Geschichte und Entwicklung der Romantik in der Malerei. Romantik in der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts

Prüfungsaufsatz

Thema: „Romantik als Bewegung in der Kunst.“

Durchgeführt Schüler der 11. Klasse „B“ der Schule Nr. 3

Boyright Anna

Weltkunstlehrer

Kultur Butsu T.N.

Brest 2002

1. Einführung

2. Gründe für die Entstehung der Romantik

3. Hauptmerkmale der Romantik

4. Romantischer Held

5. Romantik in Russland

a) Literatur

b) Malerei

c) Musik

6. Westeuropäische Romantik

ein Gemälde

b) Musik

7. Fazit

8. Referenzen

1. EINLEITUNG

Schaut man in das erklärende Wörterbuch der russischen Sprache, findet man mehrere Bedeutungen des Wortes „Romantik“: 1. Eine Bewegung in Literatur und Kunst des ersten Viertels des 19. Jahrhunderts, gekennzeichnet durch die Idealisierung der Vergangenheit, Isolation von der Realität und dem Personen- und Menschenkult. 2. Eine Bewegung in Literatur und Kunst, erfüllt von Optimismus und dem Wunsch, in lebendigen Bildern die hohe Bestimmung des Menschen zu zeigen. 3. Ein Geisteszustand, der von einer Idealisierung der Realität und verträumter Kontemplation geprägt ist.

Wie aus der Definition hervorgeht, ist Romantik ein Phänomen, das sich nicht nur in der Kunst, sondern auch im Verhalten, der Kleidung, dem Lebensstil, der Psychologie der Menschen manifestiert und an Wendepunkten im Leben entsteht, daher ist das Thema Romantik auch heute noch aktuell. Wir leben in der Zeit der Jahrhundertwende, wir befinden uns in einer Übergangsphase. In dieser Hinsicht fehlt in der Gesellschaft der Glaube an die Zukunft, ein Verlust des Glaubens an Ideale, es entsteht der Wunsch, der umgebenden Realität in die Welt der eigenen Erfahrungen zu entfliehen und diese gleichzeitig zu begreifen. Es sind diese Merkmale, die für die romantische Kunst charakteristisch sind. Deshalb habe ich für die Recherche das Thema „Romantik als Kunstrichtung“ gewählt.

Die Romantik ist eine sehr große Schicht verschiedener Kunstarten. Ziel meiner Arbeit ist es, die Entstehungsbedingungen und Gründe für die Entstehung der Romantik in verschiedenen Ländern aufzuspüren, die Entwicklung der Romantik in Kunstformen wie Literatur, Malerei und Musik zu erforschen und sie zu vergleichen. Die Hauptaufgabe für mich bestand darin, die Hauptmerkmale der Romantik hervorzuheben, die für alle Arten von Kunst charakteristisch sind, um festzustellen, welchen Einfluss die Romantik auf die Entwicklung anderer Kunstrichtungen hatte.

Bei der Entwicklung des Themas habe ich Lehrbücher über Kunst, Autoren wie Filimonova, Vorotnikov und andere, enzyklopädische Veröffentlichungen, Monographien verschiedener Autoren der Romantik, Biografische Materialien solche Autoren wie Aminskaya, Atsarkina, Nekrasova und andere.

2. GRÜNDE FÜR DIE ENTSTEHUNG DER ROMANTIK

Je näher wir der Neuzeit kommen, desto kürzer werden die Dominanzperioden des einen oder anderen Stils. Der Zeitraum vom Ende des 18. bis 1. Drittel des 19. Jahrhunderts. gilt als die Epoche der Romantik (vom französischen Romantique; etwas Geheimnisvolles, Seltsames, Unwirkliches)

Was hat die Entstehung des neuen Stils beeinflusst?

Dies sind die drei Hauptereignisse: Großartig Französische Revolution, Napoleonische Kriege, der Aufstieg der nationalen Befreiungsbewegung in Europa.

Der Donner von Paris hallte durch ganz Europa. Der Slogan „Freiheit, Gleichheit, Brüderlichkeit!“ hatte eine enorme Anziehungskraft für alle europäischen Völker. Als sich bürgerliche Gesellschaften bildeten, begann die Arbeiterklasse, als unabhängige Kraft gegen die feudale Ordnung vorzugehen. Der gegensätzliche Kampf dreier Klassen – des Adels, des Bürgertums und des Proletariats – bildete die Grundlage der historischen Entwicklung des 19. Jahrhunderts.

Das Schicksal Napoleons und seine Rolle in der europäischen Geschichte zwei Jahrzehnte lang, 1796-1815, beschäftigten die Gedanken seiner Zeitgenossen. „Der Herrscher der Gedanken“, sagte A.S. über ihn. Puschkin.

Für Frankreich waren dies Jahre der Größe und des Ruhms, wenn auch auf Kosten tausender Franzosen. Italien sah Napoleon als seinen Befreier. Die Polen setzten große Hoffnungen in ihn.

Napoleon handelte als Eroberer im Interesse der französischen Bourgeoisie. Für europäische Monarchen war er nicht nur ein militärischer Gegner, sondern auch ein Vertreter der fremden Welt des Bürgertums. Sie hassten ihn. Zu Beginn der Napoleonischen Kriege umfasste seine „Große Armee“ viele direkte Teilnehmer der Revolution.

Die Persönlichkeit Napoleons selbst war phänomenal. Der junge Mann Lermontov antwortete auf den 10. Todestag Napoleons:

Er ist der Welt fremd. Alles an ihm war ein Geheimnis

Der Tag der Erhöhung – und die Stunde des Herbstes!

Dieses Mysterium erregte besonders die Aufmerksamkeit der Romantiker.

Im Zusammenhang mit den Napoleonischen Kriegen und der Reifung des nationalen Selbstbewusstseins war diese Zeit vom Aufstieg der nationalen Befreiungsbewegung geprägt. Deutschland, Österreich, Spanien kämpften gegen die napoleonische Besatzung, Italien – gegen das österreichische Joch, Griechenland – gegen die Türkei, in Polen kämpften sie gegen den russischen Zarismus, Irland – gegen die Briten.

Vor den Augen einer Generation haben erstaunliche Veränderungen stattgefunden.

In Frankreich brodelte es am meisten: die stürmischen fünf Jahre der Französischen Revolution, der Aufstieg und Fall Robespierres, die napoleonischen Feldzüge, Napoleons erste Abdankung, seine Rückkehr von der Insel Elba („einhundert Tage“) und das Finale

Niederlage bei Waterloo, der düstere 15. Jahrestag des Restaurationsregimes, die Julirevolution von 1860, Februarrevolution 1848 in Paris, was in anderen Ländern eine revolutionäre Welle auslöste.

In England als Folge der industriellen Revolution in der 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts. maschinelle Produktion und kapitalistische Beziehungen wurden etabliert. Die Parlamentsreform von 1832 ebnete dem Bürgertum den Weg zur Staatsmacht.

In den Ländern Deutschland und Österreich behielten Feudalherren die Macht. Nach dem Sturz Napoleons gingen sie hart mit der Opposition um. Aber auch auf deutschem Boden wurde die 1831 aus England mitgebrachte Dampflokomotive zum Faktor des bürgerlichen Fortschritts.

Industrielle Revolutionen und politische Revolutionen veränderten das Gesicht Europas. „Die Bourgeoisie hat in weniger als hundert Jahren ihrer Klassenherrschaft zahlreichere und kolossalere Produktivkräfte geschaffen als alle Generationen zuvor zusammen“, schrieben die deutschen Wissenschaftler Marx und Engels 1848.

Die Große Französische Revolution (1789-1794) markierte einen besonderen Meilenstein, der die neue Ära vom Zeitalter der Aufklärung trennte. Nicht nur die Staatsformen, die soziale Struktur der Gesellschaft und die Klassenordnung veränderten sich. Das gesamte über Jahrhunderte beleuchtete Ideensystem geriet ins Wanken. Die Aufklärer bereiteten die Revolution ideologisch vor. Aber sie konnten nicht alle Konsequenzen vorhersehen. Das „Reich der Vernunft“ hat nicht stattgefunden. Die Revolution, die die individuelle Freiheit verkündete, brachte die bürgerliche Ordnung, den Geist des Erwerbs und des Egoismus hervor. Dies war die historische Grundlage für die Entwicklung der künstlerischen Kultur, die eine neue Richtung vorschlug – die Romantik.

3. HAUPTMERKMALE DER ROMANTIK

Die Romantik als Methode und Richtung in der künstlerischen Kultur war ein komplexes und widersprüchliches Phänomen. In jedem Land hatte es einen starken nationalen Ausdruck. In Literatur, Musik, Malerei und Theater ist es nicht leicht, Merkmale zu finden, die Chateaubriand und Delacroix, Mickiewicz und Chopin, Lermontov und Kiprensky vereinen.

Romantiker besetzten unterschiedliche soziale und politische Positionen in der Gesellschaft. Sie alle rebellierten gegen die Ergebnisse der bürgerlichen Revolution, aber sie rebellierten auf unterschiedliche Weise, da jeder sein eigenes Ideal hatte. Doch trotz aller Facetten und Vielfalt weist die Romantik stabile Merkmale auf.

Aus der Desillusionierung gegenüber der Moderne entstand etwas Besonderes Interesse an der Vergangenheit: zu vorbürgerlichen Gesellschaftsformationen, zur patriarchalischen Antike. Viele Romantiker waren der Meinung, dass die malerische Exotik der Länder des Südens und Ostens – Italien, Spanien, Griechenland, Türkei – einen poetischen Kontrast zum langweiligen bürgerlichen Alltag bildete. In diesen Ländern, die damals noch wenig von der Zivilisation berührt waren, suchten Romantiker nach hellen, starken Charakteren und einer originellen, farbenfrohen Lebensweise. Das Interesse an der nationalen Vergangenheit hat zu zahlreichen historischen Werken geführt.

In dem Bestreben, sich über die Prosa der Existenz zu erheben, die vielfältigen Fähigkeiten des Einzelnen freizusetzen und in der Kreativität maximale Selbstverwirklichung zu erreichen, widersetzten sich die Romantiker der Formalisierung der Kunst und der für den Klassizismus charakteristischen geradlinigen und vernünftigen Herangehensweise an sie. Sie kamen alle her Leugnung der Aufklärung und der rationalistischen Kanons des Klassizismus, was die schöpferische Initiative des Künstlers einschränkte. Und wenn der Klassizismus alles geradlinig teilt, in Gut und Böse, in Schwarz und Weiß, dann teilt die Romantik nichts geradlinig. Der Klassizismus ist ein System, die Romantik jedoch nicht. Die Romantik trieb den Fortschritt der Neuzeit vom Klassizismus zum Sentimentalismus voran, der das Innenleben des Menschen im Einklang mit zeigt riesige Welt. Und die Romantik kontrastiert Harmonie mit der inneren Welt. Mit der Romantik beginnt der wahre Psychologismus aufzutreten.

Das Hauptziel der Romantik war Bild der inneren Welt, spirituelles Leben, und dies könnte auf der Grundlage von Geschichten, Mystik usw. geschehen. Es galt, das Paradox dieses Innenlebens, seine Irrationalität aufzuzeigen.

Romantiker verwandelten in ihrer Fantasie die unschöne Realität oder zogen sich in die Welt ihrer Erlebnisse zurück. Die Kluft zwischen Traum und Realität, der Gegensatz schöner Fiktion zur objektiven Realität, bildete den Kern der gesamten romantischen Bewegung.

Die Romantik stellte zunächst das Problem der Sprache der Kunst. „Kunst ist eine Sprache ganz anderer Art als die Natur; aber es enthält auch die gleiche Wunderkraft, die gleichermaßen heimlich und unverständlich auf die menschliche Seele einwirkt“ (Wackenroder und Tieck). Der Künstler ist ein Interpret der Sprache der Natur, ein Mittler zwischen der Welt des Geistes und der Menschen. „Dank Künstlern entsteht aus der Menschheit eine vollständige Individualität. Durch die Moderne vereinen Künstler die Welt der Vergangenheit mit der Welt der Zukunft. Sie sind das höchste geistige Organ, in dem die Lebenskräfte ihrer äußeren Menschlichkeit aufeinander treffen und in dem sich die innere Menschlichkeit zunächst manifestiert“ (F. Schlegel).

Allerdings war die Romantik keine homogene Bewegung: Ihre ideologische Entwicklung fand in statt verschiedene Richtungen. Unter den Romantikern befanden sich reaktionäre Schriftsteller, Anhänger des alten Regimes, die die feudale Monarchie und das Christentum verherrlichten. Romantiker mit fortschrittlicher Weltanschauung hingegen drückten einen demokratischen Protest gegen Feudalismus und Unterdrückung aller Art aus und verkörperten den revolutionären Impuls des Volkes für eine bessere Zukunft.

Die Romantik hinterließ eine ganze Ära in der Weltkunstkultur, ihre Vertreter waren: in der Literatur V. Scott, J. Byron, Shelley, V. Hugo, A. Mickiewicz usw.; in den bildenden Künsten E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky und andere; in der Musik F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin und andere. Sie entdeckten und entwickelten neue Genres, schenkten dem Schicksal der menschlichen Persönlichkeit große Aufmerksamkeit, enthüllten die Dialektik von Gut und Böse, meisterhaft enthüllt menschliche Leidenschaften usw.

Die Kunstgattungen waren mehr oder weniger gleich wichtig und brachten großartige Kunstwerke hervor, obwohl die Romantiker der Musik den Vorrang auf der Kunstleiter einräumten.

4. ROMANTISCHER HELD

Wer ist ein romantischer Held und wie ist er?

Das ist ein Individualist. Ein Übermensch, der zwei Phasen durchlebt hat: Bevor er mit der Realität kollidiert, lebt er in einem „rosa“ Zustand, er wird von dem Wunsch überwältigt, etwas zu erreichen, die Welt zu verändern; Nach der Kollision mit der Realität hält er diese Welt weiterhin für vulgär und langweilig, wird aber weder zum Skeptiker noch zum Pessimisten. Mit dem klaren Verständnis, dass nichts geändert werden kann, degeneriert der Wunsch nach Leistung zu einem Wunsch nach Gefahr.

Romantiker könnten ewig schenken Dauerwert jede Kleinigkeit, jede einzelne Tatsache, jedes einzelne Ding. Joseph de Maistre nennt dies „die Wege der Vorsehung“, Germaine de Stael nennt es „den fruchtbaren Schoß des unsterblichen Universums“. Chateaubriand weist in seinem der Geschichte gewidmeten Buch „Das Genie des Christentums“ direkt auf Gott als den Beginn der historischen Zeit hin. Die Gesellschaft erscheint als eine unerschütterliche Verbindung, „ein Lebensfaden, der uns mit unseren Vorfahren verbindet und den wir auf unsere Nachkommen ausdehnen müssen.“ Nur das Herz eines Menschen und nicht sein Verstand kann die Stimme des Schöpfers verstehen und hören, durch die Schönheit der Natur, durch tiefe Gefühle. Die Natur ist göttlich, eine Quelle der Harmonie und Kreativität, und ihre Metaphern werden von Romantikern oft in das politische Lexikon übernommen. Für Romantiker wird ein Baum zum Symbol der Sippe, der spontanen Entwicklung, der Wahrnehmung der Säfte des Heimatlandes, zum Symbol der nationalen Einheit. Je unschuldiger und sensibler die Natur eines Menschen ist, desto leichter hört er die Stimme Gottes. Ein Kind, eine Frau, ein edler Jugendlicher erkennt häufiger als andere die Unsterblichkeit der Seele und den Wert des ewigen Lebens. Der Glücksdurst der Romantiker beschränkt sich nicht nur auf den idealistischen Wunsch nach dem Reich Gottes nach dem Tod.

Neben der mystischen Liebe zu Gott braucht der Mensch echte, irdische Liebe. Unfähig, das Objekt seiner Leidenschaft zu besitzen, wurde der romantische Held zum ewigen Märtyrer und dazu verdammt, im Jenseits auf ein Treffen mit seiner Geliebten zu warten, „denn große Liebe verdient Unsterblichkeit, wenn sie einen Menschen das Leben kostet.“

Das Problem der Persönlichkeitsentwicklung und Bildung nimmt im Werk der Romantiker einen besonderen Platz ein. Die Kindheit ist frei von Gesetzen; ihre augenblicklichen Impulse verletzen die öffentliche Moral und gehorchen ihren eigenen Regeln des Kinderspiels. Bei einem Erwachsenen führen ähnliche Reaktionen zum Tod, zur Verurteilung der Seele. Auf der Suche nach dem himmlischen Königreich muss ein Mensch die Gesetze der Pflicht und der Moral verstehen, nur dann kann er auf ewiges Leben hoffen. Da den Romantikern die Pflicht durch ihren Wunsch nach ewigem Leben diktiert wird, verleiht die Erfüllung der Pflicht persönliches Glück in seiner tiefsten und kraftvollsten Manifestation. ZU moralische Pflicht Hinzu kommen tiefe Gefühle und erhabene Interessen. Ohne die Verdienste verschiedener Geschlechter zu vermischen, treten Romantiker für die Gleichberechtigung der spirituellen Entwicklung von Männern und Frauen ein. Ebenso wird die bürgerliche Pflicht von der Liebe zu Gott und seinen Institutionen bestimmt. Persönlicher Anspruch findet seine Erfüllung in gemeinsame Ursache, im Streben der ganzen Nation, der ganzen Menschheit, der ganzen Welt.

Jede Kultur hatte ihren eigenen romantischen Helden, aber Byron vermittelte in seinem Werk „Charold Harold“ die typische Vorstellung des romantischen Helden. Er setzte die Maske seines Helden auf (was darauf hindeutet, dass es keine Distanz zwischen dem Helden und dem Autor gibt) und schaffte es, dem romantischen Kanon zu entsprechen.

Alle romantischen Werke zeichnen sich durch charakteristische Merkmale aus:

Erstens gibt es in jedem romantischen Werk keine Distanz zwischen dem Helden und dem Autor.

Zweitens beurteilt der Autor den Helden nicht, aber selbst wenn etwas Schlechtes über ihn gesagt wird, ist die Handlung so aufgebaut, dass der Held keine Schuld trägt. Die Handlung in einem romantischen Werk ist normalerweise romantisch. Auch Romantiker bauen eine besondere Beziehung zur Natur auf; sie mögen Stürme, Gewitter und Katastrophen.

5. ROMANTIK IN RUSSLAND.

Die Romantik in Russland unterschied sich von Westeuropa aufgrund einer anderen historischen Situation und einer anderen kulturellen Tradition. Die Französische Revolution kann nicht zu den Ursachen ihres Auftretens gezählt werden; ein sehr enger Kreis von Menschen setzte Hoffnungen auf Veränderungen in ihrem Verlauf. Und die Ergebnisse der Revolution waren völlig enttäuschend. Die Frage des Kapitalismus in Russland zu Beginn des 19. Jahrhunderts. stand nicht. Deshalb gab es auch hierfür keinen Grund. Der wahre Grund war der Vaterländische Krieg von 1812, in dem die volle Kraft der Volksinitiative demonstriert wurde. Doch nach dem Krieg erhielt das Volk keine Freiheit. Der beste Adel, der mit der Realität nicht zufrieden war, kam im Dezember 1825 auf den Senatsplatz. Auch dieser Akt ging für die kreative Intelligenz nicht spurlos vorüber. Die turbulenten Nachkriegsjahre wurden zum Schauplatz der Entstehung der russischen Romantik.

Die Romantik, und darüber hinaus unsere russische, entwickelte sich und formte sich zu unseren ursprünglichen Formen. Die Romantik war kein einfaches literarisches, sondern ein Lebensphänomen, eine ganze Ära der moralischen Entwicklung, eine Ära, die ihre eigene besondere Farbe hatte und eine besondere Sichtweise verwirklichte Leben... Lassen Sie den romantischen Trend von außen kommen, aus dem westlichen Leben und der westlichen Literatur, er hat in der russischen Natur einen für seine Wahrnehmung bereiten Boden gefunden und sich daher in völlig originellen Phänomenen widergespiegelt, wie der Dichter und Kritiker Apollo Grigoriev beurteilte – dies ist einzigartig kulturelles Phänomen, und seine Charakterisierung zeigt die wesentliche Komplexität der Romantik, aus deren Tiefen der junge Gogol hervorging und mit der er nicht nur zu Beginn seiner Karriere als Schriftsteller, sondern sein ganzes Leben lang verbunden war.

Apollo Grigoriev definierte genau die Art des Einflusses der romantischen Schule auf Literatur und Leben, auch auf die Prosa dieser Zeit: kein einfacher Einfluss oder eine Anleihe, sondern ein charakteristischer und kraftvoller Lebens- und Literaturtrend, der im jungen Russisch völlig originelle Phänomene hervorbrachte Literatur.

a) Literatur

Die russische Romantik wird normalerweise in mehrere Perioden unterteilt: die anfängliche (1801–1815), die reife (1815–1825) und die Periode der Entwicklung nach dem Dekabristen. Im Vergleich zur Anfangszeit fällt jedoch die Konventionalität dieses Schemas auf. Denn die Anfänge der russischen Romantik sind mit den Namen Schukowski und Batjuschkow verbunden, Dichtern, deren Werke und Haltungen innerhalb desselben Zeitraums nur schwer nebeneinander gestellt und verglichen werden können, so unterschiedlich sind ihre Ziele, Bestrebungen und Temperamente. In den Gedichten beider Dichter ist noch immer der starke Einfluss der Vergangenheit zu spüren – der Ära des Sentimentalismus, aber wenn Schukowski immer noch tief darin verwurzelt ist, dann ist Batjuschkow den neuen Trends viel näher.

Belinsky bemerkte zu Recht, dass Schukowskis Werk von „Beschwerden über unvollkommene Hoffnungen ohne Namen, Trauer über verlorenes Glück, von dem Gott weiß, woraus es bestand“ geprägt ist. Tatsächlich machte die Romantik in der Person von Schukowski noch ihre ersten zaghaften Schritte und würdigte sentimentale und melancholische Melancholie, vagen, subtilen Kummer, mit einem Wort, jenen komplexen Gefühlskomplexen, die in der russischen Kritik als „Romantik der Mitte“ bezeichnet wurden Alter.“

In Batjuschkows Poesie herrscht eine ganz andere Atmosphäre: Lebensfreude, offene Sinnlichkeit, eine Hymne an das Vergnügen.

Schukowski gilt zu Recht als prominenter Vertreter des russischen ästhetischen Humanismus. Der selbstgefällige und sanftmütige Schukowski war starken Leidenschaften fremd und wurde deutlich von den Ideen Rousseaus und der deutschen Romantiker beeinflusst. Ihnen folgend legte er großen Wert auf die ästhetische Seite in Religion, Moral und sozialen Beziehungen. Durch Schukowski erhielt die Kunst eine religiöse Bedeutung; er suchte in der Kunst die „Offenbarung“ höherer Wahrheiten zu sehen; sie war für ihn „heilig“. Die deutschen Romantiker zeichneten sich durch die Identifikation von Poesie und Religion aus. Dasselbe finden wir bei Schukowski, der schrieb: „Die Poesie ist Gott in den heiligen Träumen der Erde.“ IN Deutsche Romantik Besonders nahe stand ihm die Anziehungskraft auf alles Jenseits, auf die „Nachtseite der Seele“, auf das „Unaussprechliche“ in der Natur und im Menschen. Die Natur ist in Schukowskis Gedichten von Geheimnissen umgeben, seine Landschaften sind gespenstisch und fast unwirklich, wie Spiegelungen im Wasser:

Wie sich Weihrauch mit der Kühle der Pflanzen verbindet!

Wie süß ist das Plätschern der Jets in der Stille am Ufer!

Wie sanft der Zephyr über das Wasser weht

Und das Flattern der flexiblen Weide!

Schukowskis sensible, sanfte und verträumte Seele scheint an der Schwelle „dieses geheimnisvollen Lichts“ sanft zu erstarren. Der Dichter, um es mit Belinskys treffendem Ausdruck zu sagen, „liebt und erträgt sein Leiden“, aber dieses Leiden schmerzt sein Herz nicht mit grausamen Wunden, denn selbst in Melancholie und Traurigkeit ist sein Innenleben ruhig und gelassen. Wenn er daher in einem Brief an Batjuschkow, „den Sohn der Glückseligkeit und des Spaßes“, den epikureischen Dichter „Verwandten der Muse“ nennt, ist es schwierig, an diese Beziehung zu glauben. Vielmehr werden wir dem tugendhaften Schukowski glauben, der dem Sänger irdischer Freuden freundlich rät: „Widerstrebigkeit lehne ab, Träume sind verderblich!“

Batjuschkow ist in allem das Gegenteil von Schukowski. Er war ein Mann mit starken Leidenschaften, und sein kreatives Leben endete 35 Jahre vor seiner physischen Existenz: Als sehr junger Mann stürzte er in den Abgrund des Wahnsinns. Er gab sich mit gleicher Kraft und Leidenschaft sowohl den Freuden als auch den Leiden hin: Im Leben wie in seinem poetischen Verständnis war ihm die „goldene Mitte“ fremd – anders als Schukowski. Obwohl seine Poesie auch vom Lob der reinen Freundschaft und der Freude einer „bescheidenen Ecke“ geprägt ist, ist seine Idylle keineswegs bescheiden und still, denn Batjuschkow kann sie sich ohne die träge Glückseligkeit leidenschaftlicher Freuden und den Rausch des Lebens nicht vorstellen. Manchmal lässt sich der Dichter von sinnlichen Freuden so sehr mitreißen, dass er bereit ist, die bedrückende Weisheit der Wissenschaft rücksichtslos zurückzuweisen:

Ist es möglich, dass in traurigen Wahrheiten

Düstere Stoiker und langweilige Weise,

Sitzend in Trauerkleidern,

Zwischen Trümmern und Särgen,

Werden wir die Süße unseres Lebens finden?

Von ihnen, sehe ich, Freude

Fliegt wie ein Schmetterling aus Dornenbüschen.

Für sie liegt in den Freuden der Natur kein Reiz,

Die Mädchen singen ihnen nichts vor und tanzen in Reigen;

Für sie wie für die Blinden,

Frühling ohne Freude und Sommer ohne Blumen.

In seinen Gedichten erklingt selten eine wahre Tragödie. Erst am Ende seines Schaffens, als bei ihm Anzeichen einer Geisteskrankheit zu zeigen begannen, wurde eines seiner letzten Gedichte per Diktat niedergeschrieben, in dem die Motive der Sinnlosigkeit des irdischen Daseins deutlich zu hören sind:

Erinnern Sie sich, was Sie gesagt haben?

Abschied vom Leben, grauhaariger Melchisedek?

Ein Mann wurde als Sklave geboren,

Er wird als Sklave zu Grabe gehen,

Und der Tod wird es ihm kaum sagen

Warum ging er durch das Tal der wunderbaren Tränen,

Gelitten, geweint, ertragen,

In Russland entwickelte sich in den zwanziger Jahren des 19. Jahrhunderts die Romantik als literarische Bewegung. Dichter, Prosaautoren und Schriftsteller standen an ihren Ursprüngen; sie schufen die russische Romantik, die sich von der „westeuropäischen“ durch ihren nationalen, ursprünglichen Charakter unterschied. Die russische Romantik wurde von Dichtern der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts entwickelt, und jeder Dichter trug etwas Neues bei. Die russische Romantik entwickelte sich weit, erlangte charakteristische Merkmale und wurde zu einer eigenständigen Bewegung in der Literatur. In „Ruslan und Lyudmila“ A.S. Puschkin hat die Zeilen: „Es gibt einen russischen Geist, es riecht nach Russland.“ Das Gleiche gilt für die russische Romantik. Helden romantische Werke- poetische Seelen, die nach dem „Hohen“ und Schönen streben. Aber es gibt eine feindliche Welt, die es einem nicht erlaubt, Freiheit zu spüren, die diese Seelen unverstanden zurücklässt. Diese Welt ist rau, deshalb rennt die poetische Seele zu einer anderen, wo es ein Ideal gibt, sie strebt nach dem „Ewigen“. Die Romantik basiert auf diesem Konflikt. Aber Dichter hatten eine unterschiedliche Einstellung zu dieser Situation. Schukowski, Puschkin, Lermontow bauen auf einer Sache die Beziehung zwischen ihren Helden und der Welt um sie herum unterschiedlich auf, daher hatten ihre Helden unterschiedliche Wege zum Ideal.

Die Realität ist schrecklich, unhöflich, unverschämt und egoistisch, die Gefühle, Träume und Wünsche des Dichters und seiner Helden haben darin keinen Platz. Das „Wahre“ und das Ewige liegen in der anderen Welt. Daher das Konzept der Doppelwelten; der Dichter strebt auf der Suche nach einem Ideal nach einer dieser Welten.

Schukowskis Position war nicht die Position einer Person, die in einen Kampf mit der Außenwelt eintrat, der sie herausforderte. Es war ein Weg durch die Einheit mit der Natur, ein Weg der Harmonie mit der Natur, in einer ewigen und schönen Welt. Laut vielen Forschern (darunter Yu. V. Mann) drückt Schukowski sein Verständnis dieses Vereinigungsprozesses in „Das Unaussprechliche“ aus. Einheit ist der Flug der Seele. Die Schönheit, die dich umgibt, erfüllt deine Seele, sie ist in dir und du bist in ihr, die Seele fliegt, weder Zeit noch Raum existieren, aber du existierst in der Natur, und in diesem Moment, in dem du lebst, möchtest du über diese Schönheit singen , aber es gibt keine Worte, um Ihren Zustand auszudrücken, es gibt nur ein Gefühl der Harmonie. Die Menschen um dich herum, die prosaischen Seelen, stören dich nicht, es offenbart sich dir mehr, du bist frei.

Puschkin und Lermontow gingen unterschiedlich an dieses Problem der Romantik heran. Es besteht kein Zweifel, dass sich der Einfluss, den Schukowski auf Puschkin ausübte, zwangsläufig auch in dessen Werk widerspiegelte. Puschkins Frühwerk ist von „bürgerlicher“ Romantik geprägt. Unter dem Einfluss von Schukowskis „Der Sänger im Lager der russischen Krieger“ und den Werken Gribojedows schrieb Puschkin die Ode „Freiheit“ „An Chaadaev“. Im letzteren nennt er:

„Mein Freund! Lasst uns unsere Seelen mit wunderbaren Impulsen unserem Vaterland weihen ...“ Dies ist derselbe Wunsch nach dem Ideal, den Schukowski hatte, nur Puschkin versteht das Ideal auf seine eigene Weise, daher ist der Weg des Dichters zum Ideal anders. Er will und kann nicht allein das Ideal anstreben, der Dichter ruft nach ihm. Puschkin betrachtete Realität und Ideal anders. Man kann es nicht als Aufruhr bezeichnen, es ist eine Widerspiegelung eines rebellischen Elements. Dies spiegelte sich in der Ode „Meer“ wider. Das ist die Stärke und Kraft des Meeres, das Meer ist frei, es hat sein Ideal erreicht. Auch der Mensch muss frei werden, sein Geist muss frei sein.

Die Suche nach einem Ideal ist das Hauptmerkmal der Romantik. Es manifestierte sich in den Werken von Schukowski, Puschkin und Lermontow. Alle drei Dichter suchten nach Freiheit, aber sie suchten sie auf unterschiedliche Weise, sie verstanden sie unterschiedlich. Schukowski suchte nach der vom „Schöpfer“ gesandten Freiheit. Wenn ein Mensch Harmonie gefunden hat, wird er frei. Für Puschkin war die Freiheit des Geistes wichtig, die sich im Menschen manifestieren sollte. Für Lermontov ist nur der rebellische Held frei. Aufstand für die Freiheit, was könnte schöner sein? Diese Einstellung zum Ideal blieb in den Liebeslyriken der Dichter erhalten. Meiner Meinung nach ist diese Einstellung der Zeit geschuldet. Obwohl sie alle fast im gleichen Zeitraum arbeiteten, war die Zeit ihrer Kreativität unterschiedlich, die Ereignisse entwickelten sich mit außergewöhnlicher Geschwindigkeit. Auch die Charaktere der Dichter hatten großen Einfluss auf ihre Beziehungen. Der ruhige Schukowski und der rebellische Lermontow sind völlig gegensätzlich. Aber die russische Romantik entwickelte sich gerade deshalb, weil die Natur dieser Dichter unterschiedlich war. Sie stellten neue Konzepte, neue Charaktere, neue Ideale vor und vermittelten ein umfassendes Verständnis davon, was Freiheit ist, was das wirkliche Leben ist. Jeder von ihnen stellt seinen eigenen Weg zum Ideal dar; dies ist das Wahlrecht jedes Einzelnen.

Schon das Aufkommen der Romantik war sehr beunruhigend. Der Mensch stand nun im Mittelpunkt der ganzen Welt. Das menschliche „Ich“ wurde als Grundlage und Sinn allen Seins interpretiert. Das menschliche Leben wurde als angesehen Kunstwerk, Kunst. Im 19. Jahrhundert war die Romantik weit verbreitet. Aber nicht alle Dichter, die sich Romantiker nannten, vermittelten die Essenz dieser Bewegung.

Nun, am Ende des 20. Jahrhunderts, können wir auf dieser Grundlage bereits die Romantiker des letzten Jahrhunderts in zwei Gruppen einteilen. Eine und wahrscheinlich umfangreichste Gruppe ist die, die „formelle“ Romantiker vereint. Es ist schwer, ihnen Unaufrichtigkeit zu verdächtigen, im Gegenteil, sie vermitteln ihre Gefühle sehr genau. Unter ihnen sind Dmitry Venevitinov (1805–1827) und Alexander Polezhaev (1804–1838). Diese Dichter verwendeten die romantische Form, da sie sie für die am besten geeignete Form zur Erreichung ihres künstlerischen Ziels hielten. So schreibt D. Venevitinov:

Ich spüre, wie es in mir brennt

Heilige Flamme der Inspiration,

Doch der Geist schwebt einem dunklen Ziel entgegen ...

Werde ich eine zuverlässige Klippe finden,

Wo kann ich meinen Fuß gut abstützen?

Dies ist ein typisches romantisches Gedicht. Es verwendet traditionelles romantisches Vokabular – sowohl „Flamme der Inspiration“ als auch „aufsteigender Geist“. So beschreibt der Dichter seine Gefühle. Aber nichts weiter. Der Dichter wird durch den Rahmen der Romantik, ihre „verbale Erscheinung“, eingeschränkt. Alles wird auf einige Klischees vereinfacht.

Vertreter einer anderen Gruppe von Romantikern des 19. Jahrhunderts waren natürlich A. S. Puschkin und M. Lermontov. Diese Dichter hingegen füllten die romantische Form mit ihrem eigenen Inhalt. Die romantische Periode in A. Puschkins Leben war kurz, daher hatte er nur wenige romantische Werke. " Gefangener des Kaukasus„(1820-1821) – eines der frühesten romantischen Gedichte von A.S. Puschkin. Vor uns liegt eine klassische Version eines romantischen Werkes. Der Autor gibt uns kein Porträt seines Helden, wir kennen nicht einmal seinen Namen. Und das ist nicht verwunderlich – alle romantischen Helden sind einander ähnlich. Sie sind jung, schön... und unglücklich. Auch die Handlung des Werkes ist klassisch romantisch. Als russischer Gefangener unter den Tscherkessen verliebt sich eine junge Tscherkessenin in ihn und hilft ihm bei der Flucht. Aber er liebt hoffnungslos einen anderen... Das Gedicht endet tragisch – die Tscherkessin stürzt sich ins Wasser und stirbt, und die Russin, befreit aus der „physischen“ Gefangenschaft, gerät in eine andere, schmerzhaftere Gefangenschaft – die Gefangenschaft der Seele. Was wissen wir über die Vergangenheit des Helden?

Ein langer Weg führt nach Russland...

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Wo ich schreckliches Leid umarmte,

Wo hektisches Leben ruiniert

Hoffnung, Freude und Verlangen.

Auf der Suche nach Freiheit kam er in die Steppe und versuchte, seinem früheren Leben zu entfliehen. Und jetzt, wo das Glück so nah schien, muss er wieder weglaufen. Aber wo? Zurück in die Welt, in der er „schreckliches Leid erduldete“.

Abtrünniger des Lichts, Freund der Natur,

Er verließ sein Heimatland

Und flog in ein fernes Land

Mit dem fröhlichen Geist der Freiheit.

Doch der „Geist der Freiheit“ blieb ein Geist. Er wird den romantischen Helden für immer verfolgen. Ein weiteres romantisches Gedicht ist „Zigeuner“. Darin gibt der Autor dem Leser erneut kein Porträt des Helden; wir kennen nur seinen Namen – Aleko. Er kam ins Lager, um wahres Vergnügen und wahre Freiheit zu erleben. Ihr zuliebe gab er alles auf, was ihn bisher umgab. Ist er frei und glücklich geworden? Es scheint, dass Aleko liebt, aber mit diesem Gefühl überkommen ihn nur Unglück und Verachtung. Aleko, der sich so sehr nach Freiheit sehnte, konnte den Willen eines anderen Menschen nicht erkennen. Dieses Gedicht enthüllte ein weiteres äußerst charakteristisches Merkmal der Weltanschauung des romantischen Helden – Egoismus und völlige Unvereinbarkeit mit der Welt um ihn herum. Aleko wird nicht mit dem Tod bestraft, sondern noch schlimmer – mit Einsamkeit und Debatten. Er war allein in der Welt, aus der er floh, aber in der anderen, so begehrten Welt wurde er wieder allein gelassen.

Bevor er „Der Gefangene des Kaukasus“ schrieb, sagte Puschkin einmal: „Ich bin nicht geeignet, der Held eines romantischen Gedichts zu sein“; Zur gleichen Zeit, im Jahr 1820, schrieb Puschkin jedoch sein Gedicht „Das Tageslicht ist erloschen ...“. Darin finden Sie das gesamte der Romantik innewohnende Vokabular. Dies ist das „ferne Ufer“, der „düstere Ozean“ und „Aufregung und Melancholie“, die den Autor quälen. Der Refrain zieht sich durch das gesamte Gedicht:

Sorge unter mir, mürrischer Ozean.

Es ist nicht nur in der Beschreibung der Natur vorhanden, sondern auch in der Beschreibung der Gefühle des Helden.

...Aber ehemalige Herzwunden,

Nichts hat die tiefen Wunden der Liebe geheilt ...

Mach Lärm, mach Lärm, gehorsames Segel,

Sorge unter mir, düsterer Ozean ...

Das heißt, die Natur wird zu einem anderen Akteur, einem anderen lyrischer Held Gedichte. Später, im Jahr 1824, schrieb Puschkin das Gedicht „Ans Meer“. Der romantische Held wurde darin, wie in „The Daylight Has Gone Out...“, wieder selbst zum Autor. Hier wendet sich Puschkin dem Meer als traditionellem Symbol der Freiheit zu. Das Meer ist ein Element, das Freiheit und Glück bedeutet. Puschkin konstruiert dieses Gedicht jedoch unerwartet:

Du hast gewartet, du hast angerufen... Ich war angekettet;

Meine Seele wurde vergebens zerrissen:

Verzaubert von kraftvoller Leidenschaft,

Ich wurde von den Ufern zurückgelassen ...

Wir können sagen, dass dieses Gedicht die romantische Periode in Puschkins Leben beendet. Es wurde von einem Mann geschrieben, der weiß, dass der romantische Held nach Erreichen der sogenannten „körperlichen“ Freiheit nicht glücklich wird.

In den Wäldern, in den Wüsten herrscht Stille

Ich werde es ertragen, ich bin voll von dir,

Deine Felsen, deine Buchten...

Zu diesem Zeitpunkt kommt Puschkin zu dem Schluss, dass wahre Freiheit nur im Menschen existieren kann und nur sie ihn wirklich glücklich machen kann.

Die Version von Byrons Romantik wurde in seinem Werk zuerst von Puschkin, dann von Lermontow gelebt und gefühlt. Puschkin hatte die Gabe, den Menschen Aufmerksamkeit zu schenken, und doch ist das romantischste Gedicht im Werk des großen Dichters und Prosaschriftstellers zweifellos „Der Bachtschissarai-Brunnen“.

Das Gedicht „Der Brunnen von Bachtschissarai“ setzt Puschkins Suche im Genre eines romantischen Gedichts immer noch fort. Und es besteht kein Zweifel, dass dies durch den Tod des großen russischen Schriftstellers verhindert wurde.

Das romantische Thema in Puschkins Werken erhielt zwei verschiedene Versionen: Es gibt einen heroischen romantischen Helden („Gefangener“, „Räuber“, „Flüchtling“), der sich durch einen starken Willen auszeichnet, der eine grausame Prüfung heftiger Leidenschaften durchgemacht hat, und dort ist ein leidender Held, bei dem subtile emotionale Erfahrungen mit der Grausamkeit der Außenwelt („Verbannter“, „Gefangener“) unvereinbar sind. Das passive Prinzip der romantischen Figur erhielt bei Puschkin nun eine weibliche Gestalt. „Der Brunnen von Bachtschissarai“ entwickelt genau diesen Aspekt des romantischen Helden.

In „Der Gefangene des Kaukasus“ wurde die ganze Aufmerksamkeit auf den „Gefangenen“ und sehr wenig auf die „Tscherkessin“ gelegt, jetzt im Gegenteil – Khan Girey ist eine Figur von nicht mehr als einer undramatischen, und zwar der Hauptfigur Charakter ist eine Frau, sogar zwei – Zarema und Maria. Puschkin nutzt auch die in früheren Gedichten gefundene Lösung der Heldendualität (durch das Bild gefesselter Brüder): Das passive Prinzip wird in der Person zweier Charaktere dargestellt – der eifersüchtigen, leidenschaftlich verliebten Zarema und der traurigen, verlorenen Hoffnung und Liebe Maria . Bei beiden handelt es sich um zwei widersprüchliche Leidenschaften romantischer Natur: Enttäuschung, Verzweiflung, Hoffnungslosigkeit und zugleich spirituelle Begeisterung, Intensität der Gefühle; Der Widerspruch wird im Gedicht auf tragische Weise gelöst – Marias Tod brachte auch Zarema kein Glück, da sie durch mysteriöse Bindungen verbunden sind. So verdunkelte in „Die Räuberbrüder“ der Tod eines der Brüder für immer das Leben des anderen.

B. V. Tomashevsky bemerkte jedoch zu Recht: „Die lyrische Isolation des Gedichts bestimmte auch eine gewisse inhaltliche Armut... Der moralische Sieg über Zarema führt nicht zu weiteren Schlussfolgerungen und Überlegungen... „Gefangener des Kaukasus“ hat eine klare Fortsetzung in Puschkins Werk: Sowohl Aleko als auch Jewgeni Onegin lösen ... Fragen, die im ersten südlichen Gedicht gestellt werden. „Der Bachtschissarai-Brunnen“ hat keine solche Fortsetzung ...“

Puschkin spürte und identifizierte den verwundbarsten Punkt der romantischen Position eines Menschen: Er will alles nur für sich.

Auch Lermontovs Gedicht „Mtsyri“ spiegelt die charakteristischen Merkmale der Romantik nicht vollständig wider.

In diesem Gedicht gibt es zwei romantische Helden. Wenn es sich also um ein romantisches Gedicht handelt, dann ist es sehr einzigartig: Erstens wird der zweite Held vom Autor durch ein Epigraph dargestellt; zweitens stellt der Autor keine Verbindung zu Mtsyri her, der Held löst das Problem des Eigenwillens auf seine Weise, und Lermontov denkt während des gesamten Gedichts nur daran, dieses Problem zu lösen. Er beurteilt seinen Helden nicht, aber er rechtfertigt ihn auch nicht, sondern er nimmt eine bestimmte Position ein – Verständnis. Es stellt sich heraus, dass sich die Romantik in der russischen Kultur in Reflexion verwandelt. Es stellt sich Romantik aus der Sicht des Realismus heraus.

Wir können sagen, dass es Puschkin und Lermontow nicht gelungen ist, Romantiker zu werden (Lermontow hat es jedoch einmal geschafft, romantische Gesetze einzuhalten – im Drama „Maskerade“). Mit ihren Experimenten zeigten die Dichter, dass in England die Position eines Individualisten fruchtbar sein könnte, in Russland jedoch nicht. Obwohl es Puschkin und Lermontow nicht gelang, Romantiker zu werden, ebneten sie den Weg für die Entwicklung des Realismus. Das erste wurde 1825 veröffentlicht realistische Arbeit: „Boris Godunow“, dann „Die Tochter des Kapitäns“, „Eugen Onegin“, „Held unserer Zeit“ und viele andere.

b) Malerei

In der bildenden Kunst manifestierte sich die Romantik am deutlichsten in Malerei und Grafik, weniger ausdrucksstark in Skulptur und Architektur. Prominente Vertreter Romantik in den schönen Künsten waren russische romantische Maler. In ihren Gemälden brachten sie den Geist der Freiheit zum Ausdruck, aktives Handeln, der sich leidenschaftlich und temperamentvoll für die Manifestation des Humanismus einsetzte. Die alltäglichen Gemälde russischer Maler zeichnen sich durch Relevanz, Psychologie und beispiellosen Ausdruck aus. Vergeistigte, melancholische Landschaften sind wiederum der gleiche Versuch der Romantiker, in die Menschenwelt einzudringen, zu zeigen, wie der Mensch in der sublunären Welt lebt und träumt. Die russische romantische Malerei unterschied sich von der ausländischen Malerei. Dies wurde sowohl durch die historische Situation als auch durch die Tradition bestimmt.

Merkmale der russischen romantischen Malerei:

Die Ideologie der Aufklärung schwächte sich ab, brach jedoch nicht zusammen, wie in Europa. Daher kam die Romantik nicht klar zum Ausdruck.

Die Romantik entwickelte sich parallel zum Klassizismus und war oft mit diesem verflochten.

Die akademische Malerei in Russland hat sich noch nicht erschöpft.

Die Romantik in Russland war kein stabiles Phänomen; Romantiker fühlten sich vom Akademismus angezogen. Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts. Die romantische Tradition ist fast ausgestorben.

Bereits in den 1790er Jahren tauchten in Russland Werke im Zusammenhang mit der Romantik auf (die Werke von Theodosius Yanenko „Vom Sturm erwischte Reisende“ (1796), „Selbstporträt im Helm“ (1792). Der Prototyp darin ist offensichtlich – Salvator Rosa, sehr beliebt an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. Später wird der Einfluss dieses protoromantischen Künstlers im Werk von Alexander Orlovsky spürbar. Räuber, Szenen am Feuer und Schlachten begleiteten sein gesamtes Werk kreativer Weg. Wie in anderen Ländern brachten Künstler der russischen Romantik eine völlig neue emotionale Stimmung in die klassischen Genres Porträt, Landschaft und Genreszenen.

In Russland begann die Romantik erstmals aufzutauchen Porträtgemälde. Im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts verlor es weitgehend den Kontakt zum Adelsstand. Porträts von Dichtern, Künstlern, Kunstmäzenen und Bildern einfacher Bauern begannen einen bedeutenden Platz einzunehmen. Besonders ausgeprägt war diese Tendenz in den Werken von O.A. Kiprensky (1782 – 1836) und V.A. Tropinin (1776 – 1857).

Wassili Andrejewitsch Tropinin strebte eine lebendige, entspannte Charakterisierung einer Person an, die in seinem Porträt zum Ausdruck kommt. „Porträt eines Sohnes“ (1818), „Porträt von A. S. Puschkin“ (1827) und „Selbstporträt“ (1846) verblüffen nicht durch ihre Porträtähnlichkeit mit den Originalen, sondern durch ihr ungewöhnlich subtiles Eindringen in die innere Welt eines Menschen.

Porträt eines Sohnes- Arseny Tropinina ist einer der besten Werke des Meisters. Exquisite, sanfte goldene Farbgebung, die an Baldrian erinnert Gemälde XVIII V. Allerdings im Vergleich zum typischen Kinderporträt der Romantik des 18. Jahrhunderts. Hier fällt die Unvoreingenommenheit der Gestaltung auf – dieses Kind posiert nur in sehr geringem Maße. Arsenys Blick gleitet am Betrachter vorbei, er ist lässig gekleidet, das Tor scheint versehentlich aufgestoßen worden zu sein. Der Mangel an Darstellung liegt in der außergewöhnlichen Fragmentierung der Komposition: Der Kopf füllt fast die gesamte Fläche der Leinwand aus, das Bild ist bis zum Schlüsselbein abgeschnitten und so wird das Gesicht des Jungen mechanisch auf den Betrachter zubewegt.

Die Schöpfungsgeschichte ist äußerst interessant „Porträt von Puschkin.“ Wie üblich kam Tropinin zur ersten Bekanntschaft mit Puschkin auf dem Hundeauslauf zu Sobolevskys Haus, wo der Dichter damals lebte. Der Künstler fand ihn in seinem Büro, wie er mit den Welpen herumfummelte. Damals wurde offenbar eine kleine Skizze geschrieben, die auf dem ersten Eindruck basiert, den Tropinin so sehr schätzte. Er blieb lange Zeit außer Sichtweite seiner Verfolger. Nur fast hundert Jahre später, 1914, wurde es von P.M. veröffentlicht. Shchekotov, der schrieb, dass er von allen Porträts Alexander Sergejewitschs „seine Gesichtszüge am besten zum Ausdruck bringt ... Die blauen Augen des Dichters sind hier von einem besonderen Glanz erfüllt, der Kopf dreht sich schnell und die Gesichtszüge sind ausdrucksstark und beweglich.“ Zweifellos sind hier die authentischen Gesichtszüge von Puschkin eingefangen, die uns in dem einen oder anderen der uns überlieferten Porträts gesondert begegnen. „Man bleibt ratlos“, fügt Shchekotov hinzu, „warum dieser bezaubernden Skizze bei Verlegern und Kennern des Dichters nicht die gebührende Aufmerksamkeit geschenkt wurde.“ Dies erklärt sich durch die Qualitäten der kleinen Skizze selbst: Es gab keine Brillanz der Farben, keine Schönheit der Pinselführung, keine kunstvoll geschriebenen „Umstände“ darin. Und Puschkin ist hier kein Volks-„Vitia“, kein „Genie“, sondern vor allem ein Mensch. Und es lässt sich kaum analysieren, warum in den monochromatischen graugrünen Olivtönen, in den hastigen, scheinbar zufälligen Pinselstrichen einer fast unscheinbar wirkenden Skizze ein so großer menschlicher Inhalt steckt. Diese Skizze, die das gesamte Leben und die nachfolgenden Porträts von Puschkin in Erinnerung ruft, kann im Hinblick auf die Macht der Menschheit nur neben der Figur von Puschkin platziert werden, die vom sowjetischen Bildhauer A. Matveev geschaffen wurde. Aber das ist nicht die Aufgabe, die sich Tropinin gestellt hat, das ist nicht die Art von Puschkin, die sein Freund sehen wollte, obwohl er befahl, den Dichter in einer einfachen, heimeligen Form darzustellen.

Nach Einschätzung des Künstlers war Puschkin ein „Zarendichter“. Aber er war auch ein Volksdichter, er war einer der Seinen und allen nahe. „Die Ähnlichkeit des Porträts mit dem Original ist frappierend“, schrieb Polewoj nach Fertigstellung, bemerkte jedoch den Mangel an „Schnelligkeit des Blicks“ und „Lebendigkeit des Gesichtsausdrucks“, die sich bei Puschkin mit jedem neuen Eindruck verändert und belebt.

Im Porträt ist alles bis ins kleinste Detail durchdacht und überprüft, und gleichzeitig gibt es nichts Gewolltes, nichts Eingebrachtes vom Künstler. Sogar die Ringe, die die Finger des Dichters schmücken, werden in dem Maße hervorgehoben, wie Puschkin selbst ihnen im Leben Bedeutung beimaß. Unter den bildnerischen Offenbarungen Tropinins überrascht das Porträt von Puschkin durch die Klangfülle seiner Bandbreite.

Tropinins Romantik hat eindeutig sentimentale Ursprünge zum Ausdruck gebracht. Es war Tropinin, der das Genre begründete, ein etwas idealisiertes Porträt eines Mannes aus dem Volk („Die Spitzenklöpplerin“ (1823)). „Sowohl Experten als auch Nicht-Experten“, schreibt Svinin „Die Spitzenklöpplerin“ – Staunen Sie beim Betrachten dieses Bildes, das wirklich alle Schönheiten der Bildkunst vereint: die Angenehmheit des Pinsels, die richtige, fröhliche Beleuchtung, die klare, natürliche Farbgebung; außerdem offenbart sich in diesem Porträt die Seele der Schönheit und Dieser schlaue, neugierige Blick, den sie auf jemanden wirft, der in diesem Moment eintrat. Ihre am Ellenbogen entblößten Arme blieben stehen, ihr Blick hielt inne, die Arbeit hörte auf, ein Seufzer flog aus der jungfräulichen Brust, bedeckt mit einem Musselintuch – und das alles ist mit solcher Wahrheit und Einfachheit dargestellt, dass dieses Bild sehr leicht dargestellt werden kann verwechselt mit dem erfolgreichsten Werk des glorreichen Traums. Nebenartikel, wie ein Spitzenkissen und ein Handtuch, werden mit viel Geschick arrangiert und bis zum Schluss ausgearbeitet...“

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts war Twer ein bedeutendes kulturelles Zentrum Russlands. Alle prominenten Persönlichkeiten Moskaus besuchten hier literarische Abende. Hier lernte der junge Orest Kiprensky A. S. Puschkin kennen, dessen später gemaltes Porträt zur Perle der weltweiten Porträtkunst wurde, und A. S. Puschkin widmete ihm Gedichte, in denen er ihn „den Liebling der leichten Mode“ nannte. Porträt von Puschkin Die Pinsel von O. Kiprensky sind eine lebendige Verkörperung des poetischen Genies. In der entschiedenen Drehung des Kopfes, in den energisch vor der Brust verschränkten Armen, in der gesamten Erscheinung des Dichters spiegelt sich ein Gefühl von Unabhängigkeit und Freiheit wider. Über ihn sagte Puschkin: „Ich sehe mich wie in einem Spiegel, aber dieser Spiegel schmeichelt mir.“ In der Arbeit über das Porträt von Puschkin treffen sich Tropinin und Kiprensky zum letzten Mal, allerdings findet dieses Treffen nicht persönlich statt, sondern viele Jahre später in der Kunstgeschichte, wo in der Regel zwei Porträts des größten Russen entstehen Dichter, die gleichzeitig, aber an verschiedenen Orten entstanden, werden verglichen - einer in Moskau. Der andere ist in St. Petersburg. Dies ist nun ein Treffen von Meistern, die in ihrer Bedeutung für die russische Kunst gleichermaßen groß sind. Obwohl Kiprenskys Bewunderer behaupten, dass die künstlerischen Vorteile auf der Seite seines romantischen Porträts liegen, in dem der Dichter in seine eigenen Gedanken versunken und allein mit der Muse dargestellt wird, liegen die Nationalität und Demokratie des Bildes sicherlich auf der Seite von Tropinskys „Puschkin“. .

So spiegelten zwei Porträts zwei Richtungen der russischen Kunst wider, konzentriert in zwei Hauptstädten. Und Kritiker werden später schreiben, dass Tropinin für Moskau das war, was Kiprensky für St. Petersburg war.

Eine Besonderheit von Kiprenskys Porträts ist, dass sie den spirituellen Charme und den inneren Adel eines Menschen zeigen. Das Porträt eines mutigen und gefühlvollen Helden sollte das Pathos der freiheitsliebenden und patriotischen Gefühle des fortschrittlichen russischen Volkes verkörpern.

In der Haustür „Porträt von E. V. Davydov“(1809) zeigt die Figur eines Offiziers, der den für die Romantik jener Jahre so typischen Kult einer starken und mutigen Persönlichkeit unmittelbar zum Ausdruck brachte. Die fragmentarisch dargestellte Landschaft, in der ein Lichtstrahl gegen die Dunkelheit kämpft, deutet die spirituellen Ängste des Helden an, doch in seinem Gesicht spiegelt sich verträumte Sensibilität wider. Kiprensky suchte das „Menschliche“ im Menschen, und das Ideal schützte ihn nicht vor den persönlichen Charaktereigenschaften des Modells.

Kiprenskys Porträts zeigen, wenn man sie mit dem geistigen Auge betrachtet, den geistigen und natürlichen Reichtum eines Menschen, seine intellektuelle Stärke. Ja, er hatte das Ideal einer harmonischen Persönlichkeit, von dem auch seine Zeitgenossen sprachen, aber Kiprensky strebte nicht danach, dieses Ideal buchstäblich auf ein künstlerisches Bild zu projizieren. Im Bau künstlerisches Bild Er orientierte sich an der Natur, als wollte er abschätzen, wie weit oder nahe sie einem solchen Ideal kam. Im Grunde stehen viele der von ihm Dargestellten an der Schwelle zum angestrebten Ideal, aber das Ideal selbst ist nach den Vorstellungen der romantischen Ästhetik kaum erreichbar, und alle romantische Kunst ist nur der Weg dorthin.

Indem er die Widersprüche in den Seelen seiner Helden bemerkt und sie in den ängstlichen Momenten des Lebens zeigt, wenn sich das Schicksal ändert, alte Ideen gebrochen werden, die Jugend verblasst usw., scheint Kiprensky dies gemeinsam mit seinen Modellen zu erleben. Daher ist die besondere Auseinandersetzung des Porträtisten mit der Interpretation künstlerischer Bilder die dem Porträt eine aufrichtige Note verleiht.

In der Frühphase von Kiprenskys Werk werden Sie keine Menschen sehen, die von Skepsis und seelenzerstörender Analyse infiziert sind. Dies wird später kommen, wenn die romantische Zeit ihren Herbst erlebt und anderen Stimmungen und Gefühlen Platz macht, wenn die Hoffnung auf den Triumph des Ideals einer harmonischen Persönlichkeit zusammenbricht. In allen Porträts des 18. Jahrhunderts und den in Twer ausgeführten Porträts ist Kiprenskys kühner Pinsel sichtbar, der die Formen leicht und frei konstruiert. Die Komplexität der technischen Techniken und die Art der Figur veränderten sich von Werk zu Werk.

Bemerkenswert ist, dass man in den Gesichtern seiner Helden keine heroische Hochstimmung erkennen kann; im Gegenteil, die meisten Gesichter sind eher traurig, sie geben sich dem Nachdenken hin. Es scheint, dass diese Menschen über das Schicksal Russlands besorgt sind und mehr an die Zukunft als an die Gegenwart denken. Auch in den Frauenbildern, die die Ehefrauen und Schwestern von Teilnehmern bedeutender Ereignisse darstellen, strebte Kiprensky nicht nach bewusster heroischer Hochstimmung. Es herrscht ein Gefühl von Leichtigkeit und Natürlichkeit. Gleichzeitig steckt in allen Porträts so viel wahrer Seelenadel. Frauenbilder bestechen durch ihre bescheidene Würde und Integrität der Natur; In den Gesichtern der Männer kann man einen neugierigen Gedanken erkennen, eine Bereitschaft zur Askese. Diese Bilder deckten sich mit den reifenden ethischen und ästhetischen Vorstellungen der Dekabristen. Ihre Gedanken und Bestrebungen wurden dann von vielen geteilt (die Gründung von Geheimgesellschaften mit bestimmten sozialen und politischen Programmen erfolgte in der Zeit von 1816 bis 1821), und der Künstler wusste davon, und daher können wir sagen, dass seine Porträts von Teilnehmern an den Ereignissen waren Die in denselben Jahren entstandenen Bauernbilder von 1812–1814 stellen eine Art künstlerische Parallele zu den aufkommenden Konzepten des Dekabrismus dar.

Gekennzeichnet mit dem leuchtenden Stempel des romantischen Ideals „Porträt von V. A. Schukowski“(1816). Der Künstler, der im Auftrag von S. S. Uvarov ein Porträt schuf, beschloss, seinen Zeitgenossen nicht nur das Bild des Dichters zu zeigen, der in bekannt war Literarische Kreise, sondern zeigen auch ein gewisses Verständnis für die Persönlichkeit des romantischen Dichters. Vor uns liegt ein Dichtertypus, der die philosophische und verträumte Richtung der russischen Romantik zum Ausdruck brachte. Kiprensky stellte Schukowski in einem Moment kreativer Inspiration vor. Der Wind hat dem Dichter die Haare zerzaust, die Bäume spritzen ängstlich mit ihren Ästen in die Nacht, die Ruinen antiker Gebäude sind kaum noch zu erkennen. So schien es, als müsste ein Schöpfer romantischer Balladen aussehen. Dunkle Farben verstärken die geheimnisvolle Atmosphäre. Auf Anraten von Uvarov vervollständigt Kiprensky einzelne Fragmente des Porträts nicht, damit „übermäßige Vollständigkeit“ den Geist, das Temperament und die Emotionalität nicht auslöscht.

Viele Porträts wurden von Kiprensky in Twer gemalt. Als er außerdem Iwan Petrowitsch Wulf, den Gutsbesitzer von Twer, malte, blickte er mit Emotionen auf das Mädchen, das vor ihm stand, seine Enkelin, die zukünftige Anna Petrowna Kern, der eines der faszinierendsten lyrischen Werke gewidmet war – das Gedicht von A. S. Puschkin „Ich erinnere mich an einen wunderbaren Moment ...“ Solche Vereinigungen von Dichtern, Künstlern und Musikern wurden zum Ausdruck einer neuen Richtung in der Kunst – der Romantik.

„Der junge Gärtner“ (1817) von Kiprensky, „Italian Noon“ (1827) von Bryullov, „The Reapers“ oder „The Reaper“ (1820er Jahre) von Venetsianov sind Werke derselben typologischen Reihe. Sie konzentrieren sich auf die Natur und waren explizit unter Verwendung dieser geschrieben. Die Aufgabe jedes der Künstler – die ästhetische Perfektion der einfachen Natur zu verkörpern – führte jedoch zu einer gewissen Idealisierung von Erscheinungen, Kleidung, Situationen, um eine Bildmetapher zu schaffen. Die Beobachtung des Lebens, der Natur, der Der Künstler dachte es neu und poetisierte das Sichtbare. In dieser qualitativ neuen Verbindung von Natur und Vorstellungskraft mit der Erfahrung der Meister der Antike und der Renaissance entstanden Bilder, die der Kunst zuvor unbekannt waren, und dies ist eines der Merkmale der Romantik der ersten Hälfte 19. Jahrhundert. Der metaphorische Charakter, der im Allgemeinen für diese Werke von Venetsianov und Bryullov charakteristisch ist, war eines der wichtigsten Merkmale der Romantik, als russische Künstler noch neu in der westeuropäischen romantischen Porträtmalerei waren. „Porträt eines Vaters (A.K. Schwalbe)“(1804) wurde von Orest Kiprensky über Kunst und insbesondere das Porträtgenre geschrieben.

Die bedeutendsten Errungenschaften der russischen Romantik sind Werke im Porträtgenre. Die leuchtendsten und besten Beispiele der Romantik stammen aus der Frühzeit. Lange vor seiner Italienreise im Jahr 1816 sah Kiprensky, innerlich bereit für eine romantische Vision der Welt, Gemälde alter Meister mit neuen Augen. Die dunkle Farbgebung, die durch Licht hervorgehobenen Figuren, die brennenden Farben und die intensive Dramatik hatten einen starken Einfluss auf ihn. „Porträt eines Vaters“ ist zweifellos von Rembrandt inspiriert. Doch der russische Künstler übernahm vom großen Niederländer nur äußere Techniken. „Porträt eines Vaters“ ist ein absolut eigenständiges Werk, das über eine eigene innere Energie und die Kraft des künstlerischen Ausdrucks verfügt. Eine Besonderheit von Albumporträts ist die Lebendigkeit ihrer Ausführung. Hier gibt es keine Bildhaftigkeit – die unmittelbare Übertragung des Gesehenen auf Papier erzeugt eine einzigartige Frische des grafischen Ausdrucks. Daher erscheinen uns die auf den Bildern dargestellten Menschen nah und verständlich.

Ausländer nannten Kiprensky den Russen Van Dyck; seine Porträts befinden sich in vielen Museen auf der ganzen Welt. Kiprensky, der Nachfolger der Werke von Levitsky und Borovikovsky, der Vorgänger von L. Ivanov und K. Bryullov, verschaffte der russischen Kunstschule mit seinem Werk europäischen Ruhm. Mit den Worten von Alexander Iwanow: „Er war der Erste, der den russischen Namen nach Europa brachte ...“.

Das für die Romantik charakteristische gesteigerte Interesse an der Persönlichkeit eines Menschen prägte den Aufschwung des Porträtgenres in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, in dem das Selbstporträt dominant wurde. Die Entstehung eines Selbstporträts war in der Regel kein Zufall. Künstler schrieben und zeichneten immer wieder selbst, und diese Werke wurden zu einer Art Tagebuch, das verschiedene Geisteszustände und Lebensabschnitte widerspiegelte, und waren gleichzeitig ein Manifest an ihre Zeitgenossen. Selbstporträt war kein kundenspezifisches Genre, der Künstler schrieb für sich selbst und wurde hier mehr denn je frei in der Selbstdarstellung. Im 18. Jahrhundert malten russische Künstler selten Originalbilder; lediglich die Romantik mit ihrem Kult des Individuellen und Außergewöhnlichen trug zum Aufstieg dieses Genres bei. Die Vielfalt der Selbstporträttypen spiegelt das Selbstverständnis der Künstler als reiche und facettenreiche Persönlichkeit wider. Entweder treten sie in der vertrauten und natürlichen Rolle des Schöpfers auf („Selbstporträt in einer Samtbaskenmütze“ von A. G. Varnek, 1810er Jahre), dann tauchen sie in die Vergangenheit ein, als würden sie es an sich selbst versuchen („Selbstporträt in einem Helm“) und Rüstung“ von F. I. Yanenko, 1792) oder, am häufigsten, erscheint ohne professionelle Attribute und bekräftigt die Bedeutung und das Selbstwertgefühl jedes Menschen, befreit und weltoffen, suchend und eilig, wie F. A. Bruni und O. A. Orlovsky in Selbstporträts der 1810er Jahre. Die Dialogbereitschaft und Offenheit, die für die figurativen Lösungen der Werke der 1810er-1820er Jahre charakteristisch sind, werden nach und nach durch Müdigkeit und Enttäuschung, Versunkenheit und Rückzug in sich selbst ersetzt („Selbstporträt“ von M. I. Terebenev). Dieser Trend spiegelte sich in der Entwicklung des Porträtgenres insgesamt wider.

Es ist erwähnenswert, dass Kiprenskys Selbstporträts in kritischen Momenten seines Lebens entstanden; sie zeugten vom Aufstieg oder Rückgang der mentalen Stärke. Der Künstler betrachtete sich selbst durch seine Kunst. Gleichzeitig benutzte er keinen Spiegel, wie die meisten Maler; er malte hauptsächlich sich selbst nach seinen Vorstellungen; er wollte seinen Geist ausdrücken, nicht aber sein Aussehen.

„Selbstporträt mit Pinseln hinter dem Ohr“ auf einer Verweigerung aufgebaut und in der äußeren Verherrlichung des Bildes, seiner klassischen Normativität und idealen Konstruktion deutlich demonstrativ. Gesichtszüge werden im Allgemeinen grob umrissen. Seitenlicht fällt auf das Gesicht und hebt nur die Seitenmerkmale hervor. Einzelne Lichtreflexe fallen auf die Figur des Künstlers und löschen die kaum sichtbare Drapierung aus, die den Hintergrund des Porträts darstellt. Hier ist alles dem Ausdruck des Lebens, der Gefühle, der Stimmung untergeordnet. Dies ist ein Blick auf romantische Kunst anhand der Kunst der Selbstporträts. Die Auseinandersetzung des Künstlers mit den Geheimnissen der Kreativität kommt im geheimnisvollen romantischen „Sfumato des 19. Jahrhunderts“ zum Ausdruck. Der eigentümliche Grünton schafft eine besondere Atmosphäre der künstlerischen Welt, in deren Mittelpunkt der Künstler selbst steht.

Fast gleichzeitig mit diesem Selbstporträt malte er auch „Selbstporträt mit rosa Halstuch“, wo ein anderes Bild verkörpert ist. Ohne direkten Hinweis auf den Beruf eines Malers. Das Bild eines jungen Mannes wurde nachgebildet, der sich natürlich und frei fühlt. Die Malfläche der Leinwand ist fein strukturiert. Der Pinsel des Künstlers trägt souverän Farbe auf. Große und kleine Striche hinterlassen. Das Farbschema ist perfekt ausgearbeitet, die Farben sind sanft und harmonisch miteinander kombiniert, die Beleuchtung ist ruhig: Das Licht fällt sanft auf das Gesicht des jungen Mannes und betont seine Gesichtszüge, ohne unnötigen Ausdruck oder Verformung.

Ein weiterer herausragender Porträtmaler war Venetsianov. Im Jahr 1811 erhielt er von der Akademie den Titel eines Akademikers, ernannt für „Selbstporträt“ und „Porträt von K. I. Golovachevsky mit drei Studenten der Akademie der Künste“. Das sind außergewöhnliche Werke.

Venetsianov erklärte, er sei wirklich erfahren darin „Selbstporträt“ 1811. Es wurde anders geschrieben als andere Künstler, die sich damals selbst malten – A. Orlovsky, O. Kiprensky, E. Varnek und sogar der Leibeigene V. Tropinin. Sie alle neigten dazu, sich in einer romantischen Aura zu fühlen; ihre Selbstporträts stellten eine Art poetische Auseinandersetzung mit ihrer Umgebung dar. Die Exklusivität des künstlerischen Charakters manifestierte sich in der Pose, den Gesten und der Ungewöhnlichkeit des speziell entworfenen Kostüms. In Venetsianovs „Selbstporträt“ bemerken Forscher zunächst den strengen und angespannten Gesichtsausdruck eines vielbeschäftigten Mannes ... Richtige Effizienz, anders als die auffällige „künstlerische Nachlässigkeit“, auf die die Roben oder koketten Mützen anderer Künstler hinweisen. Venitsianov sieht sich nüchtern an. Für ihn ist Kunst kein inspirierter Impuls, sondern vor allem eine Angelegenheit, die Konzentration und Aufmerksamkeit erfordert. Klein im Format, fast monochrom in der Farbgebung in Olivtönen, außergewöhnlich präzise geschrieben, ist es einfach und komplex zugleich. Nicht attraktiv draußen Beim Malen bleibt er mit seinem Blick stehen. Die perfekt dünnen Ränder der dünnen Goldrahmen der Brille verbergen nicht, sondern betonen vielmehr die scharfe Schärfe des Blicks, der nicht so sehr auf die Natur gerichtet ist (der Künstler stellte sich selbst mit Palette und Pinsel in den Händen dar), sondern eher in die Natur hinein die Tiefen seiner eigenen Gedanken. Die große, breite Stirn, die von direktem Licht beleuchtete rechte Gesichtshälfte und die weiße Hemdfront bilden ein leichtes Dreieck, das zunächst den Blick des Betrachters auf sich zieht, der im nächsten Moment der Bewegung der rechten Hand folgt, die eine dünne Pinsel, gleitet nach unten zur Palette. Gewellte Haarsträhnen, die Arme eines glänzenden Rahmens, eine lockere Krawatte um den Kragen, eine weiche Schulterlinie und schließlich ein breiter Halbkreis der Palette bilden ein bewegliches System aus glatten, fließenden Linien, in dem sich drei Hauptpunkte befinden : winzige Hervorhebungen der Pupillen und das scharfe Ende der Hemdbrust, das sich mit Palette und Pinsel fast schließt. Diese fast mathematische Berechnung bei der Konstruktion der Porträtkomposition verleiht dem Bild eine teilweise innere Gelassenheit und gibt Anlass zu der Annahme, dass der Autor über einen analytischen Geist verfügt, der zu wissenschaftlichem Denken neigt. Von der Romantik, die damals bei der Selbstdarstellung der Künstler so üblich war, ist im „Selbstbildnis“ nichts mehr zu spüren. Dies ist ein Selbstporträt eines Künstlerforschers, Künstlerdenkers und Arbeiters.

Andere Arbeit – Porträt von Golovachevsky- soll einzigartig sein Handlungskomposition: Die ältere Generation der Akademiemeister gibt in der Person des alten Inspektors Anweisungen an die heranwachsenden Talente: ein Maler (mit einer Mappe mit Zeichnungen. Ein Architekt und ein Bildhauer. Aber Venetsianov ließ nicht einmal den Hauch von Künstlichkeit oder zu Didaktik in diesem Bild: Der freundliche alte Golovachevsky interpretiert den Teenagern freundlich etwas, was er auf einer Seite des Buches gelesen hatte. Die Aufrichtigkeit des Ausdrucks wird durch die Bildstruktur des Gemäldes unterstützt: Seine gedämpften, subtil und schön harmonierten Farbtöne erwecken den Eindruck von Ruhe und Ernsthaftigkeit. Die Gesichter sind wunderschön gemalt, voller innerer Bedeutung. Das Porträt war eine der höchsten Errungenschaften der russischen Porträtmalerei.

Und in Orlovskys Werk des 19. Jahrhunderts tauchten Porträtarbeiten auf, meist in Form von Zeichnungen. Ein solch emotionsreiches Porträtblatt stammt aus dem Jahr 1809 „Selbstporträt“. Orlovskys „Selbstporträt“ ist mit einem satten, freien Strich aus Rötel und Kohle (mit Kreide hinterleuchtet) gefüllt und besticht durch seine künstlerische Integrität, sein charakteristisches Bild und seine künstlerische Ausführung. Gleichzeitig ermöglicht es, einige einzigartige Aspekte von Orlovskys Kunst zu erkennen. Orlovskys „Selbstporträt“ hat natürlich nicht das Ziel, das typische Erscheinungsbild des Künstlers jener Jahre genau wiederzugeben. Vor uns liegt weitgehend Absicht. Das übertriebene Erscheinungsbild eines „Künstlers“, der sein eigenes „Ich“ mit der umgebenden Realität kontrastiert, kümmert ihn nicht um den „Anstand“ seines Aussehens: Ein Kamm und eine Bürste berührten nicht sein üppiges Haar, auf seiner Schulter befand sich das Kante eines karierten Regenmantels direkt über seinem Haushemd mit offenem Kragen. Eine scharfe Drehung des Kopfes mit einem „düsteren“ Blick unter den zusammengezogenen Augenbrauen, ein enger Ausschnitt des Porträts, in dem das Gesicht in Nahaufnahme dargestellt ist, Lichtkontraste – all dies zielt darauf ab, den Haupteffekt des Kontrasts zu erzielen dargestellte Person mit der Umgebung (und damit dem Betrachter).

Das Pathos der Bekräftigung der Individualität – eines der fortschrittlichsten Merkmale der damaligen Kunst – bildet den ideologischen und emotionalen Hauptton des Porträts, erscheint jedoch in einer einzigartigen Form, die in der russischen Kunst dieser Zeit fast nie zu finden war. Die Bestätigung der Persönlichkeit erfolgt nicht so sehr durch die Offenlegung des Reichtums ihrer inneren Welt, sondern durch eine eher äußere Art und Weise, alles um sie herum abzulehnen. Gleichzeitig wirkt das Bild zweifellos dürftig und begrenzt.

Solche Lösungen sind in der damaligen russischen Porträtkunst schwer zu finden, wo bereits in der Mitte des 18. Jahrhunderts bürgerliche und humanistische Motive lautstark zum Ausdruck kamen und die Persönlichkeit eines Menschen nie die starke Bindung an die Umwelt abbrach. Träumen von einer besseren, demokratischen Gesellschaftsordnung, die besten Leute Die damaligen Russen waren keineswegs realitätsfern, sie lehnten bewusst den individualistischen Kult der „persönlichen Freiheit“ ab, der auf dem durch die bürgerliche Revolution gelockerten Boden Westeuropas blühte. Dies zeigte sich deutlich als Widerspiegelung tatsächlicher Faktoren in der russischen Porträtkunst. Man muss nur Orlovskys „Selbstporträt“ mit dem Simultanen vergleichen „Selbstporträt“ Kiprensky (zum Beispiel 1809), so dass der gravierende innere Unterschied zwischen den beiden Porträtmalern sofort ins Auge fiele.

Auch Kiprensky „heroisiert“ die Persönlichkeit eines Menschen, zeigt aber deren wahre innere Werte. Im Gesicht des Künstlers erkennt der Betrachter die Merkmale eines starken Geistes, Charakters und moralischer Reinheit.

Kiprenskys gesamtes Erscheinungsbild ist von erstaunlichem Adel und Menschlichkeit umgeben. Er ist in der Lage, in der Welt um ihn herum zwischen „Gut“ und „Böse“ zu unterscheiden und, indem er das Zweite ablehnt, das Erste zu lieben und zu schätzen, Gleichgesinnte zu lieben und zu schätzen. Gleichzeitig steht uns zweifellos eine starke Persönlichkeit gegenüber, die stolz auf das Bewusstsein für den Wert ihrer persönlichen Qualitäten ist. Genau das gleiche Konzept Porträtbild liegt dem berühmten Heldenporträt von D. Davydov von Kiprensky zugrunde.

Orlovsky löst das Bild im Vergleich zu Kiprensky sowie einigen anderen russischen Porträtmalern dieser Zeit begrenzter, geradliniger und äußerlicher auf. starke Persönlichkeit“, der sich eindeutig auf die Kunst des bürgerlichen Frankreichs konzentriert. Wenn man sein „Selbstporträt“ betrachtet, fallen einem unwillkürlich die Porträts von A. Gros und Gericault ein. Orlovskys Profil „Selbstbildnis“ von 1810 mit seinem Kult des Individualismus „zeigt eine innere Nähe zur französischen Porträtkunst. innere Stärke“, jedoch ohne die bereits scharfe „Skizzen“-Form des „Selbstporträts“ von 1809 oder „Porträt von Duport.“ In letzterem verwendet Orlovsky, ebenso wie im „Selbstporträt“, eine spektakuläre, „heroische“ Pose mit einer scharfen, fast kreuzenden Bewegung von Kopf und Schultern. Er betont die unregelmäßige Struktur von Duports Gesicht und seinem zerzausten Haar, mit dem Ziel, ein Porträtbild zu schaffen, das in seiner einzigartigen, zufälligen Charakteristik autark ist.

„Die Landschaft muss ein Porträt sein“, schrieb K. N. Batyushkov. Die meisten Künstler, die sich dem Genre zuwandten, vertraten in ihrem Schaffen diese Haltung. Landschaft. Zu den offensichtlichen Ausnahmen, die sich für die fantastische Landschaft interessierten, gehörten A. O. Orlovsky („Sea View“, 1809); A. G. Varnek („Blick in die Umgebung von Rom“, 1809); P. V. Basin („Himmel bei Sonnenuntergang in der Nähe von Rom“, „Abendlandschaft“, beide – 1820er Jahre). Bei der Schaffung spezifischer Typen bewahrten sie die Spontaneität der Empfindung und den emotionalen Reichtum und erzielten durch Kompositionstechniken einen monumentalen Klang.

Der junge Orlrvsky sah in der Natur nur gigantische Kräfte, die nicht dem Willen des Menschen unterworfen waren und in der Lage waren, Katastrophen und Katastrophen zu verursachen. Der Kampf des Menschen gegen die tobenden Elemente des Meeres ist eines der Lieblingsthemen des Künstlers in seiner „rebellischen“ Romantik. Es wurde zum Inhalt seiner Zeichnungen, Aquarelle und Ölgemälde von 1809 – 1810. Die tragische Szene ist im Bild dargestellt "Schiffswrack"(1809(?)). In der tiefsten Dunkelheit, die auf den Boden gefallen ist, klettern ertrinkende Fischer inmitten tosender Wellen verzweifelt auf die Küstenfelsen, auf denen ihr Schiff abgestürzt ist. Die Farbe in kräftigen Rottönen verstärkt das Angstgefühl. Die Anstürme mächtiger Wellen, die einen Sturm ankündigen, sind bedrohlich, und auf einem anderen Bild – „Am Meeresufer“(1809). Auch der stürmische Himmel, der den größten Teil der Komposition einnimmt, spielt darin eine große emotionale Rolle. Obwohl Orlovsky die Kunst der Luftperspektive nicht beherrschte, wird der allmähliche Übergang der Pläne hier harmonischer und sanfter gelöst. Die Farbe wurde heller. Die roten Flecken auf der Kleidung der Fischer heben sich wunderbar vom rotbraunen Hintergrund ab. Unruhige und beunruhigende Meereselemente in Aquarell "Segelboot"(um 1812). Und selbst wenn der Wind nicht das Segel kräuselt und die Wasseroberfläche kräuselt, wie beim Aquarell „Meereslandschaft mit Schiffen“(um 1810) ahnt der Betrachter, dass der Windstille ein Sturm folgen wird.

Bei aller Dramatik und Aufregung der Gefühle sind Orlovskys Seestücke weniger das Ergebnis seiner Beobachtungen atmosphärischer Phänomene als vielmehr das Ergebnis einer direkten Nachahmung der Klassiker der Kunst. Insbesondere J. Vernet.

Die Landschaften von S. F. Shchedrin waren anderer Natur. Sie sind erfüllt von der Harmonie des Zusammenlebens von Mensch und Natur („Terrasse am Meeresufer. Cappuccini bei Sorrent“, 1827). Zahlreiche von ihm erstellte Ansichten von Neapel und der Umgebung erfreuten sich außerordentlichen Erfolgs und großer Beliebtheit.

Die Schaffung eines romantischen Bildes von St. Petersburg in der russischen Malerei ist mit der Arbeit von M. N. Vorobyov verbunden. Auf seinen Leinwänden erschien die Stadt eingehüllt in den geheimnisvollen Nebel von St. Petersburg, den sanften Dunst weißer Nächte und eine mit Meeresfeuchtigkeit gesättigte Atmosphäre, in der die Umrisse von Gebäuden gelöscht werden und das Mondlicht das Geheimnis vervollständigt. Das gleiche lyrische Prinzip zeichnet die von ihm aufgeführten Ansichten der Umgebung von St. Petersburg aus („Sonnenuntergang in der Nähe von St. Petersburg“, 1832). Aber die Künstler sahen die nördliche Hauptstadt auch auf eine andere, dramatische Art und Weise, als Schauplatz der Kollision und des Kampfes der Naturelemente (V. E. Raev, „Die Alexandersäule während eines Gewitters“, 1834).

Die brillanten Gemälde von I. K. Aivazovsky verkörperten anschaulich die romantischen Ideale der Begeisterung des Kampfes und der Kraft der Naturkräfte, der Widerstandsfähigkeit des menschlichen Geistes und der Fähigkeit, bis zum Ende zu kämpfen. Einen großen Platz im Erbe des Meisters nehmen jedoch nächtliche Seestücke ein, die bestimmten Orten gewidmet sind, an denen der Sturm dem Zauber der Nacht Platz macht, einer Zeit, die nach Ansicht der Romantiker von einem geheimnisvollen Innenleben erfüllt ist wo die Bildsuche des Künstlers darauf abzielt, außergewöhnliche Lichteffekte zu erzielen („Ansicht von Odessa in einer Mondnacht“, „Ansicht von Konstantinopel im Mondlicht“, beide – 1846).

Das Thema der natürlichen Elemente und des überraschten Menschen, ein beliebtes Thema der romantischen Kunst, wurde von Künstlern des 18. Jahrhunderts bis in die 1850er Jahre unterschiedlich interpretiert. Die Arbeiten basierten auf realen Ereignissen, die Bedeutung der Bilder liegt jedoch nicht in einer objektiven Nacherzählung derselben. Ein typisches Beispiel ist das Gemälde von Peter Basin „Erdbeben bei Rocca di Papa bei Rom“(1830). Es widmet sich weniger der Beschreibung eines bestimmten Ereignisses als vielmehr der Darstellung der Angst und des Entsetzens einer Person angesichts der Manifestation der Elemente.

Die Koryphäen der russischen Malerei dieser Epoche waren K.P. Bryullov (1799–1852) und A.A. Iwanow (1806 – 1858). Der russische Maler und Zeichner K.P. Bryullov beherrschte bereits während seines Studiums an der Akademie der Künste die unvergleichliche Fähigkeit des Zeichnens. Bryullovs Werk wird normalerweise in „Vor dem letzten Tag von Pompeji“ und danach unterteilt. Was wurde vorher geschaffen...?!

„Italienischer Morgen“ (1823), „Ermilia mit den Hirten“ (1824) nach Torquatto Tassos Gedicht „Die Befreiung Jerusalems“, „Italienischer Nachmittag“ („Italienische Weinpflückerin“, 1827), „Reiterin“ (1830) , „Bathseba“ (1832) – alle diese Gemälde sind von strahlender, unverhohlener Lebensfreude durchdrungen. Solche Werke standen im Einklang mit den frühen epikureischen Gedichten von Puschkin, Batjuschkow, Wjasemski und Delwig. Der alte Stil, der auf der Nachahmung der großen Meister basierte, befriedigte Bryullov nicht und er schrieb „Italienischer Morgen“, „Italienischer Nachmittag“ und „Bathseba“ unter freiem Himmel.

Während er an dem Porträt arbeitete, malte Bryullov nur den Kopf nach dem Leben. Alles andere wurde ihm oft durch seine Fantasie nahegelegt. Die Frucht einer solchen freien kreativen Improvisation ist "Fahrer". Die Hauptsache im Porträt ist der Kontrast zwischen dem erhitzten, schwebenden Tier mit geweiteten Nüstern und funkelnden Augen und dem anmutigen Reiter, der ruhig die rasende Energie des Pferdes zurückhält (die Zähmung von Tieren ist ein Lieblingsthema klassischer Bildhauer; Bryullov löste es in Malerei).

IN „Bathseba“ Der Künstler nutzt die biblische Geschichte als Vorwand, um nackte Körper im Freien zu zeigen und das Spiel von Licht und Reflexen auf heller Haut zu vermitteln. In „Bathseba“ schuf er das Bild einer jungen Frau voller Freude und Glück. Der nackte Körper strahlt und glänzt, umgeben von Olivengrün, kirschroten Kleidern und einem klaren Teich. Die weichen, elastischen Formen des Körpers werden wunderbar mit dem weiß werdenden Stoff und der Schokoladenfarbe der arabischen Frau kombiniert, die Bathseba bedient. Die fließenden Linien von Körpern, Gewässern und Stoffen verleihen der Bildkomposition einen sanften Rhythmus.

Das Gemälde wurde zu einem neuen Wort in der Malerei „Der letzte Tag von Pompeji“(1827-1833). Sie machte den Namen des Künstlers zu Lebzeiten unsterblich und sehr berühmt.

Die Handlung wurde offenbar unter dem Einfluss seines Bruders Alexander ausgewählt, der sich intensiv mit den Ruinen von Pompeji beschäftigte. Aber die Gründe für das Malen des Bildes liegen tiefer. Gogol bemerkte dies und Herzen sagte direkt, dass sie in „Der letzte Tag von Pompeji“ ihren Platz gefunden hätten, vielleicht als unbewusste Widerspiegelung der Gedanken und Gefühle des Künstlers, die durch die Niederlage des Dekabristenaufstands in Russland verursacht wurden. Nicht umsonst platzierte Bryullov sein Selbstporträt unter den Opfern der tobenden Katastrophe im sterbenden Pompeji und übertrug die Gesichtszüge seiner russischen Bekannten auf andere Figuren im Bild.

Auch Brjullows italienisches Gefolge spielte eine Rolle, die ihm von den revolutionären Stürmen erzählen konnte, die in den vergangenen Jahren über Italien hinwegfegten, vom traurigen Schicksal der Carbonari in den Jahren der Reaktion.

Das grandiose Bild vom Tod Pompejis ist vom Geist des Historismus durchdrungen; es zeigt den Wechsel von einer historischen Epoche zur anderen, die Unterdrückung des antiken Heidentums und den Beginn eines neuen christlichen Glaubens.

Der Künstler empfindet den Verlauf der Geschichte dramatisch, den Wandel der Epochen als einen Schock für die Menschheit. Im Zentrum der Komposition verkörperte offenbar eine Frau, die von einem Streitwagen fiel und starb, das Ende der Antike. Doch der Künstler platzierte ein lebendes Baby in der Nähe des Körpers der Mutter. Mit der Darstellung von Kindern und Eltern, einem jungen Mann und einer alten Mutter, Söhnen und einem altersschwachen Vater zeigte der Künstler, wie alte Generationen in die Geschichte eingehen und neue an ihre Stelle treten. Geburt neue Ära auf den Ruinen der alten Welt, die zu Staub zerfallen – das ist das wahre Thema von Bryullovs Gemälde. Egal welche Veränderungen die Geschichte mit sich bringt, die Existenz der Menschheit hört nicht auf und ihr Lebensdurst bleibt ungebrochen. Dies ist die Grundidee von „Der letzte Tag von Pompeji“. Dieses Bild ist eine Hymne an die Schönheit der Menschheit, die in allen Zyklen der Geschichte unsterblich bleibt.

Die Leinwand wurde 1833 auf der Mailänder Kunstausstellung ausgestellt und löste begeisterte Reaktionen aus. Das zerschlagene Italien wurde erobert. Bryullovs Schüler G.G. Gagarin bezeugt: „Dieses großartige Werk löste in Italien grenzenlose Begeisterung aus.“ Die Städte, in denen das Gemälde ausgestellt war, gaben dem Künstler Empfänge, ihm wurden Gedichte gewidmet, er wurde mit Musik, Blumen und Fackeln durch die Straßen getragen... Überall wurde er als bekanntes, triumphierendes Genie mit Ehren empfangen, verstanden und verstanden von allen geschätzt.“

Der englische Schriftsteller Walter Scott (ein Vertreter der romantischen Literatur, berühmt für seine historischen Romane) verbrachte eine ganze Stunde in Bryullovs Atelier und sagte, es handele sich nicht um ein Gemälde, sondern um ein ganzes Gedicht. Die Kunstakademien von Mailand, Florenz, Bologna und Parma wählten den russischen Maler zum Ehrenmitglied.

Bryullovs Leinwand löste bei Puschkin und Gogol begeisterte Reaktionen aus.

Der Vesuv öffnete sein Maul – Rauch strömte in einer Flammenwolke aus

Als Kampfflagge weit verbreitet.

Die Erde ist aufgewühlt – von den wackeligen Säulen

Idole fallen!..

Puschkin schrieb unter dem Eindruck des Gemäldes.

Beginnend mit Bryullov wurden Wendepunkte in der Geschichte zum Hauptthema der russischen Historienmalerei, die grandiose Volksszenen darstellte, an denen jeder Mensch beteiligt ist. historisches Drama, wo es keine Haupt- und Nebenfächer gibt.

„Pompeji“ gehört im Allgemeinen zum Klassizismus. Der Künstler brachte die Plastizität des menschlichen Körpers meisterhaft auf die Leinwand. Alle emotionalen Bewegungen der Menschen wurden von Bryullov hauptsächlich in der Sprache der Plastizität vermittelt. Einzelne Figuren werden in heftiger Bewegung dargestellt und zu ausgeglichenen, erstarrten Gruppen zusammengefasst. Lichtblitze betonen die Formen von Körpern und erzeugen keine starken malerischen Effekte. Die Komposition des Gemäldes, das in der Mitte einen starken Tiefendurchbruch aufweist und ein außergewöhnliches Ereignis im Leben Pompejis darstellt, wurde jedoch von der Romantik inspiriert.

Die Romantik in Russland als Weltanschauung existierte in ihrer ersten Welle vom Ende des 18. Jahrhunderts bis in die 1850er Jahre. Die Linie der Romantik in der russischen Kunst endete nicht in den 1850er Jahren. Das von den Romantikern für die Kunst entdeckte Thema des Seinszustandes wurde später von den Künstlern der Blauen Rose weiterentwickelt. Die direkten Erben der Romantiker waren zweifellos die Symbolisten. Romantische Themen, Motive, Ausdruckstechniken eingegebene Kunst verschiedene Stile, Richtungen, kreative Assoziationen. Die romantische Weltanschauung oder Weltanschauung erwies sich als eine der lebendigsten, hartnäckigsten und fruchtbarsten.

Die Romantik als allgemeine, vor allem für die Jugend charakteristische Haltung, als Wunsch nach idealer und gestalterischer Freiheit lebt in der Weltkunst noch immer fort.

c) Musik

Romantik in ihrer reinsten Form ist ein Phänomen der westeuropäischen Kunst. In der russischen Musik des 19. Jahrhunderts. Von Glinka bis Tschaikowsky verbanden sich die Merkmale des Klassizismus mit den Merkmalen der Romantik, wobei das führende Element ein helles, originelles Nationalprinzip war. Die Romantik erlebte in Russland einen unerwarteten Aufschwung, als dieser Trend der Vergangenheit anzugehören schien. Zwei Komponisten des 20. Jahrhunderts, Skrjabin und Rachmaninow, ließen Merkmale der Romantik wie ungezügelte Höhenflüge der Fantasie und Aufrichtigkeit der Texte wieder auferstehen. Daher das 19. Jahrhundert ein Jahrhundert genannt Musikalische Klassiker.

Die Zeit (1812, der Aufstand der Dekabristen, die darauffolgende Reaktion) hat ihre Spuren in der Musik hinterlassen. Welches Genre wir auch wählen – Romantik, Oper, Ballett, Kammermusik – überall haben russische Komponisten ihr neues Wort gesagt.

Die Musik Russlands mit all ihrer Saloneleganz und der strikten Einhaltung der Traditionen des professionellen Instrumentalschreibens, einschließlich des Sonaten-Symphonie-Schreibens, basiert auf der einzigartigen modalen Färbung und rhythmischen Struktur der russischen Folklore. Einige verlassen sich weitgehend auf Alltagslieder, andere auf originelle Formen des Musizierens und wieder andere auf die alte Modalität der altrussischen Bauernsongs.

Anfang des 19. Jahrhunderts Dies sind die Jahre der ersten und strahlendsten Blüte des Romantik-Genres. Die bescheidenen, aufrichtigen Texte finden immer noch Anklang und erfreuen die Zuhörer. Alexander Alexandrowitsch Aljabyew (1787-1851). Er schrieb Liebesromane auf der Grundlage von Gedichten vieler Dichter, aber die unsterblichen sind es "Nachtigall" zu Gedichten von Delvig, „Winter Road“, „I Love You“ basierend auf Puschkins Gedichten.

Alexander Jegorowitsch Warlamow (1801-1848) schrieb Musik für dramatische Aufführungen, aber wir kennen ihn am besten aus berühmten Liebesromanen „Rotes Sommerkleid“, „Weck mich nicht im Morgengrauen auf“, „Das einsame Segel ist weiß“.

Alexander Lwowitsch Gurilew (1803-1858)- Komponist, Pianist, Geiger und Lehrer, er schrieb Romanzen wie „Die Glocke läutet eintönig“, „Am Morgen der nebligen Jugend“ usw.

Den prominentesten Platz nehmen hier Glinkas Romanzen ein. Noch niemandem war eine so natürliche Verschmelzung der Musik mit der Poesie von Puschkin und Schukowski gelungen.

Michail Iwanowitsch Glinka (1804-1857)– Zeitgenosse von Puschkin (seit 5 Jahren). jünger als Alexander Sergejewitsch), ein Klassiker der russischen Literatur, wurde zum Begründer der Musikklassiker. Sein Werk ist einer der Höhepunkte der russischen und weltweiten Musikkultur. Es vereint auf harmonische Weise den Reichtum der Volksmusik und die höchsten Errungenschaften des kompositorischen Könnens. Glinkas zutiefst volksrealistische Kreativität spiegelte die kraftvolle Blüte der russischen Kultur in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts wider, die mit dem Vaterländischen Krieg von 1812 und der Dekabristenbewegung verbunden war. Der helle, lebensbejahende Charakter, die Harmonie der Formen, die Schönheit ausdrucksstarker Melodien, die Vielfalt, Farbigkeit und Subtilität der Harmonien sind die wertvollsten Eigenschaften von Glinkas Musik. In der berühmtesten Oper „Iwan Susanin“(1836) erhielt die Idee des Volkspatriotismus einen brillanten Ausdruck; Die moralische Größe des russischen Volkes wird in der Märchenoper verherrlicht. Ruslan und Ludmila“. Orchesterwerke von Glinka: „Walzer-Fantasie“, „Nacht in Madrid“ und vor allem „Kamarinskaja“, bilden die Grundlage der russischen klassischen Symphonie. Die Musik zur Tragödie zeichnet sich durch die Kraft des dramatischen Ausdrucks und die Helligkeit ihrer Charakteristika aus. „Fürst Kholmsky“. Glinkas Gesangstexte (Romanzen „Ich erinnere mich an einen wundervollen Moment“, „Zweifel“) ist eine unübertroffene Verkörperung russischer Poesie in der Musik.

6. WESTEUROPÄISCHE ROMANTIK

ein Gemälde

Wenn Frankreich der Begründer des Klassizismus war, dann „sollten wir nach Deutschland gehen, um die Wurzeln der romantischen Schule zu finden“, schrieb einer seiner Zeitgenossen. Dort wurde sie geboren und dort prägten die modernen italienischen und französischen Romantiker ihren Geschmack.“

Fragmentiert Deutschland kannte den revolutionären Aufschwung nicht. Das Pathos avancierter Gesellschaftsideen war vielen deutschen Romantikern fremd. Sie idealisierten das Mittelalter. Sie gaben sich unerklärlichen emotionalen Impulsen hin und sprachen über die Aufgabe des menschlichen Lebens. Die Kunst vieler von ihnen war passiv und kontemplativ. Ihre besten Werke schufen sie im Bereich der Porträt- und Landschaftsmalerei.

Ein herausragender Porträtmaler war Otto Runge (1777-1810). Die Porträts dieses Meisters sind zwar äußerlich ruhig, verblüffen aber durch ihr intensives und intensives Innenleben.

Das Bild eines romantischen Dichters sieht Runge in „Selbstporträt“. Er untersucht sich sorgfältig und sieht einen dunkelhaarigen, dunkeläugigen, ernsten, energiegeladenen, nachdenklichen, selbstsüchtigen und willensstarken jungen Mann. Der romantische Künstler will sich selbst kennenlernen. Die Art und Weise, wie das Porträt ausgeführt wird, ist schnell und schwungvoll, als ob die spirituelle Energie des Schöpfers in der Textur des Werkes zum Ausdruck kommen sollte; Bei einer dunklen Farbgebung treten Hell-Dunkel-Kontraste auf. Kontrast ist eine charakteristische Maltechnik der romantischen Meister.

Ein romantischer Künstler wird immer versuchen, die wechselnden Stimmungen eines Menschen einzufangen und in seine Seele zu blicken. Und in dieser Hinsicht werden ihm Kinderporträts als fruchtbares Material dienen. IN Porträt der Huelsenbeck-Kinder(1805) Runge vermittelt nicht nur die Lebendigkeit und Spontaneität eines kindlichen Charakters, sondern findet auch eine besondere Technik für eine fröhliche Stimmung, die die Entdeckungen im Freien im 2. Stock erfreut. 19. Jahrhundert Der Hintergrund des Gemäldes ist eine Landschaft, die nicht nur von der Begabung des Künstlers für Farbe und seiner bewundernden Haltung gegenüber der Natur zeugt, sondern auch von der Entstehung neuer Probleme bei der meisterhaften Wiedergabe räumlicher Beziehungen und heller Farbtöne von Objekten im Freien. Der Meisterromantiker, der sein „Ich“ mit der Weite des Universums verschmelzen möchte, strebt danach, die sinnlich greifbare Erscheinung der Natur einzufangen. Aber in dieser Sinnlichkeit des Bildes sieht er lieber ein Symbol der großen Welt, „die Idee des Künstlers“.

Runge war einer der ersten romantischen Künstler, der es sich zur Aufgabe machte, die Künste zu synthetisieren: Malerei, Bildhauerei, Architektur, Musik. Der Ensembleklang der Künste sollte die Einheit der göttlichen Kräfte der Welt zum Ausdruck bringen, deren jedes Teilchen den Kosmos als Ganzes symbolisiert. Der Künstler fantasiert und verstärkt sein philosophisches Konzept mit den Ideen des berühmten deutschen Denkers des 1. Stocks. XVII Jahrhundert Jakob Böhme. Die Welt ist eine Art mystisches Ganzes, in dem jedes Teilchen das Ganze ausdrückt. Diese Idee ähnelt den Romantikern des gesamten europäischen Kontinents. In poetischer Form drückte der englische Dichter und Künstler William Blake dasselbe wie folgt aus:

Sehen Sie die Ewigkeit in einem Moment,

Eine riesige Welt im Spiegel aus Sand,

In einer einzigen Handvoll – unendlich

Und der Himmel ist im Kelch einer Blume.

Runges Zyklus oder, wie er es nannte, „ein phantastisch-musikalisches Gedicht“ "Tageszeiten"– Morgen, Mittag, Nacht, ist Ausdruck dieses Konzepts. Er hinterließ eine Erläuterung seines konzeptionellen Weltmodells in Poesie und Prosa. Das Bild einer Person, Landschaft, Licht und Farbe fungieren als Symbole für den sich ständig verändernden Kreislauf des natürlichen und menschlichen Lebens.

Ein weiterer herausragender deutscher Maler der Romantik, Caspar David Friedrich (1774-1840), bevorzugte die Landschaft gegenüber allen anderen Genres und malte in seinem siebzigjährigen Leben ausschließlich Naturbilder. Das Hauptmotiv von Friedrichs Werk ist die Idee der Einheit von Mensch und Natur.

„Hören Sie auf die Stimme der Natur, die in uns spricht“, fordert der Künstler seine Schüler auf. Die innere Welt eines Menschen verkörpert die Unendlichkeit des Universums, daher kann ein Mensch, nachdem er sich selbst gehört hat, die spirituellen Tiefen der Welt begreifen.

Der Hörplatz bestimmt die Grundform der menschlichen „Kommunikation“ mit der Natur und ihrem Bild. Dies ist die Größe, das Geheimnis oder die Erleuchtung der Natur und der bewusste Zustand des Beobachters. Zwar lässt Friedrich sehr oft keine Figur in den Landschaftsraum seiner Bilder „eintreten“, aber in der subtilen Durchdringung der figurativen Struktur der ausgedehnten Flächen kann man die Präsenz eines Gefühls, einer menschlichen Erfahrung spüren. Der Subjektivismus in der Landschaftsdarstellung gelangt erst mit den Werken der Romantiker in die Kunst und kündigt die lyrische Offenlegung der Natur bei den Meistern des 2. Geschlechts an. 19. Jahrhundert Forscher stellen in Friedrichs Werken eine „Erweiterung des Repertoires“ an Landschaftsmotiven fest. Der Autor interessiert sich für das Meer, die Berge, die Wälder und verschiedene Schattierungen des Zustands der Natur zu verschiedenen Jahres- und Tageszeiten.

1811-1812 gekennzeichnet durch die Schaffung einer Reihe von Berglandschaften als Ergebnis der Reise des Künstlers in die Berge. „Morgen in den Bergen“ stellt malerisch eine neue Naturrealität dar, die in den Strahlen der aufgehenden Sonne auftaucht. Rosa-lila Töne umhüllen und nehmen ihnen Volumen und materielle Schwere. Die Jahre des Kampfes mit Napoleon (1812-1813) wandten Friedrich patriotischen Themen zu. Er illustriert, inspiriert von Kleists Drama, und schreibt „Grab des Arminius“- Landschaft mit den Gräbern antiker deutscher Helden.

Friedrich war ein subtiler Meister der Meereslandschaften: „Zeitalter“, „Mondaufgang über dem Meer“, „Der Tod von „Nadezhda“ im Eis“.

Die neuesten Werke des Künstlers sind „Rest in the Field“, „Big Swamp“ und „Memory of the Gigantic Mountains“, „Giant Mountains“ – eine Reihe von Gebirgszügen und Steinen im Vordergrund, verdunkelter Boden. Dies ist offenbar eine Rückkehr zum erlebten Gefühl des Sieges eines Menschen über sich selbst, zur Freude am Aufstieg zum „Gipfel der Welt“, zum Wunsch nach erhellenden, unbesiegten Höhen. Die Gefühle des Künstlers komponieren diese Bergmassen auf besondere Weise, und wieder lässt sich die Bewegung von der Dunkelheit der ersten Schritte bis zum zukünftigen Licht ablesen. Der Berggipfel im Hintergrund wird als Zentrum der spirituellen Bestrebungen des Meisters hervorgehoben. Das Bild ist, wie jede Schöpfung der Romantiker, sehr assoziativ und lässt unterschiedliche Ebenen der Lesart und Interpretation vermuten.

Friedrich ist sehr präzise in seiner Zeichnung, musikalisch harmonisch im rhythmischen Aufbau seiner Gemälde, in denen er versucht, durch die Emotionen von Farbe und Lichteffekten zu sprechen. „Vielen wird wenig gegeben, wenigen wird viel gegeben. Die Seele der Natur offenbart sich jedem anders. Daher wagt es niemand, einem anderen seine Erfahrungen und seine Regeln als zwingendes, bedingungsloses Gesetz zu vermitteln. Niemand ist der Maßstab für alle. „Jeder Mensch trägt in sich ein Maß nur für sich selbst und für mehr oder weniger mit ihm verbundene Naturen“, beweist diese Reflexion des Meisters die erstaunliche Integrität seines Innenlebens und seiner Kreativität. Die Einzigartigkeit des Künstlers ist nur in der Freiheit seiner Kreativität spürbar – dafür steht der romantische Friedrich.

Formeller erscheint die Abgrenzung zu den „klassischen“ Künstlern – Vertretern des Klassizismus eines anderen Zweigs der romantischen Malerei in Deutschland – den Nazarenern. Die in Wien gegründete und in Rom ansässige „Union des Heiligen Lukas“ (1809-1810) vereinte Meister mit der Idee, monumentale Kunst mit religiösen Themen wiederzubeleben. Das Mittelalter war die Lieblingsepoche der Romantiker. Doch in ihrer künstlerischen Suche wandten sich die Nazarener den Traditionen der Malerei zu Frührenaissance in Italien und Deutschland. Overbeck und Geforr waren die Initiatoren der neuen Allianz, der sich später Cornelius, J. Schnoff von Carolsfeld und Veit Furich anschlossen.

Diese Bewegung der Nazarener entsprach ihren eigenen Formen der Opposition gegen die klassizistischen Akademiker in Frankreich, Italien und England. In Frankreich beispielsweise gingen aus Davids Werkstatt die sogenannten „primitiven“ Künstler hervor, in England die Präraffaeliten. Im Sinne der romantischen Tradition betrachteten sie die Kunst als „Ausdruck der Zeit“, als „Geist des Volkes“, doch ihre thematischen oder formalen Vorlieben, die zunächst wie ein Slogan der Vereinigung klangen, verwandelten sich nach einiger Zeit in die Kunst dieselben doktrinären Prinzipien wie die der Akademie, die sie jedoch leugneten.

Die Kunst der Romantik in Frankreich auf besondere Weise entwickelt. Das erste, was sie von ähnlichen Bewegungen in anderen Ländern unterschied, war ihr aktiv-offensiver („revolutionärer“) Charakter. Dichter, Schriftsteller, Musiker und Künstler verteidigten ihre Positionen nicht nur durch die Schaffung neuer Werke, sondern auch durch die Teilnahme an Zeitschriften- und Zeitungspolemiken, die Forscher als „romantischen Kampf“ bezeichnen. Der berühmte V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz und viele andere Schriftsteller, Komponisten und Journalisten Frankreichs haben in romantischen Polemiken „ihre Federn geschärft“.

Die romantische Malerei in Frankreich entstand als Opposition zur klassizistischen Schule Davids, zur akademischen Kunst, die allgemein als „Schule“ bezeichnet wird. Dies muss jedoch umfassender verstanden werden: Es war ein Widerstand gegen die offizielle Ideologie der reaktionären Ära, ein Protest gegen ihre kleinbürgerlichen Beschränkungen. Daher der pathetische Charakter romantischer Werke, ihre nervöse Erregung, ihre Anziehungskraft auf exotische Motive, auf historische und literarische Themen, auf alles, was aus dem „langweiligen Alltag“ wegführen kann, daher dieses Spiel der Fantasie und manchmal auch das Gegenteil , Tagträumen und völliger Bewegungsmangel.

Vertreter der „Schule“, Akademiker, lehnten sich vor allem gegen die Sprache der Romantiker auf: ihre aufgeregte, heiße Farbgebung, ihre Modellierung der Form, nicht die für die „Klassiker“ übliche Statuenplastik, sondern aufgebaut auf starken Kontrasten von Farbflecken; ihre ausdrucksstarke Zeichnung, die bewusst auf Genauigkeit und klassische Präzision verzichtet; ihre kühne, manchmal chaotische Komposition, ohne Majestät und unerschütterliche Ruhe. Ingres, ein unerbittlicher Feind der Romantiker, sagte bis zu seinem Lebensende, dass Delacroix „mit einem verrückten Besen malt“, und Delacroix beschuldigte Ingres und alle Künstler der „Schule“, kalt, rational und bewegungslos zu sein, und nicht Schreiben, sondern „Malen“. Ihre Bilder. Dabei handelte es sich jedoch nicht um einen einfachen Zusammenstoß zweier kluger, völlig unterschiedlicher Individuen; es war ein Kampf zwischen zwei unterschiedlichen künstlerischen Weltanschauungen.

Dieser Kampf dauerte fast ein halbes Jahrhundert, die Romantik in der Kunst errang nicht leicht und nicht sofort Siege, und der erste Künstler dieser Bewegung war Theodore Gericault (1791-1824) – ein Meister heroischer Monumentalformen, der in seinem Werk beide Klassizisten vereinte Merkmale und Merkmale der Romantik selbst und schließlich ein kraftvoller realistischer Anfang, der Mitte des 19. Jahrhunderts großen Einfluss auf die Kunst des Realismus hatte. Doch zu Lebzeiten wurde er nur von wenigen engen Freunden geschätzt.

Der Name Theodore Jaricot ist mit den ersten glänzenden Erfolgen der Romantik verbunden. Bereits in seinen frühen Gemälden (Militärporträts, Pferdebilder) traten antike Ideale vor die direkte Wahrnehmung des Lebens zurück.

Im Salon zeigt Géricault 1812 ein Gemälde „Offizier der Imperial Horse Chasseurs während des Angriffs.“ Dies war das Jahr des Höhepunkts von Napoleons Ruhm und der militärischen Macht Frankreichs.

Die Komposition des Gemäldes präsentiert den Reiter aus einer ungewöhnlichen Perspektive eines „plötzlichen“ Moments, in dem sich das Pferd aufbäumte und der Reiter, während er eine fast vertikale Position des Pferdes beibehielt, dem Betrachter zugewandt war. Die Darstellung eines solchen Moments der Instabilität, der Unmöglichkeit einer Pose, verstärkt die Wirkung der Bewegung. Das Pferd hat einen Stützpunkt; es muss zu Boden fallen und sich in den Kampf hineinstürzen, der es in diesen Zustand gebracht hat. In diesem Werk kam viel zusammen: Gericaults bedingungsloser Glaube an die Möglichkeit, dass ein Mensch seine eigenen Kräfte beherrschen kann, eine leidenschaftliche Liebe zur Darstellung von Pferden und der Mut eines unerfahrenen Meisters, zu zeigen, was bisher nur Musik oder die Sprache der Poesie vermitteln konnte – die Spannung einer Schlacht, der Beginn eines Angriffs, die höchste Anspannung der Kräfte eines Lebewesens. Der junge Autor orientierte sich bei seinem Bild an der Vermittlung der Bewegungsdynamik und es war ihm wichtig, den Betrachter zum „Durchdenken“ anzuregen, die Zeichnung mit einer „inneren Vision“ und einem Gefühl dafür zu vervollständigen, was er darstellen wollte.

Frankreich hatte praktisch keine Tradition einer solchen Dynamik in der bildnerischen Erzählung der Romantik, außer vielleicht in den Reliefs gotischer Tempel. Als Gericault zum ersten Mal nach Italien kam, war er daher von der verborgenen Kraft von Michelangelos Kompositionen verblüfft. „Ich zitterte“, schreibt er, „ich zweifelte an mir selbst und konnte mich lange Zeit nicht von dieser Erfahrung erholen.“ Stendhal verwies jedoch schon früher in seinen polemischen Artikeln auf Michelangelo als Vorreiter einer neuen Stilrichtung in der Kunst.

Géricaults Gemälde verkündete nicht nur die Geburt eines neuen künstlerischen Talents, sondern war auch eine Hommage an die Leidenschaft und Enttäuschung des Autors über die Ideen Napoleons. Mehrere weitere Werke beziehen sich auf dieses Thema: „ Carabinieri-Offizier“, „Kürassieroffizier vor dem Angriff“, „Porträt eines Carabinieri“, „Verwundeter Kürassier“.

In der Abhandlung „Überlegungen zum Stand der Malerei in Frankreich“ schreibt er, dass „Luxus und Kunst ... zu einer Notwendigkeit und sozusagen Nahrung für die Fantasie geworden sind, die das zweite Leben eines zivilisierten Menschen darstellt.“ .. Da die Künste kein Gegenstand primärer Notwendigkeit sind, tauchen sie nur dann auf, wenn wesentliche Bedürfnisse befriedigt werden und wenn Überfluss vorhanden ist. Der von den Alltagssorgen befreite Mensch begann, das Vergnügen zu suchen, um die Langeweile loszuwerden, die ihn inmitten der Zufriedenheit unweigerlich überkommen würde.

Dieses Verständnis der erzieherischen und humanistischen Rolle der Kunst demonstrierte Gericault nach seiner Rückkehr aus Italien im Jahr 1818 – er begann, sich mit der Lithographie zu beschäftigen, die er am häufigsten reproduzierte andere Themen, einschließlich der Niederlage Napoleons ( „Rückkehr aus Russland“).

Gleichzeitig greift der Künstler das Bild des Untergangs der Fregatte „Medusa“ vor der Küste Afrikas auf, der die damalige Gesellschaft aufwühlte. Die Katastrophe ereignete sich aufgrund des Verschuldens eines unerfahrenen Kapitäns, der unter der Schirmherrschaft für die Position ernannt wurde. Die überlebenden Passagiere des Schiffes, der Chirurg Savigny und der Ingenieur Correar, sprachen ausführlich über den Unfall.

Dem sinkenden Schiff gelang es, ein Floß abzuwerfen, auf dem sich eine Handvoll geretteter Menschen befanden. Zwölf Tage lang wurden sie über das stürmische Meer getragen, bis sie die Erlösung fanden – das Schiff „Argus“.

Gericault interessierte sich für die Situation extremer Anspannung der geistigen und körperlichen Stärke des Menschen. Das Gemälde zeigte 15 Überlebende auf einem Floß, als sie die Argus am Horizont sahen. „Das Floß der Medusa“ war das Ergebnis einer langen Vorarbeit Künstler. Er fertigte viele Skizzen des tobenden Meeres an, Porträts geretteter Menschen im Krankenhaus. Zunächst wollte Gericault den Kampf der Menschen auf einem Floß miteinander zeigen, doch dann entschied er sich für das heroische Verhalten der Sieger der Meereselemente und die Nachlässigkeit des Staates. Die Menschen ertrug das Unglück tapfer, und die Hoffnung auf Erlösung ließ sie nicht los: Jede Gruppe auf dem Floß hatte ihre eigenen Eigenschaften. Beim Aufbau der Komposition wählte Gericault einen Blickwinkel von oben, der es ihm ermöglichte, die panoramische Abdeckung des Raumes (Meeresentfernungen sind sichtbar) zu kombinieren und alle Bewohner des Floßes ganz nah im Vordergrund darzustellen. Die Bewegung basiert auf dem Kontrast der kraftlos im Vordergrund liegenden Figuren und den ungestümen Figuren der Gruppe, die dem vorbeifahrenden Schiff Signale geben. Die Klarheit des Rhythmus der von Gruppe zu Gruppe zunehmenden Dynamik, die Schönheit nackter Körper und die dunkle Farbgebung des Bildes verleihen dem Bild eine gewisse Konventionalität. Für den wahrnehmenden Betrachter ist dies jedoch nicht der Kern der Sache, denn die Konventionen der Sprache helfen ihm sogar, das Wichtigste zu verstehen und zu spüren: die Fähigkeit eines Menschen zu kämpfen und zu siegen. Der Ozean brüllt. Das Segel ächzt. Die Seile klingeln. Das Floß bricht. Der Wind treibt die Wellen und zerreißt die schwarzen Wolken.

Ist das nicht Frankreich selbst, getrieben vom Sturm der Geschichte? – dachte Eugene Delacroix, der neben dem Gemälde stand. „Das Floß der Medusa schockierte Delacroix, er weinte und sprang wie verrückt aus Gericaults Werkstatt, die er oft besuchte.

Davids Kunst kannte solche Leidenschaften nicht.

Doch Gericaults Leben endete auf tragische Weise früh (er war unheilbar krank, nachdem er vom Pferd gestürzt war), und viele seiner Pläne blieben unvollendet.

Gericaults Innovation eröffnete neue Möglichkeiten, die Bewegung, die Romantiker erregte, die verborgenen Gefühle eines Menschen und die koloristische, strukturierte Ausdruckskraft des Bildes zu vermitteln.

Eugene Delacroix wurde auf seiner Suche Géricaults Erbe. Zwar wurde Delacroix doppelt so viel Leben geschenkt, und es gelang ihm nicht nur, die Richtigkeit der Romantik zu beweisen, sondern auch eine neue Richtung in der Malerei des 2. Stocks einzuläuten. 19. Jahrhundert – Impressionismus.

Bevor er anfing, selbstständig zu malen, studierte Eugene an der Schule von Lerain: Er malte nach dem Leben, kopierte die großen Rubens, Rembrandt, Veronese, Tizian im Louvre ... Der junge Künstler arbeitete 10-12 Stunden am Tag. Er erinnerte sich an die Worte des großen Michelangelo: „Malerei ist ein eifersüchtiger Liebhaber, sie erfordert den ganzen Menschen ...“

Nach Géricaults Demonstrationen war sich Delacroix bewusst, dass in der Kunst Zeiten starker emotionaler Umwälzungen angebrochen waren. Zunächst versucht er, anhand bekannter literarischer Handlungsstränge eine für ihn neue Ära zu begreifen. Sein Bild „Dante und Vergil“, präsentiert im Salon von 1822, ist ein Versuch, den kochenden Kessel, die „Hölle“ der Neuzeit, anhand der historischen Assoziationsbilder zweier Dichter zu betrachten: der Antike – Vergil und der Renaissance – Dante. Es war einmal, in seiner „Göttlichen Komödie“ nahm Dante Virgil als seinen Führer durch alle Sphären (Himmel, Hölle, Fegefeuer). In Dantes Werk entstand durch die mittelalterliche Erfahrung der Erinnerung an die Antike eine neue Renaissancewelt. Das Symbol der Romantik als Synthese von Antike, Renaissance und Mittelalter entstand im „Horror“ der Visionen von Dante und Vergil. Aber die komplexe philosophische Allegorie erwies sich als eine gute emotionale Veranschaulichung der Zeit vor der Renaissance und als unsterbliches literarisches Meisterwerk.

Delacroix wird versuchen, durch seinen eigenen Kummer eine direkte Antwort in den Herzen seiner Zeitgenossen zu finden. Die jungen Menschen jener Zeit brannten vor Freiheit und Hass auf die Unterdrücker und sympathisierten mit dem Befreiungskrieg Griechenlands. Der romantische Barde Englands, Byron, geht dorthin, um zu kämpfen. Delacroix erkennt die Bedeutung neue Ära in der Darstellung eines spezifischeren historischen Ereignisses – des Kampfes und Leidens des freiheitsliebenden Griechenlands. Er befasst sich mit der Verschwörung über den Tod der Bevölkerung der griechischen Insel Chios, die von den Türken erobert wurde. Im Salon von 1824 zeigt Delacroix ein Gemälde „Massaker auf der Insel Chios.“ vor der Kulisse einer endlosen Weite hügeligen Geländes. Der Künstler zeigt mehrere Gruppen verwundeter, erschöpfter Frauen und Kinder, die noch immer vom Rauch der Feuer und der andauernden Schlacht schreien. Sie hatten die letzten Minuten der Freiheit, bevor sich die Feinde näherten. Der Türke auf einem sich aufbäumenden Pferd rechts scheint über dem gesamten Vordergrund und den vielen Leidenden dort zu hängen. Die Körper und Gesichter leidenschaftlicher Menschen sind wunderschön. Übrigens schrieb Delacroix später, dass griechische Skulpturen von Künstlern in Hieroglyphen verwandelt wurden, die die wahre griechische Schönheit des Gesichts und der Figur verbargen. Doch indem er die „Schönheit der Seele“ in den Gesichtern der besiegten Griechen offenbart, dramatisiert der Maler die Ereignisse so sehr, dass er, um ein einheitliches dynamisches Spannungstempo aufrechtzuerhalten, große Anstrengungen unternimmt, um die Winkel zu verformen. Diese „Fehler“ wurden bereits durch das Werk von Géricault „behoben“, doch Delacroix demonstriert erneut das romantische Credo, dass Malerei „nicht die Wahrheit einer Situation, sondern die Wahrheit eines Gefühls“ ist.

Im Jahr 1824 verlor Delacroix seinen Freund und Lehrer Géricault. Und er wurde zum Anführer der neuen Malerei.

Jahre vergingen. Nach und nach erschienen die Bilder: „Griechenland auf den Ruinen von Missalunga“, „Der Tod des Sardanapalus“ und andere. Der Künstler wurde in offiziellen Kreisen der Malerei zum Außenseiter. Doch die Julirevolution von 1830 veränderte die Situation. Sie entfacht den Künstler mit der Romantik von Siegen und Erfolgen. Er malt ein Bild „Freiheit auf den Barrikaden.“

Im Jahr 1831 sahen die Franzosen im Pariser Salon erstmals Eugene Delacroix‘ Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“, das den „drei glorreichen Tagen“ gewidmet war. Julirevolution 1830. Das Gemälde beeindruckte seine Zeitgenossen mit seiner Kraft, Demokratie und Kühnheit in der künstlerischen Gestaltung. Der Legende nach rief ein angesehener Bürger aus: „Sie sagen – der Schulleiter? Besser gesagt: der Anführer der Rebellion! Nach der Schließung des Salons beeilte sich die Regierung, das Gemälde aus Angst vor der beeindruckenden und inspirierenden Anziehungskraft, die das Gemälde ausstrahlte, dem Autor zurückzugeben. Während der Revolution von 1848 wurde es erneut im Palais du Luxembourg öffentlich ausgestellt. Und wieder gaben sie es dem Künstler zurück. Erst nachdem das Gemälde 1855 auf der Weltausstellung in Paris ausgestellt wurde, gelangte es in den Louvre. Bis heute wird hier eine der besten Schöpfungen der französischen Romantik aufbewahrt – ein inspirierter Augenzeugenbericht und ein ewiges Denkmal für den Kampf des Volkes um seine Freiheit.

Welche künstlerische Sprache fand der junge französische Romantiker, um diese beiden scheinbar gegensätzlichen Prinzipien zu vereinen – eine breite, allumfassende Verallgemeinerung und eine konkrete Realität, die in ihrer Nacktheit grausam ist?

Paris der berühmten Julitage 1830. Die Luft ist mit blauem Rauch und Staub gesättigt. Eine wunderschöne und majestätische Stadt, die im Dunst aus Schießpulver verschwindet. In der Ferne kaum wahrnehmbar, aber stolz ragen die Türme der Kathedrale empor Notre Dame von Paris- ein Symbol der Geschichte, Kultur und des Geistes des französischen Volkes. Von dort, aus der verrauchten Stadt, über die Ruinen der Barrikaden, über die Leichen ihrer gefallenen Kameraden schreiten die Rebellen hartnäckig und entschlossen vor. Jeder von ihnen mag sterben, aber der Schritt der Rebellen ist unerschütterlich – sie sind vom Willen zum Sieg, zur Freiheit beseelt.

Diese inspirierende Kraft wird im Bild einer schönen jungen Frau verkörpert, die leidenschaftlich nach ihr ruft. Mit ihrer unerschöpflichen Energie, der freien und jugendlichen Schnelligkeit ihrer Bewegungen gleicht sie einer griechischen Göttin

Nike gewinnt. Ihre kräftige Figur ist in ein Chiton-Kleid gekleidet, ihr Gesicht mit idealen Gesichtszügen und brennenden Augen ist den Rebellen zugewandt. In einer Hand hält sie die Trikolore Frankreichs, in der anderen eine Waffe. Auf dem Kopf ist eine phrygische Mütze angebracht – ein altes Symbol der Befreiung aus der Sklaverei. Ihr Schritt ist schnell und leicht – wie Göttinnen gehen. Gleichzeitig ist das Bild der Frau real – sie ist die Tochter des französischen Volkes. Sie ist die treibende Kraft hinter der Bewegung der Gruppe auf den Barrikaden. Von ihr gehen wie von einer Lichtquelle im Zentrum der Energie Strahlen aus, die mit Durst und Siegeswillen aufgeladen sind. Diejenigen, die ihr nahe stehen, bringen auf ihre eigene Weise ihre Teilnahme an diesem ermutigenden und inspirierenden Aufruf zum Ausdruck.

Rechts ist ein Junge, ein Pariser Gamer, der mit Pistolen wedelt. Er ist der Freiheit am nächsten und gleichsam entzündet von ihrer Begeisterung und Freude am freien Impuls. In seiner schnellen, jungenhaft ungeduldigen Bewegung ist er seiner Inspiration sogar etwas voraus. Dies ist der Vorgänger des legendären Gavroche, den Victor Hugo zwanzig Jahre später im Roman „Les Misérables“ porträtiert: „Gavroche, voller Inspiration, strahlend, übernahm die Aufgabe, das Ganze in die Tat umzusetzen. Er huschte hin und her, ging hinauf, ging hinunter

nieder, stand wieder auf, machte Lärm, funkelte vor Freude. Es scheint, dass er hierher gekommen ist, um alle zu ermutigen. Hatte er ein Motiv dafür? Ja, natürlich, seine Armut. Hatte er Flügel? Ja, natürlich, seine Fröhlichkeit. Es war eine Art Wirbelsturm. Es schien die Luft zu erfüllen und überall gleichzeitig präsent zu sein ... Riesige Barrikaden spürten es auf ihren Bergrücken.“

Gavroche ist in Delacroix‘ Gemälde die Verkörperung der Jugend, des „schönen Impulses“, der freudigen Akzeptanz der hellen Idee der Freiheit. Zwei Bilder – Gavroche und Freiheit – scheinen sich zu ergänzen: Das eine ist Feuer, das andere eine davon entzündete Fackel. Heinrich Heine erzählte, wie die Figur des Gavroche bei den Parisern lebhafte Resonanz hervorrief. "Verdammt! - rief ein Lebensmittelhändler aus. „Diese Jungs haben wie Riesen gekämpft!“

Links ist ein Student mit einer Waffe. Zuvor galt es als Selbstporträt des Künstlers. Dieser Rebell ist nicht so schnell wie Gavroche. Seine Bewegung ist zurückhaltender, konzentrierter, bedeutungsvoller. Die Hände umklammern selbstbewusst den Lauf der Waffe, das Gesicht drückt Mut aus, den festen Willen, bis zum Ende durchzuhalten. Das ist ein zutiefst tragisches Bild. Der Student ist sich der Unvermeidlichkeit der Verluste bewusst, die die Rebellen erleiden werden, aber die Opfer machen ihm keine Angst – der Wille zur Freiheit ist stärker. Hinter ihm steht ein ebenso mutiger wie entschlossener Arbeiter mit Säbel. Zu Füßen der Freiheit liegt ein verwundeter Mann. Es fällt ihm schwer, wieder aufzustehen zur Freiheit, die Schönheit, für die er stirbt, aus ganzem Herzen zu sehen und zu fühlen. Diese Figur verleiht dem Klang von Delacroix‘ Leinwand ein scharf dramatisches Element. Wenn die Bilder von Gavroche, Liberty, einem Studenten, einem Arbeiter – fast Symbole, die Verkörperung des unnachgiebigen Willens der Freiheitskämpfer – den Betrachter inspirieren und aufrufen, dann ruft der verwundete Mann zum Mitgefühl auf. Der Mensch verabschiedet sich von der Freiheit, verabschiedet sich vom Leben. Er ist noch ein Impuls, eine Bewegung, aber bereits ein verblassender Impuls.

Seine Figur ist vorübergehend. Der Blick des Betrachters, immer noch fasziniert und mitgerissen von der revolutionären Entschlossenheit der Rebellen, fällt auf den Fuß der Barrikade, bedeckt mit den Leichen der ruhmreichen toten Soldaten. Der Tod wird vom Künstler in seiner ganzen Schlichtheit und Offensichtlichkeit dargestellt. Wir sehen die blauen Gesichter der Toten, ihre nackten Körper: Der Kampf ist gnadenlos, und der Tod ist derselbe unvermeidliche Begleiter der Rebellen, wie der schöne Inspirator der Freiheit.

Aber nicht genau das Gleiche! Von dem schrecklichen Anblick am unteren Bildrand heben wir erneut den Blick und sehen eine junge schöne Gestalt – nein! das Leben siegt! Die so sichtbar und greifbar verkörperte Idee der Freiheit ist so auf die Zukunft ausgerichtet, dass der Tod in ihrem Namen keine Angst macht.

Der Künstler stellt nur eine kleine Gruppe lebender und toter Rebellen dar. Doch die Verteidiger der Barrikade scheinen ungewöhnlich zahlreich zu sein. Die Zusammensetzung ist so aufgebaut, dass die Gruppe der Kämpfer nicht begrenzt und nicht in sich geschlossen ist. Sie ist nur ein Teil einer endlosen Lawine von Menschen. Der Künstler gibt sozusagen ein Fragment der Gruppe ab: Der Bilderrahmen schneidet die Figuren links, rechts und unten ab.

Typischerweise erhält die Farbe in den Werken von Delacroix einen hochemotionalen Klang und spielt eine entscheidende Rolle bei der Erzielung einer dramatischen Wirkung. Die Farben, mal tobend, mal verblassend, gedämpft, erzeugen eine spannungsgeladene Atmosphäre. In „Freiheit auf den Barrikaden“ weicht Delacroix von diesem Prinzip ab. Sehr präzise, ​​die Farbe sorgfältig auswählend und mit breiten Strichen auftragend, vermittelt der Künstler die Atmosphäre der Schlacht.

Aber die Farbgebung ist zurückhaltend. Delacroix legt den Schwerpunkt auf die Reliefmodellierung der Form. Dies war durch die figurative Lösung des Bildes erforderlich. Denn mit der Darstellung eines konkreten gestrigen Ereignisses hat der Künstler diesem Ereignis zugleich ein Denkmal gesetzt. Daher sind die Figuren fast skulptural. Daher stellt jedes Zeichen als Teil eines einzigen Bildes auch etwas in sich Geschlossenes dar, ist ein in eine abgeschlossene Form gegossenes Symbol. Daher hat Farbe nicht nur eine emotionale Wirkung auf die Gefühle des Betrachters, sondern hat auch eine symbolische Bedeutung. Im braungrauen Raum blitzt hier und da ein feierlicher Dreiklang aus Rot, Blau, Weiß auf – den Farben des Banners der Französischen Revolution von 1789. Die wiederholte Wiederholung dieser Farben erhält den kraftvollen Akkord der über den Barrikaden wehenden Trikolore aufrecht.

Delacroix‘ Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“ ist ein komplexes Werk von grandiosem Umfang. Hier vereinen sich die Verlässlichkeit der direkt gesehenen Tatsache und die Symbolik der Bilder; Realismus, der brutale Naturalismus und ideale Schönheit erreicht; rau, schrecklich und erhaben, rein.

Das Gemälde „Freiheit auf den Barrikaden“ festigte den Sieg der Romantik Französische Malerei. In den 30er Jahren zwei weitere historische Gemälde: „Schlacht von Poitiers“ Und „Mord am Bischof von Lüttich.“

1822 besuchte der Künstler Nordafrika, Marokko und Algerien. Die Reise hinterließ bei ihm einen unauslöschlichen Eindruck. In den 50er Jahren erschienen in seinem Werk Gemälde, die von Erinnerungen an diese Reise inspiriert waren: „Löwenjagd“, „Marokkaner sattelt ein Pferd“ usw. Helle Kontrastfarben verleihen diesen Gemälden einen romantischen Klang. In ihnen kommt die Breitstrichtechnik zum Vorschein.

Delacroix hielt als Romantiker den Zustand seiner Seele nicht nur durch die Sprache malerischer Bilder fest, sondern formalisierte seine Gedanken auch literarisch. Er beschrieb gut den Schaffensprozess eines romantischen Künstlers, seine Farbexperimente und Überlegungen zur Beziehung zwischen Musik und anderen Kunstformen. Seine Tagebücher wurden zur Lieblingslektüre für Künstler nachfolgender Generationen.

Die französische romantische Schule nahm bedeutende Veränderungen im Bereich der Skulptur (Rud und sein Relief „Marseillaise“) und der Landschaftsmalerei (Camille Corot mit seinen Licht-Luft-Bildern der Natur Frankreichs) vor.

Dank der Romantik nimmt die persönliche subjektive Vision des Künstlers die Form eines Gesetzes an. Der Impressionismus wird die Barriere zwischen Künstler und Natur völlig zerstören und die Kunst zum Eindruck erklären. Romantiker sprechen von der Vorstellungskraft des Künstlers, „der Stimme seiner Gefühle“, die es ihm ermöglicht, das Werk dann zu stoppen, wenn der Meister es für notwendig hält, und nicht, wie es akademische Maßstäbe der Vollständigkeit erfordern.

Wenn sich Gericaults Fantasien auf die Vermittlung von Bewegung konzentrierten, Delacroix auf die magische Kraft der Farbe und die Deutschen noch einen gewissen „Geist der Malerei“ hinzufügten, dann Spanisch Romantiker in der Person von Francisco Goya (1746-1828) zeigten die folkloristischen Ursprünge des Stils, seinen phantasmagorischen und grotesken Charakter. Goya selbst und sein Werk scheinen weit von einem stilistischen Rahmen entfernt zu sein, zumal der Künstler sehr oft den Gesetzen des Ausführungsmaterials (wenn er beispielsweise Gemälde für gewebte Spalierteppiche schuf) oder den Anforderungen des Auftraggebers folgen musste.

Seine Phantasmagorien kamen in Radierungsserien zum Vorschein „Caprichos“ (1797-1799),„Kriegskatastrophen“ (1810-1820),„Disparantes“ („Follies“)(1815-1820), Gemälde des „Hauses der Gehörlosen“ und der Kirche San Antonio de la Florida in Madrid (1798). Schwere Krankheit im Jahr 1792 führte zur völligen Taubheit des Künstlers. Nachdem er ein physisches und spirituelles Trauma erlitten hat, wird die Kunst des Meisters fokussierter, nachdenklicher und innerlich dynamischer. Wegen Taubheit geschlossen Außenwelt aktivierte Goyas inneres spirituelles Leben.

In Radierungen „Caprichos“ Goya erreicht eine außergewöhnliche Kraft darin, sofortige Reaktionen und schnelle Gefühle zu vermitteln. Die Schwarz-Weiß-Ausführung erhält dank der kräftigen Kombination großer Flecken und dem Fehlen der für Grafiken charakteristischen Linearität alle Eigenschaften eines Gemäldes.

Goya schafft die Wandgemälde der Kirche St. Antonius in Madrid, so scheint es, in einem Atemzug. Das Temperament des Pinselstrichs, die Lakonizität der Komposition, die Ausdruckskraft der Charaktereigenschaften, deren Typ Goya direkt aus der Masse übernommen hat, sind verblüffend. Der Künstler stellt das Wunder von Antonius von Florida dar, der den Ermordeten zum Aufstehen und Sprechen zwang, der den Namen des Mörders nannte und so einen Unschuldigen vor der Hinrichtung rettete. Die Dynamik der lebhaft reagierenden Menschenmenge vermittelt Goya sowohl in der Gestik als auch in der Mimik der dargestellten Personen. Im kompositorischen Schema der Verteilung der Gemälde im Raum der Kirche folgt der Maler Tiepolo, aber die Reaktion, die er beim Betrachter hervorruft, ist nicht barock, sondern rein romantisch, berührt die Gefühle jedes Betrachters und fordert ihn auf, sich sich selbst zuzuwenden.

Dieses Ziel wird vor allem im Gemälde „Conto del Sordo“ („Haus der Gehörlosen“) erreicht, in dem Goya seit 1819 lebte. Die Wände der Räume sind mit fünfzehn Kompositionen phantastischer und allegorischer Natur bedeckt. Sie wahrzunehmen erfordert tiefes Einfühlungsvermögen. Die Bilder erscheinen als bestimmte Visionen von Städten, Frauen, Männern usw. Die blinkende Farbe zieht zuerst eine Figur, dann eine andere hervor. Das Gemälde insgesamt ist dunkel, es wird von weißen, gelben, rosaroten Flecken dominiert, die die Sinne durch Blitze stören. Die Radierungen der Serie können als grafische Parallele zu „Das Haus der Gehörlosen“ betrachtet werden. „Disparanten“ .

Goya verbrachte die letzten 4 Jahre in Frankreich. Es ist unwahrscheinlich, dass er wusste, dass Delacroix sich nie von seinen „Caprichos“ getrennt hat. Und er konnte nicht ahnen, wie Hugo und Baudelaire von diesen Radierungen mitgerissen werden würden, welchen großen Einfluss seine Malerei auf Manet haben würde und wie in den 80er Jahren des 19. Jahrhunderts. V. Stasov wird russische Künstler einladen, seine „Kriegskatastrophen“ zu studieren.

Vor diesem Hintergrund wissen wir jedoch, welch großen Einfluss diese „stillose“ Kunst eines kühnen Realisten und inspirierten Romantikers auf die Kunstkultur des 19. und 20. Jahrhunderts hatte.

Die fantastische Welt der Träume verwirklicht auch der englische Romantiker William Blake (1757-1827) in seinen Werken. England war ein klassisches Land der romantischen Literatur. Byron. Die Shelleys wurden zum Banner dieser Bewegung weit über die Grenzen von Foggy Albion hinaus. In Frankreich wurden die Romantiker in der Zeitschriftenkritik während der „romantischen Schlachten“ als „Shakespeareaner“ bezeichnet. Das Hauptmerkmal der englischen Malerei war schon immer das Interesse an der menschlichen Persönlichkeit, was eine fruchtbare Entwicklung des Porträtgenres ermöglichte. Romantik in der Malerei ist sehr eng mit Sentimentalismus verbunden. Das Interesse der Romantiker am Mittelalter führte zu einer umfangreichen historischen Literatur. Der anerkannte Meister davon ist W. Scott. In der Malerei bestimmte das Thema des Mittelalters das Erscheinungsbild der sogenannten Peraphaeliten.

William Blake ist ein erstaunlicher Typ Romantiker in der englischen Kulturszene. Er schreibt Gedichte, illustriert eigene und fremde Bücher. Sein Talent strebte danach, die Welt in ganzheitlicher Einheit zu umarmen und auszudrücken. Zu seinen bekanntesten Werken zählen Illustrationen zum biblischen „Buch Hiob“, „Dantes Göttliche Komödie“, „ Ins verlorene Paradies„Milton. Er bevölkert seine Kompositionen mit gigantischen Heldenfiguren, die ihrer Umgebung einer unwirklichen, aufgeklärten oder phantasmagorischen Welt entsprechen. Ein Gefühl von rebellischem Stolz oder einer aufwendig aus Dissonanzen erzeugten Harmonie überwältigt seine Illustrationen.

Etwas anders wirken die Landschaftsstiche zu den „Pastoralen“ des römischen Dichters Vergil – sie sind idyllischer-romantisch als ihre bisherigen Werke.

Blakes Romantik versucht, ihre künstlerische Formel und Existenzform der Welt zu finden.

William Blake, der sein Leben in extremer Armut und Dunkelheit verbrachte, zählte nach seinem Tod zu den Klassikern der englischen Kunst.

In den Werken englischer Landschaftsmaler des frühen 19. Jahrhunderts. Romantische Hobbys werden mit einer objektiveren und nüchterneren Sicht auf die Natur kombiniert.

William Turner (1775-1851) schafft romantisch erhabene Landschaften. Er liebte es, Gewitter, Schauer, Stürme auf See und helle, feurige Sonnenuntergänge darzustellen. Turner übertrieb oft die Wirkung der Beleuchtung und verstärkte den Klang der Farben, selbst wenn er den ruhigen Zustand der Natur malte. Um eine größere Wirkung zu erzielen, verwendete er Aquarelltechniken und trug Ölfarbe in einer sehr dünnen Schicht auf und malte sie direkt auf den Untergrund, wodurch Regenbogentöne erzielt wurden. Ein Beispiel wäre das Bild „Regen, Dampf und Geschwindigkeit“(1844). Aber selbst der berühmte Kritiker der damaligen Zeit, Thackeray, konnte das vielleicht innovativste Bild sowohl im Konzept als auch in der Umsetzung nicht richtig verstehen. „Regen erkennt man an schmutzigen Kittflecken“, schrieb er, „die mit einem Spachtel auf die Leinwand geschmiert wurden. Sonnenlicht Unter sehr dicken Klumpen schmutziggelben Chroms bricht ein stumpfer Schimmer hervor. Die Schatten werden durch kalte Scharlachtöne und Zinnoberflecken in gedämpften Tönen vermittelt. Und obwohl das Feuer im Feuerraum der Lokomotive rot erscheint, kann ich nicht sagen, dass es nicht in Kabalt- oder Erbsenfarbe gestrichen ist.“ Ein anderer Kritiker fand, dass Turners Farbe die Farbe von „Rührei und Spinat“ habe. Die Farben des verstorbenen Turner schienen seinen Zeitgenossen im Allgemeinen völlig undenkbar und fantastisch. Es dauerte mehr als ein Jahrhundert, bis man in ihnen den Kern echter Beobachtungen erkennen konnte. Aber wie in anderen Fällen war es auch hier der Fall. Von einem Augenzeugen bzw. Zeugen der Geburt von „Rain, Steam and Speed“ ist eine interessante Geschichte überliefert. Eine gewisse Frau Simon reiste in einem Abteil des Western Express, ihr gegenüber saß ein älterer Herr. Er bat um Erlaubnis, das Fenster öffnen zu dürfen, steckte den Kopf in den strömenden Regen und blieb längere Zeit in dieser Position. Als er endlich das Fenster schloss. Das Wasser tropfte in Strömen von ihm, aber er schloss selig die Augen und lehnte sich zurück, offensichtlich genoss er das, was er gerade gesehen hatte. Eine neugierige junge Frau beschloss, seine Gefühle selbst zu erleben – sie steckte auch ihren Kopf aus dem Fenster. Ich wurde auch nass. Aber ich habe einen unvergesslichen Eindruck gewonnen. Stellen Sie sich ihre Überraschung vor, als sie ein Jahr später „Rain, Steam and Speed“ auf einer Ausstellung in London sah. Jemand hinter ihr bemerkte kritisch: „Extrem typisch für Turner, richtig. Eine solche Mischung aus Absurditäten hat noch nie jemand gesehen.“ Und sie konnte nicht widerstehen und sagte: „Ich habe es gesehen.“

Vielleicht ist dies das erste Bild eines Zuges in der Malerei. Der Standpunkt wurde von irgendwo oben aufgenommen, was eine breite Panoramaabdeckung ermöglichte. Der Western Express fliegt mit einer für die damalige Zeit absolut außergewöhnlichen Geschwindigkeit (über 150 km/h) über die Brücke. Darüber hinaus ist dies wahrscheinlich der erste Versuch, Licht durch Regen darzustellen.

Englische Kunst der Mitte des 19. Jahrhunderts. entwickelte sich in eine völlig andere Richtung als Turners Gemälde. Obwohl seine Fähigkeiten allgemein anerkannt waren, folgte ihm keiner der Jugendlichen.

Turner gilt seit langem als Vorreiter des Impressionismus. Es scheint, dass seine Suche nach Farbe aus der Welt von französischen Künstlern weiterentwickelt werden sollte. Aber das stimmt überhaupt nicht. Tatsächlich geht die Ansicht über Turners Einfluss auf die Impressionisten auf Paul Signacs Buch „Von Delacroix zum Neoimpressionismus“ aus dem Jahr 1899 zurück, in dem er beschrieb, wie „Claude Manet und Camille Pissarro 1871 während ihres langen Aufenthalts in London Turner entdeckten. Sie staunten über die selbstbewusste und magische Qualität seiner Farben, sie studierten seine Arbeit, analysierten seine Technik. Zuerst waren sie erstaunt über seine Darstellung von Schnee und Eis und schockiert über die Art und Weise, wie er mit breiten Pinselstrichen ein Gefühl von Weißheit des Schnees vermitteln konnte, das sie selbst nicht erreichen konnten, indem er große, silbrig-weiße Flecken verwendete . Sie sahen, dass dieser Eindruck nicht nur durch Tünche erreicht wurde. Und eine Menge bunter Striche. Nebeneinander aufgetragen, was aus der Ferne diesen Eindruck erweckte.“

In diesen Jahren suchte Signac überall nach Bestätigungen für seine Theorie des Pointillismus. Aber in keinem von Turners Gemälden, die französische Künstler 1871 in der Nationalgalerie sehen konnten, gibt es die von Signac beschriebene Pointillismus-Technik, noch gibt es tatsächlich „breite weiße Flecken“. Im Wesentlichen war Turners Einfluss auf die Franzosen stärker nicht in den 1870er Jahren, sondern in den 1890er Jahren.

Paul Signac studierte Turner am sorgfältigsten – nicht nur als Vorläufer des Impressionismus, über den er in seinem Buch schrieb, sondern auch als großen innovativen Künstler. Über Turners späte Gemälde „Regen, Dampf und Geschwindigkeit“, „Exil“, „Morgen“ und „Abend der Sintflut“ schrieb Signac an seinen Freund Angrand: „Dies sind keine Gemälde mehr, sondern Ansammlungen von Farben (Polychromie), Streuungen von.“ Edelsteine, Malerei an sich im wunderbaren Sinne des Wortes.“

Signacs enthusiastische Einschätzung markierte den Beginn des modernen Verständnisses von Turners bildnerischer Suche. In den letzten Jahren kommt es jedoch manchmal vor, dass sie den Subtext und die Komplexität der Richtungen seiner Suche nicht berücksichtigen und einseitig Beispiele aus Turners wirklich unvollendeten „Untermalungen“ auswählen und versuchen, in ihm den Vorläufer des Impressionismus zu entdecken.

Von allen neueren Künstlern bietet sich natürlich ein Vergleich mit Monet an, der selbst den Einfluss Turners auf ihn erkannte. Es gibt sogar eine Handlung, die für beide absolut ähnlich ist – nämlich das Westportal der Kathedrale von Rouen. Aber wenn Monet uns eine Studie über die Sonnenbeleuchtung eines Gebäudes schenkt, dann schenkt er uns nicht die Gotik, sondern eine Art nacktes Modell, bei Turner versteht man, warum der Künstler, ganz in der Natur versunken, von diesem Thema mitgerissen wurde – In seinem Bild fällt gerade die Kombination aus der überwältigenden Erhabenheit des Ganzen und der unendlichen Vielfalt an Details auf, die die Schöpfungen der gotischen Kunst den Werken der Natur näher bringt.

Sonderzeichen Englische Kultur und die romantische Kunst eröffnete die Möglichkeit des Auftretens des ersten Freilichtmalers, der im 19. Jahrhundert den Grundstein für die Licht-Luft-Darstellung der Natur legte: John Constable (1776-1837). Der Engländer Constable wählt die Landschaft als Hauptgenre seiner Malerei: „Die Welt ist großartig; es gibt keine zwei ähnlichen Tage oder auch nur zwei ähnliche Stunden; Seit der Erschaffung der Welt gab es nicht zwei identische Blätter an einem Baum, und alle Kunstwerke unterscheiden sich ebenso wie die Schöpfungen der Natur voneinander“, sagte er.

Constable malte große Freilichtskizzen in Öl mit subtilen Beobachtungen verschiedener Naturzustände. In ihnen gelang es ihm, die Komplexität des Innenlebens der Natur und ihres Alltagslebens zu vermitteln („Blick auf Highgate von den Hampstead Hills aus“, OK. 1834; „Heuwagen“ 1821; „Detham Valley“, ca. 1828) gelang dies mittels Schreibtechniken. Er malte mit bewegten Strichen, mal dick und grob, mal glatter und transparenter. Dazu werden die Impressionisten erst am Ende des Jahrhunderts kommen. Constables innovative Malerei beeinflusste die Werke von Delacroix sowie die gesamte Entwicklung der französischen Landschaft.

Constables Kunst sowie viele Aspekte von Gericaults Werk markierten die Entstehung einer realistischen Bewegung in der europäischen Kunst des 19. Jahrhunderts, die sich zunächst parallel zur Romantik entwickelte. Später trennten sich ihre Wege.

Romantiker eröffnen die Welt der menschlichen Seele, eines Individuums, anders als alle anderen, aber aufrichtig und daher allen sinnlichen Visionen der Welt nahe. Die Unmittelbarkeit des Bildes in der Malerei, wie Gelacroix sagte, und nicht seine Konsequenz in der literarischen Umsetzung bestimmte den Fokus der Künstler auf die komplexeste Bewegungsübertragung, für die neue formale und koloristische Lösungen gefunden wurden. Die Romantik hinterließ in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Spuren. all diese Probleme und künstlerische Individualität befreit von den Regeln des Akademismus. Das Symbol, das bei den Romantikern in der Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts den wesentlichen Zusammenhang von Idee und Leben zum Ausdruck bringen sollte. löst sich in der Polyphonie des künstlerischen Bildes auf und fängt die Vielfalt der Ideen und der umgebenden Welt ein.

b) Musik

Die Idee eines Gesamtkunstwerks fand ihren Ausdruck in der Ideologie und Praxis der Romantik. Die Musikromantik entwickelte sich in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts unter dem Einfluss der Literatur der Romantik und entwickelte sich in enger Verbindung mit dieser, mit der Literatur im Allgemeinen (Rückgriff auf synthetische Genres, vor allem Oper, Lied, Instrumentalminiaturen und Musikprogramme). Der für die Romantik charakteristische Appell an die innere Welt des Menschen drückte sich im Kult des Subjektiven aus, dem Verlangen nach emotionaler Intensität, das den Vorrang von Musik und Texten in der Romantik bestimmte.

Musik der 1. Hälfte des 19. Jahrhunderts. schnell weiterentwickelt. Eine neue Musiksprache ist entstanden; in der Instrumental- und Kammergesangsmusik hat die Miniatur einen besonderen Platz eingenommen; das Orchester erklang in einem vielfältigen Farbspektrum; die Möglichkeiten des Klaviers und der Violine wurden auf neue Weise offenbart; Die Musik der Romantiker war sehr virtuos.

Die musikalische Romantik manifestierte sich in vielen verschiedenen Zweigen, die mit unterschiedlichen nationalen Kulturen und unterschiedlichen sozialen Bewegungen verbunden waren. So besteht beispielsweise ein erheblicher Unterschied zwischen dem innigen, lyrischen Stil der deutschen Romantiker und dem „rednerischen“ bürgerlichen Pathos, das für die Werke französischer Komponisten charakteristisch ist. Im Gegenzug Vertreter neuer nationaler Schulen, die auf der Grundlage einer breiten nationalen Befreiungsbewegung entstanden (Chopin, Moniuszko, Dvorak, Smetana, Grieg), sowie Vertreter der italienischen Opernschule, die eng mit der Risorgimento-Bewegung verbunden ist (Verdi, Bellini) unterscheiden sich in vielerlei Hinsicht von ihren Zeitgenossen in Deutschland, Österreich oder Frankreich, insbesondere durch ihre Tendenz, klassische Traditionen zu bewahren.

Und doch sind sie alle von einigen gemeinsamen künstlerischen Prinzipien geprägt, die es uns ermöglichen, von einem einzigen romantischen Denksystem zu sprechen.

Dank der besonderen Fähigkeit der Musik, die reiche Welt menschlicher Erfahrungen tief und gefühlvoll zu offenbaren, wurde sie von der romantischen Ästhetik an die erste Stelle unter anderen Künsten gesetzt. Viele Romantiker betonten die intuitive Natur der Musik und schrieben ihr die Fähigkeit zu, das „Unerkennbare“ auszudrücken. Die Werke herausragender romantischer Komponisten hatten eine starke realistische Grundlage. Das Interesse am Leben der einfachen Menschen, die Fülle des Lebens und die Wahrheit der Gefühle sowie die Abhängigkeit von der Alltagsmusik bestimmten den Realismus der Werke der besten Vertreter der musikalischen Romantik. Reaktionäre Tendenzen (Mystik, Eskapismus) sind nur relativ wenigen Werken der Romantiker inhärent. Sie erschienen teilweise in Webers Oper „Euryanthe“ (1823), in einigen von Wagners Musikdramen, in Liszts Oratorium „Christus“ (1862) usw.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts erschienen grundlegende Studien zu Folklore, Geschichte und antiker Literatur; mittelalterliche Legenden, gotische Kunst und Renaissance-Kultur wurden wiederbelebt. Zu dieser Zeit entstanden in der kompositorischen Arbeit Europas viele nationale Schulen besonderer Art, die dazu bestimmt waren, die Grenzen der gesamteuropäischen Kultur deutlich zu erweitern. Russisch, das bald, wenn nicht den ersten, so doch einen der ersten Plätze im kulturellen Schaffen der Welt einnahm (Glinka, Dargomyschski, die „Kutschkisten“, Tschaikowsky), Polnisch (Chopin, Moniuszko), Tschechisch (Smetana, Dvorak), Ungarisch ( Liszt), dann Norwegisch (Grieg), Spanisch (Pedrel), Finnisch (Sibelius), Englisch (Elgar) – sie alle schlossen sich dem allgemeinen Mainstream der europäischen kompositorischen Kreativität an und widersetzten sich in keiner Weise den etablierten alten Traditionen. Es ist ein neuer Bilderkreis entstanden, der die nationalen Besonderheiten zum Ausdruck bringt Nationalkultur, zu dem der Komponist gehörte. Anhand der Intonationsstruktur eines Werkes können Sie anhand des Gehörs sofort erkennen, ob Sie einer bestimmten nationalen Schule angehören.

Komponisten integrieren die Intonationsmuster der alten, überwiegend bäuerlichen Folklore ihrer Länder in die gesamteuropäische Musiksprache. Sie reinigten sozusagen das russische Volkslied von der lackierten Oper, sie führten Liedwendungen volkstümlicher Genres in das kosmopolitische Intonationssystem des 18. Jahrhunderts ein. Das auffälligste Phänomen in der Musik der Romantik, das im Vergleich zur figurativen Sphäre des Klassizismus besonders deutlich zu erkennen ist, ist die Dominanz des lyrisch-psychologischen Prinzips. Natürlich Besonderheit Musikalische Kunst im Allgemeinen – die Brechung eines Phänomens durch die Sphäre der Gefühle. Musik aller Epochen unterliegt diesem Muster. Aber die Romantiker übertrafen alle ihre Vorgänger in der Bedeutung des lyrischen Prinzips in ihrer Musik, in der Kraft und Perfektion, die Tiefen der inneren Welt eines Menschen und die subtilsten Stimmungsnuancen zu vermitteln.

Das Thema Liebe nimmt darin einen dominanten Platz ein, denn es ist dieser Geisteszustand, der alle Tiefen und Nuancen der menschlichen Psyche am umfassendsten und vollständigsten widerspiegelt. Es ist jedoch höchst charakteristisch, dass sich dieses Thema nicht auf die Motive der Liebe im wörtlichen Sinne des Wortes beschränkt, sondern mit den unterschiedlichsten Phänomenen identifiziert wird. Die rein lyrischen Erfahrungen der Figuren werden vor dem Hintergrund eines breiten historischen Panoramas offenbart. Die Liebe eines Menschen zu seiner Heimat, zu seinem Vaterland, zu seinem Volk zieht sich wie ein roter Faden durch das Werk aller romantischen Komponisten.

In musikalischen Werken kleiner und großer Formen kommt dem Naturbild ein großer Stellenwert zu, das eng und untrennbar mit dem Thema des lyrischen Bekenntnisses verbunden ist. Wie Bilder der Liebe verkörpert das Bild der Natur den Geisteszustand des Helden, der so oft von einem Gefühl der Disharmonie mit der Realität geprägt ist.

Das Thema Fantasie konkurriert oft mit Naturbildern, was vermutlich aus dem Wunsch entsteht, der Gefangenschaft des wirklichen Lebens zu entfliehen. Typisch für die Romantiker war die Suche nach einer wunderbaren, farbenfrohen Welt im Gegensatz zum grauen Alltag. In diesen Jahren wurde die Literatur mit Märchen und Balladen russischer Schriftsteller bereichert. Für Komponisten der romantischen Schule erhalten märchenhafte, fantastische Bilder eine einzigartige nationale Färbung. Die Balladen sind von russischen Schriftstellern inspiriert, und dadurch entstehen Werke mit einem fantastisch-grotesken Plan, die sozusagen die Kehrseite des Glaubens symbolisieren und danach streben, die Vorstellungen von der Angst vor den Mächten des Bösen umzukehren.

Viele romantische Komponisten fungierten auch als Musikautoren und -kritiker (Weber, Berlioz, Wagner, Liszt usw.). Die theoretischen Arbeiten von Vertretern der progressiven Romantik leisteten einen ganz wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der wichtigsten Fragen der Musikkunst. Die Romantik fand auch in der darstellenden Kunst ihren Ausdruck (Geiger Paganini, Sänger A. Nurri usw.).

Die fortschrittliche Bedeutung der Romantik in dieser Zeit liegt hauptsächlich in den Aktivitäten Franz Liszt. Liszts Werk war trotz der widersprüchlichen Weltanschauung grundsätzlich fortschrittlich und realistisch. Einer der Begründer und Klassiker der ungarischen Musik, ein herausragender nationaler Künstler.

Ungarische Nationalthemen fanden in vielen Werken Liszts ihren Niederschlag. Liszts romantische, virtuose Werke erweiterten die technischen und ausdrucksstarken Möglichkeiten des Klavierspiels (Konzerte, Sonaten). Bedeutend waren Liszts Verbindungen zu Vertretern der russischen Musik, deren Werke er aktiv förderte.

Gleichzeitig spielte Liszt eine wichtige Rolle bei der Entwicklung der Weltmusikkunst. Nach Liszt sei „alles für das Klavier möglich geworden“. Die charakteristischen Merkmale seiner Musik sind Improvisation, romantische Hochstimmung und ausdrucksstarke Melodie. Liszt wird als Komponist, Interpret und Musiker geschätzt. Die Hauptwerke des Komponisten: die Oper „ Don Sancho oder das Schloss der Liebe„(1825), 13 symphonische Gedichte“ Tasso ”, ” Prometheus ”, “Weiler” und andere, Werke für Orchester, 2 Konzerte für Klavier und Orchester, 75 Romanzen, Chöre und andere ebenso berühmte Werke.

Eine der ersten Manifestationen der Romantik in der Musik war Kreativität Franz Schubert(1797-1828). Schubert ging als einer der größten Begründer der musikalischen Romantik und Schöpfer einer Reihe neuer Gattungen in die Musikgeschichte ein: der romantischen Sinfonie, der Klavierminiatur und des lyrisch-romantischen Liedes (Romanze). Die größte Bedeutung in seiner Arbeit ist Lied, in denen er besonders viele innovative Tendenzen zeigte. In Schuberts Liedern offenbart sich die innere Welt eines Menschen am tiefsten, seine charakteristische Verbindung zur Volksmusik kommt am deutlichsten zum Ausdruck, eines der bedeutendsten Merkmale seines Talents kommt am deutlichsten zum Ausdruck – die erstaunliche Vielfalt, Schönheit und der Charme der Melodien. Zu den besten Liedern der Frühzeit gehören „ Margarita am Spinnrad ”(1814) , “Waldkönig" Beide Lieder sind nach den Worten Goethes geschrieben. Im ersten Teil erinnert sich ein verlassenes Mädchen an ihre Geliebte. Sie ist einsam und leidet zutiefst, ihr Lied ist traurig. Die einfache und gefühlvolle Melodie wird nur vom monotonen Summen der Brise widergespiegelt. „Der Waldkönig“ ist ein komplexes Werk. Dies ist kein Lied, sondern eine dramatische Szene, in der drei Charaktere vor uns erscheinen: ein Vater, der auf einem Pferd durch den Wald galoppiert, ein krankes Kind, das er bei sich trägt, und ein furchterregender Waldkönig, der einem Jungen in einem Wald erscheint fieberhaftes Delirium. Jeder von ihnen ist mit seiner eigenen melodischen Sprache ausgestattet. Nicht weniger berühmt und beliebt sind Schuberts Lieder „Forelle“, „Barcarolle“ und „Morning Serenade“. Diese in späteren Jahren entstandenen Lieder zeichnen sich durch eine überraschend einfache und ausdrucksstarke Melodie und frische Farben aus.

Schubert schrieb auch zwei Liederzyklen – „ Schöne Müllersfrau„(1823) und „ Winterreise“ (1872) – nach den Worten des deutschen Dichters Wilhelm Müller. In jedem von ihnen werden die Lieder durch eine Handlung vereint. Die Lieder im Zyklus „Beautiful Miller's Wife“ erzählen von einem kleinen Jungen. Er folgt dem Lauf des Baches und begibt sich auf die Suche nach seinem Glück. Die meisten Lieder dieses Zyklus haben einen leichten Charakter. Die Stimmung des „Winter Retreat“-Zyklus ist völlig anders. Ein armer junger Mann wird von einer reichen Braut abgelehnt. In seiner Verzweiflung verlässt er seine Heimatstadt und begibt sich auf eine Weltreise. Seine Begleiter sind der Wind, ein Schneesturm und ein bedrohlich krächzender Rabe.

Die wenigen hier angeführten Beispiele ermöglichen es uns, über die Besonderheiten von Schuberts Liedschaffen zu sprechen.

Schubert liebte es zu schreiben Musik für Klavier. Er schrieb eine Vielzahl von Werken für dieses Instrument. Seine Klavierwerke waren wie Lieder der Alltagsmusik nahe und ebenso einfach und verständlich. Seine bevorzugten Kompositionsgenres waren Tänze, Märsche und in den letzten Jahren seines Lebens Impromptu.

Walzer und andere Tänze traten bei Schubert meist auf Bällen und bei Spaziergängen auf dem Land auf. Dort improvisierte er sie und nahm sie zu Hause auf.

Wenn man Schuberts Klavierstücke mit seinen Liedern vergleicht, kann man viele Gemeinsamkeiten feststellen. Zuallererst gibt es eine große melodische Ausdruckskraft, Anmut und ein farbenfrohes Nebeneinander von Dur und Moll.

Einer der größten Französisch Komponisten der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Georges Bizet, Schöpfer einer unsterblichen Schöpfung für das Musiktheater - Opern “Carmen„und wunderbare Musik zum Drama von Alphonse Daudet“ Arlesisch ”.

Bizets Werk zeichnet sich durch Präzision und Klarheit des Denkens, Neuheit und Frische der Ausdrucksmittel, Vollständigkeit und Anmut der Form aus. Bizet zeichnet sich durch die Schärfe der psychologischen Analyse im Verständnis menschlicher Gefühle und Handlungen aus, die für die Arbeit der großen Landsleute des Komponisten – der Schriftsteller Balzac, Flaubert, Maupassant – charakteristisch ist. Den zentralen Platz in Bizets genreübergreifendem Werk nimmt die Oper ein. Die Opernkunst des Komponisten entstand auf nationalem Boden und wurde von den Traditionen des französischen Operntheaters genährt. Als erste Aufgabe seines Schaffens sah Bizet die Überwindung der in der französischen Oper bestehenden Genrebeschränkungen, die ihre Entwicklung behinderten. Die „große“ Oper scheint ihm ein totes Genre zu sein, die lyrische Oper irritiert ihn mit ihrer Tränenfülle und kleinbürgerlichen Begrenztheit, die komische Oper verdient mehr Aufmerksamkeit als andere. Zum ersten Mal erscheinen in Bizets Oper reichhaltige und lebendige Alltags- und Massenszenen, die vitale und lebendige Szenen vorwegnehmen.

Musik von Bizet zum Drama von Alphonse Daudet „Arlesianer„ ist vor allem für zwei Konzertsuiten bekannt, die aus ihren besten Nummern bestehen. Bizet verwendete einige authentische provenzalische Melodien : „Marsch der Heiligen Drei Könige“ Und „Tanz der verspielten Pferde.“

Bizets Oper Carmen„ ist ein Musikdrama, das mit überzeugender Wahrhaftigkeit und atemberaubender künstlerischer Kraft vor dem Zuschauer die Liebes- und Todesgeschichte seiner Helden entfaltet: des Soldaten Jose und der Zigeunerin Carmen. Die Oper Carmen entstand auf der Grundlage der Traditionen des französischen Musiktheaters, brachte aber gleichzeitig viele neue Dinge mit sich. Basierend auf den besten Errungenschaften der Nationaloper und der Reformierung ihrer wichtigsten Elemente schuf Bizet ein neues Genre – das realistische Musikdrama.

In der Geschichte des Opernhauses des 19. Jahrhunderts nimmt die Oper „Carmen“ einen der ersten Plätze ein. 1876 ​​begann ihr Siegeszug auf den Bühnen der Opernhäuser in Wien, Brüssel und London.

Die Manifestation einer persönlichen Haltung gegenüber der Umwelt drückte sich bei Dichtern und Musikern vor allem in Spontaneität, emotionaler „Offenheit“ und Ausdrucksleidenschaft aus, in dem Wunsch, den Zuhörer durch die konstante Intensität des Anerkennungs- oder Bekenntnistons zu überzeugen.

Diese neuen Kunstrichtungen hatten einen entscheidenden Einfluss auf die Entstehung lyrische Oper. Sie entstand als Antithese zur „großen“ und komischen Oper, konnte aber deren Errungenschaften und Errungenschaften auf dem Gebiet des Operndramas und der musikalischen Ausdrucksmittel nicht außer Acht lassen.

Eine Besonderheit des neuen Operngenres war die lyrische Interpretation jeder literarischen Handlung – zu einem historischen, philosophischen oder modernen Thema. Die Helden der lyrischen Oper sind mit den Zügen gewöhnlicher Menschen ausgestattet, ohne die für die romantische Oper charakteristische Exklusivität und Übertreibung. Der bedeutendste Künstler auf dem Gebiet der lyrischen Oper war Charles Gounod.

Zu Gounods recht umfangreichem Opernerbe gehört die Oper „ Faust" nimmt einen besonderen und man könnte sagen exklusiven Platz ein. Ihr weltweiter Ruhm und ihre Popularität sind mit Gounods anderen Opern unübertroffen. Die historische Bedeutung der Oper „Faust“ ist besonders groß, weil sie nicht nur die beste, sondern im Wesentlichen die erste unter den Opern der neuen Richtung war, über die Tschaikowsky schrieb: „Es ist unmöglich zu leugnen, dass „Faust“ geschrieben wurde, wenn nicht brillant, dann mit außergewöhnlichem Können und ohne nennenswerte Originalität.“ Im Bild Fausts werden die akute Inkonsistenz und „Doppeltheit“ seines Bewusstseins, die ewige Unzufriedenheit, verursacht durch den Wunsch, die Welt zu verstehen, geglättet. Gounod gelang es nicht, die ganze Vielseitigkeit und Komplexität des Bildes von Goethes Mephistopheles zu vermitteln, der den Geist der militanten Kritik dieser Zeit verkörperte.

Einer der Hauptgründe für die Popularität von „Faust“ war, dass er die besten und grundlegend neuen Merkmale der jungen Gattung der lyrischen Oper in sich vereinte: die emotional direkte und anschaulich individuelle Vermittlung der Innenwelt der Opernhelden. Tief philosophische Bedeutung Goethes „Faust“, der am Beispiel des Konflikts der Hauptfiguren die historischen und sozialen Schicksale der gesamten Menschheit offenbaren wollte, wurde von Gounod in Form eines humanen lyrischen Dramas von Margarita und Faust verkörpert.

Französischer Komponist, Dirigent, Musikkritiker Hector Berlioz trat als größter romantischer Komponist, Schöpfer der Programmsymphonie, Erneuerer auf dem Gebiet der musikalischen Form, Harmonie und insbesondere der Instrumentierung in die Musikgeschichte ein. Die Merkmale revolutionären Pathos und Heldentums wurden in seinem Werk lebendig verkörpert. Berlioz kannte M. Glinka, dessen Musik er sehr schätzte. Er pflegte freundschaftliche Beziehungen zu den Anführern der „Mächtigen Handvoll“, die seine Schriften und kreativen Prinzipien begeistert annahmen.

Er schuf 5 musikalische Bühnenwerke, darunter Opern „ Benvenuto Chillini ”(1838), “ Trojaner ”,”Beatrice und Benedick„(nach Shakespeares Komödie „Viel Lärm um nichts“, 1862); 23 vokal-sinfonische Werke, 31 Romanzen, Chöre, er schrieb die Bücher „Große Abhandlung über moderne Instrumentierung und Orchestrierung“ (1844), „Abende im Orchester“ (1853), „Durch Lieder“ (1862), „Musikalische Kuriositäten“ ( 1859), „Memoirs“ (1870), Artikel, Rezensionen.

Deutsch Komponist, Dirigent, Dramatiker, Publizist Richard Wagner trat als einer der größten Musikschöpfer und bedeutenden Reformer der Opernkunst in die Geschichte der Weltmusikkultur ein. Das Ziel seiner Reformen war die Schaffung eines monumentalen Programms für vokalsinfonische Werke dramatische Form, entworfen, um alle Arten von Opern zu ersetzen und symphonische Musik. Ein solches Werk war ein Musikdrama, in dem die Musik in einem kontinuierlichen Strom fließt und alle dramatischen Verbindungen miteinander verbindet. Wagner verzichtete auf den fertigen Gesang und ersetzte ihn durch eine Art emotionsreiches Rezitativ. Einen großen Platz in Wagners Opern nehmen eigenständige Orchesterepisoden ein, die einen wertvollen Beitrag zur Weltsinfoniemusik darstellen.

Wagners Hand gehört zu 13 Opern: „ Der fliegende Holländer“ (1843), „Tannhäuser“ (1845), „Tristan und Isolde“ (1865), „Das Rheingold“ (1869) usw.; Chöre, Klavierstücke, Romanzen.

Ein weiterer herausragender deutscher Komponist, Dirigent, Pianist, Lehrer und Musiker war Felix Mendelssohn–Bartholdy. Im Alter von 9 Jahren begann er als Pianist aufzutreten und mit 17 Jahren schuf er eines seiner Meisterwerke – die Ouvertüre zur Komödie „ C er ist in einer Mittsommernacht“ Shakespeare. 1843 gründete er in Leipzig das erste Konservatorium Deutschlands. Mendelssohns Werk, „ein Klassiker unter den Romantikern“, vereint romantische Züge mit einer klassischen Denkweise. Seine Musik zeichnet sich durch helle Melodie, demokratischen Ausdruck, Mäßigung der Gefühle, ruhige Gedanken, das Vorherrschen leichter Emotionen, lyrische Stimmungen, nicht ohne einen leichten Hauch von Sentimentalität, makellose Formen und brillante Handwerkskunst aus. R. Schumann nannte ihn „Mozart des 19. Jahrhunderts“, G. Heine nannte ihn „ein musikalisches Wunder“.

Autor landschaftsromantischer Symphonien („schottisch“, „italienisch“), Programmkonzertouvertüren, eines beliebten Violinkonzerts, Stückzyklen für Klavier „Lied ohne Worte“; die Oper „Die Hochzeit von Camacho“. Er schrieb Musik für die dramatische Aufführung „Antigone“ (1841), „Ödipus auf Kolonos“ (1845) von Sophokles, „Athalia“ von Racine (1845) und „Ein Sommernachtstraum“ von Shakespeare (1843) und andere; Oratorien „Paul“ (1836), „Elia“ (1846); 2 Konzerte für Klavier und 2 für Violine.

IN Italienisch Die Musikkultur nimmt in der Geschichte von Giuseppe Verdi, einem herausragenden Komponisten, Dirigenten und Organisten, einen besonderen Platz ein. Das Hauptgebiet von Verdis Schaffen ist die Oper. Er fungierte vor allem als Sprecher der heroisch-patriotischen Gefühle und nationalen Befreiungsideen des italienischen Volkes. In den folgenden Jahren widmete er sich in seinen Opern den dramatischen Konflikten, die durch soziale Ungleichheit, Gewalt, Unterdrückung und das Aufdecken des Bösen hervorgerufen wurden. Charakteristische Merkmale von Verdis Werk: Volksmusik, dramatisches Temperament, melodische Helligkeit, Verständnis für die Gesetze der Bühne.

Er schrieb 26 Opern: „ Nabucco“, „Macbeth“, „Troubadour“, „La Traviata“, „Othello“, „Aida“" usw . , 20 Romanzen, Vokalensembles .

Jung norwegisch Komponist Edvard Grieg (1843-1907) strebte nach der Entwicklung der nationalen Musik. Dies kam nicht nur in seiner Arbeit zum Ausdruck, sondern auch in der Förderung der norwegischen Musik.

Während seiner Jahre in Kopenhagen schrieb Grieg viel Musik: „ Poetische Bilder“ Und "Humoreske" Sonate für Klavier und erste Violinsonate, Lieder. Mit jedem neuen Werk tritt Griegs Bild als norwegischer Komponist deutlicher hervor. In den subtilen lyrischen „Poetischen Bildern“ (1863) bahnen sich nationale Züge noch zaghaft ihren Weg. Die rhythmische Figur kommt häufig in der norwegischen Volksmusik vor; es wurde charakteristisch für viele von Griegs Melodien.

Griegs Kreativität ist groß und vielfältig. Grieg schrieb Werke verschiedener Genres. Das Klavierkonzert und die Balladen, drei Sonaten für Violine und Klavier und eine Sonate für Cello und Klavier sowie das Quartett zeugen von Griegs ständiger Vorliebe für groß angelegte Formen. Gleichzeitig blieb das Interesse des Komponisten an instrumentalen Miniaturen bestehen. Im gleichen Maße wie das Klavier fühlte sich der Komponist auch zu Kammergesangsminiaturen – Romanzen, Liedern – hingezogen. Ohne Griegs Hauptschwerpunkt ist das Feld des symphonischen Schaffens von Meisterwerken wie den Suiten geprägt. Pere Gounod ”, “Aus der Zeit Holbergs" Eine der charakteristischen Arten von Griegs Schaffen ist die Verarbeitung von Volksliedern und Tänzen: in Form einfacher Klavierstücke, eines Suite-Zyklus für Klavier zu vier Händen.

Griegs musikalische Sprache ist eindeutig einzigartig. Die Individualität des Stils des Komponisten wird vor allem durch seine tiefe Verbindung zur norwegischen Volksmusik bestimmt. Grieg verwendet in großem Umfang Genremerkmale, Intonationsstrukturen und rhythmische Formeln von Volksliedern und Tanzmelodien.

Griegs bemerkenswerte Beherrschung der Variations- und Variantenentwicklung der Melodie wurzelt in der Volkstradition, die Melodie mit ihren Veränderungen viele Male zu wiederholen. „Ich habe die Volksmusik meines Landes aufgenommen.“ Hinter diesen Worten verbirgt sich Griegs ehrfürchtige Haltung gegenüber der Volkskunst und die Anerkennung ihrer entscheidenden Rolle für seine eigene Kreativität.

7. ABSCHLUSS

Basierend auf all dem oben Gesagten können die folgenden Schlussfolgerungen gezogen werden:

Die Entstehung der Romantik wurde durch drei Hauptereignisse beeinflusst: die Große Französische Revolution, die Napoleonischen Kriege und den Aufstieg der nationalen Befreiungsbewegung in Europa.

Die Romantik als Methode und Richtung in der künstlerischen Kultur war ein komplexes und widersprüchliches Phänomen. In jedem Land hatte es einen starken nationalen Ausdruck. Romantiker besetzten unterschiedliche soziale und politische Positionen in der Gesellschaft. Sie alle rebellierten gegen die Ergebnisse der bürgerlichen Revolution, aber sie rebellierten auf unterschiedliche Weise, da jeder sein eigenes Ideal hatte. Aber bei aller Vielfalt und Vielfalt weist die Romantik stabile Merkmale auf:

Sie alle entsprangen der Ablehnung der Aufklärung und der rationalistischen Kanons des Klassizismus, die die schöpferische Initiative des Künstlers einschränkten.

Sie entdeckten das Prinzip des Historismus (Aufklärer beurteilten die Vergangenheit ahistorisch; für sie gab es „vernünftig“ und „unvernünftig“). Wir haben in der Vergangenheit menschliche Charaktere gesehen, die von ihrer Zeit geformt wurden. Das Interesse an der nationalen Vergangenheit hat zu zahlreichen historischen Werken geführt.

Interesse an einer starken Persönlichkeit, die sich der gesamten Welt um sie herum widersetzt und sich nur auf sich selbst verlässt.

Aufmerksamkeit für die innere Welt einer Person.

Die Romantik war sowohl in Westeuropa als auch in Russland weit verbreitet. Allerdings unterschied sich die Romantik in Russland aufgrund einer anderen historischen Situation und einer anderen kulturellen Tradition von Westeuropa. Der wahre Grund für die Entstehung der Romantik in Russland war der Vaterländische Krieg von 1812, in dem die volle Kraft der Volksinitiative demonstriert wurde.

Merkmale der russischen Romantik:

Die Romantik war kein Gegensatz zur Aufklärung. Die Ideologie der Aufklärung schwächte sich ab, brach aber nicht wie in Europa zusammen. Das Ideal eines aufgeklärten Monarchen hat sich noch nicht erschöpft.

Die Romantik entwickelte sich parallel zum Klassizismus und war oft mit diesem verflochten.

Die Romantik in Russland manifestierte sich in verschiedenen Kunstgattungen unterschiedlich. In der Architektur war es überhaupt nicht lesbar. In der Malerei versiegte es Mitte des 19. Jahrhunderts. In der Musik manifestierte es sich nur teilweise. Vielleicht manifestierte sich die Romantik nur in der Literatur konsequent.

In der bildenden Kunst manifestierte sich die Romantik am deutlichsten in Malerei und Grafik, weniger ausdrucksstark in Skulptur und Architektur.

Romantiker eröffnen die Welt der menschlichen Seele, eines Individuums, anders als alle anderen, aber aufrichtig und daher allen sinnlichen Visionen der Welt nahe. Die Unmittelbarkeit des Bildes in der Malerei, wie Delacroix sagte, und nicht seine Konsequenz in der literarischen Umsetzung bestimmte den Fokus der Künstler auf die komplexeste Bewegungsübertragung, für die neue formale und koloristische Lösungen gefunden wurden. Die Romantik hinterließ in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Spuren. all diese Probleme und künstlerische Individualität befreit von den Regeln des Akademismus. Das Symbol, das bei den Romantikern in der Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts den wesentlichen Zusammenhang von Idee und Leben zum Ausdruck bringen sollte. löst sich in der Polyphonie des künstlerischen Bildes auf und fängt die Vielfalt der Ideen und der umgebenden Welt ein. Romantik in der Malerei ist eng mit Sentimentalismus verbunden.

Dank der Romantik nimmt die persönliche subjektive Vision des Künstlers die Form eines Gesetzes an. Der Impressionismus wird die Barriere zwischen Künstler und Natur völlig zerstören und die Kunst zum Eindruck erklären. Romantiker sprechen von der Vorstellungskraft des Künstlers, „der Stimme seiner Gefühle“, die es ihm ermöglicht, das Werk dann zu stoppen, wenn der Meister es für notwendig hält, und nicht, wie es akademische Maßstäbe der Vollständigkeit erfordern.

Die Romantik hinterließ eine ganze Ära in der künstlerischen Weltkultur. Ihre Vertreter waren: in der russischen Literatur Schukowski, A. Puschkin, M. Lermontow und andere; in den bildenden Künsten E. Delacroix, T. Gericault, F. Runge, J. Constable, W. Turner, O. Kiprensky, A. Venetsianov, A. Orlorsky, V. Tropinin und andere; in der Musik F. Schubert, R. Wagner, G. Berlioz, N. Paganini, F. Liszt, F. Chopin und andere. Sie entdeckten und entwickelten neue Genres, schenkten dem Schicksal der menschlichen Persönlichkeit große Aufmerksamkeit, enthüllten die Dialektik von Gut und Böse, meisterhaft offenbarte menschliche Leidenschaften usw.

Die Kunstgattungen waren mehr oder weniger gleich wichtig und brachten großartige Kunstwerke hervor, obwohl die Romantiker der Musik den Vorrang auf der Kunstleiter einräumten.

Die Romantik in Russland als Weltanschauung existierte in ihrer ersten Welle vom Ende des 18. Jahrhunderts bis in die 1850er Jahre. Die Linie der Romantik in der russischen Kunst endete nicht in den 1850er Jahren. Das von den Romantikern für die Kunst entdeckte Thema des Seinszustandes wurde später von den Künstlern der Blauen Rose weiterentwickelt. Die direkten Erben der Romantiker waren zweifellos die Symbolisten. Romantische Themen, Motive und Ausdruckstechniken haben Eingang in die Kunst verschiedener Stile, Trends und kreativer Assoziationen gefunden. Die romantische Weltanschauung oder Weltanschauung erwies sich als eine der lebendigsten, hartnäckigsten und fruchtbarsten.

Die Romantik als allgemeine, vor allem für die Jugend charakteristische Haltung, als Wunsch nach idealer und gestalterischer Freiheit lebt in der Weltkunst noch immer fort.

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18. Filimonova S.V. Geschichte der künstlerischen Weltkultur. – Mozyr: White Wind, 1997.

Albitova Tatyana und Mukhametyanova Ilmira

Präsentation über romantische Künstler des 19. Jahrhunderts.

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Folienunterschriften:

Künstlerische Kultur des 19. Jahrhunderts Romantik in der Malerei Die Präsentation wurde vorbereitet von: Schülern der 11. Klasse der MBOU-Sekundarschule Nr. 8 in Noyabrsk Tatyana Albitova und Ilmira Mukhametyanova Leiterin Victoria Aleksandrovna Kalashnikova

Ziel: Kennenlernen der Kunst der Romantik in der Malerei

Romantik Romantik (französisch romantisme) ist ein Phänomen der europäischen Kultur im 18.-19. Jahrhundert und stellt eine Reaktion auf die Aufklärung und den durch sie vorangetriebenen wissenschaftlichen und technischen Fortschritt dar; ideologische und künstlerische Richtung in der europäischen und amerikanischen Kultur des späten 18. Jahrhunderts – der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Es zeichnet sich durch eine Bestätigung des inneren Wertes des spirituellen und kreativen Lebens des Einzelnen, die Darstellung starker (oft rebellischer) Leidenschaften und Charaktere sowie einer vergeistigten und heilenden Natur aus. Im 18. Jahrhundert waren Berglandschaften und malerische Ruinen die bevorzugten Motive der Künstler. Seine Hauptmerkmale sind dynamische Komposition, volumetrische Räumlichkeit, satte Farben und Hell-Dunkel.

Romantik in der Malerei In der bildenden Kunst manifestierte sich die Romantik am deutlichsten in der Malerei und Grafik, weniger jedoch in der Architektur. In ihren Leinwänden gehorchten die Künstler nur dem Ruf ihrer eigenen Seele, hingebungsvoll großartige Aufmerksamkeit ausdrucksstarke Darstellung der Gefühle und Erfahrungen einer Person. Die Malerei der Romantik zeichnete sich durch „eine schreckliche Schaffenskraft auf alle möglichen Arten“ aus. Favorit Ausdrucksmittel Die romantische Malerei zeichnet sich durch Farbe, Beleuchtung, Liebe zum Detail, Emotionalität, Pinselstrich und Textur aus.

Caspar David Friedrich deutscher Künstler. Geboren am 5. September 1774 in Greifswald in der Familie eines Seifenmachers. 1790 erhielt er seinen ersten Zeichenunterricht. Von 1794 bis 1798 studierte Friedrich Bildende Kunst an der Akademie der Künste in Kopenhagen. Von 1794 bis 1798 studierte er an der Kopenhagener Kunstakademie. Bis 1807 beschäftigte er sich ausschließlich mit Zeichentechniken, danach wandte er sich der Technik zu Ölgemälde. Der Hauptexponent von Davids emotionaler Belastung ist leicht. Es erzeugt nicht die Illusion von Licht, sondern lässt Objekte und Figuren bizarre und geheimnisvolle Schatten werfen. 1835 erlitt der Künstler eine Lähmung und arbeitete seitdem nicht mehr Ölfarben, beschränkt auf kleine Sepiazeichnungen. Der Künstler starb in Armut am 7. Mai 1840 in Dresden. „Ein Gemälde sollte als Gemälde, als eine Schöpfung menschlicher Hände wahrgenommen werden und uns nicht mit einer vollkommenen Ähnlichkeit mit der Natur täuschen“ (K.D. Friedrich)

Werke von David Friedrich: „Wanderer über dem Nebelmeer“ (1817-1818) „Landschaft mit Regenbogen“, 1809, Staatliche Kunstsammlung Weimar

Carl Eduard Ferdinand Blechen (29. Juli 1798, Cottbus – 23. Juli 1840, Berlin) Seine reguläre künstlerische Ausbildung begann erst 1822 an der Berliner Akademie bei dem Landschaftsmaler P. L. Lütke. Aufgrund eines unerfüllten Verhältnisses zum Lehrer brach K. Blechen jedoch mit der akademischen Schule ab und ging in die Sächsische Schweiz. Von 1824 bis 1827 arbeitete er als Theatergestalter in Berlin. Blechen ist ein Landschaftskünstler auf seinem Gebiet. Nach seiner Reise in den Süden werden seine Kompositionen freier und stilistisch realer. Er gilt als einer der ersten deutschen „Industrie“-Künstler, der die aufstrebende Industriemacht der neuen Zeit verherrlichte. Karl Blechen starb im Alter von 42 Jahren als psychisch kranker Mann.

Blechens Werke: Im Berliner Tiergarten, 1825 Im Park der Villa d'Este, 1830

Zerbombter Turm des Heidelberger Schlosses, ca. 1830 Bau der Teufelsbrücke, 1830-32

Ferdinan Victor Eugene Delacroix „Mein Herz“, schrieb er, „fängt immer an, schneller zu schlagen, wenn ich vor einer riesigen Wand stehe und darauf warte, von meinem Pinsel berührt zu werden.“ Französischer Maler und Grafiker, Anführer des romantischen Trends in Europäische Malerei. Seine Eltern starben, als er noch sehr jung war. Im Jahr 1815 war der junge Mann sich selbst überlassen. Und er traf eine Entscheidung, indem er in die Werkstatt des berühmten Klassikers Pierre Narcisse Guerin (1774-1833) eintrat. Im Jahr 1816 wurde Delacroix Student an der Ecole des Beaux-Arts, wo Guerin lehrte. In den 1850er Jahren wurde seine Anerkennung unbestreitbar. 1851 wurde der Künstler in den Pariser Stadtrat gewählt. 1855 wurde ihm der Orden der Ehrenlegion verliehen. Im selben Jahr wurde Delacroix‘ persönliche Ausstellung im Rahmen der Pariser Weltausstellung organisiert. Delacroix starb am 13. August 1863 im Alter von 65 Jahren still und unbemerkt an einem Rückfall einer Halskrankheit in seinem Pariser Haus.

Delacroix' Werke: „Algerische Frauen in ihren Zimmern.“ 1834 Öl auf Leinwand. 180x229 cm. Louvre, Paris. „Ein tödlich verwundeter Räuber, der seinen Durst löscht.“ 1825

„...Wenn ich nicht für mein Heimatland gekämpft habe, dann lasst mich wenigstens für sein Heimatland schreiben.“ (Eugene Delacroix) Freiheit führt das Volk, 1830, Louvre

Francisco José de Goya y Lucientes spanischer Maler und Kupferstecher. Goyas freiheitsliebende Kunst zeichnet sich durch kühne Innovation, leidenschaftliche Emotionalität, Fantasie, scharfe Charakterisierung und sozial orientierte Groteske aus: - Pappen für die königliche Tapisseriewerkstatt („Das Spiel des Blinden“, 1791), – Porträts („Die Familie von König Karl IV.“, 1800), - Wandgemälde (in der Kapelle der Kirche San Antonio de la Florida, 1798, Madrid, im „Haus der Gehörlosen“, 1820-23), Grafiken (die „Caprichos“-Serie, 1797-98, „Kriegskatastrophen“, 1810-20), - Gemälde („Aufstand vom 2. Mai 1808 in Madrid“ und „Hinrichtung der Rebellen in der Nacht vom 3. Mai 1808“ – beide ca. 1814).

„Maja gekleidet“ Um 1803, Prado, Madrid „Maja nackt“ 1800, Prado, Madrid

„Der Wasserträger“ 1810 „Antonia Zarate“ 1811, Eremitage, St. Petersburg

Fazit: Romantiker eröffnen die Welt der menschlichen Seele, eines Individuums, anders als alle anderen, aber aufrichtig und daher allen sinnlichen Visionen der Welt nahe. Die Unmittelbarkeit des Bildes in der Malerei, wie Delacroix sagte, und nicht seine Konsequenz in der literarischen Umsetzung bestimmte den Fokus der Künstler auf die komplexeste Bewegungsübertragung, für die neue formale und koloristische Lösungen gefunden wurden. Die Romantik hinterließ in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Spuren. all diese Probleme und künstlerische Individualität befreit von den Regeln des Akademismus. Das Symbol, das bei den Romantikern in der Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts den wesentlichen Zusammenhang von Idee und Leben zum Ausdruck bringen sollte. löst sich in der Polyphonie des künstlerischen Bildes auf und fängt die Vielfalt der Ideen und der umgebenden Welt ein.

Liste der verwendeten Literatur: Verwendete Materialien von der Website http://francegothic.boom.ru http://wikipedia. ru. http://www. labellefrance. ru http://www. Geo-Welt. ru http://www.fos.ru

Die Präsentation wurde vorbereitet von: Tatyana Albitova und Ilmira Mukhametyanova, Schülerinnen der 11. Klasse

Kunst ist, wie wir wissen, äußerst vielfältig. Eine Vielzahl an Genres und Richtungen ermöglicht jedem Autor die größtmögliche Verwirklichung seines eigenen Genres. kreatives Potenzial und gibt dem Leser die Möglichkeit, genau den Stil zu wählen, der ihm gefällt.

Eine der beliebtesten und zweifellos schönsten Kunstrichtungen ist die Romantik. Dieser Trend verbreitete sich Ende des 18. Jahrhunderts und erfasste die europäische und amerikanische Kultur, erreichte aber später auch Russland. Die Hauptgedanken der Romantik sind der Wunsch nach Freiheit, Vollkommenheit und Erneuerung sowie die Verkündigung des Rechts auf menschliche Unabhängigkeit. Seltsamerweise hat sich dieser Trend in absolut allen wichtigen Kunstformen (Malerei, Literatur, Musik) weit verbreitet und ist wirklich weit verbreitet. Daher sollten wir genauer betrachten, was Romantik ist, und auch ihre berühmtesten Persönlichkeiten aus dem In- und Ausland erwähnen.

Romantik in der Literatur

In diesem Bereich der Kunst tauchte ein ähnlicher Stil zunächst in Westeuropa auf, nach der bürgerlichen Revolution in Frankreich im Jahr 1789. Die Hauptidee romantischer Schriftsteller war die Leugnung der Realität, Träume von einer besseren Zeit und ein Aufruf zum Kampf für einen Wertewandel in der Gesellschaft. In der Regel ist die Hauptfigur ein Rebell, der allein handelt und nach der Wahrheit sucht, was ihn wiederum wehrlos und verwirrt gegenüber der Welt um ihn herum macht, weshalb die Werke romantischer Autoren oft von Tragödien durchdrungen sind.

Wenn wir diese Richtung beispielsweise mit dem Klassizismus vergleichen, dann zeichnete sich die Ära der Romantik durch völlige Handlungsfreiheit aus – Schriftsteller zögerten nicht, verschiedene Genres zu verwenden, sie zu vermischen und einen einzigartigen Stil zu schaffen, der auf einem basierte auf die eine oder andere Weise nach dem lyrischen Prinzip. Die aktuellen Ereignisse der Werke waren mit außergewöhnlichen, manchmal sogar fantastischen Ereignissen gefüllt, in denen sich die innere Welt der Charaktere, ihre Erfahrungen und Träume direkt manifestierten.

Romantik als Genre der Malerei

Auch die bildende Kunst geriet unter den Einfluss der Romantik und basierte hier auf den Ideen berühmter Schriftsteller und Philosophen. Die Malerei als solche veränderte sich mit dem Aufkommen dieser Bewegung völlig; in ihr tauchten neue, völlig ungewöhnliche Bilder auf. Themen der Romantik befassten sich mit dem Unbekannten, einschließlich ferner exotischer Länder, mystischen Visionen und Träumen und sogar den dunklen Tiefen des menschlichen Bewusstseins. In ihrer Arbeit stützten sich Künstler weitgehend auf das Erbe antiker Zivilisationen und Epochen (Mittelalter, Alter Osten usw.).

Auch die Richtung dieses Trends im zaristischen Russland war eine andere. Wenn europäische Autoren antibürgerliche Themen berührten, dann schrieben russische Meister über das Thema Antifeudalismus.

Das Verlangen nach Mystik war deutlich geringer ausgeprägt als bei westlichen Vertretern. Inländische Persönlichkeiten hatten eine andere Vorstellung von Romantik, die sich in ihrer Arbeit in Form eines teilweisen Rationalismus zeigt.

Diese Faktoren wurden von grundlegender Bedeutung für die Entstehung neuer Kunstrichtungen auf dem Territorium Russlands, und dank ihnen kennt das Weltkulturerbe die russische Romantik als solche.

Die nationale Konsolidierung, verstärkt durch den patriotischen Aufschwung des Vaterländischen Krieges von 1812, äußerte sich in einem gesteigerten Interesse an der Kunst und in einem verstärkten Interesse am nationalen Leben im Allgemeinen. Die Popularität von Ausstellungen an der Akademie der Künste wächst. Seit 1824 finden sie regelmäßig statt – alle drei Jahre. Das Journal of Fine Arts beginnt mit der Veröffentlichung. Das Sammeln macht sich immer mehr bemerkbar. Neben dem Museum der Akademie der Künste entstand 1825 in der Eremitage die „Russische Galerie“. In den 1810er Jahren Das „Russische Museum“ von P. Svinin wurde eröffnet.

Der Sieg im Vaterländischen Krieg von 1812 war einer der Gründe für die Entstehung eines neuen Ideals, das auf der Idee einer unabhängigen, stolzen, von starken Leidenschaften überwältigten Persönlichkeit basierte. In der Malerei etablierte sich ein neuer Stil – die Romantik, die nach und nach den als offiziellen Stil geltenden Klassizismus ablöste, in dem religiöse und mythologische Themen vorherrschten.

Bereits in frühe Gemälde K. L. Bryullova (1799-1852) „Italienischer Nachmittag“, „Bathseba“ zeigte nicht nur das Können und die Brillanz der Fantasie des Künstlers, sondern auch die Romantik seiner Weltanschauung. K. P. Bryullovs Hauptwerk „Der letzte Tag von Pompeji“ ist vom Geist des Historismus durchdrungen; sein Hauptinhalt ist nicht die Leistung eines einzelnen Helden, sondern das tragische Schicksal einer Masse von Menschen. Dieses Bild spiegelte indirekt die tragische Atmosphäre des Despotismus des Regimes von Nikolaus I. wider, es wurde zu einem Ereignis öffentliches Leben Zustände.

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Die Romantik manifestierte sich in der Porträtmalerei von O. A. Kiprensky (1782-1836). Seit 1812 schuf der Künstler grafische Porträts von Teilnehmern des Vaterländischen Krieges, die mit ihm befreundet waren. Als eine der besten Schöpfungen von O. A. Kiprensky gilt das Porträt von A. S. Puschkin, nach dessen Betrachtung der große Dichter schrieb: „Ich sehe mich wie in einem Spiegel, aber dieser Spiegel schmeichelt mir.“

Die Traditionen der Romantik wurden vom Marinemaler I.K. Aivazovsky (1817-1900) entwickelt. Seine Werke, die die Größe und Kraft der Meereselemente nachbildeten, brachten ihm weltweite Berühmtheit („Die Neunte Welle“, „Das Schwarze Meer“). Er widmete viele Gemälde den Heldentaten russischer Seeleute („ Chesme-Kampf", "Schlacht von Navarino"). Während des Krimkrieges 1853-1856. Im belagerten Sewastopol organisierte er eine Ausstellung seiner Schlachtengemälde. Anschließend stellte er anhand von Skizzen aus der Natur in mehreren Gemälden die heroische Verteidigung Sewastopols dar.

V. A. Tropinin (1776-1857), aufgewachsen in der sentimentalistischen Tradition des späten 18. Jahrhunderts, erlebte den enormen Einfluss der neuen romantischen Welle. Der Künstler, selbst ein ehemaliger Leibeigener, schuf eine Galerie mit Bildern von Handwerkern, Dienern und Bauern, die ihnen Züge spirituellen Adels verlieh („Spitzenklöpplerin“, „Näherin“). Details des Alltagslebens und der Arbeitsaktivitäten bringen diese Porträts der Genremalerei näher.

Die Kunst der Romantik hat im Kern den spirituellen und schöpferischen Wert des Einzelnen als Hauptthema für Philosophie und Reflexion. Es erschien Ende des 18. Jahrhunderts und zeichnet sich durch romantische Motive aus, die mit verschiedenen Kuriositäten und malerischen Ereignissen oder Landschaften verbunden sind. Im Kern stand die Entstehung dieser Strömung im Gegensatz zum Klassizismus, und der Vorbote ihres Auftretens war der Sentimentalismus, der in der damaligen Literatur recht deutlich zum Ausdruck kam.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts blühte die Romantik auf und vertiefte sich vollständig in sinnliche und emotionale Bilder. Darüber hinaus war eine sehr wichtige Tatsache das Umdenken in der Einstellung zur Religion in dieser Zeit sowie das Aufkommen des Atheismus, der sich in Kreativität ausdrückte. Die Werte von Gefühlen und tief empfundenen Erfahrungen stehen im Vordergrund, und es gibt auch eine allmähliche öffentliche Anerkennung der Präsenz der Intuition in einem Menschen.

Romantik in der Malerei

Die Richtung zeichnet sich durch die Betonung erhabener Themen aus, die für diesen Stil bei jeder kreativen Tätigkeit von grundlegender Bedeutung sind. Sinnlichkeit wird auf jede mögliche und akzeptable Weise ausgedrückt, und das ist der wichtigste Unterschied dieser Richtung.

(Christiano Banti „Galilei vor der römischen Inquisition“)

Unter den Begründern der philosophischen Romantik sind Novalis und Schleiermacher hervorzuheben, aber Theodore Gericault zeichnete sich in dieser Hinsicht in der Malerei aus. In der Literatur sind besonders prominente Schriftsteller der Romantik zu nennen – die Brüder Grimm, Hoffmann und Heine. In vielen europäischen Ländern entwickelte sich dieser Stil unter starkem deutschen Einfluss.

Die Hauptmerkmale sind:

• romantische Noten, die im Werk deutlich zum Ausdruck kommen;
• märchenhafte und mythologische Anmerkungen auch in völlig märchenfremder Prosa;
• philosophische Überlegungen zum Sinn des menschlichen Lebens;
• Vertiefung in das Thema Persönlichkeitsentwicklung.

(Friedrich Caspar David „Mondaufgang über dem Meer“)

Wir können sagen, dass die Romantik durch Noten der Kultivierung der Natur und der Natürlichkeit der menschlichen Natur sowie der natürlichen Sinnlichkeit gekennzeichnet ist. Auch die Einheit des Menschen mit der Natur wird verherrlicht, und auch Bilder der Ritterzeit, umgeben von einer Aura von Adel und Ehre, sowie Reisende, die sich leicht auf romantische Reisen einlassen, erfreuen sich großer Beliebtheit.

(John Martin „Macbeth“)

Ereignisse in der Literatur oder Malerei entwickeln sich um die stärksten Leidenschaften der Charaktere herum. Helden waren schon immer Individuen, die zum Abenteurertum neigten und mit dem Schicksal und der Vorherbestimmung des Schicksals spielten. In der Malerei ist die Romantik perfekt durch fantastische Phänomene gekennzeichnet, die den Prozess der Persönlichkeitsbildung und spirituellen Entwicklung eines Menschen veranschaulichen.

Romantik in der russischen Kunst

In der russischen Kultur war die Romantik in der Literatur besonders ausgeprägt, und es wird angenommen, dass die ersten Manifestationen dieses Trends in der romantischen Poesie von Schukowski zum Ausdruck kommen, obwohl einige Experten glauben, dass seine Werke dem klassischen Sentimentalismus nahe stehen.

(V. M. Vasnetsov „Aljonuschka“)

Die russische Romantik zeichnet sich durch die Freiheit von klassischen Konventionen aus, und diese Bewegung zeichnet sich durch romantisch-dramatische Handlungsstränge und lange Balladen aus. Tatsächlich ist dies die neueste Idee über das Wesen des Menschen sowie über die Bedeutung von Poesie und Kreativität im Leben der Menschen. In dieser Hinsicht erhält dieselbe Poesie eine ernstere, bedeutungsvollere Bedeutung, obwohl das Schreiben von Gedichten früher als gewöhnlicher, leerer Spaß galt.

(Fjodor Alexandrowitsch Wassiljew „Tauwetter“)

Am häufigsten wird in der russischen Romantik das Bild der Hauptfigur als einsamer und zutiefst leidender Mensch geschaffen. Es sind Leiden und emotionale Erfahrungen, denen Autoren sowohl in der Literatur als auch in der Malerei die größte Aufmerksamkeit schenken. Im Wesentlichen handelt es sich hierbei um eine ewige Bewegung zusammen mit verschiedenen Gedanken und Überlegungen und um den Kampf eines Menschen mit ständigen Veränderungen in der ihn umgebenden Welt.

(Orest Kiprensky „Porträt des lebenden Husarenoberst E.V. Davydov“)

Der Held ist normalerweise ziemlich egozentrisch und rebelliert ständig gegen die vulgären und materiellen Ziele und Werte der Menschen. Die Abschaffung materieller Werte zugunsten spiritueller und persönlicher Werte wird gefördert. Zu den beliebtesten und farbenfrohsten Charakteren Russlands, die in diesem Rahmen entstanden sind kreative Richtung, können wir die Hauptfigur aus dem Roman „Ein Held unserer Zeit“ hervorheben. Es ist dieser Roman, der die Motive und Töne der Romantik dieser Zeit sehr deutlich zeigt.

(Ivan Konstantinovich Aivazovsky „Fischer am Meeresufer“)

Das Gemälde zeichnet sich durch märchenhafte und folkloristische Motive aus, romantisch und voller Träume. Alle Arbeiten sind möglichst ästhetisch ansprechend und weisen korrekte, schöne Strukturen und Formen auf. In dieser Richtung haben harte Linien und geometrische Formen sowie zu helle und kontrastreiche Farbtöne keinen Platz. Dabei kommen komplexe Strukturen und viele kleine, sehr wichtige Details im Bild zum Einsatz.

Romantik in der Architektur

Die Architektur der Romantik ähnelt an sich Märchenschlössern und ist unglaublich luxuriös.

(Blenheim Palace, England)

Die markantesten und berühmtesten Bauwerke dieser Zeit zeichnen sich aus durch:

• die Verwendung von Metallstrukturen, die in dieser Zeit eine neue Erfindung waren und eine ziemlich einzigartige Innovation darstellten;
• komplexe Silhouetten und Designs, die unglaubliche Kombinationen wunderschöner Elemente beinhalten, darunter Türmchen und Erkerfenster;
• Reichtum und Vielfalt architektonischer Formen, Fülle unterschiedlicher Technologiekombinationen zur Verwendung von Eisenlegierungen mit Stein und Glas;
• das Gebäude erhält optische Leichtigkeit; schlanke Formen ermöglichen es, auch sehr große Gebäude mit minimaler Sperrigkeit zu schaffen.

Die berühmteste Brücke dieser Zeit wurde 1779 in England gebaut und über den Severn River geworfen. Es ist recht kurz, nur knapp über 30 Meter, aber es war das erste Bauwerk dieser Art. Später wurden Brücken mit einer Länge von mehr als 70 Metern gebaut und nach einigen Jahren begann man, beim Bau von Gebäuden Gusseisenkonstruktionen zu verwenden.

Die Gebäude hatten bis zu 4-5 Stockwerke und die Innenaufteilung war durch asymmetrische Formen gekennzeichnet. Auch an den Fassaden dieser Epoche ist Asymmetrie zu erkennen und schmiedeeiserne Gitter an den Fenstern unterstreichen die entsprechende Stimmung. Sie können auch Buntglasfenster verwenden, was besonders für Kirchen und Kathedralen wichtig ist.