Was ist musikalische Literatur in einer Musikschule? Krippe: Musikalische Literatur. Die Entwicklung des romantischen Genres in der russischen Musik

Städtische autonome Einrichtung
zusätzliche Ausbildung
„Kunstschule für Kinder“
Zadonsky Gemeindebezirk Region Lipezk

Werkzeugkasten
Für die Musikabteilungen der Kinderkunstschule

"Ein kurzer Kurs in Musikliteratur"

Alter von 8 bis 16 Jahren

Zusammengestellt von: Lehrer
Musiktheoretische Disziplinen
Komowa Alla Wassiljewna

Zadonsk
2015

Der „Kurzkurs Musikalische Literatur“ soll den gesamten Lehrgang dieses Faches in der Kindermusikschule zusammenfassen. Hier werden alle grundlegenden Informationen über Komponisten, ihre berühmtesten Werke sehr kurz vorgestellt, die wichtigsten Epochen der Welt kurz betrachtet. musikalische Kultur werden die Grundbegriffe musikalischer Gattungen, Formen und Elemente musikalischer Sprache vermittelt.

1. Polyphonie ist Polyphonie. BEI polyphones Werk Es kann zwei bis fünf Stimmen geben, von denen sich jede unabhängig voneinander entwickelt, aber sie sind alle in ein musikalisches Gewebe verwoben. Die Polyphonie war während der Renaissance (XVI - XVII Jahrhundert) durch herausragende polyphone Musiker in der 1. Hälfte des 17. Jahrhunderts weit verbreitet. waren: Deutsche Komponisten Georg Friedrich Händel, Georg Philipp Telemann, Engländer - Henry Purcell, Französischer Komponist Jean Baptiste Lully.
In Italien stach Antonio Vivaldi hervor. Seine Violinkonzerte und die Suite „Die Jahreszeiten“ sind weithin bekannt. In Frankreich die berühmtesten Komponisten - Cembalisten: Jean Philippe Rameau, Francois Couperin, Louis Claude Daken. Sonaten für Cembalo des italienischen Komponisten Domenico Scarlatti sind heute sehr beliebt.
Doch der große deutsche Komponist Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) gilt zu Recht als „Vater“ der Polyphonie, sein Werk ist groß und facettenreich.
Bach wurde in der deutschen Stadt Eisenach geboren. Dort verbrachte er seine Kindheit, wo er Orgel, Geige und Cembalo spielen lernte. Ab seinem 15. Lebensjahr lebte er selbstständig: zunächst in der Stadt Lüneburg, dann zog er auf der Suche nach Arbeit in die Stadt Weimar, wo er als Kirchenorganist diente und hier seine besten Orgelwerke schrieb: Toccata und Fuge in d-Moll, Orgel Choralvorspiele und Fuge. Dann zieht er in die Stadt Köthen.
In Köthen dient er als Hofmusiker des Fürsten von Köthen, hier schrieb er die besten Klavierwerke: den 1. Band des HTC (Wohltemperiertes Klavier), 6 englische und 6 französische Suiten, Inventionen, Chromatische Fantasie und Fuge .
Seine letzten Lebensjahre verbrachte Bach in Leipzig. Hier wirkte er als Leiter der Chorsängerschule (Kantor) an der Thomaskirche und schrieb viele Chorwerke: "Messe in h-Moll", "Passion nach Johannes", "Passion nach Matthäus" und andere beste Beispiele für Kantaten und Oratorien. Hier schrieb er den 2. Band des CTC.

IST. Bach wurde zum Schöpfer der polyphonen Musik. Niemand hat Polyphonie besser geschrieben als er. Seine drei Söhne wurden ebenfalls berühmte Komponisten, aber der Name Johann Sebastian Bach ging in die Geschichte ein Musikalische Kunst für immer! Seine Musik ist ewig und den Menschen verständlich – sie lebt.

2. Klassische Wiener Schule.

Das kreative Richtung in Musik spätes XVIII- Anfang des 19. Jahrhunderts in Wien (der Hauptstadt des österreichischen Reiches) gegründet. Drei Komponisten gehören ihr an: Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven. In ihrer Arbeit wurde ein Sonaten-Symphonie-Zyklus gebildet. Ihre Werke sind in Form und Inhalt perfekt (also klassisch). Deshalb wurden sie die großen Wiener Klassiker genannt.
Die Musik der Komponisten der Wiener Klassik ist nach wie vor ein unübertroffenes Beispiel für Komposition (klassisch - eine der Bedeutungen des Wortes - vorbildlich). Schule - hier der Begriff der Nachfolge, d.h. Fortführung und Verbesserung der Traditionen und Ideen seines Vorgängers durch einen Komponisten.
Die Wiener Klassiker verwendeten ein neues musikalisches Lager (eine Art, musikalisches Denken auszudrücken) - homophon-harmonisch, wo es eine melodische Hauptstimme gibt und der Rest der Stimmen die Melodie begleitet (sie wird begleitet). In ihrer Arbeit wird eine 8-taktige (quadratische) Periode gebildet. Dies liegt an der Verwendung von österreichischen und deutschen Volksthemen. Die Harmonik wird von den Dreiklängen der Hauptschritte T, S, D dominiert.

Joseph Haydn (1732-1809) war der älteste der Wiener Klassiker. Die Gattungen Sonate, Symphonie, Konzert und Quartett formten sich schließlich in seinem Schaffen. Er wird der „Vater“ der Symphonie genannt (er hat mehr als 100 davon). Seine Musik basiert auf den Themen von Volkstänzen und Liedern, die er mit großem Können entwickelt. In seiner Arbeit wurde auch die Zusammensetzung des Symphonieorchesters gebildet, bestehend aus drei Gruppen Instrumente - Streicher, Bläser und Schlagzeug. Fast sein ganzes Leben lang diente er als Hofmusiker des Fürsten Esterhazy und schuf 104 Symphonien, 52 Sonaten, Konzerte und 83 Quartette. Aber der Höhepunkt waren seine 12 Londoner Sinfonien, die Oratorien The Seasons und The Creation, die er am Ende seines Lebens in London schrieb.

Der deutsche Komponist W. A. ​​​​Mozart (1756-1791) wurde ein Anhänger von Haydns Werk. Seine helle Musik ist immer noch modern - ein Paradebeispiel Klassizismus. Schon früh begann er Sonaten, Sinfonien und Opern zu komponieren. Unter Verwendung von Haydns Sonaten-Sinfonien-Zyklus entwickelte und bereicherte ihn Mozart. Wenn bei Haydn der Kontrast zwischen Haupt- und Seitenstimme nicht ausgeprägt ist, dann hat bei Mozart die Hauptstimme einen ganz anderen Charakter als die Seitenstimme und die Durchführung (Mittelteil) ist daher gesättigter. Mozarts Musik vermittelt mit erstaunlicher Kraft sowohl traurige tragische Stimmungen ("Requiem") als auch humorvolle Bilder und schöne Natur. Mozarts Musik zeichnet sich durch ihre Schönheit und Anmut aus. Mozart ist der Autor vieler Opern, von denen die berühmtesten sind: Die Hochzeit des Figaro, Die Zauberflöte, Don Giovanni. Er hat etwa 50 Symphonien (die berühmtesten sind g-Moll Nr. 40 und Jupiter Nr. 41), viele Sonaten, Konzerte für Klavier, Violine, Oboe, Flöte, Divertissements.

Ludwig
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Beethoven (1770-1827) - der dritte Wiener Klassiker.
Der große deutsche Komponist wurde in Bonn geboren. Zeitgenosse der Großen Französische Revolution, verkörperte er in seiner Musik das rebellische Pathos, den Traum von Freiheit und Glück der Menschheit. Er schuf 9 Symphonien (die berühmtesten: in c-Moll Nr. 5, Nr. 9), eine Reihe von Ouvertüren („Coriolanus“, „Egmont“, „Leonore“); 32 Sonaten („Moonlight“ Nr. 14, „Pathetic“ Nr. 8, „Appassionata“ Nr. 23 usw.), Oper „Fidelio“, 5 Klavierkonzerte, Violinkonzert und Sonaten für Violine, 16 Streichquartette. Beethovens Werk ist voller Energie, der Themenkontrast sehr hell, seine Musik dramatisch und zugleich lebensbejahend und dem Verständnis aller Menschen zugänglich.

3. Die Ära der Romantik in der Musik.

Romantik ist eine Kunstrichtung, die zu Beginn des 19. Jahrhunderts entstand, in der Zeit der Reaktion nach der französischen bürgerlichen Revolution. Kunstmenschen konnten damals die Realität nicht wahrheitsgemäß wiedergeben und mussten entweder in die Welt der Fantasie gehen oder reflektieren Innere die Gefühle und Emotionen einer Person.

In der Musik war der erste romantische Komponist Franz Schubert (1797-1828) – der große österreichische Liedermacher (er hat mehr als 600 von ihnen).
In seiner Jugend musste er viele Verluste hinnehmen. Einmal allein in Wien lebte er bei Freunden und Bekannten und war voller Hoffnung auf eine wunderbare Zukunft. Seine Lieder in dieser Zeit sind von leichtem Inhalt (der Zyklus "Der schöne Müller"). Aber allmählich beginnt er zu verstehen, dass das Leben nicht so wolkenlos ist, wie es ihm schien, dass das Schicksal eines Musikers Armut und Not ist. In dem Song „The Organ Grinder“ malte er sein eigenes Porträt – einen von der Gesellschaft verstoßenen Sänger. Düstere Stimmungen spiegeln sich im Zyklus "Winterweg", "Schwanengesang". Solche Meisterwerke wie die Ballade "Waldkönig", "Margarita am Spinnrad" wurden nach Goethes Worten geschrieben. „Serenade“ Schubert hat sich fest ins Repertoire eingetragen berühmte Sänger. Neben Liedern schrieb Schubert auch 8 Symphonien (die bekannteste ist die „Unvollendete“ in h-Moll Nr. 8 in zwei Teilen). Er hat auch viele kleine Klavierwerke: musikalische Momente, Impromptu, Ökossaisen, Walzer.
Schubert starb sehr früh – im Alter von 31 Jahren, aber es gelang ihm, mit seinen Werken den Auftritt von Anhängern seines Werkes vorzubereiten.

Einer von ihnen war der polnische Klavierkomponist Fryderyk Chopin (1810-1849).
Seine Musik ist brillant. Obwohl er ausschließlich für Klavier schrieb, erschloss er dennoch eine ganze Welt - von den geheimen Abgründen menschlicher Gefühle bis hin zu einfachen Szenen des Dorflebens.
Er wandte sich den polnischen Nationalgenres zu - Mazurkas, Polonaisen, Walzer - und zeigte sie mit verschiedene Parteien. Seine Mazurkas können zum Beispiel Ballsaal sein oder einem einfachen Dorftanz ähneln. Polonaise – mal brillant, mal tragisch.
Auch Walzer haben einen sehr vielfältigen Charakter, und seine Etüden sprengen den Rahmen einer rein technischen Arbeit – das sind schon Konzertstücke – Gemälde. Chopins Präludien sind klein, aber sehr unterschiedlich in den Schattierungen der Gefühle, die in ihnen berührt werden. Chopins Nocturnes sind Beispiele für Melodie und Harmonie. Chopin ist der Schöpfer eines neuen Genres der Klaviermusik – des Balladengenres. Er hat auch Sonaten. Chopins Trauermarsch ist jedem bekannt – das ist der 3. Satz der h-Moll-Sonate.
Fryderyk Chopin ist der Lieblingskomponist vieler Pianisten. Seit 1927 ist Warschau regelmäßig Gastgeber des World Chopin Piano Competition.

Der dritte Romantiker der ausländischen Musik ist Robert Schumann (1810 - 1856).
Das ist ein großer deutscher Komponist – ein Träumer und Erfinder. Er hatte eine erstaunliche Fähigkeit, Menschen in der Musik darzustellen, oft mit Humor. Der Klavierzyklus „Karneval“ ist sein bekanntestes Werk. Er schrieb viele kleine Stücke für Pianoforte, „Album für die Jugend“, „Schmetterlinge“, 3 Sonaten, „Symphonische Etüden“ und andere Werke.

4. Russische Musikkultur.

Michail Iwanowitsch Glinka (1804-1857)
Der große russische Komponist ist der Begründer der nationalen klassischen Musik.
Nach dem Abitur am Universitäts-Adligen Internat reiste er viel durch Europa und studierte die Musik fremder Länder (Italien, Deutschland, Österreich). Als er in seine Heimat zurückkehrte, machte sich Glinka daran, eine russische nationale Musikschule zu gründen, und er schaffte es.
Glinka sammelte und verarbeitete Russisch Volkslieder und schrieb seine Werke unter Verwendung ihrer Intonationen und kleidete sie in strenge klassische Formen.
Glinka ist Autor von etwa 80 Romanzen und Liedern, darunter solche Meisterwerke wie „Zweifel“, „Ich erinnere mich an einen wunderbaren Moment“, „Lerche“ und andere.
Seine erste Oper nach einer historischen Handlung, Ein Leben für den Zaren (Ivan Susanin).
Aus dieser Oper entstand ein Zweig der russischen historischen Oper (sie wurde zu einem Modell dieses Genres). Glinkas zweite Oper wurde auf der Handlung von A. S. Puschkins Märchen „Ruslan und Ljudmila“ geschrieben. Sie legte den Grundstein für den Russen Märchenoper.
Darüber hinaus "ist die gesamte russische symphonische Musik in Glinkas Kamarinskaya enthalten, wie eine Eiche in einer Eichel." - schrieb P. I. Tschaikowsky. Es ist wirklich so. Neben „Kamarinskaja“ schrieb Glinka zwei Ouvertüren zu spanischen Themen „Jota von Aragon“ und „Nacht in Madrid“, und seine „Walzer-Fantasie“ ist ein Beispiel für schöne Texte in Instrumentalmusik.
Glinka fasste alles zusammen, was vor ihm von russischen Komponisten geschaffen wurde, und hob die russische Musik auf ein qualitativ neues Niveau und erlangte Anerkennung der russischen Musik auf Weltebene.

Alexander Sergejewitsch Dargomyschski (1813 - 1869)
Als Nachfolger und jüngerer Zeitgenosse von Glinka ging er als Schöpfer sozial anklagender Werke in die Geschichte der russischen Musikkultur ein. Darunter ist eine Oper, die auf einer Handlung basiert Tragödie mit dem gleichen Namen Puschkins "Meerjungfrau", wo der Komponist die Tragödie eines einfachen Bauernmädchens Natascha vermittelte, das vom Prinzen verlassen wurde, die Trauer ihres Vaters. Eine andere Oper basiert auf dem Text von Puschkins kleiner Tragödie „Der steinerne Gast“. Auch das ist ein sozialpsychologisches Drama. In seinen Opern führte Dargomyzhsky ein neues Prinzip der durchgängigen musikalischen Entwicklung ein. Es bestand darin, dass Musiknummern: Arien, Arioso, Duette, Chöre - reibungslos und ohne Unterbrechung in Rezitative übergehen und umgekehrt, und der Orchesterteil oft beendet, was nicht in Worten ausgedrückt wird.
Dargomyzhsky Autor von etwa 100 Romanzen und Liedern. Unter ihnen sind sehr beliebt: "Ich bin traurig", "Alter Korporal", "Titelberater", "Wurm" und andere.
Dargomyzhsky setzte in seiner Musik auf das Volkslied, gleichzeitig aber auch auf die Intonation lebendiger menschlicher Sprache. „Ich möchte, dass der Klang das Wort direkt ausdrückt. Ich will die Wahrheit! - das ist das kreative Credo von Dargomyzhsky.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts begann Russlands Aufstieg nationale Kunst- Literatur, Malerei, Musik. Zu dieser Zeit entstand ein Kreis gleichgesinnter Musiker, den der berühmte Musikkritiker Stasov „The Mighty Handful“ nannte. Sie wird auch die Großen Russischen Fünf oder die Neue Russische Schule genannt.
Der Kreis umfasste 5 Komponisten.
Ihr Anführer war Mily Alekseevich Balakirev (1837-1910) - eine helle Figur, musikalisches Talent. Sein Verdienst ist, dass er russische Volkslieder gesammelt und verarbeitet hat. Balakirev hat nicht sehr viele Werke geschaffen. Der interessanteste von ihnen ist die Fantasie "Islamey", 8
Russische Volkslieder arrangiert für Klavier, etwa 50 Romanzen.

Alexander Porfirjewitsch Borodin (1833-1887)

- ein hervorragender Wissenschaftler, Chemiker, Lehrer, Komponist. Der Autor der Oper "Prince Igor" basierend auf der historischen Handlung der alten russischen Chronik "The Tale of Igor's Campaign", dem symphonischen Bild "In Central Asia", wunderbaren 2 Quartetten, 3 Sinfonien (die berühmteste 2 "Bogatyrskaya") und 18 Romanzen. Der Komponist verkörperte in seinem Werk das epische Epos des russischen Volkes und beleuchtete mit seinen schönen Melodien auch die Welt Ostasiens.

Modest Petrovich Mussorgsky (1839-1881) ist ein Komponist und Tribun, der das Leben und die Geschichte der blonden Menschen widerspiegelte. Seine Opern "Boris Godunov", "Chovanshchina", monumentale Volksmusikdramen sind der Höhepunkt seines Schaffens; Musikalische Komödie basierend auf Gogol "Sorochinsky Fair" zeigt lebhafte, helle Bilder gewöhnliche Menschen; Der Zyklus "Bilder einer Ausstellung", die Liederzyklen "Kinder", "Lieder und Tänze des Todes", Romanzen gehören zum Repertoire der Welttheater.

Caesar Antonovich Cui (1835-1918) - Komponist und Musikkritiker, Autor der Opernmärchen „Rotkäppchen“, „Der gestiefelte Kater“, „Iwanuschka der Narr“, Romanzen, Lieder, kleine Klavierstücke. Seine Werke sind nicht so bedeutend wie die anderer Komponisten" mächtige handvoll“, aber er trug auch zur Schatzkammer der russischen Musik bei.

Was alle Komponisten der "Mighty Handful" einte, war, dass sie den russischen Volksliedern ehrfürchtig gegenüberstanden und versuchten, das Russische zu bereichern klassische Musik erheben sie auf globaler Ebene. Sie alle sind Anhänger der großen russischen klassischen Komponisten M. I. Glinka und A. S. Dargomyzhsky.

Verweise:
Bazhenova L., Nekrasova L., Kurchan N., Rubinshtein I., "Weltkünstlerische Kultur des zwanzigsten Jahrhunderts: Kino, Theater, Musik" hrsg. Peter 2008
Gorbacheva E. "Populäre Musikgeschichte" hrsg. "Veche" 2002
Michejewa L." Lexikon der Musik in Geschichten“ Hrsg. Moskau, „Sowjetischer Komponist“ 1984
Privalov S. „Ausländische Musikliteratur. Das Zeitalter der Romantik»
Verleger „Komponist“ 2003
5. Prokhorova, I., Skudina, G. „Musikalische Literatur Sowjetzeit»
Verleger "Musik" 2003
6. Prochorowa, I. „Musikalische Literatur fremder Länder“
Verleger "Musik" 2003

7. Smirnova E. "Russische Musikliteratur" publ. "Musik" 2001
8. Enzyklopädie für Kinder. Band 7. Kunst. Teil 3. Musik. Theater. Kino Verlag. CJSC "Haus der Bücher, Avanta +" 2000

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Wie kann man in die Oper gehen und nur Freude daran haben und keine Enttäuschung? Wie kann man bei Sinfoniekonzerten nicht einschlafen und dann nur bereuen, dass alles schnell zu Ende war? Wie verstehen Sie Musik, die auf den ersten Blick ziemlich altmodisch wirkt?

Es stellt sich heraus, dass jeder das alles lernen kann. Kindern wird dies an einer Musikschule beigebracht (und ich muss sagen, sehr erfolgreich), aber jeder Erwachsene kann alle Geheimnisse selbst meistern. Ein Lehrbuch der musikalischen Literatur wird zur Rettung kommen. Und vor dem Wort „Lehrbuch“ braucht man sich überhaupt nicht zu fürchten. Was für ein Kind ein Lehrbuch ist, ist für einen Erwachsenen ein „Märchenbuch mit Bildern“, das durch seine „Interessanz“ fasziniert und fasziniert.

Zum Fach "Musikalische Literatur"

Vielleicht eines der interessantesten Fächer, die Schüler einer Musikschule belegen, ist Musikliteratur. Inhaltlich erinnert dieser Kurs ein wenig an einen Literaturkurs, der in einem gewöhnlichen Gymnasium studiert wird: Nur statt Schriftsteller – Komponisten, statt Gedichte und Prosa – die besten musikalischen Werke der Klassik und Moderne.

Die im Musikliteraturunterricht vermittelten Kenntnisse fördern die Gelehrsamkeit und erweitern den Horizont junger Musiker in ungewöhnlicher Weise auf den Gebieten der eigentlichen Musik, der In- und Auslandsgeschichte, Fiktion, Theater und Malerei. Dieses Wissen hat auch einen direkten Einfluss auf Werkstätten Musik (ein Instrument spielen).

Musikalische Literatur sollte von allen studiert werden

Aufgrund seines außergewöhnlichen Nutzens kann der Kurs Musikalische Literatur sowohl für erwachsene als auch für angehende autodidaktische Musiker empfohlen werden. Kein anderer Musikkurs vermittelt eine solche Vollständigkeit und grundlegendes Wissen über Musik, ihre Geschichte, Stile, Epochen und Komponisten, Gattungen und Formen, Musikinstrumente und Singstimmen, Aufführungs- und Kompositionsmethoden, Ausdrucksmittel und Möglichkeiten der Musik etc.

Was genau wird im Kurs Musikliteratur behandelt?

Musikalische Literatur ist Pflichtfach für alle Fachbereiche der Musikschule. Dieses Fach wird für vier Jahre gehalten, in denen junge Musiker Lernen Sie Dutzende verschiedener künstlerischer und musikalischer Werke kennen.

Erstes Jahr - "Musik, ihre Formen und Genres"

Das erste Jahr ist in der Regel Geschichten über die wichtigsten musikalischen Ausdrucksmittel, Genres und Formen gewidmet, verschiedene Arten Orchester und Ensembles, wie man Musik richtig hört und versteht.

Zweites Jahr - "Ausländische Musikliteratur"

Das zweite Jahr zielt in der Regel darauf ab, die Schicht der fremden Musikkultur zu meistern. Die Geschichte darüber beginnt in der Antike, vom Moment seiner Entstehung, über das Mittelalter bis hin zu großen Komponistenpersönlichkeiten. Sechs Komponisten werden in einzelne Hauptthemen gegliedert und in mehreren Unterrichtsstunden studiert. Dies ist ein deutscher Komponist der Barockzeit, drei "Wiener Klassiker" - J. Haydn, V.A. Mozart und L. van Beethoven, Romantiker F. Schubert und F. Chopin. Es gibt ziemlich viele romantische Komponisten, es wird nicht genug Zeit geben, um sich im Schulunterricht mit der Arbeit jedes einzelnen von ihnen vertraut zu machen, aber natürlich wird eine allgemeine Vorstellung von der Musik der Romantik gegeben.

Wolfgang Amadeus Mozart

Den Werken nach zu urteilen, stellt uns das Lehrbuch der Musikliteratur ausländischer Länder eine beeindruckende Liste verschiedener Kompositionen vor. Dies ist die Oper „Die Hochzeit des Figaro“, die auf der Handlung des französischen Dramatikers Beaumarchais basiert, und gleich 4 Symphonien – Haydns 103. (das sogenannte „Pauken-Tremolo“), Mozarts berühmte 40 . 5 mit seinem „Schicksalsthema“ und Schuberts „Unvollendete Symphonie“, wird aus den großen symphonischen Werken auch Beethovens Egmont-Ouvertüre bestanden.

Außerdem werden Klaviersonaten einstudiert – Beethovens 8. „Pathetische“ Sonate, Mozarts 11. Sonate mit ihrem berühmten „ Türkisches Rondo» im Finale und Haydns strahlender D-Dur-Sonate. Aus anderen Klavierwerken stellt das Buch Etüden, Nocturnes, Polonaisen und Mazurken des großen polnischen Komponisten Chopin vor. Einstudiert werden auch Vokalwerke - Schuberts Lieder, sein geniales Gebetslied "Ave Maria", die Ballade "Der Waldkönig" nach Goethes Text, das allseits beliebte "Abendserenade", eine Reihe weiterer Lieder sowie der Vokalzyklus "Die schöne Müllerin".

Drittes Jahr "Russische Musikliteratur des 19. Jahrhunderts"

Das dritte Studienjahr ist ganz der russischen Musik von der Antike bis fast zum Ende des 19. Jahrhunderts gewidmet. Welche Fragen werden in den ersten Kapiteln nicht berührt, welche erzählen von Volksmusik, über kirchliche Gesangskunst, über die Geburt der weltlichen Kunst, über die großen Komponisten der Klassik - Bortnyansky und Berezovsky, über die romanische Kunst von Varlamov, Gurilev, Alyabyev und Werstovsky.

Die Zahlen von sechs werden wieder als zentral vorgeschlagen bedeutende Komponisten: , WIE. Dargomyzhsky, A.P. Borodina, MP Mussorgsky, N. A. Rimsky-Korsakov, P.I. Tschaikowsky. Jeder von ihnen tritt nicht nur als brillanter Künstler auf, sondern auch als einzigartige Persönlichkeit. So wird beispielsweise Glinka als Begründer der russischen klassischen Musik bezeichnet, Dargomyzhsky als Lehrer der musikalischen Wahrheit. Borodin komponierte als Chemiker nur „am Wochenende“ Musik, Mussorgsky und Tschaikowsky hingegen verließen den Dienst der Musik zuliebe, Rimsky-Korsakov unternahm in seiner Jugend eine Weltreise.

MI Glinka-Oper „Ruslan und Ljudmila“

Das musikalische Material, das auf dieser Stufe bewältigt wird, ist umfangreich und seriös. Im Laufe des Jahres wird eine ganze Reihe großer Russen übergeben: „Ivan Susanin“, „Ruslan und Lyudmila“ von Glinka, „Meerjungfrau“ von Dargomyzhsky, „Prinz Igor“ von Borodin, „Boris Godunov“ von Mussorgsky, „The Snow Maiden “, „Sadko“ und „Das Märchen vom Zaren Saltan“ » Rimski-Korsakow, „Eugen Onegin“ von Tschaikowsky. Beim Kennenlernen dieser Opern kommen die Studierenden unwillkürlich mit den ihnen zugrunde liegenden Werken der Literatur in Berührung. Außerdem, wenn wir speziell von der Musikschule sprechen, dann werden diese klassischen Werke der Literatur anerkannt, bevor sie in einer allgemeinbildenden Schule durchlaufen werden – ist das nicht gut?

Neben Opern werden in derselben Zeit viele Romanzen (von Glinka, Dargomyzhsky, Tschaikowsky) studiert, darunter auch solche, die zu den Versen großer russischer Dichter geschrieben wurden. Es werden auch Symphonien gespielt - "Bogatyrskaya" von Borodin, "Winter Dreams" und "Pathetic" sowie Rimsky-Korsakovs brillante symphonische Suite - "Scheherazade", basierend auf den Märchen "Tausend und eine Nacht". Von den Klavierwerken sind große Zyklen zu nennen: „Bilder einer Ausstellung“ von Mussorgsky und „Die Jahreszeiten“ von Tschaikowsky.

Viertes Jahr - "Heimische Musik des XX Jahrhunderts"

Das vierte Buch zur Musikliteratur entspricht dem vierten Studienjahr des Faches. Diesmal konzentrieren sich die Interessen der Studierenden auf die russische Musik des 20. und 21. Jahrhunderts. Im Gegensatz zu früheren Ausgaben von Lehrbüchern zur Musikliteratur wird diese neueste mit beneidenswerter Regelmäßigkeit aktualisiert - das Studienmaterial ist vollständig neu gestaltet und mit Informationen über die neuesten Errungenschaften in der akademischen Musik gefüllt.

SS. Prokofjew-Ballett „Romeo und Julia“

Die vierte Ausgabe erzählt von den Leistungen solcher Komponisten wie S.V. Rachmaninow, A.N. Skrjabin, I.F. Strawinsky, S.S. Prokofjew, D.D. Schostakowitsch, G. V. Sviridov, sowie eine ganze Galaxie von Komponisten der jüngsten Zeit oder der Gegenwart - V.A. Gavrilina, R.K. Shchedrin, E. V. Tischchenko und andere.

Die Bandbreite der analysierten Arbeiten erweitert sich ungewöhnlich. Es ist nicht notwendig, alle aufzulisten, es reicht aus, nur Meisterwerke wie das weltweit beliebte Zweite Klavierkonzert von Rachmaninow, die berühmten Ballette von Strawinsky (Petruschka, Der Feuervogel) und Prokofjew (Romeo und Julia, Aschenputtel) zu nennen. , „Leningrader“ Sinfonie von Schostakowitsch, „Gedicht zum Gedenken an Sergej Jesenin“ von Sviridov und viele andere brillante Werke.

Welche Lehrbücher zur Musikliteratur gibt es?

Bis heute gibt es nicht viele Möglichkeiten für Lehrbücher zur musikalischen Literatur für die Schule, aber immer noch "Vielfalt". Eines der allerersten Lehrbücher, nach denen sie massenhaft studierten, sind Bücher aus einer Reihe von Lehrbüchern zur Musikliteratur des Autors I.A. Prochorowa. Modernere populäre Autoren - V.E. Bryantseva, O.I. Awerjanow.

Die Autorin von Musikliteratur-Lehrbüchern, die fast das ganze Land studiert, ist Maria Shornikova. Sie besitzt Lehrbücher für alle vier Schulstufen des Faches. Schön, dass in der neusten Ausgabe die Lehrbücher auch mit einer Diskette ausgestattet sind, auf der die Passagenwerke verzeichnet sind beste Leistung- damit ist die Frage nach dem Richtigen gelöst Musikalisches Material für Unterricht, Hausaufgaben oder Selbststudium. Viele andere ausgezeichnete Bücher über Musikliteratur sind in letzter Zeit erschienen. Ich wiederhole das Erwachsene können solche Lehrbücher mit großem Nutzen lesen.

Diese Lehrbücher verstreuen sich schnell in den Läden, sie sind nicht so leicht zu bekommen. Die Sache ist, dass sie in sehr kleinen Auflagen veröffentlicht werden und sich sofort zu einer bibliografischen Rarität entwickeln. Um Ihre Zeit nicht mit Suchen zu verschwenden, schlage ich vor Bestellen Sie die gesamte Reihe dieser Lehrbücher direkt auf dieser Seite zu den Preisen des Verlags: Klicken Sie einfach auf die Schaltfläche "Kaufen" und geben Sie eine Bestellung auf im erscheinenden Fenster des Online-Shops. Wählen Sie als Nächstes eine Zahlungs- und Liefermethode aus. Und anstatt stundenlang in Buchhandlungen nach diesen Büchern zu suchen, haben Sie sie in nur wenigen Minuten.

Ich erinnere Sie daran, dass wir heute irgendwie zufällig angefangen haben, über die Literatur zu sprechen, die für jeden Anfänger oder einfach nur für eine Person, die sich für klassische Musik interessiert, nützlich sein wird. Ja, auch wenn es sich um Lehrbücher handelt, aber versuchen Sie, sie zu öffnen und sich dann vom Lesen zu lösen?

Lehrbücher über Musikliteratur sind eine Art falsche Lehrbücher, zu interessant, um nur Lehrbücher genannt zu werden. Zukünftige verrückte Musiker lernen sie in ihren verrückten Musikschulen, und nachts, wenn junge Musiker schlafen, lesen ihre Eltern diese Lehrbücher mit Begeisterung, weil es interessant ist! Hier!

Musikalische Literatur ist in erster Linie die Wissenschaft des Gesangs.

Wenn Solfeggio und Gesangsunterricht Noten, Intervalle, Tonalität lehren - das nennt man musikalisches diplom. Darauf trainierst du nicht nur deine Ohr für Musik, sondern lernen Sie auch, Ihr Instrument richtig zu berühren, ausdrucksstark und schön zu spielen und Melodien vorzutragen.

Musikalische Literatur und Gesangsunterricht vermitteln, wie man ausdrucksstark und schön spielt. Warum brauchen wir Musikliteratur?

Fakt ist, dass Musik eine ganz eigene musikalische Sprache hat, eine besondere Sprache. Uns sind keine Worte vertraut, nur Laute. Diese Klänge sind nicht einfach, sondern magisch, wie ein Gesangsstudio, das einen nicht nur zum Lachen, sondern auch zum Weinen bringen und auch eine ganze Geschichte erzählen kann.

Einen Teil der Musikliteratur kennen Sie bereits. Zum Beispiel Moll und Dur. Traurige Musik ist meistens in Moll und fröhliche Musik in Dur. Schnelle Musik unterscheidet sich von langsamem Tempo. Manchmal gibt es Musik in Dur und fröhliche Musik in Moll. Es stellt sich heraus, ja, das tut es wirklich. Das Wesen der Musik hängt natürlich vom Modus ab (Moll und Dur sind Modi), sowie von vielen sekundären Dingen, die man musikalische Ausdrucksmittel nennt. Mozhar und Moll zusammen mit musikalische Mittel bilden die Grundlage der musikalischen Sprache.

Musikalische Literatur, die in Gesangsstudiengängen gelehrt wird, befasst sich mit dem Studium musikalische Klassiker. Es ist nicht jedem gegeben, klassische Musik zu verstehen, da sie „elitär“ ist. Dieses Wort kommt vom Wort "Elite", was "Bester", "Auserwählter" bedeutet. Nur die Besten und Auserwählten können klassische Musik verstehen. Doch die Wahrnehmung und der Genuss klassischer Musik bedarf der Vorbereitung. Literatur ist ein einzigartiger Text, den wir von Kindheit an lesen lernen. Musik hat auch ihren eigenen einzigartigen Text, und Sie müssen auch lernen, ihn zu verstehen.

Auch Musikliteratur ist eine eigenständige akademische Disziplin, die von Gymnasiasten an Musikschulen und Musikschulen studiert wird. Der Lehrplan für Musikliteratur umfasst Biografien der Besten musikalische Komponisten, sowohl aus dem In- als auch aus dem Ausland, Bekanntschaft mit ihrer einzigartigen Arbeit sowie das Studium einzelner bekannter Werke.

Durch die weite Verbreitung musikalischer Literatur hat jeder Novize die Möglichkeit, mit Hilfe eines Lehrers oder selbstständig, diese zu erhalten notwendige Informationen vergrößern Musikalische Bildung und das Lernen effektiver machen.

PRÜFUNGSKARTEN FÜR MUSIKALISCHE LITERATUR

Eintrittskarte 1

2. Historische Opern russischer Komponisten.

3. KreativitätM.V. Fuchs.

Eintrittskarte 2

1. Musikrichtungen: Lied, Tanz, Marsch.

2. Russische Kunst zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts.

3. Kreativität K.G. Stezenka.

Eintrittskarte 3

1. Programmieren Sie visuelle Musik. Mussorgski-Bilder einer Ausstellung.

2. Kreativität V.A. Mozart.

3. Chorkonzerte ukrainischer Komponisten.

Eintrittskarte 4

eines . Musik im Theater. Grieg „Peer Gynt“

2. Kreativität M. I. Glinka

3. Sinfonische Kreativität ukrainischer Komponisten

Eintrittskarte 5

1. Ballett. Tschaikowsky „Der Nussknacker“.

2. Kreativität von L. Beethoven.

3. Ukrainische Komponisten der Radian-Zeit.

Eintrittskarte 6

2. Die Entwicklung der Musikkunst in der Sowjetzeit.

3. Kreativität M. Leontovich.

Eintrittskarte 7

1. Sonaten-symphonischer Zyklus. Symphonieorchester.

2. Kreativität P. I. Tschaikowsky.

3. Ukrainische Folklore.

Eintrittskarte 8

1. Sonatenform. Klavierwerke der Wiener Klassik.

2. Kreativität von Komponisten der Sowjetzeit.

3. A. Shtogarenko. Sinfonie-Kantate "Ukrainomoya".

Eintrittskarte 9

1. Polyphonie. Kreativität ist Bach.

2. Die Entwicklung des romantischen Genres in der russischen Musik.

3. Oper der Kreativität ukrainischer Komponisten.

Eintrittskarte 10

1. Kreativität von F. Chopin.

2. Opernmärchen im Werk russischer Komponisten.

3. Kreativität von L. Revutsky.

ANTWORTEN AUF ERSATZKARTEN

Eintrittskarte 1

In Kunstwerken spricht eine Person über das Leben um sie herum.

Der Inhalt eines Liedes, einer Romanze, eines Chores lässt sich leicht nacherzählen, da die Musik zusammen mit den Worten erklingt. In der Oper oder im Ballett finden Veranstaltungen auf der einsehbaren Bühne des Theaters statt. Aber in Instrumentalwerken offenbart sich der Inhalt nur in musikalische Klänge, es kann gefühlt und verstanden werden. Manchmal gibt der Komponist dem Werk einen Titel und erklärt damit seinen Inhalt. Die häufigsten sind:

1) das Thema der historischen Vergangenheit (Oper „Iwan Susanin“ von Glinka, Oper „Krieg und Frieden“ von Prokofjew)

2) Thema Volksleben(Opern Rimsky-Korsakovs „The Snow Maiden“, „Sadko“, Fantasie für Orchester „Kamarinskaya“ von Glinka)

3) basierend auf Werken der Literatur und Volkskunst (Romanzen und Lieder nach Gedichten von Puschkin, Lermontov usw.; Lyadovs Orchesterstück "Kikimora")

4) Naturbilder („Morgenröte an der Moskwa“ aus Mussorgskys Oper)

5) modernes Leben der Menschen (Oper "Die Familie Taras" von Kabalewski, Oratorium "Auf der Hut vor der Welt" von Prokofjew)

Bei der Erstellung eines Musikstücks bedient sich der Komponist bestimmter Ausdrucksmittel. Diese beinhalten:

1. Melodie - die Grundlage der Musikkunst. Eine Melodie ist eine monophone Folge von Tönen unterschiedlicher Tonhöhe und Dauer. Die Melodie drückt eine bestimmte musikalische Idee aus.

Eine wohlklingende Liedmelodie wird genannt Kantilene.

Eine Melodie, in der sich Wohlklang mit der Flexibilität der menschlichen Sprache verbindet, wird genannt Rezitativ .

instrumental Die Melodie kann große Sprünge, chromatische Bewegungen und Verzierungen enthalten.

2. Rhythmus organisiert die Melodie im Takt. Rhythmusmerkmale beeinflussen den Charakter der Melodie. Das Vorherrschen gleichmäßiger Längen in einem ruhigen Tempo macht die Melodie weich. Die Vielfalt der Dauer verleiht ihm Anmut und Flexibilität.

3. Harmonie ist eine Folge von Akkorden. Harmonie unterstützt die Melodie und füllt sie mit neuen ausdrucksstarken Farben.

4. Registrieren ist die Tonhöhe des Tons. Die Tonleiter ist in obere, mittlere und untere Register unterteilt. Die Ausdruckskraft jedes Registers ist eigentümlich. Das mittlere Register ist das weichste und klangvollste. Die tieferen Töne wirken düster, dröhnend. Upper - Ton leicht, transparent, laut.

5. Klangfarbe - eine spezielle Färbung der Stimme oder des Klangs des Instruments. Frauenstimmen - Sopran, Mezzosopran, Alt. Männerstimmen - Tenor, Bariton, Bass.

Mit verschiedenen Klangfarben Musikinstrumente Beim Hören von Prokofjews symphonischem Märchen „Peter und der Wolf“ kann man sich gut kennenlernen.

2. Historische Opern russischer Komponisten

Mikhail Glinka gilt als Begründer der Gattung der historischen Oper. Seine Oper „Ivan Susanin“ ist ein heroisches Volksmusikdrama. Die Handlung für die Oper war die Legende von Heldentat Kostroma Bauer Ivan Susanin im Jahr 1612 während der Besetzung Russlands durch die polnischen Invasoren.

Charaktere: Susanin, seine Tochter Antonida, Adoptivsohn Wanja, Sobinin.

Der Hauptdarsteller ist der Mensch. Die Oper hat 4 Akte und einen Epilog.

Die Oper "Ivan Susanin" ist ein realistisches Werk, das wahrheitsgemäß und aufrichtig über historische Ereignisse erzählt. Erstellt von Glinka neuer Typ Das volkstümliche Musikdrama hatte einen großen Einfluss auf die späteren Kreationen russischer Komponisten (Rimsky-Korsakovs The Maid of Pskov, Mussorgskys Boris Godunov).

Im Herzen der Oper "Boris Godunow" Mussorgsky - Puschkins gleichnamige Tragödie. Das Genre der Oper ist das Volksmusikdrama. Es besteht aus einem Prolog und vier Akten, die in Szenen unterteilt sind. Die Hauptidee ist der Konflikt zwischen dem kriminellen Zaren Boris und dem Volk.

Die Hauptfigur sind die Menschen. Mussorgsky fühlte sich von der Gelegenheit angezogen, in der Oper das Erwachen der Volksmacht nachzustellen, das zu einem spontanen Aufstand führt. "Boris Godunov" ist ein großartiges Werk russischer Musik. Die Entstehung dieses Werks war eine wichtige Etappe in der Entwicklung des Musiktheaters.

"Prinz Igor" Borodin ist eine lyrisch-epische Oper in vier Akten mit einem Prolog. Die Oper basiert auf dem Werk eines Alten Literatur XII Jahrhundert - "Die Geschichte von Igors Feldzug".

Die Musik der Oper basiert auf der Intonation von Volksliedern - russisch und orientalisch.

Prolog und 1 Akt charakterisieren das russische Volk. Von großer Bedeutung ist das Bild der Sonnenfinsternis aus dem Prolog. In Volksepos, verschiedene dramatische Ereignisse Das Leben der Menschen wurde oft mit den mächtigen und gewaltigen Phänomenen der Natur verglichen.

Der zweite Akt widmet sich der Darstellung des Lebens der östlichen Völker.

Den zentralen Platz in der 1J-Aktion nimmt Jaroslawnas Klage ein, die aus alten Volksstimmen und Klagen entstand.

Die Oper "Prince Igor" ist eine der besten Kreationen der Opernklassiker. Der Komponist widmete es dem Andenken an Glinka. Es verherrlicht den heroischen Geist der Menschen, ihre Standhaftigkeit, ihren Patriotismus und ihre geistige Schönheit.

3. Kreativ ist bM . V. Fuchs

M. V. Lysenko ist der prominenteste ukrainische Komponist.Als Begründer der ukrainischen klassischen Musik wurde er zu einem talentierten Dirigenten in der Geschichte der nationalen Kunst, einem nachdenklichen Lehrer, einem Folkloristen und einem großen Musical-Gromaden-Interpreten.

Lysenko praktizierte Maizha in allen Genres:

1)Stücke von volkstümlichem Shsen.

Das Interesse an Volksmusik ist M. Lisenok in der Kindheit zu verdanken . Lisenko beschäftigte sich mit dem Sammeln von Volkspferden, indem er sein Leben verlängerte.

Folklore zrazki vin zgrupuvav Genres und Veröffentlichung von Okremi-Veröffentlichungen. Die Sammlungen können alle anderen Genres ersticken: zeremoniell, pobutov, historisch und gedanklich. Samples ukrainischer Volkslieder dienten M. Lisenok als kreatives Labor.

2) Romansi.

Dorobka Fox - über 100 Romanzen. Wir wenden uns der Poesie von Taras Shevchenko zu, der der tiefen Nationalität erlag, Heinrich Heine, I. Frank, LesiUkrainka. Naybіlshvіdomі - "Kirschgarten", "Bezmezhne-Feld", "Wenn das Wunder vom Mai gekommen ist".

3)F orte pі Anna kreativ і st.

Vor der Pianoforte-Kreativität wurde M. Lisenko durch die Strecke seines Lebens gedreht. Es gibt große Formen - eine Sonate, zwei Konzertpolonaises, zwei Rhapsodien zu ukrainischen Themen und kleine p "єsi" - "Lieder ohne Worte", "Mrії", "Zhurba", "Elegiya". Chopin und F. Liszt und Auf der anderen Seite gibt es ein Interesse an Folklore-Dzherel.

4)Horova kreativ ic th.

Erstellen Sie M. Fox für den Chor, um eine wahre Seite des musikalischen Niedergangs des Yoga zu werden. Die meisten Chöre sind auf Verse von T. Shevchenko geschrieben. Der Gestank ist anders für die ideologisch-figurativen Nebel und Formen. Es gibt großartige vokale und symphonische Leinwände, Chöre, Miniaturen. Alle Gestanke erinnern undeutlich an Folklore.

Vagom Tvir beim Spadshchina Fox - Kantate "Freue dich, unbewässertes Feld". Sie werden ein wenig Freude, Frühlingshoffnungen und Vertrauen in Ihr Kommen empfinden.

5) Oper „Taras Bulba“.

Die Oper „Taras Bulba“ ist die größte Errungenschaft der damaligen Musik- und Theaterkunst. Es dauerte drei Stunden, die Oper zu schreiben. Die prominenten Radian-Komponisten L. Revutsky und B. Lyatoshinsky bearbeiteten die Oper.

Die einzige Geschichte von M. Gogol diente als literarische Inspiration für die Oper.

Die Oper „Taras Bulba“ ist ein historisches und heroisches Volksmusikdrama. Vagome Platz in nіynalezhat Bildern der Menschen. Der Komponist misst den masovimhorovy-Szenen in der Sprache des Symposiums großen Respekt bei. Die musikalischen Merkmale der Hauptfiguren - Taras Bulbi, Ostap, Nastya, Andriy, Mariltsy - sind wichtig. Die Hauptidee der Schöpfung ist die Kampf des ukrainischen Volkes gegen
soziale und nationale unfreiwillige.

Die Oper May n "yat dey" beginnt mit einer Ouvertüre, als würde sie sich auf eine sobіїїіdeyno-figurative Zmіst konzentrieren.

Eintrittskarte 2

1. Musikgenres. Gesang, Tanz, Marsch

Die Genres der Musik sind ihre verschiedenen Arten. Musikgenres entstanden im Zuge der Entwicklung der Musikkunst. Jeder von ihnen hat seine eigenen Eigenschaften. Werke, die sich auf Wort und Gesang beziehen, gehören zur Vokalmusik (das sind Lieder, Romanzen, Arien, Kompositionen für den Chor). Instrumentalmusik umfasst eine Vielzahl von Kompositionen für einzelne Instrumente, Ensembles (Duette, Trios, Quartette) und Orchester. Unter ihnen - Studien, Präludien, Impromptu, Nocturnes, Sonaten, Suiten, Sinfonien usw.

Zu den musikalischen und theatralischen Genres gehören: Opern, Operetten, Ballette.

Lied- die beliebteste Art der Musikkunst.

Die Melodie im Lied wird mehrmals mit verschiedenen Wörtern wiederholt und bildet Verse. Diese Form wird Couplet genannt. Am Ende jeder Strophe gibt es einen Refrain, der sich nicht ändert. Wenn der Refrain normalerweise von einem Sänger vorgetragen wird, dann wird der Refrain häufiger im Chor gesungen.

Das Lied kann von Klavier, Knopfakkordeon oder Orchester begleitet werden. Solche Lieder haben eine Einleitung, die zwischen den Strophen spielt, und einen Schluss. Lieder können jedoch auch ohne Begleitung aufgeführt werden. Dieser Gesang heißt A cappella. Es ist eher charakteristisch für Volkslieder.

Die Musik, die die Bewegungen der Menschen begleitet, ist seit der Antike bekannt.

Marschmusik im Tempo durchgeführt. Märsche sind: feierlich, militärischer Kampf, Marsch, Sport, Trauer. Bei aller Vielfalt der Märsche haben sie gemeinsame Merkmale. Dies ist eine Größe von zwei oder vier Schlägen und ein klarer Schrittrhythmus. Die Form des Marsches ist meistens dreiteilig.

Ein Beispiel für einen feierlichen Heldenmarsch ist der Marsch aus der Oper „Aida“ des italienischen Komponisten Verdi. Ein Marsch aus Tschaikowskys Der Nussknacker begleitet fröhliche Kinderferien. Manchmal erklingen Märsche mit Worten - das sind Marschlieder ("Aviamarsh", "Nakhimov March").

Tanzen entstand in der Antike und ist eng mit dem Alltag verbunden. Die Musik jedes Tanzes hat sein eigenes Tempo, seine eigene Größe und sein eigenes rhythmisches Muster. Jede Nation hat Tänze geschaffen, die sich durch ihre nationale Identität auszeichnen.

Russische Volkstänze: Kamarinskaya, Trepak; Ukrainische Tänze: Hopak, Kosake; Weißrussischer Volkstanz - Bulba; Tanz der Völker des Kaukasus - Lezginka.

Tänze der Völker Europas

Walzer stammt aus dem gemächlichen und geschmeidigen Bauerntanz Lendler, der in Österreich, Deutschland und Tschechien verbreitet war. Im 19. Jahrhundert wurde der Walzer in ganz Europa populär. Walzermusik ist sehr vielfältiger Natur. Es gibt Walzer fröhlich und traurig, bravourös und ruhig, leicht verträumt und nachdenklich traurig. Auch die Form der Walzer ist unterschiedlich: von kleinen Alltagsstücken bis hin zu ausgedehnten Konzertstücken. Der Walzer hat drei Takte.

Viele Komponisten haben bereitwillig Walzer komponiert. Wunderbare Samples des Walzers wurden von Schubert und Chopin, Glinka und Tschaikowsky geschaffen. Der österreichische Komponist Strauss wurde als „König der Walzer“ bezeichnet.

Polka- Tschechischer Volkstanz mit lebhaftem, fröhlichem Charakter, Polka zeichnet sich durch Begeisterung und Humor aus.

Mazurka und Polonaise- Polnische Nationaltänze.

Mazurka ist ein beweglicher und dynamischer Tanz. Seine Melodie hat immer ein scharfes rhythmisches Muster. Oft bewegen sich scharfe Akzente zeitlich von einem starken Schlag zu einem schwachen. Die Größe ist dreifach.

Die Polonaise ist eine feierliche, stattliche Tanzprozession. Die Bewegung ist ruhig, ohne Eile, mit Betonung auf dem starken Schlag des Beats. zu, -.. p.sho,.

Die vollkommensten Proben der Mazurka und Polonaise wurden in seinem Klavierwerk von dem polnischen Komponisten F. Chopin gegeben.

2. Russische Kunst der zweiten Hälfte XIX Jahrhundert

Die zweite Hälfte des 19. Jahrhunderts ist die Zeit der gewaltigen Blüte der russischen Musik sowie der gesamten russischen Kunst. Scharfe Verschlimmerung soziale Widersprüche führt Anfang der 60er Jahre zu einem großen Publikumsaufschwung. Die Niederlage Russlands im Krimkrieg (1853-1856) zeigte seine Rückständigkeit, bewies das Leibeigenschaft behindert die Entwicklung des Landes. Die besten Vertreter der edlen Intelligenz und Raznochintsy erhoben sich gegen die Autokratie.

In Entwicklung revolutionäre Bewegung in Russland waren die Rolle von Herzen, die Aktivitäten von Chernyshevsky, Dobrolyubov und dem Dichter Nekrasov bedeutend. Die revolutionären Ideen der 1960er Jahre spiegelten sich in Literatur, Malerei und Musik wider. Die führenden Persönlichkeiten der russischen Kultur kämpften für die Einfachheit und Zugänglichkeit der Kunst, in ihren Werken versuchten sie, das Leben der benachteiligten Menschen auf zugängliche Weise widerzuspiegeln.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts brachte die russische Malerei so bemerkenswerte Künstler wie Perov, Kramskoy, Repin, Surikov, Serov, Levitan hervor. Ihre Namen sind mit dem "Verein der Wanderausstellungen" verbunden, da seither Gemäldeausstellungen stattfanden verschiedene Städte Russland.

Es gab Änderungen in Musikalisches Leben. Die Musik ging über die aristokratischen Salons hinaus. Sehr wichtig die Organisation der Russischen Musikgesellschaft spielte darin mit.

1862 wurde das erste russische Konservatorium in St. Petersburg und 1866 in Moskau eröffnet. Die ersten Ausgaben bescherten der russischen Kunst großartige Musiker.

Im musikalischen Schaffen der 60er Jahre führenden Platz besetzt von Tschaikowsky und einer Gruppe von Komponisten, die Teil einer so genannten Vereinigung waren "Mächtig Bündel." Balakirev wurde der Inspirator des Kreises. Die Zusammensetzung umfasste Cui, Mussorgsky, Borodin, Rnmsky-Korsakov. Die Komponisten sahen ihr Ziel in der Entwicklung der russischen Nationalmusik, der wahren Verkörperung des Volkslebens.

3. Kreativität K.G. Stezenka

Grigorovich Stetsenko - ein Klassiker der ukrainischen Musik, ein Nachfolger von M. Lysenok und russischen Komponisten des 19. Jahrhunderts. Dies ist eine kreative Spadshchina sowie eine inszenatorische, pädagogische, musikkritische Tätigkeit und ein unbekannter Teil der ukrainischen demokratischen Kultur.

Für sein kurzes kreatives Leben schrieb Stetsenko eine Reihe von Opern, Musik zu Theateraufführungen, Chotiri Cantati, über fünf Dutzend Chöre, fast fünfzig Romanzen und schuf eine beträchtliche Anzahl ukrainischer Volkslieder.

Die kreativen Prinzipien des Komponisten Stetsenko wurden unter dem Einfluss von Ideen revolutionärer Demokraten - T. Shevchenko, G. Chernishevsky, M. Dobrolyubov, I. Frank.

Die beliebtesten sind: Chorgedicht „Frühe neue Rekruten“, Romanze „Schwimmen, schwimmen, Schwan“, „Abendlied“, Kantati „Shevchenko“ und „Single“.

Der kreative Weg von K. Stetsenok sollte kurz sein, aber yogo, die musikalische Vergangenheit ist zu einem wertvollen Beitrag zu unserer nationalen Kultur geworden. In seinen eigenen lyrisch-epischen, lyrisch-dramatischen Bildern hat der Komponist Stimmungsbilder eines stündlich ausgelassenen Lebens eingeflößt. In reichhaltigen Genres zoomt Stetsenko heran, um als talentierter Künstler sein eigenes Wort zu sagen.

Eintrittskarte 3

1. Programmieren Sie visuelle Musik. Mussorgsky „Bilder einer Ausstellung“

Komponisten geben oft verschiedene Instrumentalwerke. Namen, die ihren Inhalt erklären. Manchmal gibt der Komponist einem Werk ein literarisches Vorwort – ein Programm. Sie legt den Inhalt fest. Das ist Programmmusik.

Wahre und fantastische Geschichten, Naturbilder, Vogel- und Tierbilder, Helden berühmter Märchen und Werke der Literatur werden in Programmwerken lebendig verkörpert: „ Kinderalbum“, „Die Jahreszeiten“ von Tschaikowsky, „Kindermusik“ von Prokofjew, „Album für die Jugend“ von Schumann, „Karneval der Tiere“ von Saint-Saens, „Bilder einer Ausstellung“ von Mussorgsky.

„Bilder einer Ausstellung“ wurden von Mussorgsky unter dem Eindruck einer Werkausstellung des Künstlers V. Hartmann, eines Freundes des plötzlich verstorbenen Komponisten, geschrieben.

Der Zyklus ist eine Folge von zehn unabhängige Stücke Vereint durch die Gemeinschaften durch Design. Jedes Stück ist ein musikalisches Bild, das den Eindruck Mussorgskys widerspiegelt, inspiriert von dieser oder jener Zeichnung Hartmanns. Hier sind helle Alltagsbilder („Der Tuilliers-Garten“, „Der Limoges-Markt“) und gezielte Skizzen menschlicher Charaktere („Zwei Juden“) und Landschaften („Das alte Schloss“) und Bilder russischer Märchen . („Hütte auf Hühnerbeinen“), Epen („Bogatyr Gates“). Einzelne Miniaturen kontrastieren inhaltlich und ausdrucksstark miteinander. Allerdings sie. Gebunden durch das Thema "Walking", das den Zyklus öffnet und dann ein anderer erscheint. mehrmals, als ob sie den Zuhörer von einem Bild zum anderen führen würden.

"Bilder einer Ausstellung" wurde zu einem der beliebtesten Werke. Viele Pianisten nehmen dieses Stück in ihre Konzertprogramme auf.

2. Kreativität V.A. Mozart ";■.!.! . i *,■"■"" ї * .

Wolfgang Amadeus Mozart ist ein brillanter österreichischer Komponist. Mein Konzerttätigkeit begann im Alter von 6 Jahren. Obwohl er nur 36 Jahre alt wurde, hinterließ er ein großes kreatives Vermächtnis: 50 Symphonien, 19 Opern (Die Hochzeit des Figaro, Don Giovanni, Die Zauberflöte), ein Requiem, Konzerte, viel Instrumental- und Klaviermusik.

Ausgehend von den Leistungen Haydns auf dem Gebiet der Sonaten-Symphonie hat Mozart viel Neues und Originelles beigesteuert.

Die Sonate für Pianoforte in A-Dur ist sehr beliebt. Sie hat einen hellen, fröhlichen Charakter und zeichnet sich durch Anmut aus. Die Struktur des ersten Teils ist eigenartig - er ist in Form von Variationen geschrieben. Der zweite Satz ist das traditionelle Menuett. Der dritte Teil ist der weithin bekannte „Türkische Marsch“.

Die Sinfonie in g-Moll ist eine von Mozarts berühmtesten letzten Sinfonien. Dank der ungewöhnlich aufrichtigen Musik ist die Sinfonie nachvollziehbar eine Vielzahl Zuhörer.

3. Horow і Konzert Ukra їн Russischer Komponist і in

Das Hauptgenre der professionellen Musik der XYII-ersten Hälfte des XYIII-Jahrhunderts. in der Ukraine buv partesny Konzert. Tse einteilig, dosit ideal für obsyag tver.

Das Wort Konzert ähnelt dem lateinischen, was „Mischen“ bedeutet. Dieses Musikgenre wird morgens in Italien geboren: wie ein Chor, Orchester (Concerto Grosso) und Solo-Tvir für ein Instrument mit einem Orchester. Skin z rіnovidіv kann in svoії svoї soblivnostі, prote spilnymi є principe kontsertuvannya, zmagannya, otstavlennja, Kontrast.

In der Ukraine ähnelt das Partesny-Konzert dem 17. Zu den bekanntesten Komponisten - Autoren von Konzerten - S. Pekalitsky, I. Kolyadchin, M. Diletsky.

Hinter dem Charakter der Musik, einfallsreich für die zmistompartesnі-Konzerte, können zwei Gruppen geistig unterschwellig sein: urochistisch, glorreich und lyrisch-dramatisch, traurig.

Chorkonzerte von M. Berezovsky, A. Vedel, D. Bortnyansky wurden zu einem der Höhepunkte der professionellen Musik. . »; :;;.!:> sch< ■

Diese Komponisten näherten sich den fortschrittlichen künstlerischen Idealen ihrer Zeit. In ihrer Musik klingt der Protest der Menschen gegen Gewalt, Böses, Ungerechtigkeit, soziale Blasphemie. Der Gestank von Zumilija erreicht die westeuropäische Musikkultur und sagt Ihr ursprüngliches Wort in der Kunst.

Eintrittskarte 4

1. Musik im Theater. Grieg „Peer Gynt“

Im Musiktheater werden Opern, Ballette, Operetten aufgeführt. In diesen Genres ist Musik die Grundlage der Darbietung. Aber auch im Schauspieltheater nimmt die Musik einen herausragenden Platz ein. Es verstärkt die Wirkung der Aufführung auf den Zuschauer, hilft, diesen oder jenen Moment der Handlung lebendiger zu beschreiben und die Stimmung des Helden zu vermitteln.

Musik für dramatische Aufführungen wurde von vielen herausragenden Komponisten geschrieben - Beethoven und Mendelssohn, Grieg und Bizet, Glinka und Tschaikowsky, Khachaturian und Prokofjew. Manchmal ging die Musik, die sie schufen, über das Theater hinaus und gewann ein unabhängiges Konzertleben.

"Peer Gynt"- ein Stück des herausragenden Dramatikers Ibsen. Einzelne Episoden der Aufführung werden von Griegs Musik begleitet. Der Komponist sang die raue und schöne Natur Norwegens, Fantasie und altes Leben, einfache und aufrichtige menschliche Gefühle.

Die vom Komponisten aus einzelnen Musikstücken für das Drama zusammengestellte Orchestersuite erfreut sich großer Beliebtheit. Mit

Die Suite besteht aus vier Nummern mit kontrastierendem Charakter:

1. "Morgen"- malt ein Bild vom Erwachen der Natur. Musik vermittelt nicht nur die Farben der Morgendämmerung, sondern auch die spirituelle Stimmung, die beim Anblick der aufgehenden Sonne entsteht.

Das Stück basiert auf einem kleinen Motiv. Es ähnelt einer Hirtenmelodie.

2. "Tod Oze" begleitet in dem Drama die Todesszene von Peer Gynts Mutter, dem alten Oze. Voll tiefer Trauer, in einer langsamen, gemessenen Bewegung, ähnelt die Musik einem Trauerzug.

3. "Anitras Tanz". Anitra ist das Mädchen, das Peer Gynt trifft: während; seiner Reise. Sie führt einen Tanz auf - leicht, anmutig, anmutig. Die Musik des Tanzes ist sehr wechselhaft, wie Anitras spöttische und wankelmütige Art.

4. "In der Halle des Bergkönigs." Die Musik dieser Nummer zeigt bildlich und anschaulich einen fantastischen Umzug. Im Mittelpunkt des Stücks steht ein Thema in der Natur des Marsches. Seine Begleitung variiert. Die Klangfülle wird intensiver, das Tempo beschleunigt, das ganze Orchester setzt allmählich ein.

2. Kreativität M.I. Glinka

Mikhail Ivanovich Glinka ist ein brillanter russischer Komponist. Wie Puschkin in der Poesie war er der Begründer der russischen klassischen Musik – Oper und Sinfonie.

Die Ursprünge von Glinkas Musik führen ins Russische Volkskunst. Seine besten Werke sind von Liebe zum Mutterland, seinen Menschen und zur russischen Natur durchdrungen. : , :

Hauptwerke: volksheroische Oper "Ivan Susanin"; epische Märchenoper "Ruslan und Lyudmila"; Romanzen; symphonische Fantasie "Kamarinskaya", "Walzer-Fantasie"; Klavierstücke.

Oper "Iwan Susanin"- heroisches Volksmusikdrama. Die Handlung für die Oper war eine Legende über die Heldentat des Kostroma-Bauern Ivan Susanin im Jahr 1612 während der Besetzung Russlands durch die polnischen Invasoren.

Charaktere: Susanin, seine Tochter Antonida, Adoptivsohn Wanja, Sobinin. Der Hauptdarsteller ist der Mensch. Die Oper hat 4 Akte und einen Epilog.

Der erste Akt ist eine Charakterisierung des russischen Volkes und der Hauptfiguren;

Der zweite Akt ist die musikalische Charakterisierung der Polen. Tanzmusik spielt. Vier Tänze bilden eine symphonische Suite: brillante Polonaise, Krakowiak, Walzer und Mazurka.

Im Schlusschor „Glory“ aus dem Epilog ist die Musik majestätisch und feierlich. Das gibt ihm die Züge einer Hymne. Das Volk lobt Heimatland und gefallene Helden.

Einen wichtigen Platz in Glinkas Schaffen nehmen Stücke für Symphonieorchester ein. Alle seine Werke sind der breiten Masse der Zuhörer zugänglich, hochkünstlerisch und formvollendet. Symphonische Fantasie "Kamarinskaja" ist eine Variation zweier russischer Volksthemen:

"Walzer-Fantasie"- eines der poetischsten lyrischen Werke von Glinka. Es basiert auf einem aufrichtigen Thema, ungestüm und strebend.

Romanzen Glinka schrieb sein ganzes Leben lang. Alles an ihnen besticht: Aufrichtigkeit und Einfachheit, Zurückhaltung im Ausdruck von Gefühlen, klassische Harmonie und Strenge der Form, Schönheit der Melodie und klare Harmonie. Glinka komponierte Romanzen nach Gedichten zeitgenössischer Dichter - Schukowski, Delvig, Puschkin.

Beliebt sind Romanzen aus dem Zyklus "Abschied von St. Petersburg" - "Lerche" und "Begleitlied" (Text von N. Kukolnik). Die Romanze zu Puschkins Worten „Ich erinnere mich an einen wunderbaren Moment“ ist eine Perle der russischen Gesangstexte. Bezieht sich auf das Erwachsenenalter
Kreativität, deshalb ist die Fertigkeit so perfekt darin. " : ""- )(R: ":

BEI In seinen Romanzen fasste Glinka das Beste zusammen, was von seinen Vorgängern und Zeitgenossen geschaffen wurde.

3. SNMP nein chna kreativ ist stehlen їн Russischer Komponist і in

Die Symphonie "erschien in den Werken der Komponisten der Mannheimer Schule (die Symphonie tschechischer Komponisten, die die Hofkapelle der deutschen Stadt Mannheim verzauberte). Der eigentliche Begriff "Symphonie" ist mit der orchestralen zyklischen Schöpfung verbunden.

Die klassische Sinfonie entstand in den 70-80er Jahren des 18. Jahrhunderts. im Werk von J. Haydn und W. Mozart.

Die Symphonie ist ein sehr wichtiger Teil des zyklischen tvir. ^

Der erste Teil – Sonata alegro – wird auf einer kontrastierenden Vertonung zweier Themen stehen, der andere Teil ist lyrisch, der dritte Teil wechselt, der vierte ist ein Live-Finale.

Das Orchester umfasste folgende Instrumente: 2 Flöten, 2 Oboen, 2 Fagotte, Klarinetten, 2 Hörner, 1-2 Trompeten, Pauken, Pershy und andere Geigen, Bratschen, Celli, Kontrabässe. Innerhalb einer Stunde wurde ein solches Lager sukzessive mit neuen Werkzeugen ergänzt.

In der anderen Hälfte des 19. Jahrhunderts. "Junge Symphonie" wurde von M. Lysenko geschaffen, "Ukrainische Symphonie" - von M. Kalachevsky, Symphonie in g-Moll - von V. Sokalsky.

Die wichtigsten Errungenschaften der ukrainischen Radian-Symphonie sind mit den Namen L. Revutsky, B. Lyatoshinsky, S. Lyudkevich verbunden.

Eintrittskarte 5

1. Ballett. Tschaikowsky „Der Nussknacker“ shts-їshchi-

Ballett ist ein musikalisches und theatralisches Werk, das Musik, Tanz und Bühnenhandlung verbindet. Ballett hat eine Handlung, Charaktere. Die Gefühle der Charaktere werden durch offenbart Tanzbewegungen unter der Musik

Neben dem Tanzen spielt im Ballett die Pantomime eine wichtige Rolle, also das stumme Spiel der Schauspieler, bestehend aus Ausdrucksgesten und Mimik.

Der Schöpfer des russischen klassischen Balletts war Tschaikowsky (" Schwanensee“, „Dornröschen“, „Der Nussknacker“). Bemerkenswerte Ballette wurden von Delibes und Ravel, Glasunow und Strawinsky, den sowjetischen Komponisten Asafiev, Gliere, Prokofjew und Khachaturian geschrieben.

Tschaikowsky „Der Nussknacker“. Grundlage für das Ballett war etwa ein Kindermärchen des deutschen Schriftstellers Hoffmann erstaunliche Abenteuer Mädchen Mascha, die nach einem fröhlichen festlichen Abend des Neujahrsbaums von ihr träumte. Hier verschränkt sich das reale Leben mit Fiktion und Fantasie. Jede der Figuren hat ihre eigene musikalische Charakteristik. Musik vermittelt wirklich Kindheitserlebnisse.

Das Ballett hat zwei Akte. Im zweiten Akt wird ein farbenfrohes Divertissement dargeboten (das ist eine Aneinanderreihung verschiedener Tänze, die nicht direkt mit der Entwicklung der Handlung zusammenhängen).

Jeder Divertissement-Tanz hat seinen eigenen Namen: Schokolade (spanischer Tanz), Kaffee (arabischer Tanz), Tee (chinesischer Tanz), Hirtentanz, Blumenwalzer, Tanz der Feen Dragee.

2. Kreativität L. Beethoven

Ludwig van Beethoven ist ein deutscher Komponist. In seinem Schaffen erreichte die klassische Musik ihren Höhepunkt. Die gewaltige Blütezeit seines Schaffens fiel mit dem Beginn des 19. Jahrhunderts zusammen. Als Zeitgenosse der Ereignisse der Französischen Revolution drückte Beethoven zum ersten Mal in der Musik die heroischen Bestrebungen des Volkes mit solcher Kraft aus.

kreatives Erbe: 9 Sinfonien, Ouvertüren, Konzerte, Instrumentalmusik, 32 Klaviersonaten, Oper Fidelio.

Unter den Klaviersonaten sind die bekanntesten: "Pathetic", "Appassionata", "Lunar".<;;; " З UїіїRSh.t■*.:

Symphonie Nr. 5 gewann die Liebe der Menschen, ihre Struktur ist traditionell - 4 Teile. Aber zum ersten Mal gelang es Beethoven, den viersätzigen symphonischen Zyklus so einheitlich und untrennbar zu machen. Alle Teile sind durch ein imperatives Thema (das Schicksalsthema) verbunden, das zunächst wie eine Epigraphik klingt.

Auch die Ouvertüre aus der Musik zu Goethes Tragödie „Egmont“ ist von heroischer Stimmung durchdrungen. Beethovens Interesse am Schicksal der Menschen, der Wunsch in seiner Musik, den Kampf als unvermeidlichen Weg zum Erreichen des Ziels und des kommenden Sieges zu zeigen - der Hauptinhalt der heroischen Werke des Komponisten.

3. Ukra ї ns bkі Komponist und Radianskogo-Gasse io du m

Die Bildung der ukrainischen Radian School of Composers wird im 20. Jahrhundert beobachtet. Klassische Komponisten - Stetsenko, Stepovy, Leontovich - waren die Grundlagen. Eine junge Komponistenschule wird gegründet - L. Revutsky, P. Kozitsky, B. Lyatoshinsky, G. Verovka, M. Kolyada. 1918 kam ein Absolvent des Petrograder Konservatoriums V. Kosenko, ein Pianist und Komponist, in die Ukraine. Vin wird weitgehend in die Arbeit einbezogen.

Die Schaffenskraft der Komponisten erreichte bereits im 20. Jahrhundert bedeutende Erfolge. Es wurde als traditionelle Musikkomposition geschaffen, die zu einer wichtigen Etappe in den Rosen der vitkuukrainischen Kultur wurde.

Erstellt die beliebtesten Opern: die Oper "Bogdan Khmelnytsky" von Dankevich "Milan" von Mayborody, "The Fox Song" von Kireyk, die Symphonie-Kantate von Stogarenko "Die Ukraine gehört mir".

Am musikalischen Himmel der Ukraine in den 60er - 70er Jahren gibt es Rockstars, Namen: L. Grabovsky, M. Skorik, V. Silvestrov, V. Hubarenko, Y. Stankovich, L. Dychko, Y. Ischenko, O. Kiva und in. Genau wie die ersten Witze junger Komponisten buli pov "Singen von Kammermusik, Zokrema-Miniaturen, dann üben die jungen Leute im Zirkus Mayzhe in allen Genres.

Eintrittskarte 6

1. Oper

Die Oper ist ein großes und komplexes musikalisches und theatralisches Werk. Es wird von einem Orchester, Chor, Sängern und oft Tänzern aufgeführt. Die Oper vereint verschiedene Kunstgattungen: Schauspiel und Musik, Gesang und Tanz, Schauspiel und das Können von Malern und Dekorateuren.

Die Handlung für eine Oper ist meistens ein literarisches Werk. Darauf aufbauend entsteht der Text der Oper – das Libretto. Je nach Inhalt sind die Opern historisch („Ivan Susanin“ von Glinka, „Prinz Igor“ von Borodin, „Krieg und Frieden“ von Prokofjew), häuslich („Die verkaufte Braut“ von Smetana, „Sorochinsky Fair“ von Mussorgsky), fabelhaft („Die Zauberflöte“ Mozart, „Das Schneewittchen“ von Rimsky-Korsakov).

Die Handlung der Oper entfaltet sich vor den Augen des Publikums auf einer mit Kulissen ausgestatteten Bühne. Musik ist das wichtigste Ausdrucksmittel. Es enthüllt die Charaktere der Charaktere und die Hauptidee der gesamten Arbeit.

Eine Opernaufführung beginnt in der Regel mit einer Orchestereinleitung – einer Ouvertüre. Die Musik der Ouvertüre bringt die Grundstimmung des Werkes zum Ausdruck und bereitet so die Zuhörer auf dessen Wahrnehmung vor.

Die Ouvertüre und Orchestereinführungen zu anderen Akten der Oper werden vom Sinfonieorchester aufgeführt. Er begleitet auch den Gesang von Sängern sowie Ballettszenen.

Eine Opernaufführung ist in Handlungen (Akte) unterteilt. Jede Aktion besteht aus separaten Szenen, Nummern. Musiknummern sind solo (für einen Interpreten) - Lieder, Arien; Ensemble - Duette, Tertsets, Quartette usw.; Chor und Orchester.

Opern wurden von fast allen großen Komponisten geschrieben: Mozart und Verdi, Wagner und Bizet, Glinka und Tschaikowsky, Mussorgsky und Rimski-Korsakow, Rachmaninow und Prokofjew.

2. Entwicklung der Musikkunst in der Sowjetzeit *

Seit 1918 beginnt die Masseneinführung der Menschen in die Musikkultur; Das Bolschoi-Theater, das Zentrum der russischen Oper, öffnete seine Türen für ein neues Publikum. Die Moskauer und Petrograder Konservatorien gingen in Staatsbesitz über. Tages- und Abendmusikschulen, Kreise, Studios sind geöffnet. Amateurkunst gedeiht und trägt dazu bei, den Reichtum der Volkstalente zu enthüllen.

Seit Mitte der 1920er Jahre hat sich der Musikrundfunk entwickelt. Viele klassische Werke sind für die große Masse der Zuhörer zugänglich geworden.

Die junge Leistungsschule hat große Erfolge erzielt. Zu den weltberühmten Musikern gehören die Geiger Oistrach und Kogan, die Pianisten Gilels und Richter, die Cellisten Rostropovich und Shafran.

Auch die Arbeit sowjetischer Komponisten begann sich zu entwickeln. Das Markenzeichen ist Innovation. Dies manifestiert sich in der Suche nach neuen Ausdrucksmitteln, musikalischen Formen.

Ein wichtiges Merkmal der sowjetischen Musikkultur ist ihr multinationaler Charakter. Das Massenlied wird zur am weitesten verbreiteten Gattung. Dies ist eine Art Chronik der Geschichte des Staates. ->s.; ; .

Die Oper wurde zu einem der wichtigsten Genres der sowjetischen Musik. Komponisten versuchten, Opern zu zeitgenössischen Themen zu schaffen. Dazu war es notwendig, das traditionelle Genre zu aktualisieren, neue Ausdrucksmittel zu finden. Die ersten erfolgreichen sowjetischen Opern waren „ Ruhig Don“ Dzerzhinsky (nach dem Roman von Scholochow), „Into the Storm“ von Chrennikov, „Semyon Kotko“ von Prokofjew. Später erschienen die Opern „The Taras Family“. Kabalewski oh, "Junge Garde" Meitus, "Jalil" Zhiganov, „Krieg und Frieden“ von Prokofjew, „Katerina Ismailova“ von Schostakowitsch.

Die Leistungen des sowjetischen Balletts sind groß. Sie haben viel mit Gedeihen zu tun. Choreografische Kunst in unserem Land. Die Ballette „Die rote Blume“ von Gliere, „Die Flammen von Paris“ und „Bachtschissarais Brunnen“ von Asafijew, „Romeo und Julia“ von Prokofjew, „Spartakus“ von Khachaturian erscheinen.

In den Gattungen der symphonischen Musik konnten sowjetische Komponisten die Gegenwart tiefgreifend reflektieren und neue Ausdrucksmöglichkeiten finden. N. Myaskovsky, der Autor von 27 Symphonien, gilt zu Recht als Leiter der sowjetischen Symphonieschule. Klänge auf der ganzen Welt

7 Symphonien von S. Prokofjew. Einer der größten Symphoniker der Welt ist D. Schostakowitsch.

Die Aufmerksamkeit der Komponisten wird von vokalen und symphonischen Genres angezogen - Kantate und Oratorium, die erworben werden neuer Charakter. In der Vergangenheit wurden diese Genres mit religiösen Themen in Verbindung gebracht. In der sowjetischen Musik werden sie zu Werken mit heroisch-patriotischem Inhalt („Auf dem Kulikow-Feld“ von Schaporin, „Alexander Newski“ von Prokofjew, „Ein Gedicht zum Gedenken an Sergej Jesenin“ von Sviridov usw.).

In der Arbeit sowjetischer Komponisten instrumental und vokale Genres- Suiten und Konzerte, Kammerensembles, Romanzen und Vokalzyklen.

3. Kreativ ic sein M. Leontowitsch

Mykola Dmitrovich Leontovich ist ein Klassiker der ukrainischen Prä-Zhovtnevoy-Musik und einer der Begründer der Radian-Musikkultur. Mayzhe das ganze Leben Leontovich pratsyuvav im Genre der Verarbeitung ukrainischer Volkslieder, das Erreichen der richtigen mystetsky Gipfel. Die Chorkreativität von Yogo ist eine der schönsten Seiten der ukrainischen Musik. Vagomo ist in die Schatzkammer der weltlichen Musikkunst des Landes gegangen.: Lassen Sie den Komponisten in unserem Land weit im Ausland erklingen. Yogo musicahvilyuє usіh.

Die Arbeit an der Haut des Volksliedes versucht lange zu beenden, oft schafft der Komponist drei Chotiri- und її-Optionen, pragnuchi vikoristati alle internen Möglichkeiten von Pershodzherel. Das reiche Arsenal an harmonischen, polyphonen, strukturellen und klanglichen Werkzeugen zum Erstellen individueller Bilder stagniert, während die unveränderliche Melodie gefüllt wird. Die Chori "Kleine Mutter hat eine Tochter", "Spinning", "Über dem Flussufer", "Dudaryk", "Shchedryk" wurden mit dem richtigen Maisternistyu markiert.

Eine Stunde lang kreiert Leontovich, krimt eine Auswahl an Volksliedern, singt Chöre ("Ice Breaker", "Summer Tony", "My Song") und das Opernballett "On the Mermaid's Great Day", als sie sie verlor unvollendet.

Horovі kreiert Leontovich - tse, ohne Zweifel, vysokomistetski zrazki. In ihnen gibt es einen Vidbitonismus, der mit dem Bild der Strahlwirkung durchdrungen ist.

Musik MD Leontovich ist endlich in die Schatzkammer unserer nationalen Musikkunst gegangen.

Eintrittskarte 7

1. Sonaten-symphonischer Zyklus. Symphonie. Symphonieorchester.

Der große österreichische Komponist Joseph Haydn gilt als Begründer der klassischen Sinfonie. Seine Werke zeichnen sich durch Harmonie und Ausgeglichenheit der Form, einen hellen, lebensbejahenden Charakter aus. In seinem Werk bildete sich schließlich der symphonische Zyklus heraus.

Eine Symphonie ist ein zyklisches Werk (d. h. mehrstimmig) mit einer bestimmten Abfolge von Stimmen. In der Übersetzung bedeutet das Wort "Symphonie" "Konsonanz", "Zustimmung". Dieses Wort hat verschiedene Bedeutungen angenommen. Die Sinfonie wurde im 18. Jahrhundert zu einem eigenständigen Konzertwerk.

Teil I geht in schnellem Tempo, in Sonatenform, Teil II ist langsam, Teil III ist menuzt, Teil IV ist final, das schnelle Tempo kehrt zurück.

Die Sinfonie ist für ein Massenpublikum bestimmt. Es wird von einem Sinfonieorchester aufgeführt.

Auch die Zusammensetzung des Sinfonieorchesters ist im Werk Haydns verankert. Es basiert auf vier Werkzeuggruppen:

1) Die Streichergruppe umfasst: Violinen, Bratschen, Celli und Kontrabässe;

2) die Holzbläsergruppe umfasst: Flöten, Oboen, Klarinetten, Fagotte;

3) eine Gruppe von Blechblasinstrumenten besteht aus Hörnern und Pfeifen.

4) der Schlaginstrumente verwendete Haydn nur Pauken.

2. Kreativität P.I. Tschaikowsky

Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky widmete seine ganze Arbeit dem Menschen, seiner Liebe zum Mutterland und zur russischen Natur, seinem Streben nach Glück und seinem mutigen Kampf gegen die dunklen Mächte des Bösen. Und was auch immer der Komponist sagt, er ist immer ehrlich und aufrichtig.

Tschaikowsky hat in fast allen Genres geschrieben, und in jedem von ihnen hat er als brillanter Künstler sein Wort gesagt. Aber sein Lieblingsgenre war die Oper. Er achtete sehr auf den Inhalt und bevorzugte Themen aus dem russischen Leben.

Gleichzeitig nimmt auch die symphonische Musik einen wichtigen Platz in Tschaikowskys Schaffen ein.

Hauptwerke: 10 Opern (Eugen Onegin, Die Zauberin, Pique Dame, Iolanthe usw.), 3 Ballette (Schwanensee, Dornröschen, Der Nussknacker), 6 Symphonien und andere symphonische Werke, Klavierstücke (ua die Zyklen „Jahreszeiten“, „Kinderalbum“), Romanzen.

Das Werk von Tschaikowsky ist der Höhepunkt der Weltmusikkultur des 19. Jahrhunderts.

Erste Sinfonie „Winterträume“

Tschaikowskys Erste Sinfonie ist ein bemerkenswertes Beispiel seines frühen Orchesterwerks. Zum ersten Mal manifestieren sich darin charakteristische Bilder und Techniken, die der Komponist in tief entwickelt hat Symphonische Kreativität Reifezeit.

Teil I - "Träume auf einer Winterstraße" - Bilder der russischen Winternatur werden hier mit sanften Farben dargestellt.

Teil II - "Ein düsteres Land, ein nebliges Land." Diese Musik ist inspiriert von den Eindrücken von Tschaikowskys Reisen auf dem Ladogasee.

Die Teile III und IV – das Scherzo und das Finale – tragen keine Namen, fallen aber inhaltlich nicht aus dem allgemeinen poetischen Entwurf.

Oper „Eugen Onegin“

Tschaikowsky nannte seine Oper „lyrische Szenen“. Der Komponist konzentrierte seine ganze Aufmerksamkeit darauf, die innere, spirituelle Welt seiner Figuren zu enthüllen. Auch Bilder des Volkslebens werden anschaulich und wahrheitsgemäß offenbart. AUS große Liebe poetische "Skizzen" der russischen Natur, "vor deren Hintergrund die Gefühle und Erfahrungen der Figuren offenbart werden.

Charaktere: Tatjana, Olga, Onegin, Lenski, Fürst Gremin.

Das Orchester spielt eine wichtige Rolle bei der Enthüllung der Charaktere. Jede der Hauptfiguren wird durch ihre eigenen speziellen musikalischen Themen umrissen. Edelsteine il-.-.:■",.. >*■ ■ ;!: ■ ■■

Auch die Charaktere der Charaktere entwickeln und verändern sich allmählich während der Entwicklung der Handlung (z. B. in der Briefszene der Charakter Hauptfigur in Bewegung gesetzt: Von einem naiven, verträumten Mädchen verwandelt sich Tatjana in eine leidenschaftlich liebende Frau, erlangt spirituelle Reife).

Oper "Eugen Onegin" - höchste Leistung Russische Opernkunst. Schon zu Lebzeiten des Komponisten wurde sie zu einer der beliebtesten Opern.

3. Ukra їн Folklore

Folklore ist der größte geistige Reichtum der Menschen. Zur Schuld der Seelen der Menschen, zu den Türmen des Dovkolishny-Lichts, zur Gärung der Geister, die sich lange hingezogen haben.

Die Menschen komponierten Lieder für die Hauptstadt. Die jüngsten von ihnen beziehen sich auf den Ausgrabungskalender, Rituale.

In den Jahrhunderten XY - XYI entstehen neue Folkloregenres - Gedanken und historische Geschichten. Der Gestank wurde vom Kampf des ukrainischen Volkes gegen die Tataren, Türken und den polnischen Adel durchdrungen. Sie wurden von Kobsaren und Banduristen geschlagen.

Im XYI-Jahrhundert wurden lyrische, heiße und Tanzlieder geboren. Sie klingen wie Menschen - kohannya, rozpach, Freude, Aufruhr, verkörpern die Schönheit der menschlichen Seele.

Im 12. Jahrhundert gibt es einen Liedroman, in dem es berufliche und volkstümliche Anfänge gibt.

Prominente literarische Interpreten - Grigoriy Skovoroda, Ivan Kotlyarevsky, Taras: Shevchenko, sowie die Komponisten Mykola Diletsky, Maxim Berezovsky, Artem Vedel, Dmytro Bortnyansky, Mykola Lysenko liebten Folklore, liebten Yoga und siegten bei ihrer kreativen Arbeit.

Die wissenschaftliche Aufzeichnung der musikalischen Folklore reicht bis ins 19. Jahrhundert zurück. Dies sind die Sammlungen von M. Maksimovich und O. Alyab "eva, O. Rubts, M. Lisenka, E. Linovoi, S. Lyudkevich, I. Kolessi und K. Kvitka.

Die jüngste Schicht von Volksliedern, die "aus der Zeit des Schicksals" genannt werden, heißt Ritual oder Kalenderritual, Yazani mit den Riten der Begräbnisstätte.

Weihnachtslieder und großzügig і vki begleitet den Ritus der Weihnachtslieder und Großzügigkeit von den Segnungen der neuen Heiligen.

Die ganze Bula war eine Art theatralische Musikshow. Die Handlungen des Liedes, um die rіznomanіtnі zu beenden, aber nicht ohne Ausnahme "pov" zázanі z praceyu und das Leben der Dorfbewohner.

Ich werde eine Gruppe von Ritualen dekorieren. Das Lied ist gefaltet Steinfliegen(in den westlichen Regionen der Ukraine heißen sie Haivki). Der Frühling ist die Zeit des Erwachens der Natur, er ist erfüllt von Freude, neuen Hoffnungen und Inspirationen, schon seit langem respektiert man, dass der Frühling gerufen, gebeten werden muss.

Vesnyanki - diese wichtigen Mädchenlieder. Vikonanny of stoneflies sang oft "Lied, Rundtanz, Bühnenauftritt. Die Natur der Melodien des Liedes des Frühlingszyklus ist m" lyrisch, strahlend. Bei manchen überwiegt die tänzerische Basis.

Sommerzyklus Das Lied wird vom Heiligen Ivan Kupala zu Ehren der Sonne gefeiert. Am ganzen Tag, bis zu einer letzten Stunde, nach dem Sparen Stribati durch das Feuer (Reinigung) blasen, die Weine ins Wasser lassen, Wahrsagen. Begleitet wird der Ritus vom Singen der Badelieder.

Der Zyklus der rituellen Lieder, pov "Ankündigung des Erdarbeitenkalenders, komplett Braten(Zhnivar) Lieder. Der Ritus des Röstens selbst kann solche großen Momente haben:

1) Am Ende der Arbeit wird den Frauen ein Haufen Zbіzhzhya vorenthalten, die zv "Aale ausdehnen und das Getreide auf dem Maisfeld schütteln,

2) Flechte einen Kranz aus der Brise und setze ihn dem besten Arbeiter auf den Kopf. Gehen Sie zur Tür von "I gospodar". Das Mädchen gibt ihm einen Gin Wein. Dann kocht der Gospodar für die Frauen, der Klang von Gesang, Musik.

Eintrittskarte 8

1. Sonatenform. Klavierwerke der Wiener Klassik

Sonate wird zyklisches Produkt für ein oder zwei Instrumente genannt. Das Wort "Sonate" bedeutet in der Übersetzung aus dem Italienischen "klingen".

Bei Haydn ist der Typus der klassischen Sonate etabliert. Es besteht aus drei Teilen: Der 1. Teil ist in schnellem Tempo in Sonatenform geschrieben; Teil II geht langsam voran; Sch Teil, Schluss, - wieder in schnell.

Die einander gegenüberstehenden Teile des Zyklus offenbaren ein einheitliches künstlerisches Konzept.

Unter Haydns Sonaten sind die beliebtesten Sonaten in e-Moll (lyrisch) und in D-Dur (heiter). Ihre Struktur ist traditionell. Musik ist klar und zugänglich

Haydns jüngere Zeitgenossen Mozart und Beethoven werden auch als Wiener Klassiker bezeichnet. (Für ihre Sonaten siehe Tickets Nr. 3, Nr. 5)

2. Das Werk von Komponisten der Sowjetzeit ^

Das Werk sowjetischer Komponisten ist vielfältig vertreten: Instrumental- und Vokalgenres - Suiten und Konzerte, Kammerensembles, Romanzen und Vokalzyklen.

Die wichtigsten Komponisten dieser Zeit sind: S. Prokofjew, D. Schostakowitsch, A.I. Khachaturian, D. Kabalewski.

Groß Sowjetischer Komponist Sergej Sergejewitsch Prokofjew zu Recht als Klassiker des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Er vermittelte in seiner Arbeit die Gefühle seiner Zeitgenossen, die scharfen dramatischen Zusammenstöße der Epoche und den Glauben an den Sieg des hellen Anfangs im Leben. Prokofjew ist ein mutiger und innovativer Künstler. Er eröffnete „neue Welten“ im Bereich Melodie, Rhythmus, Harmonik, Instrumentierung. Gleichzeitig ist seine Kunst eng mit den Traditionen der russischen und Weltklassiker verbunden“, „Krieg und Frieden“; „Die Geschichte eines echten Mannes“ usw.); 7 Ballette ("Romeo und Julia", "Aschenputtel" usw.); Oratorium „Auf der Hut der Welt“; Kantate „Alexander Newski“; 7 Sinfonien; Konzerte; Zyklen von Klavierstücken: "Fleeting", "Tales alte Großmutter"," Kindermusik "; Symphonisches Märchen„Peter und der Wolf“, Filmmusik.

Siebte Symphonie Prokofjews letztes vollendetes Hauptwerk.

Sinfonie für Kinder - so war ursprüngliche Absicht. Aber dabei veränderte er sich. Das Ergebnis war eine Symphonie "für Kinder und Erwachsene" - tiefes Schreiben, die für Prokofjews Werk der Spätzeit charakteristische Merkmale vereinte.

Musik Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch- die stärkste künstlerische Verkörperung seiner Zeit. Dies ist eine Kunst, die von Liebe zu einem Menschen, dem Glauben an seinen Adel, Willen und Geist durchdrungen ist. Das ist eine Kunst, die alles Menschenfeindliche, den Faschismus und andere Formen der Unterdrückung der Menschenwürde anprangert.

Hauptwerke:

15 Symphonien (darunter die siebte „Leningrader“, die elfte „1905. Jahr“); Oper "Katerina Ismailova"; Oratorium "Lied der Wälder"; Konzerte; Instrumentalmusik; 24 Präludien und Fugen für Klavier; Lieder, Vokalzyklen; Musik für Filme.

Siebte Symphonie ("Leningrad")- eines der bedeutendsten Werke Schostakowitschs. Die Sinfonie wurde 1941 geschrieben. Das meiste davon wurde im belagerten Leningrad komponiert. Auf der Partitur stand die Inschrift des Autors: „Der Stadt Leningrad gewidmet“.

Die Siebte Symphonie wird oft mit dokumentarischen Werken über den Krieg verglichen, eine „Chronik“, ein „Dokument“ genannt – so treffend vermittelt sie den Geist der Ereignisse. Und gleichzeitig schlägt diese Musik mit der Tiefe des Denkens. Gerangel Sowjetisches Volk Mit dem Faschismus offenbarte Schostakowitsch, wie der Kampf zweier Welten: der Welt der Schöpfung, der Kreativität, der Vernunft und der Welt der Zerstörung und Grausamkeit; gut und Böse. Die Idee vom Kampf und Triumph des Menschen offenbart sich auf unterschiedliche Weise in den vier Teilen der Sinfonie.

Aram Iljitsch Chatschaturjan- ein Künstler von strahlender, origineller Persönlichkeit. Temperamentvoll, heiter, anziehend durch die Frische von Harmonien und Orchesterfarben, ist seine Musik durchdrungen von Intonationen und Rhythmen armenischer Volkslieder und -tänze. In seinen Werken stützt er sich auch auf die Traditionen der Weltmusik, vor allem der russischen.

Hauptwerke:

2 Sinfonien; 2 Ballette ("Gayane", "Spartacus"); Konzert für Violine und Orchester; Stücke für Klavier; Lieder und Romanzen; Musik zu Lermontovs Drama „Masquerade“.

Violinkonzert ist eines seiner schönsten Werke. Die Begabung des Komponisten, Musik zu schaffen, die sich weitgehend auf die Volkskunst stützte, manifestierte sich hier mit besonderer Kraft. Das Konzert besteht aus drei Sätzen, eine Art Malerei aus Volksleben, poetische Skizzen der Natur Armeniens.

Dmitri Borissowitsch Kabalewski- ein von hervorragende Komponisten Sowjetzeit. Besonders die Bilder der Kindheit und Jugend haben es dem Komponisten angetan. Spricht darüber

die meisten seiner Werke.

Für seine jungen Freunde schrieb der Komponist nicht nur Musik. Im Radio, von der Konzertbühne, hielt er Vorträge, dirigierte spannende Gesprächeüber Musik. Diese Gespräche bildeten die Grundlage seines Buches „Über drei Wale und über vieles mehr“. Kabalewski war besorgt über die Probleme der musikalischen Bildung von Kindern.

Hauptwerke:

4 Sinfonien; 5 Opern (Cola Breugnon, The Taras Family, Sisters); Operette "Frühling singt"; 2 Kantaten; Requiem; Konzerte; Instrumentalmusik; Werke für Pianoforte, Lieder; Musik für Filme.

3. A. Shtogarenko. sympho nein i-Kantate „Ukraine їн Oh mein"

Das Werk des Komponisten Andriy Yakovich Shtogarenok erinnerte an die 1930er Jahre. Die majestätische vokalsymphonische Komposition „Meine Ukraine“ (1943) wurde zur rechten kreativen Hand der Miliz. Diese Symphonie-Kantate in dieser Symphonie-Kantate hat einen Konflikt im Zustand der gegensätzlichen Kräfte. Literarisch. Grundlage der Komposition waren die Verse von A. Malishka und M. Rilsky.

Die Lederstimme der Symphonie-Kantaten kann einen Programmnamen haben. Persha – „Steh auf, Ukraine“ – ist voller Dramatik, bitterer Verwirrung, Trauer und Leid. Die Natur der Musik ist durch zwei musikalische Themen gekennzeichnet: dramatisch, zornig-spontan (її vikonuє-Chor) weinerlich-rosig (Bariton-Solo), in dem das Leiden für die Zufügung von Gräueltaten durch die Nazis vermittelt wird.

Ein anderer Teil – „Koliskova“ – ist das lyrische Zentrum des Zyklus. Shtogarenko schuf ein Wunder, niedriger, sovnenu spirituelle Wärme Koliskovs Mutterlied, als Pragne, um seinen Sohn zu schützen.

Der dritte Teil - "Partizanska" - ein heroisches Scherzo. Es ist durchdrungen von Dynamik, Vorwärtsbewegung. Ich beende die Symphonie-Kantate mit einem heroischen Finale.

Eintrittskarte 9

1. Polyfonie. Schaffung IST. Bach

Johann Sebastian Bach ist ein großer deutscher Komponist. Die meisten Werke Bachs sind einem polyphonen Lagerhaus innewohnend. "Polyphonie" bedeutet in der Übersetzung Polyphonie. Jede Stimme in polyphoner Musik ist unabhängig.

Eines der Hauptentwicklungsmittel in der Polyphonie ist die Nachahmung ("Imitation"). In der Musik ist dies eine Technik für den abwechselnden Einsatz von Stimmen, wobei jede Stimme die vorherige mit einer gewissen Verzögerung imitiert. Imitation trägt zur Kontinuität der melodischen Bewegung bei, die ein Kennzeichen polyphoner Musik ist.

In Bachs Werk erreichte die Polyphonie ihre höchste Vollendung. Er schrieb kleine Präludien, Fugen, 2- und 3-stimmige Erfindungen.

Von großem Wert sind 48 Präludien und Fugen, die zwei Bände bilden. Das Werk hieß „Das Wohltemperierte Klavier“. Hier bewies der Komponist, dass alle Tonarten gleich sind und gleich gut klingen.

Bach schrieb auch viel Musik für die Orgel, die sein Lieblingsinstrument war.

2. Die Entwicklung des romantischen Genres in der russischen Musik

Eine der beliebtesten Arten der Musikkunst am Ende des 19. Jahrhunderts und in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts war die Romantik. Viele Romanzen jener Zeit waren eng mit dem urbanen Alltagslied verbunden. Sie wurden mit Klavier-, Harfen- oder Gitarrenbegleitung aufgeführt. Eine wichtige Rolle in der Entwicklung der russischen Romanze spielten die Komponisten Alyabyev („The Nightingale“), Varlamov („The Lonely Sail Turns White“, „Mountain Peaks“, „A Blizzard Sweeps Along the Street“), Gurilev ( „Mutter Taube“, „Die blauflügeligen Schwalbenwinde“, „Glocke“). Das Werk dieser Komponisten ist ein wertvoller Beitrag zur Schatzkammer der russischen Musik. . . .

Einen wichtigen Platz nimmt die Romantik in der Arbeit von M.I. Glinka. Glinka schrieb sein ganzes Leben lang Liebesromane. Alles fesselt sie: Aufrichtigkeit und Einfachheit; Zurückhaltung im Ausdruck von Gefühlen, klassische Harmonie und Strenge der Form, Schönheit der Melodie und klare Harmonie. Romanzen sind beliebt – „The Lark“, „A Passing Song“, „I Remember a Wonderful Moment“

Einen herausragenden Platz nehmen Romanzen und Lieder in den Werken von Dargomyzhsky, Borodin, Mussorgsky, Tschaikowsky ein.

3. Opera kreativ і St. Ukraine ї Russischer Komponist і in

Oper- die ganze Gattung, in der es um "einen im eigenen Spiv" geht (Solo, Ensemble, Chor), Instrumentalmusik, Bühnenperformance, bildgebende Kunst (Kostüme, Maske, Licht; künstlerische Gestaltung der Performance).

Die Grundlagen der europäischen Musik- und Theaterkunst wurzeln in einer langjährigen Volkstheateraktion (in Italien - Comedy dell'arte, in Russland - das TheaterPetruschka "", in der Ukraine - eine Krippe). Die Oper hat ihren Ursprung in Italien. Die ersten Kreationen wurden zu antiken Themen geschrieben. Den Rest der Oper bildet das Werk des prominenten italienischen Komponisten Claudio Monteverdi.

Bereits in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts nach der Rechtfertigung wurde die Oper zur beliebtesten Gattung.

Großmeister der Opernkunst buvV.AMozart. Top-Opern von Yogo - "Vesilla Figaro", "Don Giovanni", "Charming Flute". . .und.

Ukraine їн Ska-Oper entstand in der anderen Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die ersten klassischen Bilder der Epen mit den Namen S. Hulak-Artemovsky ("Zaporozhets jenseits der Donau", 1862) und M. Lisenka ("Natalka Poltavka", 1889 und "Taras Bulba", 1890).

Das Thema der Oper kann unterschiedlich sein. Diese historischen Hintergründe, die Gemälde werden aussehen, die Erfahrungen der Menschen und auch die innere Welt von її.

Die Erforschung der ersten Oper hilft dem Text, der die Grundlage der Gesangsnummern bildet. Wessen Text heißt lch Bretto, Yoga erschafft Lieder, der Dramatiker ist selbst Komponist.

Mit Hilfe musikalischer Vielfalt schafft der Komponist künstlerische Bilder. Unter ihnen - helle Melodie, Harmonie, verschiedene Orchestrierungen, origineller Rhythmus. Eine wichtige Rolle spielt die Auswahl musikalischer Formen für eine Reihe von Nummern, Szenen und Akten. Die Solonummern können so heißen: Arie, Arioso, Arietta (klein für die Arie), Cavatine, Romantik.

In der Oper sind Rezitative (musikalische Rezitation) weit verbreitet. Voni ..z" Einzelpartei, Ensembles, Chori.

Eine Reihe von Solopartien in Opernensembles, Chören, Ballettnummern.

Duje vagoma in der Opernrolle Orchester. Nicht weniger als begleitendes Spіv und y dopovnyuє yogo, zbagachuє. Dem Orchester sind unabhängige Nummern anvertraut: Ouvertüre, Pause zu okremyh diy, Episode, Enter zu Arien.

Ouvertüre- Es ist notwendig, die rauschenden Schlüsse der Orchesternummer zu beenden, die sich bis zur Abhängigkeit steigert. Der Komponist konzentriert sich auf die musikalischen Hauptgedanken der Oper.

Pause- tse klein hinter den Orchesteröffnungen zu di.

Den Kern der lyrisch-komischen Oper stellt S. Gulak-Artemovskys Oper „Zalorozhets jenseits der Donau“ dar. Hier sind zwei Handlungsstränge miteinander verflochten: lyrisch (das Zakokhana-Paar - Oksana Andriy) und komisch (Ivan Karas und Yoga-Frau Odarka).

Charakteristisch für die komische Oper-romantische Dialoge Oper hat eine bedeutende Rolle in der Geschichte der ukrainischen Opernkunst gespielt. Hier werden die traditionellen Volkstipps gezeigt, die schönen Zeichnungen des ukrainischen Volkes werden identifiziert.

Der Kern der historischen und heroischen Oper ist Lisenoks Oper „Taras Gulba“. Vagome place in niy gehören zu den Bildern der Menschen. Im Namen der Sprache zollt der Komponist den massenhaften Chorszenen großen Respekt, hier werden der Held des Kampfes und der Triumph des Sieges eingeflößt.

Eintrittskarte 10

1. Kreativität F. Chopin

Fryderyk Chopin ist ein großer polnischer Komponist und Pianist. Er bereicherte die Musik mit neuen Inhalten, führte neue Techniken der pianistischen Aufführung ein. Sein Werk fällt in die Epoche der Romantik, die durch das Miniaturgenre geprägt ist.

Chopin komponierte ausschließlich für Klavier. Seine Musik wurde zu seinen Lebzeiten als Ball anerkannt, und Chopin-Wettbewerbe finden heute statt.

Hauptwerke: Mazurkas, Polonaisen, Walzer, Nocturnes, Präludien, Etüden, Impromptu, Sonaten, Balladen, Scherzos, Fantasien, Konzerte.

Chopin erweiterte die Ausdrucksmöglichkeiten vieler Gattungen (wie Mazurka, Polonaise, Etüde, Walzer etc.) erheblich und machte sie zu Konzertwerken.

Besonders beliebt sind der Walzer in cis-Moll, die „revolutionäre“ Etüde, der Zyklus der 24 Präludien (Chopin hat als erster das Präludium als eigenständiges Stück interpretiert)

2. Opernmärchen in den Werken der Russen Komponisten

Das Genre der Märchenoper erschien in Glinkas Werk mit der Schaffung der Oper "Ruslan und Lyudmila". Er blüht in den Werken von Rimsky-Korsakov auf ("The Snow Maiden", "Sadko", "The Tale of Tsar Saltan", "The Golden Cockerel").

Oper "Schnee Mädchen" geschrieben über die Handlung des Stücks von A.N. Ostrowski 1880. Der Komponist gab alte Bräuche und Rituale mit großer Wärme wieder. Ein wahres Bild des Lebens und des Lebens der Menschen wird mit der Welt der Fantasie und Märchen kombiniert. Schauspieler: Tsar Berendey, Bermyata, Kupava, Lel, Mizgir, Bobyl und Bobylikha (realistische Bilder); Spring-Red, Santa Claus sind mit menschlichen Zügen ausgestattet; Das Bild der Schneewittchens - der Tochter von Frost und Frühling - kombiniert echte Merkmale mit fantastischen.

Die Oper zeigt oft die Natur. Manchmal haben Naturbilder eine allegorische Bedeutung - sie verkörpern die Gerechtigkeit und Regelmäßigkeit von Lebensphänomenen.

Rimsky-Korsakov verwendet oft Leitmotive - nachhaltige musikalische Merkmale. In der Oper wechseln sich Szenen einer kontinuierlichen („Durch-“)Entwicklung mit fertigen Nummern ab. Es gibt viele Chöre in der Oper, authentische Volksmelodien werden häufig verwendet und Volksrituale werden gezeigt.

Die Oper besteht aus einem Prolog und vier Akten.

3. Kreativität von L. Revutsky

Lev Mykolayovich Revutskyy uvіyshov in der Geschichte der ukrainischen radikalen Musikkultur als prominenter Komponist, Lehrer, Gelehrter und musikalisch-gromadsky Playboy. Der Yogo-kreative Pfad stieg im Pre-Zhovtnevi Roki an, obwohl die Restbildung von Yogo Yakmittsya deutlich später erfolgte, im 20. Roki.

Für die Ausformung des individuellen Stils von Revutsky ist es von großer Bedeutung, dass es sich um eine kleine und ernsthafte Arbeit mit Volksliedern handelt. Komponist stellt Volkslieder zusammen, die für wichtig sind

Zyklus "Sonetschko" z "erscheint 1925 Rock. Diese Lieder sind 20 verschiedene Lieder für ihren Charakter und ihre Genrezugehörigkeit gewachsen: Sprotten von Steinfliegen (Siehe, siehe, Sonechko", "Podolyanochka", "Go, go, to the plank"), lyrisch ( "Die Wachtel ist angekommen"), Tanzen ( Dibi-dibi), Koliskovyh ("Sirenky-Katze", "Oh, Schlafwandeln"), Igrovyh ("Oh, es gibt Viburnum", " Oiviya, Hopfen).

Die neue Stufe der Mystetsky-Konvergenz ist geworden Symphonie Nr. 2.

Die Originalität der Schöpfung liegt darin, dass all dieses thematische Material der Folklore zugeschrieben wird. Komponist Sieger 7 Lied: im 1. Teil - "Oh Frühling, Frühling", "Oh, es tut mir nicht leid für mich", im 2. Teil - "Oh Mikito, Mikito", "Oh, da ist eine Kiefer auf dem Feld ", "In Kiew auf dem Markt", Teil III - "Und wir glänzten mit Hirse", "In der Nähe des Mohntals".

Die Melodien dieser Volkslieder sind zum „Korn“ der Bildlichkeit geworden, zum richtigen Punkt, zum Impuls der Entwicklung.

Die Symphonie Nr. 2 wurde zum ersten klassischen symphonischen Genre in der ukrainischen Radiant-Musik.

Die beste kreative Arbeit der 40er Jahre Kantate-Gedicht "Justine"(hinter der Schaffung von T. Shevchenko) Musikalische Bilder virostayat aus Folklore dzherel, außerdem zitiert der Komponist keine Volksmelodien, sondern schafft originelle Stoffe - Melodie, Rhythmus, Harmonie, Textur - bei der Folklore-Seele.

"Khustina" - einteiliger Fernseher. Es gibt Chöre, Soli und Orchesterepisoden.

Mit seiner Singkantate hob Revutsky die von Lysenok und Stetsenko entwickelten Prinzipien der Kantatengattung auf. Vin interpretiert dieses Genre in einem lyrisch-dramatischen Plan (kantati classics mali ist wichtiger als der urochistische Charakter).

Creativedorobok L.M. Revutsky ist nicht zu groß, Ale Vagomius. Die besten Werke des Komponisten sind in den goldenen Fundus unserer Kultur eingegangen.

Kurze Einführung

Musikalische Literatur

IST. BACH
1. Polyphonie ist Polyphonie. In einem polyphonen Werk kann es zwei bis fünf Stimmen geben, die sich jeweils unabhängig voneinander entwickeln, aber alle in ein musikalisches Gewebe verwoben sind. Die Polyphonie war während der Renaissance (XVI - XVII Jahrhundert) durch herausragende polyphone Musiker in der 1. Hälfte des 17. Jahrhunderts weit verbreitet. waren: Deutsche Komponisten Georg Friedrich Händel, Georg Philipp Telemann, Engländer - Henry Purcell, Französischer Komponist Jean Baptiste Lully.
In Italien stach Antonio Vivaldi hervor. Seine Violinkonzerte und die Suite „Die Jahreszeiten“ sind weithin bekannt. In Frankreich die berühmtesten Komponisten - Cembalisten: Jean Philippe Rameau, Francois Couperin, Louis Claude Daken. Sonaten für Cembalo des italienischen Komponisten Domenico Scarlatti sind heute sehr beliebt.
Doch der große deutsche Komponist Johann Sebastian Bach (1685 – 1750) gilt zu Recht als „Vater“ der Polyphonie, sein Werk ist groß und facettenreich.
Bach wurde in der deutschen Stadt Eisenach geboren. Dort verbrachte er seine Kindheit, wo er Orgel, Geige und Cembalo spielen lernte. Ab seinem 15. Lebensjahr lebte er selbstständig: zunächst in der Stadt Lüneburg, dann zog er auf der Suche nach Arbeit in die Stadt Weimar, wo er als Kirchenorganist diente und hier seine besten Orgelwerke schrieb: „ Toccata und Fuge in d-Moll“, Orgelchoralvorspiele und -fugen. Dann zieht er in die Stadt Köthen.
In Köthen dient er als Hofmusiker des Fürsten von Köthen, hier schrieb er die besten Klavierwerke: den 1. Band des HTC (Wohltemperiertes Klavier), 6 englische und 6 französische Suiten, Inventionen, Chromatische Fantasie und Fuge .
Seine letzten Lebensjahre verbrachte Bach in Leipzig. Hier wirkte er als Leiter der Sängerschule (Kantor) an der Thomaskirche und schrieb viele Chorwerke: „Messe in h-Moll“, „Passion nach Johannes“, „Passion nach Matthäus“ und andere Bestleistungen Beispiele für Kantaten und Oratorien. Hier schrieb er den 2. Band des CTC.

IST. Bach wurde zum Schöpfer der polyphonen Musik. Niemand hat Polyphonie besser geschrieben als er. Seine drei Söhne wurden ebenfalls berühmte Komponisten, aber der Name Johann Sebastian Bach ging für alle Zeiten in die Geschichte der Musikkunst ein! Seine Musik ist ewig und den Menschen verständlich – sie lebt.
2. Klassische Wiener Schule.
Dies ist eine kreative Richtung in der Musik des späten 18. bis frühen 19. Jahrhunderts, die sich in Wien (der Hauptstadt des österreichischen Kaiserreichs) entwickelte. Drei Komponisten gehören ihm:Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven. In ihrer Arbeit wurde ein Sonaten-Symphonie-Zyklus gebildet. Ihre Werke sind in Form und Inhalt perfekt (also klassisch). Deshalb wurden sie die großen Wiener Klassiker genannt.
Die Musik der Komponisten der Wiener Klassik ist nach wie vor ein unübertroffenes Beispiel für Komposition (klassisch - eine der Bedeutungen des Wortes - vorbildlich). Schule - hier der Begriff der Nachfolge, d.h. Fortführung und Verbesserung der Traditionen und Ideen seines Vorgängers durch einen Komponisten.
Die Wiener Klassiker verwendeten ein neues musikalisches Lager (eine Art, musikalisches Denken auszudrücken) - homophon-harmonisch, wo es eine melodische Hauptstimme gibt und der Rest der Stimmen die Melodie begleitet (sie wird begleitet). In ihrer Arbeit wird eine 8-taktige (quadratische) Periode gebildet. Dies liegt an der Verwendung von österreichischen und deutschen Volksthemen. Die Harmonik wird von den Dreiklängen der Hauptschritte T, S, D dominiert.

Josef Haydn (1732-1809) war der älteste der Wiener Klassiker. Die Gattungen Sonate, Symphonie, Konzert und Quartett formten sich schließlich in seinem Schaffen. Er wird der „Vater“ der Symphonie genannt (er hat mehr als 100 davon). Seine Musik basiert auf den Themen von Volkstänzen und Liedern, die er mit großem Können entwickelt. In seiner Arbeit wurde auch die Zusammensetzung des Symphonieorchesters gebildet, das aus drei Instrumentengruppen besteht - Streichern, Bläsern und Schlagzeug. Fast sein ganzes Leben lang diente er als Hofmusiker des Fürsten Esterhazy und schuf 104 Symphonien, 52 Sonaten, Konzerte und 83 Quartette. Aber der Höhepunkt waren seine 12 Londoner Sinfonien, die Oratorien The Seasons und The Creation, die er am Ende seines Lebens in London schrieb.

Haydns Nachfolger war ein deutscher Komponist W. A. ​​Mozart (1756-1791). Seine helle Musik ist immer noch modern – ein anschauliches Beispiel des Klassizismus. Schon früh begann er Sonaten, Sinfonien und Opern zu komponieren. Unter Verwendung von Haydns Sonaten-Sinfonien-Zyklus entwickelte und bereicherte ihn Mozart. Wenn bei Haydn der Kontrast zwischen Haupt- und Seitenstimme nicht ausgeprägt ist, dann hat bei Mozart die Hauptstimme einen ganz anderen Charakter als die Seitenstimme und die Durchführung (Mittelteil) ist daher gesättigter. Mozarts Musik vermittelt mit erstaunlicher Kraft sowohl traurige tragische Stimmungen ("Requiem") als auch humorvolle Bilder und schöne Natur. Mozarts Musik zeichnet sich durch ihre Schönheit und Anmut aus. Mozart ist der Autor vieler Opern, von denen die berühmtesten sind: Die Hochzeit des Figaro, Die Zauberflöte, Don Giovanni. Er hat etwa 50 Symphonien (die berühmtesten sind g-Moll Nr. 40 und Jupiter Nr. 41), viele Sonaten, Konzerte für Klavier, Violine, Oboe, Flöte, Divertissements.

Ludwig van Beethoven (1770-1827) - der dritte Wiener Klassiker.
Der große deutsche Komponist wurde in Bonn geboren. Als Zeitgenosse der Französischen Revolution verkörperte er in seiner Musik das rebellische Pathos, den Traum von Freiheit und Glück der Menschheit. Er schuf 9 Symphonien (die berühmtesten: in c-Moll Nr. 5, Nr. 9), eine Reihe von Ouvertüren („Coriolanus“, „Egmont“, „Leonore“); 32 Sonaten („Moonlight“ Nr. 14, „Pathetic“ Nr. 8, „Appassionata“ Nr. 23 usw.), Oper „Fidelio“, 5 Klavierkonzerte, Violinkonzert und Sonaten für Violine, 16 Streichquartette. Beethovens Werk ist voller Energie, der Themenkontrast sehr hell, seine Musik dramatisch und zugleich lebensbejahend und dem Verständnis aller Menschen zugänglich.
3. Die Ära der Romantik in der Musik.
Romantik ist eine Kunstrichtung, die zu Beginn des 19. Jahrhunderts entstand, in der Zeit der Reaktion nach der französischen bürgerlichen Revolution. Kunstmenschen konnten damals die Realität nicht wahrheitsgemäß wiedergeben und mussten entweder in die Welt der Fantasie gehen oder die innere Welt eines Menschen, seine Gefühle und Emotionen widerspiegeln.
In der Musik war der erste romantische KomponistFranz Schubert (1797-1828) - der große österreichische Komponist - Liedermacher (er hat mehr als 600 davon).
In seiner Jugend musste er viele Verluste hinnehmen. Einmal allein in Wien lebte er bei Freunden und Bekannten und war voller Hoffnung auf eine wunderbare Zukunft. Seine Lieder in dieser Zeit sind von leichtem Inhalt (der Zyklus "Der schöne Müller"). Aber allmählich beginnt er zu verstehen, dass das Leben nicht so wolkenlos ist, wie es ihm schien, dass das Schicksal eines Musikers Armut und Not ist. In dem Song „The Organ Grinder“ malte er sein eigenes Porträt – einen von der Gesellschaft verstoßenen Sänger. Düstere Stimmungen spiegeln sich im Zyklus "Winterweg", "Schwanengesang". Solche Meisterwerke wie die Ballade "Waldkönig", "Margarita am Spinnrad" wurden nach Goethes Worten geschrieben. Schuberts „Serenade“ hat sich einen festen Platz im Repertoire berühmter Sänger erobert. Neben Liedern schrieb Schubert auch 8 Symphonien (die bekannteste ist die „Unvollendete“ in h-Moll Nr. 8 in zwei Teilen). Er hat auch viele kleine Klavierwerke: musikalische Momente, Impromptu, Ökossaisen, Walzer.
Schubert starb sehr früh – im Alter von 31 Jahren, aber es gelang ihm, mit seinen Werken den Auftritt von Anhängern seines Werkes vorzubereiten.
Einer von ihnen war der polnische Komponist des KlaviergenresFryderyk Chopin (1810 – 1849).
Seine Musik ist brillant. Obwohl er ausschließlich für Klavier schrieb, erschloss er dennoch eine ganze Welt - von den geheimen Abgründen menschlicher Gefühle bis hin zu einfachen Szenen des Dorflebens.
Er wandte sich den polnischen Nationalgenres – Mazurkas, Polonaisen, Walzer – zu und zeigte sie aus verschiedenen Blickwinkeln. Seine Mazurkas können zum Beispiel Ballsaal sein oder einem einfachen Dorftanz ähneln. Polonaise – mal brillant, mal tragisch.
Auch Walzer haben einen sehr vielfältigen Charakter, und seine Etüden sprengen den Rahmen einer rein technischen Arbeit – das sind schon Konzertstücke – Gemälde. Chopins Präludien sind klein, aber sehr unterschiedlich in den Schattierungen der Gefühle, die in ihnen berührt werden. Chopins Nocturnes sind Beispiele für Melodie und Harmonie. Chopin ist der Schöpfer eines neuen Genres der Klaviermusik – des Balladengenres. Er hat auch Sonaten. Chopins Trauermarsch ist jedem bekannt – das ist der 3. Satz der h-Moll-Sonate.
Fryderyk Chopin ist der Lieblingskomponist vieler Pianisten. Seit 1927 ist Warschau regelmäßig Gastgeber des World Chopin Piano Competition.
Der dritte Romantiker der ausländischen Musik -Robert Schumann (1810 – 1856).
Das ist ein großer deutscher Komponist – ein Träumer und Erfinder. Er hatte eine erstaunliche Fähigkeit, Menschen in der Musik darzustellen, oft mit Humor. Der Klavierzyklus „Karneval“ ist sein bekanntestes Werk. Er schrieb viele kleine Stücke für Pianoforte, „Album für die Jugend“, „Schmetterlinge“, 3 Sonaten, „Symphonische Etüden“ und andere Werke.
4 . Kreativität der Komponisten der zweiten Hälfte des 19. - frühen 20. Jahrhunderts.

Richard Wagner (1813-1883) - Wilhelm Richard Wagner war ein deutscher Dramatiker und Theoretiker, Theaterregisseur, Dirigent und Kontroverser, der für seine Opern berühmt wurde, die einen revolutionären Einfluss auf die westliche Musik hatten. Zu seinen Hauptwerken zählen Der fliegende Holländer (1843), Tannhäuser (1845), Lohengrin (1850), Tristan und Isolde (1865), Parsifal (1882...) und die Tetralogie "Ring der Nibelungen" (1869-1876) .

Giuseppe Verdi (1813-1901) - berühmter italienischer Komponist, Autor vieler unsterblicher Werke. Sein Werk gilt als Höhepunkt in der Entwicklung der Musik des 19. Jahrhunderts in seiner Heimat. Mehr als ein halbes Jahrhundert umfasste die Tätigkeit von Verdi als Komponist. Sie wurde hauptsächlich mit dem Genre der Oper in Verbindung gebracht. Die erste schuf Verdi im Alter von 26 Jahren ("Oberto, Graf von San Bonifacio"), die letzte schrieb er im Alter von 80 Jahren ("Falstaff"). Autor von 32 Opern (einschließlich Neuausgaben früher geschriebener Werke) ist Verdi Giuseppe. Seine Biografie ist bis heute von großem Interesse, und Verdis Kreationen gehören immer noch zum Hauptrepertoire der Theater auf der ganzen Welt.. Seine berühmtesten Opern waren Aida, Rigoletto und La Traviata.

Edvard Grieg (1843 - 1907) - Zeitraum, Figur,,. Griegs Werk entstand unter dem Einfluss des Norwegers Volkskultur.

Zu den bekanntesten Werken Griegs zählen zwei Suiten aus der Musik zum Schauspiel „“, Violinsonaten.

Grieg widmete sich hauptsächlich Liedern und, von denen er mehr als 600 veröffentlichte. Etwa zwanzig weitere seiner Stücke wurden posthum veröffentlicht. Gesangskompositionen Grieg sind in den Worten dänischer und norwegischer, manchmal auch deutscher Dichter geschrieben.

Claude Debussy (1862-1918) - Der französische Komponist C. Debussy wird oft als Vater der Musik des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Er zeigte, dass jeder Klang, jeder Akkord, jede Tonalität auf neue Weise gehört werden kann, ein freieres, bunteres Leben führen kann, als würde man seinen eigenen Klang genießen, seine allmähliche, geheimnisvolle Auflösung in Stille. Nicht umsonst gilt Debussy als Hauptvertreter. Das Lieblingsgenre des Komponisten ist eine Programmsuite (Orchester und Klavier), wie eine Reihe verschiedener Gemälde, in denen die statischen Landschaften von sich schnell bewegenden, oft tänzerischen Rhythmen unterbrochen werden. So etwa die Suiten für Orchester „“ (1899), „“ (1905) und „“ (1912). Für das Klavier entstehen „“, „“, die Debussy seiner Tochter widmete.

5. Russische Musikkultur.

Michail Iwanowitsch Glinka (1804-1857)
Der große russische Komponist ist der Begründer der nationalen klassischen Musik.
Nach dem Abitur am Universitäts-Adligen Internat reiste er viel durch Europa und studierte die Musik fremder Länder (Italien, Deutschland, Österreich). Als er in seine Heimat zurückkehrte, machte sich Glinka daran, eine russische nationale Musikschule zu gründen, und er schaffte es.
Glinka sammelte und verarbeitete russische Volkslieder und schrieb seine Werke unter Verwendung ihrer Intonationen, wobei er sie in strenge klassische Formen kleidete.
Glinka ist Autor von etwa 80 Romanzen und Liedern, darunter solche Meisterwerke wie „Zweifel“, „Ich erinnere mich an einen wunderbaren Moment“, „Lerche“ und andere.
Seine erste Oper nach einer historischen Handlung, Ein Leben für den Zaren (Ivan Susanin).
Aus dieser Oper entstand ein Zweig der russischen historischen Oper (sie wurde zu einem Modell dieses Genres). Glinkas zweite Oper wurde auf der Handlung von A. S. Puschkins Märchen „Ruslan und Ljudmila“ geschrieben. Sie legte den Grundstein für die russische Märchenoper.
Darüber hinaus "ist die gesamte russische symphonische Musik in Glinkas Kamarinskaya enthalten, wie eine Eiche in einer Eichel." - schrieb P. I. Tschaikowsky. Es ist wirklich so. Neben „Kamarinskaja“ schrieb Glinka zwei Ouvertüren zu spanischen Themen „Jota von Aragon“ und „Nacht in Madrid“, und seine „Walzer-Fantasie“ ist ein Beispiel für schöne Texte in der Instrumentalmusik.
Glinka fasste alles zusammen, was vor ihm von russischen Komponisten geschaffen wurde, und hob die russische Musik auf ein qualitativ neues Niveau und erlangte Anerkennung der russischen Musik auf Weltebene.

Alexander Sergejewitsch Dargomyzhsky (1813 – 1869)
Als Nachfolger und jüngerer Zeitgenosse von Glinka ging er als Schöpfer sozial anklagender Werke in die Geschichte der russischen Musikkultur ein. Darunter ist eine Oper, die auf der Handlung der gleichnamigen Tragödie von Puschkin „Meerjungfrau“ basiert, in der der Komponist die Tragödie eines einfachen Bauernmädchens Natascha vermittelt, das vom Prinzen die Trauer ihres Vaters verlassen hat. Eine andere Oper basiert auf dem Text von Puschkins kleiner Tragödie „Der steinerne Gast“. Auch das ist ein sozialpsychologisches Drama. In seinen Opern führte Dargomyzhsky ein neues Prinzip der durchgängigen musikalischen Entwicklung ein. Es bestand darin, dass Musiknummern: Arien, Arioso, Duette, Chöre - reibungslos und ohne Unterbrechung in Rezitative übergehen und umgekehrt, und der Orchesterteil oft beendet, was nicht in Worten ausgedrückt wird.
Dargomyzhsky Autor von etwa 100 Romanzen und Liedern. Unter ihnen sind sehr beliebt: "Ich bin traurig", "Alter Korporal", "Titelberater", "Wurm" und andere.
Dargomyzhsky setzte in seiner Musik auf das Volkslied, gleichzeitig aber auch auf die Intonation lebendiger menschlicher Sprache. „Ich möchte, dass der Klang das Wort direkt ausdrückt. Ich will die Wahrheit! - das ist das kreative Credo von Dargomyzhsky.

6. Musikkultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts.
In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts begann in Russland der Aufstieg der nationalen Kunst - Literatur, Malerei, Musik. Zu dieser Zeit entstand ein Kreis gleichgesinnter Musiker, der vom berühmten Musikkritiker Stasov berufen wurde „Mächtiger Haufen“. Sie wird auch die Großen Russischen Fünf oder die Neue Russische Schule genannt.
Der Kreis umfasste 5 Komponisten.
Sein Anführer war Mily Alekseevich Balakirev (1837-1910) - eine helle Figur, musikalisches Talent. Sein Verdienst ist, dass er russische Volkslieder gesammelt und verarbeitet hat. Balakirev hat nicht sehr viele Werke geschaffen. Der interessanteste von ihnen ist die Fantasie "Islamey", 8
Russische Volkslieder arrangiert für Klavier, etwa 50 Romanzen.

Alexander Porfirjewitsch Borodin (1833-1887)
- ein hervorragender Wissenschaftler, Chemiker, Lehrer, Komponist. Der Autor der Oper "Prince Igor" basierend auf der historischen Handlung der alten russischen Chronik "The Tale of Igor's Campaign", dem symphonischen Bild "In Central Asia", wunderbaren 2 Quartetten, 3 Sinfonien (die berühmteste 2 "Bogatyrskaya") und 18 Romanzen. Der Komponist verkörperte in seinem Werk das epische Epos des russischen Volkes und beleuchtete mit seinen schönen Melodien auch die Welt Ostasiens.
Modest Petrowitsch Mussorgsky (1839-1881) - Komponist-Tribun, der das Leben und die Geschichte der blonden Menschen widerspiegelte. Seine Opern "Boris Godunov", "Chovanshchina", monumentale Volksmusikdramen sind der Höhepunkt seines Schaffens; die auf Gogol basierende musikalische Komödie "Sorochinsky Fair" zeigt lebendige, lebendige Bilder gewöhnlicher Menschen; Der Zyklus "Bilder einer Ausstellung", die Liederzyklen "Kinder", "Lieder und Tänze des Todes", Romanzen gehören zum Repertoire der Welttheater.
Cäsar Antonovich Cui (1835-1918) - Komponist und Musikkritiker, Autor der Opernmärchen "Rotkäppchen", "Der gestiefelte Kater", "Iwanuschka der Narr", Romanzen, Lieder, kleine Klavierstücke. Seine Werke sind nicht so bedeutend wie die Werke anderer Komponisten der Mächtigen Handvoll, aber er trug auch zur Schatzkammer der russischen Musik bei.
Was alle Komponisten der „Mächtigen Handvoll“ einte, war ihre Verehrung für russische Volkslieder, die danach strebten, die russische klassische Musik zu bereichern, sie auf globaler Ebene zu erheben. Sie alle sind Anhänger der großen russischen klassischen Komponisten M. I. Glinka und A. S. Dargomyzhsky.
Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov (1844-1908) - ein talentierter russischer Komponist, eine der wichtigsten Figuren bei der Schaffung eines unschätzbaren heimischen musikalischen Erbes.
Den zentralen Platz im Erbe von Rimsky-Korsakov nehmen Opern ein - 15 Werke, die die Vielfalt des Genres des Komponisten, stilistische, dramatische und kompositorische Entscheidungen demonstrieren. Zwei Hauptrichtungen zeichnen die Arbeit des Komponisten aus: Die erste ist die russische Geschichte, die zweite die Welt der Märchen und Epos, für die er den Spitznamen "Geschichtenerzähler" erhielt.
Neben seiner kreativen Tätigkeit ist N. A. Rimsky-Korsakov als Publizist, Verfasser von Volksliedsammlungen, an denen er großes Interesse zeigte, und auch als Finalist der Werke seiner Freunde - Dargomyzhsky, Mussorgsky und Borodin - bekannt. Rimsky-Korsakov war der Gründer der Komponistenschule, als Lehrer und Leiter des St. Petersburger Konservatoriums brachte er etwa zweihundert Komponisten, Dirigenten, Musikwissenschaftler hervor, darunter Prokofjew und Strawinsky.

Peter Iljitsch Tschaikowsky (1840 -1893) - Russischer Komponist der Romantik. Einige seiner Kompositionen gehören zu den beliebtesten Musikstücken. Er war der erste russische Komponist, dessen Werk die musikalische Welt Russlands auf internationaler Ebene öffnete. Ein Faktor, der dazu beitrug, dass Tschaikowskys Musik populär wurde, war die veränderte Einstellung gegenüber dem russischen Publikum. Veröffentlichung seiner Lieder seit 1867 und ausgezeichnet Klaviermusik für den heimischen Markt trugen ebenfalls zum Wachstum der Popularität des Komponisten bei. In den späten 1860er Jahren begann Tschaikowsky, Opern zu komponieren. Unter seinen meisten bedeutende Schriften- Opern: Die Pik-Dame, Eugen Onegin, Die Jungfrau von Orleans, Mazepa, Cherevichki und andere, Ballette: Der Nussknacker, Schwanensee, Dornröschen, Sinfonie Nr. 1 "Winterträume", Sinfonie Nr. 6 "Erbärmlich" , Fantasieouvertüre „Romeo und Julia“, Klavierzyklus „Kinderalbum“; Sinfonie-, Kammer-, Klavier-, Chor-, Vokalwerke und Bearbeitungen von Volksliedern sowie viele andere Werke.

7. Kreativität der Komponisten des späten 19. bis frühen 20. Jahrhunderts

Das Werk russischer Komponisten des späten 19. - ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts ist eine ganzheitliche Fortsetzung der Traditionen der russischen Schule. Gleichzeitig hat sich das Konzept der Herangehensweise an die "nationale" Zugehörigkeit dieser oder jener Musik geändert, es gibt praktisch kein direktes Zitat von Volksmelodien, aber die russische Intonationsbasis, die russische Seele, ist geblieben.

Alexander Nikolajewitsch SKRYABIN (1872 - 1915) - Russischer Komponist und Pianist, eine der hellsten Persönlichkeiten der russischen und weltweiten Musikkultur. Das originelle und zutiefst poetische Werk von Skrjabin zeichnete sich durch seine Innovation aus, auch vor dem Hintergrund der Geburt vieler neuer Kunstrichtungen, die mit den Veränderungen des öffentlichen Lebens um die Wende des 20. Jahrhunderts verbunden waren.
Der Höhepunkt von Skrjabins kompositorischem Schaffen waren die Jahre 1903–1908, als die Dritte Sinfonie („Göttliches Gedicht“), die Symphonie „Gedicht der Ekstase“, „Tragische“ und „Satanische“ Klaviergedichte, 4. und 5. Sonaten und andere Werke entstanden veröffentlicht. Ein weiteres Meisterwerk von Skrjabin ist "Prometheus" ("Gedicht des Feuers"), in dem der Autor seine harmonische Sprache vollständig aktualisiert hat, indem er vom traditionellen Tonsystem abweicht, und zum ersten Mal in der Geschichte sollte dieses Werk von Farbe begleitet werden Musik, aber die Premiere hat aus technischen Gründen keine Lichteffekte bestanden.
Das letzte unvollendete „Mysterium“ war die Idee von Skrjabin, einem Träumer, Romantiker und Philosophen, die gesamte Menschheit anzusprechen und ihn zu inspirieren, eine neue fantastische Weltordnung zu schaffen, die Vereinigung des universellen Geistes mit der Materie.

Sergej Wassiljewitsch Rahmaninow (1873 - 1943) - der größte Weltkomponist des frühen 20. Jahrhunderts, ein talentierter Pianist und Dirigent. kreatives Bild Der Komponist Rachmaninow wird oft mit dem Beinamen „der russischste Komponist“ bezeichnet, wobei in dieser kurzen Formulierung seine Verdienste um die Vereinigung der musikalischen Traditionen von Moskau und St. Komponistenschulen und bei der Schaffung ihres eigenen einzigartigen Stils, der sich isoliert in der weltweiten Musikkultur abhebt.

Er studierte am St. Petersburger Konservatorium, nach 3 Jahren wechselte er an das Moskauer Konservatorium und schloss sein Studium mit einer großen Goldmedaille ab. Er wurde schnell als Dirigent und Pianist bekannt und komponierte Musik. Die desaströse Uraufführung der innovativen Ersten Symphonie (1897) in St. Petersburg löste eine kreative Komponistenkrise aus, aus der Rachmaninow Anfang des 20. Jahrhunderts mit einem Stil hervorging, der russisches Kirchenliederschreiben, aufgeschlossene europäische Romantik, moderner Impressionismus und Neoklassizismus - und all dies ist mit komplexer Symbolik gesättigt. Darin Schaffenszeit seine besten Werke werden geboren, darunter 2 und 3 Klavierkonzerte, die Zweite Symphonie und sein Lieblingswerk - das Gedicht "Die Glocken" für Chor, Solisten und Orchester.
1917 wurden Rachmaninov und seine Familie gezwungen, unser Land zu verlassen und sich in den Vereinigten Staaten niederzulassen.

Interessante Tatsache : Während des Großen Vaterländischen Krieges gab Rachmaninow mehrere Benefizkonzerte, deren Sammlung an den Fonds der Roten Armee geschickt wurde, um die Nazi-Invasoren zu bekämpfen.

Igor Fjodorowitsch Strawinsky (1882-1971) - einer der einflussreichsten Weltkomponisten des 20. Jahrhunderts, der Anführer des Neoklassizismus. Strawinsky wurde zum „Spiegel“ musikalische Ära, spiegelt sein Werk eine Vielzahl von Stilen wider, die sich ständig überschneiden und schwer einzuordnen sind. Er kombiniert frei Genres, Formen, Stile und wählt sie aus Jahrhunderten aus Musikgeschichte und unterliegen ihren eigenen Regeln.

Relativ spät begann er professionell zu komponieren, doch der Aufstieg war schnell – eine Serie von drei Balletten: Der Feuervogel (1910), Petruschka (1911) und Das Frühlingsopfer (1913) brachten ihn sofort in die Reihe der Komponisten ersten Ranges .
1914 verließ er Russland, wie sich fast für immer herausstellte (1962 gab es Tourneen in die UdSSR). Strawinsky ist ein Kosmopolit, der mehrere Länder wechseln musste – Russland, die Schweiz, Frankreich – und schließlich in den USA lebte. Seine Arbeit ist in drei Perioden unterteilt - "russische", "neoklassische", amerikanische "Serienproduktion", die Perioden sind nicht nach Lebenszeit unterteilt verschiedene Länder, sondern nach der "Handschrift" des Autors.

Sergej Sergejewitsch PROKOFIEV (1891-1953) - einer der größten russischen Komponisten des 20. Jahrhunderts, Pianist, Dirigent. Prokofjew kann als eines der wenigen (wenn nicht das einzige) russische musikalische "Wunderkind" angesehen werden, ab seinem 5. Lebensjahr war er mit dem Komponieren beschäftigt, im Alter von 9 Jahren schrieb er zwei Opern (natürlich sind diese Werke noch unausgereift, aber sie zeigen einen Wunsch nach Schöpfung), im Alter von 13 Jahren bestand er Prüfungen am St. Petersburger Konservatorium, unter seinen Lehrern war N. A. Rimsky-Korsakov.

Einige der auffälligsten Werke waren die Opern „Krieg und Frieden“, „Die Geschichte eines echten Mannes“; die Ballette „Romeo und Julia“, „Cinderella“, die zu einem neuen Standard der Weltballettmusik geworden sind; Oratorium „Auf der Hut der Welt“; Musik für die Filme „Alexander Newski“ und „Iwan der Schreckliche“; Sinfonien Nr. 5,6,7; Klavierwerk.
Prokofjews Werk besticht durch seine Vielseitigkeit und Themenbreite, die Originalität seines musikalischen Denkens, seine Frische und Originalität machten eine ganze Ära in der Weltmusikkultur des 20. Jahrhunderts aus und hatten einen starken Einfluss auf viele sowjetische und ausländische Komponisten.

Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch ( 1906 - 1975) ist einer der bedeutendsten und meistgespielten Komponisten der Welt, sein Einfluss auf die zeitgenössische klassische Musik ist unermesslich. Seine Kreationen sind wahrer Ausdruck des inneren menschlichen Dramas und der Annalen der schwierigen Ereignisse des 20. Jahrhunderts, wo das zutiefst Persönliche mit der Tragödie des Menschen und der Menschheit, mit dem Schicksal seines Heimatlandes verflochten ist. Bereits in den frühen 20er Jahren, bis zum Ende des Konservatoriums, hatte Schostakowitsch Gepäck eigene Werke und wurde einer der besten Komponisten des Landes. Weltruhm erlangte Schostakowitsch durch den Gewinn des 1. Internationalen Chopin-Wettbewerbs 1927.
Bis zu einer gewissen Zeit, nämlich vor der Produktion der Oper „Lady Macbeth von Mzensk“, arbeitete Schostakowitsch als freischaffender Künstler – „Avantgarde“, experimentierte mit Stilen und Genres. Von allen großen Werken von Schostakowitsch in allen Genres nehmen die Symphonien (15 Werke) einen zentralen Platz ein, die dramatischsten Symphonien sind 5,7,8,10,15, die zum Höhepunkt der sowjetischen Symphoniemusik wurden .