Bildende Kunst und Architektur in der UdSSR. Allgemeine Merkmale und Periodisierung der sowjetischen Kunst. Kurze Merkmale der Periodenkunst der Revolutions- und Bürgerkriegszeit

Plakate (von lateinisch „plakatum“ – Beweis) sind die am weitesten verbreitete Form der grafischen Kunst und erfüllen die Aufgabe der visuellen politischen Propaganda oder dienen der Information, Werbung und Belehrung.

Originalplakate werden von Künstlern mit Blick auf die Druckproduktion erstellt. In einigen Fällen wird das Plakat von der Druckplatte des Autors (Linolschnitt, Lithographie) gedruckt.

Streng definierte Funktionen des Plakats bestimmen die Wahl der Bildmittel, Arbeitsweisen und bestimmen die besondere Bildsprache des Plakats und seine Abmessungen. Das in großen Mengen gedruckte Plakat richtet sich an ein möglichst breites Publikum und wird meist auf der Straße und in öffentlichen Gebäuden aufgehängt. Das Plakat soll sehr schnell auf alle gesellschaftspolitisch drängenden Fragen reagieren und zum Handeln aufrufen. Plakate ersetzen sich schnell gegenseitig und sollten sich aufgrund ihrer relativ kurzen Wirkungsdauer durch eine klare und klare Sprache auszeichnen. Das Plakat soll schon aus großer Entfernung die Aufmerksamkeit des Betrachters erregen. Für einen Betrachter, der vor einem Plakat stehen bleibt, sollte in kürzester Zeit klar werden, wozu das Plakat aufruft, welchen Zweck es hat; Das Plakat soll sofort wahrgenommen werden. Genau diese Aufgaben bestimmen die relativ großen (für Grafiken) Formate von Plakaten. Im Namen der Kürze, Klarheit und Ausdruckskraft verwendet das Plakat eine besonders scharfe Typisierung der Bilder und verwendet in großem Umfang konventionelle dekorative Techniken wie die Verallgemeinerung des Bildes, die Vereinfachung von Farbbeziehungen, den Verzicht auf kleinere Details, symbolische Bezeichnungen und die Kombination verschiedener Maßstäbe. Der Text, der ein obligatorischer Bestandteil des Posters ist, muss von Anfang an äußerst prägnant und verständlich sein (Ausnahme: Lehr- und Bildungsplakate). Der Text soll nicht mechanisch mit dem Bild verbunden, sondern organisch darin eingebunden werden. Die Beschaffenheit der Schriftart sollte dem Inhalt des Plakats entsprechen und gut lesbar sein. Die Inschrift ist für den Künstler ein Element der Plakatkomposition. Selbstverständlich ist der Künstler angesichts der Erfüllung all dieser Anforderungen bestrebt, die Integrität und Gelassenheit des Plakats innerhalb der Grenzen eines Blattes Papier zu bewahren.

Die Arten von Plakaten sind vielfältig und werden je nach Zweck in mehrere Gruppen eingeteilt.

Politische Plakate sind die wichtigste Plakatart. Es handelt sich um eine der wirksamsten Formen politischer Agitation, bei der politische Ziele und Slogans visuell dargestellt werden. Das Thema politischer Plakate ist ungewöhnlich breit gefächert: In unseren Verhältnissen sind sie dem Kampf um die Erfüllung der Aufgaben des Aufbaus des Kommunismus, dem Kampf für den Frieden, dem Aufruf zur Stärkung des sozialistischen Lagers und der Entlarvung von Feinden gewidmet. Viele Plakate werden zu Ehren revolutionärer Feiertage, internationaler Ereignisse usw. erstellt. Satireplakate haben große Bedeutung erlangt. Ein satirisches Plakat ist fast immer mit einem literarischen Text verbunden. Die besondere Beliebtheit dieser kämpferischen und ergreifenden Plakate ließ Assoziationen an satirische Plakate entstehen („Windows of Satire ROSTA“, „Windows of TASS“, „Combat Pencil“, „Agitplakat“).

Ein Informations- und Werbeplakat löst das Problem der Information, der Ankündigung verschiedener Kultur- und Bildungsveranstaltungen (Aufführungen, Filme, Vorträge, Ausstellungen usw.) oder die Aufgabe der Werbung – die Verbraucher mit Waren und Dienstleistungen verschiedener Institutionen und Organisationen vertraut zu machen. Ein Werbeplakat in unseren Bedingungen verfolgt die Aufgabe der wahrheitsgetreuen und kulturellen Information, der Unterstützung bei der Produktauswahl und der Kultivierung des Verbrauchergeschmacks. Theater- und Filmplakate haben besondere Qualitäten. Sie erfüllen die Aufgaben von Werbeaufführungen oder Filmen und müssen gleichzeitig den diesem Spektakel innewohnenden Stil und den kreativen Anspruch seiner Urheber widerspiegeln.

Das Bildungs- und Lehrplakat verfolgt die Ziele der Förderung wissenschaftlicher Erkenntnisse, Arbeitsmethoden, verschiedener Regeln (Sicherheitsvorkehrungen, Hygiene und Hygiene, Brandschutz usw.) und hilft auch bei der Lösung pädagogischer Probleme. Ein Lehrplakat enthält im Gegensatz zu anderen Plakatarten eine beträchtliche Textmenge, eine ganze Reihe von Zeichnungen und ist für eine längere Verwendung gedacht. Bildungsplakate dienen als visuelle Hilfsmittel im Bildungsprozess.

Das Plakat in seiner bekannten Form entstand erst vor relativ kurzer Zeit – Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts. Dem modernen Plakat gingen großformatige Stiche und Zeichnungen voraus, die von Hand zu Hand verteilt, an Wände geklebt und in Schaufenstern und Schaufenstern ausgestellt wurden. Im Deutschland des 16. Jahrhunderts waren sie als „fliegende Blätter“ bekannt. Solche Propagandabilder wurden während der bürgerlichen Revolutionen des 17. und 18. Jahrhunderts in England, Frankreich und Holland weit verbreitet. Eine ähnliche Rolle spielten in Russland großformatige Lubok sowie antinapoleonische Blätter von 1812. Mit der Erfindung neuer Reproduktionsmethoden und der Entwicklung des Buchdrucks nahm die Verbreitung von Propagandablättern zu. Ende des 19. Jahrhunderts erschienen Plakate, die in Zweck und Aussehen modernen Plakaten ähnelten. An der Gestaltung verschiedener Plakate arbeiteten so große Meister wie T. Steinlen, F. Brengwin, A. Toulouse-Lautrec, K. Kollwitz und andere. Unter den modernen ausländischen Plakaten stechen die dem Friedenskampf gewidmeten Werke von A. Bertrand (Mexiko) und G. Erni (Schweiz) hervor. Besonders hervorzuheben sind die wunderbaren Plakate von Künstlern des sozialistischen Polens, die bedeutsam und inhaltlich tiefgreifend sind und in ausgezeichneter Plakatsprache angefertigt wurden (Plakate von T. Trepkowski, T. Gronovsky, A. Bovbelsky, Z. Kaya).

Seit den ersten Tagen der Sowjetmacht erlangte das Plakat in unserem Land weite Verbreitung und Anerkennung als lebenswichtige, operative und zutiefst parteipolitische Kunst. Unsere Partei legt großen Wert auf das Plakat als Mittel der politischen Propaganda, verfolgt seine Entwicklung aufmerksam und hilft auf jede erdenkliche Weise, seinen ideologischen Inhalt und seine Fähigkeiten zu verbessern. Ein Beweis dafür sind die Beschlüsse des Zentralkomitees der Partei und gesamtunionische Treffen, die politischen Plakaten gewidmet sind. Während des Bürgerkriegs, der Wiederherstellung der Volkswirtschaft und während der ersten Fünfjahrespläne spielte das Plakat eine bedeutende Rolle und sowjetische Plakatkünstler standen an der Spitze der Kämpfer an der ideologischen Front. Hohe Beispiele für Plakatkunst sind beispielsweise Moors Plakate „Haben Sie sich als Freiwilliger angemeldet?“ und „Hilfe“. A. Deineka, M. Cheremnykh, N. Dolgorukov und andere Künstler haben viel an Plakaten gearbeitet. Die Bedeutung der satirischen Plakate „Windows of Satire ROSTA“ war groß, an deren Entstehung V. Mayakovsky, S. Malyutin, A. Radakov und andere aktiv beteiligt waren. Während des Großen Vaterländischen Krieges mobilisierten sowjetische Künstler ihre Streitkräfte, um den Feind zu besiegen. Sie arbeiteten besonders hart und erfolgreich an der Schaffung von Plakaten, die sich durch Leidenschaft und hohen patriotischen Geist auszeichneten. Nach dem Vorbild der „Windows of Satire ROSTA“ entstanden die „Windows of TASS“. Im belagerten Leningrad entstand der Verein „Combat Pencil“. An den Plakaten arbeiteten nicht nur Grafiker, sondern auch viele Maler. Die Plakate von Kukryniksy, Efimov, Golovanov, Kokorekin, Dolgorukov, V. Ivanov, Toidze, Shmarinov, Serebryany werden dem sowjetischen Volk noch lange in Erinnerung bleiben. In der Nachkriegszeit gab es Versuche, aus dem Plakat eine Art Farbfoto mit aufgeklebtem Text zu machen. Lange Zitate wurden in Schriftform auf Plakate gedruckt.

Standardmäßige „wohlhabende“ Volkspläne mit einem „Pflicht“-Lächeln im Gesicht tauchten fast unverändert auf den Plakaten auf und wanderten von Plakat zu Plakat. Nachdem sie diese Fehler erfolgreich überwunden und dem Plakat seine besten Kampfeigenschaften zurückgegeben haben, arbeiten erfahrene Plakatmeister und junge Leute aktiv in verschiedenen Genres dieser Kunst. In Moskau, Leningrad und anderen Städten erfreuen sich satirische Plakate des „Combat Pencil“, des „Agitplakats“ und anderer Vereine großer Beliebtheit. Der Betrachter ist mit den Plakaten der sowjetischen Künstler V. Ivanov, Kukryniksy, N. Denisovsky, M. Gordon, K. Ivanov, V. Govorkov, V. Briskin, M. Mazrukho, K. Vladimirov, G. Kovenchuk und anderen bestens vertraut Künstler.

Die Kultur der sowjetischen und postsowjetischen Zeit ist eine lebendige, groß angelegte Abrundung des russischen Erbes. Die Ereignisse von 1917 wurden zum Wendepunkt in der Entwicklung einer neuen Lebensweise und der Herausbildung einer neuen Denkweise. Die Stimmung der Gesellschaft im 19. – frühen 20. Jahrhundert. führte zur Oktoberrevolution, einem Wendepunkt in der Geschichte des Landes. Nun erwartete sie eine neue Zukunft mit eigenen Idealen und Zielen. Kunst, die gewissermaßen ein Spiegelbild der Epoche ist, wurde auch zu einem Instrument zur Umsetzung der Grundsätze des neuen Regimes. Im Gegensatz zu anderen Arten künstlerischen Schaffens drang die Malerei, die das menschliche Denken formt und formt, auf präziseste und direkteste Weise in das Bewusstsein der Menschen ein. Andererseits war die Bildkunst der Propagandafunktion am wenigsten untergeordnet und spiegelte die Erfahrungen der Menschen, ihre Träume und vor allem den Zeitgeist wider.

Russische Avantgarde

Die neue Kunst vermied die alten Traditionen nicht vollständig. Die Malerei nahm in den ersten Jahren nach der Revolution die Einflüsse der Futuristen und der Avantgarde im Allgemeinen auf. Die Avantgarde mit ihrer Verachtung für die Traditionen der Vergangenheit, die den zerstörerischen Ideen der Revolution so nahe stand, fand Anhänger in Form junger Künstler. Parallel zu diesen Tendenzen entwickelten sich realistische Tendenzen in der bildenden Kunst, die durch den kritischen Realismus des 19. Jahrhunderts zum Leben erweckt wurden. Diese im Zeitalter des Epochenwechsels reifende Bipolarität machte das Leben des damaligen Künstlers besonders angespannt. Obwohl die beiden Wege, die sich in der postrevolutionären Malerei herauskristallisierten, gegensätzlich waren, können wir dennoch den Einfluss der Avantgarde auf die Arbeit realistischer Künstler beobachten. Der Realismus selbst war in jenen Jahren vielfältig. Werke dieses Stils haben eine symbolische, propagandistische und sogar romantische Ausstrahlung. Die Arbeit von B.M. vermittelt in symbolischer Form absolut treffend den grandiosen Wandel im Leben des Landes. Kustodieva – „Bolschewik“ und voller erbärmlicher Tragödie und unkontrollierbarem Jubel „Neuer Planet“ von K.F. Yuona.

Gemälde von P.N. Filonov ist mit seiner besonderen kreativen Methode – dem „analytischen Realismus“ – eine Verschmelzung zweier gegensätzlicher künstlerischer Strömungen, die wir am Beispiel des Zyklus mit dem propagandistischen Namen und der Bedeutung „Eintritt in die Blütezeit der Welt“ sehen können.

P.N. Filonov-Schiffe aus der Serie Entering into global prosperity. 1919 Tretjakow-Galerie

Die Unbestreitbarkeit universeller menschlicher Werte, unerschütterlich auch in solch unruhigen Zeiten, kommt im Bild der wunderschönen „Petrograder Madonna“ (offizieller Titel „1918 in Petrograd“) von K.S. zum Ausdruck. Petrova-Wodkina.

Eine positive Einstellung gegenüber revolutionären Ereignissen infiziert das Licht und erfüllt die Kreativität des Landschaftsmalers A.A. mit einer sonnigen, luftigen Atmosphäre. Rylowa. Die Landschaft „Sonnenuntergang“, in der der Künstler eine Vorahnung des Feuers der Revolution zum Ausdruck brachte, das aus der wachsenden Flamme des Gerichtsfeuers der vergangenen Ära aufflammen wird, stellt eines der inspirierenden Symbole dieser Zeit dar.

Neben symbolischen Bildern, die den Aufstieg des Volksgeistes organisieren und ihn wie eine Obsession weitertragen, gab es auch eine Tendenz zur realistischen Malerei mit dem Verlangen nach einer konkreten Darstellung der Realität.
Bis heute steckt in den Werken dieser Zeit ein Funke der Rebellion, der sich in jedem von uns ausdrücken kann. Viele Werke, die nicht mit solchen Eigenschaften ausgestattet waren oder ihnen widersprachen, wurden zerstört oder vergessen und werden unseren Augen niemals präsentiert.
Die Avantgarde hinterlässt für immer ihre Spuren in der realistischen Malerei, doch es beginnt eine Zeit intensiver Entwicklung in Richtung Realismus.

Zeit für künstlerische Assoziationen

Die 1920er Jahre sind die Zeit der Erschaffung einer neuen Welt auf den Ruinen des Bürgerkriegs. Für die Kunst ist dies eine Zeit, in der verschiedene kreative Vereinigungen ihre Aktivitäten in vollem Umfang entfalteten. Ihre Prinzipien wurden teilweise von frühen Künstlergruppen geprägt. Die Vereinigung der Künstler der Revolution (1922 – AHRR, 1928 – AHRR) führte persönlich staatliche Aufträge aus. Unter dem Motto des „heroischen Realismus“ dokumentierten die ihm angehörenden Künstler in ihren Werken das Leben und den Alltag des Menschen – die Idee der Revolution – in verschiedenen Genres der Malerei. Die Hauptvertreter von AHRR waren I.I. Brodsky, der die realistischen Einflüsse von I.E. aufnahm. Repin, der im historisch-revolutionären Genre arbeitete und eine ganze Reihe von Werken schuf, die V.I. Lenina, E.M. Cheptsov – Meister des Alltagsgenres, M.B. Grekov, der Kampfszenen eher impressionistisch malte. Alle diese Meister waren die Begründer der Genres, in denen sie die meisten ihrer Werke aufführten. Unter ihnen sticht die Leinwand „Lenin in Smolny“ hervor, in der I.I. Brodsky vermittelte das Bild des Führers in der direktesten und aufrichtigsten Form.

Im Film „Meeting of the Membership Cell“ E.I. Cheptsov schildert sehr zuverlässig und ohne Reue die Ereignisse im Leben der Menschen.

M.B. schafft ein großartiges, fröhliches, lautes Bild voller stürmischer Bewegung und Siegesfeier. Grekov in der Komposition „Trompeter der Ersten Kavalleriearmee“.

Die Idee einer neuen Person, eines neuen Bildes einer Person wird durch die Trends ausgedrückt, die im Porträtgenre entstanden sind, deren helle Meister S.V. waren. Malyutin und G.G. Rjaschski. Im Porträt des Schriftstellers und Kämpfers Dmitry Furmanov S.V. Malyutin zeigt einen Mann der alten Welt, der es geschafft hat, sich in die neue Welt einzufügen. Es zeichnet sich ein neuer Trend ab, der seinen Ursprung in der Arbeit von N.A. hat. Kasatkina und entwickelte sich in höchstem Maße in den weiblichen Bildern von G.G. Ryazhsky – „Delegierter“, „Vorsitzender“, in dem das persönliche Prinzip ausgelöscht und der durch die neue Welt geschaffene Personentypus etabliert wird.
Ein absolut zutreffender Eindruck von der Entwicklung des Landschaftsgenres entsteht, wenn man das Werk des führenden Landschaftsmalers B.N. Yakovleva – „Der Transport wird besser.“

B.N. Der Verkehr in Jakowlew wird immer besser. 1923

Dieses Genre zeigt ein sich erneuerndes Land, die Normalisierung aller Lebensbereiche. In diesen Jahren rückte die Industrielandschaft in den Vordergrund, deren Bilder zu Symbolen der Schöpfung wurden.
Die Society of Easel Artists (1925) ist die nächste künstlerische Vereinigung dieser Zeit. Hier versuchte der Künstler, den Geist der Moderne, den Typus eines neuen Menschen, zu vermitteln, indem er auf eine distanziertere Bildübertragung mit einer minimalen Anzahl an Ausdrucksmitteln zurückgriff. Die Werke von „Ostovtsev“ thematisieren oft das Thema Sport. Ihre Malerei ist voller Dynamik und Ausdruck, wie man in den Werken von A.A. sehen kann. Deineki „Verteidigung Petrograds“, Yu.P. Pimenova „Fußball“ und andere.

Als Grundlage für ihr künstlerisches Schaffen wählten Mitglieder eines anderen bekannten Vereins – „The Four Arts“ – die Ausdruckskraft des Bildes aufgrund der lakonischen und konstruktiven Form sowie eine besondere Einstellung zu seiner koloristischen Sättigung. Der denkwürdigste Vertreter des Vereins ist K.S. Petrov-Vodkin und eines seiner herausragendsten Werke dieser Zeit ist „Der Tod eines Kommissars“, das durch eine besondere Bildsprache ein tiefes symbolisches Bild offenbart, ein Symbol für den Kampf um ein besseres Leben.

Unter den Mitgliedern der „Vier Künste“ sticht auch P.V. hervor. Kusnezow, dem Osten gewidmete Werke.
Die letzte große künstlerische Vereinigung dieser Zeit scheint die Gesellschaft Moskauer Künstler (1928) zu sein, die sich von den anderen durch die Art der energischen Gestaltung von Volumen, die Aufmerksamkeit für Hell-Dunkel und die plastische Ausdruckskraft der Form unterscheidet. Fast alle Vertreter waren Mitglieder des „Bubnovy Volt“ – Anhänger des Futurismus – was ihre Kreativität stark beeinflusste. Die Werke von P.P. waren bezeichnend. Konchalovsky, der in verschiedenen Genres arbeitete. Zum Beispiel Porträts seiner Frau O.V. Konchalovskaya vermittelt die Besonderheit nicht nur der Hand des Autors, sondern auch der Malerei des gesamten Vereins.

Durch das Dekret „Über die Umstrukturierung literarischer und künstlerischer Organisationen“ vom 23. April 1932 wurden alle künstlerischen Vereinigungen aufgelöst und der Künstlerverband der UdSSR gegründet. Kreativität ist in die finsteren Fesseln einer starren Ideologisierung geraten. Die Meinungsfreiheit des Künstlers – die Grundlage des kreativen Prozesses – wurde verletzt. Trotz dieses Zusammenbruchs setzten die zuvor in Gemeinschaften zusammengeschlossenen Künstler ihre Aktivitäten fort, doch neue Persönlichkeiten erlangten eine führende Rolle im malerischen Umfeld.
B.V. Ioganson wurde von I.E. beeinflusst. Repin und V.I. Surikov, in seinen Leinwänden kann man eine kompositorische Suche und interessante Möglichkeiten koloristischer Lösungen erkennen, aber die Gemälde des Autors zeichnen sich durch eine übermäßige satirische Haltung aus, die auf solch naturalistische Weise unangemessen ist, was wir am Beispiel des Gemäldes „At the Alte Ural-Fabrik.“

A.A. Deineka hält sich nicht von der „offiziellen“ Kunstlinie fern. Er bleibt seinen künstlerischen Grundsätzen treu. Jetzt beschäftigt er sich weiterhin mit Genrethemen und malt auch Porträts und Landschaften. Das Gemälde „Future Pilots“ zeigt gut seine Malerei in dieser Zeit: romantisch, leicht.

Der Künstler schafft eine Vielzahl von Werken zum Thema Sport. Aus dieser Zeit stammen seine nach 1935 entstandenen Aquarelle.

Die Malerei der 1930er Jahre stellt eine fiktive Welt dar, die Illusion eines strahlenden und festlichen Lebens. Für den Künstler war es am einfachsten, im Landschaftsgenre aufrichtig zu bleiben. Das Genre des Stilllebens entwickelt sich.
Auch das Porträt unterliegt einer intensiven Entwicklung. P.P. Konchalovsky schreibt eine Reihe kultureller Persönlichkeiten („V. Sofronitsky am Klavier“). Werke von M.V. Nesterov, der den Einfluss der Malerei von V.A. aufnahm. Serov, zeige einen Menschen als Schöpfer, dessen Lebensinhalt die kreative Suche ist. So sehen wir die Porträts des Bildhauers I.D. Shadra und der Chirurg S.S. Judina.

P.D. Korin setzt die Porträttradition des vorherigen Künstlers fort, sein Malstil besteht jedoch darin, eine strenge Form, eine schärfere, ausdrucksstärkere Silhouette und eine raue Farbgebung zu vermitteln. Generell spielt das Thema der kreativen Intelligenz im Porträt eine große Rolle.

Künstler im Krieg

Mit dem Beginn des Großen Vaterländischen Krieges begannen Künstler, sich aktiv an den Feindseligkeiten zu beteiligen. Aufgrund der direkten Verbindung mit den Ereignissen entstehen in den frühen Jahren Werke, deren Kern die Aufzeichnung des Geschehens, eine „malerische Skizze“ ist. Solchen Gemälden mangelte es oft an Tiefe, aber ihre Wiedergabe drückte die völlig aufrichtige Haltung des Künstlers und den Höhepunkt moralischen Pathos aus. Das Porträtgenre erlebt einen relativen Wohlstand. Künstler, die den zerstörerischen Einfluss des Krieges sehen und erleben, bewundern seine Helden – Menschen aus dem Volk, beharrlich und edel im Geiste, die höchste humanistische Qualitäten zeigten. Solche Trends führten zu zeremoniellen Porträts: „Porträt von Marschall G.K. Schukow“ gebürstet von P.D. Korina, fröhliche Gesichter aus den Gemälden von P.P. Kontschalowski. Porträts der Intelligenz M.S. sind wichtig. Saryan, entstanden während der Kriegsjahre, ist das Bild des Akademikers „I.A. Orbeli“, Autor „M.S. Shaginyan“ und andere.

Von 1940 bis 1945 entwickelte sich auch das Landschafts- und Alltagsgenre, das A.A. in seinem Werk verband. Plastow. „Der Faschist flog vorbei“ vermittelt die Tragödie des Lebens in dieser Zeit.

Der Psychologismus der Landschaft erfüllt hier das Werk zusätzlich mit der Traurigkeit und Stille der menschlichen Seele, nur das Heulen eines hingebungsvollen Freundes durchschneidet den Wind der Verwirrung. Letztendlich wird die Bedeutung der Landschaft neu überdacht und beginnt, das harte Bild der Kriegszeit zu verkörpern.
Thematische Gemälde stechen gesondert hervor, zum Beispiel „Mutter des Partisanen“ von S.V. Gerasimov, der sich durch die Weigerung auszeichnet, das Bild zu verherrlichen.

In der historischen Malerei entstehen prompt Bilder von Nationalhelden der Vergangenheit. Eines dieser unerschütterlichen und vertrauenerweckenden Bilder ist „Alexander Newski“ von P.D. Korina verkörpert den unbesiegten stolzen Geist des Volkes. In diesem Genre zeichnet sich gegen Kriegsende eine Tendenz zur simulierten Dramaturgie ab.

Das Thema Krieg in der Malerei

In der Nachkriegsmalerei ser. 1940 - Ende In den 1950er Jahren nahm das Thema Krieg als moralischer und physischer Test, aus dem das sowjetische Volk als Sieger hervorging, eine führende Position in der Malerei ein. Es entwickeln sich historisch-revolutionäre und historische Genres. Das Hauptthema des Alltagsgenres ist die friedliche Arbeit, von der während der langen Kriegsjahre geträumt wurde. Die Leinwände dieses Genres sind von Fröhlichkeit und Glück durchdrungen. Die künstlerische Sprache des alltäglichen Genres wird erzählerisch und tendiert zur Lebensähnlichkeit. In den letzten Jahren dieser Periode erfährt auch die Landschaft Veränderungen. Das Leben der Region wird darin wiederbelebt, die Verbindung zwischen Mensch und Natur wird wieder gestärkt und es entsteht eine Atmosphäre der Ruhe. Auch im Stillleben wird die Liebe zur Natur verherrlicht. Interessanterweise entwickelt sich das Porträt in den Werken verschiedener Künstler, das durch die Übertragung des Einzelnen gekennzeichnet ist. Einige der herausragenden Werke dieser Zeit waren: „Letter from the Front“ von A.I. Laktionov, ein Werk wie ein Fenster in eine strahlende Welt;

die Komposition „Rest after the Battle“, in der Y.M. Neprintsev erreicht die gleiche Lebendigkeit des Bildes wie A.I. Laktionow;

Werk von A.A. Mylnikovas „Auf friedlichen Feldern“, in dem sie sich freudig über das Ende des Krieges und die Wiedervereinigung von Mensch und Arbeit freut;

Original-Landschaftsbild von G.G. Nyssa – „Über dem Schnee“ usw.

Ein strenger Stil ersetzt den sozialistischen Realismus

Kunst 1960-1980er Jahre ist eine neue Etappe. Es wird ein neuer „strenger Stil“ entwickelt, dessen Aufgabe es ist, die Realität ohne alles nachzubilden, was dem Werk Tiefe und Ausdruckskraft nimmt und sich nachteilig auf kreative Manifestationen auswirkt. Ihn zeichneten Lakonismus und Verallgemeinerung des künstlerischen Bildes aus. Künstler dieses Stils verherrlichten den heroischen Beginn der harten Alltagsarbeit, der durch die besondere emotionale Struktur des Bildes entstand. Der „strenge Stil“ war ein entscheidender Schritt zur Demokratisierung der Gesellschaft. Das Hauptgenre, in dem die Anhänger des Stils arbeiteten, waren Porträtgruppenporträts, Alltagsgenres, historische und historisch-revolutionäre Genres entwickelten sich ebenfalls. Prominente Vertreter dieser Zeit im Kontext der Entwicklung des „strengen Stils“ waren V.E. Popkov, der viele Selbstporträts und Gemälde malte, V.I. Ivanov ist ein Befürworter von Gruppenporträts, G.M. Korzhev, der historische Gemälde schuf. Die Essenz des „strengen Stils“ ist im Film „Geologists“ von P.F. zu sehen. Nikonova, „Polar Explorers“ von A.A. und P.A. Smolinykh, „Vaters Mantel“ von V.E. Popkowa. Im Landschaftsgenre zeigt sich Interesse an der nördlichen Natur.

Symbolik der Ära der Stagnation

In den 1970er-1980er Jahren. Es formiert sich eine neue Generation von Künstlern, deren Kunst die heutige Kunst in gewissem Maße beeinflusst hat. Sie zeichnen sich durch Symbolsprache und theatralisches Spektakel aus. Ihre Malerei ist sehr künstlerisch und virtuos. Die Hauptvertreter dieser Generation sind T.G. Nazarenko („Pugatschow“),

dessen Lieblingsthema Feiern und Maskerade war, A.G. Sitnikov, der Metaphern und Gleichnisse als eine Form der plastischen Sprache verwendet, N.I. Nesterova, Schöpferin kontroverser Gemälde („Das letzte Abendmahl“), I.L. Lubennikov, N.N. Smirnow.

Das letzte Abendmahl. N.I. Nesterova. 1989

Somit erscheint diese Zeit in ihrer Vielfältigkeit und Diversität als letztes, prägendes Element der heutigen bildenden Kunst.

Unsere Zeit hat einen enormen Reichtum des malerischen Erbes früherer Generationen offenbart. Der moderne Künstler ist praktisch nicht an einen Rahmen gebunden, der für die Entwicklung der bildenden Kunst entscheidend und manchmal feindselig war. Einige zeitgenössische Künstler versuchen, an den Prinzipien der sowjetischen realistischen Schule festzuhalten, während andere sich in anderen Stilen und Richtungen wiederfinden. Die von der Gesellschaft uneindeutig wahrgenommenen Strömungen der Konzeptkunst erfreuen sich großer Beliebtheit. Die Bandbreite des künstlerischen Ausdrucks und der Ideale, die uns die Vergangenheit gegeben hat, muss neu überdacht werden und als Grundlage für neue kreative Wege und die Schaffung eines neuen Bildes dienen.

Unsere Meisterkurse zur Kunstgeschichte

Unsere Galerie für zeitgenössische Kunst bietet nicht nur eine große Auswahl an sowjetischer Kunst und postsowjetischer Malerei, sondern führt auch regelmäßig Vorträge und Meisterkurse zur Geschichte der modernen Kunst durch.

Sie können sich für einen Meisterkurs anmelden und Ihre Wünsche für den Meisterkurs, an dem Sie teilnehmen möchten, hinterlassen, indem Sie das untenstehende Formular ausfüllen. Wir halten Ihnen auf jeden Fall einen interessanten Vortrag zum Thema Ihrer Wahl.

Wir erwarten Sie in unserem LECTORIUM!

Der auf Anregung von W. I. Lenin angenommene Plan der „monumentalen Propaganda“ war der auffälligste Ausdruck der allgemeinen Prinzipien der neuen Kunst. W. I. Lenin sah das Hauptziel der „monumentalen Propaganda“ darin, die Kunst in den Dienst der Revolution zu stellen und das Volk im Geiste einer neuen, kommunistischen Weltanschauung zu erziehen.

Neben der Abschaffung einiger Denkmäler, die „den Zarismus verherrlichten“, wurde angeordnet, künstlerische Kräfte zu mobilisieren und einen Wettbewerb zu organisieren, um Entwürfe für Denkmäler zu Ehren der Sozialistischen Oktoberrevolution zu entwickeln.

Ab Herbst 1918 erschienen auf den Straßen von Petrograd, Moskau und anderen Städten die ersten Werke „monumentaler Propaganda“: Denkmäler für Radischtschow, Stepan Rasin, Robespierre, Kaljajew, T. Schewtschenko und andere.

An der Umsetzung des Plans arbeiteten viele Bildhauer verschiedener kreativer Strömungen – N. Andreev, S. Konenkov, A. Matveev, V. Mukhina, S. Merkurov, V. Sinaisky, Architekten L. Rudnev, I. Fomin, D. Osipov , V. Mayat. Die Ideen von Lenins Plan beeinflussten auch den weiteren Bereich der monumentalen und dekorativen Kunst – die festliche Dekoration von Städten, Massenprozessionen usw. Prominente Künstler, darunter K. Petrov-Vodkin, beteiligten sich an der Dekoration der Straßen Moskaus und Petrograd an den Tagen des ersten Jahrestages der Oktoberrevolution, B. Kustodiev, S. Gerasimov.

Ein charakteristisches Merkmal der bildenden Kunst der Ära der Revolution und des Bürgerkriegs war ihre propagandistische Ausrichtung, die die Bedeutung und den Stellenwert ihrer einzelnen Typen bestimmte. Neben Denkmälern und Gedenktafeln wurde das Plakat zum Sprachrohr revolutionärer Ideen und Slogans, sprach die Sprache der Allegorie (A. Apsit), der politischen Satire (V. Denis) und erreichte dann in den klassischen Werken von D. Moore seinen größten Höhepunkt („Haben Sie sich als Freiwilliger angemeldet?“, „Hilfe“).

Auch „Windows of GROWTH“ von V. Mayakovsky und M. Cheremnykh waren in ihrer Art unübertroffen. Die bewusst vereinfachte „telegrafische“ Sprache dieser Plakate zeichnete sich durch Schärfe und Lakonizität aus.

Eng mit der Plakatkunst verbunden waren politische Grafiken, die durch die Zeitschriften „Plamya“, „Krasnoarmeyets“ und andere Zeitschriften weit verbreitet wurden. Revolutionäre Themen drangen auch in die Staffeleigrafik (Zeichnungen von B. Kustodiev) ein, insbesondere in Holz- und Linolstiche. „Truppen“ von V. Falileev, „Armored Car“ und „Cruiser Aurora“ von N. Kupreyanov sind typische grafische Werke dieser Zeit. Sie zeichnen sich durch intensive Schwarz-Weiß-Kontraste aus, die die Rolle der Silhouette verstärken.

Die Ära der Revolution spiegelte sich auch in der Buchillustration wider (Zeichnungen von Yu. Annenkov für „Die Zwölf“ von A. Blok, Einbände und Buchschilder von S. Chekhonin), diese Art von Kunst wurde jedoch eher mit Neuausgaben klassischer Literatur in Verbindung gebracht , vor allem die „Volksbibliothek“ (Werke von B. Kardovsky, E. Lanceray usw.).

In der Porträtgrafik waren nach dem Leben angefertigte Skizzen von W. I. Lenin (N. Altman, N. Andreev) von besonderem Wert. Eine Galaxie bedeutender Meister (A. Benois, M. Dobuzhinsky, A. Ostroumova-Lebedeva) entwickelte Landschaftsgrafiken.

Die Staffeleimalerei der ersten nachrevolutionären Jahre war mehr als jede andere Kunstform dem Druck der „Linksfront“ ausgesetzt. Die Gemälde „New Planet“ von K. Yuon, „Bolshevik“ von B. Kustodiev usw. zeugten vom Wunsch ihrer Autoren, die historische Bedeutung des Geschehens aufzudecken. Die für die gesamte sowjetische Kunst der Frühzeit charakteristische Allegorie drang sogar in die Landschaftsmalerei ein und führte zu einer so einzigartigen Reaktion auf moderne Ereignisse wie beispielsweise A. Rylovs Gemälde „In der blauen Weite“.

Eine Sonderstellung nahm neben anderen Künsten die Architektur ein, deren Fähigkeiten in dieser Zeit nicht über die Gestaltung neuer Aufgaben hinausgingen.

20er Jahre

In den 20er Jahren Unter den sowjetischen Künstlern gab es viele verschiedene Gruppen: die Vereinigung der Künstler des revolutionären Russland, die Gesellschaft der Staffeleimaler, die Gesellschaft der Moskauer Künstler, die Gesellschaft der russischen Bildhauer usw.

Obwohl die sowjetische Kunst damals Übergangscharakter hatte, entwickelte sie nach und nach einen allgemeinen Stil. In der Malerei kommt den klassischen Traditionen und vor allem den Traditionen der russischen realistischen Schule eine entscheidende Bedeutung zu. Künstler wenden sich zunehmend der Moderne zu. Neben älteren Meistern treten auch junge Maler auf. Diese Zeit war geprägt von den Werken von S. Malyutin, A. Arkhipov, G. Ryazhsky im Porträtgenre, B. Ioganson – im Alltagsgenre, M. Grekov, I. Brodsky, A. Gerasimov – im historisch-revolutionären Genre Genre, A. Rylov, N. Krymova, B. Yakovleva - in der Landschaft usw. Die Künstler, die sich vor der Revolution um die Zeitschrift „World of Art“ gruppierten, ehemalige Cézanneisten, änderten ihre Einstellung zur Umwelt, zu den Aufgaben der Kunst . P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Kuprin erleben die Blüte ihres Talents; Bis vor kurzem war die stilisierte Kreativität von K. Petrov-Vodkin mit echten, lebenswichtigen Inhalten gefüllt; Eine neue Herangehensweise an die Probleme der figurativen Ausdruckskraft spiegelt sich in den Werken von M. Saryan, S. Gerasimov und anderen wider. Die innovativen Tendenzen der sowjetischen Malerei zeigten sich besonders deutlich im Gemälde „Die Verteidigung von Petrograd“ von A. Deineka (1928). ).

Politische Cartoons nahmen in der Grafik einen herausragenden Platz ein (B. Efimov, L. Brodaty usw.). Gleichzeitig wächst die Bedeutung der Buchillustration, insbesondere des Buchholzschnitts (A. Kravchenko, P. Pavlinov usw.). Sein größter Meister, V. Favorsky, legte den Grundstein für eine ganze kreative Bewegung. Erfolgreich war auch die Entwicklung von Staffeleizeichnungen mit Kohle, Bleistift, Lithographie oder schwarzem Aquarell (N. Kupreyanov, N. Ulyanov, G. Vereisky, M. Rodionov).

Skulptur der 20er Jahre. verfolgte weiterhin die Ideen von Lenins Plan der „monumentalen Propaganda“. Das Spektrum ihrer Aufgaben erweiterte sich merklich und die Porträtskulptur erzielte große Erfolge (A. Golubkina, V. Domogatsky, S. Lebedeva).

Die Hauptbemühungen der Bildhauer richten sich jedoch immer noch auf die Schaffung von Denkmälern. Im Gegensatz zu den ersten Gipsdenkmälern, die nur vorübergehender Natur waren, werden neue Denkmäler aus Bronze und Granit errichtet. Dazu gehören Denkmäler für W. I. Lenin am Finnischandski-Bahnhof in Leningrad (V. Shchuko, V. Gelfreich, S. Yeseev), am Staudamm des Wasserkraftwerks Zemo-Avchala in Transkaukasien (I. Shadr) und in Petrosawodsk (M. Manizer).

Bilder von allgemeiner Bedeutung wurden von A. Matveev („Oktoberrevolution“), I. Shadr („Kopfsteinpflaster – die Waffe des Proletariats“) und V. Mukhina („Wind“, „Bauernfrau“) geschaffen, die bereits dabei waren Zeit prägte mit ihrer Kreativität das Gesicht der sowjetischen Bildhauerei.

Nach dem Ende des Bürgerkriegs entstanden günstige Bedingungen für die Entwicklung der Architektur. Ihre vorrangige und dringendste Aufgabe war der Wohnungsbau (Wohngebäudekomplexe in der Usachevaya-Straße in Moskau, in der Traktornaya-Straße in Leningrad usw.). Doch schon bald rückten die Architekten städtebauliche Probleme, den Bau öffentlicher Ensembles und den Industriebau in den Mittelpunkt ihrer Aufmerksamkeit. A. Shchusev und I. Zholtovsky entwickeln den ersten Plan für den Wiederaufbau Moskaus. Unter ihrer Leitung wurde die Planung und der Bau der Allrussischen Landwirtschaftsausstellung von 1923 durchgeführt, bei der A. Shchusev das Mausoleum von W. I. Lenin schuf. Bis Ende der 20er Jahre. Nach den Plänen sowjetischer Architekten wurden eine Reihe von Gebäuden für verschiedene Zwecke gebaut (das Iswestija-Haus von G. Barkhin; die Staatsbank der UdSSR von I. Zholtovsky; der Zentraltelegraph von I. Rerberg), Industriekomplexe (Volkhov Wasserkraftwerk von O. Munts, N. Gundobin und V. Pokrovsky; Dnjepr-Wasserkraftwerk V. Vesnin) usw.

Einer der wichtigen Aspekte der schöpferischen Tätigkeit sowjetischer Architekten war der Wunsch, neue Architekturformen zu entwickeln, die neuen Aufgaben, modernen Materialien und Bautechniken entsprachen.

30er Jahre

Die Erfolge der sowjetischen Malerei dieser Jahre werden vor allem durch die neue Schaffensstufe von M. Nesterov repräsentiert, in dessen Werken (Porträts des Akademikers I. Pavlov, der Korin-Brüder, V. Mukhina, des Chirurgen S. Yudin) die Tiefe und Die Erleichterung des Bildes menschlicher Charaktere wird mit einem breiten allgemeinen Thema der kreativen Arbeit des sowjetischen Volkes kombiniert. Das hohe Niveau der Porträtmalerei wird von P. Korin (Porträts von A. Gorki, M. Nesterov), I. Grabar (Porträt eines Sohnes, Porträt von S. Chaplygin), P. Konchalovsky (Porträt von V. Meyerhold, Porträt) unterstützt eines schwarzen Studenten), N. Uljanow und andere. Das Thema des Bürgerkriegs wurde in dem Gemälde „Der Eid der sibirischen Partisanen“ von S. Gerasimov verkörpert. Auch „Die alten Meister“ und „Der Morgen eines Offiziers der zaristischen Armee“ der Kukryniks (M. Kupriyanov, P. Krylov, N. Sokolov) wurden zu historischen Themen geschrieben. A. Deineka („Mutter“, „Zukünftige Piloten“ usw.) wird zu einem herausragenden Meister der Malerei zu einem modernen Thema. Einen wichtigen Schritt in der Entwicklung des Alltagsgenres machen Y. Pimenov („Neues Moskau“) und A. Plastov („Collective Farm Herd“).

Die Entwicklung der Grafik in dieser Zeit ist vor allem mit der Buchillustration verbunden. Meister der älteren Generation arbeiten erfolgreich in diesem Bereich – S. Gerasimov („Der Fall Artamonov“ von M. Gorki), K. Rudakov (Illustrationen zu den Werken von G. Maupassant) und junge Künstler – D. Shmarinov („ Verbrechen und Strafe“ F. Dostojewski, „Peter I.“ von A. Tolstoi), E. Kibrik („Cola Brugnon“ von R. Rolland, „Die Legende von Ulenspiegel“ von Charles de Coster), Kukryniksy („Das Leben des Klim Samgin“ von M. Gorki und anderen), A. Kanevsky (Werke von Saltykov-Shchedrin). Die Illustration sowjetischer Kinderbücher erfuhr eine bemerkenswerte Entwicklung (V. Lebedev, V. Konashevich, A. Pakhomov). Eine grundsätzlich wichtige Veränderung im Vergleich zur Vorperiode bestand darin, dass sowjetische Illustratoren (wenn auch etwas einseitig) von der dekorativen Gestaltung des Buches zur Offenlegung des ideologischen und künstlerischen Inhalts literarischer Bilder, zur Entwicklung menschlicher Charaktere und zur Dramaturgie übergingen Aktion, ausgedrückt in einer Reihe aufeinanderfolgender Freundesbilder.

In der Buchillustration finden sich neben realistischen Zeichnungen, Aquarellen und Lithografien auch Stiche, vertreten durch Werke anerkannter Meister wie V. Favorsky („Vita Nuova“ von Dante, „Hamlet“ von Shakespeare), M. Pikov, A. Goncharov , behalten auch ihre Bedeutung.

Im Bereich der Staffeleigrafik rückte zu dieser Zeit das Porträtgenre in den Vordergrund (G. Vereisky, M. Rodionov, A. Fonvizin).

Ein ernstes Hindernis für die Entwicklung der sowjetischen Kunst in diesen Jahren waren das Kunsthandwerk, Tendenzen zu falscher Monumentalität und der mit dem Personenkult Stalins verbundene Prunk.

In der Architekturkunst wurden die wichtigsten Probleme im Zusammenhang mit den Problemen der Stadtplanung und dem Bau von Wohn-, Verwaltungs-, Theater- und anderen Gebäuden sowie großen Industrieanlagen (z. B. einem Automobilwerk in Moskau, einem Fleischwerk) gelöst Verarbeitungsanlage in Leningrad, Heizwerk in einem Automobilwerk in Gorki usw. .). Zu den architektonischen Werken zählen das Haus des Ministerrats in Moskau (A. Lengman), das Moskauer Hotel (A. Shchusev, L. Savelyev, O. Stapran), das Theater der Sowjetarmee in Moskau (K. Alabyan, V. Besonders charakteristisch für diese Jahre sind das Sanatorium Ordzhonikidze in Kislowodsk (M. Ginzburg), die Flussstation in Chimki (A. Rukhlyadyev) usw. Der wichtigste ästhetische Trend im Verlauf dieser Arbeiten war die Hinwendung zu traditionellen Formen der klassischen Ordnungsarchitektur. Der unkritische Gebrauch solcher Formen und ihre maschinelle Übertragung in die Neuzeit führten oft zu unnötigem äußerem Pomp und ungerechtfertigten Exzessen.

Die Bildhauerkunst erhält neue wichtige Merkmale. Die Stärkung der Verbindungen zwischen monumentaler und dekorativer Skulptur und Architektur wird zu einem charakteristischen Merkmal dieser Zeit. Das skulpturale Werk – die Gruppe „Arbeiterin und Kolchosfrau“ – von Mukhina entstand auf der Grundlage des architektonischen Entwurfs des Pavillons der UdSSR auf der Internationalen Ausstellung 1937 in Paris. Die Synthese von Skulptur und Architektur zeigte sich auch im Entwurf der Moskauer Metro, des Moskauer Kanals, der All-Union-Landwirtschaftsausstellung und des Pavillons der UdSSR auf der Internationalen Ausstellung in New York.

Von den Werken der monumentalen Bildhauerei dieser Jahre waren die Denkmäler für Taras Schewtschenko in Charkow (M. Manizer) und Kirow in Leningrad (N. Tomsky) die bedeutendsten.

Das skulpturale Porträt wird weiterentwickelt (V. Mukhina, S. Lebedeva, G. Kepinov, Z. Vilensky und andere). Viele Bildhauer arbeiten erfolgreich an einer typischen Verallgemeinerung der Bilder ihrer Zeitgenossen („Metallurgist“ von G. Motovilov, „Young Worker“ von V. Sinaisky).

Nicht nur in Leningrad, sondern auch in Moskau – den beiden aktivsten künstlerischen Zentren des Landes – werden zunehmend Forderungen laut, das sowjetische Plakat dem westlichen gegenüberzustellen, und die Vertrautheit russischer Künstler mit den Werken ihrer deutschen Kollegen nimmt zu Leistungen französischer oder amerikanischer Grafiker wird als schädlicher Einfluss angesehen. Sogar ein solcher Meister wie Lissitzky, dessen Werk in den 1920er Jahren. war eng mit dem weltweiten künstlerischen Prozess verbunden, was im Vorwort des Katalogs noch einmal betont wurde All-Union-Druckausstellung 1927 dass es die Oktoberrevolution von 1917 war, die zur Entstehung neuer Industriegrafiken beitrug. Lissitzky wies darauf hin, dass das Plakat in Deutschland „politisch genutzt“ worden sei, beharrte jedoch darauf, dass es „nur hier in eine klare soziale und künstlerische Form gebracht“ worden sei. .

Lissitzkys Thesen über das innovative Wesen und die soziale Aktivität der russischen Fotomontage wurden auf der Ausstellung 1927 durch Plakate anschaulich illustriert Klutsis Und Senkina. In ihrem Werk erlangte die Fotomontage, über die in den 1920er Jahren heftige Debatten geführt wurden, eine besondere Bedeutung. Sie verstanden es, den den Appellen und Industrieplänen der Partei gewidmeten Blättern eine facettenreiche Handlung und eine besondere visuelle Polyphonie zu verleihen. Durch den scharfen Vergleich von Fragmenten natürlicher Dokumentarfotografie mit konventionellen grafischen Elementen vergrößerten diese Meister den Maßstab der Plakatform und verliehen ihr dadurch mehr Monumentalität und sogar eine gewisse epische Qualität.

Klutsis war Gründungsmitglied Verein „Oktober“, dessen im Juni 1928 veröffentlichte Erklärung besagte, dass alle Arten von Kunst – sowohl traditionelle – Malerei, Grafik als auch „industrielle“ – Plakate, Fotografie oder Kino – in erster Linie „den Werktätigen“ in der Region „dienen sollten“ ideologische Propaganda “ sowie im Bereich der „Produktion und unmittelbaren Organisation des Alltagslebens“. Und fast alle Blätter Klutsis, in denen fotografische Rahmen mit Schriftkompositionen kombiniert werden („Aus NEP-Russland wird sozialistisches Russland“ (Nr. 14)) oder in denen Farbkontraste lebhaft eingesetzt werden („Komsomol-Mitglieder, auf der Schocksaat!“ (Nr. 15) ) widmen sich speziell der ideologischen Propaganda. Die Plakate von Klutsis oder sein Anhänger Senkin wurden von vielen als jene „proletarischen Gemälde“ wahrgenommen, über die konstruktivistische Theoretiker schrieben. Interessant ist, dass der Geburt einiger Blätter – wie im Fall der Staffeleimaler – eine „Studienzeit“ vorausging, eine Zeit der Ansammlung von Naturmaterial. Sie unternahmen Reisen in die Industrieregionen des Landes und fotografierten beispielsweise im Donbass ausdrucksstarke Bergarbeitertypen, die später zum zentralen Bild von Plakatkompositionen wurden („Lasst uns die Kohleschulden an das Land zurückzahlen“ (Nr. 13). )).

Klutsis verteidigte diese Thesen während der Diskussion am Institut für Literatur, Kunst und Sprache der Kommunistischen Akademie, die dank der im März 1931 angenommenen Resolution des Zentralkomitees der Allunionskommunistischen Partei der Bolschewiki stattfand „Über Plakatliteratur“. Darin heißt es: „Eine inakzeptabel hässliche Haltung verschiedener Verlage gegenüber Plakaten und Gemälden ... die sich in der Veröffentlichung eines erheblichen Prozentsatzes antisowjetischer Plakate widerspiegelte.“

In diesem Zusammenhang wurde die Leitung „Plakatprodukte“ übertragen Abteilung für Agitation und Massenkampagnen des Zentralkomitees, wurde ein System der strengen ideologischen Überprüfung eingeführt, an dem nicht nur die offizielle Zensur, sondern auch Studenten des Instituts für Rote Professur beteiligt waren. Es wurde auch vorgeschlagen, „Vorbesprechungen“ in Betrieben zu organisieren, bei denen einfache Arbeiter Themen entwickeln und Skizzen sowie fertige „Bilder und Plakate“ besichtigen sollten.

So war das Plakat eines der ersten, das einer strengen Regulierung durch die Parteibehörden unterlag, und künstlerische Auseinandersetzungen endeten in der völligen ideologischen Kontrolle.
Ein Buch wurde 1932 veröffentlicht „Für das bolschewistische Plakat“, in dessen Vorwort betont wurde: „Die Anweisungen des Genossen Stalin verlangen von der Front der proletarischen Künste, allen Abweichungen vom Leninismus die schärfste Zurückweisung zu erteilen.“ Hier kam die Hauptanweisung: „Die erste und wichtigste Anforderung, die wir an das Plakat stellen müssen, ist die politische, ideologische Sättigung, es muss Inhalte enthalten, die von unserer Realität in der dialektisch-materialistischen Interpretation derselben ausgehen.“

Der Stil des Lubok hatte großen Einfluss auf die ersten russischen politischen Plakate, die während des Ersten Weltkriegs (1914–1918) und der revolutionären Ereignisse von 1917 erschienen. Vera Panfilova, Leiterin der Abteilung für bildende Künste des Staatlichen Zentralmuseums für Zeitgeschichte Russlands, sprach mit der BBC über die Plakate von 1917.

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Nach Februar 1917 erklärten Vertreter fast aller politischen Bewegungen, mit Ausnahme der Bolschewiki und der menschewistischen Internationalisten, die Notwendigkeit, den Krieg bis zum Sieg fortzusetzen und den Verpflichtungen Russlands gegenüber den Alliierten treu zu bleiben. Um diesen Krieg fortzusetzen, benötigte die Regierung Geldbeiträge der Bevölkerung. Im Jahr 1916 entstand das sogenannte Staatsdarlehen in Höhe von 5,5 %. Nach Februar 1917 wurde daraus die Freiheitsanleihe. Der Kustodievsky-Soldat ist zum Symbol geworden: Vor dem Hintergrund roter Banner bittet er um Geld für die Fortsetzung des Krieges. Der Soldat wird künftig auf fast allen Plakaten des Jahres 1917 zu sehen sein – von Februar bis Oktober. Material von Alexandra Semenova, BBC Russian Service.

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Anderen Stil. Veranstaltungsplakat. Das ist eine Art Bild aus dem Fernsehen. Auf dem Plakat sind der Woskressenskaja-Platz und das Gebäude der Moskauer Stadtduma (später Lenin-Museum und heute Historisches Museum) zu sehen. Im März 1917 war hier alles in vollem Gange. Dies ist ein Eventbild. Nehmen Sie ein Ereignis, einen Impuls auf. Denn die Revolution wurde erwartet und mit Begeisterung angenommen. Die Bevölkerung empfand die Revolution als Beginn einer neuen Ära in der Geschichte des Landes. Die breitesten Massen unterstützten den Februar. Und das alles vor dem Hintergrund eines andauernden Krieges. Und daher die Nachfrage und Entwicklung von Grafiken.

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Es ist nicht wirklich ein Poster. Dies ist ein illustriertes Faltblatt. Warum so? Denn in Russland ist Macht personifiziert. Die Macht kommt von den Anführern, von den Anführern. Basierend auf der Personifizierung und dem Bedürfnis, die Führer des neuen Russland bekannt zu machen, wurden illustrierte Flugblätter wie diese veröffentlicht. Hier sind Mitglieder der Provisorischen Regierung unter der Leitung des Duma-Vorsitzenden Michail Rodsjanko. In der unteren Reihe, Dritter von links, steht der erste Sozialist der Regierung, Alexander Kerenski. Kerenski wurde auch in Einzelblättern gedruckt; er war einer der beliebtesten. Die linke Bewegung förderte aktiv das eigene Volk. Seine Bewertung war sehr hoch. Hier auf dem Plakat, auf dem Flugblatt – das Taurische Palais, Fahnen, Parolen. Hinten sind Großmäuler. Mit einer Signalhornfahne. Revolutionäres Auto. Viele Männer mit Waffen in der Hand. Links. Und die Parolen der Linken. Und die Slogans der Sozialrevolutionäre „Land und Freiheit“ und „Im Kampf wirst du dein Recht finden.“ Hier gibt es noch keine Bolschewiki.

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Dies ist ein Plakat des Parus-Verlags, einem linken Verlag. Es war schon vor der Revolution bekannt. Maxim Gorki stand am Ursprung dieses Verlags. Der Verlag veröffentlichte nicht nur Zeitschriften, sondern auch Bücher, darunter Werke Lenins. Für linke Plakate wurden so berühmte Dichter und Künstler wie Wladimir Majakowski und Alexej Radakow herangezogen. Dieses Plakat steht in der Tradition populärer Drucke und ist gleichzeitig ein gewisser Vorläufer des Comics. Das ist eine Geschichte in einem Bild. Erstens: Wen hat der Soldat zuvor beschützt? Das sind bürgerliche. Und der Soldat ist gezwungen, ein völlig verrottetes System zu verteidigen.

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Im März 1917 verzichtete Nikolaus auf den Thron und gleichzeitig wurde eine Provisorische Regierung gebildet. Und auf diesem Plakat steht „Memo of the People’s Victory“. Die gleichen revolutionären Kräfte sind hier: der bewaffnete Soldat, der bewaffnete Arbeiter. Hermelinmantel entfernt. Der kniende Nikolaus überreicht die Krone. Mit Füßen getretenes Zepter und Reichsapfel. Und im Hintergrund ist der Taurische Palast zu sehen, in dem sich die Abgeordneten der Staatsduma trafen. Und darüber geht die Sonne als Symbol der Freiheit auf. Dieses Symbol wird dann auf Plakaten wiederholt. Die Revolution in dieser kurzen Zeit (bis Oktober) wurde als etwas Helles, Freundliches, Sonniges dargestellt, aber dann, nach Oktober, mit Beginn des Bürgerkriegs, hörte die Revolution auf, eine junge Dame in weißen Kleidern zu sein.

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Plakat von Mayakovskys Kollegen beim Parus-Verlag, Alexey Radakov. Dies ist die sogenannte soziale Pyramide. Geschichten über soziale Pyramiden erfreuen sich seit Beginn des 20. Jahrhunderts überraschend großer Beliebtheit. Die erste Sozialpyramide des Künstlers Lochow wurde 1891 in Genf veröffentlicht. Und dann wurden durch Neuzeichnungen und basierend auf Motiven viele Möglichkeiten geschaffen. Auch hier gibt es einen Appell an die Traditionen des Lubok mit klarer Bedeutung für die breite Masse. Von oben ist alles mit einem Hermelinmantel bedeckt. Erinnern Sie sich, was Nikolaus II. bei der Volkszählung von 1897 über seinen Beruf schrieb? Er schrieb: „Der Besitzer des russischen Landes.“ Die beliebtesten satirischen Geschichten vor dem Sommer 1917 waren antiklerikal und antimonarchisch und richteten sich speziell gegen Kaiser Nikolaus II. und seine Frau Kaiserin Alexandra Fjodorowna.

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Im Herbst 1917 begann in Russland der erste allgemeine Wahlkampf der Geschichte. Und sie war wild und kompromisslos. An den Wahlen beteiligten sich mehrere Dutzend politische und nationale Parteien und Verbände. Unter denjenigen, die an den Wahlen teilnahmen, war die Sozialistische Revolutionäre Partei am zahlreichsten.

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„Die Demokratie wird die Anarchie besiegen.“ Das ist die Kadettenparty. Ein wesentliches Detail des Plakats ist die Kombination tierischer und mythologischer Bilder – einer Eidechse (Anarchie) und eines Ritters auf einem weißen Pferd (Demokratie). Eine Überlastung mit Text verringerte die Wirksamkeit der Wirkung auf den Betrachter, was sich in der Folge bis zu einem gewissen Grad auf die Wahlergebnisse auswirkte.

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Vergleichen Sie das vorherige Poster mit diesem. Sozialrevolutionäre. Der Wahlkampf wurde kompetent geführt. Der Sieg der Sozialrevolutionäre war durch diese gut organisierte Agitation vorherbestimmt. Auf dem Plakat ist alles so, wie es sein soll. An Arbeiter und Bauern gerichtet. Klare und präzise Slogans – „Land und Freiheit“. „Lasst uns die Ketten sprengen und der ganze Globus wird frei sein.“ Nach dem Plan des Autors werden zwei Ströme von Arbeitern und Bauern, wenn sie vereint sind, definitiv zum Wahllokal kommen.

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Die Bolschewiki, die RSDLP, hielten es nicht für notwendig, der künstlerischen Propaganda – also dem Plakat – Aufmerksamkeit zu schenken. Aber sie wussten, wie man aus Fehlern Schlussfolgerungen zieht. Und als der Bürgerkrieg ausbrach, wurden alle Kräfte der „Roten“ in die politisch-künstlerische Agitation geworfen. Derselbe Radakov, Mayakovsky und andere waren an der Schaffung der berühmten „Windows of GROWTH“ beteiligt, die zu einer sowjetischen „Marke“ und einem Klassiker der weltweiten Plakatkunst wurden. Und die Weißen verlieren an visueller Propaganda – es gibt immer noch viele unnötige Details und viel Text. Niemand wird Denikins gut geschriebenes, mehrspaltiges Programm auf einem Plakat lesen.