Frühe Wiederbelebung. Malerei der Frührenaissance

Einleitung…………………………………………………………………………….….3

1. Giottos Innovation…………………………………………………….....6

2. Masaccios Werk: Besonderheiten der Kunst der Frührenaissance…………………………………………………………………..17

Fazit………………………………………………………………………………25

Referenzen…………………………………………………………...28

Anhang……………………………………………………………………………...29

Einführung

Die Renaissancekultur entstand in der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts. Und es entwickelte sich im Laufe des 15. und 16. Jahrhunderts weiter und erfasste nach und nach alle europäischen Länder. Die Kultur der Renaissance spiegelte die Besonderheiten der Übergangszeit wider. Die Renaissance, mit der Florenz und seine Gesellschaft eng verbunden waren, ist zweifellos eine der strahlendsten in der Geschichte der westeuropäischen Zivilisation. Sie zeigte der Welt nicht nur eine ganze Galaxie kreativer Künstler und humanistischer Denker, sondern trägt bis heute zur Entwicklung des wissenschaftlichen Denkens, zur Bildung der Hochkultur bei und bleibt eine großartige Lehrerin der Schönheit

Die Bildung einer neuen Kultur wurde vor allem zur Aufgabe der humanistischen Intelligenz, die in ihrer Herkunft und ihrem sozialen Status sehr vielfältig und heterogen war. Die Ideen der Humanisten können kaum als „bürgerlich“ oder „frühbürgerlich“ bezeichnet werden. In der Kultur der italienischen Renaissance entwickelte sich der Kern einer einzigen neuen Weltanschauung, deren spezifische Merkmale ihre „Renaissance“ bestimmen. Sie entstand aus den neuen Bedürfnissen des Lebens selbst sowie aus der von den Humanisten gestellten Aufgabe, ein höheres Bildungsniveau für einen relativ breiten Teil der Gesellschaft zu erreichen.

Die Entstehung der Voraussetzungen für eine humanistische Weltanschauung wird zunehmend mit fortschreitenden Tendenzen in der Entwicklung der spirituellen Kultur Europas im 12. und 13. Jahrhundert in Verbindung gebracht. Städtische nichtkirchliche Schulen und die auf ihrer Grundlage entstandenen Universitäten gerieten in den Mittelpunkt säkularen Wissens, dessen Wunsch die Bedürfnisse der gesellschaftlichen Entwicklung widerspiegelte. In der Ära der Frührenaissance beginnt sich die Frage zu stellen, was Kunst sein sollte – säkular oder sozial, wie anthropozentrisch sie ist, nach der Stellung des Menschen in der Kunst. Es gibt einen Kampf zwischen dem Säkularen und dem Religiösen, der die Kunst unserer Tage bestimmt. Es gibt ein Umdenken über den Menschen, seine Rolle und seinen Platz im sozialen Universum. Dies ist eine Zeit der Revolution, deren Neuheit in der Entdeckung der Welt und des Menschen liegt. Die Renaissance verlieh der Kunst einen weltlichen und sozialen Charakter. Es ist notwendig zu verstehen, wie sehr Kunst säkular und wie öffentlich sein sollte. Die Ära der Proto-Renaissance ist ein Kampf zwischen Säkularem und Religiösem. Religiöse Themen Italienische Malerei eine herausragende Rolle spielen. Heutzutage ist Russland ein säkularer Staat, in dem die Religiosität zunimmt. Das Land erlebt eine religiöse Renaissance und daher sind wir daran interessiert, die religiöse und säkulare Renaissance zu verstehen.

Ziel der Arbeit ist es, das Wesen der Kultur der Vorrenaissance aufzuzeigen und herauszufinden, welche Neuerungen in der Malerei im Vergleich zum Mittelalter auftraten.

Dazu ist es notwendig, folgende Probleme zu lösen: die Neuerungen der italienischen Malerei im Vergleich zum Mittelalter am Beispiel der Innovation von Giottos Werk und dem Werk von Masaccio zu studieren.

Chronologischer Rahmen Kursarbeit- Dies ist der Zeitraum vom 13. bis zum 15. Jahrhundert. Die Ära der Proto-Renaissance oder Ducento Trecento liegt zwischen 1237 und 1380, da Giottos Werk speziell zu dieser Zeit gehört, und die Ära der Frührenaissance oder Cinquecento liegt zwischen 1420 und 1490. - Periode von Masaccios Kreativität.

M. Dvorak glaubt in „Die Geschichte der italienischen Kunst in der Renaissance“, dass Giottos Innovation in dem jedem Bild zugrunde liegenden Kompositionsprinzip lag. N. Lazarev schreibt in seiner „Allgemeinen Kunstgeschichte“, dass es in der Zeit von Giottos Schaffen noch zu früh war, von einem Durchbruch als solchem ​​zu sprechen, da zu dieser Zeit die Grenzen zwischen Renaissance und Mittelalter völlig verwischt waren. Sein Standpunkt ist dem von R. Longhi sehr ähnlich. Der Autor versuchte in „Von Cimabue bis Morandi“ nachzuspüren schwierige Wege die Entwicklung der Malerei dieser Zeit, die seiner Meinung nach unter dem stärksten byzantinischen Einfluss stand und es nur schwer schaffte, eine eigene Landessprache zu erlangen. M.A. Gukovsky betonte in der „Italienischen Renaissance“, dass es Giottos Werke seien, die in ihrer Darstellung der Natur mit Wahrhaftigkeit ausgestattet seien, D.S. Berestovskayas „Künstlerische Kultur der Renaissance“ hingegen glaubt, dass es Masaccio ist, der Typizität repräsentiert, die durch das Studium der Natur erhaben ist. A. V. Stepanov in „Kunst der Renaissance. Italien des 14.-15. Jahrhunderts“, das die wichtigsten biografischen Daten skizziert, ist gleichzeitig bestrebt, den kreativen Weg Masaccios zu beleuchten und am Beispiel einer Analyse der bedeutendsten und richtungsweisenden Werke über die Originalität seines Talents zu sprechen.

1 Giottos Innovation

Seit der Mitte des 15. Jahrhunderts ist die kompromisslose internationale Konfrontation zwischen Islam und Christentum beendet. Die Muslime eroberten schließlich die Länder des südlichen Mittelmeerraums und verdrängten nach der Einnahme von Konstantinopel (1453) schließlich die Christen aus Asien. Christen wiederum verdrängten schließlich die Muslime aus dem katholischen (West-)Europa und zerstörten 1492 (dem Jahr, in dem Kolumbus Amerika entdeckte) das Kalifat von Cordoba auf der Iberischen Halbinsel. Die gesamte Bevölkerung Europas wurde schließlich christianisiert. Ein wichtiger historischer Faktor war der Rückgang des Einflusses der Kirche auf das gesellschaftliche und staatliche Leben Westeuropas. Zu diesem Zeitpunkt war das Christentum ideologisch eingemottet und erwies sich im Prinzip als unfähig zu weiteren Fortschritten: Weiterentwicklung oder Verbesserung. Hinzu kam der innere moralische Verfall der kirchlichen Hierarchie, durch den diese ihre frühere Macht über weltliche Herrscher verlor. Der Feudalismus wiederum hat als gesellschaftspolitisches System die Reserven seiner fortschreitenden Entwicklung noch nicht ausgeschöpft. Und zwar genau zu der Zeit, die wir für die Blütezeit des Feudalismus halten. Unter diesen Bedingungen wird die weltliche Macht von der kirchlichen Vorherrschaft über sich selbst befreit. Kirche und Christentum werden aus dem Weg des historischen Fortschritts in marginale (nebenstehende, zweitrangige, nur begleitende) Positionen gedrängt. Das Mittelalter stellte Gott in den Mittelpunkt seiner Weltanschauung und des gesamten spirituellen Lebens, es war theozentrisch, und die Renaissance stellte anstelle von Gott den Menschen in den Mittelpunkt, das heißt, es wurde anthropozentrisch. Daher wird die Renaissance auch als Ära des Humanismus bezeichnet.

Die spirituelle Kultur der Massen im Mittelalter wurde durch das mündliche Predigen von Kirchenmännern geprägt. Es herrschte völliger Analphabetismus. Die überwältigende Mehrheit der Priester nahm den Inhalt religiöser Lehren nach Gehör ihrer weisen Hierarchen und Theologen wahr, da sie selbst Analphabeten waren. Im Jahr 1445 baute der deutsche Erfinder Johann Gutenberg (1399-1468) eine Druckmaschine, auf der er den Text der Bibel druckte. Die Kirche – sowohl die orthodoxe als auch die katholische – verfluchte das Buchdrucken und verbrannte gedruckte Bibeln zusammen mit ihren Besitzern. Es ist kein Zufall, dass das Mittelalter als Jahrhunderte der Dunkelheit und des Obskurantismus bezeichnet wurde. Die Renaissance stellte den Mangel an Kultur und das Analphabetentum des Mittelalters der Aufklärung gegenüber. Deshalb wird die Renaissance auch als Zeitalter der Aufklärung bezeichnet. Persönlichkeiten der Aufklärung veröffentlichten neben der Bibel auch die Werke antiker Philosophen, Kurse ihrer Vorlesungen, verfassten und verbreiteten ihre Werke in Landessprachen.

Die Renaissance, die Kultur des Optimismus, wurde berühmt für das Aufblühen der realistischen Kunst, die die ikonografische, konventionelle und mystifizierte Kunst des Mittelalters, die Kultur des Pessimismus, ersetzte.

Die Kultur der Renaissance entstand früher als in anderen Ländern Italiens. Vor dem Hintergrund der noch immer starken byzantinischen und gotischen Traditionen zeichneten sich Merkmale einer neuen Kunst ab – der zukünftigen Kunst der Renaissance. Deshalb wurde diese Periode ihrer Geschichte Proto-Renaissance genannt (das heißt, sie bereitete den Beginn der Renaissance vor; vom griechischen „protos“ – „zuerst“). In keinem der europäischen Länder gab es eine vergleichbare Übergangszeit. In Italien selbst gab es Kunst der Proto-Renaissance nur in der Toskana und in Rom.

Sein Ursprung und seine rasch fortschreitende Entwicklung sind auf die historischen Besonderheiten des Landes zurückzuführen. Italien erreichte zu dieser Zeit im Vergleich zu anderen europäischen Ländern einen sehr hohen Entwicklungsstand. Die freien Städte Italiens erlangten wirtschaftliche Macht. Die unabhängigen Städte Nord- und Mittelitaliens, reich und wohlhabend, wirtschaftlich und politisch äußerst aktiv, wurden zur Hauptbasis für die Bildung einer neuen Renaissance-Kultur, die in ihrer allgemeinen Ausrichtung säkular war.

Von nicht geringer Bedeutung war die Tatsache, dass es in Italien keine klar definierten Klassen gab. Diese Eigenschaft trug zur Schaffung eines besonderen Klimas bei: Hier wurden die Freiheit der Vollbürger, ihre Gleichheit vor dem Gesetz, ihre Tapferkeit und ihr Unternehmertum geschätzt, die den Weg zu sozialem und wirtschaftlichem Wohlstand ebneten.

Die Ära von Ducento, d.h. Das 13. Jahrhundert war der Beginn der Renaissancekultur Italiens – der Proto-Renaissance. Die Proto-Renaissance ist eng mit dem Mittelalter verbunden, mit romanischen, gotischen und byzantinischen Traditionen (im mittelalterlichen Italien waren byzantinische Einflüsse neben der Gotik sehr stark). Selbst die größten Innovatoren dieser Zeit waren keine absoluten Innovatoren: Es ist nicht einfach, in ihrer Arbeit eine klare Grenze zwischen dem „Alten“ und dem „Neuen“ zu ziehen. Die Symptome der Proto-Renaissance in der bildenden Kunst bedeuteten nicht immer einen Bruch mit den gotischen Traditionen. Manchmal sind diese Traditionen einfach von einem fröhlicheren und weltlicheren Anfang durchdrungen, während die alte Ikonographie und die alte Interpretation der Formen beibehalten werden. Die wahre „Entdeckung der Persönlichkeit“ der Renaissance ist hier noch nicht angekommen.

Neue Phänomene in der Kultur des 12. Jahrhunderts. – der Beginn des Kampfes um die Befreiung der Philosophie von der Autorität des Glaubens, Interesse an den Problemen des Menschen und seiner Stellung in der Welt, ein Aufruf zur Vereinigung von „Mensch“ und „Natürlich“ (humanitäres und naturwissenschaftliches Wissen) in ein einziges Wissenschaftssystem, dessen Ausgangspunkt die Realität und nicht ihre verbale Bedeutung sein sollte, kann als Vorbote der humanistischen Ideen der Renaissance angesehen werden. Der Kampf um neue, humanistische Ideale, der von einem kleinen Kreis der ersten Humanisten geführt wurde, musste bei Vertretern der alten Ideologie, vor allem beim Klerus, auf Widerstand stoßen sauberes Wasser, die nicht ohne Grund im Humanismus eine ernsthafte Gefahr für alles sahen, was sie lebten und predigten.

Die konstituierenden Elemente der Weltanschauung der Proto-Renaissance sind vielfältig: Sie wurde von der franziskanischen Häresie und dem gegensätzlichen atheistischen, „epikureischen“ und römischen Altertum sowie der französischen Gotik und der provenzalischen Poesie genährt. Und als allgemeines Ergebnis reifte die Idee einer Wiederbelebung – nicht nur einer Wiederbelebung antike Kultur, sondern die Wiedergeburt und Erleuchtung des Menschen. Sie inspiriert Giottos Arbeit.

Der Unterschied in der Interpretation des religiösen Bildes, das für die frühe italienische Kunst weiterhin im Mittelpunkt der Aufmerksamkeit von Künstlern und Bildhauern stand, wird deutlich, wenn man einige Gemälde von Ducento und Trecento vergleicht, unter denen die Werke des herausragenden Meisters von Siena hervorstechen Schule Duccio di Buoninsegna und insbesondere sein jüngerer und großer Zeitgenosse Giotto, dieser „Giotto, der Florentiner“, der „nach langem Studium“ der Natur „nicht nur die Meister seiner Zeit, sondern sie alle um Längen übertraf“. vergangener Jahrhunderte“, wie Leonardo da Vinci über ihn sagte.

Giotto war seiner Zeit voraus und noch lange nach ihm ahmten Florentiner Künstler seine Kunst nach. Giotto ist der erste der Titanen der großen Ära der italienischen Kunst. Vasari schrieb über ihn: „Und das größte Wunder war wirklich, dass dieses Zeitalter, sowohl grob als auch unfähig, die Macht hatte, sich durch Giotto so weise zu manifestieren, dass die Zeichnung, von der die Menschen dieser Zeit kaum oder gar keine Ahnung hatten, dank er ist vollständig ins Leben zurückgekehrt“

Obwohl Petrarca aufgrund seiner literarischen Neigungen die Sieneser bevorzugte, stellte er fest, dass die Schönheit von Giottos Kunst den Geist mehr beeinflusst als das Auge. Boccaccio, Sacchetti, Villani schließen sich dem Lob an: Giotto hat die über Jahrhunderte im Niedergang befindliche Malerei wiederbelebt und ihr Natürlichkeit und Attraktivität verliehen.

Giotto di Bondone (1266/76 – 1337) wurde in Florenz geboren und zog Ende des 13. Jahrhunderts nach Rom, zusätzlich zu diesen Städten wirkte er in Neapel, Bologna und Mailand. Nach Quellen aus dem 14. Jahrhundert. studierte bei Cimabue. Das tiefgreifendste Erlebnis des zweifellos beeindruckenden jungen Mannes war die Entdeckung, dass die einzig ewigen und wahren Dinge auf der Welt der Mensch und die Natur sind. Giotto bereicherte die Kunst mit seiner einzigartig lakonischen Darstellung der Realität um echte menschliche Gefühle und Eigenschaften. Eine solche Weltanschauung des Künstlers entwickelte sich vermutlich nicht nur unter dem Einfluss der dominikanischen Schule, nicht nur durch den Einfluss des franziskanischen Gefühlskults und der zeitgenössischen Literatur, sondern auch unter dem Einfluss seines Lehrers Cimabue.

Er arbeitete in Florenz, Rom (ca. 1300), Padua (ca. 1305–1308), Neapel (ca. 1328–1333), Mailand (ca. 1335–1336) und anderen Städten in Italien. 1327 trat er zusammen mit seinen Schülern in die Werkstatt der Florentiner Maler ein. Im Jahr 1334 wurde er zum Leiter des Baus der Kathedrale von Florenz und ihres Glockenturms (Campanile; zum Zeitpunkt seines Todes war die erste Etage bereits errichtet) ernannt.

Als Reformator der italienischen Malerei eröffnete Giotto eine neue Etappe in der Geschichte der Malerei in ganz Europa und war der Vorreiter der Kunst der Renaissance. Sein historischer Platz wird durch die Überwindung mittelalterlicher italienisch-byzantinischer Traditionen bestimmt. Giotto schuf das Erscheinungsbild der Welt, das in seinen Grundeigenschaften – Materialität und räumliche Ausdehnung – der realen entspricht. Unter Verwendung einer Reihe von Techniken, die zu seiner Zeit bekannt waren – Winkelwinkel, vereinfacht, sogenannte. Mit seiner antiken Perspektive verlieh er dem Bühnenraum die Illusion von Tiefe, Klarheit und Klarheit der Struktur. Gleichzeitig entwickelte er Techniken zur tonalen Licht- und Schattenmodellierung von Formen durch allmähliche Aufhellung des kräftigen Hauptfarbtons, die es ermöglichten, den Formen nahezu skulpturales Volumen zu verleihen und gleichzeitig die strahlende Reinheit zu bewahren Farbe und ihre dekorativen Funktionen.

Giottos bemerkenswertestes Werk ist das Gemälde in der Arena-Kapelle in Padua, das an der Stelle eines antiken Zirkus errichtet wurde.

Wie Illustrationen oder langsam wechselnde Filmbilder scheinen diese Fresken eine ruhige Geschichte zu erzählen und Szenen unterschiedlicher Handlung zu einem harmonischen Ganzen zu verbinden. Er führt neue Details in alte mittelalterliche Geschichten ein. Er vermenschlicht sie so sehr und verleiht ihnen eine so lebenswichtige Klarheit, dass er allein damit bereits die Ideen der Renaissance vorwegnimmt. Giottos Hauptverdienst liegt in einer Neuinterpretation des Menschenbildes, das in ihm lebendig und real wird und mit einer subtileren Psyche ausgestattet ist als in der Kunst der Antike.

Giottos Kunst ist wirklich klassische Kunst und keine Nachahmung klassischer Formen. Ein Beweis dafür ist eine verallgemeinerte Sicht auf die Realität (obwohl sie als die Beziehung des Menschlichen zum Göttlichen verstanden wird), die sich im Gleichgewicht geschlossener Massen, der Universalität der Darstellung der Geschichte und der Vollständigkeit der Übertragung verschiedener Dinge in sichtbarer Form ausdrückt Inhalt ohne Hinweise.

Die Bandbreite menschlicher Erfahrungen in Giottos Werk ist recht begrenzt. Der Mensch fängt gerade erst an, seine Würde zu erlangen. Er kennt das stolze Selbstbewusstsein, die ideale Persönlichkeit der Humanisten noch nicht. Untrennbar mit anderen Menschen verbunden, offenbart er in dieser Verbindung auch seine Abhängigkeit. Daher das Hauptspektrum seiner Erfahrungen: Hoffnung, Demut, Liebe, Traurigkeit. Nur Neugier und Klarheit des Denkens ermöglichen es einem Menschen, sich über sein Schicksal zu erheben. Dieser Wissensdurst war auch Dante bekannt, der selbst im Paradies beim Anblick des feurigen Himmels ein unerträgliches Verlangen in seiner Brust verspürt, die Ursache der Dinge zu erfahren.

Eines der berührendsten Menschenbilder, die Giotto geschaffen hat, ist Christus in der Szene „Der Kuss des Judas“ [Anhang 1]. Die majestätische Gestalt Christi nimmt einen zentralen Platz in der Menge der Soldaten und Jünger ein. Auf der linken Seite nähert sich Judas Christus, um ihn zu küssen. Das Antlitz Christi trägt das Siegel der Größe des Allmächtigen, des schrecklichen Richters, aber nicht des leidenden Gottes. In diesem Fresko erreicht Giotto die umfassendste künstlerische Durchdringung. Im Zentrum der Komposition platziert er zwischen bedrohlich erhobenen Speeren und Fackeln zwei Profile – Christus und Judas, sie schauen einander ganz genau in die Augen. Man spürt, dass Christus bis auf den Grund der dunklen Seele des Verräters vordringt und sie wie in einem offenen Buch liest – und er fürchtet sich vor der unerschütterlichen Ruhe des Blicks Christi. Dies ist vielleicht die erste und vielleicht beste Darstellung eines stillen Ansichtenduells in der Kunstgeschichte – die schwierigste für einen Maler. Giotto liebte und verstand es, stille, bedeutungsvolle Pausen und Momente des Fließens zu vermitteln Innenleben als ob es aufhört, den höchsten Höhepunkt erreicht zu haben.

Das Antlitz Christi im „Kuss des Judas“ zeichnet sich durch seine außergewöhnlich regelmäßigen Gesichtszüge aus. Das Profil Christi zeichnet sich durch die Proportionalität der Proportionen der antiken Skulptur aus. Giotto erreichte hier den Höhepunkt klassischer Schönheit. Giotto geht über das antike Ideal der menschlichen Persönlichkeit hinaus. Er stellt sich einen perfekten Menschen nicht in einem glücklichen und gelassenen Leben vor, sondern in effektiven Beziehungen zu anderen Menschen.

Giotto gelang es, das Ideal der klassischen Schönheit mit der tiefsten Fülle des menschlichen Geisteslebens zu verbinden. Das neue Bildsystem und das Verständnis des Gemäldes als szenische Einheit gaben ihm die Möglichkeit, das Bild einer vollkommenen Persönlichkeit in ihrer wirksamen Beziehung zur sie umgebenden Welt und vor allem zu anderen Menschen zu verkörpern.

„Beweinung Christi“ [Anhang 2] ist eine der ausgereiftesten kompositorischen Lösungen Giottos. Giotto nimmt das Ereignis des Todes episch wahr, mit einem Gefühl für die Unvermeidlichkeit des Geschehens. „Die Beweinung Christi“ ist eine Szene des Abschieds der um ihn trauernden Menschen vom Verstorbenen. Christus liegt wie eine leblose Leiche, behält aber den ganzen Adel und die Größe eines Helden, der endlich Frieden gefunden hat. Elemente der Räumlichkeit haben bei Giotto noch eine weitere Funktion: Sie verbinden einzelne, voneinander entfernte Teile der Komposition und bestimmen deren Zusammenwirken. Dies ist zum Beispiel die Felswand, die sich in der Beweinung Christi hinabzieht. Diese Elemente werden definitiv zu Ideenträgern und erhalten symbolische Bedeutung. Der verdorrte Baum in diesem Fresko symbolisiert das Schicksal Jesu.

Die Komposition, die nichts anderes ist als das Zusammenspiel einzelner Komponenten, die einer leitenden, präzise formulierten Idee untergeordnet sind, bestimmt somit das Verhältnis zwischen Figuren, Perspektive und Landschaft. Aber in Giotts Konzept Hauptthema ist schließlich ein Mensch und sein Handeln. Giottos Mann ist ein Held voller Selbstwertgefühl, der Weite und Zurückhaltung vereint. Giottos Bilder ähneln nicht komplexen Individuen, sondern eher Figuren der gotischen Kunst, die zwischen Allegorie und Realität stehen. Bei Giotto ist jede Figur ein Typus, die Personifizierung einer moralischen Eigenschaft oder eines Charakterzuges, eines zielgerichteten Willens. Jeder dieser Charaktere in Giotto hat seine eigene, streng definierte Position und seinen eigenen Wirkungsbereich.

Die gesamte Szene wird als ein Ganzes konzipiert. Der Künstler fängt das Geschehen mit klarem Blick ein und baut durch Gegenüberstellung eine dramatische Szene auf verschiedene Farbtöne emotionale Erlebnisse. Im Mittelpunkt der Komposition steht der Abschied von der Gottesmutter, die dem Leichnam ihres geliebten Sohnes zum Opfer fiel. Das ist Verzweiflung, die keine Worte, keine Tränen, keine Gesten findet. Giotto sieht körperliche Bewegungen deutlich in ihrer untrennbaren Einheit mit dem Seelenleben eines Menschen. Giotto objektiviert das Seelenleben eines Menschen. Dies verleiht seinen tragischsten Szenen so innere Ruhe und Heiterkeit. Diese Position bestimmt auch Giottos kompositorische Entscheidungen, seinen Wunsch, das Bild so zu konstruieren, dass die Anordnung der Figuren in der Wahrnehmung des Betrachters in Form eines visuellen, klaren Schauspiels festgehalten wird.

Das Bild eines Mannes, der seine Prüfungen mutig erträgt und gelassen auf die Welt um ihn herum blickt, zieht sich wie ein roter Faden durch Giottos Padua-Zyklus. Giottos Mann widersteht den Schicksalsschlägen wie ein alter Stoiker. Er ist bereit, seine Nöte demütig zu ertragen, ohne den Mut zu verlieren, ohne verbittert gegen die Menschen zu werden. Ein solches Verständnis erhob einen Menschen, bestätigte seine unabhängige Existenz und gab ihm Kraft.

Giottos Grundlagen menschlichen Heldentums lagen in seiner aktiven Lebenseinstellung. Der Mann Giotto findet die Anwendung seiner aktiven Kräfte im Umgang mit anderen Menschen, in seiner untrennbaren Verbindung mit der Welt seiner Artgenossen.

Die Bandbreite menschlicher Erfahrungen in Giottos Werk ist recht begrenzt. Der Mensch fängt gerade erst an, seine Würde zu erlangen. Er kennt das stolze Selbstbewusstsein, die ideale Persönlichkeit der Humanisten noch nicht. Untrennbar mit anderen Menschen verbunden, offenbart er in dieser Verbindung auch seine Abhängigkeit. Daher das Hauptspektrum seiner Erfahrungen: Hoffnung, Demut, Liebe, Traurigkeit. Nur Neugier und Klarheit des Denkens ermöglichen es einem Menschen, sich über sein Schicksal zu erheben.

Wir können daraus schließen, dass Giotto der größte Umformer der Kunst wurde. Die historische Bedeutung seiner Innovation für die Entwicklung der bildenden Kunst liegt in den neuen Techniken, die er anzuwenden begann, im neuen Verständnis von Mensch und Natur. Giotto wollte das Bild so konstruieren, dass die Anordnung der Figuren in der Wahrnehmung des Betrachters in Form eines visuellen, klaren Schauspiels erfasst wird. Giotto brachte einen Sinn für dreidimensionalen Raum in die Malerei ein und begann, dreidimensionale Figuren zu malen, indem er sie mit Hell-Dunkel modellierte. Er war einer der ersten Künstler, der den Menschen in den Mittelpunkt seiner Werke stellte.

Der Humanismus als Prinzip der Renaissance-Kultur und als breite gesellschaftliche Bewegung basiert auf einem anthropozentrischen Weltbild; im gesamten ideologischen Bereich entsteht ein neues Zentrum – eine kraftvolle und schöne Persönlichkeit.

In der Renaissance wurden das antike Ideal des Menschen, das Verständnis von Schönheit als Harmonie und Proportion, die realistische Sprache der bildenden Künste im Gegensatz zur mittelalterlichen Symbolik wiederbelebt. Die Figuren der Renaissance sprachen hart über die mittelalterliche Kultur, da die Kultur der Renaissance insgesamt als Protest, als Ablehnung der mittelalterlichen Kultur, ihres Dogmatismus und ihrer Scholastik entstanden war. Die Einstellung zur Theologie war negativ. Aber die Verleugnung der Kirche bedeutete noch nicht die Verleugnung der Religion.

Im Gegensatz zur für die mittelalterliche Kunst charakteristischen Wiederholung und Einheitlichkeit führt er einen komplexen Rhythmus ein, bei dem die Figuren auf der linken Seite nahe beieinander stehen. Diese rhythmische Komposition erinnert an antike, genauer gesagt an griechische Prozessionen wie den Parthenonfries.

Zunächst sind es Giottos Schöpfungen, die den Beginn einer entscheidenden Wende von den künstlerischen Systemen des Mittelalters zur schöpferischen Wahrnehmung des Menschen der Neuzeit markieren. Es kommt zu einer Abkehr des Künstlers von der Autorität des Kultdogmas, von der Vorherrschaft abstrakter Spiritualität im Bildinhalt hin zu grundlegend neuen gestalterischen Haltungen. Sie basieren auf der Anerkennung der Realität der Welt und der Möglichkeit, hohe ethische Ideen auf der Grundlage der Realität zu vermitteln menschliche Gefühle und Aktionen. Da Giotts Kunst die Grenze zwischen zwei Arten künstlerischer Weltanschauung markiert, stellen Giottos Reformen einen der entscheidenden Punkte in der Weltgeschichte der Kunst dar. Im Gegensatz zu den byzantinischen, romanischen und gotischen Meistern ist Giottos Farbe der Hell-Dunkel-Modellierung untergeordnet. Es verliert seine symbolische und ornamentale Bedeutung, um Volumen zu identifizieren und die Komposition zu verdeutlichen. Mit anderen Worten: Es dient dem Wunsch, die Realität des Bildes zu bestätigen. Die Farbgebung der Fresken ist lakonisch; Der blaue Hintergrund des Himmels und bräunlich-graue Farbtöne der Erde, der Felsen, der Gebäude und der hellen Silhouetten der Kleidung dominieren. Vielleicht offenbart die Farbgebung von Giottos Gemälden den Wunsch, der exquisiten Farbgebung byzantinischer Maler und ihrer italienischen Anhänger entgegenzuwirken.

Anstelle eines „Schemas eines Phänomens“ basiert Giottos Komposition eher auf dem Prinzip des Handlungsdialogs. Giotto bevorzugt ein Profilbild und die Figuren sind so angeordnet, als ob sie einander zugewandt wären. Der Wunsch, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich zu lenken inneres Handeln und das „Abschließen“ der Szene führt dazu, dass Giotto die Figuren manchmal mit dem Rücken zum Betrachter platziert. Giotto machte der für die Kunst des Mittelalters charakteristischen Angst vor der Leere ein Ende – der Raum begann in seinen Gemälden ein Eigenleben zu führen.

IN mittelalterliche Malerei die Figuren existieren wie auf der Oberfläche der Tafel oder der Wand. Giotto gibt sowohl Zeit als auch Ort an. Jeder Szene wird ein ihr zugeordneter Raum zugewiesen, der oft in der Tiefe und an den Rändern begrenzt ist, so etwas wie eine flache Bühnenbox, in der die Handlung stattfindet.

Mit der Ausmalung der Arenakapelle revolutionierte Giotto die europäische Malerei und eröffnete eine neue Art des Bilddenkens. Dies gilt auch für die Neuinterpretation des Menschenbildes, das nun eine eigenständige Bedeutung erhält. Und die Tatsache, dass die Komposition auf realen Beziehungen basiert und nicht auf Ideen oder Kanons. Und eines der wichtigsten Prinzipien der realistischen Kunst erscheint – die Einheit von Ort und Zeit. Er führt eine solide räumliche Basis für die Figuren ein – sie stehen fest auf ihren Füßen und sind hintereinander (also im Raum und in der Bewegung) verortet. Die Figuren werden massiv und schwer. Anstelle der üblichen flachen Szenen verfügt Giotto über ein Interieur – eine völlig neue Form des räumlichen Denkens, die in der gesamten mittelalterlichen Kunst unbekannt ist.

2 Masaccios Werk: Besonderheiten der Kunst der Frührenaissance

Hundert Jahre nach Giottos Tod gab es in Florenz keinen einzigen so begabten Künstler wie ihn. Die besten der nachfolgenden Meister waren sich ihrer Minderwertigkeit bewusst, sahen aber keinen anderen Ausweg als das intensive Kopieren und Verfälschen Giottos. Giotto war seiner Zeit voraus und nur hundert Jahre später hob ein anderer Florentiner – Masaccio (1401-1428) – die Kunst auf ein noch höheres Niveau.

Das Schicksal schenkte ihm weniger als zehn Jahre Kreativität. Doch schon in dieser kurzen Zeit gelang ihm, so seine Zeitgenossen, „eine echte Revolution in der Malerei“. In Florenz malte er zwei der größten Kathedralen – die Kirche Santa Maria Novella und die Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine.

Giottos Nachfolger Masaccio war stets bestrebt, den Raum nach den Gesetzen der Perspektive zu konstruieren und reale Volumina auf einer Ebene darzustellen. Aber seine Innovation beschränkte sich nicht auf die Entwicklung der Perspektive. Er fühlte sich vom Bild der umgebenden Welt und der Nachahmung der natürlichen Natur angezogen. Der Kunstkritiker A.K. Dzhivelegov bemerkte den innovativen Charakter seiner Arbeit: „Malerei vor Masaccio und Malerei nach Masaccio sind zwei völlig unterschiedliche Dinge, zwei verschiedene Epochen.“ Giotto entdeckte das Geheimnis der Übertragung der Empfindungen einer Person und einer Menschenmenge. Masaccio lehrte, wie man Mensch und Natur darstellt... Er befreite sich völlig von der Stilisierung. Die Berge sind keine spitzen, felsigen Kieselsteine ​​mehr, sondern echte Berge. Entweder nehmen sie die weichen Konturen der Ausläufer des Apennins an ... oder sie entwickeln sich zu einer rauen Felslandschaft ... Der Boden, auf dem Menschen stehen, ist eine echte Ebene, auf der man tatsächlich stehen kann und die das Auge verfolgen kann der Hintergrund. Bäume und Vegetation im Allgemeinen sind keine Requisiten mehr, manchmal stilisiert, manchmal einfach fiktiv, sondern die Natur selbst... Wenn sich die auf dem Bild erscheinenden Personen dazu entschließen, die Häuser zu betreten, wird dies keine Unannehmlichkeiten verursachen: Sie werden die Dächer nicht durchbrechen Mit ihren Köpfen werden sie die Mauern nicht durchbrechen, mit ihren Schultern werden sie einstürzen. Masaccio begann zu betrachten, wie alles wirklich geschah. Dann verschwanden die konventionellen Posen, die unnatürlichen Fakten und die fiktive Landschaft ganz natürlich.“

Die Hauptthemen von Masaccios Gemälden waren das Leben und Wirken der Apostel, Jesus Christus und Szenen der Erschaffung der Welt. Dabei handelt es sich um die Fresken „Die Vertreibung Adams und Evas aus dem Paradies“ (1427-1428) [Anhang 3] und „Das Wunder des Statir“ (1427-1428) [Anhang 4] in der Kirche Santa Maria del Carmine. Eines von Masaccios frühen Gemälden, Madonna mit Kind und Engeln [Anhang 5], wurde als zentraler Teil eines großen Altars für die Kirche Santa Maria del Carmine konzipiert. Auf einem hohen Thron in einer tiefen Nische sitzt Maria mit einem Baby im Arm. Der goldene Hintergrund, die Heiligenscheine auf den Köpfen und die fließende Kleidung verleihen dem Bild eine besondere Feierlichkeit. Auf dem Bild fällt die Neuheit der künstlerischen Lösung auf. Keiner der Meister des 15. Jahrhunderts. Eine solche Klarheit wird man bei der Darstellung der Raumtiefe nicht finden, „erreicht durch die geometrisch präzise Verkleinerung des Throns.“ Die Figuren fügen sich auf natürliche Weise in den architektonischen Raum mit dem gotischen Bogen und den klassischen Säulen des Throns ein.

„Trinity“ [Anhang 6] ist eine der letzten und vollkommensten Schöpfungen von Masaccio, in der eine völlig neue Interpretation der Handlung der alttestamentlichen Trinität vorgeschlagen wurde. Im dreidimensionalen Raum zeigt der Künstler reale Figuren von Gottvater, Christus und dem Heiligen Geist, die symbolisch das vom menschlichen Geist geschaffene Weltbild verkörpern. In der Fähigkeit, Licht und Schatten zu verteilen, in der Schaffung einer klaren räumlichen Komposition, in der Lautstärke und Greifbarkeit der Figuren ist Masaccio seinen Zeitgenossen in vielerlei Hinsicht überlegen. Indem er den nackten Körper Christi zeigt, verleiht er ihm ideale, heroische Züge, hebt seine Kraft und Schönheit hervor und verherrlicht die Stärke des menschlichen Geistes. In der Kapelle stehen am Fuße des Kreuzes die Jungfrau Maria und der Apostel Johannes. Das Gesicht der Mutter Christi, ohne seine übliche Schönheit, ist dem Betrachter zugewandt. Als Bindeglied zwischen Gott und Mensch weist sie mit zurückhaltender Handbewegung auf den gekreuzigten Sohn hin. In dieser im Allgemeinen statischen Komposition ist die Geste Mariens die einzige Bewegung, die den Raum symbolisch organisiert. Vor dem Bogen, am Eingang zur Kapelle, sind ein kniender Mann und eine kniende Frau im Profil dargestellt – die Auftraggeber der Gemälde für die Kirche.

Die künstlerische Einheit von Masaccio war ebenso wie die des großen Giotto, dem Begründer der neuen italienischen Malerei, nicht identisch mit der realen Realität, sondern stellte etwas Höheres dar, etwas, das keine Kopie dieser Realität sein sollte. Dieses Phänomen wird deutlicher, wenn man das Bild einzelner Figuren analysiert als die gesamte Komposition als Ganzes. Und die Fresken der Brancacci-Kapelle spiegeln in dieser Hinsicht vor allem die neue Ära wider. Eine riesige Kluft trennt die kraftvollen Figuren Christi und seiner Jünger von den anmutig kostümierten Puppen aus den Werken der unmittelbar vorangegangenen Zeit. Nicht nur die kostbaren Moden und unterhaltsamen Details sind verschwunden, sondern auch alle Versuche, den Betrachter durch Wahrhaftigkeit in der Darstellung realer, der Realität entnommener Objekte zu beeinflussen: Das Fresko fängt eine zeitlose, ewige menschliche Existenz ein, die auf die gleiche Weise vor uns erscheint wie in Giotto und noch einmal – ganz anders als er. Dieser Unterschied wird üblicherweise als unterschiedliches Formempfinden definiert. Was in Masaccios Fresken zu sehen ist, ist Typizität, erhaben durch intensives Studium der Natur. Die realen Formen, die den alten ikonografischen Schemata zugrunde liegen, erwiesen sich als so bereichert mit neuem Wissen, dass sie für lebende Menschen nicht mehr wie tote Formeln, sondern erscheinen. Weit entfernt von den schlanken und anmutigen Bildern der späten Trecento-Zeit, die in lebhafter Bewegung dargestellt werden, erinnern diese Figuren an die kraftvollen Charaktere von Giotto. Wie in der antiken Kunst wird hier die Schwere und Leblosigkeit des Körpers mit Hilfe von überwunden lebensnotwendige Energie, und dieses Gleichgewicht dient als Quelle eines neuen Formgefühls und als Quelle dessen, was als wichtigster Inhalt der künstlerischen Darstellung der menschlichen Figur dienen sollte. Und gleichzeitig wird damit die Gotik überwunden.

Masaccios Charaktere sind viel eigenständiger als die von Giotto, daher sind sie voller einem neuen Verständnis der Menschenwürde, das sich in ihrem gesamten Erscheinungsbild ausdrückt. Dieses Verständnis basiert auf der Widerspiegelung einer bestimmten spirituellen Kraft, es basiert auch auf dem Bewusstsein der Helden von Masaccio über ihre eigene Macht und ihren freien Willen. Darin liegt der Moment einiger ihrer Isolation. Denn wie sehr alle diese Charaktere der Heiligengeschichte auch an den dargestellten Ereignissen beteiligt sind, sie zeichnen sich dennoch nicht nur durch ihre Einstellung zu diesen Ereignissen aus, sondern auch durch ihre eigene individuelle Bedeutung, die ihnen den Charakter von Feierlichkeit verleiht. Diese Isolation drückt sich aber auch in der kompositorischen Rolle einzelner Figuren aus. Giotto teilte die traditionelle mittelalterliche Massengruppe der Teilnehmer einer Veranstaltung in einzelne Figuren auf; Bei Masaccio hingegen werden Gruppen aus einzelnen, völlig unabhängigen Figuren gebildet. Jede dieser Figuren scheint in ihrer Position im Raum und in ihrem plastischen Volumen absolut frei. Der gesamte künstlerische Prozess verläuft bei Masaccio anders als in der Kunst der Zeit vor ihm. Wie mittelalterliche Künstler geht Giotto in seinen Kompositionen von einem allgemeinen Konzept aus, in dem den einzelnen Figuren bestimmte inhaltliche und formale Funktionen zugewiesen werden, die ihren Charakter bestimmen. Masaccios Kompositionen zeichnen sich durch eine besondere Originalität aus – sie zeichnet sich dadurch aus, dass trotz aller Errungenschaften in der Darstellung von Figuren und räumlicher Umgebung deren Verbindung untereinander nicht enger geworden ist als zuvor, sondern im Gegenteil geschwächt ist .

Die Darstellung eines landschaftlichen Raumausschnitts ist zunehmend mit der Sinneserfahrung in Einklang gekommen. Diese gelegentlichen Fortschritte in der Perspektive während der Trecento-Zeit werden durch ein universelles und genaueres Perspektivensystem ersetzt. Bei Giotto besteht alles – sowohl Raum als auch Figuren – aus einem Guss und ist als eine Art Einheit aufgebaut, hier sind Fläche und Raum untrennbar miteinander verbunden. Diese absolute Einheit, die alle Elemente der Komposition umschließt und eine solide Struktur des Werkes schafft, wird von Masaccio (und noch mehr von seinen Anhängern) durch eher bedingte Zusammenhänge ersetzt. Dies lässt sich an der Aufteilung des Bildes in drei Szenen erkennen. Dadurch entsteht ein Dualismus von Figur und Raum. Dieser Dualismus ist bei den späteren Meistern der Quattrocento-Zeit noch auffälliger als bei Masaccio, bei dem die Giottsche Komposition etwas stärker spürbar ist; In späteren Meistern führt dieser Dualismus zum Gegensatz von Landschaftshintergrund und Figuren in der Fläche. Dieser Dualismus beruht auf der Tatsache, dass Körper und Raum als getrennte Komplexe visueller Mittel erscheinen. Dadurch werden die Bilder zu einem Nebeneinander von Raum und einzelnen Figuren, wobei die Figuren als wichtigster Bestandteil dieser komplexen Einheit im Vorteil sind.

Ohne diese Tatsache ist es unmöglich, die Entwicklung der Kunst während der Quattrocento-Zeit zu verstehen. Die Kompositionsregeln ändern sich im Laufe des 15. Jahrhunderts nur unwesentlich – dementsprechend sind nur sehr wenige Kompositionsskizzen erhalten –, doch in der Darstellung von Figuren und in der Darstellung von Räumen gibt es kontinuierlich intensive Fortschritte, die nicht nur durch abgeschlossene Werke belegt werden, sondern auch in viel größerem Umfang - zahlreiche Skizzen und Zeichnungen. Der große Akt der Renaissance war nicht gerade die „Entdeckung der Welt und des Menschen“, sondern die Entdeckung materieller Gesetze. Ausgehend von dieser Entdeckung, die in engem Kontakt mit dem antiken Weltverständnis steht, liegt Sinn und Inhalt aller weiteren Kunstentwicklung nun in der Aufgabe eines neuen Bildverständnisses und einer neuen Welteroberung. Die Darstellung des Menschen als wichtigster und verantwortungsvollster Komplex sollte in den Vordergrund des künstlerischen Interesses rücken, und in diesem Bereich ist die weitere Verbesserung des neuen Stils zu beobachten. Wie kurz ist die Zeitspanne, in der Masaccios Leben ihm erlaubte, die Fresken in der Brancacci-Kapelle zu schaffen, so groß sind die Fortschritte, die in dieser Zeit erzielt wurden.

Im schmalen Fresko „Der heilige Petrus heilt mit seinem Schatten“ [Anhang 7] geht Petrus, in seine Gedanken versunken, in Begleitung des heiligen Johannes durch das Armenviertel und sein Schatten heilt die Kranken, die sich in der Nähe der Mauer befinden des Hauses. Die Emotion des Kranken – sie wird in verschiedenen Schattierungen dargestellt, ist ebenso schön gestaltet wie der majestätische Gang des Heiligen. Die Kleidung des Heiligen berührt – genau wie die von Giotto – noch immer den Boden, was Masaccio jedoch meist vermied. um die Motive von Ruhe und Bewegung klarer zu charakterisieren. Aber weite Kleidung, die nur durch seltene Falten innerhalb der Grenzen großer Flächen dargestellt wird und eine plastische Animation erzeugt, erinnert an Giotto. Anzeichen des Realismus der späten Trecento-Kunst finden sich auch in der zweiten Szene, in der die Heiligen Petrus und Johannes Almosen verteilen. Diesmal ist der Stadtrand abgebildet: Hier enden die Straßen, dem Feld sind nur noch wenige Gebäude vorgelagert. Hier versammelten sich die Armen, um bescheidene Geschenke von den Heiligen entgegenzunehmen. So etwas hatte es in der italienischen Malerei natürlich noch nie gegeben: Dank ihrer Erhabenheit und ihres freien Stils ähneln sie klassisch gekleideten Figuren und zeigen, dass der Wunsch, Kleidung in ihrer natürlichen Funktion darzustellen, den Künstler nicht nur zur Nachahmung antiker Vorbilder führte , sondern auch zum Verständnis der künstlerischen Bedeutung antiker Kleidung. Und nicht nur diese Größe, sondern auch das zugrunde liegende Konzept von Schönheit und Vollkommenheit – das kann uns das über dem oben beschriebenen Fresko lehren, das den heiligen Petrus bei der Taufe zeigt. Dieses Ereignis findet in einer verlassenen Bergregion statt, deren kraftvolle Formen die Bedeutung der Szene unterstreichen. Die Konvertiten versammelten sich in einem Halbkreis in der Nähe des Heiligen und begannen, einen knienden Mann im Wasser zu taufen. Schon das gesamte 15. Jahrhundert bewunderte unter den Taufzeugen die Gestalt eines nackten, vor Kälte zitternden jungen Mannes – mehr Aufmerksamkeit verdient jedoch die Gruppe des heiligen Petrus und des knienden Mannes. Giotto stellte in „Die Taufe Christi“ [Anhang 8] den nackten Erlöser dar: die Gestalt eines stehenden, abgemagerten Mannes; In Masaccios Fresko wurde der schöne männliche Körper, ähnlich einer antiken Statue, wieder in die Kunst eingeführt und das klassische Ideal körperlicher Schönheit und Perfektion eingeführt. Masaccio scheint bei der Darstellung des Körpers ein antikes Vorbild verwendet zu haben – und doch wird die gesamte kniende Figur trotz einiger Widersprüche, die erst bei sorgfältiger Betrachtung sichtbar werden, als Ganzes als freie Konkurrenz zum antiken Bild des nackten Körpers wahrgenommen. Um mit gleichen Kräften in einen solchen Wettbewerb einzutreten, mangelte es jedoch noch – und das belegt „Vertreibung aus dem Paradies“ [Anhang 3] – an der genauen Kenntnis eines lebenden Organismus. Der schwere, hoffnungslose Schritt der Menschen, die ihre verlorene Glückseligkeit vor den Toren zurücklassen, wirkt ungeschickt; Die Überwindung dieser Einschränkung war das Problem, das gelöst werden musste. Kenntnisse der Anatomie menschlicher Körper Masaccio erwarb es, indem er mit der Natur arbeitete und Werke der klassischen Bildhauerei studierte; In seinem Werk verzichtete er auf den dekorativen Charakter und die Konventionalität, die der gotischen Kunst innewohnen. Die Figuren, deren Dreidimensionalität durch kraftvolle Cut-Off-Modellierung vermittelt wird, sind maßstabsgetreu mit der umgebenden Landschaft korreliert und unter Berücksichtigung der Licht-Luft-Perspektive gemalt.

Daraus können wir schließen, dass Masaccio ein großer Meister war, der das Wesen der Malerei verstand und über die Fähigkeit verfügte, taktile Werte in künstlerischen Bildern zu vermitteln.

Masaccio war ein würdiger Nachfolger von Giotto, dessen Kunst er gut kannte und sorgfältig studierte. Giotto führte ihn in die monumentalen Formen ein und lehrte ihn, das Wichtige und Bedeutende unter dem Gesichtspunkt einer hohen künstlerischen Einheit darzustellen. Masaccios Kunst beinhaltet das gesamte Programm der neuen Renaissance-Malerei – den Menschen als Zentrum des Universums

Im Gegensatz zu Giotto ist ein charakteristisches Merkmal von Masaccios Werk ein genaueres Studium der Natur. Er war auch der Erste, der den nackten Körper in der Malerei darstellte und einem Menschen heroische Züge verleiht. In der Malerei einer späteren Zeit kann man eine größere Perfektion im Detail finden, aber sie wird nicht den gleichen Realismus, die gleiche Kraft und die gleiche Überzeugungskraft haben. Masaccio erwarb Kenntnisse über die Anatomie des menschlichen Körpers, indem er mit der Natur arbeitete und Werke der klassischen Bildhauerei studierte. In seinem Werk verzichtete er auf den dekorativen Charakter und die Konventionalität, die der gotischen Kunst innewohnen.

Masaccio zeichnet sich durch einen rationalen, dreidimensionalen Raum aus, der nach den Regeln der Perspektive, der Licht- und Schattenverarbeitung der Form aufgebaut ist, wodurch sie konvex und voluminös wird, und durch eine verstärkte Plastizität der Form durch Farbe. Die Figuren, deren Dreidimensionalität durch kraftvolle Cut-off-Modellierung vermittelt wird, sind maßstabsgetreu mit der umgebenden Landschaft korreliert und unter Berücksichtigung der Licht-Luft-Perspektive gemalt.

Masaccio war ein großer Meister, der das Wesen der Malerei verstand. Er war besonders beeindruckt von der Fähigkeit, in künstlerischen Bildern taktile Werte zu vermitteln. Das Konzept des Künstlers wird durch die Aussage eines seiner Zeitgenossen ausgedrückt: Ein Fresko oder Gemälde ist ein Fenster, durch das wir die Welt sehen.

Abschluss

In der Renaissance wurde von der Malerei erwartet, dass sie neue Menschen darstellt, die für große Zwecke bestimmt sind. Der Gegenstand der großen Aufmerksamkeit der Historiker ist nach wie vor eines der Hauptzentren der Renaissance-Kultur – Florenz. Schließlich wurden hier früher als in anderen Stadtstaaten die Voraussetzungen für einen Wandel der Kulturepochen geschaffen, humanistische Ideen der Renaissance geboren und Schriftsteller, Künstler, Architekten und Bildhauer ihre größten Schöpfungen geschaffen. Und darin pulsierte das gesellschaftliche Leben mit ungewöhnlicher Intensität und zog fast die gesamte erwachsene männliche Bevölkerung an, für die Bildung, Erziehung und Kultur keineswegs die geringste Bedeutung hatten.

Die ideologischen Leitlinien der italienischen Renaissancekultur wurden vom psychologischen Klima des Stadtlebens beeinflusst. In der säkular orientierten Kaufmannsmoral begannen sich neue Maximen durchzusetzen – das Ideal menschlichen Handelns, energischer persönlicher Einsatz, ohne den beruflicher Erfolg nicht möglich war, und führten Schritt für Schritt von der kirchlichen asketischen Ethik ab, die das scharf verurteilte Wunsch nach Horten. Das untere städtische Umfeld war am konservativsten; dort wurden die Traditionen der mittelalterlichen Volkskultur fest bewahrt, was einen gewissen Einfluss auf die Kultur der Renaissance hatte.

Giottos Innovation manifestierte sich in drei Hauptmerkmalen seiner Arbeit, die seine Anhänger dann weiterentwickelten. Einerseits wurde die Schönheit der Linien verbessert, es wurden verschiedene Farbverschmelzungen verwendet. Andererseits kommt dem narrativen Element eine große Bedeutung zu. Außerdem sind dem Leben entlehnte Figuren und Szenen mit einem poetischen Verständnis des Ganzen verbunden, und so fließen aus dieser Quelle auch viele realistische Motive hervor, wie etwa die Wahrhaftigkeit in der Darstellung der Natur usw. Giottos Verständnis des Menschen stimmte mit der Natur überein . Für Giotto ist das Bild von Bewegung und Aktion wichtig. Die Gruppierung der Figuren und ihre Gesten sind völlig der Bedeutung des Dargestellten untergeordnet. Mit Linie und Hell-Dunkel, die die ganze Bedeutung des Ereignisses zum Ausdruck bringen, mit zum Himmel oder nach unten gerichteten Blicken, mit Gesten, die ohne Worte sprechen, basierend auf der einfachsten Maltechnik, ohne Kenntnisse der Anatomie, vermittelt Giotto ein Bild der Bewegung.

Masaccio ähnelt Giotto, allerdings wurde Giotto ein Jahrhundert später geboren und befand sich in günstigen künstlerischen Verhältnissen. Er zeigte der florentinischen Malerei den Weg, den sie bis zu ihrem Niedergang nahm. Dieser Weg liegt in der Fähigkeit, Licht und Schatten zu verteilen, in der Schaffung einer klaren Raumkomposition, in der Kraft, mit der er Volumen vermittelt, ist Masaccio Giotto weit überlegen. In der Malerei einer späteren Zeit kann man eine größere Perfektion im Detail finden, aber sie wird nicht den gleichen Realismus, die gleiche Kraft und die gleiche Überzeugungskraft haben.

Nach Giotto vollzog Masaccio den nächsten entscheidenden Schritt, indem er ein kollektives Menschenbild schuf, das nun von der religiösen und ethischen Grundlage befreit und von einer neuen, wahrhaft säkularen Weltanschauung durchdrungen war. Er nutzte die Möglichkeiten des Helldunkels, der Modellierung plastischer Formen, auf neue Weise.

Generell handelt es sich bei dem Phänomen der Renaissance um ein sehr vielschichtiges Phänomen in der kulturellen Entwicklung Europas, dessen Kern eine neue Weltanschauung, ein neues Selbstbewusstsein des Menschen war. In dieser Zeit entwickelte sich die Kunst so schnell wie noch nie zuvor. Jeder Künstler fügt der Entwicklung der Malerei dieser Zeit etwas Eigenes, sein eigenes Alleinstellungsmerkmal hinzu. Daher verlieren große Kunstwerke, die auch in einer fernen Ära geschaffen wurden, nicht nur nicht ihre Bedeutung, sondern erhalten auch neue Nuancen im Verständnis ihres Inhalts sowie ihrer moralischen und ethischen Fragen. Künstlerische Formen, aus der Perspektive der Neuzeit verstanden, und die darin enthaltenen universellen menschlichen Werte begeistern uns zu jeder Zeit.

Literaturverzeichnis:

Argan Dis. K. Geschichte der italienischen Kunst Trans. damit. Im 2v. Unter wissenschaftlich Hrsg. V.D. Daisina - M,: Verlag. Regenbogen, 1990.- 319 S.

Berestovskaya D.S. Künstlerische Kultur der Renaissance. - Symph., 2002.- 143 S.

Bernson B. Maler der italienischen Renaissance, trans. aus dem Englischen Belousova N.A., Teplyakova I.P. – M.; Ed. B.S.G.-Press, 2006.-

Bragina L.M. Italienischer Humanismus - M.: Höher. Schule, 1977.- 252 S.

Burkhard J. Kultur Italiens während der Renaissance.

Gukovsky M.A. Italienische Renaissance. - L.: Staatliche Universität Leningrad, 1990.-618 S.

Dvorak M., Geschichte der italienischen Kunst während der Renaissance. T.1. – M.: Verlag. Kunst, 1971. – 392 S.

Dmitrieva I. A., Kurzgeschichte Künste – M.: Verlag. Kunst. – 1991. – 318 S.

Lazarev V.N., Allgemeine Kunstgeschichte. - T. 3. - M.: Verlag. Art. - 1962. – 510 S.

Lazarev V.N. Der Beginn der Frührenaissance in der italienischen Kunst. - M.: Verlag. Kunst, 1979. – 200 S.

Longhi R., Von Cimabue bis Morandi. – M.: Verlag. Regenbogen. – 1984. – 352 S.

Nesselstraus G. Ts., Kunstgeschichte im Ausland. Mittelalter. Wiederbelebung. – M.: Verlag. Kunst, 1982. – 418 S.

Stepanov A.V., Kunst der Renaissance. Italien XIV.-XV. Jahrhundert. –SPb.: Verlag. ABC ist ein Klassiker. – 2003. – 500 S.

Rotenberg E.I. Kunst aus Italien. Mittelitalien während der Renaissance.-M., 1974. – 310 S.

Anhang 1. Giotto „Kuss des Judas“.

Fresko.

Anhang 2. Giotto „Beweinung Christi“

Fresko.
Scrovegni-Kapelle (Capella del Arena), Padua

Anhang 3. Masaccio „Die Vertreibung von Adam und Eva aus dem Paradies.“

Fresko.

Anhang 4. Masaccio „Das Wunder des Staters“

Fresko.
Kirche Santa Maria del Carmine (Brancacci-Kapelle), Florenz

www.school.edu.ru

Anhang 5. Masaccio „Madonna mit Kind und Engeln“

Holz, Tempera.
Nationalgalerie, London

www.school.edu.ru

Anhang 6. Masaccio „Trinity“

Fresko.
Kirche Santa Maria Novella, Florenz

www.school.edu.ru

Anhang 7. Masaccio „Heiliger Petrus mit seinem Schatten“

Fresko.
Kirche Santa Maria del Carmine (Brancacci-Kapelle), Florenz

In den ersten Jahrzehnten des 15. Jahrhunderts Kunst In Italien gibt es ein entscheidendes... fast Porträt. Dies ist ein typisches Merkmal Kunst früh Renaissance, verursacht durch den Wunsch des Künstlers, sich von... zu befreien.

Frührenaissance(XIV-XV Jahrhundert) wird in der Kunst Italiens vor allem mit Florenz in Verbindung gebracht, wo die Medici Humanisten und alle Künste förderten. Zu Beginn des 15. Jahrhunderts. Die Florentiner Schule ist die Avantgarde der humanistischen Kunst der Renaissance. Hier wurden 1439 die Platonische Akademie gegründet, die Laurentianische Bibliothek und die Medici-Kunstsammlungen gegründet; Schriftsteller, Dichter, Humanisten, Wissenschaftler arbeiten.

Fra Filippo Lippi. Anbetung des Kindes.

Die Wahrnehmung der Realität wird durch Erfahrung, Experimente geprüft und durch Vernunft kontrolliert. Daher der Geist der Ordnung und des Maßes, der für die Kunst der Renaissance so charakteristisch ist. Geometrie, Mathematik, Anatomie und das Studium der Proportionen des menschlichen Körpers sind für Künstler von großer Bedeutung. Dann beginnen sie, die menschliche Struktur sorgfältig zu studieren. Es entsteht ein neues Kriterium zur Beurteilung von Schönheit, das auf der Ähnlichkeit mit der Natur und einem Sinn für Verhältnismäßigkeit basiert. In der Kunst wird besonderes Augenmerk auf die plastische Ausarbeitung von Formen und Zeichnung gelegt. Der Wunsch, die Naturgesetze zu verstehen, führt zum Studium der Proportionen der menschlichen Figur und Anatomie. Im 15. Jahrhundert lösten italienische Künstler auch das Problem der geradlinigen Perspektive, das in der Kunst des Trecento ausgereift war.

In dieser Zeit wurde die antike Kunst bewusst und gezielt studiert, antike Philosophie und Literatur. Der Einfluss der Antike ist jedoch auf die jahrhundertealten und starken Traditionen des Mittelalters, auf die christliche Kunst, zurückzuführen. Heidnische und christliche Handlungsstränge werden miteinander verflochten und transformiert, was der Kultur der Renaissance einen besonders komplexen Charakter verleiht.

Architektur der Frührenaissance.

Der Begründer der Renaissance-Architektur in Italien war Filippo Brunelleschi (1377-1446), ein Architekt, Bildhauer und Wissenschaftler, einer der Schöpfer der wissenschaftlichen Perspektiventheorie. Brunelleschis größte Ingenieursleistung war der Bau der Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz. Dank seines mathematischen und technischen Genies gelang es Brunelleschi, das schwierigste Problem seiner Zeit zu lösen. Die Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore wurde zum Vorläufer zahlreicher Kuppelkirchen in Italien und anderen europäischen Ländern.

Brunelleschi war einer der ersten in der italienischen Architektur, der das antike Ordnungssystem kreativ verstand und auf originelle Weise interpretierte, und legte den Grundstein für die Schaffung eines Kuppeltempels auf der Grundlage der antiken Ordnung. Eine wahre Perle der Frührenaissance war die Pazzi-Kapelle, die Brunelleschi im Auftrag einer wohlhabenden Florentiner Familie errichten ließ (mit deren Bau 1429 begonnen wurde). Der Humanismus und die Poesie von Brunelleschis Schaffen, die harmonische Proportionalität, Leichtigkeit und Anmut seiner Bauten, die Verbindungen zu den gotischen Traditionen bewahren, die schöpferische Freiheit und wissenschaftliche Gültigkeit seiner Pläne bestimmen großer Einfluss Brunelleschi über die weitere Entwicklung der Renaissance-Architektur.

Eine der wichtigsten Errungenschaften Italienische Architektur XV Jahrhundert war die Schaffung eines neuen Typs von Stadtpalästen, die als Vorbild für öffentliche Gebäude späterer Zeit dienten. Italienische Paläste werden Palazzos genannt (vom lateinischen palatium; daher kommt das russische Wort „Kammern“). Merkmale des Palazzo aus dem 15. Jahrhundert sind eine klare Aufteilung des umschlossenen Gebäudevolumens in drei Etagen, ein offener Innenhof mit sommerlichen, geschossweisen Arkaden, der Einsatz von Rustikationen, d.h. Stein mit grob abgerundeter oder konvexer Vorderfläche, zur Fassadenverkleidung, sowie einem stark verlängerten Ziergesims. Ein markantes Beispiel für diesen Stil ist der Kapitalbau des Brunelleschi-Schülers und seines begabten Anhängers Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), Hofarchitekt der Medici-Familie, der Medici-Palazzo Riccardi (1444-60), der als Vorbild für die Bau vieler Florentiner Paläste.

Skulptur der Frührenaissance.

XV Jahrhundert italienische Skulptur, das unabhängig von der Architektur eine eigenständige Bedeutung erlangt hat, blüht. Üben künstlerisches Leben Es beginnen Aufträge von wohlhabenden Handwerkern und Kaufleuten für die Dekoration öffentlicher Gebäude einzugehen; Es finden Kunstwettbewerbe statt. Einer dieser Wettbewerbe – für die Herstellung von Bronze der zweiten Nordtür des Florentiner Baptisteriums (1401) – wird in Betracht gezogen bedeutendes Ereignis, die eine neue Seite in der Geschichte der italienischen Renaissance-Skulptur aufschlug. An diesem Wettbewerb nahm Filippo Brunelleschi teil, der später ein berühmter Architekt wurde. Lorenzo Ghiberti (1381–1455) siegte jedoch. Als einer der gebildetsten Menschen seiner Zeit, der erste Historiker der italienischen Kunst und ein brillanter Zeichner widmete Ghiberti sein Leben einer Art von Skulptur – dem Relief. Ghiberti betrachtete das Gleichgewicht und die Harmonie aller Elemente des Bildes als Hauptprinzip seiner Kunst. Der Höhepunkt von Ghibertis Werk waren die Osttüren des Florentiner Baptisteriums (1425-52), die den Namen des Meisters verewigten. Die Dekoration der Türen umfasst zehn quadratische Kompositionen aus vergoldeter Bronze, die mit ihrer außergewöhnlichen Ausdruckskraft an Gemälde erinnern.

er war einer der größten Bildhauer der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts. war Jacopo della Quercia (1374-1438), ein älterer Zeitgenosse von Ghiberti und Donatello. Sein Werk, reich an vielen Entdeckungen, stand wie abseits gemeinsamer Weg nach dem sich die Kunst der Renaissance entwickelte. Quercias monumentale Reliefs des Hauptportals der Kirche San Petronio in Bologna (Die Erschaffung Adams) hatten einen bedeutenden Einfluss auf die Kunst Michelangelos.

Gemälde der Frührenaissance.

Die große Rolle, die Brunelleschi in der Architektur der Frührenaissance und Donatello in der Bildhauerei spielten, gehörte in der Malerei Masaccio (1401-1428). Der berühmte Kunsthistoriker Whipper sagte: „Masaccio ist eines der unabhängigsten und beständigsten Genies in der Geschichte der europäischen Malerei, der Begründer des neuen Realismus …“ Masaccio setzt die Suche nach Giotto fort und bricht mutig mit mittelalterlichen Kunsttraditionen. In dem Fresko „Dreifaltigkeit“ (1426-27), das für die Kirche Santa Maria Novella in Florenz geschaffen wurde, nutzte Masaccio erstmals die volle Perspektive in der Wandmalerei. In den Gemälden der Brancacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz (1425-28) – der Hauptschöpfung seines kurzen Lebens – verleiht Masaccio den Bildern eine beispiellose lebensnahe Überzeugungskraft, betont die Körperlichkeit und Monumentalität seiner Figuren, vermittelt meisterhaft den emotionalen Zustand und die psychologische Tiefe der Bilder. Im Fresko „Vertreibung aus dem Paradies“ löst der Künstler die für seine Zeit schwierigste Aufgabe, eine nackte menschliche Figur darzustellen. Die strenge und mutige Kunst von Masaccio hatte großen Einfluss auf die künstlerische Kultur der Renaissance, insbesondere auf das Werk von Piero della Francesca und Michelangelo.

Einen besonderen Platz in der Malerei der Frührenaissance nimmt Sandro Botticelli (1445-1510) ein, ein Zeitgenosse von Leonardo da Vinci und dem jungen Michelangelo. Botticellis exquisite Kunst mit Stilisierungselementen (d. h. Verallgemeinerung von Bildern mit konventionellen Techniken – Vereinfachung von Farbe, Form und Volumen) erfreute sich bei gebildeten Florentinern großen Erfolgs. Botticellis Kunst basierte im Gegensatz zu den meisten Meistern der Frührenaissance auf persönlichen Erfahrungen. Unter den vielen Gemälden Botticellis befinden sich einige der schönsten Kreationen der Weltmalerei („Die Geburt der Venus“, „Der Frühling“). Botticelli war außergewöhnlich sensibel und aufrichtig und ging einen schwierigen und tragischen Weg der kreativen Suche – von poetische Wahrnehmung Frieden in der Jugend bis hin zu Mystik und religiöser Erhebung im Erwachsenenalter.

Die Malerei befreit sich von den sie einengenden religiösen und mystischen Inhalten und wendet sich dem Leben, den realen Bildern der Wirklichkeit, dem Menschen zu. Zu den Objekten der künstlerischen Darstellungen gehören neben den Bildern der christlichen Mythologie und der Antike, die ihre Bedeutung behalten, mittlerweile auch lebende Menschen, Helden unserer Zeit. Die Künstler des 15. Jahrhunderts überwanden die gotische Abstraktion der Bilder und entwickelten die besten Merkmale von Giottos Malerei. Sie beschritten den breiten Weg des Realismus. Die monumentale Freskenmalerei erlebt eine beispiellose Blüte.

Masaccio. Der Reformator der Malerei, der die gleiche Rolle bei der Entwicklung der Architektur Brunelleschis und Donatellos in der Bildhauerei spielte, war der nur 27 Jahre alte Florentiner Masaccio (1401-1428), der einen Freskenzyklus schuf, der als Vorbild diente für mehrere Generationen italienischer Künstler, in denen sie eine kontinuierliche Suche nach einem verallgemeinerten heroischen Bild einer Person, einer wahrheitsgetreuen Darstellung der Welt um sie herum, fanden. In Anlehnung an die Tradition von Giotto konzentriert sich der Künstler Masaccio auf das Bild eines Menschen und betont seine harte Energie und Aktivität sowie den bürgerlichen Humanismus. Masaccio macht einen entscheidenden Schritt bei der Verbindung von Figur und Landschaft und führt erstmals die Luftperspektive ein. In Masaccios Fresken wird die flache Plattform – der Schauplatz des Geschehens in Giottos Gemälden – durch ein Bild des echten Tiefenraums ersetzt; Die plastische Licht- und Schattenmodellierung der Figuren wird überzeugender und reicher, ihre Konstruktion ist kräftiger und ihre Eigenschaften vielfältiger. Und außerdem behält Masaccio die enorme moralische Kraft der Bilder, die Giotto in der Kunst fasziniert.

Masaccios Hauptwerk sind die Fresken in der Brancacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz, die Episoden aus den Legenden von St. Petrus und zwei darstellen biblische Geschichte- „Der Sündenfall“ und „Vertreibung aus dem Paradies“.

Zu den unbestrittenen Werken Masaccios gehört das Fresko „Vertreibung aus dem Paradies“. Vor dem Hintergrund einer spärlich skizzierten Landschaft treten deutlich die aus den Toren des Paradieses hervortretenden Figuren Adam und Eva hervor, über denen ein Engel mit Schwert in den Himmel schwebt. Dieses Fresko stellt einen markanten Kontrast zur späten Trecento-Malerei dar, deren Traditionen zur Zeit ihrer Entstehung noch in Florenz vorherrschten. Masaccio verzichtet auf das Durcheinander von Figuren und Objekten sowie auf winzige Details und konzentriert sich auf den dramatischen Inhalt der Handlung, die Inszenierung und die plastische Gestaltung der Figuren. Zum ersten Mal in der Geschichte der Renaissance-Malerei gelang es Masaccio, einen nackten Körper überzeugend zu formen, ihm die richtigen Proportionen zu geben und ihn fest und stabil auf den Boden zu stellen, wo zum ersten Mal in der Renaissance-Malerei nackte Figuren kraftvoll dargestellt werden modelliert durch Seitenlicht. Besonders gelungen ist ihm die Figur des weit ausschreitenden Adam, der beschämt den Kopf senkte und sein Gesicht mit den Händen bedeckte. Der zurückgeworfene Kopf einer weinenden Eva mit eingefallenen Augen und einem dunklen Fleck eines weit geöffneten Mundes ist erstaunlich kühn und allgemein dargestellt.

Einen etwas anderen Eindruck vermittelt das Paarfresko „Der Herbst“. Zwar ist auch hier die allgemeine Gestaltung lakonisch, die Figuren sind plastisch geformt. Allerdings entwickelt sich die Handlung hier träge und fehlt völlig innere Spannung, normalerweise den Werken von Masaccio inhärent, sind die Figuren nicht so sicher platziert wie in „Vertreibung aus dem Paradies“ und erwecken den Eindruck von Statik. Es ist möglich, dass dieses Fresko von Masolino gemalt wurde, der die Werke seines fortgeschritteneren und begabteren jüngeren Bruders nachahmte.

Masaccios Fresken in der Brancacci-Kapelle sind von nüchternem Rationalismus geprägt. Erzählen Sie von den Wundern, die der Heilige vollbracht hat. Peter, Masaccio entzieht den von ihm dargestellten Szenen jeglichen Hauch von Mystik. Sein Christus, Petrus und die Apostel sind irdische Menschen, ihre Gesichter sind individualisiert und von menschlichen Gefühlen geprägt, ihr Handeln wird von natürlichen menschlichen Impulsen bestimmt. Daher werden die Wunder, die sie vollbringen, als Ergebnis der Anstrengung des menschlichen Willens und nicht als Eingreifen der göttlichen Vorsehung wahrgenommen.

Masaccios Kompositionen zeichnen sich durch eine klare Handlungsentwicklung aus. Im Fresko „Wunder mit Steuer“ nimmt der erste Moment der Geschichte den zentralen Platz ein, als Christus und seine Jünger vor den Toren der Stadt von einem Steuereintreiber angehalten wurden, der Geld für die Einreise verlangte. In dieser Gruppe sind drei Hauptfiguren klar erkennbar: Christus, Petrus und der Zöllner. Der Sammler wird vom Künstler von hinten gemalt, steht fest auf dem Boden und versperrt Christus und den Aposteln den Weg. Dies ist die Verkörperung roher Gewalt. Ihm steht Christus gegenüber, ruhig und majestätisch. Er zeigt auf den Fluss, der in der Nähe fließt, und befiehlt Petrus, eine Münze aus dem Maul des Fisches zu nehmen, um die Steuer zu bezahlen. Der Moment des Wunders wird vom Künstler in den Hintergrund gedrängt. Links, in der Tiefe, hockend und über den Fluss gebeugt, öffnet Peter mit Mühe das Maul eines aus dem Wasser ragenden Fisches und holt eine Münze heraus. Auf der rechten Seite reicht Peter dem Wachmann die Münze. Die gesamte Komposition ist aus einer einzigen Perspektive geschrieben, die Köpfe der Charaktere befinden sich auf der Horizontlinie. Die Figuren sind nacheinander im Raum angeordnet und vor dem Hintergrund einer Berglandschaft dargestellt, die sowohl im Maßstab als auch in der Farbe gut mit ihnen korreliert. Masaccio nutzt hier nicht nur die Mittel der linearen, sondern auch der Luftperspektive und mildert die Farben mit zunehmender Tiefe.

Masaccio interpretierte auch die Episoden „Almsgiving“, „Healing by Shadow“ und „Baptism of Converts“ auf einfache und realistische Weise. Die Gesichter der dargestellten Figuren sind individualisiert, offenbar handelt es sich bei vielen davon um Porträts. Einzelne Figuren sind mit großer Beobachtungsgabe dargestellt, beispielsweise der nackte junge Mann, der vor Kälte zittert, in der Szene „Taufe“.

Masaccio brach mit den dekorativen und narrativen Tendenzen, die in der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts die Malerei dominierten. Er machte einen entscheidenden Schritt in der Verbindung von Figur und Landschaft, indem er erstmals eine Luftperspektive und eine natürliche Horizontlinie verlieh. Anstelle einer pompösen dekorativen Farbigkeit trat in den Gemälden und Fresken des Künstlers eine zurückhaltende und harmonische Farbgebung auf.

Castaño. Unter den Anhängern Masaccios ragte Andrea del Castagno (um 1421-1457) heraus, der sich nicht nur für die plastischen Formen und perspektivischen Strukturen der damaligen Florentiner Malerei interessierte, sondern auch für das Problem der Farbe. Die besten der geschaffenen Bilder dieses rauen, mutigen, von Natur aus unebenen Künstlers zeichnen sich durch heroische Stärke und unbändige Energie aus. Dies sind die Helden der Gemälde der Villa Pandolfini (um 1450, Florenz, Kirche Santa Apollonia) – ein Beispiel für die Lösung eines weltlichen Themas. Auf dem grünen und dunkelroten Hintergrund heben sich die Figuren prominenter Persönlichkeiten der Renaissance ab, darunter die Condottieri von Florenz: Farinata degli Uberti und Pippo Spano. Letzterer steht fest auf dem Boden, die Beine weit gespreizt, in Rüstung gekleidet, mit unbedecktem Kopf, in den Händen ein gezogenes Schwert; Er ist ein lebendiger Mensch voller hektischer Energie und Vertrauen in seine Fähigkeiten. Die kraftvolle Licht- und Schattenmodellierung verleiht dem Bild plastische Kraft, Ausdruckskraft, betont die Schärfe einzelner Merkmale und ein helles Porträt, wie es in der italienischen Malerei bisher nicht zu sehen war.

Unter den Fresken der Kirche sticht Santa Apollonia durch den Umfang des Bildes und die Schärfe seiner Merkmale hervor. das letzte Abendmahl"(1445-1450). Diese religiöse Szene - das Mahl Christi umgeben von Jüngern - wurde von vielen Künstlern gemalt, die immer einer bestimmten Art der Komposition folgten. Castagno wich nicht von dieser Art der Konstruktion ab, der helle Charakter der Bilder, Hervorgehoben wird die Nationalität der Apostel- und Christustypen, der tiefe dramatische Ausdruck von Gefühlen, die reiche und kontrastreiche Farbgebung.

Fra Beato Angelico. Die frühen Werke von Fra Beato ähneln stilistisch den spätgotischen Miniaturen und zeichnen sich durch die schwache Entwicklung räumlicher Beziehungen, die Dehnung und Krümmung der Figuren, die sorgfältige Ausarbeitung von Details sowie die Fülle an Gold und lokalen Farben aus. Die Werke von Fra Beato sind von religiösem Gefühl durchdrungen, weisen jedoch keine harsche Askese des Mittelalters auf. Die von ihm geschaffenen Bilder von Christus, Maria und Heiligen sind lyrisch und poetisch; die umgebende Natur ist dem Menschen nicht mehr feindlich gesinnt, sondern offenbart sich ihm in ihrer ganzen Schönheit.

Gemälde des Künstlers nach 1524“ Jüngstes Gericht„(Florenz, Museum von San Marco) wirkt neben den Fresken von Masaccio immer noch sehr gotisch. Es gibt keine Einheit des Raumes darin, die allgemeine Konstruktion ist dem alten ikonografischen Schema untergeordnet. Und doch der Sinn für Realität und Schönheit der Renaissance Die Welt bricht darin durch, insbesondere in der Darstellung des Reigens der Seligen, die auf dem blumenübersäten Gras der Gärten Eden tanzen. Es ist interessant, dass Fra Beato in diesem Bild versucht hat, eine lineare Perspektive zu verwenden, aber es gelang ihm nicht das räumliche Prinzip in allen Teilen der Komposition beizubehalten.

Fra Beato Angelico blieb Masaccios künstlerischer Reform nicht fremd. Nachdem er im Laufe seines langen Lebens eine große Entwicklung durchgemacht hat, beherrscht er es spätere Werke Mittel zur Vermittlung von Volumen und Raum und geht zu einer allgemeineren Malweise über. Dies spiegelte sich zum Teil in seinem großen Freskenzyklus im Kloster San Marco in Florenz wider, in noch größerem Maße aber auch in den Gemälden der Kapelle St. Nikolaus im Vatikan, das letzte große Werk des Meisters.

Paolo Uccello. Auch Paolo Uccello (1397-1475) war zu Beginn seiner Karriere mit der Kunst des späten Trecento verbunden, der sich dann leidenschaftlich für neue Probleme der Kunst interessierte, insbesondere für die Theorie der linearen Perspektive und das Problem der Darstellung einer Figur komplexe Winkel.

Er war Assistent in Ghibertis Werkstatt, während dieser noch an den Nordtüren des Baptisteriums arbeitete. Uccellos frühestes uns bekanntes datiertes Werk ist ein Fresko des Condottiere John Gokwood in der Kathedrale von Florenz (1436). Im Gegensatz zum ersten dieser Werke – dem ein Jahrhundert zuvor entstandenen Fresko von Simone Martini im Palazzo Publico in Siena – stellt Paolo Uccello nicht nur einen auf einem Pferd reitenden Condottiere dar, sondern scheint ein Reiterdenkmal zu imitieren. Bei der Konstruktion nutzt Uccello gekonnt eine lineare Perspektive und erweckt so den Eindruck, als würde der Betrachter das Denkmal quasi von unten nach oben betrachten. Monochrom, lakonisch und verallgemeinert gemalt, sollte dieses Fresko nach dem Plan des Künstlers sozusagen ein skulpturales Denkmal ersetzen.

Uccello gilt auch als Autor der ersten monumentalen Kampfszenen in der Geschichte der westeuropäischen Kunst. Uccello variierte die Kompositionen dreimal mit Episoden aus der Schlacht von San Romano und stellte dabei voller Begeisterung bunte Pferde und Reiter in den unterschiedlichsten perspektivischen Schnitten und Umkehrungen dar. Neben der bekannten archaischen Art offenbaren sie auch die bis ins Exzessive gehende Leidenschaft des Künstlers für Perspektive und Blickwinkel.

Nicht weniger bezeichnend in dieser Hinsicht sind die schlecht erhaltenen Fresken von Uccello in der Kirche Sita Maria Novella, in denen sich kleine, miniaturhafte Technik und eine Fülle von Details mit einem Interesse an der Darstellung von Räumen und einer kühnen Lösung von Winkeln verbinden .

Domenico Veneziano. In der florentinischen Kunst der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts steht Domenico Veneziano (ca. 1410-1461) etwas außerhalb. Als gebürtiger Venezianer lernte er offenbar in seiner Jugend holländische Miniaturen kennen, was sein Interesse an der Problematik von Farbe, Licht und der Darstellung der Textur von Dingen weckte. Er stand der archaischen Kunst Angelicos näher als Masaccio. Seinen Figuren mangelt es an Struktur, und perspektivische Konstruktionen stimmen nicht immer. Gleichzeitig sind Venezianos Werke von subtiler Lyrik durchdrungen und von der Poesie des Lichts und der Farbe durchdrungen. Farbe nimmt in seinen Gemälden eine führende Rolle ein, mit ihrer Hilfe vermittelt er Raum, Luft, Form und Licht und verbindet Figuren mit der Umgebung. Er war einer der ersten in Italien, der Technologie einsetzte Ölgemälde. Zu seinen besten Werken zählen „Die Anbetung der Könige“ (Berlin, Dahlem), „Madonna und Heilige“ (Florenz, Uffizien).

Im 15. Jahrhundert erlangte das Porträtgenre eine eigene Bedeutung. Weit verbreitet ist die Profilkomposition, die von antiken Medaillen inspiriert ist und es ermöglicht, das Bild der dargestellten Person zu verallgemeinern und zu verherrlichen. Eine präzise Linie umreißt ein scharfes Profil in „ Porträt einer Frau"(Mitte 15. Jahrhundert, Berlin-Dahlem, Kunsthalle). In der Harmonie hell leuchtender Farben, transparent, luftig, die Konturen mildernd, erreicht der Künstler eine lebendige direkte Ähnlichkeit und zugleich subtile koloristische Einheit.

Filippo Lippi. Fra Filippo Lippi (ca. 1406-1469) erreicht eine außergewöhnliche Subtilität der Ausführung, sehr zurückhaltende Farben und weltliche Charakterwerke. typischer Vertreter der Frührenaissance, der das Klostergewand gegen den ruhelosen Beruf eines wandernden Künstlers eintauschte. In zarten, lyrischen Bildern – „Die verschleierte Madonna“ (um 1465, Florenz, Uffizien) fing der Maler und flüchtige Mönch Filippo Lippi die rührend weibliche Erscheinung seiner geliebten Lucrezia Buti ein, die ein rundliches Baby bewunderte.

Florentiner Malerei. Die Malerei der Frührenaissance entwickelte sich im letzten Drittel des 15. Jahrhunderts in Florenz auf komplexe Weise, wobei die vielfältigen Probleme des Renaissance-Realismus vielfältige Lösungen fanden – von monumental-episch, heroisch bis genre-narrativ, erhaben poetisch und lyrisch. Das wachsende Interesse an alltäglichen Motiven und Situationsdetails verleiht den Bildkompositionen Züge eines Genres. Die Figuren der Menschen erhalten schlankere Proportionen und Flexibilität.

Ghirlandaio. Die Werke von Domenico Ghirlandaio (1449-1494) und vor allem seine Fresken fassen die Suche der Künstler der Frührenaissance zusammen; darin erscheint er als aufmerksamer Alltagsschreiber des Florentiner Patriziats, der sich geistige Klarheit und einen ruhigen, aufmerksamen Blick auf die Welt bewahrt hat. Die Fresken wurden auf Wunsch der Medici-Familie und ihrer Angehörigen gemalt und haben einen narrativen Charakter, der mit Feierlichkeit und Dekorativität, Interesse an alltäglichen Details und der Übertragung von Licht und Raum verbunden ist. Sie enthalten häufig Porträts von Kunden.

Der Traditionalismus von Ghirlandaios Kunst zeigt sich im Gemälde der Kirche von Ognissanti „Das letzte Abendmahl“ (1480). In Anlehnung an die von seinen Vorgängern gefundene Komposition fasst er die Figuren der Apostel zu Gruppen zusammen, bringt die Konflikthaftigkeit der Situation deutlicher zum Vorschein und achtet auf die Besonderheiten der Szene. Ghirlandaios Hauptwerk sind die Fresken der Kirche Santa Maria Novella (1485–1490) mit Szenen aus dem Leben Marias und Johannes des Täufers.

In mehreren Ebenen übereinander angeordnet, verwandeln sie sich in seiner Interpretation in ein im Wesentlichen feierliches Zeremoniell Alltagsszenen modernes Leben der Stadtbewohner. Die Handlung findet entweder auf der Straße oder im Inneren eines reichen Hauses statt. Im Fresko „Die Geburt Mariens“ sind unter denen, die die gebärende Frau besuchten, nach der damaligen Mode gekleidete Florentinerinnen dargestellt, angeführt von der Tochter des Patriziers Tornabuoni.

Ghirlandaio zeichnet sich unter anderem durch seine sanfte Menschlichkeit und Wärme in „Porträt eines alten Mannes mit seinem Enkel“ (Paris, Louvre) aus, wo kindliche Naivität und Charme mit dem verblassenden Alter kontrastiert werden, das durch tiefe Zärtlichkeit und Fürsorge für ihn verwandelt wird Kind.

Botticelli. Wenn Ghirlandaios Kunst eine Verbindung zur Tradition der ganzheitlichen Weltanschauungsmalerei des frühen 15. Jahrhunderts aufweist, dann finden die Merkmale erhabener Poesie, Raffinesse und aristokratischer Raffinesse ihre lebendigste Verkörperung im Werk von Sandro Botticelli (1445-1510). Der poetische Charme seiner Bilder und ihre tiefe Spiritualität verbinden sich in seinen späteren Werken mit einer tragischen Haltung und schmerzlicher Zerbrochenheit.

Botticellis Frühwerke zeichnen sich durch sanfte Lyrik und Gelassenheit aus. Neben religiösen Kompositionen malt er Porträts voller Innenleben, spiritueller Reinheit und Charme. Seine berühmtesten reifen Gemälde – „Der Frühling“ (um 1480) und „Die Geburt der Venus“ (um 1484, beide – Florenz, Uffizien) – sind von der Poesie des Medici-Hofdichters A. Poliziano inspiriert und zeichnen sich durch Originalität aus der Interpretation von Handlungen und Bildern antiker Mythen, übersetzt durch eine zutiefst persönliche poetische Weltanschauung.

Im Gemälde „Die Geburt der Venus“ gelingt Botticelli eine organische Kombination aus sinnlicher Schönheit und erhabener Spiritualität. Um die dekorativen Merkmale zu verstärken, führt er die konventionelle Technik der Vergoldung der Haare der Göttin ein, die zu einem komplexen linearen Muster verflochten sind. Funkelndes Gold bereichert die exquisite Farbigkeit des Bildes und verbindet sich mit den grünlich-transparenten Tönen des Meeres, den dunklen, satten Tönen der Pflanzen und dem Blau des Himmels. Die Schnelligkeit des linearen Rhythmus, die Reinheit und Zartheit der kalten Töne lassen ein Gefühl der Zerbrechlichkeit und Instabilität des schönen Ideals entstehen. Sowohl die fliegenden Zephyre als auch die Nymphe, die ihren Mantel vor der Venus entfaltet, und die Göttin selbst mit ihrem nachdenklich traurigen Gesicht, in dem verborgene Gefühlsbewegungen durchschlüpfen, werden als Bilder wahrgenommen, die die Natur vergeistigen.

Subtile, anmutige Merkmale weiblicher Typ, von Botticelli in „Venus und Frühling“ gefunden, ist auch in den vom Künstler geschaffenen Madonnenbildern wiederzuerkennen. Das berühmteste von ihnen ist das Magnificat (Madonna in Glory, 1481, Florenz, Uffizien), das von Engeln umgeben ist, die sie krönen. Die in einen Kreis eingeschriebene Komposition spiegelt mit ihren Linien den Rahmen wider. Botticelli findet die komplexesten musikalischen linearen Rhythmen im Aufbau von Kompositionen; Für ihn ist die Linie das wichtigste Mittel des emotionalen Ausdrucks. Gleichzeitig fühlt und vermittelt Botticelli im Gegensatz zu den meisten florentinischen Malern die Schönheit exquisiter Farbkombinationen perfekt.

Die Malerei der Renaissance bildet den goldenen Fundus nicht nur der europäischen, sondern auch der Weltkunst. Die Renaissance löste das dunkle Mittelalter ab, das dem Kern des Kirchenkanons untergeordnet war, und ging der nachfolgenden Aufklärung und dem New Age voraus.

Es lohnt sich, die Dauer des Zeitraums je nach Land zu berechnen. Die Ära der kulturellen Blüte, wie sie allgemein genannt wird, begann im 14. Jahrhundert in Italien, breitete sich dann über ganz Europa aus und erreichte Ende des 15. Jahrhunderts ihren Höhepunkt. Historiker unterteilen diese Epoche in der Kunst in vier Phasen: Proto-Renaissance, Früh-, Hoch- und Spätrenaissance. Natürlich ist die italienische Renaissance-Malerei von besonderem Wert und Interesse, aber auch französische, deutsche und niederländische Meister sollten nicht außer Acht gelassen werden. Es geht um sie im Kontext der Zeiträume der Renaissance, die im Artikel weiter diskutiert werden.

Proto-Renaissance

Die Proto-Renaissance-Periode dauerte ab der zweiten Hälfte des 13. Jahrhunderts. bis ins 14. Jahrhundert Es ist eng mit dem Mittelalter verbunden, in dessen Spätstadium es entstand. Die Protorenaissance ist der Vorläufer der Renaissance und vereint byzantinische, romanische und gotische Traditionen. Die Tendenzen der neuen Ära zeigten sich zuerst in der Skulptur und erst dann in der Malerei. Letztere wurde durch zwei Schulen in Siena und Florenz vertreten.

Die Hauptfigur dieser Zeit war der Künstler und Architekt Giotto di Bondone. Der Vertreter der Florentiner Malerschule wurde zum Reformator. Er skizzierte den Weg der weiteren Entwicklung. Die Merkmale der Renaissance-Malerei stammen genau aus dieser Zeit. Es ist allgemein anerkannt, dass es Giotto in seinen Werken gelang, den in Byzanz und Italien üblichen Stil der Ikonenmalerei zu überwinden. Er machte den Raum nicht zweidimensional, sondern dreidimensional, indem er Hell-Dunkel verwendete, um die Illusion von Tiefe zu erzeugen. Das Foto zeigt das Gemälde „Der Kuss des Judas“.

Vertreter der Florentiner Schule standen an den Ursprüngen der Renaissance und taten alles, um die Malerei aus der langen mittelalterlichen Stagnation herauszuführen.

Die Zeit der Proto-Renaissance gliederte sich in zwei Teile: vor und nach seinem Tod. Bis 1337 wirken und treten die klügsten Meister auf wichtigsten Entdeckungen. Danach wird Italien von einer Pestepidemie heimgesucht.

Renaissance-Malerei: Kurz über die Frühzeit

Die Frührenaissance umfasst einen Zeitraum von 80 Jahren: von 1420 bis 1500. Zu diesem Zeitpunkt hat sie sich noch nicht vollständig von den Traditionen der Vergangenheit gelöst und ist immer noch mit der Kunst des Mittelalters verbunden. Der Hauch neuer Trends ist jedoch bereits zu spüren; die Meister greifen zunehmend auf Elemente der klassischen Antike zurück. Letztendlich geben die Künstler den mittelalterlichen Stil völlig auf und beginnen, mutig die besten Beispiele der antiken Kultur zu verwenden. Beachten Sie, dass der Prozess Schritt für Schritt eher langsam verlief.

Helle Vertreter der Frührenaissance

Das Werk des italienischen Künstlers Piero della Francesca gehört vollständig zur Zeit der Frührenaissance. Seine Werke zeichnen sich durch Noblesse, majestätische Schönheit und Harmonie, präzise Perspektive und sanfte, lichtdurchflutete Farben aus. IN letzten Jahren Im Laufe seines Lebens beschäftigte er sich neben der Malerei intensiv mit Mathematik und verfasste sogar zwei eigene Abhandlungen. Ein anderer Schüler war seiner berühmter Maler, Luca Signorelli, und der Stil spiegelte sich in den Werken vieler umbrischer Meister wider. Auf dem Foto oben ist ein Fragment eines Freskos in der Kirche San Francesco in Arezzo zu sehen: „Die Geschichte der Königin von Saba“.

Domenico Ghirlandaio ist ein weiterer prominenter Vertreter der Florentiner Schule der Renaissance-Malerei der Frühzeit. Er war der Gründer einer berühmten Künstlerdynastie und Leiter der Werkstatt, in der der junge Michelangelo begann. Ghirlandaio war ein berühmter und erfolgreicher Meister, der sich nicht nur mit Freskenmalerei (Tornabuoni-Kapelle, Sixtinische Kapelle), sondern auch mit Staffeleimalerei („Anbetung der Könige“, „Geburt Christi“, „Alter Mann mit Enkel“, „Porträt von Giovanna“) beschäftigte Tornabuoni“ – unten abgebildet).

Hochrenaissance

Dieser Zeitraum, in dem sich der Stil prächtig entwickelte, fällt in die Zeit zwischen 1500 und 1527. Zu dieser Zeit verlagerte sich das Zentrum der italienischen Kunst von Florenz nach Rom. Dies hängt mit der Besteigung des päpstlichen Throns durch den ehrgeizigen und unternehmungslustigen Julius II. zusammen, der die besten Künstler Italiens an seinen Hof lockte. Rom wurde zur Zeit des Perikles so etwas wie Athen und erlebte einen unglaublichen Wachstums- und Bauboom. Gleichzeitig herrscht Harmonie zwischen den Kunstzweigen Bildhauerei, Architektur und Malerei. Die Renaissance brachte sie zusammen. Sie scheinen Hand in Hand zu gehen, sich zu ergänzen und zu interagieren.

Die Antike wird in der Hochrenaissance gründlicher untersucht und mit maximaler Genauigkeit, Strenge und Konsistenz reproduziert. Würde und Ruhe ersetzen kokette Schönheit und mittelalterliche Traditionen geraten völlig in Vergessenheit. Der Höhepunkt der Renaissance wird durch das Werk von drei der größten italienischen Meister markiert: Raphael Santi (das Gemälde „Donna Velata“ im Bild oben), Michelangelo und Leonardo da Vinci („Mona Lisa“ im ersten Foto).

Spätrenaissance

Die Spätrenaissance umfasst den Zeitraum von den 1530er bis 1590er bis 1620er Jahren in Italien. Kunstkritiker und Historiker bringen die Werke dieser Zeit mit einem hohen Maß an Konvention auf einen gemeinsamen Nenner. Südeuropa stand unter dem Einfluss der in ihr siegreichen Gegenreformation, die jegliches Freidenken, einschließlich der Wiederauferstehung der Ideale der Antike, mit großer Vorsicht wahrnahm.

In Florenz dominierte der Manierismus, der durch künstliche Farben und unterbrochene Linien gekennzeichnet war. Allerdings erreichte er Parma, wo Correggio arbeitete, erst nach dem Tod des Meisters. hatte seinen eigenen Entwicklungsweg Venezianische Malerei die Spätrenaissance. Palladio und Tizian, die dort bis in die 1570er Jahre wirkten, sind die bedeutendsten Vertreter. Ihre Arbeit hatte nichts mit den neuen Trends in Rom und Florenz gemein.

Nördliche Renaissance

Mit diesem Begriff wird die Renaissance in ganz Europa, außerhalb Italiens im Allgemeinen und im deutschsprachigen Raum im Besonderen bezeichnet. Es verfügt über eine Reihe von Funktionen. Die nördliche Renaissance war nicht homogen und zeichnete sich durch spezifische Merkmale in jedem Land aus. Kunsthistoriker unterteilen es in mehrere Richtungen: Französisch, Deutsch, Niederländisch, Spanisch, Polnisch, Englisch usw.

Das Erwachen Europas verlief auf zwei Wegen: der Entwicklung und Verbreitung einer humanistischen, säkularen Weltanschauung und der Entwicklung von Erneuerungsideen religiöse Traditionen. Beide berührten sich, manchmal verschmolzen sie, aber gleichzeitig waren sie Antagonisten. Italien wählte den ersten Weg und Nordeuropa den zweiten.

Die Renaissance hatte bis 1450 praktisch keinen Einfluss auf die Kunst des Nordens, einschließlich der Malerei. Ab 1500 verbreitete sie sich auf dem gesamten Kontinent, an einigen Orten blieb der Einfluss der Spätgotik jedoch bis zum Aufkommen des Barock bestehen.

Die nördliche Renaissance zeichnet sich durch einen erheblichen Einfluss des gotischen Stils, eine weniger große Aufmerksamkeit für das Studium der Antike und der menschlichen Anatomie sowie eine detaillierte und sorgfältige Schreibtechnik aus. Die Reformation hatte einen wichtigen ideologischen Einfluss auf ihn.

Französische nördliche Renaissance

Am nächsten an Italienisch ist französische Malerei. Die Renaissance war eine wichtige Etappe der französischen Kultur. Zu dieser Zeit wurden die Monarchie und die bürgerlichen Beziehungen aktiv gestärkt, die religiösen Ideen des Mittelalters traten in den Hintergrund und machten humanistischen Tendenzen Platz. Vertreter: Francois Quesnel, Jean Fouquet (abgebildet ist ein Fragment des „Melen Diptychons“ des Meisters), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.

Deutsche und niederländische Nordrenaissance

Herausragende Werke der nördlichen Renaissance wurden von deutschen und flämisch-niederländischen Meistern geschaffen. Die Religion spielte in diesen Ländern weiterhin eine bedeutende Rolle und hatte großen Einfluss auf die Malerei. In den Niederlanden und in Deutschland ging die Renaissance einen anderen Weg. Im Gegensatz zu den Werken italienischer Meister stellten die Künstler dieser Länder den Menschen nicht in den Mittelpunkt des Universums. Fast das gesamte 15. Jahrhundert hindurch. sie stellten ihn im gotischen Stil dar: leicht und ätherisch. Die prominentesten Vertreter der niederländischen Renaissance sind Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, der Deutsche Albert Dürer, Lucas Cranach der Ältere, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Das Foto zeigt ein Selbstporträt von A. Dürer aus dem Jahr 1498.

Trotz der Tatsache, dass sich die Werke nördlicher Meister erheblich von den Werken unterscheiden Italienische Maler Sie gelten auf jeden Fall als unschätzbare Kunstwerke.

Die Malerei der Renaissance zeichnet sich wie die gesamte Kultur als Ganzes durch einen säkularen Charakter, Humanismus und den sogenannten Anthropozentrismus aus, oder mit anderen Worten, ein primäres Interesse am Menschen und seinen Aktivitäten. In dieser Zeit blühte das Interesse an der antiken Kunst regelrecht auf und es kam zu einer Wiederbelebung. Diese Ära bescherte der Welt eine Galaxie brillanter Bildhauer, Architekten, Schriftsteller, Dichter und Künstler. Nie zuvor und nie danach war die kulturelle Blüte so weit verbreitet.

In den ersten Jahrzehnten des 15. Jahrhunderts kam es zu einem entscheidenden Wendepunkt in der Kunst Italiens. Die Entstehung eines mächtigen Zentrums der Renaissance in Florenz brachte eine Erneuerung der gesamten italienischen Kunstkultur mit sich. Das Werk von Donatello, Masaccio und ihren Mitarbeitern markiert den Sieg des Renaissance-Realismus, der sich deutlich vom „Detailrealismus“ unterschied, der für die gotische Kunst des späten Trecento charakteristisch war. Die Werke dieser Meister sind von den Idealen des Humanismus durchdrungen. Sie heroisieren und erhöhen einen Menschen und erheben ihn über das Niveau des Alltags.

In ihrem Kampf mit der gotischen Tradition suchten Künstler der Frührenaissance Halt in der Antike und der Kunst der Proto-Renaissance. Was die Meister der Proto-Renaissance nur intuitiv, durch Berührung, suchten, basiert heute auf präzisem Wissen.

Die italienische Kunst des 15. Jahrhunderts zeichnet sich durch große Vielfalt aus. Die unterschiedlichen Bedingungen, unter denen örtliche Schulen gegründet werden, führen zu einer Vielzahl künstlerischer Bewegungen. Die neue Kunst, die zu Beginn des 15. Jahrhunderts im fortgeschrittenen Florenz triumphierte, erlangte nicht sofort Anerkennung und Verbreitung in anderen Regionen des Landes. Während Bruneleschi, Masaccio und Donatello in Florenz wirkten, waren die Traditionen der byzantinischen und gotischen Kunst in Norditalien noch lebendig und wurden erst allmählich durch die Renaissance verdrängt.

Das Hauptzentrum der Frührenaissance war Florenz. Die florentinische Kultur der ersten Hälfte und Mitte des 15. Jahrhunderts ist vielfältig und reichhaltig. Seit 1439, seit dem ökumenischen Kirchenkonzil in Florenz, zu dem der byzantinische Kaiser Johannes Palaiologos und der Patriarch von Konstantinopel in Begleitung eines prächtigen Gefolges kamen, und insbesondere nach dem Fall von Byzanz im Jahr 1453, als viele Wissenschaftler aus dem Osten flohen Als er in Florenz Zuflucht fand, entwickelte sich diese Stadt zu einem der wichtigsten Studienzentren Italiens griechische Sprache sowie Literatur und Philosophie des antiken Griechenlands. Und doch ist die Hauptrolle in Kulturleben Florenz in der ersten Hälfte und Mitte des 15. Jahrhunderts gehörte zweifellos zur Kunst.

Die Architektur

Filippo Brunelleschi (1337–1446) ist einer der größten italienischen Architekten des 15. Jahrhunderts. Es eröffnet ein neues Kapitel in der Geschichte der Architektur – die Entstehung des Renaissance-Stils. Die innovative Rolle des Meisters wurde von seinen Zeitgenossen hervorgehoben. Als Leon Battista Alberti 1434 in Florenz ankam, war er erstaunt über das Auftreten von Künstlern, die „keinen der alten und berühmten Meister der Kunst“ nachstanden. Er nannte Brunelleschi den ersten dieser Künstler. Nach Angaben des frühesten Biographen des Meisters, Antonio Manetti, „erneuerte und führte Brunelleschi den Architekturstil ein, der römisch oder klassisch genannt wird“, während er vor ihm und zu seiner Zeit nur „deutsch“ oder „modern“ (also gotisch) war. Architektur wurde gebaut. Hundert Jahre später behauptete Vasari, der große Florentiner Architekt sei auf die Welt gekommen, „um zu geben“. neue Uniform die Architektur."

Brunelleschi brach mit der Gotik und stützte sich weniger auf antike Klassiker als vielmehr auf die Architektur der Proto-Renaissance und die nationale Tradition der italienischen Architektur, die im gesamten Mittelalter klassische Elemente bewahrte. Brunelleschis Werk steht an der Wende zweier Epochen: Gleichzeitig vervollständigt es die Tradition der Proto-Renaissance und legt den Grundstein für einen neuen Weg in der Entwicklung der Architektur.

Filippo Brunelleschi war der Sohn eines Notars. Da ihn sein Vater auf die gleiche Tätigkeit vorbereitete, erhielt er eine breite humanistische Ausbildung. Seine Vorliebe für die Kunst zwang ihn jedoch, vom Weg seines Vaters abzuweichen und bei einem Juwelier zu studieren.

Zu Beginn des 15. Jahrhunderts legten florentinische Herrscher, Zunftorganisationen und Kaufmannszünfte großen Wert auf die Fertigstellung des Baus und der Dekoration der Florentiner Kathedrale Santa Maria del Fiore. Im Grunde war das Gebäude bereits errichtet, die im 14. Jahrhundert geplante riesige Kuppel wurde jedoch nicht verwirklicht. Seit 1404 war Brunelleschi an der Gestaltung der Kuppel beteiligt. Schließlich erhielt er den Auftrag, die Arbeit auszuführen; wird zum Anführer. Die Hauptschwierigkeit des Meisters lag in der gigantischen Spannweite des Mittelkreuzes (über 48 Meter), die besondere Anstrengungen erforderte, um den Ausbau zu ermöglichen. Durch die Anwendung eines genialen Designs löste Brunelleschi das Problem, indem er, in den Worten von Leon Battista Alberta, „eine äußerst geniale Erfindung schuf, die in unserer Zeit wirklich ebenso unglaublich ist, wie sie den Alten vielleicht unbekannt und unzugänglich war.“ Die Kuppel wurde 1420 begonnen und 1436 ohne Laterne fertiggestellt. Sie wurde nach Brunelleschis Zeichnungen nach dem Tod des Meisters fertiggestellt. Dieses Werk des Florentiner Architekten markierte den Beginn des Baus von Kuppelkirchen Italienische Renaissance, bis zum Petersdom, gekrönt von Michelangelos Kuppel.

Das erste Denkmal des neuen Stils und das meiste frühe Arbeit Brunelleschis Werk im Bauingenieurwesen ist die Heimat des Waisenhauses Ospedale degli Innocenti (Krankenhaus) an der Piazza Santissima Annunziata (1419–1445). Beim ersten Blick auf dieses Gebäude fällt der wesentliche und grundsätzliche Unterschied zu gotischen Bauten auf. Die betonte Horizontalität der Fassade, deren unteres Stockwerk von einer zum Platz hin offenen Loggia mit neun Bögen eingenommen wird, die Symmetrie der Komposition, die an den Seiten durch zwei breitere, von Pilastern eingerahmte Öffnungen vervollständigt wird – all das erweckt den Eindruck von Ausgewogenheit, Harmonie und Frieden. Brunelleschi näherte sich jedoch dem klassischen Konzept und verkörperte es in vollwertigen Formen antiker Architektur. Die leichten Proportionen der Säulen, die Anmut und Feinheit der Profilierung der Gesimse offenbaren die Verwandtschaft von Brunelleschis Schöpfung mit der Version der Klassiker, die die Architektur der toskanischen Proto-Renaissance ins Spätmittelalter brachte.

Eines der Hauptwerke Brunelleschis ist die Kirche San Lorenzo in Florenz, die er wiederaufbaute. Er begann mit dem Bau einer Seitenkapelle, die später den Namen Alte Sakristei (1421–1428) erhielt. Darin schuf er eine Art zentrale Renaissance-Struktur mit quadratischem Grundriss und einer auf Segeln ruhenden Kuppel. Das Kirchengebäude selbst ist eine dreischiffige Basilika.

Die Ideen für den Kuppelbau, die in der alten Sakristei von San Lorenzo niedergelegt wurden, wurden in einer der berühmtesten und vollkommensten Schöpfungen Brunelleschis weiterentwickelt – der Pazzi-Kapelle (1430-1443). Es zeichnet sich durch die Klarheit der Raumkomposition, die Reinheit der Linien, die Eleganz der Proportionen und der Dekoration aus. Der zentrische Charakter des Gebäudes, dessen gesamte Volumina um den Kuppelraum gruppiert sind, die Einfachheit und Klarheit der architektonischen Formen, das harmonische Gleichgewicht der Teile machen die Pazzi-Kapelle zu einer Konzentration der neuen Prinzipien der Renaissance-Architektur.

Brunelleschis letzte Werke – das Oratorium der Kirche Santa Maria degli Angeli, die Kirche San Spirito und einige andere – blieben unvollendet.

Neue Trends in Bildende Kunst erschien zunächst in der Bildhauerei. Zu Beginn des 15. Jahrhunderts zogen große Aufträge zur Dekoration der größten Gebäude der Stadt – der Kathedrale, des Baptisteriums, der Kirche Or San Mekele – die von den reichsten und einflussreichsten Werkstätten und Handelsgilden der Stadt kamen, viele junge Menschen an Künstler, aus denen bald eine Reihe herausragender Meister hervorgingen.

Donatello (1386-1466) – der große Florentiner Bildhauer, der an der Spitze der Meister stand und den Beginn der Blütezeit der Renaissance markierte. In der Kunst seiner Zeit fungierte er als wahrer Erneuerer.

Die von Donatello geschaffenen Bilder sind die erste Verkörperung des humanistischen Ideals einer umfassend spirituellen Persönlichkeit und tragen den Stempel einer strahlenden Individualität und eines reichen spirituellen Lebens. Basierend auf einem gründlichen Studium der Natur und der geschickten Nutzung des antiken Erbes löste Donatello als erster Renaissance-Meister das Problem der stabilen Positionierung der Figur, um die organische Integrität des Körpers, seine Schwere und Masse zu vermitteln. Seine Kreativität verblüfft durch die Vielfalt der Neuanfänge. Er belebte das Bild der Nacktheit in bildhauerischer Plastik wieder, legte den Grundstein für ein skulpturales Porträt und goss den ersten Bronzedenkmal, schuf einen neuen Grabsteintyp und versuchte, das Problem einer freistehenden Gruppe zu lösen. Er war einer der ersten, der die Theorie der linearen Perspektive in seinen Werken verwendete. Die in Donatellos Werk skizzierten Probleme bestimmten lange Zeit die Entwicklung der europäischen Skulptur.

Donato di Niccolo di Betti Bardi, der normalerweise mit dem Verkleinerungsnamen Donatello bezeichnet wird. Man geht davon aus, dass er seine erste Ausbildung in den Werkstätten erhielt, die damals an der Ausschmückung des Doms arbeiteten. Es ist wahrscheinlich, dass er hier Brunelleschi nahe kam, mit dem ihn zeitlebens eine enge Freundschaft verband. Bereits 1406 erhielt Donatello seinen ersten unabhängigen Auftrag für eine Statue des Propheten für eines der Portale der Kathedrale. Anschließend schuf er den Marmor „David“ für die Kathedrale (1408-1409, Florenz, Nationalmuseum).

Bereits in diesem frühen Werk ist das Interesse des Künstlers an der Schaffung eines heroischen Bildes erkennbar. Donatello verzichtete auf das traditionelle Bild von König David als altem Mann mit einer Lyra oder einer islamischen Schriftrolle in der Hand und präsentierte David als Jugendlichen im Moment des Triumphs über den besiegten Goliath. Stolz auf das Wissen um seinen Sieg steht David mit in die Seite gestemmten Armen da und zertrampelt den abgetrennten Kopf seines Feindes mit seinen Füßen. Es wird vermutet, dass Donatello bei der Schaffung dieses Bildes des biblischen Helden versucht hat, sich auf alte Traditionen zu stützen. Der Einfluss antiker Vorbilder war insbesondere bei der Interpretation des Gesichts und der Haare spürbar: das Gesicht Davids im Rahmen lange Haare, bedeckt von der Krempe eines Hirtenhutes, ist durch die leichte Neigung des Kopfes nahezu unsichtbar. In dieser Statue finden sich Anklänge an die Gotik in der Haltung der Figur, der Beugung des Oberkörpers und der Bewegung der Arme. Ein kühner Impuls, Bewegung und Spiritualität lassen jedoch bereits Donatellos Temperament spüren.

Donatello strebte in seinen Werken nicht nur nach der objektiven Korrektheit der Proportionen und Konstruktion der Figur, sondern berücksichtigte stets auch den Eindruck, den die Statue bei der Aufstellung an ihrem vorgesehenen Ort hervorrufen würde.

In den Jahren 1411-1412 schuf Donatello eine Statue des Heiligen Markus für eine der Außennischen der Kirche Or San Michele. Der fokussierte Blick ist voller tiefer Gedanken; unter der äußeren Ruhe kann man ein inneres Brennen erkennen. Alles in dieser Figur ist schwer und materiell. Sie spüren, wie die Last Ihres Oberkörpers auf Ihre Beine fällt, wie schwer der dicke Stoff Ihrer Kleidung hängt. Zum ersten Mal in der Geschichte der italienischen Renaissance wurde das Problem der stabilen Positionierung der Figur mit solch klassischer Klarheit gelöst. Donatello lässt hier eine in der antiken Kunst weit verbreitete Inszenierungstechnik wieder aufleben; dieses Motiv offenbart sich in der Figur des Heiligen Markus mit äußerster Klarheit und bestimmt sowohl die Position des leicht gebogenen Rumpfes, der Arme und des Kopfes als auch die Art der Falten der Kleidung.

Donatello, so Vasari, verdient all das Lob dafür, dass er „ebenso viel mit seinen Händen wie mit seinen Berechnungen gearbeitet hat“, nicht wie Künstler, deren „Werke fertig sind und in dem Raum, in dem sie entstehen, schön erscheinen, es aber sind.“ Wenn sie dann von dort herausgenommen und an einem anderen Ort, bei anderer Beleuchtung oder in größerer Höhe platziert werden, erhalten sie ein völlig anderes Aussehen und erzeugen einen Eindruck, der genau das Gegenteil von dem ist, was sie an ihrem vorherigen Ort hervorgerufen haben.“ Die Georgsstatue ist einer der Höhepunkte von Donatellos Schaffen. Hier schafft er Tiefe individuelles Bild und verkörpert zugleich jenes Ideal einer starken Persönlichkeit, eines kraftvollen und schönen Menschen, das ganz im Einklang mit der Zeit stand und sich später in vielen Werken der Meister der italienischen Renaissance widerspiegelte. „George“ Donatello ist ein flexibler, schlanker junger Mann in leichter Rüstung, ein lässig geworfener Umhang bedeckt seine Schultern, er steht selbstbewusst da und stützt sich auf seinen Schild. Das heroische Bild eines jungen Patrioten, der bereit ist, die Florentiner Republik zu verteidigen, ist eindeutig individuell, fast porträthaft. Dies ist ein typisches Merkmal der Kunst der Frührenaissance, bedingt durch den Wunsch des Künstlers, sich vom mittelalterlichen Kanon zu befreien, der die menschliche Persönlichkeit nivellierte.

Donatello verbrachte die letzten Jahre seines Lebens in Florenz. Eine düstere und ängstliche Stimmung bemächtigte sich des Künstlers in diesen Jahren. In seinen Werken werden zunehmend Themen wie Alter, Leiden und Tod thematisiert, auch in der Statue der „Maria Magdalena“ (1445) stellt er die Heilige entgegen der Tradition nicht als blühende und junge, sondern als verwelkte Einsiedlerin dar , erschöpft von Fasten und Reue, gekleidet in Tierhaut. Magdalenes seniles Gesicht mit tief eingefallenen Augen und zahnlosem Mund hat eine erstaunliche Ausdruckskraft.

Donatellos Spätwerk sticht in der florentinischen Kunst der 50er und 60er Jahre heraus. In der Mitte des Jahrhunderts verlor die Skulptur von Florenz ihren monumentalen Charakter und ihre dramatischen Ausdrucksmerkmale. Weltliche und alltägliche Motive finden zunehmend Verbreitung, skulpturale Porträts entstehen und verbreiten sich rasch. Die Malerei von Florenz im ersten Drittel des 15. Jahrhunderts ist reich an Kontrasten. Wie in der Bildhauerei, aber etwas später, vollzieht sich hier ein entscheidender Wendepunkt vom bekannten Einfluss der gotischen Kunst des späten Trecento zur Kunst der Renaissance. Der Leiter der neuen Richtung war Masaccio, dessen Tätigkeit bis ins dritte Jahrzehnt des 15. Jahrhunderts zurückreicht. Masaccios Kunst war ihrer Zeit voraus. Seine radikalen und mutigen Innovationen hinterließen bei den Künstlern großen Eindruck, fanden jedoch nur teilweise Akzeptanz. Masaccio. (1401-1428) – ein kunstbesessener Mann, gleichgültig gegenüber allem, was außerhalb seiner Grenzen lag, nachlässig und zerstreut, und für diese Zerstreutheit erhielt er den Spitznamen Masaccio, was aus dem Italienischen übersetzt „Muff“ bedeutet. Masaccios angeblicher Lehrer ist der Florentiner Masolino. Große Auswirkungen auf junger Künstler trug zur Kunst Giottos bei und pflegte kreativen Kontakt mit dem Bildhauer Donatello und dem Architekten Brunelleschi.

Anscheinend hat Brunelleschi Masaccio bei der Lösung geholfen komplexes Problem Aussichten. Masaccio leitete zusammen mit Brunelleschi und Donatello realistische Richtung in der Kunst der Florentiner Renaissance.

Als sein frühestes erhaltenes Werk gilt „Madonna mit Kind, Heilige Anna und Engel“ (um 1420).

Im Jahr 1422 trat Masaccio der Gilde der Ärzte und Apotheker bei, die auch Künstler aufnahm, und im Jahr 1424 trat er der Gesellschaft der Maler des Heiligen Lukas bei.

Im Jahr 1426 malte Masaccio ein großes Altarpolyptychon für die Carline-Kirche in Pisa.

Das etwa zur gleichen Zeit (1426-1427) in der alten gotischen Kirche Santa Maria Novella in Florenz gemalte Dreifaltigkeitsfresko spiegelt eine neue Phase in Masaccios Werk wider. Die Komposition des Freskos nutzte erstmals konsequent das System der linearen Perspektive, an dem Brunelleschi damals arbeitete. Seine ersten Grundrisse sind von einem Kreuz mit dem gekreuzigten Christus und den kommenden Maria und Johannes besetzt; im zweiten Grundriss ist oben hinter Christus die Gestalt Gottes des Vaters zu sehen.

Die Neuheit von Masaccios Fresko ist nicht nur auf den geschickten Einsatz der linearen Perspektive und die majestätischen Renaissanceformen der von ihm gemalten Architektur zurückzuführen. Neu war die Lakonizität der Komposition, die fast skulpturale Realität der Formen und die Ausdruckskraft der Gesichter.

Der Höhepunkt von Masaccios Kunst sind die Fresken in der Bracacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine, die zwischen 1427 und 1428 fertiggestellt wurden. Die Fresken der Kapelle zeigen Episoden aus der Geschichte des Apostels Petrus sowie zwei biblische Szenen – „Der Sündenfall“ und „Vertreibung aus dem Paradies“. Ab einer Höhe von 1,96 Metern über dem Boden befinden sich die Fresken in zwei Ebenen an den Wänden der Kapelle und in den Säulen, die ihren Eingang flankieren. Eines der berühmtesten Werke Masaccios in der Bracacci-Kapelle ist die Vertreibung aus dem Paradies. Vor dem Hintergrund einer spärlich skizzierten Landschaft treten deutlich die aus den Toren des Paradieses hervortretenden Figuren Adam und Eva hervor, über denen ein Engel mit Schwert schwebt. Zum ersten Mal in der Geschichte der Renaissance-Malerei gelang es Masaccio, einen nackten Körper überzeugend darzustellen, ihm natürliche Proportionen zu verleihen und ihn fest und stabil auf den Boden zu stellen. Was die Ausdruckskraft betrifft, hat dieses Fresko in der Kunst seiner Zeit keine Entsprechungen. Masaccios Fresken in der Bracacci-Kapelle sind von nüchternem Realismus geprägt. Masaccio erzählt von Wundern und entzieht den von ihm dargestellten Szenen jeglichen Hauch von Mystik. Sein Christus, Petrus und die Apostel sind irdische Menschen, ihre Gesichter sind individualisiert und von menschlichen Gefühlen geprägt, ihr Handeln wird von natürlichen menschlichen Impulsen bestimmt. Eine andere monumentale Komposition, „Das Wunder des Denars“, vermittelt die Legende des Evangeliums, die besagt, dass ein Steuereintreiber, nachdem er Christus daran gehindert hatte, mit seinen Jüngern zu gehen, eine Steuer von ihm verlangte. Christus befahl seinem Jünger Apostel Petrus, einen Fisch aus dem See zu fangen, einen Denar daraus zu holen und die Münze dem Sammler zu geben. Diese drei Episoden werden in einem Fresko dargestellt: in der Mitte - Christus im Kreis der Jünger und der Sammler, der ihm den Weg versperrt; links - der Apostel Petrus nimmt einem Fisch einen Denar; rechts - Peter übergibt das Geld dem Sammler. Masaccio schichtet die Figuren nicht wie seine Vorgänger in Reihen auf, sondern gruppiert sie entsprechend der Absicht seiner Erzählung und platziert sie frei in der Landschaft. Mit Licht und Farbe formt er selbstbewusst die Formen von Objekten. Darüber hinaus fällt das Licht, wie in „Vertreibung aus dem Paradies“, entsprechend der Richtung des natürlichen Lichts, dessen Quelle die hoch rechts gelegenen Fenster der Kapelle sind. Während seines kurzen Lebens gelang es Masaccio nicht, sehr viele Werke zu schaffen, aber was er schuf, wurde zu einem Wendepunkt in der Geschichte der italienischen Malerei. Mehr als ein Jahrhundert nach seinem Tod war die Bracacci-Kapelle ein Wallfahrtsort und eine Malerschule. „Jeder, der diese Kunst erlernen wollte, ging ständig in diese Kapelle, um von den Figuren Masaccios die Anweisungen und Regeln für gute Arbeit zu lernen“, zitierte Vasari lange Liste die die Fresken von Masaccio studierten, darunter Leonardo, Raffael und Michelangelo.