Russische Skulptur. Malerei, Architektur, Skulptur im 18. Jahrhundert in Russland Eine Botschaft zum Thema Skulptur des 18. Jahrhunderts

Mit Beginn des 18. Jahrhunderts begann sich Russland dramatisch zu verändern. Die Reformen Kaiser Peters betrafen alle Lebensbereiche, auch die Kunst. Der Bau der neuen Hauptstadt, Parks und Anwesen erforderte neue Fähigkeiten von Bauherren und Architekten. Alle Veränderungen fanden auf dem Höhepunkt der Popularität des Barockstils in Europa statt. Die noch immer auf die Kirche ausgerichteten Traditionen der russischen Bildhauerei erwiesen sich unter den neuen Bedingungen als unbeansprucht. Daher wurden die wichtigsten Meisterwerke Russlands in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts von Ausländern geschaffen. Man kann nur Ivan Zarudny nennen, der den Altar der Peter-und-Paul-Kathedrale in St. Petersburg geschaffen hat. Sein Beitrag ist jedoch in der Architektur stärker spürbar als in der Skulptur.

Shubins skulpturale Porträts zeichnen sich durch Realismus, Temperament und besondere Plastizität aus. Porträts von Golizyn, Lomonossow, Orlow und Paul dem Ersten sind Meisterwerke nicht nur der russischen, sondern auch der Weltskulptur.

Das Ende des 18. Jahrhunderts brachte einen neuen Kunststil mit sich: den Klassizismus. Die Bildhauer Koslowski (Polykrates, Jakow Dolgoruki, Wolchow und Newa usw.), Schtschedrin (Venus, Diana) sowie Prokofjew (Morpheus, Aktäon der Verfolgte) arbeiteten an der neuen Ästhetik. Die neue Ästhetik verlangte von den Künstlern eine Verherrlichung der Vernunft und bürgerlicher Tugenden. Emotionalität und Dekorativität des Barock waren nicht mehr gefragt.

E. Falcone. Peter I

Im Gegensatz zu anderen Kunstarten hatte die Bildhauerei in Russland keine so lange und starke Tradition. Von den ersten Schritten an kombiniert die Bildhauerei Porträtmalerei, monumentale Statue, dekorative Flachreliefs und Medaillonarbeiten. Damals wurden hauptsächlich Wachs- und Bronzeguss verwendet, seltener weißer Stein und Marmor. Stuckarbeiten und Holzschnitzereien aus Alabaster verbreiteten sich. Eine große Rolle bei der Entwicklung der russischen Bildhauerkunst spielten die Reisen der Menschen ins Ausland. Sie lernten antike Skulpturen kennen und brachten sie sogar nach Russland mit. Die Verwendung von Skulpturen zu dekorativen Zwecken begann bereits seit der Zeit Peters des Großen; insbesondere wurden Triumphgebäude, Fassaden des Sommerpalastes usw. mit Flachreliefs verziert.

In der 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts kam es zu einem bemerkenswerten Aufschwung der russischen Bildhauerei. Die brillanten Meister dieser Zeit – F. Shubin, F. Gordeev, I. Prokofjew, F. Shchedrin, I. Martos – stehen den ausländischen Bildhauern ihrer Zeit in nichts nach und übertreffen sie in mancher Hinsicht. Obwohl jeder russische Meister auf seine Weise individuell ist, basieren sie alle auf gemeinsamen kreativen Prinzipien. Dies erklärt sich aus der Tatsache, dass alle Bildhauer die St. Petersburger Kunstakademie absolvierten und bei dem hervorragenden Lehrer, dem Franzosen Nicolas Gillet, studierten. Auch der Klassizismus spielte eine große Rolle, was eine eingehende Auseinandersetzung mit antiken Denkmälern erforderte. Geschichten im Zusammenhang mit der antiken Mythologie, biblischen Legenden und historischen Ereignissen verbreiteten sich. Es wird wichtig, den hohen Ideen der Staatsbürgerschaft und des Patriotismus zu folgen. Unter dem Einfluss der Antike verherrlichen Bildhauer die heroische, männliche Schönheit des nackten menschlichen Körpers, oft männlich, seltener weiblich.

BARTOLOMEO - CARLO RASTELLI (1675 - 1744)

Er war der bedeutendste Bildhauer dieser Zeit. Rastrelli kam 1716 nach Russland und arbeitete hier bis zu seinem Lebensende. Rastrelli schuf eine prächtige Skulptur von Peter I.

Porträt von Peter I. (1723 -1729)

B.-K. Rastrelli. Porträt von Anna Ioannovna mit einem kleinen schwarzen Arap

Kaiserin Anna Ioannowna wird in einem prächtigen Krönungskleid erscheinen, begleitet von einem kleinen Schwarzen, der ihr den Reichsapfel überreicht. Vor uns liegt keine Statue, sondern eine ganze Gruppe, bei der jede Figur einen eigenen Sockel hat. Die Skulptur ist für eine Rundumbetrachtung konzipiert. Rastrelli hat die Skulptur im Barockstil angefertigt, daher gibt es hier ein Prinzip des Gegensatzes: die sehr große Anna Ioannovna und das kleine kleine Blackamoor, die sehr statische, majestätische Kaiserin und den lebhaften, aktiven Jungen, der Kontrast ihrer glänzenden Oberfläche Gesicht, Schultern, Hände und die matt schimmernde Oberfläche, übersät mit Edelsteinen und Stickereien der Kaiserin-Kleider. Groß und korpulent, mit einem Gesicht, wie Zeitgenossen sagten, „eher männlich als weiblich“, macht Anna Ioannowna einen starken, fast beängstigenden Eindruck. Dies ist jedoch nicht die Wirkung von Entblößung, sondern eine gezielte Erhebung in den Rang von Pracht und Majestät.

FEDOT IWANOWITSCH SCHUBIN (1740 - 1805)

Er stammt aus demselben Fischerdorf wie Lomonossow. Er studierte an der Akademie der Künste, sein Hauptlehrer war der Bildhauer Nicola Gillet. Er verbesserte seine Lehrtätigkeit im Ausland, in Frankreich und Italien, und studierte antike Denkmäler. Shubin schuf viele wundervolle skulpturale Bilder im Stil des Klassizismus und versuchte, verschiedene Facetten der Persönlichkeit einer Person zu offenbaren, wobei er versuchte, äußerst objektiv, feinfühlig und herablassend zu sein. Manchmal gelang es ihm jedoch, die Besonderheiten des Modells abzuschwächen und zu veredeln.

Porträt von I. S. Baryshnikov

Katharina II. ist Gesetzgeberin. Marmor. 1789

Porträt von M. V. Lomonossow. Marmor. bis 1793

Porträt der Kaiserin Katharina II

E. Falcone. Peter I. („Der eherne Reiter“)

ÉTIENNE FALCONET (1716 - 1791)

E. M. Falcone steht in direktem Zusammenhang mit der Blüte der russischen Monumentalskulptur. In Frankreich galt er als Meister der Staffelei- und Kammerbildhauerei. Falconet war bereits mittleren Alters und wurde 1765 nach Russland eingeladen, um einen kaiserlichen Auftrag zu erfüllen – ein Denkmal für Peter I. Hier vollendete er in der Atmosphäre des aufkommenden russischen Klassizismus dieses monumentale Werk. Das berühmte Denkmal für Peter I. auf dem Senatsplatz in St. Petersburg gilt zu Recht als die Idee der russischen Kultur.

Dies ist ein heroisches Bild, in dem die unbezwingbare, alles zerstörerische Energie und die Zielstrebigkeit des Willens im Vordergrund stehen. Ein mächtiges Pferd springt schnell auf einen riesigen Felsen und erstarrt mit hoch erhobenen Vorderbeinen. Peter streckt gebieterisch seine Hand nach vorne aus, als wolle er seinen Willen bekräftigen und das neue Russland bekräftigen, das er verwandelt hat. Peters Gesichtszüge betonen unzerstörbare Energie, inneres Feuer. Der wunderschön mit Haarringen umrahmte Kopf ist mit Lorbeerkränzen gekrönt. Die Gestalt des Kaisers ist sehr majestätisch. Er trägt lockere Kleidung, über die ein Umhang geworfen ist, der in großen, schönen Falten auf die Kruppe des Pferdes fällt.

Ein wichtiges Symbol ist hier eine Schlange, die von einem Pferd zertrampelt wird. Die Schlange gilt bei den europäischen Völkern seit langem als Verkörperung des Bösen und der Täuschung. Falcone drückte die Idee von neidischen Menschen, heimtückischen Verrätern, Feinden von allem Neuen aus, die Peter in seinen transformativen Aktivitäten störten.

Inschrift auf der Statue von Peter dem Großen.

Dieses Bild stellt einen weisen Helden dar, der sich um seiner Untertanen willen des Friedens beraubte,
Letzterer nahm den Rang an und diente als König, er selbst setzte seine Gesetze durch sein Beispiel fest,
Geboren zum Zepter, die Hände zur Arbeit ausgestreckt, verbarg der Monarch seine Macht, damit uns die Wissenschaft offenbart werden konnte.
Als er die Stadt baute, in Kriegen schwere Arbeit erduldete, in fernen Ländern war und über die Meere wanderte,
Er sammelte und trainierte Soldaten, in- und ausländische Gegner;
Und mit einem Wort: Siehe, da ist Petrus, der Vater des Vaterlandes; irdische Gottheit, Russland ehrt,
Und so viele Altäre brennen vor dieser Vision, da viele Herzen ihr verpflichtet sind.

Michail Lomonossow.1743 - 1747

M. Kozlovsky. Denkmal für A. V. Suworow in St. Petersburg. (1799 - 1801)

Michail Iwanowitsch Kozlowski (1753 - 1802)

Als sehr begabter Bildhauer absolvierte er wie Shubin die Akademie der Künste und besuchte Italien und Frankreich. Er schuf viele Skulpturenwerke verschiedener Genres. Er arbeitete im Genre des Klassizismus. Er liebte es, antike Helden darzustellen; weibliche Modelle schuf er fast nie.

Am meisten schätzt er die maskuline und jugendliche Natur. Gestreckte Proportionen eines zierlichen Körpers, Muskelrelief, matte Marmoroberfläche; anmutiger Gang der Figur, vorzüglich gesenkte Köpfe; Dicke Locken überschatten offene und kühne Gesichter.

Aber es gibt auch andere Werke: Kriegerhelden, die Verkörperung reifer männlicher Schönheit; Ajax, immer noch nicht abgekühlt von der Schlacht, mit dem leblosen Körper des Patroklos; Herkules, leicht zu Pferd fliegend; Simson zerreißt dem Löwen das Maul.

Das Suworow-Denkmal wurde am Ende von Kozlovskys Leben errichtet. In diesem Denkmal vermittelt der Bildhauer ein verallgemeinertes Bild aller antiken Helden und verleiht dem Kommandanten eine gewisse Porträtähnlichkeit. Das Denkmal spiegelt weniger die Persönlichkeit des berühmten Kommandanten als vielmehr die Idee des militärischen Triumphs Russlands wider.
Suworows mutige Anmut verkörpert anschaulich das Verständnis des schönen 18. Jahrhunderts. Die Figur ist in einer eleganten, fast tanzenden Position auf eine niedrige Plattform eines schlanken zylindrischen Sockels gehoben.

Suworow wird als Verteidiger der Gerechtigkeit dargestellt. Er steht mit einem nackten Schwert in der rechten Hand und bedeckt mit der linken Hand mit einem Schild den heiligen Altar mit den Emblemen der Staaten, zu deren Rettung die russische Armee 1799 nach Europa stürmte. Der Held trägt eine Rüstung mit Elementen antiker römischer und ritterlicher Waffen, sein Gesicht hat nur eine vage Ähnlichkeit mit dem Original, was ihn jedoch nicht daran hindert, im Bild eines Kommandanten die Züge eines nationalen Militärgenies wahrzunehmen.

Was an der Statue vor allem ins Auge fällt, ist der klare, kraftvolle Schritt nach vorne und der unwiderstehliche Schwung des Schwertes. Der schnelle Angriff, der in der Gestalt des Helden zum Leben erweckt wird, erinnert an Suworows glorreichen Spitznamen: „General Forward!“

A. M. Opekushin. Denkmal für A.S. Puschkin in Moskau

Alexander Michailowitsch Opekushin

(1838 - 1923)

Als Bildhauer erhielt er seine Ausbildung bei Professor Jensen und studierte anschließend an der Akademie der Künste, die ihm 1874 den Titel eines Akademikers verlieh.

Von seinen Werken sind einige Werke am bekanntesten, das berühmteste ist das Denkmal für A.S. Puschkin in Moskau.

Liegt am Puschkin-Platz in der Hauptstadt. Schon von weitem ist die Figur des Dichters auf einem hohen Sockel zu erkennen, an dessen vier Seiten Laternen angebracht sind, deren Form an Puschkins Zeit erinnert. Bei näherer Betrachtung erscheint der Dichter völlig lebendig. Er steht ruhig da, tief in Gedanken versunken. Mit leicht gesenktem Kopf scheint er die vorbeigehenden Menschen anzusehen, wodurch das Bild von Puschkin Wärme und Aufrichtigkeit erhält.

Vor uns steht ein Dichter-Denker, ein Dichter-Lyriker. Natürliche Einfachheit, lyrische Sanftheit und sogar Hinweise auf Intimität, die dem Bild des Dichters innewohnen, mindern nicht seine Bedeutung, die in einem Denkmal notwendig ist.

Die Gesichtszüge des Dichters sind so detailliert und gleichzeitig verallgemeinert herausgearbeitet, dass sie aus der Ferne deutlich sichtbar sind. Die Kleidung erzeugt gekonnt ein ausdrucksstarkes Volumen – der Umhang fällt von den Schultern und bedeckt den Rücken mit weichen, schweren Falten von ungleichmäßiger Länge, die die Form zusammenfassen und der Silhouette Malerische und Schönheit verleihen.

A. S. Puschkin

Millennium of Russia (Fragment)

Peter I

Russische Skulptur des 18. Jahrhunderts

Im alten Russland fand die Skulptur im Gegensatz zur Malerei relativ wenig Verwendung, hauptsächlich als Dekoration architektonischer Strukturen. In der ersten Hälfte XVIII Jahrhundert wurden nach und nach alle Genres der Staffelei und der Monumentalskulptur beherrscht. Zunächst begann sich die monumentale und dekorative bildende Kunst zu entwickeln, die eng mit der Architektur verbunden war. Unter der Leitung des Architekten I.P. Zarudny entstand das aus weißem Stein geschnitzte Dekor der Erzengel-Gabriel-Kirche in Moskau (Menschikow-Turm). Die reichen Traditionen der alten russischen Bildhauerei wurden nicht vergessen – Holz- und Knochenschnitzerei, dekorative Ikonostasen aus Kunststoff.

Die Merkmale der monumentalen und dekorativen Skulptur der Ära Peters des Großen zeigten sich deutlich in der Entstehung des Peterhof-Ensembles, das jedoch im Laufe des Jahrhunderts erhebliche Veränderungen erfuhr.

Das erste Viertel des 18. Jahrhunderts war nicht nur von der Entstehung neuer Originalwerke geprägt, sondern auch von der Bekundung des Interesses an Klassikern der Bildhauerei. So wurde dann in Italien die berühmte antike Marmorstatue „Venus von Taurid“ erworben. Die ersten Beispiele weltlicher Skulptur wurden aus europäischen Ländern mitgebracht, hauptsächlich Werke italienischer Barockmeister.

In der Ära Peters des Großen entstanden die ersten Projekte monumentaler Denkmäler. Laut B.-K. war geplant, auf einem der zentralen Plätze von St. Petersburg eine Triumphsäule zu errichten, um den Sieg im Nordischen Krieg zu verewigen. Rastrelli. B.-K. Rastrelli(1675? -1744) war tatsächlich der erste Meister der Bildhauerei in Russland. Als gebürtiger Italiener zog er 1716 auf Einladung von Peter I. aus Frankreich aus und fand in Russland eine neue Heimat, da er nur in St. Petersburg reichlich Möglichkeiten zur Kreativität erhielt. Bartolomeo-Carlo Rastrelli führte viele Porträtarbeiten, dekorative und monumentale Skulpturen durch. Er ist sehr berühmt Bronzebüste von Peter I(1723-1730, Abb. 40), in dem nicht nur die Gemeinsamkeiten, sondern auch der Charakter des mächtigen und energischen Königs meisterhaft vermittelt werden.

Auch Rastrellis Können als Porträtmaler zeigte sich in der Büste von A. D. Menschikow, aufgeführt in den Jahren 1716-1717, in der Statue von Anna Ioannovna mit einer kleinen Arapochka(1741). Ein Sinn für Monumentalität und eine hervorragende Kenntnis des Materials Bronze zeichnen das Werk dieses Bildhauers aus. Im Porträt von Anna Ioannovna, die langsam in einem schweren, mit Edelsteinen bestickten Kleid geht, schuf Rastrelli ein ausdrucksstarkes Bild des „ängstlichen Blicks der Königin“, wie ihre Zeitgenossen sie nannten.

Rastrellis bedeutendstes Werk ist Reiterdenkmal für Peter I. Es spiegelte die Eindrücke des Bildhauers von den Denkmälern der Antike, der Renaissance und des 17. Jahrhunderts wider. Petrus wird als triumphierende Figur dargestellt, feierlich sitzend auf einem Pferd im Gewand eines römischen Kaisers.

Das Schicksal dieses Denkmals ist bemerkenswert. Gegossen 1745–1746 nach dem Tod des Bildhauers unter der Leitung seines Sohnes, des Architekten F.-B. Rastrelli, er lag mehr als ein halbes Jahrhundert lang in einer Scheune, von allen vergessen. Erst im Jahr 1800 wurde es im Auftrag von Paul I. vor dem Ingenieurschloss in St. Petersburg installiert und fügte sich organisch in das architektonische Ensemble ein.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. die eigentliche Blüte der russischen Skulptur beginnt. Sie entwickelte sich langsam, aber das russische Bildungsdenken und der russische Klassizismus waren die größten Anreize für die Entwicklung der Kunst großer bürgerlicher Ideen und groß angelegter Probleme, die das Interesse an der Bildhauerei in dieser Zeit bestimmten. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofjew, Martos– jeder war ein kluger Mensch für sich und hinterließ seine Spuren in der Kunst. Aber sie alle einten gemeinsame kreative Prinzipien, die sie von Professor Nicolas Gillet lernten, der von 1758 bis 1777 die Bildhauerklasse an der Akademie leitete. allgemeine Vorstellungen von Staatsbürgerschaft und Patriotismus, hohe Ideale der Antike. Ihre Ausbildung basierte hauptsächlich auf dem Studium der antiken Mythologie, Abgüssen und Kopien von Werken der Antike und der Renaissance sowie, in den Ruhestandsjahren, authentischen Werken dieser Epochen. Sie streben danach, die Merkmale einer heroischen Persönlichkeit in einem männlichen Bild und einen ideal schönen, harmonischen, perfekten Anfang in einem weiblichen Bild zu verkörpern. Doch russische Bildhauer interpretieren diese Bilder nicht abstrakt und abstrakt, sondern ganz vital. Die Suche nach dem allgemein Schönen schließt das volle Verständnis des menschlichen Charakters und den Wunsch, seine Vielseitigkeit zu vermitteln, nicht aus. Dieser Wunsch ist in der monumentalen Dekorations- und Staffeleiskulptur der zweiten Hälfte des Jahrhunderts, insbesondere aber im Genre der Porträtmalerei, spürbar.

Seine höchsten Leistungen sind vor allem mit Kreativität verbunden Fedot Iwanowitsch Schubin(1740–1805), ein Landsmann Lomonossows, der bereits als Künstler nach St. Petersburg kam, der die Feinheiten der Knochenschnitzerei beherrschte. Nachdem er die Akademie in der Gillet-Klasse mit einer großen Goldmedaille abgeschlossen hatte, begab sich Shubin auf eine Ruhestandsreise, zunächst nach Paris (1767–1770) und dann nach Rom (1770–1772), das ab der Mitte des Jahrhunderts mit Die Ausgrabungen von Herculaneum und Pompeji wurden erneut zum Anziehungspunkt für Künstler aus ganz Europa. Shubins erstes Werk in seiner Heimat - Büste von A.M. Golitsyna(1773, Russisches Museum, Gips) weist bereits auf die volle Reife des Meisters hin. Die ganze Vielseitigkeit der Eigenschaften des Modells offenbart sich, wenn man es rundherum betrachtet, obwohl es zweifellos einen Hauptgesichtspunkt für die Skulptur gibt. Intelligenz und Skepsis, spirituelle Anmut und Spuren geistiger Erschöpfung, Standesexklusivität und spöttische Selbstgefälligkeit – Shubin schaffte es, in diesem Bild eines russischen Aristokraten die unterschiedlichsten Charakteraspekte zu vermitteln. Die außergewöhnliche Vielfalt künstlerischer Medien trägt zu einer solch mehrdeutigen Charakterisierung bei. Der komplexe Umriss und die Ausbreitung von Kopf und Schultern, die Interpretation einer vielschichtigen Oberfläche (Umhang, Spitze, Perücke), die feinste Modellierung des Gesichts (arrogant zusammengekniffene Augen, die reinrassige Linie der Nase, das kapriziöse Muster der Lippen) und die eher freizügige malerische Kleidung - alles erinnert an die Stiltechniken des Barock. Doch als Sohn seiner Zeit interpretiert er seine Modelle im Sinne der pädagogischen Vorstellungen eines verallgemeinerten Idealhelden. Dies ist typisch für alle seine Werke der 70er Jahre, weshalb man von ihnen als Werken des frühen Klassizismus sprechen kann. Allerdings stellen wir fest, dass in den Techniken des Novizen Shubin nicht nur Merkmale des Barock, sondern sogar des Rokoko erkennbar sind. Mit der Zeit werden Shubins Bilder konkreter, lebendiger und schärfer konkret.

Shubin wandte sich selten der Bronze zu; er arbeitete hauptsächlich mit Marmor und verwendete immer die Büstenform. Und in diesem Material zeigte der Meister die ganze Vielfalt sowohl kompositorischer Lösungen als auch künstlerischer Verarbeitungstechniken. Mit der Sprache der Plastizität schafft er Bilder von außergewöhnlicher Ausdruckskraft und außergewöhnlicher Energie, ohne dabei deren äußere Verherrlichung anzustreben ( Büste von Feldmarschall Z.G. Tschernyschewa, Marmor, Tretjakow-Galerie). Er hat keine Angst davor, sich zu senken, „zu erden“ Bild von Feldmarschall P.A. Rumyantsev-Sadunaisky, das den charakteristischen Charakter seines keineswegs heroischen runden Gesichts mit einer komisch nach oben gerichteten Nase vermittelt (Marmor, 1778, Staatliches Kunstmuseum, Minsk). Ihn interessiert nicht nur das „Innere“ oder nur das „Äußere“. Er stellt den Menschen in der ganzen Vielfalt seines Lebens und seiner geistigen Erscheinung dar. Dabei handelt es sich um meisterhaft ausgeführte Büsten von Staatsmännern, Heerführern und Beamten.

Von den Werken der 90er Jahre, der fruchtbarsten Periode in Shubins Schaffen, möchte ich die inspirierte, romantische hervorheben Bild von P.V. Zavadovsky (die Büste blieb nur in Gips erhalten, Tretjakow-Galerie). Die Schärfe der Kopfdrehung, der durchdringende Blick, die Askese des gesamten Erscheinungsbildes, die frei fließende Kleidung – alles spricht von einer besonderen Emotion und offenbart eine leidenschaftliche, außergewöhnliche Natur. Die Art und Weise, das Bild zu interpretieren, lässt die Ära der Romantik ahnen. Es liegt eine komplexe, vielschichtige Charakteristik vor in der Büste von Lomonossow, geschaffen für die Cameron Gallery, damit es dort neben den Büsten antiker Helden stehen würde. Daher ein etwas anderer Grad an Verallgemeinerung und Antike als in anderen Werken des Bildhauers (Bronze, 1793, Cameron Gallery, Puschkin; Gips, Russisches Museum; Marmor, Akademie der Wissenschaften; die letzten beiden sind früher). Shubin behandelte Lomonosov mit besonderer Ehrfurcht. Der brillante russische Autodidakt stand dem Bildhauer nicht nur als Landsmann nahe. Shubin schuf ein Bild ohne jegliche Formalität und Pomp. In seiner Erscheinung sind ein lebhafter Geist, Energie und Stärke zu spüren. Aber unterschiedliche Blickwinkel geben unterschiedliche Akzente. Und in einer anderen Wendung lesen wir im Gesicht des Models sowohl Traurigkeit als auch Enttäuschung und sogar einen Ausdruck von Skepsis. Dies ist umso überraschender, wenn man davon ausgeht, dass das Werk nicht aus der Natur stammt; Lomonosov starb 28 Jahre zuvor. Neuere Studien deuten auf die Möglichkeit von Skizzen aus der Natur hin, die uns nicht erreicht haben.

Ebenso facettenreich in dieser Vielschichtigkeit ist die widersprüchliche Schöpfung des Bildhauers. Bild von Paul I(Marmor, 1797, Bronze, 1798. Staatliches Russisches Museum; Bronze, 1800, Tretjakow-Galerie). Hier koexistiert Verträumtheit mit einem harten, fast grausamen Ausdruck, und hässliche, fast groteske Züge berauben das Bild nicht seiner Majestät.

Shubin arbeitete nicht nur als Porträtmaler, sondern auch als Dekorateur. Er fertigte 58 ovale historische Marmorporträts für den Chesme-Palast an(befindet sich in der Waffenkammer), Skulpturen für den Marmorpalast und für Peterhof, eine Statue der Gesetzgeberin Katharina II(1789–1790). Es besteht kein Zweifel, dass Shubin das größte Phänomen der russischen Kunstkultur des 18. Jahrhunderts ist.

Ein französischer Bildhauer arbeitete mit einheimischen Meistern in Russland zusammen Etienne-Maurice Falconet(1716–1791; in Russland – von 1766 bis 1778), wer im Denkmal für Peter I. auf dem Senatsplatz in St. Petersburg drückte sein Verständnis für Peters Persönlichkeit und ihre historische Rolle im Schicksal Russlands aus. Falcone arbeitete 12 Jahre lang an dem Denkmal. Die erste Skizze wurde 1765 angefertigt, 1770 wurde ein lebensgroßes Modell angefertigt und 1775–1777. Es wurde eine Bronzestatue gegossen und ein Sockel aus einem Stein hergestellt, der nach dem Schneiden etwa 275 Tonnen wog. Marie-Anne Collot half bei der Arbeit am Kopf von Peter Falconet. Die Eröffnung des Denkmals fand 1782 statt, als Falconet nicht mehr in Russland war schloss die Installation des Denkmals für Gordeev ab. Falcone verzichtete auf das kanonisierte Bild des siegreichen Kaisers, des römischen Cäsar, umgeben von allegorischen Figuren der Tugend und des Ruhms. Er wollte das Bild eines Schöpfers, Gesetzgebers und Umwandlers verkörpern, wie er selbst in einem Brief an Diderot schrieb. Der Bildhauer lehnte sich kategorisch gegen kalte Allegorien auf und sagte: „Das ist eine erbärmliche Fülle, die immer die Routine und selten das Genie anprangert.“ Er hinterließ nur eine Schlange, die nicht nur semantische, sondern auch kompositorische Bedeutung hat. So entstand ein Bildsymbol mit der ganzen Natürlichkeit der Bewegung und Haltung von Pferd und Reiter. Auf einem der schönsten Plätze der Hauptstadt, in seinem öffentlichen Forum, wurde dieses Denkmal zum plastischen Abbild einer ganzen Epoche. Das sich aufbäumende Pferd wird von der festen Hand des mächtigen Reiters besänftigt. Die der allgemeinen Lösung innewohnende Einheit des Augenblicklichen und des Ewigen lässt sich auch im Sockel nachvollziehen, der auf einem sanften Anstieg nach oben und einem steilen Abfall nach unten aufgebaut ist. Ein künstlerisches Bild besteht aus einer Kombination verschiedener Winkel, Aspekte und Standpunkte einer Figur. Das „Götzenbild auf dem bronzenen Pferd“ erscheint in seiner ganzen Kraft, bevor man ihm ins Gesicht sehen kann, wie D.E. einst richtig bemerkte. Arkin, er beeinflusst sofort mit seiner Silhouette, seiner Geste, der Kraft der plastischen Massen, und darin manifestieren sich die unveränderlichen Gesetze der Monumentalkunst. Daher die freie Improvisation in der Kleidung („Diese Kleidung ist heroisch“, schrieb der Bildhauer), das Fehlen von Sattel und Steigbügeln, wodurch Reiter und Pferd als eine einzige Silhouette wahrgenommen werden können. „Held und Pferd verschmelzen zu einem wunderschönen Kentauren“ (Diderot).

Der Kopf eines Reiters ist auch ein völlig neues Bild in der Ikonographie von Petrus, anders als das brillante Porträt von Rastrelli und von der ganz gewöhnlichen Büste von Collo. Im Bild von Falconet dominiert nicht die philosophische Kontemplation und Nachdenklichkeit von Marcus Aurelius, noch die offensive Kraft des Condottiere Colleoni, sondern der Triumph der klaren Vernunft und des wirksamen Willens.

Das grundlegende ästhetische Prinzip der Aufklärung des 18. Jahrhunderts fand seinen Ausdruck in der Verwendung von Naturgestein als Sockel. - Treue zur Natur.

„Die Grundlage dieses Werkes der monumentalen Skulptur ist die erhabene Idee Russlands, seine jugendliche Kraft, sein siegreicher Aufstieg entlang der Straßen und steilen Hänge der Geschichte. Deshalb weckt das Denkmal beim Betrachter viele Gefühle und Gedanken, nahe und ferne Assoziationen, viele neue Bilder, darunter das erhabene Bild einer heldenhaften Person und eines heldenhaften Volkes, das Bild des Vaterlandes, seiner Macht, seiner Herrlichkeit, die große historische Berufung dominiert stets“ (Arkin D. E. E.-M. Falcone//Geschichte der russischen Kunst. M., 1961. T. VI.

In den 70er Jahren arbeiteten eine Reihe junger Akademie-Absolventen an der Seite von Shubin und Falcone. Ein Jahr später schloss Shubina ihr Studium ab und ging mit ihm in den Ruhestand Fjodor Gordejewitsch Gordejew(1744–1810), dessen Schaffensweg eng mit der Akademie verbunden war (eine Zeit lang fungierte er sogar als deren Rektor). Gordeev ist ein Meister der monumentalen und dekorativen Skulptur. In seinem Frühwerk – dem Grabstein von N.M. Golitsyna zeigt, wie es russischen Meistern gelang, tief in die Ideale der antiken, insbesondere griechischen Plastikkunst einzudringen. So wie sie im Mittelalter die Traditionen der byzantinischen Kunst kreativ aufgriffen, so verstanden sie im Zeitalter des Klassizismus die Prinzipien der hellenistischen Bildhauerei. Es ist bezeichnend, dass für die meisten von ihnen die Entwicklung dieser Prinzipien und die Schaffung ihres eigenen nationalen Klassizismusstils nicht reibungslos verlief, und die Arbeit fast jedes von ihnen kann als „Kampfarena“ zwischen Barock, manchmal Rocaille und neue, klassizistische Tendenzen. Darüber hinaus bedeutet die Entwicklung der Kreativität nicht unbedingt den Sieg der Kreativität. Also Gordeevs erstes Werk "Prometheus"(1769, Gips, Russisches Museum, Bronze – Ostankino-Museum) und zwei Grabsteine ​​der Golitsyns(Feldmarschall A.M. Golitsyn, Held von Chotin, 1788, HMGS, St. Petersburg, und D.M. Golitsyn, Gründer des berühmten von Kasakow erbauten Krankenhauses, 1799, GNIMA, Moskau) tragen Merkmale der Barocktradition: Komplexität Silhouette, Ausdruck und Dynamik („Prometheus“), die Bildhaftigkeit des gesamten kompositorischen Designs, pathetische Gesten allegorischer Figuren (Tugend und militärisches Genie auf einem Grabstein. Trauer und Trost auf dem anderen).

Der Grabstein von N.M. Golitsyna ähnelt einer antiken griechischen Stele. Die unterlebensgroße Basrelieffigur des Trauernden ist im Profil dargestellt, befindet sich auf einem neutralen Hintergrund und ist in ein Oval eingeschrieben. Die Majestät und Feierlichkeit des traurigen Gefühls werden durch die langsamen Falten ihres Umhangs vermittelt. Von diesem Grabstein geht ein Ausdruck edler Zurückhaltung aus. Da ist absolut kein barockes Pathos drin. Es fehlt aber auch die abstrakte Symbolik, die in Werken des klassizistischen Stils häufig vorhanden ist. Die Trauer hier ist still und die Traurigkeit ist rührend menschlich. Die Lyrik des Bildes, die geheime, tief verborgene Trauer und damit Intimität und Aufrichtigkeit werden zu charakteristischen Merkmalen des russischen Klassizismus. Die Prinzipien des Klassizismus manifestierten sich noch deutlicher in den Flachreliefs zu antiken Themen für die Fassaden und Innenräume des Ostankino-Palastes (Moskau, 80–90er Jahre).

Das Werk eines bemerkenswerten russischen Bildhauers weist eine seltene Vielfalt an Interessen auf. Michail Iwanowitsch Koslowski(1753–1802) kann man auch diesen ständigen „Kampf“ verfolgen, eine Kombination von Merkmalen des Barock und des Klassizismus, wobei in jedem einzelnen Werk einige Stiltechniken gegenüber anderen vorherrschen. Sein Werk ist ein klarer Beweis dafür, wie russische Meister alte Traditionen überarbeiteten und wie der russische Klassizismus Gestalt annahm. Im Gegensatz zu Shubin und Gordeev begann Kozlovskys Ruhestand direkt in Rom und zog dann nach Paris. Seine ersten Werke nach seiner Rückkehr nach Hause waren zwei Erleichterung für den Marmorpalast, deren Namen lauten: „Regulus‘ Abschied von den Bürgern Roms“ und „Camillus, der Rom von den Galliern befreit“- Sie sprechen vom großen Interesse des Meisters an der alten Geschichte (Anfang der 80er Jahre).

Im Jahr 1788 ging Kozlovsky erneut nach Paris, allerdings als Mentor für Rentner, und befand sich mitten im revolutionären Geschehen. 1790 tritt er auf Statue des Polykrates(Russisches Museum, Gips), in dem das Thema Leiden und Befreiungsdrang pathetisch klingt. Gleichzeitig finden sich in der krampfhaften Bewegung des Polykrates, der Anstrengung seiner gefesselten Hand, dem sterblich-martyrischen Ausdruck seines Gesichts einige Züge des Naturalismus.

Mitte der 90er Jahre, nach seiner Rückkehr in seine Heimat, begann die fruchtbarste Zeit in Kozlovskys Schaffen. Das Hauptthema seiner Staffeleiarbeiten (und er arbeitete hauptsächlich in der Staffeleiskulptur) stammt aus der Antike. Sein „Hirte mit Hase“(1789, Marmor. Pawlowsker Palastmuseum), „ Schlafender Amor“(1792, Marmor, Staatliches Russisches Museum), „Amor mit Pfeil“(1797, Marmor, Tretjakow-Galerie) und andere sprechen von einem subtilen und ungewöhnlich tiefen Eindringen in die hellenistische Kultur, sind aber gleichzeitig frei von jeglicher äußerer Nachahmung. Dies ist eine Skulptur aus dem 18. Jahrhundert, und es war Kozlovsky, der mit subtilem Geschmack und Raffinesse die Schönheit des jugendlichen Körpers verherrlichte. Sein „Mahnwache Alexanders des Großen“(zweite Hälfte der 80er Jahre, Marmor, Russisches Museum) verherrlicht die heroische Persönlichkeit, jenes bürgerliche Ideal, das den moralisierenden Tendenzen des Klassizismus entspricht: Der Kommandant stellt seinen Willen auf die Probe und wehrt sich gegen den Schlaf; Die Iliasrolle neben ihm zeugt von seiner Ausbildung. Aber die Antike war für den russischen Meister nie das einzige Studienobjekt. In der Art und Weise, wie der Zustand der Halbschlaf-Taubheit auf natürliche Weise vermittelt wird, ist in allem eine lebendige, scharfsinnige Beobachtung sichtbar; Und vor allem gibt es keine alles verzehrende Vorherrschaft der Vernunft über das Gefühl, keine trockene Rationalität, und dies ist unserer Meinung nach einer der bedeutendsten Unterschiede zwischen dem russischen Klassizismus.

Kozlovsky, der Klassiker, ist von Natur aus vom Thema des Helden fasziniert und er tritt auf mehrere Terrakotten nach der Ilias („Ajax mit dem Leichnam des Patroklos“), 1796, Russisches Museum). Der Bildhauer interpretiert eine Episode aus der Geschichte des Petrus in der Statue von Yakov Dolgoruky, ein enger Mitarbeiter des Königs, empört über die Ungerechtigkeit eines Erlasses des Kaisers (1797, Marmor, Russisches Museum). In der Statue von Dolgoruky verwendet der Bildhauer häufig traditionelle Attribute: eine brennende Fackel und Waage (Symbol für Wahrheit und Gerechtigkeit), eine besiegte Maske (Verrat) und eine Schlange (Niedrigheit, Böses). Kozlovsky entwickelt das heroische Thema und geht darauf ein zum Bild von Suworow: Zuerst schafft der Meister ein allegorisches Bild des Herkules zu Pferd (1799, Bronze, Russisches Museum) und dann ein Denkmal für Suworow, konzipiert als lebenslange Statue (1799–1801, St. Petersburg). Das Denkmal hat keine direkte Porträtähnlichkeit. Dabei handelt es sich eher um ein verallgemeinertes Bild eines Kriegers, eines Helden, dessen Militärkostüm Elemente der Waffen eines antiken Römers und eines mittelalterlichen Ritters vereint (und nach neuesten Informationen auch Elemente der Uniform, die Paulus wollte, aber nicht wollte). Zeit haben, es vorzustellen). Energie, Mut, Adel strahlen aus dem gesamten Erscheinungsbild des Kommandanten, aus seiner stolzen Kopfdrehung, der anmutigen Geste, mit der er sein Schwert hebt. Eine Lichtfigur auf einem zylindrischen Sockel schafft damit ein einziges plastisches Volumen. Das Bild von Suworow vereint Männlichkeit und Anmut und entspricht sowohl dem klassizistischen Standard des Heroischen als auch dem allgemeinen Verständnis von Schönheit als einer ästhetischen Kategorie, die für das 18. Jahrhundert charakteristisch ist. Es schuf ein verallgemeinertes Bild eines Nationalhelden und wird von Forschern zu Recht als eine der vollkommensten Schöpfungen des russischen Klassizismus eingestuft, zusammen mit Falconets „Bronze Horseman“ und dem Denkmal für Minin und Pozharsky Martos.

In denselben Jahren arbeitete Kozlovsky über der Statue von Samson – zentral in der Großen Kaskade von Peterhof(1800–1802). Zusammen mit den besten Bildhauern – Shubin, Shchedrin, Martos, Prokofjew – beteiligte sich Kozlovsky an der Ersetzung der Statuen der Peterhof-Brunnen und vollendete damit einen der wichtigsten Aufträge. „Samson“, wie er traditionell genannt wird, vereint die Kraft des antiken Herkules (nach einigen neueren Studien ist dies Herkules) und den Ausdruck von Michelangelos Bildern. Das Bild eines Riesen, der einem Löwen das Maul zerreißt (das Bild eines Löwen wurde in das Wappen Schwedens aufgenommen) verkörperte die Unbesiegbarkeit Russlands.

Während des Großen Vaterländischen Krieges wurde das Denkmal von den Nazis gestohlen. Im Jahr 1947 gründete der Bildhauer V.L. Simonov hat es anhand erhaltener Fotodokumente nachgebildet.

Kozlovskys Kollege war Fedos Fedorovich Shchedrin(1751–1825). Er durchlief die gleichen Phasen seiner Ausbildung an der Akademie und seiner Pensionierung in Italien und Frankreich. Von ihm 1776 hingerichtet „Marsyas“(Gips, NIMAH) ist wie Gordeevs „Prometheus“ und Kozlovskys „Polycrates“ voller heftiger Bewegung und einer tragischen Haltung. Wie alle Bildhauer des Klassizismus ist Shchedrin von antiken Bildern fasziniert ( „Schlafender Endymion“ 1779, Bronze, Russisches Museum; "Venus", 1792, Marmor, Russisches Museum) und zeigen dabei besonders poetische Einblicke in ihre Welt. Er beteiligt sich auch an der Schaffung von Skulpturen für Peterhof-Brunnen („Newa“, 1804). Doch Shchedrins bedeutendste Werke stammen aus der Zeit des Spätklassizismus. 1811–1813 es funktioniert über dem Skulpturenkomplex der Zakharov-Admiralität. Er hat es erfüllt Dreifigurige Gruppen von „Meeresnymphen“, die eine Kugel tragen, – majestätisch und monumental, aber auch anmutig zugleich; Statuen von vier großen antiken Kriegern: Achilles, Ajax, Pyrrhus und Alexander der Große– in den Ecken des Dachbodens des Mittelturms. Im Admiralitätskomplex gelang es Shchedrin, das dekorative Prinzip der monumentalen Synthese unterzuordnen und dabei ein ausgezeichnetes Gespür für Architektur zu demonstrieren. Die skulpturalen Nymphengruppen sind durch ihr Volumen vor dem Hintergrund glatter Wände deutlich erkennbar, und die Kriegerfiguren runden die Architektur des Mittelturms organisch ab. Von 1807 bis 1811 war auch Schtschedrin tätig darüber der riesige Fries „Kreuztragen“ für die Muschel der Südapsis der Kasaner Kathedrale.

Sein Zeitgenosse Iwan Prokofjewitsch Prokofjew(1758–1828) in den Jahren 1806–1807 . schafft einen Fries in der Kasaner Kathedrale auf dem Dachboden des westlichen Durchgangs der Kolonnade zum Thema „Kupferschlange“. Prokofjew ist ein Vertreter der zweiten Generation akademischer Bildhauer; in den letzten Jahren studierte er bei Gordejew (1780–1784). studierte in Paris, ging dann nach Deutschland, wo er als Porträtmaler Erfolg hatte (von Prokofjew sind nur zwei Porträts erhalten). das Ehepaar Labzin, 1802, beide Terrakotta, Russisches Museum). Eines seiner frühen Werke - „Aktäon“(1784, Russisches Museum) zeugt vom Können eines bereits etablierten Künstlers, der die starke, flexible Bewegung und das elastische Laufen eines jungen Mannes, der von Dianas Hunden verfolgt wird, gekonnt wiedergibt. Prokofjew ist in erster Linie ein Meister des Reliefs und führt die besten Traditionen der antiken Reliefskulptur fort (eine Reihe von Gipsreliefs der Fassade und der gusseisernen Treppen der Akademie der Künste; das Haus von I. I. Betsky, der Palast in Pawlowsk – alle 80er Jahre). , mit Ausnahme der gusseisernen Treppe der Akademie, ausgeführt in den Jahren 1819–1820 gg.). Dies ist eine idyllische Linie in Prokofjews Werk. Der Meister war aber auch mit hohen dramatischen Tönen vertraut (der bereits erwähnte Fries der Kasaner Kathedrale „Kupferschlange“). Für Peterhof Prokofjew trat zusammen mit Schtschedrins „Newa“ auf die Statue von „Wolchow“ und die Gruppe „Tritonen“.

Iwan Petrowitsch Martos(1754–1835) lebte ein sehr langes Schaffensleben und seine bedeutendsten Werke entstanden bereits im 19. Jahrhundert. Aber Martos‘ Grabsteine, seine Gedenkskulpturen stammen in ihrer Stimmung und Stimmung aus den 80er und 90er Jahren... Kunststofflösungen stammen aus dem 18. Jahrhundert. Martos gelang es, erleuchtete Bilder zu schaffen, die von stiller Trauer, hohem lyrischem Gefühl, kluger Akzeptanz des Todes und darüber hinaus mit seltener künstlerischer Perfektion ausgeführt sind ( Grabstein von M.P. Sobakina, 1782, GNIMA; Grabstein von E.S. Kurakina, 1792, HMGS).

Kurznachricht Skulptur aus dem 18. Jahrhundert und erhielt die beste Antwort

Antwort von Orbitalkonstellation[Guru]
Skulptur aus dem 18. Jahrhundert
In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts begann eine stetige Blüte
heimische Kunststoffe. Die runde Skulptur hatte sich seitdem nur langsam entwickelt
mühsame Überwindung von achthundert Jahren alter russischer Traditionen in Bezug auf
zum heidnischen „Titten“. Sie gab keinem einzigen großen russischen Meister nach
erste Hälfte des 18. Jahrhunderts , aber umso brillanter war ihr Start am nächsten
Zeitraum. Der russische Klassizismus als führende künstlerische Bewegung dieser Zeit
war der größte Anstoß für die Entwicklung der Kunst großer bürgerlicher Ideen,
was in dieser Zeit zu einem Interesse an der Bildhauerei führte. F. I. Shubin, F. G. Gordeev,
M. I. Kozlovsky, F. F. Shchedrin, I. P. Prokofjew, I. P. Martos – jeder für sich
er selbst war die hellste Individualität, er verließ sein eigenes, nur ihm eigentümliches
Spur in der Kunst. Aber sie alle waren sich durch gemeinsame kreative Prinzipien einig
Sie haben es an der Akademie in der Bildhauerklasse von Professor Nicolas Gillet gelernt.
Russische Künstler einten auch gemeinsame Vorstellungen von Staatsbürgerschaft und
Patriotismus, hohe Ideale der Antike.
Das Interesse an der „heroischen Antike“ beeinflusst auch die Auswahl von Göttern und Helden:
Neptun und Bacchus, die zu Petrus Zeiten beliebt waren, werden durch Prometheus ersetzt.
Polykrates, Marsyas, Herkules, Alexander der Große, homerische Helden
Epos Russische Bildhauer streben danach, Merkmale in einem männlichen Bild zu verkörpern
heroische Persönlichkeit und im weiblichen - idealerweise schön, harmonisch
ein klarer, perfekter Anfang. Dies zeigt sich sowohl im monumentalen,
architektonisch und dekorativ und aus Staffelei-Kunststoff.
Im Gegensatz zum Barock herrschte architektonische und dekorative Plastizität in der Epoche
Der Klassizismus hat ein strenges Anordnungssystem an der Fassade des Gebäudes: hauptsächlich
im Mittelteil, dem Hauptportikus und in den seitlichen Vorsprüngen bzw. Bekrönungen
Gebäude, lesbar gegen den Himmel.
Russische Skulptur der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts
Neben der außerordentlich bedeutenden Figur Shubins steht eine Schar herausragender Zeitgenossen, wie er, der in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts zum glanzvollen Aufblühen der russischen Bildhauerei beitrug.
Zusammen mit einheimischen Meistern ist der Bildhauer Etienne-Maurice Falconet (1716__1791, in Russland - von 1766 bis 1778), der Autor eines der besten Denkmäler des 18. Jahrhunderts – das Denkmal für Peter I. auf dem Senatsplatz in St. Petersburg (Abb . 161) trug wesentlich zum Ruhm der russischen Skulptur bei. Die enormen Aufgaben, die Höhe der ideologischen und ästhetischen Kriterien und die Intensität der kreativen Atmosphäre in der russischen Kunst jener Jahre ermöglichten es dem Bildhauer, das vollkommenste seiner Werke zu schaffen, das untrennbar mit dem Land verbunden ist, in dem es geboren wurde.
Die erste Skizze war bereits 1765 fertig. In St. Petersburg angekommen, machte sich Falcone an die Arbeit und hatte 1770 ein lebensgroßes Modell fertiggestellt. An den Aufstellungsort des Denkmals wurde ein Steinfelsen geliefert, der nach dem Teilschneiden etwa 275 Tonnen wog. Die Bronzestatue wurde zwischen 1775 und 1777 gegossen und das Denkmal 1782 enthüllt. Falconets Assistentin bei der Arbeit am Denkmal war seine Schülerin Marie-Anne Collot (1748-1821), die den Kopf von Petrus schuf. Nach Falcones Weggang wurde die Installation des Denkmals vom Bildhauer F. G. Gordeev überwacht.
Falcone war ein Ausländer, aber es gelang ihm, die Persönlichkeit von Peter und seine Rolle in der historischen Entwicklung Russlands so zu verstehen, dass das von ihm geschaffene Denkmal genau im Rahmen der russischen Kultur betrachtet werden sollte, die die gefühlvolle Interpretation des Bild von Peter, gegeben vom Bildhauer.

Antwort von 3 Antworten[Guru]

Hallo! Hier finden Sie eine Themenauswahl mit Antworten auf Ihre Frage: Kurznachricht zur Skulptur aus dem 18. Jahrhundert

Dank der Reformen Peters des Großen begann sich die weltliche Bildhauerei in Russland im ersten Viertel des 18. Jahrhunderts zu entwickeln. Unter Peter I. arbeiteten ausländische Meister aus Italien, Frankreich, Deutschland und Österreich in Russland. Sie schufen skulpturale Werke, die im Bau befindliche Paläste und Parks schmückten.

In der Peter- und Nachpetrinuszeit war er der berühmteste Bildhauer Russlands Carlo Bartolomeo Rastrelli(1675-1774). Ein Florentiner, der 1716 in Paris arbeitete. wurde nach Russland eingeladen, wo er sein Talent voll entfalten konnte. Rastrelli begann als Architekt, seine künstlerischen Leistungen liegen jedoch im Bereich der Bildhauerei. Rastrelli schuf eine ganze Galerie skulpturaler Porträts von Peter I. und Figuren seiner Zeit.

Das Meisterwerk des Bildhauers war eine zu Lebzeiten des Herrschers geschaffene Bronzebüste, auf der Petrus in zeremonieller Rüstung mit dem Band des Ordens des Heiligen Andreas des Erstberufenen dargestellt ist. Das Porträt zeichnet sich durch seine strenge Feierlichkeit und den Reichtum der plastischen Modellierung aus.

Rastrelli beteiligte sich auch an der Gestaltung der Großen Kaskade in Peterhof und an der Arbeit an der Schaffung eines Modells der Triumphsäule zu Ehren des Sieges im Nordischen Krieg.

Nach dem Tod von Peter I. in den 40er Jahren. XVIII Jahrhundert K. B. Rastrelli schuf das erste monumentale Denkmal für den russischen Kaiser. Die Reiterstatue stellt Peter I. als triumphierenden Krieger dar, gekrönt mit einem Lorbeerkranz.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Skulptur erzielte bedeutende Erfolge. Es entwickelten sich Genres wie Monumental-, Porträt-, Landschafts-, Tier- und Gedenkskulpturen.

Der wichtigste künstlerische Stil dieser Zeit war Klassizismus.

Der Ruhm eines talentierten Bildhauers in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. zu Recht gewonnen Fedot Iwanowitsch Schubin (1740-1805). Shubin, der Sohn eines Pomor-Bauern, beschäftigt sich seit seiner Kindheit mit der Knochenschnitzerei. Im Jahr 1759 kam Shubin dank der Unterstützung von M. V. Lomonosov, dessen Landsmann er war, nach St. Petersburg. Auf Empfehlung von I. I. Shuvalov wurde der fähige junge Mann, der als Heizer am königlichen Hof arbeitete, an die Akademie der Künste geschickt, wo er 1761–1767 studierte und anschließend seine Fähigkeiten in „Bildhauerkunst“ in Paris vertiefte und Rom. Shubin fertigte skulpturale Porträts von Katharina II., Paul I., I.I. Schuwalow und anderen an. Mit besonderer Liebe schuf der Bildhauer eine Marmorbüste seines Gönners M.V.

Fjodor Gordejewitsch Gordejew (1744-1810), ausgebildet in Bildhauerklassen an der Akademie der Künste, war Autor von Reliefs für die Fassaden und Innenräume des Ostankino-Palastes in Moskau, für die Fassaden der Kasaner Kathedrale in St. Petersburg, schuf die Marmorgrabsteine ​​der Golitsyn-Fürsten und überwachte den Guss von Bronzestatuen für die Brunnen von Peterhof.

Michail Iwanowitsch Koslowski (1753-1802) gehörte zu der Generation, die die Entwicklung der russischen Bildhauerei des 18. Jahrhunderts vollendete. Sein Werk ist durchdrungen von Ideen der Aufklärung, Humanismus und lebendiger Emotionalität. Er besitzt Skulpturen wie „Samson zerreißt das Maul eines Löwen“, die er für die Große Kaskade in Peterhof angefertigt hat, „Jakow Dolgoruki zerreißt den königlichen Erlass“ usw. Das berühmteste Werk von Kozlovsky war das Denkmal für A. V. Suworow , errichtet 1799-1801 auf dem Marsfeld in St. Petersburg. Das im klassischen Stil gestaltete Denkmal spiegelt weniger die Persönlichkeit des großen Feldherrn als vielmehr die Idee des militärischen Triumphs Russlands wider.

Unter den russischen Bildhauern der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts erfreuten sie sich großer Berühmtheit Feodossy Fjodorowitsch Schtschedrin (1751–1825), Iwan Prokofjewitsch Prokofjew (1757–1828) usw.

Unter den ausländischen Bildhauern, die in den 1760er und 1770er Jahren in Russland arbeiteten, war der Franzose der bedeutendste Etienne Maurice Falconet (1716-1791).

Der Bildhauer, der 1766 auf Empfehlung des berühmten Philosophen D. Diderot nach Russland kam, wurde durch die Reiterstatue von Peter I. berühmt, die 1782 auf dem Senatsplatz in St. Petersburg aufgestellt wurde (die Skulptur entstand zusammen mit seinem Schüler M . Collot). Diesem Denkmal wurde der Name „Bronzereiter“ zugewiesen. Auf dem Denkmal steht in lateinischer Sprache: „Peter I. – Katharina II.“ Damit wollte die Kaiserin betonen, dass sie eine Fortsetzung des Handelns von Peter I. war.

Laut Forschern (A.G. Romm) stellte Falconets Denkmal für Peter I. „alles in den Schatten, was der Bildhauer zuvor geschaffen hatte, und alle Reiterstatuen seiner Vorgänger.“ An dieser Skulptur ist alles außergewöhnlich: ihre Einflusskraft, ihre Rolle in der Weltpoesie, ihr historisches Schicksal.