De Chirico Privatleben. Die Entstehung des Werkes von Giorgio de Chirico, Biografie und Gemälde. Metaphysik und frühe Kreativität

„Orpheus – ein müder Troubadour“

© Giorgio de Chirico

Halb körperlich

Kaum jemand schaut zu Selbstporträt von Giorgio de Chirico 1945 , wo er sich nackt darstellte, wird sagen: „Was für eine hervorragende körperliche Verfassung!“ Eher: „Was für eine metaphysische Form!“ De Chirico war immer ein alter Mann oder ein früh gealtertes Kind – und blieb es sein ganzes Leben lang. Und gerade deshalb war er mit seiner Kunst seiner Zeit in vielerlei Hinsicht voraus.

So erfand er 1909 in Mailand zusammen mit seinem Bruder Andrea, der später das Pseudonym Alberto Savinio annahm, die metaphysische Malerei. Er nennt seine Bilder „Geheimnisse“ – und die wahrhaft menschenleeren Plätze, das Licht der untergehenden Sonne und die langen Schatten erinnern an die geheimnisvolle, gefrorene Atmosphäre Mitte August im römischen Stadtteil Eure. Die Architektur in de Chiricos Gemälden lässt die Architektur der faschistischen Zeit ahnen: rational, entmannt, kalt, als ob sie dazu bestimmt wäre, verlassen zu werden oder in die ebenso metaphysischen wie mysteriösen Filme von Michelangelo Antonioni zu migrieren. Doch anders als in dessen Filmen, in denen die Zeit, wenn auch sehr langsam, vergeht, scheint sie in de Chiricos Gemälden eingefroren zu sein. Es ist unmöglich, vor ihnen einzuschlafen, außerdem löst ihre kalte Atmosphäre beim Betrachter ein seltsames Gefühl der Angst aus.

„Nachmittagsmelodie“

© Giorgio de Chirico

Tatsächlich hat die Metaphysik mit der Malerei wenig gemein. Es wurde vom Philosophen Aristoteles erfunden, um uns die Welt der Ideen und nicht die Geschichte der Kunst zu erklären. De Chirico nutzte dieses Konzept nur, um zu entscheiden, ob ein Gemälde etwas erzählen kann, das man nicht sehen kann – also eine Idee, die nur in unseren Köpfen existiert. „Das Rätsel eines Herbsttages“ (1909), das Florenz ein Jahr nach dem Unfall wie Tschernobyl darstellt, ist in der Tat mehr als nur ein Gemälde, sondern vielmehr ein Geisteszustand, eine Erinnerung, ein Erlebnis, eine Melancholie oder etwas Ähnliches Titelseite einer Gedichtsammlung Leopardi.

De Chirico zog die fiktive Welt der Darstellung der realen Welt vor. Er hat in seinem Leben genau das Gleiche getan: Wenn ihm etwas daran nicht gefiel, tat er einfach so, als ob es nicht existierte, oder ließ sich etwas Besseres einfallen. Beispielsweise zog er es vor, die metaphysische Malerei auf das Jahr 1910 zu datieren und Florenz und nicht Mailand als Geburtsort zu bezeichnen. De Chirico mochte Milan nicht, der ihn an ein freches Mädchen erinnerte. Aber er vergötterte Florenz und Turin – zwei übergewichtige Herren mittleren Alters. Später sollte er die Verkörperung seiner geliebten Städte Florenz und Turin finden, zunächst in der russischen Ballerina Raisa Gurewitsch, die er 1924 heiratete, und dann in Isabella, Isa, einer weiteren russischen Emigrantin, die er 1932 kennenlernte und von der er sich bis zuletzt nicht trennte seines Lebens. Iza war nicht nur seine Frau, sondern auch seine Managerin und Mutter, von der der Künstler wie ein kleines Kind abhängig war. Mit ihr zog er nach Rom, in eine Wohnung an der Piazza di Spagna, wo er bis zu seinem Tod lebte.

„Nachmittagsmelodie“

© Giorgio de Chirico

Doch zuvor reiste de Chirico, wie jeder Künstler mit Selbstachtung zu Beginn des 20. Jahrhunderts, nach Paris, um Picasso zu treffen und seine Zustimmung zu erhalten, um in den Kreis von Apollinaire und den Surrealisten, Dichtern und Künstlern einzutreten. In Paris wurden seine Werke so ikonisch, dass sogar Künstler wie Salvador Dali begannen, sie nachzuahmen. Doch als er beschloss, seinen Stil zu ändern, wurde er vom Kopf der Bewegung, dem Dichter André Breton, sofort wegen Verrats an der Sache des Surrealismus ausgeschlossen. Der offenbar auch sehr unzufrieden mit dem gestiegenen Interesse der Pariser Intellektuellen an manchen Italienern war.

„Innere Metaphysik mit dem Kopf des Merkur“

© Giorgio de Chirico

De Chiricos beste Werke entstanden in zehn Jahren, von 1909 bis 1919. Dann beginnt er wirklich zu altern, erklärt sich selbst zum Antimodernisten und wird so gegen seinen Willen zum Vorboten der Postmoderne. Niemand konnte die Bedeutung dieses unverständlichen Begriffs, der Mitte der 70er Jahre sehr in Mode kam, wirklich erklären – außer dass er es ermöglichte, nach und nach verschiedene Stile zu vermischen und so Werke von nicht sehr gutem Geschmack, Kitsch, zu schaffen.

Wie die meisten Künstler wurde de Chirico erst spät verstanden: Seine erste Ausstellung wurde erst 1919 in der Galerie Bragaglia in Rom eröffnet. Aber auch das einzige Gemälde darauf wurde verkauft, und Roberto Longhi, dessen einziges Wort damals über das Schicksal des Künstlers entschied, attackierte ihn mit Kritik. Tatsächlich hatte Longhi nicht ganz Unrecht. Mit der Zeit verloren die Gemälde von de Chirico allmählich ihre geheimnisvolle Aura und ähnelten zu sehr Illustrationen zur Ilias, manchmal ähnelten sie komplexen Haufen.

„Archäologen“

© Giorgio de Chirico

1935 reiste er nach New York, wo er enormen Erfolg und eine Zusammenarbeit mit Vogue und Harper's Bazaar erlebte. Mit Ausbruch des Zweiten Weltkriegs kehrte er nach Europa zurück und begann, Selbstporträts im Kostüm eines Herrn aus dem 17. Jahrhundert zu malen. Damit trat er in seine „Barock“-Periode ein und zeigte dabei entweder einen außergewöhnlichen Sinn für Humor oder erste Anzeichen von Demenz . Dann begibt sich der Künstler auf Anregung seiner Frau in die schlechte Angewohnheit, seine Bilder mit falschen Daten zu versehen, was schließlich alle, auch ihn selbst, verwirrt und nicht mehr zwischen Fälschungen und Originalen unterscheiden kann. Ob er zum Senilen oder zum Betrüger wurde, werden wir nie erfahren, aber als er auf sein eigenes Gemälde stieß, das ihm nicht mehr gefiel, schrieb er „Fake“ darauf – um Missverständnisse zu vermeiden und dadurch
den Markt ernsthaft stören.

Aber die Zeit ist immer noch großzügig, und in den 60er und 70er Jahren beginnt unser großer Künstler, trotz der Verbreitung einer großen Anzahl von Fälschungen mit seiner Signatur auf dem Markt, Aufmerksamkeit, Ehrungen und Anerkennung zu erhalten.

Es wird in renommierten Museen ausgestellt. Er begann erneut, im neu in Mode gekommenen Stil der Metaphysik zu malen und schreckliche Skulpturen aus Bronze zu schaffen – eine obligatorische Bühne für alle berühmten Künstler seiner Generation. Nachdem de Chirico die Tiefe des Mysteriums und den rebellischen Geist der Jugend verloren hat, entdeckt er die Gelassenheit des Alters und die einfache Freude am Komponieren von Rätseln und Scharaden. Daher ist die Malerei der letzten Jahre eher ein Rätsel als ein Rätsel. Viele Künstler nachfolgender Generationen werden sich von seinen Werken inspirieren lassen, darunter auch der Transavantgarde-Künstler Sandro Chia. Und selbst Fumito Ueda, der Schöpfer der PlayStation 2, würdigte de Chirico mit seinen Bestsellern Ico und Shadow of Colossus.

Giorgio de Chirico lebte zurückgezogen und spielte sich selbst, die einzige Figur der Kunstgeschichte. Er starb am 20. November 1978 im Alter von neunzig Jahren. Zu diesem Zeitpunkt werden seine metaphysischen Plätze nicht mehr verlassen sein: Sie werden mit Studenten und mobiler Polizei gefüllt sein. Anstelle einer leichten Westbrise verstärkte sich eine bleierne Schwere. In Zeiten des revolutionären Aufschwungs braucht niemand die zeitlose Nachdenklichkeit der Architektur von Giorgio de Chirico oder seiner Schaufensterpuppen.

Giorgio de Chirico, der herausragende italienische surrealistische Künstler und Begründer der metaphysischen Malerei, wurde in Griechenland geboren und wuchs dort auf, und vielleicht ist es diese Tatsache, die ihn so sehr von seinen Kollegen in der Werkstatt unterscheidet.
De Chirico ist vielmehr nicht einmal ein Surrealist – er ist ein Unrealist, seine Realität ist nicht surreal, sie ist unwirklich, wie in einem Traum. Er ist der Herr der Träume, nicht der Schöpfer einer anderen Realität. Die Handlung auf seinen Leinwänden spielt sich in einer anderen Dimension ab – in der Dimension der Träume.

De Chirico „Melancholie und Geheimnis der Straße“, 1914 – blog.i.ua

Aus irgendeinem Grund fällt einem beim Betrachten der Gemälde von Giorgio de Chirico als Erstes ihre Ähnlichkeit mit den Romanen von Vladimir Nabokov ein. Der gleiche erweiterte, endlose Raum, die gleiche Abwesenheit von Ton: Es gibt ein Bild, aber keinen Ton. Wie oft hast du im Schlaf lautlos geschrien? Befinden Sie sich in einem Raum ohne Wände, Decke und Boden?

Wenn man de Chiricos Gemälde betrachtet, verspürt man keinen Moment Verwirrung oder ein schweres Gefühl: Sie sind leicht, wie die leichte, strenge, geizige griechische Antike, in der de Chirico aufgewachsen ist, da er im Griechischen geboren wurde Stadt Volos am Ufer des Pagasäischen Golfs.

De Chirico „Nostalgie für das Unendliche“ – http://blog.i.ua

Wir haben Giorgio de Chirico aus mehreren Gründen zur „Person der Woche“ gemacht: Erstens, weil er durch eine Nabelschnur mit Griechenland verbunden ist, wie ein Sohn mit seiner Mutter, und diese Verbindung sich wie ein roter Faden durch seine Kunst zieht, und zweitens, weil weil in diesem Jahr gleich zwei Jubiläen von de Chirico gefeiert werden – 130 Jahre nach seiner Geburt und 35 Jahre nach seinem Todestag, und drittens – weil de Chiricos Privatleben auch etwas mit Russland zu tun hatte... durch seine beiden russischen Frauen!

Um ganz ehrlich zu sein: Das Bild von Giorgio de Chirico tauchte in unserer Erinnerung im Zusammenhang mit der kürzlichen Nachtfahrt des legendären Mudzurisa-Zuges (Koptelki) entlang der historischen Eisenbahnlinie auf, die zu Beginn die Dörfer des Berges (und der Halbinsel) verband des 20. Jahrhunderts. Pilion, wo in mythologischen Zeiten Zentauren lebten.

Was die Verbindung zwischen dem Meister der Malerei, dem Italiener de Chirico, und der provinziellen „Koptelka“ ist, verraten wir Ihnen im Folgenden.

Lebendige Mythologie

Es war Evaristo, dessen Name im griechischen Thessalien noch immer mit freundlichen Worten in Erinnerung bleibt, der auf dem Pilion inmitten dichter Kiefern-, Eichen- und Zedernwälder eine Niederlassung errichtete, wo, wie die Alten sagen, bis heute besonders empfindliche Ohren hören können das Klappern der Hufe der Zentauren. Es war Evaristo de Chirico zu verdanken, dass „Muzouris“, „Koptelka“, von Dorf zu Dorf Pilion lief und so den Bewohnern von Pilion die Fortbewegung erleichterte.

Selbstporträt. Foto von der Website - uploads4.wikipaintings.org

Von den beiden Söhnen der Familie de Chirico wurden weder der älteste Giorgio noch der jüngere Andrea Ingenieur, wie ihr strenger Vater es wünschte. Streng, aber nicht tyrannisch: Er störte nicht nur die Leidenschaft seiner Kinder für die Kunst, sondern ermutigte sie im Gegenteil, Malerei, Musik und Literatur zu studieren. Und wenn er noch etwas länger gelebt hätte – und Evaristo 1905 gestorben wäre – wäre er wahrscheinlich stolz auf seine pädagogischen Talente und seine elterliche Toleranz gewesen. Giorgio wurde ein herausragender Maler, Andrea, der das Pseudonym Alberto Savigno annahm, wurde ein berühmter Schriftsteller, Theoretiker der metaphysischen Kunst, Musiker und Künstler. Zwar lebte Andrea, der nur drei Jahre jünger als Giorgio war, 26 Jahre weniger auf dieser Welt: Er starb 1952 im Alter von 61 Jahren. Gerade in der Kürze seines Lebens war er wie sein Vater...

Und doch war Evaristo ein Künstler. Lassen Sie ihn ein Künstler in Metall sein, ein Künstler lebendiger Gemälde, die sich vor dem Hintergrund einer lebendigen, erstaunlich schönen Landschaft bewegen. Er war ein Schöpfer, ein Bändiger der Natur.

„Ich verbrachte meine ersten Jahre im Land des Klassizismus und spielte an den Ufern, die an das Schiff „ARGO“ erinnern, das noch auf seiner Reise war, am Fuße des Berges, der Zeuge der Geburt des schnellfüßigen Achilles und der weisen Anweisungen war seines Lehrers, des Zentauren“,- Dorgio de Chirico schrieb in seiner Autobiographie, wie Achilles mit der antiken griechischen Weisheit erzogen wurde.

Beide großen de Chirico-Brüder verweilten tief in ihrer Seele in ihrer Kindheit, die nicht einmal mit dem Umzug nach Athen im Jahr 1899, sondern mit dem Tod ihres Vaters und der Abreise nach München endete. Für beide wird Griechenland ein Symbol der Unschuld und des wolkenlosen Glücks bleiben, jener Zeit, in der es wie in einem Kunstwerk „keine Logik geben sollte“, wie Giorgio de Chirico argumentierte. Andrea de Chirico, genauer gesagt Alberto Savigno, erzählte seinen Lesern 1919 in seinem gleichnamigen Gedicht von der „Tragödie der Kindheit“, genauer gesagt von der verlorenen Kindheit, als ob das verlorene Paradies wäre:

„Sei ruhig und ruhe dich aus. Hier ist es ruhig
Die Stimme des Lebens. Alte Klage
Das sterbende Echo wird später zurückkehren,
Der Moment, in dem der Zauber stirbt.
Verneige dich vor dem unveränderlichen Frieden,
In dem es schmilzt und seine Magie verliert,
Gesang der Sirene.
Schneller als zu den rufenden Küsten
Du wirst landen, sie werden ins Exil gehen,
In Nebel gehüllt, Mitgefühl
Geliebte Töchter – Hoffnungen

Übersetzung von Katerina Kanaka

Wir wissen nicht, wie sich das kreative Schicksal von Giorgio de Chirico entwickelt hätte, wenn er in Griechenland geblieben wäre und sein Studium am Polytechnikum bei den herausragenden griechischen Lehrer-Malern Giorgos Iakovidis und Constantine Volonakis abgeschlossen hätte, in deren Werkstätten er zwei Jahre verbrachte. von 1903 bis 1905. Der Umzug nach München und an die Münchner Akademie der Künste hat den realistischen Künstler Giorgio de Chirico jedenfalls nicht hervorgebracht. Er wurde von Paris erobert, wo er zu seinem Bruder zog und wo er Andre Breton, Guillaume Apollinaire und Pablo Picasso traf.

De Chirico „Archäologen“. Foto von der Website - smallbay.ru/chirico.html

Antike Kunst, Träume von Griechenland, Erinnerungen und ein ausgeprägtes Gefühl der Einsamkeit, verschwommene Grenzen zwischen Realität und Träumen wurden zum Material, aus dem Giorgio de Chirico seine Gemälde schuf. Mitten auf seiner Lebensreise – zusammen mit seiner russischen Frau Raisa Gurevich und in den letzten 45 Jahren seines Lebens – mit seiner russischstämmigen Frau Isabella Pakszver.

Russische Ehefrauen von Giorgio de Chirico

Giorgio de Chirico lernte seine erste Frau, die Ballerina Raisa Gurevich, 1923 in Italien im Pirandello-Theater während einer Inszenierung von Igor Strawinskys Stück „Die Geschichte eines Soldaten“ kennen: Der Künstler schuf die Kulisse, die Ballerina tanzte. Im nächsten Jahr heirateten sie, zogen nach Paris und Raisa verließ das Ballett, um sich ihrem talentierteren Ehemann zu widmen. Doch die Rolle einer Hausfrau passte ihr nicht ganz: Da sie sich für Archäologie interessierte, absolvierte sie die Abteilung für klassische Archäologie an der Sorbonne. Eine kreative Frau konnte sich nicht mit der Rolle der Ehefrau eines Genies zufrieden geben: Sie hatte genug Kraft, um ihren Beitrag zu leisten, wenn auch nicht zur Kunst, sondern zur Wissenschaft, und sie hat es geschafft.

Nachdem sie sich Anfang der 30er Jahre von de Chirico getrennt hatte, zog die ehemalige Ballerina und erfahrene Archäologin nach Italien. Die letzte Ehe von Raisa Gurevich mit dem Direktor der archäologischen Expedition, dem herausragenden italienischen Archäologen Guido Calza, war fruchtbarer: Raisa Gurevich Calza selbst wurde eine herausragende Wissenschaftlerin und Historikerin, deren Beitrag zur Wissenschaft von der italienischen Regierung hoch geschätzt wurde, die sie auszeichnete ihr eine Goldmedaille für ihren Beitrag zur italienischen Kultur.

Bemerkenswert ist, dass Raisa Gurevich-Calza, die weniger als zehn Jahre nach ihrer Heirat im Jahr 1946 verwitwet war, Giorgio de Chirico nur um ein Jahr überlebte und wie die Künstlerin auf einem römischen Friedhof beigesetzt wurde.

Nach der Trennung von Raisa Gurevich heiratete Giorgio de Chirico 1933 zum zweiten Mal Isabella Pakszver, eine Frau mit russischen Wurzeln, mit der er bis zu seinem Lebensende zusammenlebte.

Wir konnten praktisch nichts über sie finden. Vielleicht nur in einem kurzen Artikel von Konstantin Korelov „Paradoxe der Malerei“. Es wird nicht der Name von „de Chiricos Frau“ genannt, sondern es bezieht sich speziell auf Isabella Paxzver:

„Boris Messerer, heute Volkskünstler Russlands und in den 60er Jahren des letzten Jahrhunderts ein aufstrebender Theaterdekorateur, besuchte einst Giorgio de Chirico in Rom. Messerers Memoiren charakterisieren anschaulich die letzten Jahre des italienischen Künstlers.

„Als wir die Wohnung betraten, waren wir schockiert über den Luxus der Einrichtung. An den Wänden hängen riesige Gemälde in goldenen Rahmen, die einige Pferde und nackte Frauen auf diesen Pferden zeigen, die irgendwohin rasen. Handlungsstränge mit barockem Inhalt, die nichts mit metaphysischer Malerei zu tun haben. Ein ganz anderer Chirico – Salon, luxuriös, aber absolut keine avantgardistischen Ideen.“

Chirikos Frau fungierte bei dem Treffen als Übersetzerin, es kam jedoch zu keinem Gespräch. Die Gäste verlangten, ihnen „die“ Gemälde zu zeigen, die dem Maler einen Namen machten, aber die Frau zeigte hartnäckig mit dem Finger auf die akademischen Kleckse, die an den Wänden hingen, und behauptete, dies sei der wahre Chirico.

De Chirico „Schule der Gladiatoren“ – http://blog.i.ua

„Plötzlich geht Signor de Chirico irgendwohin und bringt plötzlich zuerst ein Bild hervor – eine kleine metaphysische Komposition, dann ein zweites, drittes, viertes und legt sie einfach so auf den Boden im Flur. Er verstand, wovon wir redeten! Wir sind schockiert, das sind die Bilder, die wir sehen wollten! Seine Frau war mit dieser ganzen Situation sehr unzufrieden. Und dann stellte sich heraus, dass sie mit Furtseva, unserer damaligen Kulturministerin, befreundet war und sie dieselbe Sprache sprachen, die Sprache des sozialistischen Realismus. Sie hatten eine ideologische Freundschaft, und Madame wollte keine Avantgarde kennen ...“

Das ist die Geschichte! Isabella Pakszver war eine Freundin von Ekaterina Furtseva!

Wahrlich, die Wege des Herrn sind unergründlich!

Genau wie die Wege der Kunst!

Der Film „Paradox“ handelt von Giorgio de Chirico. Quelle – www.youtube.com/paradoxirina

2. Februar 2012, 22:40 Uhr

Ich wollte einige der „metaphysischen“ Landschaften von Giorgio de Chirico, die in den 10er und 20er Jahren des letzten Jahrhunderts gemalt wurden, und die surrealen Landschaften von Salvador Dali, die fünfzehn bis zwanzig Jahre später entstanden, an einem Ort sammeln. Es ist interessant zu sehen, wie sich de Chiricos Ideen in Dalis Werk widerspiegelten. Darüber hinaus kennt jeder in Russland Dali und relativ wenige kennen de Chirico.

Der italienische Künstler Giorgio de Chirico (1888 – 1978) wurde durch seine Werke im Stil der sogenannten „metaphysischen Malerei“ berühmt. Die Hauptmethode der Metaphysik war der Kontrast zwischen einem realistisch genau dargestellten Objekt und der seltsamen Atmosphäre, in der es platziert war, was einen surrealen Effekt erzeugte. Der Begründer dieser Strömung war de Chirico selbst, später bildete sich eine kleine Gruppe gleichgesinnter Künstler. In den frühen 20er Jahren des 20. Jahrhunderts verschwand die metaphysische Bewegung praktisch von der Bildfläche.

Ich möchte gleich vorbehalten, dass meine Ausführungen keineswegs einen Anspruch auf kunsthistorische Analyse darstellen, sondern nur ein Versuch, meine Eindrücke auszudrücken, mehr nicht.

Hier ist eines der ersten bekannten Werke von de Chirico:

Giorgio de Chirico. Das Geheimnis der Ankunft und des Nachmittags, 1912

Die Landschaft ist betont geometrisch, der Himmel ist sauber mit gleichmäßigen horizontalen Strichen gemalt, übertriebene gerade Schattenlinien und ein Schachbrett betonen grotesk die Einhaltung der Gesetze der Perspektive – all dies verleiht der Landschaft eine faszinierende Leblosigkeit und entfremdet und grenzt sie von der lebendigen Realität ab . Die Figuren zweier selbstverliebter Menschen erzeugen einen Traumeffekt.

Giorgio de Chirico. Melancholie eines schönen Tages, 1913

Übertriebene Perspektive, Himmel mit gleichmäßigen Strichen gemalt. Hier sehen wir zwei Elemente, die in vielen Landschaften von de Chirico vorkommen: die Kolonnade und die Statue. Beachten wir auch, dass die Elemente der Landschaft (Gebäude, Person, Statue) auf einer nahezu idealen geometrischen Ebene platziert sind. Dadurch scheint es, als würde die Landschaft in einzelne Artefakte zerfallen – eine Assoziation entsteht nicht mit der Realität, sondern mit der Ausstellung von Skulpturen in der Ausstellungshalle.

Giorgio de Chirico. Piazza d'Italia, 1914, Und Piazza d’Italia (Herbstmelodie), 1914

Und wieder – übertriebene Perspektive, flacher Himmel, Kolonnaden, Statuen, ideale Ebenheit der Landschaft. Beachten wir zwei weitere Elemente, die sich in de Chiricos Gemälden wiederholen – die Rotunde und die wehenden Fahnen (beide sind beispielsweise im obigen Gemälde von 1912 vorhanden).

Um die flache Oberfläche noch mehr hervorzuheben, platziert de Chirico oft Objekte auf einer Art Plankenplattform oder skizziert einfach die Ebene selbst:

Giorgio de Chirico. Unruhige Musen, 1916, Und Der große Metaphysiker, 1917

Salvador Dali erschien erstmals 1926 in Paris und sah offenbar etwa zur gleichen Zeit die Werke von de Chirico. Bald ändert Dali seinen künstlerischen Stil: Er hört auf, sich im Geiste des Kubismus zu bewegen, und beginnt, Landschaften zu malen, die kompositorisch an die Gemälde von de Chirico erinnern:

Salvador Dalí. Phantasmagorie, 1929

Eine endlos gesäumte Fläche, auf der Säulen, Statuen und seltsame Gegenstände platziert sind – das alles haben wir in de Chirico gesehen.

Salvador Dalí. Brunnen, 1930

Salvador Dalí. Paranoide Pferdefrau, 1930

Im letzten Bild sehen wir übrigens direkte Bezüge zu de Chirico: den roten Turm im Hintergrund oben links und den Fuß einer riesigen roten Säule. So sieht de Chirico aus:

Giorgio de Chirico. Roter Turm, 1913, Und Eroberung des Philosophen, 1914

Indem er de Chiricos geliebtes Bild eines roten Turms/Rohrs und einer Hooligan-Kanone mit zwei Kanonenkugeln aus dem Gemälde „Die Eroberung des Philosophen“ kombiniert, zeichnet Dali die folgende Komposition:

Salvador Dalí. Roter anthropomorpher Turm, 1930

Auch die typische de Chirico-Flagge oben auf dem... hmm-hmm...-Gebäude wurde nicht vergessen. Im Allgemeinen liebte Dali Witze – das ist allgemein bekannt.

Lassen Sie uns ein weiteres Beispiel für die thematische Überschneidung zwischen de Chirico und Dali geben (das Thema ist Archäologie, das Bild ist eine Mischung aus menschlichen Figuren und Gebäuden):

De Chirico, Archäologen, 1927, Und Dali, Archäologische Echos von Millets Angelus, 1935

Ein weiteres Beispiel für den Appell künstlerischer Bilder von de Chirico und Dali:

Giorgio de Chirico. Belohnung der Wahrsagerin, 1913, Und Das Geheimnis und die Melancholie der Straße, 1913

Salvador Dalí. Morphologisches Echo, ca. 1936

Der Bogen auf der rechten Seite des Bildes weckt Assoziationen an den Bogen aus „Der Lohn des Wahrsagers“ und das Mädchen mit dem Reifen verwandelte sich in ein Mädchen mit einem Springseil – ein Bild, das in Dali auf mehreren Leinwänden zu finden ist (in Anlehnung an de Chirico, Dali hat sich angewöhnt, sein Lieblingsbild in verschiedenen Gemälden zu wiederholen). In „Morphological Echo“ nutzte Dali eine seiner Lieblingstechniken: Dasselbe Objekt wird in verschiedenen Gestalten präsentiert (die Silhouette einer Glocke im Torbogen wiederholt fast genau die Silhouette eines Mädchens mit einem Springseil). Dieselbe Technik sehen wir in einem der berühmtesten Gemälde Dalis:

Salvador Dalí. Metamorphose der Narzisse, 1937

Achten wir auf den Bereich mit einem Schachkäfig auf der rechten Seite des Bildes – es besteht eine direkte Verbindung zu de Chiricos Gemälde von 1912, das ganz am Anfang dieses Artikels gezeigt wird.

Aber hier ist nur eine Landschaft im Geiste von de Chirico, die Dali 1935 zu malen begann – aber nicht vollendete:

* * *
Ab 1920 entfernte sich Giorgio de Chirico allmählich von der „metaphysischen“ Landschaft in ihrer reinen Form, die Kompositionen seiner Gemälde wurden komplexer und der Stil klassischer:

Giorgio de Chirico. Römischer Platz (Merkur und Metaphysik), 1920

Giorgio de Chirico. Abzug der Argonauten, 1921

Giorgio de Chirico. Seltsame Reisende (Romanische Landschaft), 1922

Giorgio de Chirico. Küste von Thessalien, 1926

In den Gemälden „Romanischer Platz“, „Romanische Landschaft“ und „Die Küste von Thessalien“ sehen wir neue (im Vergleich zu den Gemälden der 10er Jahre) sich wiederholende Elemente: Statuen und Menschen auf den Dächern.

Seit den späten 20er Jahren malte de Chirico hauptsächlich Landschaften im neobarocken Stil. Bis ins hohe Alter fertigte er jedoch von Zeit zu Zeit gern Kopien von Werken seiner Frühzeit an.

In der Tretjakow-Galerie wurde eine weitere grandiose Ausstellung eröffnet – eine Retrospektive von Giorgio de Chirico, dem Pionier der metaphysischen Malerei und Vorläufer des Surrealismus. Bevor wir durch die Ausstellung „Metaphysical Insights“ gingen, beschlossen wir, das Interessanteste über de Chiricos Werk zu sammeln und seine Arbeit mit den Augen von Experten zu betrachten.

Metaphysik von Chirico

„Der Metaphysiker Giorgio de Chirico wurde 1910 in Florenz geboren, als er das Gemälde „Das Rätsel eines Herbstnachmittags“ malte, in dem er das Bild des Dante-Denkmals auf der Piazza Santa Croce auf mysteriöse Weise überarbeitete. Das Gemälde war der erste Schritt einer Bildsuche, die in der italienischen Kunst der ersten Hälfte des letzten Jahrhunderts einen zentralen Platz einnahm. De Chirico wandte sich der Metaphysik zu, weil er das Bedürfnis verspürte, zur Malerei der „Handlung“ zurückzukehren, die sie während der fauvistischen und kubistischen Revolution völlig verloren hatte – einer Revolution, die sich auf die Form konzentrierte und den Weg zur abstrakten Kunst ebnete. De Chirico macht eine echte Revolution: Er kontrastiert die offen dargelegte Erzählhandlung, die die Malerei veranschaulichen soll, mit einer schwer fassbaren, mysteriösen Handlung. Die Handlung wird zum Mysterium.“ Maurizio Calvesi, Kunsthistoriker.

Archäologie von Chirico

„In de Chiricos metaphysischen Gemälden erscheint eine Architektur, die in ihrer Atmosphäre magisch ist, ähnlich wie sie in den Gemälden des italienischen Quattrocento zu sehen ist. De Chirico, der in Griechenland aufgewachsen ist, entwickelte seit seiner Kindheit einen „Gespür für Archäologie“, der ihm half, die vielschichtige Natur unseres Bewusstseins zu erkennen, die Fragmente, die es füllen – diese Fragmente bleiben lange Zeit unbemerkt und dann plötzlich aus irgendeinem unbekannten Grund an die Oberfläche schwimmen. Diese teilweise verlorene Welt erscheint in halbleeren Räumen, begrenzt von Loggien und Bögen, in langen Schatten, die zur Mittagszeit fallen, in Stille. Auf der „Piazza d’Italia“ tauchen dieselben Figuren auf, zum Beispiel die traurige Ariadne aus den Vatikanischen Museen, Schaufensterpuppen und Zeichenwerkzeuge. Wiederholte Elemente würden es de Chirico 1917 ermöglichen, eine Theorie zu entwickeln, die auf der Idee der ewigen Wiederkehr basiert: Sie kommt am deutlichsten in der unmöglichen Umarmung zum Ausdruck, die sich auf die Geschichte von Hector und Andromache (1917) bezieht.

De Chirico und die Vergangenheit

„Seit 1968 beschäftigt sich de Chirico mit formalen Elementen anderer Künstler, lässt sie wieder aufleben und kombiniert sie in seinem Werk. Dahinter steckte ein offen analytischer Ansatz. De Chirico nutzte zahlreiche Elemente der künstlerischen Tradition, die von den „Primitiven“ über die Meister der Renaissance und des Barock bis hin zu den großen Landschaftsmalern der Wende vom 17. zum 18. Jahrhundert reicht. Am Ende dieser Reise in die Vergangenheit kam er nicht umhin, seine eigene Arbeit als Maler zu überdenken, die er vor über einem halben Jahrhundert begann und mit der er die berühmte Metaphysik schuf.“ Gianni Mercurio, Kunsthistoriker.

De Chirico und Sergei Diaghilew

„1929 nahm der Künstler Diaghilews Angebot an, Bühnenbildner für das Ballett „Der Ball“ zu werden, und ging nach Monte Carlo, wo die Inszenierung geplant war. In seinen Memoiren schrieb er: „Diaghilew, ein Balletttänzer, lud die bedeutendsten Künstler ein, Bühnenbilder und Kostüme zu malen. Ich wurde auch zu einem Ballett namens Le Bal zur Musik des Komponisten Rietti eingeladen; Dieses Ballett wurde im Frühjahr 1929 in Monte Carlo und im Sommer in Paris im Sarah Bernhardt Theater aufgeführt. Es war ein großer Erfolg; Gegen Ende rief das applaudierende Publikum: „Sciricò! Sciricò! Ich war gezwungen, auf die Bühne zu gehen, um mich zusammen mit Rietti und den Haupttänzern zu verbeugen.“ Diaghilew war nicht der einzige russische Unternehmer, der sich an de Chirico wandte: In den 1930er Jahren wurde Nikolai Benois Produktionsleiter der Mailänder Oper und lud de Chirico zusammen mit anderen berühmten italienischen Künstlern ein, Aufführungen zu entwerfen.“

De Chirico und Kasimir Malewitsch

Kasimir Malewitsch war der erste, der sich für de Chirico interessierte und auf seine Kunst reagierte. In den späten 1920er Jahren beschäftigte er sich mit post-suprematistischen Experimenten und integrierte die künstlerischen und philosophischen Prinzipien des Suprematismus in die figurative Kreativität. Malewitsch war an ähnlichen Forschungen in diesem Bereich interessiert, und de Chirico erwies sich als einer dieser Meister – obwohl sich seine Bildhaftigkeit nicht aus den Avantgarde-Bewegungen des 20. Jahrhunderts entwickelte, berücksichtigte sie deren Errungenschaften. Von dem gesamten Arsenal von de Chiricos Kunst (in den 1920er Jahren wandte er sich dem Neoklassizismus zu, was die Empörung der Surrealisten hervorrief) passte zu dieser Zeit die metaphysische Malerei am meisten zu Malewitschs Bestrebungen und löste plastische und figurative Probleme der Objektivität innerhalb und außerhalb des Rahmens der Geist des modernen Verständnisses der Aufgaben der Kunst. Tatyana Goryacheva, Kuratorin der Giorgio de Chirico-Ausstellung in der Tretjakow-Galerie.

Wie ähneln sich de Chirico und Cindy Sherman?

„In den späten 1980er Jahren arbeitete Cindy Sherman an historischen Porträts. In diesen Farbfotografien stellt Sherman unter Verwendung von Prothesen, Masken und Make-up (die allesamt hervorgehoben und nicht versteckt werden) eine lange Reihe von Porträts und Gemälden aus der Vergangenheit nach – von denen einige tatsächlich existieren (der Künstler greift beispielsweise auf das Werk zurück). von Caravaggio, Fouquet usw.), andere sind fiktiv. Sherman fotografiert sich selbst, kreiert inszenierte Kompositionen, agiert wie eine Regisseurin, strukturiert die Szene sorgfältig – alles ist glaubwürdig und unecht zugleich. Das Thema Verkleidung war dem Künstler von Anfang an wichtig. Dies spiegelt deutlich die Art und Weise wider, wie de Chirico nicht nur Elemente recycelte, die er aus Porträts der Vergangenheit entlehnt hatte, sondern auch, wie er die Entlehnung dadurch betonte, dass er tatsächlich historische Kostüme anprobierte. Gianni Mercurio, Kunsthistoriker.

Basierend auf der Veröffentlichung „De Chirico. Nostalgie für die Unendlichkeit. Staatliche Tretjakow-Galerie.

Der italienische Künstler Giorgio de Chirico ist einer der geheimnisvollsten Künstler der Kunstgeschichte. Seine frühe Malerei (1910–1919), die er Metaphysik nannte, eine Entdeckung, die nicht weniger radikal war als der Kubismus, nahm die Entstehung des Surrealismus vorweg und brachte ihm einen Ruhm ein, der mit dem von Picasso vergleichbar war. Kein Wunder, dass man damals schrieb: „Zwei Phänomene dominieren die Kunst des 20. Jahrhunderts: Picasso und Chirico.“ Allerdings in den 1920er Jahren. Der junge Künstler verzichtet unerwartet auf seine eigene Idee und wendet sich dem Klassizismus zu – ein einzigartiger Fall.

Ein unerklärlicher Zickzack in seinem Werk führte laut einigen Kritikern dazu, dass Chirico langsam in den mittelmäßigen Manierismus abrutschte. Andere waren der Meinung, dass er durch den Dialog mit den großen Klassikern bewusst das zweideutige Terrain des Kitschs erkundete, der für ihn zum Synonym für Postmoderne geworden war. „Wenn ich wie Seurat mit 31 Jahren oder wie Apollinaire mit 39 Jahren gestorben wäre, würde ich heute als einer der bedeutendsten Maler des Jahrhunderts gelten. Wissen Sie, was diese dummen Kritiker sagen würden?! Dass der größte surrealistische Künstler nicht Dali, nicht Magritte, nicht Delvaux ist, sondern ich, Chirico!“ - bemerkte einmal ein Italiener ironisch. Er hatte ein langes Leben vor sich; er starb 1978 im Alter von 90 Jahren.

In der Landschaft der Kindheit

Der Künstler wurde 1888 in Griechenland geboren, dem Land der Götter und Helden, wo jeder Stein mit Legenden bedeckt ist. Die Antike war der vertraute Schauplatz seiner Kindheit. Sein Vater, Baron Evaristo de Chirico, ein florentinischer Ingenieur und Eisenbahnbauer, vermittelte seinen Söhnen eine Vorliebe für die klassische Kultur. Ihre Mutter stammte aus einer genuesischen Adelsfamilie und war kunstbegeistert.

Seine Eltern erkannten schon früh die Fähigkeiten des Jungen: Im Alter von drei Jahren erhielt Giorgio seinen ersten Zeichenunterricht und mit zwölf Jahren malte er sein erstes Gemälde in einem Malkurs an der Polytechnischen Schule von Athen. Das hier begonnene Studium musste er abbrechen: Nach dem Tod seines Vaters zog die Familie nach München, wo Giorgio Student an der Kunstakademie wurde. Er interessiert sich für die Malerei Arnold Böcklins, die Musik Wagners und liest Schopenhauer und Nietzsche. Ihr düsteres Weltbild – eine Prophezeiung des Niedergangs der Zivilisationen, die Verherrlichung eines Universums, das weder den Menschen noch den Humanismus braucht – wurde zur philosophischen Grundlage der Malerei von Chirico, der am Vorabend den Weg der Kreativität einschlug der erste Weltkrieg.

In Italien angekommen, ging Giorgio 1910 nach Florenz, wo er Stadtlandschaften mit Kirchenfassaden, Brunnen, leeren Turmhüllen, Arkaden und Säulen malte. In seiner fantastischen Welt aus stehengebliebener Zeit und eingefrorener Bewegung erheben sich auf den Plätzen Reiterstatuen unbekannter Anführer, unzählige Galeriebögen erstrecken sich bis zu den fernen Horizonten, ihre Portiken werden von einem hellen, fast elektrischen Licht beleuchtet. Hier herrscht eine Atmosphäre der Leere, der Erwartung und des Mangels an Leben – es ist eine Phantomstadt. Alle architektonischen Formen auf menschenleeren Flächen sind der Kraft der Konfrontation zwischen Licht und Schatten ausgeliefert, ihr scharfer Kontrast erweckt den Eindruck einer wiederbelebten Vision, einer seltsamen Performance, die sich nach der Logik eines Traums entwickelt. „Wenn Gustav Moreau, Arcimboldo oder Bosch Träume illustrierten, dann lässt uns Chirico in seinen Traum eintauchen“, schrieben die Kritiker.

Gefühl des Mysteriums

In seinen Memoiren erinnerte sich Chirico an seine ersten Schritte in der metaphysischen Malerei: „Ich versuchte, in meinen Motiven das Gefühl des Mysteriums auszudrücken, das ich beim Lesen von Nietzsches Büchern verspürte. Es ähnelt der Melancholie klarer Herbsttage, der Nachmittagsstille sonnenbeschienener italienischer Städte.“

Das Rätsel eines Tages (II). 1914. Museum für moderne Kunst, San Paolo

„Was kann ich sonst noch lieben, wenn nicht ein Mysterium?“ - Diese Frage schrieb der junge Künstler 1911 in seinem Selbstporträt. Das Wort „Rätsel“ wiederholt sich in den Titeln seiner frühen Gemälde: „Das Rätsel der Ankunft am Mittag“ (1912), „Das Rätsel eines Tages“ (1914). ), wo er zu versuchen scheint, die äußere Realität eines unsichtbaren Wesens zu erraten. „Kunst“, argumentierte er, „ist ein tödliches Netz, das spontan jene seltsamen Phänomene einfängt, die wie große geheimnisvolle Schmetterlinge aus dem Alltag hervorbrechen.“

Es überrascht nicht, dass Chirico 1911 von Pariser Künstlern der Moderne begeistert aufgenommen wurde. Er nimmt am Herbstsalon teil, wo Picasso und Guillaume Apollinaire auf ihn aufmerksam werden. In seinem Atelier veranstaltet der Dichter eine Ausstellung mit dreißig Werken von Chirico, schreibt lobende Artikel über ihn, stellt ihn seinem Kreis vor und stellt ihn Andre Breton vor. Paris fing den jungen Chirico ein, wie es auch bei Chagall der Fall war, verwandelte ihn von einem naiven Geschichtenerzähler aus der Provinz in einen echten Künstler und brachte ihn unter die Bühnenbeleuchtung. Im Salon of Independents verkauft er sein erstes Werk, „The Red Tower“ (1913). Sein Gemälde „Anxious Morning“ (1913) wurde in den 1920er Jahren von einem der berühmtesten Marchands in Paris erworben. Dieses Gemälde landet in der Sammlung von Paul Eluard und Andre Breton, zwei Schlüsselfiguren der aufkommenden surrealistischen Bewegung.

Roter Turm. 1913. Sammlung Peggy Guggenheim, Venedig

Zeitschriften und Zeitungen wetteiferten darum, sein Gemälde zu loben. Chirico selbst behauptete später, er sei nicht auf die maßlose Begeisterung seiner Pariser Freunde hereingefallen: „Als sie meine Bilder sahen, beschlossen sie, mich zu bekehren, wie Rousseaus Zollbeamter, einen primitivistischen Künstler, den Breton unter seine Fittiche nahm.“ Ich war mehrere Monate bei ihnen. Wir trafen uns samstags von fünf bis acht Uhr bei Apollinaire. Brancusi war da, Derain, der nie den Mund aufmachte, und Max Jacob, der unaufhörlich redete. An den Wänden hingen Gemälde von Picasso und anderen Kubisten. Später fügte Apollinaire zwei oder drei meiner Werke hinzu, darunter sein Porträt.“

Das berühmte „Porträt von Apollinaire“ (1914) wurde prophetisch. Die Leinwand zeigt eine Gipsbüste des antiken Dichters mit schwarzer Brille, was unterstreicht, dass es der blinde Dichter ist, der das Unsichtbare sehen kann. Über ihm ist auf grünem Hintergrund das schwarze Profil von Apollinaire mit einer Zielscheibe auf dem Kopf zu sehen – Chirico markierte genau die Stelle, an der der Dichter während des Krieges durch einen Granatensplitter verwundet wurde.

Die Freude der Rückkehr

Der Ausbruch des Ersten Weltkriegs zwang Chirico zur Rückkehr nach Italien, wo er zur Armee eingezogen wurde. Sein nicht allzu kräftiger Körperbau bewahrte ihn vor den Strapazen des Militärdienstes; er wurde in ein Krankenhaus in Ferrara eingeliefert und konnte mit der Malerei beginnen. Hier lernte Chirico den futuristischen Künstler Carlo Carra kennen, mit dem er später die Zeitschrift „Metaphysical Painting“ gründete und eine neue Ästhetik entwickelte – die Metaphysik. Er schrieb: „Eine Nation, die sich in ihren Ursprüngen befindet, liebt Mythen und Legenden – alles, was verblüfft, erscheint monströs und unerklärlich... Während es sich entwickelt, verkompliziert es primitive Bilder – so entsteht Geschichte aus den ursprünglichen Mythen.“ Die gegenwärtige europäische Ära trägt unzählige Spuren früherer Zivilisationen und ihrer spirituellen Prägungen in sich und bringt unweigerlich Kunst hervor, die antike Mythen widerspiegelt.“

Bahnhof Montparnasse oder melancholischer Abschied. 1914.
Museum für moderne Kunst, New York

Großer Turm. 1913. Kunstsammlung der Erde
Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf

Auf dem Gemälde „Die Freude an der Rückkehr“ aus dem Jahr 1916 durchquert eine Dampflokomotive eine unbekannte Stadt vor dem Hintergrund grauer Fassaden, über der Rauchwolken aufsteigen, oder vielleicht ist es auch nur eine Wolke am Horizont. Der mit geometrischer Präzision gezeichnete Schatten des Gebäudes betont die Trostlosigkeit des Platzes, auf dem es keine Spur menschlicher Präsenz gibt. Dies ist die Landschaft der Gegend, als stünde sie ganz am Anfang der Geschichte, noch bevor sie auftauchte. Kiriko kombiniert Nah- und Fernpläne, verzerrt den Raum und vermeidet Reliefs und Farbschattierungen. Sein obsessiver Traum besteht aus denselben Elementen, die sich von Bild zu Bild bewegen: Arkaden, Türme, Plätze, scharfe schwarze Schatten, Züge, Karten nicht existierender Welten, stehen gebliebene Uhren. Seine Leinwände werden als Illustration von Mandelstams „atemloser Welt“ wahrgenommen:

Wenn der Stadtmond herauskommt,
Und langsam wird die dichte Stadt dadurch erleuchtet,
Und die Nacht wächst, voller Verzweiflung und Kupfer,
Und das melodische Wachs weicht der rauen Zeit:
Und der Kuckuck schreit auf seinem Steinturm,
Und der blasse Schnitter steigt in die leblose Welt hinab,
Leise bewegen sich die riesigen Schattenspeichen
Und er wirft gelbes Stroh auf den Holzboden.

Viele seiner Fantasiesymbole existierten in der Realität: die griechische Stadt Volos, in der er aufwuchs, mit vorbeifahrenden Zügen zwischen den Häusern; Turin, wo er in seiner Jugend kurz lebte, und Ferrara, der Ort seines Militärdienstes. Auf seinen Gemälden sind oft Turiner Türme zu sehen, insbesondere der im 19. Jahrhundert erbaute Antonelli-Turm. Diejenigen, die Chirico lieben, werden sagen, dass man auch heute noch nicht durch das Mittags-Turin spazieren kann, ohne sich an seine ersten Werke zu erinnern.

Metamorphose

Es wird angenommen, dass die von Chirico dargestellte Phantomstadt jahrzehntelang ein Maßstab modernistischer Vorstellungskraft blieb. In den 1920er Jahren Gross und andere deutsche Künstler nutzten seine Symbole, um ihre eigene Vision einer entfremdeten urbanen Welt auszudrücken. Ohne den Einfluss von Chirico und den meisten Surrealisten ist es nicht vorstellbar: Dali, Ernst, Tanguy, Magritte, Delvaux – sie alle stammten aus dem frühen Chirico und betrachteten ihn als ihren Meister.

Hektor und Andromache. 1942. Privatsammlung, Bologna

In dem berühmten Gemälde „Hektor und Andromache“ (1916) führt Chirico ein neues Bild ein: seltsame Schaufensterpuppen, die Menschen ohne Arme, ohne Gesicht, durch orthopädische Prothesen anstelle von Beinen ersetzen. Diese furchterregenden Roboter bewohnen seine Leinwände von 1914 bis 1916. „Angstige Musen“ und „Große Metaphysik“ nehmen die schaurige Atmosphäre von Kafkas „Schloss“ oder Borges‘ Labyrinth vorweg. Seine Malerei spiegelt die Sinnlosigkeit des Lebens und das unverständliche Geheimnis der menschlichen Existenz wider. Der Künstler selbst war zu diesem Zeitpunkt noch keine dreißig Jahre alt.

Besorgte Musen. 1924–1961. Privatsammlung, New York

In denselben Jahren seien verlassene Stadtlandschaften entweder völlig menschenleer oder solche, in denen ein auf einen kleinen Punkt reduzierter Mensch unpersönlich sei, schrieb Maurice Utrillo, der seine Einsamkeit im Alkohol ertränkte. Chirico hatte sein eigenes Drama: Im Alter von 16 Jahren verlor er seinen Vater, der ihn in den Traditionen der Renaissance großzog, und seitdem schwebt sein Geist über den Gemälden des Künstlers. Sein frühes Verlustgefühl verband sich in seiner Wahrnehmung mit der Sehnsucht nach einem weiteren unumkehrbaren Verlust: dem allmählichen Verschwinden der großen klassischen Kultur, die an seiner Wiege stand, unter dem Druck der Moderne. Vielleicht führte dies letztendlich zu Chiricos Metamorphose, die für viele unerwartet war.

„Alte Götter wirken auf seinen hoffnungslos verlassenen italienischen Plätzen heimatlos, und gepflückte Früchte im Vordergrund der Leinwände erinnern an ein verlorenes Paradies.“ Die Schatten werden mit zunehmender Dämmerung länger, Menschen verschwinden, sie werden durch symbolische Silhouetten ersetzt, die auf die Größe einer Ameise schrumpfen, während die Silhouetten einer Anlage oder Fabrik mit Ofenrohren wachsen und den gesamten Raum bis zum Horizont einnehmen – das ist wie Moloch in der Neuzeit aussieht. , - sie schrieben über seine Gemälde.

Im Schoß der Klassiker

Ebenso unerwartet, wie sie begonnen hatte, endete die Periode der Metaphysik plötzlich: Chirico in den 1920er Jahren. konvertiert zu einem anderen Glauben und flüchtet sich in den Schoß der Klassiker. Picasso und Derain erlebten gleichzeitig eine ähnliche Versuchung, „zur Ordnung zurückzukehren“, aber Chirico war der einzige dieser Generation, der, wie seriöse Kritiker schrieben, „sich dem Licht der Tradition zuwandte und andere in der primitiven Dunkelheit der Moderne zurückließ.“ .“ Der Krieg ist vorbei und der Italiener geht mit seinen unermesslichen Reichtümern in die Museen von Paris, Rom und Florenz. Ihm zufolge war er eines Tages im Sommer 1919, als er vor einem Tizian-Gemälde in der Villa Borghese lief, von dem Gemälde des Meisters schockiert.

Nachdem er seine frühen Werke beendet hatte, begann Chirico, eine Rückkehr zur Quattrocento-Technik zu predigen. Er, der Träume und Träume schrieb, schwor nun nur noch der Tradition Treue. " Pictor Classicus-Summe„ („Ich bin ein klassischer Künstler“), schrieb dieser Konvertit begeistert auf Latein über sich. Auf dem Höhepunkt der künstlerischen Revolution, als seine Brüder nach entschiedener Abkehr von der klassischen Tradition nach anderen Ausdrucksformen und -methoden suchten, wandte sich Chirico, der anerkannte Meister dieser Bewegung, plötzlich den Ursprüngen zu. Er fühlte sich frei von Konventionen und Modetrends.

Chirico kopiert große Vorgänger: Rubens, Fragonard, Watteau, Tintoretto, Courbet. Heute ist er Autor klassischer Themen: mythologische Szenen, Akte, Stillleben; ein Kopist, der Zenturios, Pferde, mittelalterliche Schlachten und Gladiatorenkämpfe zeichnet; er ist ein exotischer Orientalist im Delacroix-Stil. Seine zahlreichen Selbstporträts sind atemberaubend: Entweder trägt er das Kostüm eines Stierkämpfers oder eines für eine Maskerade verkleideten spanischen Granden, oder er ist sogar völlig nackt, mit hängenden Wangen und hängendem Bauch. Chirico malt wie besessen die verlorene Antike und den verschwundenen Luxus. Er erreicht selten das Niveau der Klassiker, bleibt aber bei dieser offensichtlich verlorenen Wette.

In den letzten zwanzig Jahren seines Lebens kopiert Chirico auch sich selbst – einen Metaphysiker. Er parodiert im wahrsten Sinne des Wortes seine eigenen Gemälde und gibt neu gemalte Werke als Originale einer vergangenen Epoche aus, die ihn berühmt gemacht hat. Auf rätselhafte Fragen antwortete der Künstler, dass er es vorziehe, seine Leinwände selbst neu zu schreiben, anstatt sie weniger talentierten Nachahmern zu überlassen.

Schritt zur Lösung

Chirico zeigte sich ungerührt von den Vorwürfen seiner surrealistischen Freunde und empört über seinen „Verrat“, die zuvor seine Metaphysik enthusiastisch akzeptiert hatten. Sie folgten Breton, der den Künstler verfluchte, und erklärten sein Werk für dekadent und Chirico selbst für ein „verlorenes Genie“. Breton sagte sarkastisch: „Er könnte immer noch verstanden werden, wenn er versuchen würde, sich an die Erkenntnisse seines verlorenen Feuers zu erinnern. Indem er jedoch fleißig Kopien seiner alten Gemälde anfertigt, möchte er diese nur zweimal verkaufen.“ Chirico blieb nicht verschuldet und er selbst griff die Surrealisten heftig an, was ihn trotz des Krieges mit ihnen nicht daran hinderte, 1930 66 Lithographien für Apollinaires „Kalligramme“ und ein Jahr zuvor die Kulisse für Diaghilews Ballett „The Ball". Jean Cocteau wiederum widmete Chirico einen Aufsatz, und Aragon lobte seine Autobiografie als „eine unendlich schöne Sache“. In diesen Jahren schrieb Chirico Artikel und sogar Romane und entwarf Performances.

1930 lernte Chirico in Paris die russische Emigrantin Isabella Paxver kennen, die später seine Muse und zweite Frau wurde. Die erste, Tänzerin Raisa Gurevich-Krol, stammte ebenfalls aus Russland. 1944 ließ sich Chirico schließlich in Rom nieder. Auf der Biennale von Venedig 1948 stellte er ausschließlich seine metaphysischen Werke aus und zwei Jahre später organisierte er eine Anti-Biennale, auf der er realistische Künstler versammelte. Er wurde in die Royal Society of British Painters in London und in die Französische Akademie der Künste gewählt.

Chiricos Verteidiger glauben: „Selbst in seiner sogenannten „Periode des Niedergangs“ gelang es ihm, mehrere Meisterwerke zu schaffen, während er bei seinem brillanten Debüt Misserfolge hatte, denn unabhängig davon, ob er ein Pionier der Metaphysik oder ein Kopist seiner selbst war, er blieb ein großartiger Künstler.“

Die wahrste Aussage scheint zu sein: „Auf seine Art war er ein Rebell, denn 1947 auf manieristische Weise zu schreiben ist die gleiche Herausforderung wie 1910, die Metaphysik der Welt zu öffnen.“

Die einzige Ausstellung von Giorgio de Chirico im letzten Vierteljahrhundert im Museum für Moderne Kunst in Paris im Frühjahr 2009 mit dem Titel „Dream Factory“ zeigte erstmals ein vollständiges Panorama seines Schaffens von 1909 bis 1975. Diese Retrospektive ist ein Schritt zur Aufklärung des Chirico-Phänomens. Vielleicht erweisen sich die Worte von Marcel Duchamp als prophetisch: „1926 gab Chirico sein „metaphysisches“ Konzept auf und wandte sich einer freieren Malerei zu. Seine Fans sind nicht bereit, ihm zu folgen und zu behaupten, dass Chirico von der „zweiten Welle“ seinen kreativen Eifer verloren hat. Allerdings wird die Zukunft noch ihr Urteil darüber fällen.“