Das Bild eines Wiedergeburtsmenschen in der bildenden Kunst. Das Bild eines Mannes in der bildenden Kunst der italienischen Renaissance

Kunst- und Zeichenlehrer

Semjaschkina Ludmila Semjonowna

MBOU-Sekundarschule Nr. 10

3 Viertel

Einen Menschen anschauen. Porträt ein Bildende Kunst.

Lektion 16

Das Bild eines Mannes Hauptthema Kunst.

Ziele: mit dem Bild einer Person in der Kunst vertraut machen verschiedene Epochen, mit der Entstehungsgeschichte des Porträts; ein Verständnis dafür entwickeln, dass ein Porträtbild den Charakter einer Person ausdrücken sollte, seinen Innere; die Fähigkeit zu bilden, Schönheit, Harmonie, Schönheit in der inneren und äußeren Erscheinung einer Person zu finden; aktivieren Sie kognitives Interesse zur Welt und Interesse am Lernprozess.

Methoden und Techniken:

Schriftliche Techniken, partielle Suchmethode, Informationsaufnahme, Nutzung von IKT-Technologie.

Arbeitsformen:

einzeln, paarweise, frontal.

Unterrichtsausstattung:

Für den Lehrer: Computer, Beamer, Leinwand.

Für Studenten: Kreativhefte, Farben, Stifte, Alben.

Während des Unterrichts

Hallo Leute!

Öffne deine Tagebücher und schreibe deine Hausaufgaben für die nächste Lektion auf, die du brauchen wirst: buntes Papier, Klebestift, Schere, Filzstifte und Papier (beige, zartrosa.) Leute, die mir genau zuhören und Fragen beantworten, dann können Sie am Ende der Lektion die Aufgabe, die ich geben werde, leicht bewältigen Sie.

Und ich werde den Unterricht mit einem Gedicht von Nikolai Zabolotsky beginnen.

Liebe Malerei, Dichter!

Nur sie, die einzige, ist gegeben

Seelen mit veränderlichen Zeichen

Auf Leinwand übertragen.

Erinnerst du dich, wie aus der Dunkelheit der Vergangenheit

Kaum in Satin gehüllt

Wieder aus dem Porträt von Rokotov

Hat Struyskaya uns angesehen?

Ihre Augen sind wie zwei Wolken

Halb lächeln, halb weinen

Ihre Augen sind wie zwei Lügen

Bedeckt im Nebel des Scheiterns.

Kombination zweier Geheimnisse

Halb Entzücken, halb Angst

Ein Anfall wahnsinniger Zärtlichkeit,

Die Erwartung der Todesqualen.

Wenn es dunkel wird

Und der Sturm kommt

Aus dem Grund meiner Seele flimmern

Ihre schönen Augen.

Lehrer: worum geht es in diesem gedicht? Welchen Namen kann man ihm geben?

Kinder: Porträt.

Lehrer: Korrekt! Also, Sie haben es wahrscheinlich schon erraten.

Das Thema der heutigen Stunde? - Porträt.

Lehrer: Und wer weiß, was ein Porträt ist?

Kinder: …

Ein Porträt ist ein Bild oder eine Beschreibung einer Person oder Personengruppe, die in der Realität existiert oder existiert hat.

Lehrer: Leute, was kann mit Hilfe eines Porträts gezeigt oder vermittelt werden?

Kinder: …

Lehrer: Mit Hilfe eines Porträts können Sie den Charakter, die innere Welt, Lebenswerte Person, und auch zu welcher Zeit diese Person gelebt hat.

Lehrer: Leute, schreiben wir die Definition auf. Auf der linken Seite des Albums.

Heute lernen Sie in der Lektion die Entstehungsgeschichte des Porträtgenres kennen.

Das Porträt erschien vor mehreren Jahrtausenden in unserer Welt. Bereits im alten Ägypten schufen Bildhauer ein ziemlich genaues Abbild der äußeren Erscheinung eines Menschen.

Lehrer: Leute, weiß jemand, warum Bildhauer Statuen geschaffen haben? eine exakte Kopie Mensch?

Kinder: …

Lehrer: Die Statue erhielt eine Porträtähnlichkeit, damit nach dem Tod eines Menschen seine Seele darin einziehen und seinen Besitzer leicht finden konnte. Einer von berühmte Porträts aus dieser Zeit ist ein Porträt der Nofretete (um 1360 v. Chr.) -Folie 1

Lehrer: Leute, schaut euch ihre Gesichtszüge an, was für ein langer schöner Hals, schaut euch an, wie stolz sie ihren Kopf hält. Leute, da dies eine Skulptur ist, drehen wir sie um und betrachten sie von der anderen Seite.-Folie 2.

Lehrer: Leute, achtet auf die Augen von Königin Nofretete, es gibt kein einziges Auge. Warum denken Sie?

Kinder: In dem Moment, als die Büste geschaffen wurde, lebte die Königin noch.

Lehrer: Das ist richtig, gut gemacht!

Leute, diese Bilder wurden nicht zum Bewundern geschaffen, sondern für Bestattungskulte. Die Ägypter glaubten an ein Leben nach dem Tod.

MalerischFayum-Porträts in der Technik hergestelltEnkaustik . (Wachsmalerei). -Folie 3

Fayum-Porträts - In der Enkaustik-Technik hergestellte Bestattungsporträts wurden im römischen Ägypten in der Stadt Fayum gefunden. Sie sind ein Element der lokalen Kultur, die unter dem griechisch-römischen Einfluss modifiziert wurde. Bestattungstradition: Porträt ersetzt traditionell Trauermaske auf Mama.

Wahrhaftigkeit und Genauigkeit psychologische Eigenschaft antike römische Porträtbüsten zeichneten sich aus. Sie spiegelten den Charakter und die Persönlichkeit einer bestimmten Person wider. Das Abbild des Gesichts einer Person in Skulptur oder Malerei hat Künstler schon immer angezogen. Das Porträtgenre blühte besonders in der Renaissance auf, als die humanistische, aktive, menschliche Persönlichkeit als Hauptwert akzeptiert wurde. (Leonardo da Vinci, Raffael, Tizian)Folie 4,5,6

Leonardo da Vinci "Monna Lisa" - Madonna Lisa war sehr schön, dann hielt er beim Malen des Porträts von Leonardo da Vinci Leute, die Leier spielten oder sangen, und es gab immer Narren, die sie fröhlich hielten und die Melancholie beseitigten, die die Malerei normalerweise mit dem Porträt kommuniziert.

Lehrer: Leute, aber das ist nur eine Annahme, aber es gibt viele von ihnen.

Der Humanismus bekräftigt den Wert eines Menschen als Person, sein Recht auf Freiheit, Glück, Entwicklung, Manifestation seiner Fähigkeiten.

Meister der Renaissance vertieft den Inhalt Porträtbilder, sie mit Intelligenz, spiritueller Harmonie und manchmal innerem Drama ausstatten. In Russland begann sich das Porträtgenre seit Beginn des 18. Jahrhunderts aktiv zu entwickeln. (F. Rokotov, D. Levitsky, V. Borovikovsky) schuf eine Reihe großartiger Porträts von Adligen. -Folie 7. Besonders lieblich und charmant, durchdrungen von Lyrik und Spiritualität waren weibliche Bilder von diesen Künstlern gemalt.

D. Levitsky. Porträt von Maria Alexejewna , durchdrungen von der tiefen Sympathie des Autors für sein Vorbild. Der Charme und die Attraktivität einer jungen Frau machten viele ihrer Freunde, Dichter widmeten ihr Gedichte.

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts wird eine verträumte und gleichzeitig zu heroischen Impulsen neigende romantische Persönlichkeit zur Hauptfigur der Porträtkunst (in den Gemälden von O. Kiprensky, K. Bryullov.) -Folie 8.9 . Im 20. Jahrhundert vereint das Porträt die umstrittensten Trends - lebendige realistische individuelle Merkmale und abstrakte ausdrucksstarke Demonstrationen von Modellen (P. Picasso, A. Bourdel, M. Vrubel.)Folie 10, 11.

Lehrer: Leute, welche Arten von Portraits kennt ihr?Folie 12.

Kinder: …

Lehrer:

Parade

Kammer.

Lehrer: Leute, was bedeutet vorne?

Kinder: Ein solches Porträt wird ausgestellt, und ein Zimmer oder (intimes) ist für einen engen Personenkreis bestimmt.

Zeremonielles (repräsentatives) Porträt - beinhaltet in der Regel das Hineinweisen einer Person vollständige Höhe(auf einem Pferd, stehend oder sitzend). In einem formellen Porträt wird die Figur normalerweise vor einem architektonischen oder landschaftlichen Hintergrund dargestellt.

Kammerportrait - Taillen-, Brust-, Schulterbild wird verwendet. Die Figur wird oft auf neutralem Hintergrund dargestellt.

Das Porträt kann auch doppelt oder gruppiert sein.

Gruppe - auf verschiedenen Leinwänden gemalte Porträts genannt, wenn sie in Komposition, Format und Farbigkeit miteinander übereinstimmen. Meistens sind dies Porträts von Ehepartnern.

Nicht selten bilden Porträts ganze Ensembles - Porträtgalerien. Sie zeigen in der Regel Vertreter der gleichen Gattung, einschließlich lebender Familienmitglieder und ihrer Vorfahren.Folie 13

Wenn in einem Porträt eine Person in Form eines historischen, theatralischen oder literarischer Charakter dieses Porträt heißtKostüm. Die Namen solcher Porträts enthalten die Wörter"als" oder"im Bild" zum Beispiel (Catherine 2 als Minerva.)Folie 14

Minerva ist die Blitzgöttin der Berge und nützlicher Entdeckungen und Erfindungen.

Sie haben also gelernt, dass Portraits uns nicht nur Bilder von Menschen aus verschiedenen Epochen vermitteln, einen Teil der Geschichte widerspiegeln, sondern auch darüber sprechen, wie der Künstler die Welt gesehen hat, wie er mit der porträtierten Person umgegangen ist.

Lehrer: Und jetzt werde ich prüfen, wer mir aufmerksam zugehört hat.

Also, jetzt lösen wir ein Kreuzworträtsel zum Thema Porträt. Ich werde die Fragen lesen und Sie werden antworten.

Ein Portrait, das für einen engen Personenkreis bestimmt ist.

(Kammer)

Wenn eine Person in einem Porträt dargestellt wird, als welche Art von historischer, theatralischer oder literarischer Figur wird ein solches Porträt bezeichnet? (Kostüm)

Die Hauptaufgabe dieses Porträt Verherrlichung von königlichen Personen und ihrem Gefolge, von edlen und hochrangigen Personen. Ist dieses Porträt ausgestellt? (Haustür)

Wie hieß die altägyptische Königin? (Nofretete)

Wo wurden die ersten mit Wachsfarben gemalten Bildporträts gefunden? (in Fayoum)

Wie heißt das Brustbild einer Person in der Skulptur?

(Büste)

Wenn Sie sehen, was auf dem Bild ist

Einer von uns schaut zu

Oder ein Prinz alter Regenmantel,

Oder ein Kletterer in einem Gewand,

Pilot oder Ballerina

Oder Kolka, deine Nachbarin, -

Unbedingt bildlich darstellen

Es heißt Porträt.

Lehrer: Leute, schaut, es stellte sich das Wort Porträt heraus.

Zusammenfassung der Lektion:

SELBSTEINSCHÄTZUNGSBLATT DER SCHÜLER IN DER UNTERRICHTSSTUNDE:

Ergänzen Sie die Sätze:

2. Es war schwierig für mich im Unterricht _____________________________________________

_______________________________________________________________

3. Jetzt kann ich _________________________________________________

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4. Beim Unterricht ist es mir gelungen _______________________

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Hausaufgaben: Schreiben eine kurze Geschichteüber ein Porträt.

Lehrer: Du warst heute aktiv, hast gut zugehört, gut gemacht! Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit, die Lektion ist beendet. Auf Wiedersehen.

Folie 2

Tor

Führen Sie die Schüler in das Porträtgenre ein.

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Aufgaben

Vertiefung des Wissens über die Gattungen der Bildenden Kunst. Kennenlernen der Geschichte des Porträts Kennenlernen der Arten von Porträts Entwicklung von Fähigkeiten zur Analyse von Werken der bildenden Kunst Den Sinn für Schönheit wecken.

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Die Aufgabe, ein Porträt zu schaffen, lässt uns einen Menschen neu sehen, ihn für uns entdecken. Es ist erstaunlich, wie Menschen nicht gleich aussehen! Es scheint, dass alles gleich angeordnet ist - Augen, Nase, Lippen und Blicke in Gesichter, Sie staunen menschliche Individualität! Die besondere Lebensweise eines jeden Menschen hinterlässt Spuren in seinem Erscheinungsbild.

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Ein Porträt ist ein Bild einer bestimmten realen Person. Die Bedeutung des Porträts liegt im Interesse an seiner Persönlichkeit, die mit individuellen Qualitäten ausgestattet ist.

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Für uns gibt es immer die Freude der Anerkennung. Aber was heißt „mögen“ oder „nicht mögen“? Je nach Form und Proportionen werden die Details des Gesichts wiedergegeben – reicht das aus? Ebenso wichtig ist es, die Besonderheiten seines Verhaltens, seiner Haltung und seines Temperaments zu vermitteln. P.-P. Rubens. PORTRÄT DER WARTUNG DER INFANTA ISABELLA. Fragment. Öl. Flandern. 17. Jahrhundert

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Die Kunst brachte uns die Gesichter verschiedener Epochen und Völker. Wir sehen sie so, wie sie sich selbst vorgestellt haben, aber jedes Bild ist für uns mehr als nur die Ähnlichkeit mit einer Person. In jedem Bild können Sie die Ideale der Ära, das Verständnis der umgebenden Welt, die Natur des Lebens sehen. Und genau das schätzen wir besonders an Portraits. Das Lebensverständnis eines Künstlers bereichert unser Selbstverständnis. F. Lippi. Fragment der Tempelmalerei. Fresko. Italien. 15. Jahrhundert

Folie 8

Bei Ausgrabungen in Fayoum, in der Nähe von Kairo, wurden Tafeln mit Porträts aus Wachs gefunden. Atemberaubende realistische Bilder von Menschen, die vor zweitausend Jahren lebten, erschienen vor den verblüfften Forschern. Ihre Augen sind auf uns gerichtet, in ihren Bildern die Vorherrschaft von Spiritualitätüber den Körper.

Folie 9

BEI Antikes Rom die aufmerksamkeit der künstler konzentrierte sich auf die merkmale des gesichts - jede falte, falte oder narbe, die enthüllt wurde Lebensweg Mensch, seine Natur. Hier kümmerten sie sich nicht um äußere Schönheit, sondern betonten in jedem Porträt Geistesstärke, strenges Selbstvertrauen und den Willen zum Handeln. Porträt von Kaiser Philipp Marmor. Antikes Rom. 1. Jahrhundert

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Die byzantinische Kaiserin Theodora offenbart sich im schimmernden Mosaik aus vielfarbigen Glaswürfeln – smalt. Sie ist an der Wand des Tempels an der Spitze der Prozession abgebildet. Diese Frau hatte eine widersprüchliche, heller Charakter und ein ereignisreiches Schicksal, aber ihre persönlichen Qualitäten können nicht in dem distanzierten Ausdruck eines königlichen Gesichts, einer erstarrten Pose, gesehen werden.

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Das Wort "Porträt" selbst kommt von Lateinisches Wort. Es kann mit „Extraktion der Essenz“ übersetzt werden, also der Identifizierung interne Inhalte. Dies ist die Hauptaufgabe der Schaffung eines künstlerischen Bildes, nur die Bedeutung dieses inneren Inhalts ist veränderlich, und daher wird immer nach Neuem gesucht künstlerische Mittel, eine neue Bildsprache.

Folie 12

Im Werk des Künstlers Jean Clouet stört ein detailreiches Kostüm nicht, das Antlitz von König Franz I. zu sehen. Edle Zurückhaltung und leidenschaftslose Majestät verbinden sich mit Anmut und einem unfreundlichen, eigensinnigen Blick. J. Clouet. Franz I. Öl. Frankreich. 16. Jahrhundert

Folie 13

Die Behauptung, dass durch Aussehen Sie können die spirituelle Essenz vermitteln, sie wurde im Mittelalter besonders wichtig. Mit der Renaissance kommt ein neues Interesse an echte Person, zur Originalität seiner Persönlichkeit. Die Künstler des Nordens Europas haben das Abbilden gelernt bestimmte Menschen mit besonderem Augenmerk auf die Originalität ihrer Individualität.

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In der russischen Kunst wandten sich Künstler erstmals im 17. Jahrhundert der Erstellung von Porträts zu. Und zuerst schrieben sie sie genauso wie Ikonen - auf die Tafel mit Temperafarben. Solche Porträts wurden nach dem Wort „Person“ Parsuns genannt. Seit Peter I. begann sich die Porträtkunst in Russland rasant zu entwickeln.

Folie 15

Folie 16

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Familienporträts schmückten oft Büros und Wohnzimmer Adelsgüter

Folie 18

Zu spätes XVIII in. Russische Maler haben eine perfekte Meisterschaft erreicht. Porträts wurden normalerweise in Vorder- und Kammer unterteilt.

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Das Hauptporträt sollte normalerweise die soziale Position des Helden zeigen. Solche Gemälde sind optimistisch und feierlich in der Natur. O. A. Kiprensky. Porträt von E. V. Davydov. Öl. Russland. 19. Jahrhundert

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Nicht weniger wichtig war das Kammerporträt, in dem großartige Aufmerksamkeit bezahlt individuelle Eingenschaften Person. Sein Gesicht ist dem Betrachter meist nah und gibt vertraulich die innere Welt des Helden preis. Besonders geschätzt wurde damals eine sehr komplexe und subtile Fähigkeit, subtil zitternde Schattierungen von Erfahrungen zu vermitteln. Porträt von Maria Lopukhina - das berühmteste der Porträts - Bilder der Jugend, nachdenklich und gleichzeitig ein wenig böses Mädchen in einem weißen Kleid in einer Landschaft

Folie 21

A. G. Wenezianow. Selbstportrait. Öl. Russland. 19. Jahrhundert

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Auch in der Bildhauerei entstanden herausragende Porträtarbeiten. Die Bildhauerei entwickelte sich zunächst langsamer, weil es in Russland keine Tradition gab bildhauerische Denkmäler(zu Ehren Wichtige Veranstaltungen gelegte Tempel), aber nach und nach erschienen ihre Meister. Der hellste war F. I. Shubin.

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Fragen

Warum kann nicht jedes Bild einer Person als Porträt bezeichnet werden? Wie kann man das erklären künstlerisches Porträt zeigt sich durch die Position des Autors Künstler? Wie verhält es sich mit der Aufgabe der Porträtähnlichkeit? Wie erklären Sie, wie sie sich voneinander unterscheiden? formelles Porträt und lyrisches Kammerportrait?

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P.-P.Rubens Porträt der Kammerzofe Infantin Isabella Kaiserin Elizaveta Petrovna. Porträt von K. G. Prenner. 1754 Staatliche Tretjakow-Galerie

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Ziele: sich mit dem Bild einer Person in der Kunst verschiedener Epochen vertraut zu machen, mit der Geschichte des Erscheinens des Porträts; ein Verständnis dafür zu entwickeln, dass der Charakter einer Person, ihre innere Welt in einem Porträtbild zum Ausdruck kommen sollte; die Fähigkeit zu bilden, Schönheit, Harmonie, Schönheit in der inneren und äußeren Erscheinung einer Person zu finden; kognitives Interesse an der Welt um uns herum und Interesse am Lernprozess zu aktivieren.

Ausstattung: Reproduktionen von Gemälden mit Porträts verschiedener Epochen; Reproduktionen von Leonardo da Vincis Gemälde „La Gioconda“; Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Ilya Efimovich Repin "Die feierliche Sitzung des Staatsrates".

Wörterbuch: Porträt.

Während des Unterrichts

1. Organisatorischer Moment.

Grüße.

Ich sehe mich in einem Spiegel
Aber dieser Spiegel schmeichelt mir... -

schrieb Alexander Sergejewitsch Puschkin, nachdem er sein von Orest Adamowitsch Kiprensky gemaltes Porträt gesehen hatte. Der Dichter sah zweifellos aus wie er selbst: dasselbe lange Gesicht, dieselben lockigen Haare und lebhaften Augen, Koteletten, die klare und zarte Züge umrahmten. Aber wo sind sein angeborener Unfug und seine Ironie geblieben? Ein majestätischer Weiser erschien ein wenig müde und traurig vor Puschkin. So sah der Künstler den Dichter. So stellen wir uns hundertsiebzig Jahre später Puschkin vor.

2. Neues Material lernen.

Das Thema unserer Lektion ist „Portrait“.

Das Genre, das dem Bild einer Person oder einer Gruppe von Personen gewidmet ist, wird Porträt genannt. Das Wort "Porträt" kommt vom lateinischen Wort. Es kann mit „Essenzextraktion“ übersetzt werden, d.h. enthüllt den inneren Inhalt. Es zu zeichnen scheint nicht die einzige und bei weitem nicht die Hauptaufgabe eines Porträtmalers zu sein. Er muss auch die innere Welt, den Geisteszustand einer Person, ihre Position in der Gesellschaft vermitteln. Und vor allem muss der Porträtmaler seine persönliche Einstellung zum Modell (wie die Porträtierte genannt wird) zum Ausdruck bringen. Der Künstler hat das Recht auf eine eigene Meinung, auch wenn sich der Abgebildete anders darstellt.

„Aus der Geschichte des Porträts“

Die Kunst der Porträtmalerei wurde vor mehreren tausend Jahren geboren. Die frühesten erhaltenen Werke dieses Genres sind riesige skulpturale Bilder der altägyptischen Pharaonen, die aus Stein gemeißelt sind. Tausende von Sklaven arbeiteten an ihrer Herstellung. Diese riesigen Statuen sollten die Pharaonen zu einer unerreichbaren Höhe erheben, sie mit Göttern vergleichen.

Im alten Ägypten gab es kleinere Skulpturen. Zum Beispiel die Porträts von Pharao Echnaton, Königin Nofretete und ihren sechs Töchtern, die in der Werkstatt des Bildhauers Thutmes angefertigt wurden. Vor uns sind gewöhnlich menschliche Gesichter, aber so gekonnt ausgeführt, dass es schwer ist, an ihr aktuelles „Alter“ zu glauben - dreieinhalbtausend Jahre!

Das Genre des skulpturalen Porträts erreichte seine Perfektion im antiken Griechenland, wo die menschliche Persönlichkeit so hoch geschätzt wurde. Vorbilder für die Bildhauer waren Philosophen, Dichter, Politiker, die sich um das Land verdient gemacht hatten. Daher schuf der Künstler, der eine bestimmte Person darstellte, gleichzeitig das Bild eines idealen Bürgers.

In der Kunstgeschichte ist die Gattung Porträt nicht nur nie ausgestorben, sondern hat im Gegenteil zu allen Zeiten geblüht – vor allem, weil es immer Kunden gab.

Im alten Rom waren sie edle Bürger und Mitglieder ihrer Familien. Jetzt können wir viel darüber erfahren, wie sie sich in jenen fernen Zeiten kleideten, welche Frisuren und welchen Schmuck sie trugen – wie genau und wahrheitsgemäß die römischen Bildhauer arbeiteten.

Neben dem Üblichen entwickelte sich auch ein allegorisches (allegorisches) Porträt. Im alten Ägypten wurden die Pharaonen in Form des Gottes Osiris, der Königin - der Göttin Isis - dargestellt. Im antiken Griechenland wurde Zar Alexander der Große als Märchenheld Herkules dargestellt, der in ein Löwenfell gekleidet war und eine Keule hielt. Und im alten Rom erhielt der Kaiser das Aussehen der höchsten Gottheit des Jupiter.

Die Gattung des Bildporträts entwickelte sich später, in der Renaissance. Dann wurde das Porträt in Vorder- und Kammer unterteilt.

Das zeremonielle Porträt zeigt einen Mann im Moment seines Triumphes. Sein ganzes Erscheinungsbild spricht beredt davon: prächtige Kleidung mit Abzeichen und Dekorationen, eine kunstvolle stolze Pose. Es scheint, dass das Model offen für den Künstler posiert.

Das komplette Gegenteil der Eingangstür ist ein Kammerporträt. Der Name selbst deutet darauf hin, dass es nicht für Festsäle, sondern für kleine Räume gedacht ist (das Wort „Kammer“ bedeutet auf Lateinisch „Raum“). Ein Kammerporträt führt uns in die innere Welt einer oft unbekannten Person ein. Die Pose des Models ist entspannt. Es entsteht der Eindruck, dass der Porträtierte gar nicht ahnt, dass er gemalt wird.

Die Porträtmalerei erreichte im 17. Jahrhundert ihre größte Blüte. Aus dieser Zeit sind uns Bilder von Herren und Bauern, Kindern und Greisen, Königen und Narren überliefert ... Unglaublich, all diese menschliche Vielfalt wurde in seinem Werk vom spanischen Künstler Diego Velasquez verkörpert.

Er war viele Jahre Maler am Hofe der spanischen Könige. Seine zeremoniellen Porträts sind sehr feierlich und großartig. Sie repräsentieren die königliche Familie und den Hofadel in all ihrer äußeren Pracht: exquisite Kostüme aus Samt und Brokat, mit Juwelen besetzt und mit Gold und Spitzen bestickt, versetzen die reichste Fantasie in Staunen.

Aber die Posen der Models erinnern zu sehr an die Posen von Schaufensterpuppen und für auffälliger Luxus keine menschliche Seele ist sichtbar.

Der Künstler malte diese Gemälde auf Bestellung und für sich selbst malte er königliche Narren. Die von ihrem Umfeld ständig verspotteten Freaks lösten bei Velasquez tiefes Mitgefühl und Mitgefühl aus, was in zahlreichen Porträts deutlich wird.

Der Künstler enthüllte uns, dass die innere Schönheit und der Adel dieser Menschen hinter bescheidener Kleidung und körperlichen Mängeln verborgen waren.

Ein brillanter Meister des Kammerporträts war Niederländischer Maler Rembrandt Harmens van Rhein. Die von ihm geschaffenen Bilder sind von einer Vielzahl von Gefühlen durchdrungen: Freude, Traurigkeit, tiefes Nachdenken, Müdigkeit, Würde, Neugier. Rembrandts Modelle scheinen zu uns zu sprechen. Wir hören deutlich jede ihrer Geschichten, „erzählt“ durch Augenbewegungen, eloquente Handgesten, ausdrucksstarke Körperhaltung … Der große Rembrandt malte sein ganzes Leben lang Selbstporträts. Es gibt ungefähr hundert von ihnen, und heute können wir sein schweres Schicksal durch sie verfolgen.

Das Porträtgenre kam erst im 18. Jahrhundert nach Russland, zusammen mit europäischen Künstlern, die von Peter dem Großen eingeladen wurden. Die Porträts, damals „Parsuns“ oder „Personen“ genannt, zeigten zunächst den König selbst und sein Gefolge.

Später, in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, wird der Held, eine romantische Person, zum Hauptmodell. vaterländischer Krieg 1812 brachte aktive, entschlossene Menschen hervor. Genau so erscheint der von Kiprensky gemalte Husarenoberst E. V. vor uns. Davydov: eine knallrote Ausgehuniform, ein fester Blick, eine selbstbewusste Pose.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wich die Romantik dem Realismus und das Prunkporträt der Kammer.

Große Rolle die Wanderers spielten dabei mit. So nannten sich die Mitglieder des Verbandes der Wanderausstellungen. Seine Inspiration war der brillante Porträtmaler Ivan Nikolaevich Kramskoy.

„The Ceremonial Meeting of the State Council“ enthält einundachtzig Modelle, und alle sind mit einer Porträtähnlichkeit geschrieben.

Gespräch über das Gemälde von Leonardo da Vinci „La Gioconda“.

Lehrer. Unter der großen Anzahl von Porträts auf der Welt gibt es eines, das fast jeder Mensch auf der Erde kennt, das aber auch nach vielen Jahren sein eigenes Geheimnis bewahrt. Was denkst du, ist dieses Porträt?

Gioconda!

Warum versetzt dieses Porträt von Leonardo da Vinci die Menschen immer noch in Erstaunen? Warum versucht jeder, der das Porträt betrachtet, das Rätsel dieses Bildes zu lösen, aber es bleibt ungelöst?

(Nachricht des Schülers).

3. Aufgaben für den Künstler.

Der Künstler muss in der Lage sein, eine Person in verschiedenen Positionen in Bewegung darzustellen. Das wichtigste und ausdrucksstärkste einer Person ist ihr Aussehen und ihr Gesicht. Daher beginnt der Künstler, eine Person zu studieren, indem er einen Kopf zeichnet.

Es ist notwendig, die Anatomie zu studieren, die ist

Ein Portrait ist ein künstlerisches Abbild einer Person. Es sollte eine bestimmte Persönlichkeit mit ihren inhärenten und nur ihr eigenen Merkmalen des Aussehens, der Psychologie und des moralischen Charakters spüren. Die Hauptsache ist, die Essenz der Person zu vermitteln, die porträtiert wird.

4. Praktische Arbeit.

Aufgabe: Zeichne auf ein freies Thema.

5. Zusammenfassung der Lektion.

Literaturverzeichnis.

1. Enzyklopädisches Wörterbuch junger Künstler. Zusammengestellt von N.I. Platonova, V.D. Sinjukow. - M.: Pädagogik, 1983. - 416 S., Abb.

2. Dickins R. McCafferty Ya. Wie man lernt, Gesichter zu zeichnen. Übersetzung aus dem Englischen von N. Vedeneeva. - M.: LLC "Verlag ROSMEN-PRESS", 2002. - 64, 64 p.

3. I.G. Mosin. Zeichnung. Typen und Genres. LLC - "U - Fabrik", 1999

Folie 2

Ich sehe mich wie in einem Spiegel, aber dieser Spiegel schmeichelt mir ... A. S. Puschkin

Folie 3

Der Mensch hat einen instinktiven Wunsch, sich selbst durch das Bild zu erkennen. Dafür Primitive In die Wasseroberfläche geschaut auf sein Bild, werden wir zum Spiegel hingezogen. Aber eine Person wollte nicht nur sich selbst sehen, sondern auch sein Bild mit Hilfe von Material verewigen.

Folie 4

Worüber die Kunst auch immer spricht, sie spricht über einen Menschen, über sein Leben, über die Umgebung, in der es sich bewegt, über Freude und Traurigkeit, über seinen Glauben und seine Hoffnung, über seinen Stolz und seinen Wunsch, verstanden und geliebt zu werden. Die Aufgabe, ein Porträt zu schaffen, lässt uns einen Menschen neu sehen, ihn für uns und auch für ihn entdecken. Es ist erstaunlich, wie Menschen nicht gleich aussehen. Es scheint, dass alle gleich angeordnet sind, aber wenn man die Gesichter betrachtet, staunt man über die menschliche Individualität. Die besondere Lebensweise eines jeden Menschen hinterlässt Spuren in seinem Erscheinungsbild. _____________________________________________

Folie 5

Ein Porträt ist ein Bild einer bestimmten realen Person.

In einem Porträt ist es wichtig, die Merkmale des Verhaltens, des Verhaltens und des Temperaments einer Person zu vermitteln. Um das Bild der Porträtierten zu enthüllen, spricht der Künstler auch über sich selbst. historische Zeit dringt auch in das Porträt ein. Der Künstler vermittelt das Bild einer Person durch das Prisma der Zeit. Im Porträt sieht man das Ideal der Epoche, die Natur des Lebens, die Umwelt. ____________________________________________

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Szenische Skulpturale Grafik So können Sie ein Porträt auswählen:

Folie 7

A. Dürer. Selbstportrait. Bild. Deutschland. 15. Jahrhundert P. Rubens. Porträt der Magd Infanta Isabella. Flandern. 17. Jahrhundert

Folie 8

Porträt eines jungen Mannes. Fayum-Porträt. Antikes Rom. 1. Jahrhundert Porträt von Kaiser Philipp. Antikes Rom. 1. Jahrhundert

Folie 9

Das Porträt gibt es schon sehr lange. Für die Menschen der Antike schien die Bewahrung ihres Aussehens ein Mittel zu sein, um in die Welt zu kommen ewiges Leben, und sie fanden Wege, Gesichter nachzuahmen. Aus dem Gesicht wurde eine Gips- oder Wachsmaske angefertigt. Das Wort "Porträt" kommt vom lateinischen Wort, es kann mit "Extraktion der Essenz" übersetzt werden. Dies ist die Hauptaufgabe bei der Schaffung eines künstlerischen Bildes. ___________________________________________

Folie 10

Aus der Geschichte des Porträts.

Die Kunst der Porträtmalerei wurde vor mehreren tausend Jahren geboren. Die frühesten erhaltenen Werke dieses Genres sind riesige skulpturale Bilder der altägyptischen Pharaonen, die aus Stein gemeißelt sind.

Folie 11

Das Genre des skulpturalen Porträts erreichte seine Vollendung im antiken Griechenland. Vorbilder für die Bildhauer waren Philosophen, Dichter, Politiker, die sich um das Land verdient gemacht hatten.

Folie 12

Im alten Rom waren edle Bürger und ihre Familienangehörigen Kunden.

Folie 13

Die malerischen Fayum-Porträts dienten demselben Zweck.

Folie 14

Kaiserin Theodora. Byzanz. 6. Jahrhundert S. Botticelli Italien. 15. Jahrhundert

Folie 15

Besonders wichtig wurde im Mittelalter die Behauptung, dass sich der Geist eines Menschen durch das Äußere vermitteln lässt. Mit der Renaissance kommt ein Interesse an der realen Person. Künstler haben gelernt, bestimmte Menschen mit besonderem Augenmerk auf ihre einzigartige Individualität darzustellen. _____________________________

Folie 16

Die Gattung des Bildporträts entwickelte sich später, in der Renaissance. Dann wurde das Porträt in die vordere Kammer geteilt

Folie 17

Zeremonielles Porträt - zeigt den sozialen Status des Helden, ist feierlicher Natur. Kammer - den individuellen Eigenschaften einer Person wird viel Aufmerksamkeit geschenkt, das Gesicht ist nah am Betrachter, das Erleben und die innere Welt einer Person werden übermittelt. ___________________________________________

Folie 18

In der Renaissance statteten Künstler Porträts mit Intelligenz und spiritueller Harmonie aus.

Folie 19

Jean Cloue. Franz 1. Frankreich. 16. Jahrhundert R. van der Weyden Porträt einer jungen Frau. Niederlande. 15. Jahrhundert

Folie 20

Von seiner größten Blüte Porträtgemälde im 17. Jahrhundert erreicht. Aus dieser Zeit sind uns Bilder von Herren und Bauern, Kindern und Greisen, Königen und Narren überliefert ... Unglaublich, all diese menschliche Vielfalt wurde in seinem Werk vom spanischen Künstler Diego Velasquez verkörpert.

Folie 21

Mit einem verträumten rätselhaftes Lächeln sie posiert... Nachdenklich und großartig Er gibt mit seinem flexiblen Pinsel ihre luxuriöse Figur und ihr unvergleichliches Gesicht wieder... Aber plötzlich legt er den Pinsel weg. Feierlich und wichtig sagt er: „Lasst die Jahrhunderte vergehen! Ich habe diese Arbeit beendet, ich bin tapfer zum Ziel gegangen; Ich zitterte mit meinem Herzen, aber meine Hand zitterte nicht! Du, für immer blond, mit himmlischen Augen, mit einem glücklichen Lächeln auf rosa Lippen, wie willst du jetzt über die Herzen herrschen, wenn wir beide zu Staub werden ...

Folie 22

Ein brillanter Meister des Kammerporträts war der niederländische Künstler Rembrandt Harmensvan Rein.

Folie 23

Im 17. Jahrhundert wandten sich Künstler dem Bild des einfachen Nichts zu berühmte Menschen und entdeckte in ihnen den größten Reichtum der Seele und Menschlichkeit Rembrandts. mutter porträt

Folie 24

In der russischen Kunst wurden Porträts erstmals im 17. Jahrhundert wie Ikonen gemalt – auf einem Brett und mit Temperafarben. Und sie wurden "Parsuna" genannt, nach dem Wort "Person". Seit der Zeit von Peter 1 begann sich die Kunst in Russland sehr schnell zu entwickeln. Russische Künstler übernahmen nicht nur die Techniken anderer, sondern erfanden auch ihre eigenen. Familienportraits schmückten Büros und Wohnzimmer, sogar besondere Portraitzimmer tauchten auf. __________________________________________

Folie 25

18 Zeitalter des Wohlstands Porträt in Russland Borovikovsky. Porträt von Lopukhina Bryulov. Porträt eines Mädchens

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G.Ostrovsky.Portrait von E.P.Cherevina. Russland. 18 Jahrhundert. Prinz M. V. Skopin-Shuisky. Parsuna. Russland. 17. Jahrhundert

Folie 27

Der Vaterländische Krieg von 1812 brachte aktive, entschlossene Menschen in den Vordergrund. Genau so erscheint der von Kiprensky gemalte Husarenoberst E. V. vor uns. Davydov: eine knallrote Ausgehuniform, ein fester Blick, eine selbstbewusste Pose.

Folie 28

Im 19. Jahrhundert vermitteln Künstler mit Hilfe von charakteristischer Mimik, Körperhaltung, Gestik Individualität und die Rolle eines Menschen in der Gesellschaft wird bewertet. Tropinin. Spitzenmacherin

Folie 29

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts wich die Romantik dem Realismus und das Prunkporträt der Kammer. Wanderer spielten dabei eine große Rolle. So nannten sich die Mitglieder des Verbandes der Wanderausstellungen. Seine Inspiration war der brillante Porträtmaler Ivan Nikolaevich Kramskoy.

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I. N. Kramskoy „Mina Moiseev“

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I. N. Kramskoy "Fremder"

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Das umstrittene 20. Jahrhundert mischte Realität in der Kunst mit Abstraktheit und Verformung von Modellen. Die Hauptsache im Porträt ist nicht das Bild, sondern der Charakter.

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"The Ceremonial Meeting of the State Council" enthält einundachtzig Modelle, und alle sind mit einer Porträtähnlichkeit geschrieben.

Der Unterschied in der Interpretation des religiösen Bildes, das für die frühe italienische Kunst sowohl bei Künstlern als auch bei Bildhauern im Mittelpunkt steht, wird deutlich, wenn man einige Denkmäler der Ducento- und Trecento-Malerei untereinander vergleicht, darunter die Werke des herausragenden Meisters der Sieneser Schule Duccio di Buoninsegna und vor allem sein jüngerer und großer Zeitgenosse Giotto, jener „Giotto, der Florentiner“, der „nach langem Studium“ der Natur „nicht nur die Meister seiner Zeit, sondern aller vergangenen Jahrhunderte übertraf“, wie Leonardo da Vinci über ihn sagte.

Giotto war seiner Zeit voraus, und lange nach ihm ahmten Florentiner Künstler seine Kunst nach. Giotto ist der erste unter den Titanen der großen Ära der italienischen Kunst. Vasari schrieb über ihn: „Und wirklich das größte Wunder war, dass dieses Zeitalter, sowohl grob als auch unfähig, die Macht hatte, sich durch Giotto so weise auszudrücken, dass die Zeichnung, von der die Menschen dieser Zeit wenig oder keine Ahnung hatten, dank er kehrte vollständig ins Leben zurück. ".

Petrarca, obwohl er wegen seiner literarischen Neigungen das Sienesische bevorzugte, bemerkte, dass die Schönheit von Giottos Kunst den Geist mehr beeinflusst als das Auge. Boccaccio, Sacchetti, Villani schließen sich dem gleichen Lob an: Giotto hat die seit Jahrhunderten im Niedergang begriffene Malerei wiederbelebt und ihr Natürlichkeit und Attraktivität verliehen.

Giotto di Bondone (1266/76 - 1337) wurde in Florenz geboren und zog Ende des 13. Jahrhunderts nach Rom, neben diesen Städten wirkte er in Neapel, Bologna und Mailand.

Giottos bemerkenswerteste Arbeit sind die Wandmalereien in der Arena-Kapelle in Padua, die auf dem Gelände eines alten Zirkus errichtet wurde.

Wie Illustrationen oder sich langsam verändernde Einzelbilder eines Films scheinen diese Fresken eine ruhige Geschichte zu führen und in der Handlung heterogene Szenen zu einem harmonischen Ganzen zu verbinden. Er bringt neue Details in alte mittelalterliche Geschichten. Er vermenschlicht sie so sehr und verleiht ihnen eine so vitale Sichtbarkeit, dass er allein dadurch schon die Ideen der Renaissance vorwegnimmt. Das Hauptverdienst von Giotto liegt in der Neuinterpretation des Bildes einer Person, die für ihn lebendig und real wird, ausgestattet mit einer subtileren Psyche als in der Kunst der Antike.

Giottos Kunst ist wirklich klassische Kunst statt Nachahmung klassischer Formen. Beweis dafür ist eine verallgemeinernde Sicht der Wirklichkeit (obwohl verstanden als das Verhältnis des Menschlichen zum Göttlichen), ausgedrückt in der Bilanz geschlossener Massen, der Universalität der Darstellung der Geschichte, in der Vollständigkeit der Übertragung in der sichtbaren Form von ein vielfältiger Inhalt ohne Hinweise.

Wie ein roter Faden zieht sich das Bild eines Mannes, der mutig seine Prüfungen durchsteht und gelassen auf die Welt um sich blickt, durch Giottos Padua-Zyklus. Giottos Mann widersteht den Schicksalsschlägen wie ein alter Stoiker. Er ist bereit, seine Mühsal demütig zu ertragen, ohne den Mut zu verlieren, ohne sich gegen Menschen zu verhärten. Ein solches Verständnis erhob einen Menschen, bekräftigte seine unabhängige Existenz, gab ihm Mut.

Die Grundlage des Heldentums des Menschen bei Giotto war seine aktive Lebenseinstellung. Giottos Mann findet die Anwendung seiner aktiven Kräfte in den Beziehungen zu anderen Menschen, in seiner untrennbaren Verbindung mit der Welt seinesgleichen.

Die Bandbreite menschlicher Erfahrungen im Werk Giottos ist eher begrenzt. Der Mensch fängt gerade erst an, seine Würde zu erlangen. Er kennt noch nicht das stolze Selbstbewußtsein, das Persönlichkeitsideal der Humanisten. Untrennbar mit anderen Menschen verbunden, offenbart er in diesem Zusammenhang auch seine Abhängigkeit. Daher die Hauptskala seiner Erfahrungen: Hoffnung, Demut, Liebe, Traurigkeit. Nur Neugier und Klarheit des Denkens erlauben es einem Menschen, sich über sein Schicksal zu erheben. Dieser Wissensdurst war auch Dante vertraut, der sogar im Paradies, wenn er den feurigen Himmel betrachtet, in seiner Brust ein unerträgliches Verlangen verspürt, die Ursache der Dinge zu kennen.

Einer der meisten berührende Bilder Der von Giotto geschaffene Mann ist Christus in der Szene mit dem Kuss des Judas. Die majestätische Gestalt Christi nimmt einen zentralen Platz in der Menge der Krieger und Jünger ein. Links kommt Judas auf Christus zu, um ihn zu küssen. Das Antlitz Christi ist mit dem Siegel der Größe des Allmächtigen gekennzeichnet, eines furchtbaren Richters, aber nicht eines leidenden Gottes.

Giotto hat in seiner Interpretation dieser Szene die gleiche Revolution vollzogen, wie Leonardo viel später in seinem „Letzten Abendmahl“. Das „ikonische Schema“ weicht einem angespannten Drama in der gesamten zutiefst bewegenden Menschheit. Christus bleibt außerordentlich ruhig, obwohl er offenbar um den Verrat des Jüngers weiß. Diese Gelassenheit, verbunden mit einem klaren Schicksalsbewußtsein, verleiht ihm den Charakter erhabenen Heldentums.

Das Antlitz Christi in Der Kuss des Judas zeichnet sich durch seine außergewöhnlich regelmäßigen Züge aus. Das Profil Christi zeichnet sich durch proportionale Proportionen aus antike Skulptur. Giotto stieg hier zu den Höhen auf klassische Schönheit. Giotto geht über das antike Ideal der menschlichen Person hinaus. Der perfekte Mann wird von ihm nicht in einem glücklichen und gelassenen Wesen, sondern in aktiven Beziehungen zu anderen Menschen empfangen. Giotto verstand es, das Ideal der klassischen Schönheit mit der tiefsten Fülle des menschlichen Geisteslebens zu verbinden. Das neue Bildsystem und das Verständnis des Bildes als szenische Einheit gaben ihm die Möglichkeit, das Bild einer vollkommenen Persönlichkeit in seiner wirksamen Beziehung zur Umwelt und vor allem zu anderen Menschen zu verkörpern. Lamentation of Christ ist eine von Giottos reifsten kompositorischen Entscheidungen. Giotto nimmt das Ereignis des Todes episch wahr, mit einem Gefühl für die Unausweichlichkeit dessen, was passiert ist. "Trauer um Christus" ist eine Szene des Abschieds von den Toten, die um ihn trauern. Christus liegt wie ein lebloser Leichnam, behält aber den ganzen Adel und die Größe eines Helden, der endlich Frieden gefunden hat. Die ganze Szene ist als ein Ganzes konzipiert. Der Künstler mit klarem Blick verdeckt das Geschehen und baut auf dramatische Szene Vergleich verschiedener Schattierungen emotionaler Erfahrungen. Der Knotenpunkt der Komposition ist der Abschied der Gottesmutter, die sich vor den Leichnam ihres geliebten Sohnes beugt. Das ist Verzweiflung, findet keine Worte, keine Tränen, keine Gesten. Giotto sieht die körperlichen Bewegungen klar in ihrer untrennbaren Einheit mit dem geistigen Leben eines Menschen. Das geistige Leben des Menschen wird von Giotto objektiviert. Dieser strotzt vor hohem kognitivem Pathos seiner Arbeit und verleiht seinen tragischsten Szenen eine solche innere Ruhe und Lebendigkeit. Diese Position bestimmt auch die kompositorischen Entscheidungen Giottos, sein Wunsch, ein Bild so zu konstruieren, dass sich die Anordnung der Figuren in der Wahrnehmung des Betrachters in Form eines visuellen, klaren Spektakels einprägt.

Der Wert von Giottos Arbeit kann nicht hoch genug eingeschätzt werden. Giottos Werke zeichnen sich durch eine für die bisherige Malerei ungewöhnliche Emotionalität und Expressivität aus. Historische Bedeutung Giottos Innovationen für die Entwicklung der bildenden Kunst wurden bereits von seinen Zeitgenossen verstanden.

Giotto, einer der ersten Künstler, stellte den Menschen in den Mittelpunkt seiner Arbeit.

Giotto war seiner Zeit voraus, und nur hundert Jahre später hob ein anderer Florentiner - Masaccio - die Kunst auf ein noch höheres Niveau. Zusammen mit dem brillanten Bildhauer Donatello und dem großen Architekten Brunelleschi Masaccio(1401 - 1428/29) ist die prägende Figur der ersten Phase der Renaissance - der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts. Denn alles in seinen Kompositionen gewann an Stabilität und, wie Vasari sagt, war er der erste, der Menschen darin auf die Beine stellte. Und damit markiert er nach Giotto einen neuen Riesensprung in der Geschichte der europäischen Malerei.

Das monumentale Hauptwerk von Masaccio waren seine Fresken in der Brancancci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz, die sozusagen zu einem Modell und einer Schule für mehrere Generationen wurde. Italienische Meister. In der Brancancci-Kapelle stellte Masaccio Adam und Eva im Paradies, ihr Exil, sowie einige Szenen aus dem Leben des Apostels Petrus dar. Masaccio machte nach Giotto den nächsten entscheidenden Schritt im Schaffen Kollektives Bild ein Mensch, der nun vom religiösen und ethischen Hintergrund befreit und von einer neuen, wirklich säkularen Weltanschauung durchdrungen ist. Er nutzte die Möglichkeiten des Hell-Dunkels auf neue Weise und simulierte eine plastische Form. Die Komposition "Das Wunder mit dem Satyr" ist großartig. Drei verschiedene Momente der Gospellegende werden in einer Szene kombiniert. Bemerkenswert ist auch die Gruppe der Paradiesvertriebenen: Adam im breiten Gang, die Hände vor die Augen gepresst, die weinende Eva mit trauerverzerrtem Gesicht. Die Künstlerin ist fasziniert von der Struktur des Körpers, der Architektur seiner Massen.

Masaccios Entdeckung auf dem Gebiet der Ethik ist ebenso bemerkenswert wie Brunelleschis Entdeckung auf dem Gebiet des Wissens: Sie erweitert das Weltbild des Menschen unendlich. So wie die Natur zwischen Schön und Hässlich keinen Unterschied macht, so gibt es im Bereich der Moral kein a priori gegebenes Gut und Böse. Masaccio fühlt intuitiv, dass nur die Anwesenheit einer Person in der Welt ihm die größte Verantwortung gibt, dass es seine Pflicht ist, seine Einstellung zur Realität irgendwie auszudrücken. Die Menschentypen, die er geschaffen hat, sind von einem so tiefen Sinn für materielle Existenz durchdrungen, dass wir ihre Stärke, ihren Mut und ihre spirituelle Ausdruckskraft voll und ganz spüren, die den dargestellten Evangeliumsszenen das Größte verliehen moralisches Bewusstsein. Masaccio hebt uns hoch hohes Niveau sein realistisches Weltbild dadurch, dass das Menschenbild in seiner Interpretation einen neuen Wert erhält.

In der Malerei einer späteren Zeit können wir eine größere Perfektion des Details finden, aber ich denke, dass wir darin nicht den früheren Realismus, die Kraft und die Überzeugungskraft finden werden. Und welche Kraft steckt in der Jugend von Masaccios Pinsel. Welche Ernsthaftigkeit und Herrschsucht in seinen alten Leuten! Im Vergleich dazu wirken die von Masolino gemalten Figuren hilflos, und die Bilder seines Nachfolgers Filippo Lippi sind wenig überzeugend und unbedeutend, weil sie nicht den nötigen Wert haben. Selbst Michelangelo ist Masaccio in der realistischen Ausdruckskraft der Bilder unterlegen. Vergleiche zum Beispiel „Vertreibung aus dem Paradies“ an der Decke Sixtinische Kapelle mit der gleichnamigen Geschichte, die Masaccio an die Wand der Brancancci-Kapelle gemalt hat. Michelangelos Figuren sind korrekter, aber weniger taktil und kraftvoll. Sein Adam lenkt nur den Schlag des strafenden Schwertes von sich ab, und Eva klammert sich an ihn, erbärmlich in ihrer sklavischen Angst, während Adam und Eva Masaccio Menschen sind, die das Paradies mit gebrochenem Herzen aus Scham und Trauer verlassen, nicht sehend, sondern fühlend mit dem Kopf eines Engels, der ihre Schritte ins Exil lenkt.

So ist Masaccio in der Fähigkeit, Licht und Schatten zu verteilen, in der Schaffung einer klaren räumlichen Komposition, in der Kraft, mit der er Volumen vermittelt, Giotto weit überlegen. Darüber hinaus ist er der erste in der Malerei, der einen nackten Körper darstellt und einem Menschen heroische, glorifizierende Züge verleiht Menschenwürde, erhebt den Menschen in seiner Kraft und Schönheit. Masaccio war ein großer Meister, der die Essenz der Malerei verstand, er war sehr erleuchtet von der Fähigkeit, taktile Werte zu vermitteln künstlerische Bilder. Er zeigte der florentinischen Malerei den Weg, den sie bis zu ihrem Untergang gegangen ist.

Gleichzeitig mit Masaccio arbeitete er auch großer Bildhauer Donatello(1386 - 1466), was in seinem Werk einfach nicht zu übersehen ist. In seiner realistischen Arbeit erreichte die toskanische Skulptur große Höhen. Wir wissen von diesem Mann, dass er ein unermüdlicher Arbeiter war, der sich auf der Suche nach künstlerischer Perfektion harter Arbeit widmete. Donatello repräsentiert den dramatischen und realistischen Trend.

Plastizität mit Architektur gleichsetzend schuf er als erster Statuen nach dem Vorbild der Antike, freistehend, von allen Seiten sichtbar, in sich vollwertig, was jedoch ihre harmonische Verbindung mit der Architektur nicht ausschloss. Der Skulptur die eigenständige Bedeutung zurückgegeben, die sie in sich hatte Antike Kunst, verleiht er, noch konsequenter als seine romanischen und gotischen Vorgänger, seinen Bildern eine strahlende Individualität, tiefe Menschlichkeit, sodass uns seine Heiligen und Helden als ganz reale Persönlichkeiten erscheinen.

Laut Vasari schrie Donatello sie an, während er an einer seiner Marmorfiguren arbeitete: "Sprich! Sprich!" Die von ihm 1409 geschaffene Davidfigur ist die erste völlig nackte Figur im damaligen gotischen Schema: die Spannung des nach vorne gestreckten Beines, die Drehachse ist das andere Bein, ein unerwarteter Bewegungsrausch in den Linien beider Hände, eine Live-Drehung nach rechts des Kopfes nach links geneigt. Aber dieses Schema wird entmannt, auf reine Kraftlinien reduziert, akzentuiert und in rastloser Harmonie einander gegenübergestellt, weit entfernt vom gotischen Rhythmus. Es wird angenommen, dass Donatello das Motiv der antiken Hermes-Statue in dieser Skulptur verwendet hat, aber in der geschlossenen Silhouette von David – obwohl er in einem Zustand der Ruhe dargestellt ist – gibt es ein Gefühl von solcher Schärfe und Spannung, dass der tiefe Unterschied von Diese Arbeit von ihren harmonischeren alten Prototypen ist ziemlich offensichtlich.

Statuen, die der Bildhauer zwischen 141 - 1436 in mehreren Etappen geschaffen hat. zeigen, wie sich seine Vorstellung von einer „historischen Figur“ verändert. Noch bevor er einen einfachen Bauern nach dem Bild des gekreuzigten Christus darstellt, kleidet er die Florentiner Bürger in die Gewänder von Evangelisten und Propheten und kleidet einen jungen Mann aus dem Volk in die Rüstung des heiligen Georg. Aber er tut dies alles nicht aus eitlem Wunsch nach Ähnlichkeit, sondern weil er im Aussehen und im moralischen Sauerteig der Toskaner wirklich Größe, Stärke und Lebensrealismus findet, der Coluccio Salutati und Leonardo Bruni als erste „bürgerliche“ Tugend verherrlicht . Vor uns liegen Bilder, die zweifellos im Laufe der Jahrhunderte zu uns gekommen sind, aber gleichzeitig den unbestreitbaren Stempel der Moderne tragen. Dies sind keine "Schatten der Vergangenheit", sondern lebende Menschen, die uns durch den Willen des Bildhauers offenbart wurden. Der bronzene „David“ (um 1430) ist nicht mehr der entschlossene junge Mann und selbstbewusste Held von Orsanmichele. Vor uns steht ein nachdenklicher junger Mann, fast erstaunt, dass er die Ehre hatte, eine so glorreiche Leistung zu vollbringen. Sein Körper ist leicht von der Mittelachse abgelenkt: Das halb angewinkelte Bein wird beiseite gelegt, wodurch sich der Schwerpunkt des Körpers auf das andere Bein verlagert. Diese Statue zeigt eine Abkehr von historischer Konkretheit und eine Vorliebe für die melancholische Bildsprache einer religiösen Legende.

Große Macht erlangte Donatello in der bronzenen Reiterstatue des Condottiere Gattamelata in Padua. Auf einem mächtigen Streitross sieht Gattamelata, dünn, leicht gebeugt, klein aus. Aber in der Geste der Hand mit der Rute ist eine zurückhaltende, herrische Kraft, vernünftig und willensstark, sichtbar. „Die Grablegung“ ist eine von Donatellos tragischsten Reliefs, in der das Tragische nur ein Mittel, kein Selbstzweck ist. Erstaunen wird, wie Trauer in „Die Grablegung“, nicht von Einzelnen, sondern von einer ganzen Menge erlebt. Geschichte ist für einen Künstler ein endloser Kreislauf, jedes Ereignis ist nur ein Glied in einer gemeinsamen Kette. Donatello zerstört eigenhändig jenes humanistische Persönlichkeitsideal, für dessen Durchsetzung er so viel getan hat. Hier beginnt die Krise des Humanismus, die bald in der Kunst Leonardos kulminieren wird. Als Person, die äußerst empfindlich auf Veränderungen in der historischen Situation reagiert, ist Donatello in letzte Periode seines Schaffens spürt er die wachsende Krise der großen Ideale der Anfänge des Humanismus, beginnend mit dem Ideal des Individuums und endend mit dem Ideal der Geschichte. „Judith“ mit seiner hilflosen Geste und dem verlorenen, aufs Leere fixierten Blick, als spräche er von der Vergeblichkeit heroischer Bemühungen.

So endet es kreative Weise Donatello, ein erstaunlich vielseitiger Künstler in seiner Kunst.

Nachdem wir das Schreiben über die Kunst des Trecento und des Quartocento beendet haben, stellen wir die Hauptetappen auf dem Weg zur Perfektion, d. h. zur Kunst, fest. Hochrenaissance. Viele Schulen, viele Meister wurden von mir gar nicht erwähnt. Unter ihnen: Sandro Botticelli, der schwer zu den typischen Meistern der Renaissance zu zählen ist. Die von Widersprüchen zerrissene Seele Botticellis, die die Schönheit der von der Renaissance entdeckten Welt empfand, aber Angst vor ihrer Sündhaftigkeit hatte, hält der Prüfung nicht stand. Ich bemerke auch den Florentiner Maler Filippino Lippi (Sohn von Filippo Lippi), ein Schüler von Botticelli und Pietro di Cosimo, Benozzo Guzzoli, Francesco del Cossa, Ercole Roberti und Lorenzo Costa.