Erinnern Sie sich an die Handlungen, Bilder und Helden musikalischer Werke. Präsentation zum Thema "Plots" und "Helden" der musikalischen Form". Dramatisches musikalisches Bild

Musik gehorcht den Gesetzen des Lebens, sie ist Realität, also wirkt sie auf die Menschen. Es ist sehr wichtig zu lernen, zuzuhören und zu verstehen klassische Musik. Schon in der Schule lernen Kinder, was ist musikalisches Bild und wer erstellt es. Meistens geben Lehrer dem Konzept eines Bildes eine Definition - ein Teilchen des Lebens. Die reichsten Möglichkeiten der Melodiensprache ermöglichen es Komponisten, Bilder in musikalischen Werken zu schaffen, um ihre kreativen Ideen zu verwirklichen. Tauchen Sie ein in die reiche Welt der Musikkunst und lernen Sie die verschiedenen Arten von Bildern darin kennen.

Was ist ein musikalisches bild

Es ist unmöglich, die Musikkultur ohne die Wahrnehmung dieser Kunst zu meistern. Es ist die Wahrnehmung, die es ermöglicht, komponierende, hörende, aufführende, pädagogische, musikwissenschaftliche Aktivitäten durchzuführen. Die Wahrnehmung ermöglicht es zu verstehen, was ein musikalisches Bild ist und wie es entsteht. Es sei darauf hingewiesen, dass der Komponist mit Hilfe von ein Bild unter dem Einfluss von Eindrücken erstellt kreative Vorstellungskraft. Um besser verständlich zu machen, was ein musikalisches Bild ist, stellt man es sich besser als eine Kombination aus musikalischen Ausdrucksmitteln, Stil, Charakter der Musik, Konstruktion eines Werkes vor.

Musik kann als lebendige Kunst bezeichnet werden, die viele Aktivitäten vereint. Die Klänge von Melodien verkörpern den Lebensinhalt. Das Bild eines musikalischen Werks bedeutet Gedanken, Gefühle, Erfahrungen, Handlungen bestimmter Menschen, verschiedene natürliche Manifestationen. Außerdem impliziert dieses Konzept Ereignisse aus dem Leben einer Person, die Aktivitäten einer ganzen Nation und der Menschheit.

Das musikalische Bild in der Musik ist die Komplexität von Charakter, musikalischen und Ausdrucksmitteln, sozialgeschichtlichen Entstehungsbedingungen, Konstruktionsprinzipien und Stil des Komponisten. Hier sind die wichtigsten Arten von Bildern in der Musik:

1. Lyrisch. Es vermittelt die persönlichen Erfahrungen des Autors, offenbart seine geistige Welt. Der Komponist vermittelt Gefühle, Stimmungen, Empfindungen. Hier gibt es keine Aktionen.
2. Epos. Erzählt, beschreibt einige Ereignisse im Leben der Menschen, spricht über ihre Geschichte und Heldentaten.
3. Dramatisch. Zeigt Privatsphäre der Mensch, seine Konflikte und Auseinandersetzungen mit der Gesellschaft.
4. Fee. Zeigt fiktive Fantasien und Vorstellungen.
5. Comic. Entlarvt alles Böse mit lustigen Situationen und Überraschungen.

lyrisches Bild

In der Antike gab es ein solches Volkssaiteninstrument - die Leier. Die Sängerinnen und Sänger transportierten damit ihre unterschiedlichen Erfahrungen und Emotionen. Von ihm stammt das Konzept der Texte, die tiefe emotionale Erfahrungen, Gedanken und Gefühle vermitteln. Das lyrische Musikbild hat emotionale und subjektive Elemente. Mit ihrer Hilfe vermittelt der Komponist seine individuelle Geisteswelt. Ein lyrisches Werk beinhaltet keine Ereignisse, es vermittelt nur den Gemütszustand des lyrischen Helden, das ist sein Bekenntnis.

Viele Komponisten haben gelernt, Texte durch Musik zu vermitteln, weil sie der Poesie sehr nahe stehen. Instrumentallyrische Werke umfassen Werke von Beethoven, Schubert, Mozart, Vivaldi. Auch Rachmaninow und Tschaikowsky arbeiteten in dieser Richtung. Sie formten mit Hilfe von Melodien musikalische lyrische Bilder. Besser als Beethoven kann man den Zweck der Musik nicht formulieren: „Was von Herzen kommt, muss dazu führen.“ Viele Forscher nehmen genau diese Aussage, um das Bild der Musikkunst zu definieren. In seiner Frühlingssonate machte Beethoven die Natur zum Sinnbild für das Erwachen der Welt aus dem Winterschlaf. Das musikalische Image und Können des Interpreten tragen dazu bei, in der Sonate nicht nur Frühling, sondern auch Freude und Freiheit zu sehen.

Daran muss auch erinnert werden Mondscheinsonate„Beethoven. Dies ist ein wahres Meisterwerk mit einem musikalischen und künstlerischen Image für Klavier. Die Melodie ist leidenschaftlich, hartnäckig und endet in hoffnungsloser Verzweiflung.

Die Lyrik in den Meisterwerken der Komponisten verbindet sich mit dem figurativen Denken. Der Autor versucht zu zeigen, welchen Eindruck dieses oder jenes Ereignis in seiner Seele hinterlassen hat. Prokofjew hat einfach gekonnt die „Melodien der Seele“ in Natasha Rostovas Walzer in der Oper „Krieg und Frieden“ transportiert. Das Wesen des Walzers ist sehr sanft, man spürt Schüchternheit, Langsamkeit und gleichzeitig Erregung, Glücksdurst. Ein weiteres Beispiel für das lyrische musikalische Bild und die Meisterschaft des Komponisten ist Tatjana aus Tschaikowskys Oper Eugen Onegin. Auch die Werke von Schubert "Serenade", Tschaikowsky "Melodie", Rachmaninov "Vocalise" können als Beispiel für ein musikalisches Bild (lyrisch) dienen.

Dramatisches musikalisches Bild

Im Griechischen bedeutet „Drama“ „Aktion“. Mit der Hilfe dramatisches Werk Der Autor vermittelt Ereignisse durch die Dialoge der Charaktere. In der Literatur vieler Völker existierten solche Werke schon vor langer Zeit. Es gibt auch dramatische musikalische Bilder in der Musik. Ihre Komponisten zeigen durch die Taten von Helden, einen Ausweg suchen sich aus der Situation befreien und sich mit ihren Feinden auseinandersetzen. Diese Handlungen verursachen sehr starke Gefühle, die Sie dazu bringen, Handlungen auszuführen.

Der Zuschauer sieht den dramatischen Helden in einem ständigen Kampf, der ihn entweder zum Sieg oder zum Tod führt. Taten kommen zuerst, nicht Gefühle. Die auffälligsten dramatischen Charaktere sind Shakespeares - Macbeth, Othello, Hamlet. Othello ist eifersüchtig, was ihn in eine Tragödie führt. Hamlet überkommt der Wunsch nach Rache an den Mördern seines Vaters. Macbeths starke Machtgier treibt ihn dazu, den König zu töten. Ohne ein dramatisches musikalisches Bild in der Musik ist Drama nicht denkbar. Es ist der Nerv, die Quelle, der Fokus der Arbeit. dramatischer Held erscheint als Sklave der Leidenschaft, die ihn ins Verderben führt.

Ein Beispiel für einen dramatischen Konflikt ist Tschaikowskys Oper Pique Dame nach Puschkins gleichnamiger Erzählung. Zunächst lernt das Publikum den armen Offizier Herman kennen, der davon träumt, schnell und einfach reich zu werden. Er hatte noch nie zuvor gespielt, obwohl er im Herzen ein Spieler war. Herman wird durch seine Liebe zu der wohlhabenden Erbin einer alten Gräfin angeregt. Das ganze Drama ist, dass die Hochzeit wegen seiner Armut nicht stattfinden kann. Bald erfährt Herman das Geheimnis der alten Gräfin: Angeblich hütet sie das Geheimnis von drei Karten. Der Offizier ist überwältigt von dem Wunsch, dieses Geheimnis um jeden Preis aufzudecken, um den großen Jackpot zu knacken. Herman kommt zum Haus der Gräfin und bedroht sie mit einer Waffe. Die alte Frau stirbt vor Angst, ohne das Geheimnis zu verraten. Nachts kommt ein Geist zu Herman und flüstert die wertvollen Karten: "Drei, Sieben, Ass." Er kommt zu seiner geliebten Lisa und gesteht ihr, dass die alte Gräfin seinetwegen gestorben ist. Lisa stürzte sich aus Trauer in den Fluss und ertränkte sich. Geschätzte Worte Geister verfolgen Herman, er geht in eine Spielbank. Die ersten beiden Wetten auf eine Drei und eine Sieben erwiesen sich als erfolgreich. Der Gewinn hat Herman so sehr den Kopf verdreht, dass er All-in geht und das gesamte gewonnene Geld auf das Ass setzt. Die Intensität des Dramas nähert sich ihrem Höhepunkt, statt eines Asses gibt es eine Pik-Dame. In diesem Moment erkennt Herman die alte Gräfin in der Pikdame. Der endgültige Verlust führt den Helden in den Selbstmord.

Es lohnt sich zu vergleichen, wie Puschkin und Tschaikowsky das Drama ihres Helden zeigen. Alexander Sergejewitsch zeigte Hermann kalt und besonnen, er wollte Lisa zu seiner eigenen Bereicherung nutzen. Tschaikowsky verfolgte einen etwas anderen Ansatz, um seinen dramatischen Charakter darzustellen. Der Komponist ändert leicht die Charaktere seiner Figuren, weil ihr Bild Inspiration braucht. Tschaikowsky zeigte Herman als romantisch, verliebt in Liza, mit einer feurigen Fantasie. Nur eine Leidenschaft verdrängt das Bild der Geliebten aus dem Kopf eines Offiziers - das Geheimnis der drei Karten. Die Welt der musikalischen Bilder dieser dramatischen Oper ist sehr reich und beeindruckend.

Ein weiteres Beispiel für eine dramatische Ballade ist Schuberts Der Waldkönig. Der Komponist zeigte den Kampf zwischen zwei Welten - real und fiktiv. Schubert war geprägt von Romantik, er war fasziniert von Mystik, und das Werk erwies sich als ziemlich dramatisch. Die Kollision zweier Welten ist sehr hell. Die reale Welt verkörpert das Bild eines Vaters, der vernünftig und gelassen auf die Realität blickt und den Waldkönig nicht bemerkt. Sein Kind lebt mystische Welt, er ist krank, und der Waldkönig erscheint ihm. Schubert zeigt ein fantastisches Bild eines geheimnisvollen, in düsteren Nebel gehüllten Waldes und eines Vaters, der auf einem Pferd mit einem sterbenden Kind im Arm durch ihn rast. Der Komponist gibt jeder Figur seine eigene Charakteristik. Der sterbende Junge ist angespannt, verängstigt, in seinen Worten liegt ein Hilferuf. Ein wahnhaftes Kind betritt das schreckliche Reich des beeindruckenden Waldkönigs. Der Vater versucht sein Bestes, um das Kind zu beruhigen.

Die ganze Ballade ist von einem schweren Rhythmus durchzogen, das Trampeln des Pferdes zeigt einen ununterbrochenen Oktavbruch. Schubert schuf eine komplette visuell-auditive Illusion voller Dramatik. Am Ende des Lautsprechers musikalische Entwicklung Die Ballade endet damit, dass der Vater das tote Baby in seinen Armen hält. Dies sind die musikalischen Bilder (dramatisch), die Schubert zu einer seiner beeindruckendsten Schöpfungen verholfen haben.

Epische Porträts in der Musik

Aus dem Griechischen übersetzt bedeutet „epos“ eine Geschichte, ein Wort, ein Lied. In epischen Werken erzählt der Autor von Menschen, den Ereignissen, an denen sie teilnehmen. Charaktere, Umstände, soziales und natürliches Umfeld treten in den Vordergrund. Epische literarische Werke umfassen Geschichten, Legenden, Epen, Romane. Meistens zum Schreiben epische Werke Komponisten verwenden Gedichte, sie erzählen von Heldentaten. Aus dem Epos können Sie etwas über das Leben der alten Menschen, ihre Geschichte und Heldentaten erfahren. Die wichtigsten dramatischen musikalischen Bilder und das Können des Komponisten repräsentieren spezifische Charaktere, Ereignisse, Geschichten, Natur.

Das Epos basiert auf realen Ereignissen, enthält aber auch einen Anteil an Fiktion. Der Autor idealisiert und mythologisiert seine Figuren. Sie sind mit Heldentum ausgestattet, vollbringen Heldentaten. Es gibt auch negative Charaktere. Das Epos in der Musik zeigt nicht nur bestimmte Personen, sondern auch Ereignisse, die Natur, die das Heimatland in dem einen oder anderen symbolisieren historische Ära. So präsentieren viele Lehrer in der 6. Klasse anhand von Auszügen aus Rimsky-Korsakovs Oper "Sadko" eine Unterrichtsstunde in musikalischer Darstellung. Die Schüler versuchen zu verstehen, mit welchen musikalischen Mitteln der Komponist ein Porträt des Helden zeichnen konnte, nachdem er Sadkos Lied „Oh, du dunkle Eiche“ gehört hatte. Kinder hören eine wohlklingende, sanfte Melodie, einen gleichmäßigen Rhythmus. Allmählich wird das Dur durch ein Moll ersetzt, das Tempo verlangsamt sich. Die Oper ist eher traurig, trist und nachdenklich.

Der Komponist von The Mighty Handful, A. P. Borodin, arbeitete im epischen Stil. Die Liste seiner epischen Werke kann enthalten " Bogatyr-Symphonie"Nr. 2, die Oper "Prinz Igor". In der Symphonie Nr. 2 eroberte Borodin das mächtige, heldenhafte Mutterland. Zuerst geht eine melodiöse und sanfte Melodie weiter, dann verwandelt sie sich in eine ruckartige. Der gleichmäßige Rhythmus wird durch ersetzt ein gepunktetes Langsames Tempo wird mit einer Moll-Tonart kombiniert.

Monument mittelalterliche Kultur Das berühmte Gedicht "The Tale of Igor's Campaign" wird berücksichtigt. Die Arbeit erzählt von der Kampagne von Prinz Igor gegen die Polovtsianer. Hier wurden helle epische Porträts von Fürsten, Bojaren, Jaroslawna und polowzischen Khans geschaffen. Die Oper beginnt mit einer Ouvertüre, dann gibt es einen Prolog darüber, wie Igor seine Armee auf einen Feldzug vorbereitet und dabei eine Sonnenfinsternis beobachtet. Es folgen vier Akte der Oper. Ein sehr auffälliger Moment in der Arbeit ist das Weinen von Jaroslawna. Am Ende singt das Volk Prinz Igor und seiner Frau Ehre, obwohl der Feldzug mit einer Niederlage und dem Tod der Armee endete. Um den historischen Helden dieser Ära darzustellen, ist das musikalische Image des Interpreten sehr wichtig.

Es lohnt sich auch, in die Liste der epischen Kreationen das Werk von Mussorgskys "Bogatyr Gates", Glinkas "Ivan Susanin", Prokofjews "Alexander Newski" aufzunehmen. Heldentaten Die Komponisten vermittelten ihre Helden mit verschiedenen musikalischen Mitteln.

Fabelhaftes musikalisches Bild

Das Wort "fabelhaft" ist die Handlung solcher Werke. Der auffälligste Schöpfer von Märchenkreationen kann Rimsky-Korsakov genannt werden. Seit Lehrplan Kinder werden seine berühmte Märchenoper "Das Schneewittchen", "Der goldene Hahn", "Das Märchen vom Zaren Saltan" erkennen. Es ist unmöglich, sich auch an die symphonische Suite „Scheherazade“ nach dem Buch „1001 Nacht“ nicht zu erinnern. Märchenhafte und fantastische Bilder in Rimsky-Korsakovs Musik stehen in enger Verbindung mit der Natur. Es sind Märchen, die das moralische Fundament in einem Menschen legen, Kinder beginnen, Gut und Böse zu unterscheiden, sie lernen Barmherzigkeit, Gerechtigkeit, verurteilen Grausamkeit und Betrug. Als Lehrer sprach Rimsky-Korsakov in der Sprache eines Märchens über hohe menschliche Gefühle. Neben den oben genannten Opern kann man "Kashchei the Immortal", "The Night Before Christmas", "May Night", "The Tsar's Bride" nennen. Die Melodien des Komponisten haben eine komplexe melodisch-rhythmische Struktur, sie sind virtuos und bewegend.

fantastische Musik

Erwähnenswert sind die fantastischen musikalischen Bilder in der Musik. Fantastische Werke jedes Jahr entsteht viel. Seit der Antike werden verschiedene folkloristische Balladen und Lieder angepriesen verschiedene Helden. Die Musikkultur begann im Zeitalter der Romantik mit Fantasie gefüllt zu werden. Elemente der Fantasie finden sich in den Werken von Gluck, Beethoven, Mozart. Die klügsten Schriftsteller fantastische Motive Deutsche Komponisten wurden: Weber, Wagner, Hoffmann, Mendelssohn. Gotische Intonationen erklingen in ihren Kompositionen. Das fabelhaft-phantastische Element dieser Melodien ist mit dem Thema der Opposition des Menschen gegen die ihn umgebende Welt verwoben. Volksepos mit Fantasy-Elementen bilden die Grundlage für die Werke des Komponisten Edvard Grieg aus Norwegen.

Ist der russischen Musikkunst eine fantastische Bildsprache eigen? Komponist Mussorgsky füllte seine Schöpfungen Bilder einer Ausstellung und Nacht auf dem kahlen Berg mit fantastischen Motiven. Zuschauer können den nächtlichen Hexensabbat am Fest von Ivan Kupala verfolgen. Mussorgsky schrieb auch eine Interpretation von Gogols „Sorochinsky Fair“. Elemente der Fantasie finden sich in den Werken von Tschaikowskys „Meerjungfrau“ und Dargomyzhskys „Der steinerne Gast“. Solche Meister wie Glinka ("Ruslan und Ljudmila"), Rubinstein ("Der Dämon"), Rimsky-Korsakov ("Der goldene Hahn") blieben der Fantasie nicht fern.

Ein wirklich revolutionärer Durchbruch in der synthetischen Kunst gelang dem Experimentator Scriabin, der Elemente der Unterhaltungsmusik verwendete. In seinen Werken hat er speziell Linien für Licht eingetragen. Seine Texte sind voller Fantasie göttliches gedicht"," Prometheus "," Gedicht der Ekstase. "Einige Tricks der Fantasie waren sogar bei den Realisten Kabalewski und Schostakowitsch vorhanden.

Das Aufkommen der Computertechnologie hat fantastische Musik zu einem Liebling vieler gemacht. Filme mit fantastischen Kompositionen begannen auf Fernsehbildschirmen und Kinos zu erscheinen. Nach dem Auftritt musikalische Synthesizer eröffneten tolle Perspektiven für fantastische Motive. Die Ära ist gekommen, in der Komponisten Musik wie Bildhauer formen können.

Komische Darstellungen in musikalischen Werken

Es ist schwierig, in der Musik über komische Bilder zu sprechen. Nur wenige Kunstkritiker charakterisieren diese Richtung. Die Aufgabe der komischen Musik ist es, mit Lachen zu korrigieren. Das Lächeln ist der eigentliche Begleiter der komischen Musik. Das Comic-Genre ist leichter, es braucht keine Bedingungen, die den Helden Leid bringen.

Um einen komischen Moment in der Musik zu erzeugen, nutzen Komponisten den Überraschungseffekt. So schuf J. Haydn in einer seiner Londoner Symphonien eine Melodie mit Paukenpart, die die Zuhörer sofort erschüttert. Ein Pistolenschuss durchbricht die sanfte Melodie in einem Walzer mit einer Überraschung („Bullseye!“) von Strauss. Das peppt den Raum sofort auf.

Jeder Witz, auch der musikalische, bringt lustige Absurditäten, lustige Ungereimtheiten mit sich. Viele kennen das Genre der Comic-Märsche, Witz-Märsche. Prokofjews Marsch aus der Sammlung „Kindermusik“ ist von Anfang bis Ende mit Komik ausgestattet. Komische Figuren sind in Mozarts „Die Hochzeit des Figaro“ zu sehen, wo schon in der Einleitung Gelächter und Humor zu hören sind. Fröhlicher und kluger Figaro, der vor dem Grafen geschickt listig ist.

Elemente der Satire in der Musik

Eine andere Art von Comic ist Satire. Starrheit ist dem satirischen Genre inhärent, sie ist gewaltig, knisternd. Mit Hilfe von satirischen Momenten übertreiben Komponisten einige Phänomene, um Vulgarität, Böses und Unmoral aufzudecken. So können Dodon aus Rimsky-Korsakovs Oper The Golden Cockerel, Farlaf aus Glinkas Ruslan und Lyudmila als satirische Bilder bezeichnet werden.

Bild der Natur

Das Thema Natur ist nicht nur in der Literatur, sondern auch in der Musik sehr relevant. Die Natur zeigend, bilden Komponisten ihren wahren Klang ab. Der Komponist M. Messiaen ahmt einfach die Stimmen der Natur nach. Englische und französische Meister wie Vivaldi, Beethoven, Berlioz, Haydn waren in der Lage, die Bilder der Natur und die Gefühle, die sie hervorrufen, mit einer Melodie zu vermitteln. Rimski-Korsakow und Mahler haben ein besonderes pantheistisches Naturbild. Romantische Wahrnehmung der umgebenden Welt lässt sich in Tschaikowskys Schauspiel „Die Jahreszeiten“ beobachten. Ein sanfter, verträumter, umgänglicher Charakter ist Sviridovs Komposition "Spring".

Folkloremotive in der Musikkunst

Viele Komponisten verwendeten die Melodien von Volksliedern, um ihre Meisterwerke zu schaffen. Einfache Liedmelodien wurden zur Dekoration von Orchesterkompositionen. Bilder aus Volksmärchen, Epen, Legenden bildeten die Grundlage vieler Werke. Sie wurden von Glinka, Tschaikowsky, Borodin verwendet. Der Komponist Rimsky-Korsakov in der Oper "The Tale of Tsar Saltan" verwendete den Russen Volkslied„Ob im Garten, im Garten“ entsteht das Bild eines Eichhörnchens. Volksmelodien sind in Mussorgskys Oper Chowanschtschina zu hören. Komponist Balakirev basierend auf Kabardian Volkstanz schuf die berühmte Fantasie "Islamey". Mode an folkloristische Motive verschwand nicht in den Klassikern. Viele Menschen kennen die moderne Symphonie-Aktion von V. Gavrilin "Chimes".

Lernziele:

Musikmaterial des Unterrichts:

Ø R.Wagner.

Ø E. Krylatow, Poesie N. Dobronravova.

Zusätzliches Material:

Während des Unterrichts:

I. Organisatorischer Moment.

II. Das Thema des Unterrichts.

Unterrichtsthema: Was ist eine musikalische Form. "Plots" und "Helden" musikalische Form.

III. Bearbeiten Sie das Thema der Lektion.

Kunstform ist der sichtbar gewordene Inhalt.

I. Hofmüller

musikalische Form-

1. Ein ganzheitlich organisiertes System musikalischer Ausdrucksmittel (Melodie, Rhythmus, Harmonie usw.), mit deren Hilfe ihr ideologischer und figurativer Gehalt in einem musikalischen Werk verkörpert wird.

2. Aufbau, Aufbau eines Musikwerkes, Verhältnis seiner Teile. Die Elemente der musikalischen Form sind: Motiv, Phrase, Satz, Punkt. Verschiedene Wege, Elemente zu entwickeln und zu vergleichen, führen zur Bildung verschiedener musikalischer Formen. Musikalische Grundformen: zweistimmig, dreistimmig, Sonatensatz, Variationen, Coupletsatz, Gruppe zyklische Formen, freie Formen usw. Die Einheit von Inhalt und Form eines musikalischen Werkes ist die Hauptbedingung und zugleich Zeichen seines künstlerischen Wertes.

Es ist üblich, eine musikalische Form als Komposition zu bezeichnen, dh die Merkmale des Aufbaus eines musikalischen Werks: das Verhältnis und die Methoden zur Entwicklung von musikalisch-thematischem Material, das Verhältnis und der Wechsel der Tonarten. Natürlich hat jedes Musikstück seine eigenen Besonderheiten. Dennoch haben sich im Laufe mehrerer Jahrhunderte der Entwicklung der europäischen Musik bestimmte Muster und Prinzipien entwickelt, nach denen bestimmte Arten von Werken aufgebaut sind.

Mit einer der musikalischen Formen sind Sie sicherlich alle bestens vertraut. Dies ist die Couplet-Form, in der Lieder geschrieben werden. Ihm ähnlich ist die daraus entstandene antike Form des Rondos. Sie basieren auf zwei (oder - in einem Rondo - mehreren) unterschiedlichen thematischen Materialien. Die Form basiert in solchen Fällen auf einem Vergleich, einer Entwicklung und manchmal sogar einer Kollision dieser oft gegensätzlichen und manchmal sogar widersprüchlichen Themen.

Auch dreistimmige und zweistimmige Formen sind in der musikalischen Praxis üblich. Der Dreiteiler ist nach dem Schema aufgebaut, das üblicherweise in Buchstaben wie diesem dargestellt wird: ABA. Dies bedeutet, dass die erste Episode am Ende nach der kontrastierenden mittleren Episode wiederholt wird. In dieser Form sind die Mittelteile von Symphonien und Sonaten, Teile von Suiten, verschiedene Instrumentalstücke, zum Beispiel viele Nocturnes, Präludien und Mazurken von Chopin, Lieder ohne Worte von Mendelssohn, Romanzen des Russischen u ausländische Komponisten. Die zweiteilige Form ist weniger verbreitet, da sie einen Hauch von Unvollständigkeit aufweist, Vergleiche, als ob „ohne Abschluss“, ohne Ergebnis. Sein Schema: AB.

Es gibt auch musikalische Formen, die auf einem einzigen Thema basieren. Das sind in erster Linie Variationen, die man genauer als Thema mit Variationen bezeichnen kann. Darüber hinaus bauen viele Formen polyphoner Musik wie Fuge, Kanon, Invention, Chaconne und Passacaglia auf demselben Thema auf. Die Geschichten „Polyphonie“, „Fuge“, „Variationen“ stellen sie vor.

Es gibt auch eine sogenannte freie Form in der Musik, also eine Komposition, die nicht mit etablierten musikalischen Standardformen verbunden ist. Am häufigsten wenden sich Komponisten bei der Erstellung von Programmwerken sowie beim Komponieren aller Arten von Fantasien und Medleys zu geliehenen Themen der freien Form zu. Es stimmt, oft gibt es in freien Formen Merkmale der Dreigliedrigkeit - die häufigste aller musikalischen Konstruktionen.

Nicht umsonst ist die komplexeste, höchste aller musikalischen Formen – die Sonate – im Grunde auch dreistimmig. Seine Hauptabschnitte – Exposition, Durchführung und Reprise – bilden eine komplexe dreiteilige Struktur – eine symmetrische und logisch abgeschlossene Konstruktion. Sie werden darüber in der Geschichte lesen, die der Sonate gewidmet ist.

PROGRAMMMUSIK

Sie hören ein Klavier- oder Violinkonzert, eine Mozart-Symphonie oder eine Beethoven-Sonate. Während Sie schöne Musik genießen, können Sie ihre Entwicklung verfolgen, wie sich verschiedene musikalische Themen ablösen, wie sie sich verändern, entwickeln. Oder Sie können in Ihrer Vorstellung einige Bilder reproduzieren, Bilder, die Klangmusik hervorruft. Gleichzeitig werden Ihre Fantasien sicherlich anders sein, als sich eine andere Person, die mit Ihnen Musik hört, vorstellt. Natürlich kommt es nicht vor, dass Sie den Lärm der Schlacht in den Klängen der Musik spüren und jemand anderes - ein liebevolles Wiegenlied. Aber stürmische, formidable Musik kann Assoziationen mit den wilden Elementen hervorrufen, und mit einem Sturm der Gefühle in der Seele eines Menschen und mit einem formidablen Schlachtengebrüll …

Es gibt viele Musikalische Werke in denen der Komponist den Zuhörern in der einen oder anderen Form ihren Inhalt erklärt. So nannte Tschaikowsky seine erste Symphonie " Winterträume". Dem ersten Teil stellte er die Überschrift „Träume auf einer Winterstraße“ und dem zweiten Teil „Ein düsteres Land, ein nebliges Land“ voran.

Programmmusik ist eine solche Instrumentalmusik, die auf einem „Programm“ basiert, also einer ganz bestimmten Handlung oder einem Bild.

Programme sind unterschiedlicher Art. Manchmal erzählt der Komponist detailliert den Inhalt jeder Episode seines Werkes. So zum Beispiel Rimsky-Korsakov in seinem symphonischen Bild „Sadko“ oder Ljadow in „Kikimor“. Es kommt vor, dass der Komponist es bei Verweis auf bekannte literarische Werke für ausreichend hält, nur diese literarische Quelle anzugeben: Das bedeutet, dass alle Zuhörer ihn gut kennen. Dies geschieht in Liszts Faust-Symphonie, Tschaikowskys Romeo und Julia und vielen anderen Werken.

Es gibt auch eine andere Art der Programmierung in der Musik, die sogenannte Bildhafte, wenn Plot-Umriss fehlt, und die Musik zeichnet ein Bild, ein Bild oder eine Landschaft. So sind Debussys symphonische Skizzen von Das Meer. Es gibt drei davon: "Vom Morgengrauen bis zum Mittag auf See", "Das Spiel der Wellen", "Das Gespräch des Windes mit dem Meer". Und „Bilder einer Ausstellung“ von Mussorgsky heißen so, weil der Komponist darin seinen Eindruck von einigen Gemälden des Künstlers Hartmann vermittelt. Wenn Sie diese Musik noch nicht gehört haben, versuchen Sie auf jeden Fall, sie kennenzulernen. Zu den Bildern, die den Komponisten inspirierten, gehören "Zwerg", "Altes Schloss", "Ballett der ungeschlüpften Küken", "Hütte auf Hühnerbeinen", "Bogatyr-Tore im alten Kiew" und andere charakteristische und talentierte Skizzen.

SCHÖPFUNGSGESCHICHTE

Wagner begegnete der Legende von Lohengrin 1841, aber erst 1845 entwarf er den Text. Im folgenden Jahr begann die Arbeit an der Musik.

Ein Jahr später war die Oper im Clavier vollendet, und im März 1848 war die Partitur fertig. Die in Dresden geplante Uraufführung fand wegen revolutionärer Ereignisse nicht statt. Die Produktion wurde dank der Bemühungen von F. Liszt und unter seiner Leitung zwei Jahre später, am 28. August 1850 in Weimar, durchgeführt. Wagner sah seine Oper erst elf Jahre nach der Uraufführung auf der Bühne.

Die Handlung von Lohengrin basiert auf verschiedenen von Wagner frei interpretierten Volksmärchen. In Küstenländern, unter Völkern, die an den Ufern großer Flüsse leben, sind poetische Legenden über einen Ritter, der in einem von einem Schwan gezogenen Boot segelt, weit verbreitet. Er erscheint in dem Moment, in dem ein Mädchen oder eine Witwe, von allen verlassen und verfolgt, in Lebensgefahr schwebt. Der Ritter befreit das Mädchen von ihren Feinden und heiratet sie. Sie leben viele Jahre glücklich, aber plötzlich kehrt der Schwan zurück und der Fremde verschwindet so mysteriös, wie er aufgetaucht ist. Oft waren "Schwanen"-Legenden mit Geschichten über den Heiligen Gral verflochten. Der unbekannte Ritter entpuppte sich dann als Sohn des Gralskönigs Parsifal, der die Helden um sich vereinte, die den geheimnisvollen Schatz hüten, der ihnen im Kampf gegen das Böse und die Ungerechtigkeit wundersame Kraft verleiht. Manchmal wurden legendäre Ereignisse in eine bestimmte historische Epoche verlegt - in die Regierungszeit von Heinrich I. dem Fowler (919-936).

Die Legenden von Lohengrin inspirierten viele mittelalterliche Dichter, einer von ihnen ist Wolfram Eschenbach, den Wagner in seinem Tannhäuser hervorgebracht hat.

Mit den Worten Wagners selbst: Christliche Motive die Legenden von Lohengrin waren ihm fremd. Der Komponist sah in ihr die Verkörperung des ewigen menschlichen Strebens nach Glück und aufrichtiger, selbstloser Liebe. Die tragische Einsamkeit Lohengrins erinnerte den Komponisten an sein eigenes Schicksal – das Schicksal eines Künstlers, der den Menschen hohe Ideale von Wahrheit und Schönheit bringt, aber auf Unverständnis, Neid und Häme stößt.

Und bei anderen Helden wurden Wagners Geschichten von lebendigen menschlichen Zügen angezogen. Die von Lohengrin gerettete Elsa mit ihrer naiven, einfachen Seele schien dem Komponisten die Verkörperung der elementaren Kraft des Volksgeistes. Ihr gegenüber steht die Figur der bösen und rachsüchtigen Ortrud, die Personifikation alles Trägen, Reaktionären. In separaten Repliken Schauspieler, in den Nebenepisoden der Oper spürt man den Atem der Entstehungszeit Lohengrins: In den Rufen des Königs nach Einheit, in Lohengrins Bereitschaft dazu klingen die Hoffnungen und Sehnsüchte der fortschrittlichen Menschen in Deutschland in den 1840er Jahren nach die Heimat und seinen Glauben an den kommenden Sieg verteidigen. Diese Interpretation alter Legenden ist typisch für Wagner. Mythen und Legenden waren für ihn die Verkörperung tiefer und ewiger Volksweisheiten, in denen der Komponist eine Antwort auf die Fragen seiner Zeit suchte, die ihn beschäftigten.

HANDLUNG

An den Ufern der Schelde in der Nähe von Antwerpen versammelte König Heinrich der Vogler die Ritter und bat sie um Hilfe: Der Feind bedrohte erneut seine Besitztümer. Graf Friedrich Telramund appelliert an die königliche Justiz. Im Sterben vertraute ihm der Herzog von Brabant seine Kinder an – Elsa und den kleinen Gottfried. Eines Tages verschwand Gottfried auf mysteriöse Weise. Friedrich klagt Elsa des Brudermordes an und fordert ihren Prozess. Als Zeugin nennt er seine Frau Ortrud. Der König befiehlt, Elsa zu holen. Alle staunen über ihre verträumte Erscheinung und ihre seltsamen enthusiastischen Reden. Elsa sagt, dass ihr in einem Traum ein schöner Ritter erschienen ist, der ihr Hilfe und Schutz versprochen hat. Als der König Elsas naive Geschichte hört, kann er nicht an ihre Schuld glauben. Friedrich ist bereit, sich im Duell mit denen zu beweisen, die sich für Elsas Ehre einsetzen. Der Schrei des Herolds ist weit entfernt, aber es gibt keine Antwort. Friedrich triumphiert bereits. Plötzlich taucht auf den Wellen der Schelde ein Schwan auf und zieht einen Turm; darin steht, auf ein Schwert gestützt, ein unbekannter Ritter in glänzender Rüstung. Als er an Land kommt, verabschiedet er sich liebevoll von dem Schwan und schwimmt langsam davon. Lohengrin erklärt sich zu Elsas Beschützer: Er ist bereit, für ihre Ehre zu kämpfen und sie seine Frau zu nennen. Aber sie darf niemals nach dem Namen des Zustellers fragen. In einem Anfall von Liebe und Dankbarkeit schwört Elsa ewige Treue. Das Duell beginnt. Friedrich fällt, von Lohengrin niedergeschlagen; Der Ritter gewährt ihm großzügig das Leben, aber wegen Verleumdung erwartet ihn Verbannung.

Noch in derselben Nacht beschließt Friedrich, die Stadt zu verlassen. Wütend macht er seiner Frau Vorwürfe: Sie habe Elsa falsche Anschuldigungen eingeflüstert und in ihm ehrgeizige Machtträume geweckt. Ortrud macht sich gnadenlos über die Feigheit ihres Mannes lustig. Sie wird nicht nachgeben, bis sie sich gerächt hat, und die Waffen in ihrem Kampf werden Vortäuschung und Täuschung sein. Nicht christlicher Gott, an die Friedrich blind glaubt, und die alten rachsüchtigen heidnischen Götter werden ihr helfen. Elsa muss gezwungen werden, ihren Eid zu brechen und die fatale Frage zu stellen. Es ist nicht schwer, sich in Elsas Vertrauen zu schleichen: Als sie statt der einstigen arroganten und stolzen Ortrud eine bescheidene, schlecht gekleidete Frau sieht, verzeiht Elsa ihren früheren Zorn und Hass und ruft, um ihre Freude zu teilen. Ortrud beginnt ein heimtückisches Spiel: Sie bedankt sich demütig bei Elsa für ihre Freundlichkeit und warnt sie mit gespielter Besorgnis vor Ärger – der Fremde verriet Elsas Namen und Familie nicht, er könnte sie plötzlich verlassen. Aber das Herz des Mädchens ist frei von Verdacht. Morgen kommt. Menschen versammeln sich auf dem Platz. Der Hochzeitszug beginnt. Plötzlich wird Elsas Weg von Ortrud blockiert. Sie warf die Maske der Demut ab und verspottet jetzt offen Elsa, die den Namen ihres zukünftigen Mannes nicht kennt. Ortruds Worte sorgen für allgemeine Verwirrung. Es verschärft sich, als Friedrich einen unbekannten Ritter öffentlich der Hexerei bezichtigt. Aber Lohengrin hat keine Angst vor der Bosheit der Feinde - nur Elsa kann sein Geheimnis lüften, und er ist sich ihrer Liebe sicher. Elsa steht verlegen da und kämpft mit inneren Zweifeln – das Gift von Ortrud hat ihre Seele bereits vergiftet.

Die Hochzeitszeremonie ist vorbei. Elsa und Lohenmänner bleiben allein zurück. Nichts stört ihr Glück. Nur eine leichte Wolke trübt Elsas Freude: Sie kann ihren Mann nicht beim Namen nennen. Zuerst schüchtern, zärtlich, dann immer eindringlicher versucht sie, dem Geheimnis von Lohengrin auf die Spur zu kommen. Umsonst beruhigt Lohengrin Elsa, umsonst mahnt er sie an Pflicht und Eid, umsonst versichert er ihr, dass ihre Liebe ihm lieber sei als alles andere auf der Welt. Elsa kann ihren Verdacht nicht überwinden und stellt die fatale Frage: Wer ist er und wo kommt er her? Zu dieser Zeit stürmt Friedrich Telramund mit bewaffneten Soldaten in die Kammern. Lohengrin zieht sein Schwert und tötet ihn.

Der Tag ist belegt. Ritter versammeln sich an den Ufern der Schelde, bereit für einen Feldzug gegen Feinde. Plötzlich verstummen die freudigen Cliquen des Volkes: Vier Adlige tragen den mit einem Umhang verhüllten Leichnam Friedrichs; ihnen folgt die schweigsame, trauernde Elsa. Das Erscheinen von Lohengrin erklärt alles, Elsa hat ihren Eid nicht gehalten, und er muss Brabant verlassen. Der Ritter verrät seinen Namen: Er ist der Sohn Parsifals, der von der Gralsbruderschaft auf die Erde gesandt wurde, um die Unterdrückten und Beleidigten zu beschützen. Die Menschen müssen an den Boten des Himmels glauben; im Zweifel erlischt die Macht des Gralsritters und er kann nicht auf Erden bleiben. Der Schwan taucht wieder auf. Lohengrin nimmt traurig Abschied von Elsa, prophezeit Deutschland eine glanzvolle Zukunft. Lohengrin befreit den Schwan, er verschwindet im Wasser, und der kleine Gottfried, Elsas Bruder, verwandelt sich durch Ortruds Hexerei in einen Schwan, taucht aus dem Fluss auf. Elsa kann die Trennung von Lohengrin nicht ertragen. Sie stirbt in den Armen ihres Bruders. Und auf den Wellen der Schelde gleitet ein Shuttle, davongetragen von der weißen Gralstaube. Im Kanu, traurig auf ein Schild gestützt, steht Lohengrin. Der Ritter verlässt die Erde für immer und zieht sich in seine geheimnisvolle Heimat zurück.

MUSIK

Lohengrin ist eine von Wagners vollständigsten und perfektesten Opern. Es offenbart mit großer Fülle die reiche spirituelle Welt, die komplexen Erfahrungen der Charaktere. Die Oper zeigt lebhaft einen scharfen, unversöhnlichen Zusammenprall der Kräfte des Guten und Wahren, verkörpert in den Bildern von Lohengrin, Elsa, dem Volk und dunkle Kräfte, personifiziert durch die düsteren Gestalten von Friedrich und Ortrud. Die Musik der Oper zeichnet sich durch seltene Poesie, erhabene vergeistigte Lyrik aus.

Das zeigt sich bereits in der Orchestereinleitung, wo im durchsichtigen Geigenklang eine Vision vom schönen Reich des Grals aufsteigt – dem Land eines unerfüllbaren Traums.

Im ersten Akt wird der freie Wechsel von Solo- und Chorsiena von einer immer größer werdenden dramatischen Spannung durchzogen. Elsas Geschichte „Ich erinnere mich, wie ich gebetet und meine Seele betrübt habe“ vermittelt die zerbrechliche, reine Natur der verträumten, enthusiastischen Heldin. Das ritterliche Bild Lohengrins offenbart sich im feierlich erhabenen Abschied vom Schwan „Schwimm zurück, o mein Schwan“. Das Quintett mit dem Chor fängt die konzentrierte Meditation ein, die die Anwesenden verschlang. Der Akt endet mit einem großen Ensemble, in dessen freudigem Jubel die wütenden Bemerkungen von Friedrich und Ortrud ertrinken.

Der zweite Akt ist voller scharfer Kontraste. Sein Beginn ist in ein unheilvolles Zwielicht gehüllt, eine Atmosphäre böser Machenschaften, der die helle Charakterisierung von Elsa entgegenwirkt. In der zweiten Hälfte des Aktes gibt es viel helles Sonnenlicht, Bewegung. häusliche Szenen- das Erwachen der Burg, die kämpferischen Ritterchöre, der feierliche Hochzeitszug - dienen als farbenfrohe Kulisse für den dramatischen Zusammenstoß zwischen Elsa und Ortrud. Elsas kleines Arioso „O leichtflügeliger Wind“ ist erwärmt von freudiger Hoffnung, zitternder Erwartung des Glücks. Der anschließende Dialog betont die Unähnlichkeit der Heldinnen: Ortruds Appell an heidnische Götter hat einen leidenschaftlichen, pathetischen Charakter, Elsas Rede ist von Herzlichkeit und Wärme durchdrungen. Die ausgedehnte Ensembleszene des Streits zwischen Ortrud und Elsa am Dom – Ortruds bösartige Verleumdungen und Elsas heiße, aufgeregte Rede – beeindruckt mit dynamischen Stimmungsschwankungen. Eine große Steigerung führt zu einem kraftvollen Quintett mit Chor.

Im dritten Akt gibt es zwei Szenen. Der erste ist ganz dem Psychodrama von Elsa und Lohengrin gewidmet. Im Zentrum ihres Liebesduetts. Auf dem zweiten großen Platz sind Massenszenen eingenommen. Ein fulminantes Orchester-Intermezzo führt Sie mit kämpferischen Rufen, Waffenklängen und einfallsreichen Melodien in die ausgelassene Atmosphäre des Hochzeitsfestes ein. Der Hochzeitschor „Joyful Day“ ist voller Jubel. Der Dialog zwischen Lohengrin und Elsa „Ein Herz brennt zärtlich mit wundersamem Feuer“ ist eine der besten Episoden der Oper; weite flexible lyrische Melodien mit erstaunlicher Tiefe vermitteln einen Wechsel der Gefühle - vom Rausch des Glücks bis zum Aufprall und der Katastrophe.

Das zweite Gemälde beginnt mit einem farbenfrohen orchestralen Intermezzo, das auf dem Appell der Trompeten aufbaut. In Lohengrins Erzählung „In einem fremden Land, in einem fernen Bergreich“ zeichnet eine durchsichtige Melodie ein majestätisch leuchtendes Bild des Gralsboten. Ergänzt wird diese Charakterisierung durch ein dramatisches Abschieds-„Oh mein Schwan“ und einen traurigen, ungestümen Appell an Elsa.

¾ R.Wagner. Pause zum III. Akt. Aus der Oper "Lohengrin" (Anhörung).

Gesangs- und Chorarbeit.

¾ R.Wagner. Pause zum III. Akt. Aus der Oper "Lohengrin" (Anhörung).

¾ E. Krylatow, Poesie N. Dobronravova. Ich glaube nur an Masten und Träume (Gesang).

IV. Zusammenfassung der Lektion.

V. Hausaufgaben.

Lektion 18

Thema: "Kunstform ist der sichtbar gewordene Inhalt"

Lernziele:

Ø Lernen Sie, Musik als integralen Bestandteil des Lebens eines jeden Menschen wahrzunehmen.

Ø Erziehen Sie die emotionale Reaktionsfähigkeit auf musikalische Phänomene, das Bedürfnis nach musikalischen Erfahrungen.

Ø Herausbildung der Zuhörerkultur auf der Grundlage des Kennenlernens der höchsten Errungenschaften der Tonkunst.

Ø Sinnvolle Wahrnehmung musikalischer Werke (Kenntnis musikalischer Gattungen und Formen, Mittel musikalische Ausdruckskraft, Bewusstsein für die Beziehung zwischen Inhalt und Form in der Musik).

Musikmaterial des Unterrichts:

Ø W. A. ​​Mozart.

Ø F. Schubert. Serenade (zuhören).

Ø E. Krylatow, Poesie N. Dobronravova. Ich glaube nur an Masten und Träume (Gesang).

Ø A. Zatsepin, Poesie L. Derbeneva. Es gibt nur einen Moment (Gesang).

Zusätzliches Material:

Während des Unterrichts:

I. Organisatorischer Moment.

II. Das Thema des Unterrichts.

Unterrichtsthema: „Kunstform ist der sichtbar gewordene Inhalt“

III. Bearbeiten Sie das Thema der Lektion.

¾ W. A. ​​Mozart. Requiem. Lacrimosa (lauschend).

¾ F. Schubert. Serenade (zuhören).

Gesangs- und Chorarbeit.

¾ E. Krylatow, Poesie N. Dobronravova. Ich glaube nur an Masten und Träume (Gesang).

¾ A. Zatsepin, Poesie L. Derbeneva. Es gibt nur einen Moment (Gesang).

IV. Zusammenfassung der Lektion.

Jedes Element der musikalischen Form ist der Hauptträger des Inhalts: Anhand der Art und Weise, wie die Musik klingt, was in ihr dominiert, was die Merkmale ihrer Struktur sind, können wir auch das musikalische Bild, den Charakter und die Stimmung beurteilen.

V. Hausaufgaben.

Lernen Sie Texte und Definitionen.

Lektion 19

Thema: Vom Ganzen zum Detail

Lernziele:

Ø Lernen Sie, Musik als integralen Bestandteil des Lebens eines jeden Menschen wahrzunehmen.

Ø Eine aufmerksame und wohlwollende Haltung gegenüber der Welt um uns herum zu entwickeln.

Ø Erziehen Sie die emotionale Reaktionsfähigkeit auf musikalische Phänomene, das Bedürfnis nach musikalischen Erfahrungen.

Ø Interesse an Musik entwickeln durch kreativen Selbstausdruck, manifestiert in Reflexionen über Musik, eigene Kreativität.

Ø Herausbildung der Zuhörerkultur auf der Grundlage des Kennenlernens der höchsten Errungenschaften der Tonkunst.

Ø Sinnvolle Wahrnehmung musikalischer Werke (Kenntnis musikalischer Gattungen und Formen, musikalischer Ausdrucksmittel, Bewusstsein für das Verhältnis von Inhalt und Form in der Musik).

Musikmaterial des Unterrichts:

Ø W. A. ​​Mozart. Ouvertüre aus der Oper "Die Hochzeit des Figaro" (Hören).

Ø F. Schubert. Leierkastenmann. Aus dem Vokalzyklus "Winterweg" (Hören).

Ø E. Krylatow, Poesie N. Dobronravova. Ich glaube nur an Masten und Träume (Gesang).

Ø A. Zatsepin, Poesie L. Derbeneva. Es gibt nur einen Moment (Gesang).

Ø E. Kolmanowski, Poesie L. Derbenev, I. Shaferan. Moskauer Serenade (Gesang).

Ø A. Rybnikow, Poesie R. Tagore. Das letzte Gedicht. Aus dem Film "Du hast nie geträumt" (Gesang).

Zusätzliches Material:

Während des Unterrichts:

I. Organisatorischer Moment.

II. Das Thema des Unterrichts.

III. Bearbeiten Sie das Thema der Lektion.

DIE HOCHZEIT DES FIGARO (Le nozze di Figaro) - Opera buffa von W. A. ​​​​Mozart in 4 Akten, Libretto von L. da Ponte. Uraufführung: Wien, 1. Mai 1786, unter der Leitung des Autors.

Als Mozart beschloss, Die Hochzeit des Figaro zu schreiben, gab es bereits Werke zum Thema Der Barbier von Sevilla – G. Paisiello (1782), F. L. Benda usw. Es ist allgemein anerkannt, dass der Erfolg von Paisiellos Oper Mozart dazu veranlasste, sich an ihn zu wenden Beaumarchais' zweites Stück über Figaro. Vielleicht spielte dieses Motiv mit bekannte Rolle aber natürlich war es nicht entscheidend. Die Popularität der beiden Stücke von Beaumarchais, ihre künstlerische Perfektion, ihr Witz und vor allem ihre soziale Schärfe erregten die Sympathie Mozarts, eines Mannes und Künstlers, der sich der demütigenden Stellung eines Musikers in der feudalen Gesellschaft bewusst war. Das Bild von Figaro, einem Vertreter des aufstrebenden dritten Standes, der sich verteidigt Menschenwürde, verkörperte die demokratischen Ideen seiner Zeit. In Österreich war die Komödie von Beaumarchais jedoch verboten, und um die Erlaubnis zur Aufführung der Oper zu erhalten, musste man Zugeständnisse an die Zensur machen. Bei der Umarbeitung der Komödie in ein Libretto mussten daher viele Zeilen Figaros weggelassen werden. Es sind jedoch nicht diese Abkürzungen des Textes, die den Charakter des Werks bestimmen, das die antifeudale Ausrichtung von Beaumarchais' Komödie beibehält.

Die Oper drückt klar die Vorstellung von der Überlegenheit eines klugen, unternehmungslustigen und mutigen Eingeborenen des Volkes über einen verdorbenen, arroganten und heuchlerischen Adligen aus. Mozart hat nicht nur die grundlegenden und wichtigsten ideologischen Motive der Komödie beibehalten; er überdachte, vertiefte und bereicherte die Bilder der Charaktere, dramatisierte kühn die Handlung. Seine Gräfin fühlt sich tiefer und dünner als in einer Komödie. Ihre Erfahrungen sind dramatisch, obwohl sie eine Figur in einer komischen Oper bleibt. Auch rein blöde Bilder werden angereichert, wie zum Beispiel Marcellina. In dem Moment, in dem sie erfährt, dass Figaro ihr Sohn ist, ändert sich das Melos ihrer Party unkenntlich: Ein aufrichtiges, aufgeregtes Gefühl verdrängt die üblichen Intonationen einer komödiantischen Figur. Ein neues Verständnis des Systems des Operndramas drückte sich in der Erweiterung der Rolle der Ensembles aus: In Mozarts Oper entspricht ihre Zahl (14) der Zahl der Arien. Wenn sich früher die Handlung in Rezitativen offenbarte und Arien und Ensembles gleichsam eine Station in der Entwicklung der Handlung waren, dann bewegen sie bei Mozart auch die Handlung. Durch die Unerschöpflichkeit der Inspiration, die seltenste Ausdruckskraft von "Die Hochzeit des Figaro" - Meilenstein in der Geschichte des Weltmusiktheaters.

SCHÖPFUNGSGESCHICHTE

Die Handlung der Oper ist der Komödie der Berühmten entlehnt Französischer Dramatiker P. Beaumarchais (1732-1799) Verrückter Tag oder Die Hochzeit des Figaro (1781), der zweite Teil der dramatischen Trilogie (der erste Teil - Der Barbier von Sevilla, 1773 - diente als Grundlage für die Oper des gleichen Namen von D. Rossini). Die Komödie erschien in den Jahren unmittelbar vor der Französischen Revolution (ursprünglich 1784 in Paris aufgeführt) und löste aufgrund ihrer antifeudalen Tendenzen einen großen öffentlichen Aufschrei aus. Mozarts „Die Hochzeit des Figaro“ besticht nicht nur durch die Lebendigkeit der Figuren, die Schnelligkeit der Handlung, den komödiantischen Witz, sondern auch durch die gesellschaftskritische Ausrichtung. In Österreich wurde Beaumarchais' Komödie verboten, aber Mozarts Librettist L. da Ponte (1749-1838) erhielt die Erlaubnis, die Oper zu inszenieren. Bei der Überarbeitung des Librettos (auf Italienisch geschrieben) wurden viele Komödienszenen gekürzt und Figaros publizistische Monologe veröffentlicht. Dies wurde nicht nur durch die Anforderungen der Zensur, sondern auch durch die spezifischen Bedingungen diktiert Gattung Oper. Dennoch erhielt die Grundidee von Beaumarchais‘ Schauspiel – die Idee der moralischen Überlegenheit des Bürgerlichen Figaro über den Aristokraten Almaviva – in der Musik der Oper eine unwiderstehlich überzeugende künstlerische Verkörperung.

Held des Operndieners Figaro - typischer Vertreter dritter Stand. Listig und unternehmungslustig, ein Spötter und Witz, den allmächtigen Edelmann kühn bekämpfend und über ihn triumphierend, wird er von Mozart mit skizziert große Liebe und Sympathie. Die Oper zeigt auch realistisch die Bilder von Figaros inbrünstiger und zärtlicher Freundin Susanna, der leidenden Gräfin, dem jungen Cherubino, der von den ersten Liebeserregungen gepackt wird, dem hochmütigen Grafen und traditionellen Comicfiguren - Bartolo, Basilio und Marcellin.

Mozart begann im Dezember 1785 Musik zu komponieren und beendete sie fünf Monate später; die Uraufführung fand am 1. Mai 1786 in Wien mit wenig Erfolg statt. Wirkliche Anerkennung erlangte die Oper erst nach einer Aufführung in Prag im Dezember desselben Jahres.

HANDLUNG

Die Gräfin ist traurig über die Gleichgültigkeit ihres Mannes. Susannas Geschichte von seiner Untreue schmerzt ihr Herz zutiefst. In aufrichtigem Mitgefühl mit ihrer Zofe und ihrem Verlobten nimmt die Gräfin bereitwillig Figaros Plan an, den Grafen nachts in den Garten zu rufen und ihn anstelle von Susanna Cherubino zu einem Date zu schicken, gekleidet in ein Frauenkleid. Susanna beginnt sofort, die Seite zu verkleiden. Das plötzliche Erscheinen des Grafen versetzt alle in Verwirrung; Cherubino ist im Nebenzimmer versteckt. Überrascht von der Verlegenheit seiner Frau fordert der Graf sie auf, die verschlossene Tür zu öffnen. Die Gräfin weigert sich hartnäckig und versichert, dass Susanna da ist. Der eifersüchtige Argwohn des Grafen verstärkt sich. Er beschließt, die Tür aufzubrechen, und holt mit seiner Frau die Werkzeuge. Die schlaue Susanna befreit Cherubino aus seinem Versteck. Aber wohin laufen? Alle Türen sind verschlossen. Aus Angst springt der arme Page aus dem Fenster. Der zurückgekehrte Graf findet Susanna hinter einer verschlossenen Tür, die über seinen Verdacht lacht. Er ist gezwungen, seine Frau um Vergebung zu bitten. Figaro, der hereingelaufen ist, meldet, dass sich die Gäste bereits versammelt haben. Aber der Graf verzögert den Beginn der Ferien auf jede erdenkliche Weise - er wartet auf das Erscheinen von Marcellina. Die Haushälterin verklagt Figaro: Sie verlangt, dass er entweder ihre alten Schulden zurückzahlt oder sie heiratet. Die Hochzeit von Figaro und Susanna wird verschoben.

Das Gericht entschied den Fall zugunsten von Marcelina. Der Graf triumphiert, aber sein Triumph ist nur von kurzer Dauer. Plötzlich stellt sich heraus, dass Figaro - eigener Sohn Marcelina und Bartolo, als Kind von Räubern entführt. Berührt beschließen Figaros Eltern zu heiraten. Jetzt haben wir zwei Hochzeiten zu feiern.

Die Gräfin und Susanna ließen den Gedanken nicht los, dem Grafen eine Lektion zu erteilen. Die Gräfin beschließt, selbst ein Dienstmädchenkleid anzuziehen und auf eine Verabredungsnacht zu gehen. Unter ihrem Diktat schreibt Susanna eine Notiz und vereinbart einen Termin für den Grafen im Garten. Während des Urlaubs muss Barbarina es abgeben.

Figaro kichert über seinen Herrn, doch nachdem er von der Einfaltspinsel Barbarina erfahren hat, dass Susanna die Notiz geschrieben hat, beginnt er, seine Braut des Betrugs zu verdächtigen. In der Dunkelheit des Nachtgartens erkennt er Susanna in Verkleidung, gibt aber vor, sie für eine Gräfin zu halten. Der Graf erkennt seine als Magd verkleidete Frau nicht und zerrt sie in die Gartenlaube. Als er sieht, wie Figaro der imaginären Gräfin seine Liebe erklärt, macht er Aufhebens, ruft die Leute auf, seine Frau öffentlich wegen Hochverrats zu verurteilen. Er weigert sich, um Vergebung zu beten. Doch dann erscheint die echte Gräfin, die ihre Maske abgenommen hat. Der Graf ist entehrt und bittet seine Frau um Verzeihung.

MUSIK

Die Hochzeit des Figaro ist eine alltagskomische Oper, in der es Mozart als erster in der Geschichte des Musiktheaters gelungen ist, lebendige Einzelfiguren in Aktion anschaulich und umfassend zu enthüllen. Beziehungen, Kollisionen dieser Charaktere bestimmten viele Merkmale Musikalische Dramaturgie Die Hochzeit des Figaro gab ihren Opernformen Flexibilität und Vielfalt. Besonders bedeutsam ist die Rolle der Ensembles, die mit dem Bühnengeschehen verbunden sind und sich oft frei entfalten.

Die Schnelligkeit der Bewegung und der berauschende Spaß durchdringen die Ouvertüre der Oper und führen in die fröhliche Atmosphäre der Ereignisse des "verrückten Tages" ein.

Im ersten Akt wechseln sich Ensembles und Arien wie selbstverständlich ab. Die beiden aufeinanderfolgenden Duette von Susanna und Figaro ziehen mit Anmut an; der erste - fröhlich und heiter, in der Verspieltheit des zweiten schlüpfen störende Töne durch. Witz und Mut des Figaro sind in der Cavatine „Wenn der Meister springen will“ eingefangen, deren Ironie durch den Tanzrhythmus unterstrichen wird. Cherubinos zitternd erregte Arie „Ich kann es nicht sagen, ich kann es nicht erklären“ skizziert das poetische Bild des verliebten Pagen. Das Terzett vermittelt ausdrucksvoll den Zorn des Grafen, Basilios Verlegenheit und Susannas Besorgnis. Die spöttische Arie "The Frisky Boy", gehalten in der Art eines Militärmarsches, begleitet von Trompeten- und Paukenklängen, zeichnet das Bild eines energischen, temperamentvollen und fröhlichen Figaro.

Der zweite Akt beginnt mit hellen lyrischen Episoden. Die Arie der Gräfin „Gott der Liebe“ lockt mit Lyrik und edler Zurückhaltung der Gefühle; die Plastizität und Schönheit der Gesangsmelodie verbinden sich darin mit der Subtilität der Orchesterbegleitung. Cherubinos Arie „The Heart Excites“ ist voller Zärtlichkeit und Liebesmüdigkeit. Das Finale des Aktes basiert auf einem freien Wechsel von Ensembleszenen; dramatische Spannung baut sich in Wellen auf. Auf das stürmische Duett des Grafen und der Gräfin folgt ein Terzett, das mit Susannas spöttischen Bemerkungen beginnt; lebendig, hell, schnell klingen die folgenden Szenen mit Figaro. Der Akt endet mit einem großen Ensemble, in dem die triumphierenden Stimmen des Grafen und seiner Komplizen den Rollen von Susanna, der Gräfin und Figaro gegenübergestellt werden.

Im dritten Akt sticht das Duett des Grafen mit Susanna hervor, das durch die Wahrhaftigkeit und Subtilität der Charakterzüge besticht; Seine Musik vermittelt gleichzeitig die List eines charmanten Dienstmädchens und die echte Leidenschaft und Zärtlichkeit eines betrogenen Grafen. Das Duett von Susanna und der Gräfin ist in transparenten Pastellfarben gestaltet; Stimmen hallen leise wider, begleitet von Oboe und Fagott.

Der vierte Akt beginnt mit einer kleinen naiv-anmutigen Arie von Barbarina „Dropped, lost“. Susannas lyrische Arie „Komm, mein lieber Freund“ ist mit leiser Poesie aufgefächert mondhelle Nacht. Die Musik des Finales, die die komplexen Gefühle der Figuren vermittelt, klingt zunächst gedämpft, füllt sich aber allmählich mit freudiger Fröhlichkeit.

Betrachten Sie eines der fröhlichsten Werke der Musikgeschichte – Mozarts Ouvertüre zu seiner Oper Le nozze di Figaro. Der deutsche Musikwissenschaftler G. Abert, der die Ouvertüre charakterisiert, schreibt über ihren Fortgang Musikalische Bewegung, die „überall und überall zittert, dann lacht, dann langsam kichert, dann triumphiert; In einem schnellen Flug entstehen immer mehr seiner Quellen. Alles stürzt ins Gesicht

Heroisch - wichtiges Thema im Werk vieler in- und ausländischer Komponisten. Wir können sagen, dass das heroische Thema neben dem Liebesthema das häufigste in der Musik ist. Jedes handlungsmusikalische Werk ist durch die Anwesenheit eines Helden (und oft eines Antihelden) gekennzeichnet, und daher steht der Autor vor der Aufgabe, sein künstlerisches Bild zu schaffen.

Heroische Bilder sind sehr typisch für den Komponisten, der sie auf der Grundlage von Patriotismus, Opfern für das Mutterland, Militär und menschliche Leistung. Und da es in der Geschichte eines Landes nicht an Gers mangelt, ist ihnen die Hauptschicht der nationalen Musikkultur gewidmet.

Das heroische Thema hat schon immer die Aufmerksamkeit russischer Komponisten auf sich gezogen, in der Arbeit einiger von ihnen ist es zum Hauptthema geworden. Der Sturz des mongolisch-tatarischen Jochs, der Vaterländische Krieg von 1812, die Revolution von 1917, der Bürgerkrieg und der Große Vaterländische Krieg haben die russische Musik unauslöschlich geprägt, jedes dieser Ereignisse hat seine Helden. Viele dieser Helden, oder besser gesagt ihre Bilder, wurden in den Werken russischer Autoren verkörpert. Auch ausländische Komponisten widmeten den Helden, die für ihr Vaterland kämpften, viele Werke.

Von den Bildern russischer Helden, die besonders in der Musikkunst beliebt sind, kann man nennen: Prinz Igor Borodin, Ivan Susanin Glinka, Alexander Newski und Kutuzov aus Prokofjews Opern. In vielen musikalischen Werken zeigt sich ein kollektives Heldenbild des russischen Volkes, zum Beispiel in den Opern „Boris Godunov“ und „Chovanshchina“ von Mussorgsky.

Auch in den Werken ausländischer Komponisten zeigen sich viele Heldenbilder, Beethoven, Mozart, Liszt wandten sich zu verschiedenen Zeiten dem Heldentum zu.

Glinka war der erste russische Komponist, der eine Oper schrieb, er lebte in einer schwierigen historischen Zeit - während des Vaterländischen Krieges von 1812. Dieser Kampf des russischen Volkes nicht um Leben, sondern um den Tod, inspirierte den Wunsch, sein Vaterland um jeden Preis zu schützen Glinka, um die Oper Ivan Susanin zu schreiben.

Die Geschichte von Ivan Susanin selbst spiegelt die Realitäten des Krieges mit Napoleon wider, in der Zeit, in der der Komponist lebte und arbeitete. Wie aus der Legende hervorgeht (einige Historiker sind überzeugt, dass Susanins Leistung tatsächlich erfunden ist), führte Susanin, ohne Angst um sein Leben, eine Abteilung polnischer Interventionisten in den Wald, wo sie verschwanden. Susanin selbst starb zusammen mit den Feinden. Glinka zeichnet in seiner Oper ein mehrdimensionales Bild des Helden, der als Leibeigener Ivan Susanin vor uns steht. Ein charakteristisches Zeichen dieses Bildes ist das Glockengeläut, das seine Arie begleitet. Das Läuten symbolisiert den Sieg des Volkes über ausländische Eindringlinge, es waren die Glocken in Rus, die das Volk zum Rat riefen und über bedeutende Ereignisse berichteten. So verband Glinka das Bild des Helden mit dem Bild des Tocsin.

Das Gefühl des Stolzes, das beim Hören von Glinkas Oper aufkommt, war zweifellos die Idee des Autors. Dabei bediente sich der Komponist der ganzen reichen Palette musikalischer Ausdrucksmittel und insbesondere volksliedähnlicher Melodien. Vor seinem Tod singt Susanin, dass er Angst vor dem Tod hat, aber er sieht keinen anderen Ausweg, als für das Mutterland zu sterben, aber ihrem Feind nicht nachzugeben. Selbst um den Preis schrecklicher Qualen (Feinde foltern ihn, um ihnen den Weg aus dem Dickicht zu zeigen), verrät Susanin die Seinen nicht.

In der Oper Ivan Susanin schuf Glinka auch das heroische Bild der Menschen, die die Rolle des Chores übernehmen und sozusagen die Worte des Protagonisten bestätigen, der ohne Todesangst bereit ist, sein Leben dafür zu geben die Rettung des Vaterlandes. Das gesamte russische Volk verherrlicht die Leistung von Susanin und wird ohne zu zögern im Namen des Lebens in den Tod gehen.

Die Handlung von Borodins Oper "Prince Igor" basiert auf der Geschichte des Kampfes der alten russischen Fürsten mit den nomadischen Polovtsianern. Die Geschichte selbst wurde in The Lay of Igor's Campaign beschrieben, das der Komponist beim Schreiben seines Werks verwendete. In Borodins Oper, wie auch in Glinkas Oper, wird Volksmotiven viel Aufmerksamkeit geschenkt, besonders in den Chorpartien. Prinz Igor ist ein wahrer Held, er liebt sein Heimatland Rus leidenschaftlich und ist bereit, es mit Feuer und Schwert vor Feinden zu verteidigen.

Die Oper „Prinz Igor“ ist ein majestätisches Volksepos, das wahrheitsgemäß in verallgemeinerten, lebendigen und lebendig überzeugenden Bildern eine der tragischen Perioden der Vergangenheit des russischen Volkes in seinem Kampf um Einheit und nationale Unabhängigkeit wiedergibt. Im heroischen Konzept der Oper, in ihren musikalischen Hauptbildern, verkörperte Borodin am meisten Typische Funktionen Volkscharakter und spirituelles Lager des russischen Volkes: selbstlose Liebe und Hingabe an das Vaterland, moralische Ausdauer und heldenhafte Einheit im Kampf gegen den Feind, Widerstand gegen Despotismus, Gewalt und Willkür.

In den Opern "Khovanshchina" und "Boris Godunov" zeichnet ihr Autor - M. Mussorgsky ein heroisches Bild des Volkes.

Die Arbeit an "Khovanshchina" wurde fortgesetzt, bis letzten Tage Komponistenleben, man könnte sagen, es war das Werk seines ganzen Lebens.

Im Zentrum der Oper "Khovanshchina" - eine Idee tragischer Zusammenstoß alte und neue Rus', das Verschwinden der alten Lebensweise und der Sieg der neuen. Der Inhalt ist echt historische Ereignisse Ende des 17. Jahrhunderts der Kampf des reaktionären feudalen Adels unter der Führung von Fürst Chowanski gegen die Partei Peters I. Die Handlung ist in einer komplexen, facettenreichen Entwicklung vielfältig gegeben soziale Gruppen- Bogenschützen, Schismatiker, Bauern („fremde Völker“), ein unhöflicher feudaler Feudalherr Khovansky und ein „halbeuropäischer, halbasiatischer“ Vasily Golitsyn. Nicht alles in der Oper entspricht den tatsächlichen Ereignissen, aber das Drama des russischen Volkes wird mit erstaunlicher Tiefe wiedergegeben, seine geistige Stärke und seine Standhaftigkeit werden gezeigt. In "Khovanshchina" schuf Mussorgsky Bilder des russischen Volkes (Dositheus, Martha), die mit der Größe der Seele auffallen.

Die Menschen stehen im Mittelpunkt der Chovanshchina-Aktion. Ein Merkmal dieser Oper von Mussorgsky ist, dass der Autor das Volk nicht als Ganzes zeigt, sondern verschiedene soziale Gruppen herausgreift, die einen besonderen musikalischen Rahmen erhalten, und die Charakteristika jeder Gruppe in der Entwicklung gegeben werden. Somit unterscheiden sich die Eigenschaften der Bogenschützen stark von den Eigenschaften der Schismatiker; eine Gruppe von „Fremden“, Bauern, sticht besonders hervor; Andere Merkmale werden von Mussorgsky betont, der Khovanskys Leibeigene darstellt. Durch unterschiedliche Liedgenres werden den einzelnen Gruppen unterschiedliche Ausprägungen verliehen verschiedene Charaktere Lieder. Die Chöre ausgelassener Bogenschützen bauen auf der Intonation tapferer Tanzlieder mit energischen Tanzrhythmen auf; Das Lied "about Gossip" spiegelte die Merkmale der urbanen Liedchen-Folklore wider. Den Kontrast bilden die betenden Chöre der Bogenschützen und die Chöre der Frauen der Bogenschützen in der Szene „Prozession zur Hinrichtung“ – wo Volksklagen, Schreie, Wehklagen als Grundlage dienen. Die Chöre der Schismatiker klingen archaisch, sie verbinden die Merkmale eines Volksliedlagers mit der Strenge des Znamenny-Gesangs (der Chor „Pobedikhom“, in dem die Melodie des Volkslieds „Halt, mein lieber Reigen“ überarbeitet wird ); In Akt V („In the skete“) werden alte schismatische Gebete und Gesänge in der Musik häufig verwendet. Die Chöre der „Fremden“ und der Leibeigenen bedienen sich direkt des Bauernliedes – lyrisch, in die Länge gezogen, majestätisch.

Das heroische Thema spiegelt sich auch im Werk von S. Prokofjew wider. Wir können sagen, dass die gesamte Musik, die er geschrieben hat, buchstäblich von Heroismus durchdrungen ist. Die meisten Werke des Komponisten wurden anhand historischer Handlungen geschaffen, und wo Geschichte ist, gibt es Helden. Besonders lebendig sind die Heldenbilder in seiner berühmten Oper „Krieg und Frieden“, die nach dem gleichnamigen epischen Roman von L. Tolstoi geschrieben wurde. Mit besonderer Sorgfalt arbeitet der Komponist das Bild von Kutuzov aus, der gezwungen war, Moskau zu verlassen, um vom Feind geplündert zu werden, und Kollektives Bild Russischer Soldat, der für sein Vaterland kämpft.

Die Idee zur Oper „Krieg und Frieden“ kam Prokofjew im Frühjahr 1941. Der Beginn des Großen Vaterländischen Krieges machte dieses Thema besonders nahe und relevant. Der Komponist schrieb: „... Schon damals nahmen die Gedanken, die mir in den Sinn kamen, eine Oper zu schreiben, die auf der Handlung von Tolstois Roman „Krieg und Frieden“ basiert, klare Formen an. Die Seiten, die vom Kampf des russischen Volkes gegen die Horden Napoleons im Jahr 1812 und von der Vertreibung der napoleonischen Armee aus russischem Land erzählen, wurden irgendwie besonders eng. Es war klar, dass diese Seiten die Grundlage der Oper bilden sollten.

Die Widerstandskraft des russischen Charakters, der trotz schwerer Prüfungen in den schwierigen Jahren der feindlichen Invasion standhielt und nicht brach, zeigt sich in der Oper in Szenen auf dem Schlachtfeld, in Volksbildern (Soldaten, Milizen , Einwohner von Moskau, Partisanen) und in den Bildern einzelner Helden . Besonders sticht die majestätische Gestalt des Kommandanten, Feldmarschall Kutuzov, hervor, dessen musikalisches Merkmal aus gemächlichen, durch Pausen getrennten Phrasen, Rezitativen, seinem Hauptthema und der Monologarie besteht, die das Bild vervollständigt. In Prokofjews Oper konzentrieren sich zwei Prinzipien, die im Allgemeinen im Thema Krieg, nationale Katastrophe und im Thema Moskau - dem Mutterland - zum Ausdruck kommen. Das erste Thema bildet mit seinem eindringlichen scharfen Ertönen der Trompete und der Hörner vor dem Hintergrund des Ostinatos der Trompete und der Fagotte eine symphonische Einleitung. Dieser beeindruckende und verstörende "Bildschirmschoner" spielt eine wichtige dramatische Rolle, klingt wie ein Alarm und kündigt die tödliche Gefahr an, die über Moskau und Russland schwebt. Das zweite Thema - das Symbol der Unsterblichkeit des Mutterlandes - erklingt in Kutuzovs Arie. Der majestätische, strukturell abgeschlossene Monolog von Kutuzov ist der Höhepunkt des 10. Bildes. Diese in komplexer dreistimmiger Form mit einer deklamatorischen Einleitung und einem Mittelteil geschriebene Arie hebt sich wie ein mächtiger Gipfel über die „flüssige“ Rezitativmusik der vorangegangenen Dialoge der Teilnehmer des Militärrates. Es wurde auf der Grundlage des Epos erstellt Porträteigenschaften Russischer Held in den oben erwähnten Opern von Glinka und Borodin. Kutuzovs Gedanken und Gefühle richten sich auf das Schicksal Moskaus und des Mutterlandes.

Unter den ausländischen Komponisten ist Beethoven hervorzuheben, der die berühmte Coriolan-Ouvertüre geschrieben hat. Coriolanus war ein römischer Feldherr und lebte im 1. Jahrhundert v. Der Name Coriolanus wurde ihm zu Ehren seiner Eroberung der volskischen Stadt Coriola gegeben. Beethoven schrieb seine eigene Musik für eine Produktion von Collins Stück. In der Ouvertüre zeichnet der Komponist ein psychologisches „Porträt“ von Coriolanus, zeigt Tragischer Konflikt seine Seele. Laut Beethoven ist es ein großes Unglück, das einen Menschen mutig werden lässt, was wir in Kriolan sehen. Die ganze Ouvertüre innerer Monolog Held, die Bildung seines Heldenbildes.

Zusammenfassend stellen wir fest, dass sich russische Komponisten in ihren Werken oft dem heroisch-patriotischen Thema zuwandten, da es zu jeder Zeit relevant war. Die Hauptsache ist, dass die in der Musik geschaffenen Heldenbilder die Idee der Verteidigung des Vaterlandes widerspiegeln, das friedliche Leben verherrlichen und zeigen, dass Helden das Vaterland nur vor dem Feind verteidigen, aber niemals angreifen. Der Held bringt den Menschen im Allgemeinen nur Gutes, schützt und schützt sie und gehört an sich zur Umgebung der Menschen. So ist Ivan Susanin, dessen Bild in Glinkas Oper dargestellt wird, so sind die Menschen aus Mussorgskys Chowanschtschina, so ist Prokofjews Kutusow, der gezwungen ist, die Hauptstadt im Namen der Rettung des ganzen Landes an den Feind zu übergeben.

Eine notwendige Bedingung für die Bedeutung der vom Komponisten verkörperten Heldenbilder ist der Historismus des Autors. In den heroischen Musikwerken wird der Zusammenhang der Zeiten nachgezeichnet vom fernen Funken des Nationalgeistes, der die Notwendigkeit bekräftigt, für sich selbst, seine Sippe, seine Nation zu kämpfen, bis zum selbstlosen Kampf um die Befreiung der Menschheit Völker Europas vom Faschismus im Großen Vaterländischer Krieg, für den universellen Frieden auf Erden für alle Völker - in unserer Zeit. Das Erscheinungsbild jeder Komposition – Oper, Symphonie, Kantate – ist immer durch die Bedürfnisse ihrer Zeit bedingt. Oder wie sie sagen, jede Epoche hat ihren eigenen Helden. Aber das Wichtigste ist, dass überhaupt keine Ära ohne Helden existieren kann.

STÄDTISCHE STAATLICHE BILDUNGSEINRICHTUNG FÜR ZUSÄTZLICHE BILDUNG VON KINDERN
Penzhinsky Kinderkunstschule

SCHRIFT DES GESPRÄCHS
"LITERARISCHE UND MUSIKALISCHE HELDEN IN DEN WERKEN DER KOMPONISTEN - KLASSIKER"

für Schüler der Sekundarstufe

Zusammengestellt von: Selezneva T. I.,

Klavier- und Musiklehrer

theoretische Disziplinen der PDSH

Mit. Kamenskoe

2016

Gesprächsskript

"Literarische und musikalische Helden in den Werken klassischer Komponisten"

Guten Tag unsere lieben Zuschauer. Willkommen in der Welt der Musik und Literatur. Das Treffen mit dem Schönen ist immer ein Feiertag. An Silvester laden wir traditionell Schüler einer Gesamtschule zu von Schülern vorbereiteten Konzerten ein Klavierabteilung. Die Gesprächsthemen sind sehr vielfältig, die Werke vertreten verschiedene Stile und Trends in der Musikkunst. Heute haben wir beschlossen, unsere Veranstaltung gemeinsam mit Schülern der 4. Klasse durchzuführen.

Junge Musiker bereiteten ein kleines Konzertprogramm vor, stellten Komponisten vor, und Schüler einer Gesamtschule stellen uns die Helden der literarischen Werke vor, lesen poetische Passagen. Um die Veranstaltung interessanter zu gestalten, haben wir Quizze, Tests, das Ansehen und Anhören von Ausschnitten aus musikalischen Werken in unser Programm aufgenommen.

Jedes Werk hat Inhalt und Bild, verrät irgendein Thema.

Das Thema kann heroisch, patriotisch, lyrisch, fabelhaft sein.

Lassen Sie uns Beispiele literarischer und musikalischer Werke zu heroischen, märchenhaften, lyrisch-dramatischen, lyrisch-psychologischen, alltäglichen Themen geben. (Kinderliste)

Jedes Werk hat einen Charakter, eine Stimmung, ein Bild.

In einem Gedicht können wir ein Bild der Natur darstellen, ein Bild einer Person (traurig oder fröhlich, mutig oder feige usw.). Wenn in einem literarischen Werk ein Dichter oder Schriftsteller die Stimmung mit Hilfe von Worten vermittelt, dann wird der Inhalt in der Musik durch Klänge, Töne offenbart.

Dmitry Eremenko eröffnet unser Programm, er wird zwei verschiedene Werke aufführen, nachdem Sie sie gehört haben, bestimmen Sie bitte den Charakter, die Stimmung, lassen Sie sich einen Namen für das musikalische Bild einfallen.

Klingt "Etüde" und "Sonatina" (Eremenko Dmitry)

Im Repertoire unserer Musiker gibt es Werke, die sich in Stil und Richtung unterscheiden. Erinnern wir uns, welche musikalischen Trends in Musik und Literatur zu finden sind, was klassische Werke von modernen unterscheidet. (Barock, Klassik, Romantik, Impressionismus).

Klänge „Etüde“ und „Samba“ (Deinega Polina)

Musikalische Werke haben wie literarische Werke ihr eigenes Genre. In der Literatur ist dies eine Geschichte, eine Geschichte, ein Gedicht, ein Epos, eine Geschichte, ein Roman, eine Fabel. Zu Musikgenres umfassen: Oper, Ballett, Konzert für einige Instrumente, Operette, musikalische, symphonische Werke.

Jedes Genre ist in bestimmte Typen unterteilt: Gesang, Tanz, Instrumental.

Klingt "Walzer", aufgeführt von Vasina Elizaveta. Dies ist ein Instrumentalstück, das die charakteristischen Merkmale eines Walzertanzes aufweist. Nennen Sie die Merkmale dieses Tanzes. (Dreiviertelgröße, anmutiger Charakter, siehe Gesellschaftstanz).

Viele Komponisten wenden sich, bevor sie ein Werk schreiben, einer literarischen Quelle zu. Erinnern wir uns, welche Märchen Sie gelesen haben, was Ihre Lieblingsmärchenfigur ist.

Kinder listen Werke und Autoren auf.

Lehrer. Nun werden uns die jungen Musiker die Werke auflisten, die eingeschrieben sind Märchen.

Kinder listen Musikstücke auf.

Lehrer. Ich schlage vor, Sie spielen ein Videospiel: Identifizieren Sie den Helden anhand des Kostüms.

(Videodateien anzeigen)

Leute, Sie kennen literarische und musikalische Helden gut, Sie wissen, dass Sie Musik und ein literarisches Bild, eine Handlung brauchen, um eine musikalische Darbietung zu inszenieren. Um das Stück zu sehen, schlage ich vor, zu gehen Musiktheater. Woraus besteht das Theater?

Kinder. Das Theater besteht aus einer Bühne Auditorium, Logen, Balkone, Vorhänge, Beleuchtungskörper, Orchestergraben, Griffe, Gitter usw.

Welche musikalische Darbietung haben wir gesehen?

Kinder. Wir haben Aschenputtel, Der Nussknacker, Romeo und Julia gesehen.

Lehrer. Wie heißt die Aufführung, bei der die Schauspieler nichts sagen, nur tanzen und Gesten verwenden?

Kinder. Eine solche Aufführung wird Ballett genannt (vom Wort ballo - „tanzen“).

Lehrer. Nennen Sie die Teile des Balletts.

Kinder. Pas de deux, padet - trois, Divertissement, die Schlußszene - die Apotheose.

Heute werden bei unserem Treffen Werke verschiedener Musikgenres aufgeführt, darunter Ballett. Das Ballett hat eine fabelhafte Handlung. Das ist „Dornröschen“ von P. I. Tschaikowsky. Dieser Komponist wird von Dmitry Eremenko vorgestellt

Student. Erzählt die Biografie des Komponisten, zeigt eine Präsentation

Anzeigen einer Präsentation.

Lehrer. Der Inhalt von Tschaikowskys Musik umfasst die Bilder von Leben und Tod, Liebe, Natur, Kindheit, das umgebende Leben und enthüllt auf neue Weise die Werke der russischen und Weltliteratur - A. S. Puschkin und N. V. Gogol, W. Shakespeare und Dante. Lassen Sie uns diese Werke auflisten.

Kinder. Oper "Eugen Onegin", "Pique Dame", Ouvertüre-Fantasie "Romeo und Julia", "Hamlet". Die Ballette "Schwanensee", "Nussknacker", "Dornröschen" wurden auf Märchen geschrieben.

Lehrer. Und wer hat das Märchen geschrieben?

Kinder. Der französische Schriftsteller Ch. Perro.

Lehrer. Erinnern wir uns an den Inhalt der Geschichte, die Hauptfiguren.

Student. Erzählt den Inhalt der Geschichte nach.

Lehrer. Wie endet das Ballett? (Sieg des Guten über das Böse, Leben über den Tod)

Lehrer. Ich schlage vor, Sie sehen sich einen Ausschnitt aus dem Ballett „Dornröschen“ an.

Lehrer. Und jetzt, um zur nächsten Arbeit überzugehen, schlage ich vor, ein Spiel zu spielen. Kinder werden in zwei Gruppen eingeteilt, stellen sich abwechselnd Fragen, wer die meisten richtigen Antworten gibt, gewinnt.

Fragen sind Hinweise.

Nach welcher Figur ist Rimski-Korsakows Oper benannt? (Sadko)

Wie hieß die Meeresprinzessin? (Wolchowa)

Welches Epos bildete die Grundlage für die Handlung der Oper "Sadko"

Wer war Wolchows Vater? (Seekönig)

Das von Sadko gespielte Instrument? (Gusli)

Was wird aus einem Schwanenschwarm? (Bei schönen Mädchen)

Am Ufer welchen Sees sang Sadko sein Lied? (Ilmensee)

Lehrer. Leute, ihr erinnert euch gut an die Helden des Epos. Und was wissen Sie über den Komponisten Rimsky-Korsakov und die Oper, erinnern wir uns an ihre Bestandteile.

Student. Erzählt die Biographie von Rimsky-Korsakov.

Kinder. Die Komponenten der Oper antworten. Oper (lat. opus) bedeutet Handlung, Werk, Komposition. Es bezieht sich auf vokales Genre, umfasst 4 Aktionen.

Es hat eine Ouvertüre, eine Einleitung, einen Epilog, eine Arie, eine Ariette, eine Ariose, ein Divertissement usw.

Lehrer. Wer wird uns den Inhalt dieses Epos verraten?

Kinder. Lesen Sie Auszüge aus der Arbeit.

Lehrer. Hören wir uns einen Ausschnitt aus der Oper Sadko an.

Lehrer. Im Literaturunterricht lernen Sie Auszüge aus Werken auswendig. Jetzt wird Eremenko Dmitry einen Auszug für uns aufführen, und Sie werden den Autor bestimmen und das Werk benennen.

Student. Liest einen Auszug aus Puschkins Märchen „Das Märchen vom Zaren Saltan“ (Eremenko D) Kinder bestimmen ein literarisches und musikalisches Werk.

Lehrer. Wir haben bereits gesagt, dass der Komponist die Musik komponiert, der Schriftsteller das Libretto schreibt und das Sinfonieorchester die Musik aufführt.

Wir machen einen kleinen Wettbewerb. Für jeden der vorgeschlagenen Buchstaben müssen Sie den Namen der Instrumente erfinden und daraus die Instrumente des Symphonieorchesters und des Volkes auswählen.

Das Spiel „Create an Orchestra“ wird gespielt.

Lehrer. Die Jungs möchten, dass Sie einen anderen russischen Komponisten nennen, in dessen Werk viele Romanzen zu den Versen von A. S. Puschkin geschrieben sind: „Ich erinnere mich an einen wunderbaren Moment“, „Night Marshmallow“, „Das Feuer der Begierde brennt im Blut“ , „Ich bin hier, Inezilla“; E. Baratynsky "Nicht in Versuchung führen"; N. Kukolnik "Die Lerche", "Folgen", "Zweifel"; Schukowski „Nachtschau“. Im Werk dieses Komponisten gibt es auch eine Oper, die auf Puschkins Gedicht basiert. Nennen Sie es und die wichtigsten handelnde Helden zu welchem ​​Genre es gehört.

Kinder. Dies ist die Oper "Ruslan und Ljudmila", ein fabelhaftes Genre.

Lehrer. Ich möchte Sie auf ein Musikquiz aufmerksam machen. Auf dem Bildschirm erklingen Auszüge aus Musikwerken, und Sie müssen den Namen und den Komponisten des Werks sowie das Fragment aus der Oper Ruslan und Lyudmila bestimmen.

Themen werden in Video- und Audioaufnahmen angehört.

In unserem Gespräch sprachen wir über Oper und Ballett. Ich möchte Ihnen symphonische Werke vorstellen, aber keine großen Sinfonien, sondern kleine Miniaturen, Musikalische Bilder. Warum genau für das Orchester, denn es gibt viele Instrumente im Orchester, daher ist es einfacher, ein Bild zu zeichnen. In der Musik nennt man ein kleines Werk eine Miniatur. Die Vorsilbe „mini“ bedeutet „klein“. In der russischen Musik war Anatoly Konstantinovich Lyadov der Meister solcher sinfonischer Miniaturen. (1855 - 1914).

Symphonische Gemälde heißen "Kikimora", "Magic Lake", "Baba Yaga".

In dem musikalischen "Märchenbild" stellte A. K. Lyadov nicht nur das "Porträt" von Kikimora dar, sondern auch ihren bösartigen Charakter. "Kikimora (Shishimora, Maara) - ein böser Geist, ein Baby - eine unsichtbare Frau, die in einem Haus hinter dem Ofen lebt und Spinnen und Weben tut." Der Charakter von Kikimora wird wunderbar im Märchen von A. N. Tolstoi dargestellt. Dem musikalischen Werk „Kikimora“ wird ein solches Programm vorangestellt, das in Form eines Auszugs aus der Sammlung von I. Sacharow „Geschichten des russischen Volkes“ entnommen wurde. .

Student. Liest eine Beschreibung von Kikimora.

Lehrer. Hören wir uns das Stück an.

Anhören des Werkes "Kikimora"

Lehrer. Ich schlage vor, Sie machen ein Testspiel.

Geführter Test - Spiel.

Fazit

Bei unserem Treffen haben Sie alle viel Neues gelernt, Komponisten und Dichter entdeckt, von denen Sie vielleicht schon einmal gehört haben, aber Sie wussten nicht genau, wie ihre Arbeit miteinander verbunden ist. Wenn Sie nun Werke lesen oder hören, achten Sie auf die literarische Quelle und erinnern Sie sich an den Komponisten, der die Oper oder das Ballett zu dieser Handlung geschrieben hat.

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Was ist Form in der Musik?

Es ist üblich, eine musikalische Form als Komposition zu bezeichnen, dh die Merkmale des Aufbaus eines musikalischen Werks: das Verhältnis und die Methoden zur Entwicklung von musikalisch-thematischem Material, das Verhältnis und der Wechsel der Tonarten.

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Couplet-Form

Was man singt – der Solist – ist das Singen des Liedes. Haben Sie schon einmal darauf geachtet, wie der Song komponiert ist? Vor allem ein solches Lied, das viele Menschen gemeinsam singen können – bei einer Demonstration, bei einer Aktion oder abends bei einem Pionierfeuer. Es scheint in zwei Teile geteilt zu sein, die dann mehrmals wiederholt werden. Diese beiden Teile - sangen ansonsten einen Vers (das französische Wort Couplet bedeutet eine Strophe) und einen Refrain, der auch als Refrain bezeichnet wird (dieses Wort ist auch französisch - Refrain).

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Bei Chorliedern wird der Refrain oft vom Sänger alleine gesungen und der Chor nimmt den Refrain auf. Das Lied besteht nicht aus einer, sondern meist aus mehreren Strophen. Die Musik in ihnen ändert sich normalerweise nicht oder nur sehr wenig, aber die Worte sind jedes Mal anders. Der Refrain bleibt sowohl im Text als auch in der Musik immer gleich. Denken Sie an ein Pionierlied oder eines, das Sie singen, wenn Sie im Sommer campen gehen, und überzeugen Sie sich selbst, wie es gebaut wird. Die Form, in der die überwiegende Mehrheit der Lieder geschrieben wird, wird daher als Couplet-Form bezeichnet.

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SCHULSCHIFF Text: Konstantin Ibryaev Musik: Georgy Struve Und an einem ruhigen Septembertag, Und wenn der Februar fegt, Schule, Schule, siehst du aus wie ein Schiff, das in die Ferne rennt. Refrain: Jetzt läuft unsere Uhr Schulbehörde Wir sind also alle ein bisschen Seeleute. Entdeckerdrang kennen wir, Unsere Wege sind weit. 2Jedes Jahr betreten wir gemeinsam eine neue Klasse wie einen neuen Hafen. Und unsere Träume und Lieder nehmen wir wie immer an Bord. Chor. Jetzt steht unsere Uhr an der Tafel, das heißt also, dass wir alle ein bisschen Seeleute sind. Entdeckerdrang kennen wir, Unsere Wege sind weit. 3Auf den Spuren von Greens Helden, durch die Seiten gute Bücher Wir sind unter dem unsichtbaren Segel, um direkt mit Freunden zu segeln. Chor. Jetzt steht unsere Uhr an der Tafel, das heißt also, dass wir alle ein bisschen Seeleute sind. Entdeckerdrang kennen wir, Unsere Wege sind weit. 4 Werden wir Matrosen, führen wir ein Raumschiff - wir lassen niemals einen Mann über Bord. Chor. Jetzt steht unsere Uhr an der Tafel, das heißt also, dass wir alle ein bisschen Seeleute sind. Entdeckerdrang kennen wir, Unsere Wege sind weit.

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alte Form des Rondos

Sie basieren auf zwei (oder - in einem Rondo - mehreren) unterschiedlichen thematischen Materialien. Die Form basiert in solchen Fällen auf einem Vergleich, einer Entwicklung und manchmal sogar einer Kollision dieser oft gegensätzlichen und manchmal sogar widersprüchlichen Themen.

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Dreigliedrige Form

Der Dreiteiler ist nach dem Schema aufgebaut, das üblicherweise in Buchstaben wie diesem dargestellt wird: ABA. Dies bedeutet, dass die erste Episode am Ende nach der kontrastierenden mittleren Episode wiederholt wird. In dieser Form werden die Mittelteile von Symphonien und Sonaten, Teile von Suiten, verschiedene Instrumentalstücke, zum Beispiel viele Nocturnes, Präludien und Mazurkas von Chopin, Lieder ohne Worte von Mendelssohn, Romanzen von russischen und ausländischen Komponisten geschrieben.

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zweiteilige Form

Die zweiteilige Form ist weniger verbreitet, da sie einen Hauch von Unvollständigkeit aufweist, Vergleiche, als ob „ohne Abschluss“, ohne Ergebnis. Sein Schema: AB. Es gibt auch musikalische Formen, die auf einem einzigen Thema basieren. Dies sind zunächst Variationen, die man genauer als Thema mit Variationen bezeichnen könnte (den Variationen ist auch eine eigene Geschichte in diesem Buch gewidmet). Darüber hinaus bauen viele Formen polyphoner Musik wie Fuge, Kanon, Invention, Chaconne und Passacaglia auf demselben Thema auf.

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freie Form

das heißt, eine Komposition, die sich nicht auf etablierte Standardmusikformen bezieht. Am häufigsten wenden sich Komponisten bei der Erstellung von Programmwerken sowie beim Komponieren aller Arten von Fantasien und Medleys zu geliehenen Themen der freien Form zu. Es stimmt, oft gibt es in freien Formen Merkmale der Dreigliedrigkeit - die häufigste aller musikalischen Konstruktionen. Nicht umsonst ist die komplexeste, höchste aller musikalischen Formen – die Sonate – im Grunde auch dreistimmig. Seine Hauptabschnitte – Exposition, Durchführung und Reprise – bilden eine komplexe dreiteilige Struktur – eine symmetrische und logisch abgeschlossene Konstruktion.

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