Філіппо Ліппі. Раннє творчість Боттічеллі відзначено впливом мистецтва Ліппі, а також ідей, що сформувалися при дворі Лоренцо Медічі. Однак з великою часткою впевненості можна говорити про те, що образи, створені великим художником, були об'ємнішими і змістовнішими за твори живописців, які працюють під заступництвом Медичі.

Ранні портрети Боттічеллі носять сліди впливу мальовничої манери Філіппо Ліппі, а також Андреа Верроккьо та Поллайоло. У пізніших роботах індивідуальність майстра проявляється глибше. Так, на відомому полотні«Поклоніння волхвів» зображено членів родини Медічі та дано автопортрет художника. Композиція відрізняється багатством, яскравістю і водночас ніжністю фарб, а також тонкою витонченістю та легкістю. Образи, створені Боттічеллі, наповнені ліризмом і незвичайною красою, що йде з глибини душі.

У 70-ті роки. XV ст. з'являється перша картина Боттічеллі, яка принесла живописцеві величезну славу серед сучасників і залишила пам'ять про майстра у віках. Це полотно - «Весна», що нині зберігається в галереї Уффіці у Флоренції. Твір був написаний після прочитання художником одного із віршів Поліціано. Образи алегорії представлені на тлі чудового лісового пейзажу. Схожий на райський, сад вражає своєю незвичністю і неземною красою. Центральне місце у композиції відведено Венері. З правого боку від неї розміщена Флора, що розсипає казкові квіти, зліва - грації, що танцюють, легкі і повітряні, схожі на білі, майже прозорі хмари. Динаміка створюється саме за рахунок зображення грацій, що рухаються в хороводі.

Уся картина відрізняється незвичайною красою та ніжністю. Незважаючи на те, що назва її - «Весна», при погляді на картину виникає почуття легкого смутку, з яким ми не звикли ототожнювати весну. У свідомості будь-якої людини весна – це оновлення миру, радість, захоплення. У Боттічеллі відбувається переосмислення загальноприйнятих і звичних образів.

У 1481 р. Сандро Боттічеллі вирушає до Риму, де розписує стіни Сікстинської капели. Серед інших фресок його пензля належить і знамените «Життя Мойсея».

У 1482 р. художник знову поселяється у Флоренції. Мистецтвознавці та біографи вважають цей рік найбільш плідним для становлення та розвитку творчості майстра-живописця. Саме тоді з'являється знамените полотно «Народження Венери», яке зараз перебуває в галереї Уффіці у Флоренції.

У картині немає площинного зображення - Боттічеллі виступає тут як майстер передачі просторових ліній.
Саме вони створюють враження глибини та об'ємності, покликаних показати динаміку рухів дійових осіб мальовничої розповіді. Світлі пастельні тони полотна та вміло використовувані поєднання фарб (прозоро-зелені води моря, блакитні накидки зефірів, золотисте волосся Венери, темно-червоний плащ у руках у німфи) створюють відчуття надзвичайної ніжності та говорять про тонке почуття кольору художника.

Центральною фігурою композиції є Венера, яка щойно вийшла з вод синього моря. Вона оголена. Однак завдяки її спокійному та одухотвореному погляду у глядача не виникає відчуття незручності. Богиня прекрасна, наскільки може бути прекрасною неземна істота, що зійшла з неба. Образ Венери можна легко дізнатися на полотнах, створених Боттічеллі за відомими біблійним мотивам. Серед полотен з релігійним змістом найпомітнішими є Мадонна на троні (1484) і Мадонна у славі (Магніфікат).

Обидві вони нині перебувають у галереї Уффіці у Флоренції. "Мадонна у славі" відрізняється тонким ліризмом образів. Динаміка композиції створюється завдяки круглій формі картини, ритми якої повторюються
у розташуванні рухомих фігур. Пейзаж, виведений на задній план композиції, створює об'єм та простір.

Надзвичайно красиві та ліричні також портретні роботи великого живописця. Серед них особливий інтерес становлять
портрет Джуліано Медічі і портрет юнака. Однак нині деякі мистецтвознавці приписують авторство останньої роботи учневі Сандро Боттічеллі Філіппіно Ліппі (син Філіппо Ліппі).

90-ті роки. XV сторіччя стали для художника переломними. Цей час відзначений вигнанням Медічі та приходом до влади
Савонароли, чиї релігійні проповіді були спрямовані на викриття Папи та багатих флорентійських родин. Він
критикував і світське мистецтво, а на всіх художників і поетів, на думку Савонароли, після смерті чекала геєна вогненна. Щоб уникнути цього, необхідно зректися мистецтва і покаятися у гріхах.

Ці проповіді істотно вплинули на думку Боттічеллі, що не могло не позначитися на його творчості. Твори живописця, створені у період, відрізняються надзвичайно глибоким песимізмом, безнадійністю і приреченістю. Автор все частіше звертається тепер до християнських сюжетів, забувши про античність. Характерним для Боттічеллі твором цього часу є «Покинута», що нині зберігається в зборах Паллавічіні в Римі. Сюжет картини досить простий: жінка, що плаче, сидить на кам'яних сходах біля стіни з щільно закритими воротами. Але, незважаючи на простоту змісту, картина дуже виразна і створює у глядача гнітючий, сумний і тужливий настрій.

У 1490-х роках. XV ст. з'являються ілюстрації Боттічеллі до «Божественної комедії» Данте. До наших днів збереглося лише 96 малюнків, що знаходяться зараз у музеях Берліна та Ватикану. Всі образи замальовок надзвичайно крихкі, повітряні та легкі, що є відмінною рисою всієї творчості Боттічеллі.

У тих же 90-х роках. великим майстром було створено полотно «Наклепи», що зберігається в галереї Уффіці у Флоренції. Картина примітна тим, що дещо змінюється манера письма. Лінії, що створюють образи, стають більш різкими та загостреними. Композиція наповнена патетикою, емоційністю та більшою, порівняно з іншими роботами, визначеністю образів.

Вершиною висловлювання релігійного фанатизму художника стала картина під назвою «Оплакування Христа». В даний час варіанти полотна зберігаються в музеї Польді-Пеццолі в Мілані та Старій пінакотеці в Мюнхені. Особливий інтерес тут становлять образи наближених до Христа, сповнені глибокої скорботи та туги. Враження трагізму посилюється з допомогою використання художником контрастних, то темних, то яскравих фарб. Перед глядачем вже не безтілесні, майже невагомі та невидимі образи, а цілком конкретні та чіткі постаті.

Одним із найяскравіших творів, що відносяться до пізнього періоду творчості Боттічеллі, є полотно «Сцени з життя Св. Зиновія», яке зберігається нині в Дрезденській картинній галереї в Німеччині. Виконана в стилі розпису старовинних вівтарних меж, композиція являє собою якийсь колаж, складений з окремих картин, що розповідають про життя святого. Однак, незважаючи на подібність до старовинного мистецтва, в полотні досить ясно виявилася творча індивідуальність майстра живопису. Його образи цілісні та ясні. Розміщені вони над абстрактному просторі, але в тлі конкретного пейзажу. Місце дії у Боттічеллі чітко визначено: найчастіше це звичайні міські вулиці з прекрасним лісом, що видніється вдалині.

Особливий інтерес становлять поєднання фарб, що використовуються живописцем. Манера письма з цього погляду багато в чому подібна до техніки розписування старовинних ікон, колорит яких заснований не на яскравому контрасті, а на підборі спокійних, близьких за кольором тонів.

Сандро Боттічеллі помер 17 травня 1510 р. Його творчість справила великий вплив як на майстрів XV-XVI ст., а й багатьох живописців пізніших епох.

В епоху Проторенессансу творили також такі чудові художники, як сієнські живописці, що жили одночасно з Дуччо, брати Амброджо та П'єтро Лоренцетті; флорентійці Мазоліно та Беноццо Гоццолі, умбрієць Джентіле де Фабріано; живописець та медальєр Пізанелло; флорентійці Філіппіно Ліппі (син Філіппо Ліппі) та П'єро ді Козімо. Представниками умбрійської школи були художники Лука Синьореллі, Пінтуріккіо, Мелоццо і Форлі. У Феррарі працювали Козімо Тура, Еркола Роберті, Франческо дель Косса, Лоренцо Коста.

У XV ст. у Флоренції великою популярністю користувався ще один мальовничий жанр. У багатьох сім'ях були ошатні скрині (касоні), в яких дівчата зберігали своє посаг. Майстри покривали їх майстерним різьбленням та витонченим живописом. Найчастіше художники використовували для розписів міфологічну тематику.

Венеціанський живопис

Особливе місце у мистецтві Кватроченто належить Венеції. Дивне місто, розташоване на ста вісімнадцяти островах, відокремлених один від одного ста шістдесятьма каналами, було в ту епоху містом-державою. Венеція, республіка купців, що торгує з Єгиптом, Грецією, Туреччиною, Сирією, Багдадом, Індією, Аравією, Північною Африкою, Німеччиною та Фландрією, була відкрита для проникнення інших культур.

Венеціанський живопис покликаний був відобразити всю красу, багатство і пишноту цього великого міста. Свого розквіту вона досягла у другій половині XV ст. Твори венеціанських майстрів, барвисті та святково-декоративні, прикрашали храми, палаци, приміщення різних громадських закладів, захоплюючи правителів та простих громадян.

Яскравим прикладом венеціанського живописує творчість Віттор Карпаччо. Його простодушні оповідальні композиції поетично представляють Венецію під час урочистих церемоній(«Прийом послів»). Художник зображує та повсякденне життярідного міста; він пише сцени зі Священної історії, трактуючи їх із погляду сучасності. Такими є його «Житіє св. Урсули» (1490-ті), «Сцени з життя Марії», «Житіє св. Стефана» (1511-1520).

Реалістичні тенденції венеціанської живопису епохи Раннього Відродження знайшли свій відбиток у творчості Антонелло і Мессіна. Одна з найзнаменитіших його картин – «Св. Себастьян» (1476). Тема мучеництва св. Себастьяна, що став жертвою противника християнства Діоклетіана, була широко поширена серед художників Відродження, але Антонелло да Мессіна по-особливому трактує її: в образі Себастьяна немає тієї екзальтації, яка властива творам, написаним на той же сюжет іншими живописцями з цим сюжетом. Художник змушує глядача милуватися красою людського тіла та захоплюватися мужністю та силою духу прекрасного юнака. Повітрям і світлом пронизано спокійний пейзаж, на тлі якого зображено Себастьяна. За його спиною височіють величні міські споруди, біля ніг лежить антична колона.

Антонелло да Мессіна – чудовий майстер портрета, найкращі твори цього жанру – т.з. "Автопортрет" (бл. 1473), "Кондотьєр", " Чоловічий портрет»(1470-ті). Цим роботам властива стриманість та узагальненість, якості, які так цінували сучасники художника. Портретна творчість майстра передбачила творчість Джованні Белліні.

Великий майстер венеціанського Кватроченто Джованні Белліні вважається одним із основоположників Високого Відродження. Трагічною величчю відзначені його роботи "Мадонна зі святими" (1476), "Оплакування Христа" (1475). Привертає увагу його таємнича «Озерна мадонна» (бл. 1500), навіяна французькою поемою
про золотий вік «Паломництво душі». У цій картині поєдналися чудові образи античності та мрії про християнський рай.

Досі дослідники до кінця не розгадали, що ж хотів сказати художник, зобразивши поряд із Богородицею, апостолами та святими звичайних людей.

Пензлі Белліні належить кілька чудових портретів («Хлопчик», «Портрет дожа Леонардо Лоредано» та інших.), з яких почався розквіт портретного живопису у Венеції. Майстерність живописця у зображенні природи, що є невід'ємною частиною всіх його творів («Св. Франциск», 1470-ті), дуже вплинула на багатьох венеціанських пейзажистів наступних поколінь. Учнями Белліні були такі відомі художники, як Джорджоне і Тіціан.

Джорджоне

Джорджоне, не тільки великий художник, але й талановитий музикант і поет яскраво виділяється серед венеціанських живописців. Вазарі писав, що «гра його на лютні і співи вважалися божественними». Ймовірно, звідси й особлива музичність і поетичність полотен Джорджоне - у цьому немає рівних у італійському, а й у світовому мистецтві.

Відомостей про життя Джорджоні небагато. Справжнє його ім'я - Джорджо Барбареллі та Кастельфранко. Як пише Вазарі,
прізвисько Джорджоне («Великий Джорджо») митець отримав «за велич духу».

Джорджоне народився близько 1478 р. у Кастельфранко. У ранньої юностівін приїхав до Венеції, де вступив до майстерні Джованні Белліні. З того часу живописець майже покидав Венецію, де й помер 1510 р. під час епідемії чуми.

Однією з найвідоміших картин Джорджоне є знаменита "Юдіф", що зберігається в Ермітажі. Легенда розповідає, що красуня Юдіф проникла до намету ватажка ворожого війська Олоферна і звабила його. Коли Олоферн заснув, дівчина обезголовила його.

Про цю загадковій картиніРосійський художник А. Бенуа писав: «Дивна картина, така ж «двозначна» і «підступна», як і картини Леонардо. Чи це Юдіф? - хочеться запитати про цю строгу сумну красуню з обличчям дрезденської Венери, яка так спокійно зневажає відрубану голову». Справді, в цьому полотні криється якась протиріччя та таємниця: нещадна біблійна Юдіф постає у творі Джорджоне у поетичному образі мрійливої ​​дівчини на тлі спокійної та тихої природи.

І це не єдина загадка у творчості Джорджоне.

Яка таємниця прихована в картині «Гроза», на якій під грозовим небом, серед дерев і уламків античних колон ми бачимо молоду жінку, що сидить, яка годує дитину, а віддалік прогулюється юнак? Також незрозуміло, що хотів сказати художник, який зобразив на полотні під назвою «Сільський концерт» двох оголених жінок у компанії двох музикантів, які розташувалися в тіні дерева. У «Сільському концерті» – своїй останній роботі – Джорджоне не встиг дописати краєвид на задньому плані, і це зробив за нього Тіціан. Вже в іншу епоху задум композиції використав Е. Мане у своєму знаменитому «Сніданку на траві».

Дерева, пагорби, світлі дали у творах Джорджоні – не просто тло, на якому зображені постаті людей. Пейзаж нерозривно пов'язаний із персонажами з ідеєю творів венеціанського майстра. Так, у композиції «Три філософи» старець в античних шатах, людина середніх років у східному тюрбані та юнак, що втілюють різні стадії пізнання природи, становлять єдине ціле з нею: ніжною зеленню гірської долини, скелястою громадою, блідим небом, осяяним неясними.

Ця ж ідея гармонії людини та природи знайшла своє відображення в одному з шедеврів Джорджоні – полотні «Спляча Венера». Чуттєва і в той же час цнотлива нагота, занурена в сон красуні, стала уособленням чудового і одночасно простого італійського пейзажу, золотисто-жовті тони якого повторюються в теплих відтінках тіла Венери. Пізніше мотив «Сплячої Венери» використав Тіціан («Венера Урбінська»), потім Д. Веласкес («Венера перед дзеркалом»), Ф. Гойя («Маха») та Е. Мане («Олімпія»).

Глибокий інтерес Джорджоне до ландшафту як самостійного елемента композиції підготував появу в італійському живописі нового жанру – пейзажу.

Творчість Джорджоне вплинула не тільки на венеціанську, а й на всю італійський живопис. Чудовий художник став одним із основоположників мистецтва Високого Відродження. Надалі принципи та ідеї його мистецтва Джорджоне знайшли відображення у творах учня Тіціана.

Величезна роль, яку в архітектурі Раннього Відродження зіграв Брунеллески, а в скульптурі - Донателло, у живописі належала Мазаччо (1401-1428). Відомий історик мистецтва Віппер сказав: «Мазаччо – один із найнезалежніших і послідовних геніїв в історії європейського живопису, засновник нового реалізму…» Продовжуючи шукання Джотто, Мазаччо сміливо пориває із середньовічними мистецькими традиціями. У фресці «Трійця» (1426-27), створеної для церкви Санта-Марія Новела у Флоренції, вперше у настінному живописі Мазаччо застосовує повну перспективу. У розписах капели Бранкаччі церкви Санта-Марія дель Карміне у Флоренції (1425-28) – головному творі свого недовгого життя – Мазаччо надає зображенням небаченої раніше життєвої переконливості, підкреслює тілесність та монументальність своїх персонажів, майстерно передає емоційний стан. У фресці «Вигнання з раю» художник вирішує найскладніше завдання завдання зображення оголеної людської фігури. Суворе і мужнє мистецтво Мазаччо справило величезний вплив на художню культуруВідродження, зокрема, на творчість П'єро делла Франческа та Мікеланджело.

Розвиток живопису Раннього Відродження відбувався неоднозначно: художники йшли власними, часом різними шляхами. Світське початок, прагнення захоплюючому розповіді, ліричне земне почуття знайшли яскраве вираження у творах Фра Філіппо Ліппі (1406-69), ченця ордену кармелітів. Чарівний майстер, автор багатьох вівтарних композицій, серед яких найкращою вважається картина «Поклоніння Немовляті», створена для капели в палаццо Медічі - Рікарді, Філіппо Ліппі зумів передати в них людську теплоту та поетичну любов до природи.

У XV в. живопис Центральної Італії пережив бурхливий розквіт, яскравим прикладом якого може бути творчість П'єро делла Франческа (1420-92), найбільшого художника і теоретика мистецтва епохи Відродження. Самий чудовий витвір П'єро делла Франческа - цикл фресок у церкві Сан-Франческо в Ареццо, в основу яких покладено легенду про Животворяще дерево хреста. Розташовані в три яруси фрески простежують історію життєдайного хреста від самого початку, коли з насіння райського дерева пізнання добра і зла на могилі Адама росте священне дерево і до кінця, коли візантійський імператор Іраклій урочисто повертає християнську реліквію до Єрусалиму. Творчість П'єро делла Франческа вийшла за межі місцевих мальовничих шкіл та визначила розвиток італійського мистецтвав цілому.

У другій половині XV століття у Північній Італії у містах Вероні, Феррарі, Венеції працювало багато талановитих майстрів. Серед живописців цього часу найбільш відомий Андреа Мантенья (1431-1506) – майстер станкової та монументального живопису, рисувальник і гравер, скульптор і архітектор. Мальовнича манера художника відрізняється карбуванням форм і малюнка, строгістю та правдивістю узагальнених образів. Завдяки просторовій глибині та скульптурності фігур Мантенья досягає враження застиглої на мить реальної сцени – настільки об'ємно та природно виглядають його персонажі. Більшу частину життя Мантенья прожив у Мантуї, де створив найвідоміший свій твір – розпис «Камери дельї Спозі» у заміському замку маркіза Гонзага. Одними лише засобами живопису він створив тут розкішний ренесансний інтер'єр, місце для урочистих прийомів та свят. Мистецтво Мантеньї, що користувалося величезною популярністю, вплинуло на весь північно-італійський живопис.

Особливе місце у живопису Раннього Відродження належить Сандро Боттічеллі (1445-1510), сучаснику Леонардо да Вінчі та молодого Мікеланджело. Вишукане мистецтво Боттічеллі з елементами стилізації (тобто узагальнення зображень за допомогою умовних прийомів – спрощення кольору, форми та об'єму) користувалося великим успіхом у колі освічених флорентійців. У основі мистецтва Боттічеллі на відміну більшості майстрів Раннього Відродження лежало особисте переживання. Серед багатьох картин, створених Боттічеллі, є кілька прекрасних творів світового живопису («Народження Венери», «Весна»). Винятково чуйний і щирий, Боттічеллі пройшов складний і трагічний шлях творчих пошуків - від поетичного сприйняття світу в юності до містицизму та релігійної екзальтації у зрілому віці.

Леонардо Да Вінчі

По суті, засновником мистецтва Високого Ренесансу виступив один майстер, Леонардо да Вінчі, і глибоко симптоматично, що він, як ніхто інший, опинився у всеозброєнні вищих досягнень матеріальної та духовної культури свого часу у всіх її областях. Внесок Леонардо в мистецтво Високого Відродження можна зіставити за участю Джотто та Мазаччо, зачинателів попередніх етапів ренесансного мистецтва, З тією відмінністю, що відповідно до умов нової епохи і більшого розмаху обдарування Леонардо значення його мистецтва стало незрівнянно ширшим.

Леонардо був живописцем, скульптором, зодчим, співаком і музикантом, поетом-імпровізатором, теоретиком мистецтва, театральним постановником і байкарем, філософом і математиком, інженером, механіком-винахідником, фізиком і астрономом, анатомом і оптиком, геологом, це не вичерпує його занять.

Мистецтво для Леонардо було засобом пізнання світу, пізнання людини. Він вважав природу наставницею і у творчості виходив їх конкретної дійсності, відштовхувався від неї. Він постійно експериментував з фарбами, прагнучи розкрити можливості в передачі світла і тіні, мальовничих нюансів, майже непомітних переходів тону в тон. Величезне значення для всієї його творчості і всієї подальшої живопису мало зроблене їм відкриття нестійкості, витонченості, плинності видимого світу та способу передачі їх у картині.

Цей переворот, де до нього панувала непорушна і самодостатня лінія, він назвав "зникненням обрисів". Переходячи від теоретичних роздумів до практики, Леонардо починає застосовувати своє знамените "сфумато" - "димчасту світлотінь", оптичне враження в дусі імпресіонізму. У його полотнах це ніжне напівсвітло з м'якою гамою тонів молочно-сріблястих, блакитних, іноді з зеленими переливами, в яких лінія стає ніби повітряною.

Мистецтво та наука для Леонардо існували нероздільно. Масштаб пропорцій людської фігури він пов'язав з квадратом, довжина якого визначена довжиною людського тіла і включає систему поділів, що дозволяє встановити розміри за допомогою циркуля від 1/2 до 1/96 фігури. Він висловив це у вигляді "квадратури кола" та "вітрувіанської людини". Він ввів термін "золотий перетин" для гармонійного поділу відрізка, відомого ще в античності і впізнаного в середньовічної Європиз арабського перекладу "Початок" Евкліда.

Найбільш відомі картини Леонардо, що вплинули на розвиток всього європейського мистецтва: "Мадонна у гроті" - перший монументальний вівтарний образ Високого Відродження; "Таємна вечеря", портрет Мони Лізи - "Джоконда".

Мистецтво Раннього італійського Відродженнябуло представлено новим живописом, скульптурою та архітектурою. Першими найбільшими майстрами живопису були Джотто (1266-1337) і Мазаччо (1401-1428) - флорентійські художники. Вони писали на церковно-релігійні сюжети (фресковий живопис-розпис стін усередині храмів), але надавали своїм зображенням реалістичні риси. Джотто був першим художником, який звільнив італійський живопис від впливу візантійського іконопису.

Великим скульптором цього періоду був Донателло (1386-1466). Найбільшим архітектором Раннього Відродження був Брунеллескі (1377-1445). Відродження відбувалося неоднозначно: художники йшли власними, часом різними шляхами. Світське початок, прагнення захоплюючому розповіді, ліричне земне почуття знайшли яскраве вираження у творах Фра Філіппо Ліппі (1406-1469), ченця ордену кармелітів. Чарівний майстер, автор багатьох вівтарних композицій, серед яких найкращою вважається картина «Поклоніння Немовляті», створена для капели в палаццо Медічі. Наприкінці XV в. принципи, форми, образи нового мистецтва стали надбанням усієї Італії. Склалися основи нової системи жанрів, був накопичений найбагатший досвід художнього пізнання людини і навколишнього світу. Почалося поширення впливу нового італійського мистецтва інших країнах Європи. Етап Раннього Відродження завершився, підготувавши сильний підйом всіх видів мистецтва під час Високого Відродження.

КВИТОК №13

Третій період Відродження – час найпишнішого розвитку його стилю – прийнято називати «Високим Відродженням». Він простягається в Італії приблизно з 1500 до 1527 року. У цей час центр впливу італійського мистецтва з Флоренції переміщається до Риму, завдяки вступу на папський престол Юлія II - людини честолюбної, сміливої ​​і підприємливої, яка привернула до свого двору кращих художників Італії, що займала їх численними і важливими роботами і давала собою іншим приклад любові до гіршого. . При цьому Папі і за його найближчих наступників Рим стає хіба що новими Афінамичасів Перікла: у ньому будується безліч монументальних будівель, створюються чудові скульптурні твори, пишуться фрески і картини, які досі вважаються перлинами живопису; при цьому всі три галузі мистецтва струнко йдуть пліч-о-пліч, допомагаючи одне одному і взаємно діючи один на одного. Античність вивчається тепер більш ґрунтовно, відтворюється з більшою строгістю та послідовністю; спокій та гідність замінюють собою грайливу красу, яка становила прагнення попереднього періоду; Пригадування середньовічного зовсім зникають, і класичний відбиток лягає на все створення мистецтва. Але наслідування стародавнім не заглушає в художниках їх самостійності, і вони, з великою винахідливістю і жвавістю фантазії, вільно переробляють і застосовують до справи те, що вважають за доречне запозичувати для себе з античного греко-римського мистецтва.

Творчість трьох великих італійських майстрів знаменує собою вершину Ренесансу, це – Леонардо да Вінчі (1452 – 1519), Мікеланджело Буонаротті (1475 – 1564) та Рафаель Санті (1483 – 1520).

Титани ренесансу

Титани італійського Відродження - це три вершини мистецтва: Леонардо да Вінчі, Рафаель та Мікеланджело. Чому ми називаємо їх «титанами»? У античної міфологіїтитанами називали тих, хто насмілився кинути виклик богам, бажаючи зрівнятися з богами у могутності. Але олімпійські боги жорстоко покарали гордеців і повалили в тартар. Одним із титанів був Прометей, який теж кинув виклик богам, щоб допомогти роду людському. Він подарував людям вогонь, але сам став жертвою помсти богів: був прикутий до скелі, і шуліка клювала його печінку.
Титани Відродження, як і античні напівбоги, кидали виклик Небу. На відміну від середньовічного уявлення про нікчемність людини, її слабкість і гріховність перед всесильним Богом, вони стверджували велич людини, безмежність її можливостей і багатство обдарувань, причому не на. слів, а на ділі, своїм власним прикладом. Важко навіть уявити, скільки талантів містилося в одній людині!
У Леонардо да Вінчі поєднувалися таланти вченого (математика, механіка, оптика, фізика, біолога, анатома тощо), художника (рисувальника, живописця, скульптора та архітектора), філософа та письменника. Мікеланджело був одночасно скульптором, живописцем, архітектором та поетом. Рафаель, можливо, не був такий багатогранний, але його художній дар був настільки досконалим, що вже за життя його називали Санті, тобто «божественний».
Погляньте на пізній автопортрет Леонардо. Ми бачимо людину, яка дуже багато випробувала в житті. Волосся і борода струменіють по обличчю, надаючи йому вигляду мудрого волхва, що відкрив недоступні простому смертному таємниці. Проникливий погляд, куточки губ опущені, що висловлює розчарування. Приходять на згадку рядки царя Соломона з книги «Екклезіаст» у Старому Завіті: «Пізнання множить скорботу». Леонардо да Вінчі – це образ художника-мудреця. Його вченість прагне проникнути до всіх куточків світу. Навіть красу він хоче пізнати та виміряти за допомогою циркуля та лінійки. І це йому вдається. Пізнання потаємних таємниць природи – ось у чому душа Леонардо.
Рафаель - світлий геній, ангел Відродження. Йому все було легко. Він не страждає, його розум не кидається у пошуках істини. Істина сама йому відкривається - у красі, і він її втілює настільки досконало, що нікому не вдалося з того часу його перевершити. Рано пішов із життя цей світлий геній Відродження. У 38 років майже як Пушкін. Його смерть була оплакана всім Римом. Вазарі казав, що такі люди, як Рафаель, багато обдаровані красою та талантом, м'яким характером, скромністю та грацією, – не люди, а смертні боги. Мікеланджело – ось справжній титан. Завжди у боротьбі із собою, миром та Богом. Колосальний порив, віра в людину. Сам він казав: «Ще не народилася на світі людина, яка, як я, була б така схильна любити людей». Мікеланджело пережив злет ренесансних ідеалів та їх трагічну аварію.
Поява таких чудових особистостей у культурі, як Леонардо да Вінчі, Рафаель та Мікеланджело, була не випадковою. Воно свідчило про глибокі зміни щодо і до мистецтва в пелом, і до художника зокрема.
У середні віки особистість художника була не важлива. Створюючи витвір мистецтва, майстер вважав себе лише інструментом у Божих руках. Твори не підписувалися, оскільки вважалося, що їх справжнім автором є Бог.
Творця творів мистецтва не називали художником у тому високому розумінні, який ми сьогодні вкладаємо у це слово. Іконописці, будівельники соборів тощо. вважалися просто ремісниками. Ці погляди зберігалися довго.
Коли Мікеланджело вирішив стати скульптором, батько забороняв йому це, вважаючи таку професію недостойною славетного роду Буонар-роті; він просто не бачив різниці між скульптором та каменотесом.

КВИТОК №15

ВІДРОДЖЕННЯ ПІВНІЧНЕПівнічне Відродження - термін, що використовується для опису епохи Відродження в північній Європі, або більше узагальнюючому - у всій Європі поза Італії, на північ від Альп.

Прийняте в сучасній мистецтвознавчій науці позначення періоду в культурному та ідейному розвитку країн, що лежать на північ від Італії (переважно Нідерландів, Німеччини та Франції 1-ї третини 15-16 ст.; для окремих країн існує власна періодизація), перехідного від середньовічної культури до культурі нового часу На відміну від італійського Відродження ( див.ВІДРОДЖЕННЯ (Ренесанс)), для Північного Відродження характерні велика стійкість середньовічних традицій, інтерес до індивідуальної неповторності людини та її оточення (в т. ч. до інтер'єру, натюрморту, пейзажу). Найбільші представники Північного Відродження: Ван Ейк ( див.ВАН ЕЙК), Х. Босх ( див. БОСХ Ієронім), П. Брейгель Старший ( див.Брейгель Пітер Старший) - у Нідерландах; А. Дюрер ( див.ДЮРЕР Альбрехт), М. Нітхард ( див.НІТХАРДТ Матіс), Л. Кранах Старший ( див.КРАНАХ Лукас Старший), Х. Хольбейн Молодший ( див.ХОЛЬБЕЙН (Ханс Молодший) - у Німеччині; Ж. Фуке( див.ФУКЕ Жан), Ф. Клуе ( див.КЛУЕ), Ж. Гужон ( див.ГУЖОН Жан) – у Франції.

Архітектура 17 вЛоренцо Берніні (1598-1680) – став провідником офіційної лінії римських пап у мистецтві періоду бароко, позиціонував себе як універсального майстра, здатного однаково плідно займатися живописом, архітектурою та скульптурою. Але він виявився слабким художником, а в архітектурі залишився обдарованим любителем, здатним розробити ідею, програму твору, кидаючи всі клопоти з розрахунків, інженерного забезпечення та реального втілення на численну армію скульпторів та архітекторів-помічників власної римської майстерні. Собі він залишав величезні гонорари та славу.

· Франческо Борроміні (1599-1667) - займався лише архітектурою. Він – віртуозний архітектор-практик та майстер креслень, якими він плідно займався ще у Мілані. Креслення Борроміні не мали собі рівних за професійною досконалістю Італії 17 століття. Витіснений на узбіччя архітектурної практики у Римі, він стає архітектором чернечих орденів. Тому його творчість – невиправдано скромна. Але значна художня цінність та популярність творів Бороміні перетне кордони Італії та знайде справжніх продовжувачів та нащадків у творчих особистостях, серед яких Ніколо Мікетті (Костянтинівський палац, Стрільна, Російська імперія) чи Ян Блажій Сантіні Айхл (Чехія).

·

План церкви Сант-Іво алла Сапієнца

·

Двір Сант-Іво алла Сапієнца

Сант-Іво, старовинна гравюра 1695

Композиція палацу та церкви Сант-Іво.

Італійський сад бароко

Вілла Альдобрандіні.

Барочний сад італійського типу – логічне продовження саду епохи Відродження. Сади Відродження були ще невеликі за розмірами, позбавлені пишноти. Використовували фонтан зі скульптурою, лави, горщики із лимонними деревами. Над усім домінував палац чи вілла. Тераси ще не підпорядковані єдиному художньому задуму, один одному та палацу. Тіснота забудови у міських фортечних стінах не дозволяла створювати сади у містах, і вони виникають на околицях (сади Боболі у Флоренції) чи сільській місцевості.

Мистецтво Італії в 18 в

[ред.] Пізніше бароко

Бароко, що народилося та визріло в Італії, затрималося в національному мистецтві довше, ніж в інших європейських країнах. Поступово в ньому йде накопичення кризових рис і втоми. Вже у творах Карло Маратта (1625-1713) бароковий живопис втрачає гідність, правдивість, які витісняють бравурність та нещира патетика. Дослідник Дж. Арган із гіркотою зауважив: «Його живопис на службі у володарів символізує банальні речі, прикриваючись авторитетом Рафаеля та Тіціана». Але барочний живопис Італії ще не втрачав можливості оновлюватися і розповідати про природу, історію та світ людських почуттівяк у творах провінційних майстрів (Креспі, Вітторі Гісланді), так і в декоративному живописі (Джованні Баттіста Тьєполо). Барокко, що затихає, надовго утримає свої позиції і в театрально-декораційному мистецтві Італії та багатьох європейських країн (Андреа Поццо, Фердинандо Бібієна, Джузеппе Валеріані).

Але центр художніх пошуків у Європі остаточно йде у Францію.

·

Креспі. Сівіла Кумська, Еней та перевізник Харон, 1705 р.

Джакомо Черуті. "Троє жебраків", 1736 р.

Лоренцо Тьєполо. Портрет Цецилії Гварді

·

Вітторі Гісланді. Юний художник, 1732 р.

КВИТОК №17

Караваджо та караваджизм

Караваджо (Caravaggio; власне Мерізі і Караваджо, Merisi da Caravaggio) Мікеланджело (28.9.1573, Караваджо, Ломбардія, - 18.7.1610, Порто-Ерколе, Тоскана), італійський художник. Основоположник реалістичного спрямування європейського живопису 17 в.

Навчався у Мілані (1584-88) у С. Петерцано. Між 1589 і 1593 рр. приїхав до Риму, де працював до 1606 р., потім - у Неаполі (1607 і 1609-10), на острові Мальта і в Сицилії (1608-09). Творчість До., яка не належала до будь-якої певної художньої школи, виникла як опозиція панівним напрямкам в італійському мистецтві кінця 16 - початку 17 ст. (Маньєризму та академізму).

Ранні твори(між 1592 і 1598), з їх дзвінким колоритом і прозорою світлотінню, виявляють зв'язок з традиціями північноіталійського живопису 16 ст. (Дж. Савольдо, Л. Лотто, А. Моретто та ін.). Разом з тим, вже в них з'являється ряд істотно нових рис. Принципу ідеалізації образу К. протиставляє індивідуальну промовистість конкретної моделі («Маленький хворий Вакх», Галерея Боргезе, Рим), алегоричному тлумаченню сюжету - неупереджене вивчення натури в простому побутовому мотиві («Юнак з кошиком фруктів», Галерея Борзе). Полемізуючи з художніми концепціями маньєризму та академізму, До. втілює в античному сюжеті святково-ігровий, народний початок («Вакх», 1592-93, Галерея Уффіці, Флоренція), приходить до заперечення панівної системи жанрів і робить внесок у створення нових видів живопису - - натюрморту («Кошик із фруктами», близько 1596, Пінакотека Амброзіана, Мілан) та побутового жанру («Гадалка», Лувр, Париж). Релігійна картина отримує у нього нову, інтимно-психологічну інтерпретацію («Відпочинок на шляху до Єгипту», Галерея Доріа-Памфілі, Рим). До кінця 1590-х років. складається оригінальна мальовнича система К. Яскраво освітлений променем світла передній план картини виділяється на зануреному в густу тінь фоні, чим досягається підкреслена оптична наочність зображення і складається враження його безпосередньої близькості до глядача (Лютніст, Ермітаж, Ленінград). Зрілі твори К. (1599-1606) - це монументальні за композиційним рішенням полотна, що мають виняткову драматичну силу. Потужні контрасти світла і тіні, виразна простота жестів, енергійна пластична ліплення і звучний, насичений колорит відображають емоційну напругу, що виникає при несподіваному прояві ідеально-піднесеного в повсякденному житті людей або в моменти духовного протистояння людини ворожому йому оточенню і Мука апостола Матвія», 1599-1600, церква Сан-Луїджі деї Франчезі, «Розп'яття апостола Петра» і «Звернення Савла», 1600-01, церква Санта-Марія дель Пополо, «Мадонна ді Лорето», близько 16 Сант-Агостіно, - все в Римі; Підкреслена простонародність типажу, рішучість утвердження демократичних мистецьких ідеалів у картинах К. викликали різку опозицію прихильників офіційного мистецтва. Ряд творів художника було відкинуто замовниками. У пізніх роботах До., створених у роки поневірянь півднем Італії (1606-10), подальший розвиток реалістичних тенденцій, розширення сфери охоплення життєвих явищ («Сім діянь милосердя», 1607, церква Піо Монте делла Мізерикордія, Неаполь . Поряд із нотами скорботної відчуженості в них проявляється дух піднесеного стоїцизму («Смертність Іоанна Хрестителя», 1609, собор Сан-Джованні, Ла-Валлетта; «Поховання св. Лучії», 1608, церква Санта-Лучия, Сіракуза). звертається до теми самотності людей у ​​величезному світі, його приваблює образ тісно спаяного людського колективу, об'єднаного атмосферою спорідненої близькості та душевного тепла. Світло в пізніх картинах До. стає м'яким і вібруючим, кольорова гама тяжіє до тональної єдності («Поклоніння пастухів», 1609, Національний музей, Мессіна). Манера виконання набуває рис вільної імпровізаційності. Новаторське мистецтво К. знайшло послідовників в Італії та ін. країнах Європи, вплинув на складання реалістичної течії в багатьох європейських художніх школах (Караваджизм).

Караваджизм:

1) система художніх засобів, характерна для початкового етапу становлення реалізму у європейському живописі 17 в. і що отримала найбільш яскраве втілення у творчості італійського живописця Караваджо. властиві демократизм
художнього ідеалу, інтерес до безпосереднього відтворення натури, підвищене почуття реальної предметності зображення, активна роль контрастів світла та тіні у мальовничому рішенні картини, прагнення монументалізації жанрових мотивів. Звернення до прийомів До. було важливим ступенем у творчому розвитку багатьох провідних майстрів 17 ст. (П. П. Рубене, Рембрандт), хоча у ряді випадків воно і не було результатом прямого впливумистецтва Караваджо та його послідовників (Ф. Рібальта, Д. Всласкес, Жорж де Латур).

2) Напрямок у європейському живописі 17 ст, представлений послідовниками Караваджо. В Італії, де тенденції До. зберігали своє значення до кінця 17 ст, вони проникли у всі значні художні центриі особливо сильно позначилися на живописі Риму, Генуї та Неаполя. Найбільш оригінальне та самостійне заломлення спадщина Караваджо отримала у творчості О. Борджанні, О. Джептілескі, К. Сарачені, Дж. Б. Караччоло. У ряду майстрів До. висловився в поверхневому запозиченні формальних прийомів та сюжетних мотивів мистецтва Караваджо (роботи Л. Спади, Б. Манфреді та ін.). Серед зарубіжних представників К. найбільш значні: у Голландії – Х. Тербрюгген, Г. Хонтхорст, Д. ван Бабюрен, у Фландрії – Т. Ромбаутс, А. Янсенс, у Франції – Ж. Валантен, С. Вуз, в Іспанії – Х. .Рібера, в Німеччині - А. Ельсхеймер.

КВИТОК № 18

Мистецтво Франції. Архітектура. Архітектура XVIII століття у Франції традиційно поділяється на два періоди, яким відповідають два архітектурного стилю: у першій половині XVIII ст. панівне становище займає рококо, на другий - неокласицизм. Ці стилі у всьому протилежні один одному, тому перехід від рококо до неокласицизму часто називають бунтом.

Стиль рококо відійшов від суворих правил класицизму XVIIв.; його майстрів більше приваблювали чуттєві, вільні форми. Архітектура рококо ще сильніша, ніж бароко, прагнула зробити обриси споруд більш динамічними, а їхнє оздоблення - більш декоративним, проте вона відкинула урочистість бароко та його тісний зв'язок із Католицькою Церквою.

Самого слова «неокласицизм» у XVIII ст. ще не існувало. Критики та художники користувалися іншими визначеннями – «справжній стиль» чи «відродження мистецтв». Інтерес до античності у XVIII столітті набув наукового характеру: археологи розпочали методичні розкопки стародавніх пам'яток, архітектори стали робити точні обміри та креслення фрагментів і руїн, що збереглися. Для неокласицистів архітектура була способом перебудови світу. З'явилися утопічні проекти, у яких втілювалися ідеали епохи Просвітництва; пізніше вони отримали назву «розмовляюча архітектура».

АРХІТЕКТУРА РОКОКО

Рококо виникло в Останніми рокамиправління короля Людовіка XIV (1643-1715 рр.), але на відміну всіх попередніх йому стилів французької архітектури був придворним мистецтвом. Більшість будівель рококо – це приватні будинки французької аристократії: багаті міські особняки (у Франції їх називали «готелями») та заміські палаци.

Як правило, висока огорожа відокремлювала особняк від міста, приховуючи життя власників будинку. Кімнати готелів часто мали криволінійні контури; вони не були анфіладою, як було прийнято в особняках XVII ст., а утворювали дуже витончені асиметричні композиції. У центрі зазвичай містився парадний зал, так званий салон. Кімнати були набагато меншими, ніж зали палаців епохи класицизму, і з нижчими стелями. А вікна в цих особняках робили дуже великими майже від підлоги. Інтер'єри будівель рококо були оформлені скульптурними та різьбленими прикрасами, живописом на фантастичні теми та безліччю дзеркал.

Готель Субіз у Парижі побудований для принца де Субіза у 1705 – 1709 роках. за проектом П'єра Алексіса Деламера (1675–1745). Як і інші особняки, він відгороджений від прилеглих до нього вулиць високою стіною з розкішною в'їзною брамою.

Білет №19

Архітектира та Мистецтво Іспанії 17 століттяАраби принесли в іспанське мистецтво розвинену культуру орнаменту та залишили низку чудових пам'яток архітектури в мавританському стилі, серед них мечеть у Кордові (8 ст.) та палац Альгамбра у Гранаді (13-15 ст.). У 11-12 ст. на території Іспанії розвивається романський стиль в архітектурі, чудовою пам'яткою якого є величний собор у місті Сантьяго-де-Компостела. У 13 – першій половині 15 ст. в Іспанії, як і у всій Західної Європи, формується готичний стиль. Іспанська готика нерідко запозичує мавританські риси, про що свідчать величні собори в Севільї, Бургосі та Толедо (один з найбільших у Європі). Особливе художнє явище є т.зв. стиль<мудехар>, що склався в результаті злиття в архітектурі елементів готики, а пізніше Ренесансу з маврітансу Араби принесли в іспанське мистецтво розвинену культуру орнаменту і залишили ряд чудових пам'яток архітектури в мавританському стилі, серед них мечеть в Кордові (8 ст.) і палац Альгам -15 ст.). У 11-12 ст. на території Іспанії розвивається романський стиль в архітектурі, чудовою пам'яткою якого є величний собор у місті Сантьяго-де-Компостела. У 13 – першій половині 15 ст. в Іспанії, як і в усій Західній Європі, формується готичний стиль. Іспанська готика нерідко запозичує мавританські риси, про що свідчать величні собори в Севільї, Бургосі та Толедо (один з найбільших у Європі). Особливе художнє явище є т.зв. стиль<мудехар>, що склався в результаті злиття в архітектурі елементів готики, а пізніше Ренесансу з мавританською спадщиною.

<платереск> <эрререско>

<Золотым веком> <эрререско> <чурригуреско>.

<гением модерна>

У 16 ст. під впливом італійського мистецтва в Іспанії складається школа маньєризму: її помітними представниками були скульптор Алонсо Берругете (1490-1561), живописці Луїс де Моралес (бл. 1508-1586) та великий Ель Греко (1541-1614). Основоположниками мистецтва придворного портрета стали знамениті живописці Алонсо Санчес Коельо (бл. 1531-1588) та його учень Хуан Пантоха де ла Крус (1553-1608). У світській архітектурі 16 в. утвердився орнаментальний стиль<платереск>, що змінився наприкінці століття холодним стилем<эрререско>, зразком якого є монастир-палац Ескоріал поблизу Мадрида, збудований у 1563-1584 як резиденція іспанських королів.

<Золотым веком>іспанського живопису називають 17 ст, коли творили великі художники Хусепе Рібера (1588-1652), Бартоломе Естебан Мурільо (1618-1682), Франсіско Сурбаран (1598-1664) та Дьєго де Сільва Веласкес (1599-1). В архітектурі стриманий<эрререско>у другій половині 17 ст. змінюється надмірно декоративним стилем<чурригуреско>.

Період 18-19 ст. в цілому охарактеризується занепадом іспанського мистецтва, замкненого в наслідувальному класицизмі, а пізніше в поверхневому костумбризмі. На цьому тлі особливо яскраво виділяється творчість Франсіско Гойї (1746–1828).

Відродження великої іспанської традиції відбувається у першій половині 20 в. Нові шляхи у світовому мистецтві проклали оригінальний архітектор Антоніо Гауді (1852-1926), якого називали<гением модерна>, засновник і яскравий представник сюрреалізму в живописі Сальвадор Далі (1904-1989), один з основоположників кубізму Хуан Гріс (1887-1921), абстракціоніст Хуан Міро (1893-1983) і Пабло Пікассо (1881-1973) напрямів сучасного мистецтва

У 17 ст. художні традиції нідерландського мистецтва тривали у Фландрії та Голландії. На їх основі склалися споріднені, але самобутні фламандська та голландська школи живопису. Причиною такого поділу стала драматична історія Нідерландів у другій половині XVI ст.

У той час у Нідерландах широко поширився протестантизм - віровчення, що заперечує шанування ікон як ідолопоклонство і від церковного мистецтва. У 1566 р. країною прокотилася хвиля іконоборства. За кілька днів було розгромлено безліч храмів та монастирів, знищено статуї святих, вівтарі, ікони. Король Іспанії Філіп II, під владою якого були тоді Нідерланди, відправив у країну велику армію, щоб відновити панівне становище Католицької Церкви. Іспанці жорстоко пригнічували заворушення, при цьому десятки тисяч нідерландців загинули. У відповідь на насильство спалахнуло збройне повстання.

На півночі країни, де протестанти становили більшість населення, у 1581 р. було проголошено нову державу – Республіку Сполучених провінцій. Провідна роль у ньому належала Голландії, і незабаром так почали називати всю країну.

На півдні Нідерландів перемогу здобули іспанці. У 1585 р. здалася остання оплот повстанців - місто Антверпен.

Філіп II в 1598 передав Південні Нідерланди улюбленої дочки інфанте Ізабелле (1566-1633). Новостворена держава в офіційних документах називали Католицькими Нідерландами, в наукових працях - Бельгією, в просторіччі ж - Фландрією, як і найрозвиненішу з провінцій, що входять до неї. Воно повністю залежало від Іспанії.

У боротьбі за релігійні ідеї поразка зазнала культура: чимало чудових пам'яток мистецтва знищили протестанти, але й у католицьких провінціях надовго довелося забути про споконвічну художню традицію. Католицька Церква з підозрою належала до казкової строкатості старонідерландського мистецтва. Художники, які намагалися по-своєму тлумачити біблійні сюжети, ризикували бути звинуваченими у єресі. Церковне мистецтво змінилося. Воно відтепер мало не просто пояснювати парафіянам Писання, а в буквальному розумінні зачаровувати, підкоряти їхню свідомість авторитету Церкви. Цьому служили органна музика, химерна архітектура храмів, релігійний живопис. Якщо Середні віки храм мислився як школа, то XVII в. він скоріше нагадував театр.

Подібна інформація.

Живопис Раннього Відродження виник лише на початку 1420-х років. Початок йому було покладено молодим геніальним художникомна ім'я Мазаччо (1401-1428), якому був лише 21 рік, коли він написав у церкві Санта Марія Новела фреску «Трійця». На час приходу Мазаччо в живопис основні вимоги Епохи Відродження до образотворчого мистецтва були сформовані і полягали в тому, щоб зображати нових людей, які вірять у силу людського розуму, у свою владу над світом і призначені для реалізації великих цілей.

Світ Мазаччо - це зображення конкретної повсякденної дійсності, а царство монументальної величності. Фігури Мазаччо - це «одягнені», як у Донателло, і здається, що їх одяг зроблений зі справжньої тканини. Архітектурне тло свідчить про те, що Мазаччо добре опанував сформульовані Брунеллески принципи нового зодчества та теорію наукової перспективи. Вперше в історії мистецтва були отримані всі необхідні дані для того, щоб виміряти глибину написаного інтер'єру, накреслити його план і точно відтворити архітектурну споруду в трьох вимірах. Це ранній приклад раціонального побудови простору картини.

Мабуть, Мазаччо, як і Брунеллески, у цьому бачили символ того, що всесвіт керується божественним розумом. Зображене на фресці приміщення, перекрите циліндричним склепінням, є непросто нішу, а поглиблений простір, у якому постаті за бажання можуть вільно пересуватися. Таким чином, у «Трійці» Мазаччо, як і в пізнішому рельєфі Гіберті «Історія Якова та Ісава», зображений простір не залежить від постатей: вони існують у ньому, але не створюють його. Якщо прибрати архітектурне тло, фігури позбудуться простору.

Найбільшу групу з числа робіт Мазаччо, що дійшли до нас, складають фрески капели Бранкаччі в церкві Санта-Марія дель Карміне. Найбільш відома з них - "Диво зі статиром". Вона ілюструє традиційним методом, відомим як «безперервне оповідання», історію, викладену в євангелії від Матвія. У центрі зображено Христа, який наказує Петру зловити рибу, в пащі якої він знайде статир (монету), щоб заплатити митцю; зліва на задньому плані – Петро виймає монету з пащі риби; праворуч - він віддає її збиральнику мита. Так як нижній крайфрески знаходиться майже за 14 футів (бл. 527 см) від підлоги, Мазаччо припускав, що глядач дивитися безпосередньо на центральну точку сходу, що знаходиться за головою Христа. Як не дивно, цей ефект досягається з надзвичайною легкістю. Оптична ілюзія лише малою мірою залежить від перспективи Брунеллескі. Мазаччо скористався тут такими ж засобами, якими застосовували Флемальський майстер та обидва Ван Ейка. Він вибирає певний напрямок потоку світла (який виходить праворуч, де розташоване вікно капели) та вводить повітряну перспективудаючи найтонші градації тонів.

Мазаччо помер надто молодим (йому було лише 27 років) і не встиг створити своєї «школи», а стиль його листа здавався надто сміливим, щоб його могли негайно підхопити сучасники. Роботи цих художників, виконані переважно у традиції міжнародної готики, щойно несуть у собі відбиток впливу Мазаччо.

1439 року у Флоренцію переїжджає з Венеції. талановитий художникДоменіко Венеціано. Його приваблював новаторський дух мистецтва Раннього Відродження, і незабаром він стає дуже значним художником у Флоренції. Його «Мадонна і дитя зі святими» - один із найбільш ранніх вівтарних образів нового типу, відомих як «sacra conversazione» (свята бесіда) і набули поширення з середини XV століття. Іконографія включає зображену на тлі архітектури мадонну на троні і святих, що стоять по обидва боки від неї, які можуть вести бесіду з нею, з уявним глядачем або між собою.

Перспективні побудови Доменіко виконав не гірше за свого попередника, але витягнуті пропорції та використання кольору в архітектурному тлі вже не так явно нагадують манеру Брунеллескі. У його постатях немає масивності, властивої фігурам Мазаччо, але вони так само гармонійні і виконані почуття власної гідності. У струнких, м'язистих тілах святих та в їх яскраво індивідуалізованих, виразних обличчях відчувається вплив Донателло.

Подібно до Мазаччо, Доменіко у своїх роботах надавав величезного значення кольору, і ця картина однаково чудова і за колоритом, і за композицією. Світла тональність у гармонії рожевого, світло-зеленого та білого квітів, вміло підкреслених плямами червоного, синього та жовтого, примиряє декоративну яскравість готичного мальовничого твору з вимогами просторової перспективи та природного освітлення. Зазвичай персонажі «sacra conversazione» зображуються всередині приміщення, але в даному випадку дія відбувається у свого роду лоджії (відкритої галереї), залитої сонячним світлом, що струмує праворуч, про що ми можемо судити по тіні за фігурою мадонни. Поверхні архітектурної споруди настільки відбивають світло, що навіть затінені ділянки пронизані кольором. Подібного світлового ефекту досягла в одній зі своїх робіт Мазаччо, і Доменіко, безумовно, доводилося її бачити. У цій «sacra conversazione» художник робить відкриття, звертаючись до ускладненого моделювання форм, що знаходиться у повній відповідності до його вишуканого почуття кольору. Вплив тонального вирішення цієї картини можна побачити у флорентійському живописі другої половини XV в.

У Доменіко Венеціано був учень П'єро делла Франческа. У манері П'єро, навіть більше, ніж у роботах Доменіко Венеціано, відбито ідеї Мазаччо. Цю відданість основоположнику італійського ренесансного живопису він зберіг протягом усього життя.

У період з 1446 по 1454 р. П'єро створив стиль, який в основних рисах зберігся і в творах, що відносяться вже до періоду його творчої зрілості. Для нього характерні умовність у зображенні волосся та очей (знамениті мигдалеподібні очі, запозичені у персонажів Доменіко Венеціано) та ідеалізація рис обличчя. Високі постаті побудовані за класичним каноном пропорцій Вітрувія, але жіночі образи мають подовжені, злегка вигнуті шиї та високі лоби – елементи пізньоготичного ідеалу краси. У моделюванні карнації П'єро делла Франческа віддає перевагу м'яким тонам, плавним переходам у протилежність різким і темним тіням, яких вдавався у своїх роботах Мазаччо.

Найбільш вражаючим досягненням П'єро є цикл розписів у церкві Сан-Франческо в Ареццо, над якими він працював з 1452 по 1459 рік. У цих численних фресках представлена ​​легенда про «животворний хрест» (тобто історія хреста, на якому був розіп'ятий Христос). На одній із них зображено імператрицю Олену, матір Костянтина Великого, яка виявила «животворчий хрест» і два інші хрести, на яких поруч із Христом були розп'яті розбійники (хрести були заховані ворогами віри). У лівій частині фрески показано, як хрести викопують із землі, а у правій - як силою «животворного хреста» повертають до життя померлого юнака.

Після 1450 флорентійський стиль став розвиватися в іншому напрямку. Про це свідчить чудова робота Давид, виконана Андреа дель Кастаньо незадовго до циклу фресок П'єро делла Франческа в Ареццо. Зображення написане на шкіряному щиті, який передбачалося використовувати за призначенням. На зміну об'ємності і статичності прийшов вишуканий рух, який передано і самій позою, і волоссям і одягом, що розвіваються на вітрі. Моделювання фігури декоративно уплощена, форми визначені, головним чином, контурами, чому зображення здається не об'ємним, а рельєфним.

На віллі Кардуччі Пандальфіні в 1450 художник створює серію портретів «Знаменитих чоловіків і жінок» (нині знаходяться в музеї Кастаньо, Флоренція). Серія замовлена ​​в червні 1449 року. На ній зображено трьох Флорентійських воєначальників, трьох знаменитих жінок і трьох поетів. Після смерті замовника вілла було продано у жовтні 1451 року.

Ще один знаменитий художник епохи раннього італійського Відродження Сандро Боттічеллі працював у всіх великих храмах Флоренції та в Сикстинській капелі Ватикану, проте в історії мистецтва залишився в першу чергу як автор великоформатних поетичних полотен на сюжети, натхненні класичною античністю, - «Весна» та «Народження» ».

Динамічно-лінійний стиль став переважати у другій половині XV ст. Кульмінації він досяг в останній чверті століття в мистецтві Сандро Боттічеллі (1444/450-1510), який незабаром став улюбленим живописцем так званого кола Медічі - тих аристократів, літераторів, учених і поетів, які становили оточення Лоренцо Чудового - глави сімей та фактичного правителя Флоренції. Для одного з членів цієї групи і була написана найзнаменитіша картина Боттічеллі - Народження Венери.

Завдяки поверхневому моделюванню та чіткості контурів зображення здається барельєфним, позбавленим тривимірності. Художник не надає значення глибині простору. Так, наприклад, гай у правій частині полотна виконує роль свого роду декоративної ширми. Фігури здаються безтілесними і невагомими - навіть торкаючись землі, вони наче пливуть. Все це не узгоджується з основними принципами мистецтва Раннього Відродження, проте полотно не виглядає середньовічним. У ньому відчувається насолода свободою руху, і при всій своїй ефемерності тіла мають чуттєву красу.

Також у цей час працювали П'єро ді Козімо, Доменіко Гірландайо – один із провідних флорентійських художників кватроченто, засновник мистецької династії, яку продовжили його брат Давид та син Рідольфо. Голова художньої майстерні, де трудився юний Мікеланджело.

У 1420-х роках флорентійські майстри починають поширювати принципи мистецтва Раннього Відродження у містах Північної Італії – Венеції та Падуї. Але це зустрічало слабкий відгук у місцевих художників, поки близько 1450 в їхньому середовищі не з'явився молодий Андреа Мантенья. Спочатку він навчався у майстерні одного з падуанських художників, але вирішальну роль у його формуванні відіграли роботи флорентійських художників і, ймовірно, спілкування з Донателло. Після Мазаччо Мантенья був найбільш значним представником живопису Раннього Відродження.

Його геніальність виявилася дуже рано, і вже у 17 років він міг виконувати самостійні замовлення. У наступне десятиліття Мантенья досяг творчої зрілості. Найславетніше його творіння - фрески в церкві Еремитані в Падуї, які майже повністю загинули під час бомбардування у роки Другої світової війни. Найбільш драматична з них - «Хід Св. Якова на страту», яка відрізняється незвичайною побудовою композиції (центральна точка сходження перспективних ліній знаходиться в самому низу картини і дещо зміщена від центру вправо). Внаслідок цього архітектурне тло приймає загрозливі розміри, як у «Трійці» Мазаччо. Величезна тріумфальна арка, хоч і не є копією якоїсь відомої римської пам'ятки, навіть у найдрібніших деталяхвиглядає дуже достовірною.

Якщо Мантенья був майстром драматично гострих композицій, то його зять, який жив у Венеції, Джованні Белліні виявив себе, перш за все, як майстер світла і кольору. Популярність прийшла до нього не одразу. Його найкращі картини, такі як "Екстаз Св. Франциска", були написані на рубежі XV і XVI століть. Зображений на цій картині святий настільки малий у порівнянні з навколишнім пейзажем, що здається незначним, і все ж таки його містичне захоплення перед красою матеріального світу передається і нам. Знявши дерев'яні черевики, він стоїть босоніж на святій землі. У роботі Белліні контури менш жорсткі, як в Мантеньи, кольори м'якше, а світло яскравіше. Інтерес Белліні до ліричного, наповненого світлом пейзажу свідчить про вплив великих нідерландських художників: у Венеції, яка мала міцні торговельні зв'язки північними країнами, роботи цих художників викликали непідробне захоплення Белліні, безсумнівно, був знайомий із творіннями нідерландських майстрів і поділяв їх уважне і бережливе ставленнядо найменших деталей у зображенні природи. У своїй роботі він надав нагромадженню каменів на передньому плані структурну ясність і твердість, наче зображував архітектурну споруду відповідно до законів наукової перспективи.

Величезною роботою художника є триптих із венеціанської церкви Санта Марія деї Фрарі. На ньому художник зобразив у центрі - Мадонну з немовлям на троні, ліворуч - святих Миколая та Петра, праворуч - святих Марка та Бенедикта. На картині є підпис художника та дата 1488 року.

Джованні Белліні залишив по собі понад двісті творів - картин і малюнків.

Рим, у якому довгий час не виявлялося жодного інтересу до мистецтва, доки папська резиденція вимушено перебувала в Авіньйоні, знову перетворився на великий центр меценатства. Наприкінці XV століття, коли папство знову набуло політичної влади на італійському грунті, наступники Св. Петра почали прикрашати Ватикан і Рим, будучи впевненими, що пам'ятники християнського Риму повинні затьмарити споруди язичницького минулого. Найвидатнішим твором на той час стали розписи стін Сикстинської капели, виконані близько 1482 року. Серед художників, які працювали над цим великим циклом сцен зі Старого та Нового завіту, були найвидатніші майстри Середньої Італії, включаючи Боттічеллі та Гірландайо, хоча ці фрески не є їх найкращими досягненнями.

Однак, є виняток: фреска «Передача ключів Св. Петру», виконана П'єтро Перуджино (бл. 1450-1523), вважається його найкращим твором. Художник народився поблизу міста Перуджа в Умбрії та був тісно пов'язаний із Флоренцією. На початку творчого шляху він зазнав сильного впливу Верроккьо, про що можна судити з скульптурної врівноваженості та ґрунтовності фігур у його фресці. Сувора симетрія композиції надає сюжету особливої ​​значущості: авторитет Св. Петра - як першого папи, а також усіх його наступників, ґрунтується на врученні йому самим Ісусом Христом ключів від царства небесного. Серед присутніх при цьому урочистій події людей художник зобразив кількох своїх сучасників, яскраво індивідуалізувавши їхні обличчя. Вражає просторова глибина розпису, де на задньому плані зображені дві римські тріумфальні арки, що обрамляють увінчаний куполом будинок, в якому можна дізнатися ідеальний храм, описаний Альберті в трактаті «Про архітектуру». У просторовій ясності, досягнутій математично точною побудовою перспективи, відчувається вплив П'єро делла Франческі, який виконав багато робіт для умбрійських замовників, дав Перуджіно учня, який незабаром затьмарив свого вчителя. Ім'я його - Рафаель, і йому судилося стати неперевершеним класиком мистецтва Високого Відродження.

живопис відродження італійська флорентійська

Епоха Відродження (Ренесанс). Італія. 15-16 ст. Ранній капіталізм. Країною правлять багаті банкіри. Вони цікавляться мистецтвом та наукою.

Багаті та впливові збирають навколо себе талановитих та мудрих. Поети, філософи, художники та скульптори ведуть щоденні бесіди зі своїми покровителями. На мить здалося, що люди правлять мудреці, як того хотів Платон.

Вони згадали про древніх римлян та греків. Які також будували суспільство вільних громадян. Де головна цінність- Людина (крім рабів, звичайно).

Відродження - це не просто копіювання мистецтва давніх цивілізацій. Це змішання. Міфології та Християнства. Реалістичності натури та душевності образів. Краси фізичної та духовної краси.

Це був лише спалах. Період Високого Відродження – це приблизно 30 років! З 1490-х до 1527 р.р. З початку розквіту творчості Леонардо. До розграбування Риму.

Міраж ідеального світушвидко померк. Італія виявилася надто крихкою. Вона незабаром була поневолена черговим диктатором.

Однак ці 30 років визначили головні риси європейського живопису на 500 років уперед! Аж до .

Реалістичність зображення. Антропоцентризм (коли людина – головний персонаж та герой). Лінійна перспектива. Масляні фарби. Портрет. Краєвид.

Неймовірно, але ці 30 років творили відразу кілька геніальних майстрів. Які за інших часів народжуються один на 1000 років.

Леонардо, Мікеланджело, Рафаель та Тіціан – титани епохи Відродження. Але не можна не згадати і про двох їхніх попередників. Джотто та Мазаччо. Без яких би жодного Відродження б і не було.

1. Джотто (1267-1337 рр.)

14 століття. Проторенесанс. Головний її герой – Джотто. Це майстер, який поодинці здійснив революцію у мистецтві. За 200 років до Високого Відродження. Якби не він, епоха, якою так пишається людство, навряд чи настала б.

До Джотто були ікони та фрески. Вони створювалися за візантійськими канонами. Обличчя замість осіб. Плоскі фігури. Недотримання пропорцій. Замість пейзажу – золоте тло. Як, наприклад, на цій іконі.

І раптом з'являються фрески Джотто. На них об'ємні фігури. Обличчя шляхетних людей. Сумні. Сумні. Здивовані. Старі та молоді. Різні.

Фрески Джотто у церкві Скровеньї у Падуї (1302-1305 рр.). Ліворуч: Оплакування Христа. Посередині: Поцілунок Юди (фрагмент). Праворуч: Благовіщення святої Анни (матері Марії), фрагмент.

Головне творіння Джотто – це цикл його фресок у Капелі Скровеньї в Падуї. Коли ця церква відкрилася для парафіян, у неї ринули натовпи людей. Бо такого вони ніколи не бачили.

Адже Джотто зробив небувале. Він ніби переклав біблійні сюжети простою зрозумілою мовою. І вони стали набагато доступнішими звичайним людям.

Саме це буде властиво багатьом майстрам Епохи Відродження. Лаконічність образів. Живі емоції персонажів. Реалістичність.

Про фрески майстра читайте докладніше у статті.

Джотто захоплювалися. Але його новаторства розвивати далі не стали. В Італію прийшла мода на міжнародну готику.

Лише за 100 років з'явиться майстер, гідний продовжувач Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 рр.)

Початок 15 століття. Так зване Раннє Відродження. На сцену виходить ще один новатор.

Мазаччо був першим художником, який використав лінійну перспективу. Її розробив його друг, архітектор Брунеллескі. Тепер зображений світ став схожим на реальний. Іграшкова архітектура – ​​у минулому.

Він перейняв реалізм Джотто. Проте, на відміну попередника, вже добре знав анатомію.

Замість глибокоподібних персонажів Джотто – чудово складені люди. Зовсім як у давніх греків.

Мазаччо прожив недовге життя. Він помер, як і його батько, зненацька. У 27 років.

Однак послідовників він мав багато. Майстри наступних поколінь ходили до Капели Бранкаччі, щоб навчатися з його фресок.

Так новаторства Мазаччо підхопили всіма великими титанами Високого Відродження.

3. Леонардо да Вінчі (1452-1519 рр.)

Леонардо да Вінчі – один із титанів Епохи Відродження. Який колосальним чином вплинув розвиток живопису.

Саме він підвищив статус художника. Завдяки йому представники цієї професії відтепер не просто ремісники. Це творці та аристократи духу.

Леонардо зробив прорив насамперед у портретному живописі.

Він вважав, що нічого не повинно відволікати від головного образу. Погляд не повинен блукати від однієї деталі до іншої. Так з'явились його знамениті портрети. Лаконічні. Гармонійні.

Головне ж новаторство Леонардо – те, що знайшов спосіб, як зробити образи… живими.

До нього персонажі на портретах були схожі на манекени. Лінії були чіткими. Усі деталі ретельно промальовані. Розмальований малюнок ніяк не міг бути живим.

Але тут Леонардо винайшов метод сфумато. Він розтушовував лінії. Зробив перехід від світла до тіні дуже м'яким. Його герої немов покриті ледве вловимим серпанком. Персонажі ожили.

З того часу сфумато увійде до активного словника всіх великих художників майбутнього.

Часто зустрічається думка, що Леонардо, звісно, ​​геній. Але не вмів нічого довести до кінця. І картини часто не дописував. І багато його проектів так і залишилися на папері (між іншим, у 24 томах). І взагалі його кидало то до медицини, то до музики. І навіть мистецтвом сервірування у свій час захоплювався.

Проте самі подумайте. 19 картин. І він – найбільший художниквсіх часів та народів. А хтось навіть близько не стоїть по величі. При цьому написавши 6000 полотен за життя. Очевидно, у кого ККД вище.

Про найзнаменитішу картину майстра читайте у статті.

4. Мікеланджело (1475-1564 рр.)

Мікеланджело вважав себе скульптором. Але він був універсальним майстром. Як та інші його колеги Епохи Відродження. Тому його мальовнича спадщина не менш грандіозна.

Він впізнається насамперед за фізично розвиненими персонажами. Тому що він зображував досконалу людину. В якому фізична краса означає духовну красу.

Тому всі його герої такі м'язисті, витривалі. Навіть жінки та старі.

Мікеланджело. Фрагменти фрески “Страшний суд” у Сикстинській капелі, Ватикан.

Часто Мікеланджело писав персонажа оголеним. А потім уже згори дописував одяг. Щоб тіло було максимально рельєфним.

Стеля Сикстинської капели він розписував сам. Хоча це кілька сотень фігур! Він навіть фарби розтирати нікому не дозволяв. Так, він був одинаком. Маючи крутий і неуживливий характер. Але найбільше він був незадоволений … собою.

Мікеланджело прожив довге життя. Переживши згасання Відродження. Він це було особистої трагедією. Пізні його роботи сповнені смутку та скорботи.

Взагалі, творчий шлях Мікеланджело унікальний. Ранні його роботи – це вихваляння людини-героя. Вільного та мужнього. У найкращих традиціях стародавньої Греції. Як його Давид.

В останні роки життя – це трагічні образи. Навмисно грубо обтесаний камінь. Начебто маємо пам'ятники жертвам фашизму 20 століття. Подивіться на його "П'єту".

Скульптури Мікеланджело в Академії витончених мистецтву Флоренції. Ліворуч: Давид. 1504 Праворуч: П'єта Палестрини. 1555 р.

Як таке можливо? Один художник за одне своє життя пройшов усі етапи мистецтва від доби Відродження до 20 століття. Що ж робити наступним поколінням? Що ж, йти своїм шляхом. Усвідомлюючи, що планку піднято дуже високо.

5. Рафаель (1483-1520 рр.)

Рафаель ніколи не був у забутті. Його геніальність визнавали завжди. І за життя. І після смерті.

Його герої наділені чуттєвою, ліричною красою. Саме його по праву вважаються найпрекраснішими жіночими образами, будь-коли створеними. Їхня зовнішня краса відображає і душевну красугероїнь. Їхня лагідність. Їхня жертовність.

Відомі слова"Краса врятує світ" Федір Достоєвський сказав саме про . Це була його найулюбленіша картина.

Однак чуттєві образи – не єдина сильна сторона Рафаеля. Він ретельно продумував композиції своїх картин. Він був неперевершеним архітектором у живописі. Причому завжди знаходив найпростіше і гармонійне рішення у створенні простору. Здається, що інакше й не може бути.

Рафаель прожив лише 37 років. Він помер раптово. Від підхопленої застуди та лікарської помилки. Але його спадок важко переоцінити. Багато художників обожнювали цього майстра. Умножуючи його чуттєві образи в тисячах своїх полотен.

Тиціан був неперевершеним колористом. Також він багато експериментував із композицією. Взагалі він був зухвалим та яскравим новатором.

За таку яскравість таланту всі його любили. Називаючи "Королем живописців і живописцем королів".

Говорячи про Тиціана, хочеться після кожної пропозиції ставити знак оклику. Адже саме він привніс у живопис динаміку. Пафос. Захоплення. Яскравий колорит. Сяйво фарб.

До кінця життя він виробив незвичну техніку листа. Мазки швидкі. Густі. Пастозні. Фарбу наносив то пензлем, то пальцями. Від цього – образи ще живіші, що дихають. А сюжети – ще динамічніші і драматичніші.

Нічого вам це не нагадує? Звичайно, це техніка. І техніка художників 19 століття: барбізонців та . Тіціан, як і Мікеланджело, пройде 500 років живопису за своє життя. На те він геній.

Про знаменитому шедеврімайстри читайте у статті.

Митці епохи Відродження – це художники великих знань. Щоб залишити таку спадщину, треба було багато знати. В галузі історії, астрології, фізики тощо.

Тому кожен їхній образ змушує нас замислюватися. Навіщо це зображено? Яке тут зашифроване послання?

Тому майже ніколи не помилялися. Тому що досконало продумували свій майбутній твір. Використовуючи весь багаж своїх знань.

Вони були більшими, ніж художники. Вони були філософами. Які пояснюють нам світ за допомогою живопису.

Ось чому вони будуть завжди глибоко цікаві.