Französischer romantischer Maler, Meister der Landschaft. Geschichte und Entwicklung der Romantik in der Malerei

Der Beginn des 19. Jahrhunderts war in Russland eine Zeit des kulturellen und spirituellen Aufschwungs. Während Russland in seiner wirtschaftlichen und gesellschaftspolitischen Entwicklung hinter den fortgeschrittenen europäischen Staaten zurückblieb, hielt es in seinen kulturellen Errungenschaften nicht nur mit ihnen Schritt, sondern lag oft sogar vorne. Die Entwicklung der russischen Kultur in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts basierte auf den Veränderungen der Vorzeit. Das Eindringen von Elementen kapitalistischer Verhältnisse in die Wirtschaft hat den Bedarf an gebildeten und gebildeten Menschen erhöht gebildete Leute. Städte wurden zu wichtigen Kulturzentren.

Neue soziale Schichten wurden in gesellschaftliche Prozesse einbezogen. Die Kultur entwickelte sich vor dem Hintergrund des immer stärker werdenden nationalen Selbstbewusstseins des russischen Volkes und hatte in diesem Zusammenhang eine ausgeprägte Bedeutung Volkscharakter. Sie hatte einen bedeutenden Einfluss auf Literatur, Theater, Musik und bildende Kunst. Vaterländischer Krieg von 1812, was in beispiellosem Maße das Wachstum des nationalen Selbstbewusstseins des russischen Volkes und seine Festigung beschleunigte. Es kam zu einer Annäherung anderer Völker Russlands an das russische Volk.

Der Beginn des 19. Jahrhunderts wird zu Recht als das goldene Zeitalter der russischen Malerei bezeichnet. Damals erreichten russische Künstler ein Können, das ihre Werke auf eine Stufe mit den besten Beispielen europäischer Kunst stellte.

Drei Namen eröffnen den Russen Gemälde XIX Jahrhunderte - Kiprenski , Tropinin , Venetsianov. Jeder hat verschiedene Ursprünge: unehelicher Grundbesitzer, Leibeigener und Nachkomme eines Kaufmanns. Jeder hat seinen eigenen kreativen Anspruch – Romantiker, Realist und „Dorflyriker“.

Trotz seiner frühen Leidenschaft für die Historienmalerei ist Kiprensky vor allem als herausragender Porträtmaler bekannt. Das kann man sagen Anfang des 19. Jahrhunderts V. er wurde der erste russische Porträtmaler. Die alten Meister, die im 18. Jahrhundert berühmt wurden, konnten mit ihm nicht mehr konkurrieren: Rokotov starb 1808, Levitsky, der ihn um 14 Jahre überlebte, malte aufgrund einer Augenkrankheit nicht mehr und Borovikovsky, der nicht mehr lebte Monate vor dem Aufstand der Dekabristen arbeitete er sehr wenig.

Kiprensky hatte das Glück, ein künstlerischer Chronist seiner Zeit zu werden. Als „Geschichte in Gesichtern“ kann man seine Porträts bezeichnen, die viele Teilnehmer an den historischen Ereignissen darstellen, deren Zeitgenosse er war: Helden des Krieges von 1812, Vertreter der Dekabristenbewegung. Auch die Technik erwies sich als praktisch Bleistiftzeichnung, dessen Ausbildung an der Akademie der Künste große Aufmerksamkeit geschenkt wurde. Kiprensky schuf im Wesentlichen neues Genre- ein bildhaftes Porträt.

Kiprensky schuf viele Porträts russischer Kulturschaffender, und der berühmteste unter ihnen ist natürlich Puschkin. Es wurde im Auftrag geschrieben Delviga, dem Lyzeumsfreund des Dichters, im Jahr 1827. Zeitgenossen bemerkten die erstaunliche Ähnlichkeit des Porträts mit dem Original. Der Künstler befreite das Bild des Dichters von den alltäglichen Zügen, die dem im selben Jahr gemalten Puschkin-Porträt von Tropinin innewohnen. Alexander Sergejewitsch wurde vom Künstler in einem Moment der Inspiration eingefangen, als er von einer poetischen Muse besucht wurde.

Der Tod ereilte den Künstler während seiner zweiten Italienreise. Letzten Jahren Bei dem berühmten Maler ging vieles schief. Es begann eine kreative Flaute. Kurz vor seinem Tod wurde sein Leben von einem tragischen Ereignis überschattet: Zeitgenossen zufolge wurde der Künstler fälschlicherweise des Mordes beschuldigt und hatte Angst, das Haus zu verlassen. Selbst die Heirat mit seinem italienischen Schüler verschönerte seine letzten Tage nicht.

Nur wenige Menschen trauerten um den russischen Maler, der in einem fremden Land starb. Zu den wenigen, die wirklich verstanden, was für einen Meister sie verloren hatte häusliche Kultur, da war der Künstler Alexander Ivanov, der sich zu dieser Zeit in Italien aufhielt. In diesen traurigen Tagen schrieb er: Kiprensky „war der erste, der den russischen Namen in Europa bekannt machte.“

Tropinin ging als herausragender Porträtmaler in die Geschichte der russischen Kunst ein. Er sagte: „Ein Porträt eines Menschen wird zur Erinnerung an diejenigen gemalt, die ihm nahe stehen, diejenigen, die ihn lieben.“ Zeitgenossen zufolge malte Tropinin etwa 3.000 Porträts. Ob das so ist, ist schwer zu sagen. Eines der Bücher über den Künstler enthält eine Liste von 212 genau identifizierten Personen, die Tropinin porträtierte. Er hat auch viele Werke mit dem Titel „Porträt einer unbekannten Frau“. Staatswürdenträger, Adlige, Krieger, Geschäftsleute, kleine Beamte, Leibeigene, Intellektuelle und Persönlichkeiten der russischen Kultur posierten für Tropinin. Unter ihnen: Historiker Karamzin, Schriftsteller Zagoskin, Kunstkritiker Odoevsky, die Maler Bryullov und Aivazovsky, der Bildhauer Vitali, der Architekt Gilardi, der Komponist Alyabyev, die Schauspieler Shchepkin und Mo-chalov, der Dramatiker Suchowo-Kobylin.

Einer von beste Werke Tropinina - Porträt eines Sohnes. Es muss gesagt werden, dass dies eine der „Entdeckungen“ der Russen ist Kunst des 19. Jahrhunderts V. Es gab ein Kinderporträt. Im Mittelalter galt ein Kind als kleiner Erwachsener, der noch nicht erwachsen war. Sogar Kinder trugen Kleidung, die sich nicht von der von Erwachsenen unterschied: Mitte des 18. Jahrhunderts. Mädchen trugen enge Korsetts und weite Röcke mit Patten. Erst zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Sie sahen das Kind im Kind. Künstler gehörten zu den ersten, die dies taten. In Tropinins Porträt steckt viel Einfachheit und Natürlichkeit. Der Junge posiert nicht. Interessiert drehte er sich für einen Moment um: Sein Mund war leicht geöffnet, seine Augen leuchteten. Das Aussehen des Kindes ist überraschend charmant und poetisch. Goldenes, zerzaustes Haar, ein offenes, kindlich rundliches Gesicht, ein lebhafter Blick aus intelligenten Augen. Man spürt, wie liebevoll der Künstler das Porträt seines Sohnes gemalt hat.

Tropinin malte zweimal Selbstporträts. Auf dem späteren, 1846 datierten Bild ist der Künstler 70 Jahre alt. Er stellte sich selbst mit einer Palette und Pinseln in den Händen dar, gestützt auf einen Mashtabel – einen speziellen Stock, den Maler verwenden. Hinter ihm bietet sich ein majestätisches Panorama des Kremls. In seiner Jugend besaß Tropinin heroische Kraft und gute Laune. Dem Selbstporträt nach zu urteilen, behielt er seine körperliche Kraft auch im Alter. Das runde Gesicht mit Brille strahlt Gutmütigkeit aus. Der Künstler starb 10 Jahre später, aber sein Bild blieb im Gedächtnis der Nachkommen – groß, eine nette Person, bereichert Russische Kunst mit Deinem Talent.

Venetsianov entdeckte das Bauernthema in der russischen Malerei. Er war der erste russische Künstler, der auf seinen Leinwänden die Schönheit seiner heimischen Natur zeigte. Die Akademie der Künste favorisierte das Landschaftsgenre nicht. Es belegte den vorletzten Platz in der Bedeutung und hinterließ einen noch verabscheuungswürdigeren – den Haushalt. Nur wenige Meister malten die Natur und bevorzugten italienische oder imaginäre Landschaften.

In vielen Werken Venetsianovs sind Natur und Mensch untrennbar miteinander verbunden. Sie sind so eng mit dem Land und seinen Gaben verbunden wie ein Bauer. Dein Bestes Berühmte Werke- „Heuernte“, „Im Ackerland. Frühling“, „Bei der Ernte. Sommer“ – der Künstler schafft in den 20er Jahren. Dies war der Höhepunkt seiner Kreativität. Niemand in der russischen Kunst konnte das bäuerliche Leben und die Arbeit der Bauern mit so viel Liebe und Poesie darstellen wie Venetsianov. Auf dem Gemälde „Auf dem gepflügten Feld. Frühling“ bearbeitet eine Frau ein Feld. Diese harte, anstrengende Arbeit sieht auf Venetsianovs Leinwand erhaben aus: eine Bäuerin in einem eleganten Sommerkleid und einer Kokoshnik. Mit ihrem schönen Gesicht und ihrer flexiblen Figur ähnelt sie einer antiken Göttin. An den Zügeln zweier gehorsamer Pferde, die an eine Egge gespannt sind, geht sie nicht, sondern scheint über das Feld zu schweben. Das Leben um uns herum verläuft ruhig, maßvoll und friedlich. Seltene Bäume werden grün, weiße Wolken schweben über den Himmel, das Feld scheint endlos, an dessen Rand ein Baby sitzt und auf seine Mutter wartet.

Das Gemälde „Bei der Ernte. Sommer“ scheint das vorherige fortzusetzen. Die Ernte ist reif, die Felder sind voller goldener Stoppeln – die Zeit der Ernte ist gekommen. An Vordergrund Die Bäuerin legt die Sichel beiseite und stillt das Kind. Der Himmel, das Feld und die Menschen, die darauf arbeiten, sind für den Künstler untrennbar miteinander verbunden. Dennoch bleibt das Hauptthema seiner Aufmerksamkeit stets der Mensch.

Venetsianov schuf eine ganze Galerie mit Porträts von Bauern. Das war neu für die russische Malerei. Im 18. Jahrhundert Menschen aus dem Volk und insbesondere Leibeigene waren für Künstler von geringem Interesse. Laut Kunsthistorikern war Venetsianov der erste in der Geschichte der russischen Malerei, der „das Russische genau einfing und nachbildete“. Volkstyp". „Die Schnitter“, „Mädchen mit Kornblumen“, „Mädchen mit Kalb“, „Schlafender Hirte“ – wunderschöne Bilder von Bauern, verewigt von Venetsianov. Einen besonderen Platz im Werk des Künstlers nahmen Porträts von Bauernkindern ein. Wie Gut ist „Zakharka“ – ein großäugiger, stupsnasiger Junge mit großen Lippen und einer Axt auf der Schulter, der einen energischen Bauerncharakter verkörpert, der seit seiner Kindheit an die Arbeit gewöhnt ist!

Alexey Gavrilovich hinterließ eine gute Erinnerung an sich selbst, nicht nur als Künstler, sondern auch als herausragender Lehrer. Bei einem seiner Besuche in St. Petersburg nahm er einen angehenden Künstler als Schüler auf, dann noch einen, einen dritten... So ein Ganzes Kunstschule, die unter dem Namen Venetsianovskaya in die Kunstgeschichte einging. Über ein Vierteljahrhundert durchliefen dort etwa 70 talentierte junge Männer. Venetsianov versuchte, Leibeigene aus der Gefangenschaft zu befreien und war sehr besorgt, wenn dies scheitern würde. Der talentierteste seiner Schüler, Grigory Soroka, erhielt nie seine Freiheit von seinem Grundbesitzer. Er erlebte noch die Abschaffung der Leibeigenschaft, beging jedoch, von der Allmacht seines früheren Besitzers zur Verzweiflung getrieben, Selbstmord.

Viele von Venetsianovs Schülern lebten in seinem Haus Vollständiger Inhalt. Sie lernten die Geheimnisse der venezianischen Malerei kennen: feste Einhaltung der Gesetze der Perspektive, aufmerksame Beachtung der Natur. Zu seinen Schülern gehörten viele talentierte Meister, die die russische Kunst spürbar geprägt haben: Grigory Soroka, Alexey Tyranov, Alexander Alekseev, Nikifor Krylov. „Venetsianovtsy“ – so nannten sie seine Haustiere liebevoll.

Somit kann zunächst einmal argumentiert werden dritter XIX Jahrhundert kam es zu einem rasanten Aufstieg kulturelle Entwicklung Russland und diese Zeit wird als das goldene Zeitalter der russischen Malerei bezeichnet.

Russische Künstler haben ein Niveau erreicht, das ihre Werke auf eine Stufe mit den besten Beispielen europäischer Kunst stellt.

Die Verherrlichung der Heldentaten des Volkes, die Idee seines spirituellen Erwachens, die Aufdeckung der Übel des feudalen Russlands – das sind die Hauptthemen der bildenden Künste des 19. Jahrhunderts.

IN Porträtgemälde Besonders deutlich sind die Merkmale der Romantik – die Unabhängigkeit der menschlichen Persönlichkeit, ihre Individualität, die Freiheit des Gefühlsausdrucks.

Es entstanden viele Porträts russischer Kulturschaffender, darunter auch Kinderporträts. Das Bauernthema, die Landschaft, die die Schönheit unserer heimischen Natur zeigt, kommt in Mode.

Romantik in Bildende Kunst stützte sich stark auf die Ideen von Philosophen und Schriftstellern. In der Malerei, wie auch in anderen Kunstformen, wurden Romantiker von allem Ungewöhnlichen, Unbekannten angezogen, sei es Ferne Länder mit ihren exotischen Bräuchen und Kostümen (Delacroix), die Welt der mystischen Visionen (Blake, Friedrich, die Präraffaeliten) und magischen Träume (Runge) oder die dunklen Tiefen des Unterbewusstseins (Goya, Füsli). Das künstlerische Erbe der Vergangenheit ist für viele Künstler zur Inspirationsquelle geworden: Der alte Osten, Mittelalter und Proto-Renaissance (Nazarener, Präraffaeliten).

Im Gegensatz zum Klassizismus, der die klare Kraft der Vernunft verherrlichte, besangen die Romantiker leidenschaftliche, stürmische Gefühle, die den Menschen völlig erfassten. Die ersten Reaktionen auf neue Trends waren Porträts und Landschaften, die zu bevorzugten Genres der romantischen Malerei wurden.

Blütezeit Porträtgenre war mit dem Interesse der Romantiker an Hellem verbunden menschliche Individualität, Schönheit und Reichtum ihrer spirituellen Welt. Das Leben des menschlichen Geistes hat in einem romantischen Porträt Vorrang vor dem Interesse an körperlicher Schönheit, an der sinnlichen Plastizität des Bildes.

In einem romantischen Porträt (Delacroix, Géricault, Runge, Goya) kommt immer die Einzigartigkeit jedes Menschen zum Vorschein, die Dynamik und der intensive Takt werden vermittelt Innenleben, rebellische Leidenschaft.

Romantiker interessieren sich auch für die Tragödie einer gebrochenen Seele: Die Helden ihrer Werke sind oft psychisch kranke Menschen (Gericault „Eine verrückte Frau, die an einer Drogenabhängigkeit leidet“) Glücksspiel„, „Kinderdieb“, „Wahnsinnig, der sich als Kommandant vorstellt“).

Landschaft von Romantikern als Verkörperung der Seele des Universums konzipiert; Die Natur erscheint wie die menschliche Seele in Dynamik, ständiger Variabilität. Die für den Klassizismus charakteristischen geordneten und veredelten Landschaften wurden durch Bilder spontaner, rebellischer, kraftvoller, sich ständig verändernder Natur ersetzt, die der Verwirrung der Gefühle entsprachen romantische Helden. Die Romantiker liebten es besonders, Stürme, Gewitter, Vulkanausbrüche, Erdbeben und Schiffswracks zu schreiben, die eine starke emotionale Wirkung auf den Betrachter haben konnten (Gericault, Friedrich, Turner).

Die für die Romantik charakteristische Poetisierung der Nacht – einer fremden, unwirklichen Welt, die nach eigenen Gesetzen lebt – führte zur Blüte des „Nachtgenres“, das vor allem bei deutschen Künstlern zu einem Favoriten in der romantischen Malerei wurde.

Eines der ersten Länder, in dem sich die Romantik der bildenden Künste entwickelte, warDeutschland .

Kreativität hatte einen spürbaren Einfluss auf die Entwicklung des Genres der romantischen LandschaftCaspar David Friedrich (1774-1840). In seinem künstlerisches Erbe Es dominieren Landschaften mit Bildern von Berggipfeln, Wäldern, dem Meer, der Meeresküste sowie den Ruinen alter Kathedralen, verlassenen Abteien und Klöstern („Kreuz in den Bergen“, „Kathedrale“, „Abtei unter den Eichen“). ). Sie enthalten normalerweise ein Gefühl ständiger Traurigkeit aufgrund der Erkenntnis über den tragischen Verlust einer Person in der Welt.

Der Künstler liebte jene Naturzustände, die seiner romantischen Wahrnehmung am besten entsprechen: früher Morgen, Abendsonnenuntergang, Mondaufgang („Zwei betrachten den Mond“, „Klosterfriedhof“, „Landschaft mit Regenbogen“, „Mondaufgang über dem Meer“, „ Kreidefelsen“ auf der Insel Rügen“, „Auf einem Segelboot“, „Hafen bei Nacht“).

Die ständigen Charaktere in seinen Werken sind einsame Träumer, versunken in die Betrachtung der Natur. Beim Blick in die Weiten und endlosen Höhen werden sie mit den ewigen Geheimnissen des Universums vertraut gemacht und in die wunderschöne Welt der Träume entführt. Das wundervolle Welt Friedrich vermittelt mit Hilfe eines magisch leuchtenden Lichts- strahlende Sonne oder geheimnisvoller Mond.

Friedrichs Werk erregte die Bewunderung seiner Zeitgenossen, darunter auch mir. W. Goethe und W. A. Schukowski, dank dessen viele seiner Gemälde von Russland erworben wurden.

Maler, Grafiker, Dichter und KunsttheoretikerPhilipp Otto Runge (1777-1810), widmete sich hauptsächlich dem Porträtgenre. In seinen Werken poetisierte er Bilder von gewöhnlichen Menschen, oft von seinen Lieben („Wir drei“ – ein Selbstporträt mit seiner Braut und seinem Bruder, ist nicht erhalten; „Kinder der Familie Huelsenbeck“, „Porträt des Künstlers“) Eltern“, „Selbstporträt“). Runges tiefe Religiosität kam in Gemälden wie „Christus am Ufer des Tiberias-Sees“ und „Ruhe auf der Flucht nach Ägypten“ (unvollendet) zum Ausdruck. Seine Gedanken zur Kunst fasste der Künstler in seiner theoretischen Abhandlung „Die Farbsphäre“ zusammen.

Der Wunsch, religiöse und moralische Grundlagen wiederzubeleben Deutsche Kunst verbunden mit Kreative Aktivitäten Künstler Nazarenerschule (F. Overbeck, von Karlsfeld,L. Vogel, I. Gottinger, J. Sutter,P. von Cornelius). In einer Art religiöser Bruderschaft („Union des Heiligen Lukas“) zusammengeschlossen, lebten die „Nazarener“ in Rom nach dem Vorbild einer Klostergemeinschaft und malten Gemälde zu religiösen Themen. Ein Vorbild für uns kreative Suchen sie betrachteten italienische und deutsche MalereiXIV - XVJahrhunderte (Perugino, früher Raffael, A. Dürer, H. Holbein der Jüngere, L.Cranach). In dem Gemälde „Der Triumph der Religion in der Kunst“ imitiert Overbeck direkt Raffaels „Schule von Athen“ und Cornelius in „Reiter der Apokalypse“ ahmt Dürers gleichnamigen Stich nach.

Mitglieder der Bruderschaft betrachteten spirituelle Reinheit und aufrichtigen Glauben als die Haupttugenden des Künstlers und glaubten, dass „nur die Bibel Raffael zu einem Genie machte“. Sie führten ein einsames Leben in den Zellen eines verlassenen Klosters und erhoben ihren Dienst an der Kunst zur Kategorie des spirituellen Dienstes.

Die „Nazarener“ tendierten zu großen monumentalen Formen und versuchten, mithilfe der neubelebten Freskentechnik hohe Ideale zu verkörpern. Einige der Gemälde wurden von ihnen gemeinsam fertiggestellt.

In den 1820er und 1830er Jahren zerstreuten sich die Mitglieder der Bruderschaft über ganz Deutschland und übernahmen führende Positionen an verschiedenen Kunstakademien. Nur Overbeck lebte bis zu seinem Tod in Italien, ohne ihn zu verraten künstlerische Prinzipien. Die besten Traditionen„Nazarener“ blieben lange Zeit in historische Malerei. Ihre ideologische moralische Suche beeinflusste die englischen Präraffaeliten sowie die Arbeit von Meistern wie Schwind und Spitzweg.

Moritz Schwind (1804-1871), gebürtiger Österreicher, arbeitete in München. In seinen Staffeleiarbeiten stellt er vor allem das Aussehen und das Leben altdeutscher Provinzstädte mit ihren Bewohnern dar. Dies geschah mit großer Poesie und Lyrik, mit Liebe zu seinen Charakteren.

Carl Spitzweg (1808-1885) - Münchner Maler, Grafiker, brillanter Zeichner, Karikaturist, ebenfalls nicht ohne Sentimentalität, aber mit viel Humor, spricht über das Stadtleben („Armer Dichter“, „Morgenkaffee“).

Schwind und Spitzweg werden üblicherweise mit der Biedermeier-Bewegung in der deutschen Kultur in Verbindung gebracht.Biedermeier - Dies ist einer der beliebtesten Stile der Epoche (vor allem im Alltag, aber auch in der Kunst) . Er rückte die Bürger in den Vordergrund, den Durchschnittsbürger. Zentrales Thema Biedermeier-Malerei wurde Das alltägliche Leben ein Mensch, der in einer untrennbaren Verbindung mit seinem Zuhause und seiner Familie steht. Biedermeiers Interesse nicht an der Vergangenheit, sondern an der Gegenwart, nicht am Großen, sondern am Kleinen trug zur Bildung einer realistischen Tendenz in der Malerei bei.

Französische romantische Schule

Die konsequenteste Schule der Romantik in der Malerei entwickelte sich in Frankreich. Sie entstand als Opposition zum Klassizismus, der zum kalten, rationalen Akademismus verkommen war, und brachte so große Meister hervor, die den dominierenden Einfluss der französischen Schule im gesamten 19. Jahrhundert bestimmten.

Französische romantische Künstler tendierten zu Themen voller Dramatik und Pathos. innere Spannung, fernab des „tristen Alltags“. Indem sie sie verkörperten, reformierten sie die Bild- und Ausdrucksmittel:

Die ersten glänzenden Erfolge der Romantik in Französische Malerei mit dem Namen verbundenTheodora Gericault (1791-1824), der vor anderen in der Lage war, ein rein romantisches Gefühl des Konflikts in der Welt auszudrücken. Schon in seinen ersten Werken erkennt man die Lust am Zeigen dramatische Ereignisse Modernität. Beispielsweise spiegelten die Gemälde „Berittener Schützenoffizier im Angriff“ und „Verwundeter Kürassier“ die Romantik der napoleonischen Ära wider.

Gericaults Gemälde „Das Floß der Medusa“, das einem jüngsten Ereignis gewidmet war, stieß auf große Resonanz modernes Leben- der Tod eines Passagierschiffes durch Verschulden der Reederei . Gericault schuf eine riesige Leinwand von 7 x 5 m, auf der er den Moment darstellte, als Menschen am Rande des Todes ein Rettungsschiff am Horizont sahen. Die extreme Spannung wird durch das Harsche, Düstere unterstrichen Farbschema, diagonale Komposition. Dieses Gemälde wurde zum Symbol des modernen Géricault-Frankreichs, das wie Menschen, die vor einem Schiffbruch fliehen, sowohl Hoffnung als auch Verzweiflung erlebt.

Das Thema seines letzten großen Gemäldes „Epsom Races“ fand der Künstler in England. Es zeigt Pferde, die wie Vögel fliegen (ein Lieblingsbild von Gericault, der als Teenager ein ausgezeichneter Reiter wurde). Der Eindruck von Schnelligkeit wird durch eine bestimmte Technik verstärkt: Die Pferde und Jockeys sind sehr sorgfältig gemalt und der Hintergrund ist breit.

Nach dem Tod von Gericault (er starb auf tragische Weise in der Blüte seiner Stärke und seines Talents) wurde der anerkannte Kopf Französische Romantiker wurde sein junger FreundEugene Delacroix (1798-1863). Delacroix war umfassend begabt und besaß musikalisches und literarisches Talent. Seine Tagebücher und Artikel über Künstler sind die interessantesten Dokumente dieser Zeit. Sein theoretische Forschung Die Farbgesetze hatten großen Einfluss auf zukünftige Impressionisten und insbesondere auf V. Van Gogh.

Delacroix‘ erstes Gemälde, das ihn berühmt machte, war „Dante und Vergil“ („Dantes Boot“), basierend auf der Handlung „ Göttliche Komödie" Sie verblüffte ihre Zeitgenossen mit ihrem leidenschaftlichen Pathos und der Kraft ihrer düsteren Farbgebung.

Der Höhepunkt der Kreativität des Künstlers war „Freedom on the Barricades“ („Freiheit führt das Volk“). Glaubwürdigkeit reale Tatsache(Das Bild entstand auf der Höhe von Julirevolution 1830 in Frankreich) verschmilzt hier mit romantischer Traumüber Freiheit und Symbolik von Bildern. Eine schöne junge Frau wird zum Symbol des revolutionären Frankreichs.

Als Reaktion auf moderne Ereignisse gab es mehr frühe Malerei„Massaker von Chios“, dem Kampf gewidmet Griechische Leute mit türkischer Herrschaft .

Nach einem Besuch in Marokko entdeckte Delacroix die exotische Welt des arabischen Ostens, dem er zahlreiche Gemälde und Skizzen widmete. In „Women of Algeria“ erschien die Welt des muslimischen Harems erstmals vor dem europäischen Publikum.

Der Künstler schuf auch eine Reihe von Porträts von Vertretern der kreativen Intelligenz, von denen viele seine Freunde waren (Porträts von N. Paganini, F. Chopin, G. Berlioz usw.).

In der späteren Schaffensperiode widmete sich Delacroix historischen Themen und arbeitete als Monumentalist (Gemälde in der Abgeordnetenkammer, im Senat) und als Grafiker (Illustrationen zu Werken von Shakespeare, Goethe, Byron).

Die Namen englischer Maler der Romantik – R. Benington, J. Constable, W. Turner – sind mit dem Genre der Landschaft verbunden. Sie haben in diesem Bereich wirklich eine neue Seite aufgeschlagen: heimische Natur fanden in ihrer Arbeit eine so breite und liebevolle Widerspiegelung, wie sie damals kein anderes Land kannte.

John Constable (1776-1837) war einer der ersten in der Geschichte der europäischen Landschaft, der Skizzen ausschließlich aus dem Leben schrieb und sich dabei der direkten Beobachtung der Natur zuwandte. Seine Bilder sind in ihren Motiven einfach: Dörfer, Bauernhöfe, Kirchen, ein Flussstreifen oder Meeresstrand: „Hay Wagon“, Detham Valley“, „Salisbury Cathedral from the Bishop's Garden“. Constables Werke dienten als Impulsgeber für die Entwicklung realistischer Landschaften in Frankreich.

William Turner (1775-1851) – Marinemaler . Ihn lockten die stürmische See, Schauer, Gewitter, Überschwemmungen, Tornados: „Die letzte Reise des Schiffes „Brave“, „Gewitter über der Piazzetta.“ Mutige koloristische Quests, selten Lichteffekte manchmal verwandeln sich seine Bilder in leuchtende, phantasmagorische Spektakel: „Feuer des Londoner Parlaments“, „Blizzard“. Der Dampfer verlässt den Hafen und sendet Notsignale, wenn er in seichtes Wasser gerät.“ .

Turner besitzt das erste Gemälde einer auf Schienen fahrenden Dampflokomotive – ein Symbol der Industrialisierung. Im Film „Rain, Steam and Speed“ rast eine Dampflokomotive durch einen nebligen Regendunst die Themse entlang. Alle materiellen Objekte scheinen zu einem Fata Morgana-Bild zu verschmelzen, das das Gefühl von Geschwindigkeit perfekt vermittelt.

Turners einzigartige Studie über Licht- und Farbeffekte nahm die Entdeckungen französischer impressionistischer Künstler weitgehend vorweg.

Im Jahr 1848 entstand in EnglandPräraffaelitische Bruderschaft (von lateinisch prae – „vor“ und Raphael), die Künstler vereinte, die ihre zeitgenössische Gesellschaft und die Kunst der akademischen Schule nicht akzeptierten. Sie sahen ihr Ideal in der Kunst des Mittelalters und Frührenaissance(daher der Name). Die Hauptmitglieder der Bruderschaft sindWilliam Holman Hunt, John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti. In ihrem frühe Arbeiten Diese Künstler verwendeten anstelle von Signaturen die Abkürzung RV .

Die Liebe zur Antike ähnelte der Romantik der Präraffaeliten. Sie wandten sich biblischen Themen („Das Licht der Welt“ und „Der untreue Hirte“ von W. H. Hunt; „Die Kindheit Mariens“ und „Die Verkündigung“ von D. G. Rossetti), Szenen aus der Geschichte des Mittelalters und Theaterstücken von zu W. Shakespeare („Ophelia“ von Millais).

Um menschliche Figuren und Gegenstände in ihrer natürlichen Größe zu malen, vergrößerten die Präraffaeliten ihre Leinwände und fertigten Landschaftsskizzen nach dem Leben an. Zu den Figuren in ihren Gemälden gehörten auch Prototypen echte Menschen. D. G. Rossetti beispielsweise porträtierte in fast allen seinen Werken seine geliebte Elizabeth Siddal und blieb ihr wie ein mittelalterlicher Ritter auch nach ihrem frühen Tod treu („Blue Silk Dress“, 1866).

Der Ideologe der Präraffaeliten warJohn Ruskin (1819-1900) - Englischer Schriftsteller, Kunstkritiker und Kunsttheoretiker, Autor der berühmten Buchreihe „Modern Artists“.

Das Werk der Präraffaeliten beeinflusste viele Künstler maßgeblich und wurde zum Vorboten der Symbolik in der Literatur (W. Pater, O. Wilde) und der bildenden Kunst (O. Beardsley, G. Moreau usw.).

Der Spitzname „Nazarener“ könnte vom Namen der Stadt Nazareth in Galiläa herrühren, in der Jesus Christus geboren wurde. Einer anderen Version zufolge entstand es in Analogie zum Namen des Hebräers Religionsgemeinschaft Nazarener Es ist auch möglich, dass der Name der Gruppe von der im Mittelalter gebräuchlichen und aus A. Dürers Selbstporträt bekannten traditionellen Bezeichnung für die Frisur „Alla Nazarena“ stammt: der Trageweise lange Haare, in der Mitte geteilt, wurden von Overbeck wieder eingeführt.

Biedermeier(deutsch „tapferer Meyer“, Philister) – Nachname erfundener Charakter aus Gedichtsammlung Deutscher Dichter Ludwig Eichrodt. Eichrodt schuf eine Parodie auf eine reale Person – Samuel Friedrich Sauter, einen alten Lehrer, der naive Gedichte schrieb. Eichrodt betonte in seiner Karikatur die spießbürgerliche Primitivität des Biedermeier-Denkens, das zu einer Art Parodie-Symbol der Epoche wurde. Schwungvolle Striche in den Farben Schwarz, Braun und Grün vermitteln die Wut des Sturms. Der Blick des Betrachters scheint sich im Zentrum eines Strudels zu befinden; das Schiff scheint ein Spielzeug aus Wellen und Wind zu sein.

Romantik (französisch romantisme), eine ideologische und künstlerische Bewegung in der europäischen und amerikanischen Kultur des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts. Entstanden als Reaktion auf den Rationalismus und Mechanismus der Ästhetik des Klassizismus und der Philosophie der Aufklärung, die sich während des revolutionären Zusammenbruchs der alten Weltordnung durchsetzten, stellte die Romantik den Utilitarismus und die Nivellierung des Individuums dem Streben nach grenzenloser Freiheit gegenüber Unendlichkeit, ein Durst nach Perfektion und Erneuerung und das Pathos persönlicher und bürgerlicher Unabhängigkeit.

Der schmerzliche Widerspruch zwischen Ideal und Wirklichkeit bildete die Grundlage der romantischen Weltanschauung; Sein charakteristisches Bekenntnis zum inneren Wert des menschlichen kreativen und spirituellen Lebens, die Darstellung starker Leidenschaften, die Vergeistigung der Natur, das Interesse an der nationalen Vergangenheit, der Wunsch nach synthetischen Kunstformen verbinden sich mit Motiven des Welttrauers, dem Verlangen nach Forschung und Nachbildung der „Schatten-“, „Nacht“-Seite menschliche Seele, mit dem berühmten „ romantische Ironie", was es den Romantikern ermöglichte, das Hohe und das Niedrige, das Tragische und das Komische, das Reale und das Fantastische kühn zu vergleichen und gleichzusetzen. Die Romantik entwickelte sich in vielen Ländern und erlangte überall einen strahlenden Glanz Nationalität, bestimmt durch lokale historische Traditionen und Bedingungen.

Die konsequenteste romantische Schule entwickelte sich in Frankreich, wo Künstler das System reformierten Ausdrucksmittel, dynamisierte die Komposition, kombinierte Formen mit einer stürmischen Bewegung, verwendete leuchtende, satte Farben und einen breiten, verallgemeinerten Malstil (Gemälde von T. Gericault, E. Delacroix, O. Daumier, plastische Kunst - P.J. David d'Angers, A.L. Bari , F. Ryud). Die Frühromantik ist in Deutschland und Österreich geprägt von der Aufmerksamkeit für alles sehr Individuelle, einer melancholisch-nachdenklichen Tonalität der figurativ-emotionalen Struktur, mystisch-pantheistischen Stimmungen (Porträts und allegorische Kompositionen von F.O. Runge, Landschaften von K.D. Friedrich und J.A. Koch), der Wunsch, den religiösen Geist Deutschlands wiederzubeleben Italienische Malerei 15. Jahrhundert (Kreativität der Nazarener); Die Kunst des Biedermeier (die Werke von L. Richter, K. Spitzweg, M. von Schwind, F. G. Waldmüller) wurde zu einer Art Verschmelzung der Prinzipien der Romantik und des „Bürgerrealismus“.

In Großbritannien sind die Landschaften von J. Constable und R. Bonington für die romantische Frische der Malerei bekannt, die fantastischen Bilder und ungewöhnlichen Ausdrucksmittel sind die Werke von W. Turner, G.I. Fusli, mit einer Bindung an die Kultur des Mittelalters und der Frührenaissance – das Werk der Meister der spätromantischen Präraffaelitenbewegung (D.G. Rossetti, E. Burne-Jones, W. Morris und andere Künstler). In vielen Ländern Europas und Amerikas romantische Bewegung wurde durch Landschaften (Gemälde von J. Inness und A.P. Ryder in den USA), Kompositionen zu Themen dargestellt Volksleben und Geschichte (die Werke von L. Galle in Belgien, J. Manes in der Tschechischen Republik, V. Madaras in Ungarn, P. Michalowski und J. Matejko in Polen und anderen Meistern).

Das historische Schicksal der Romantik war komplex und zweideutig. Die eine oder andere romantische Tendenz prägte das Werk bedeutender europäischer Meister des 19. Jahrhunderts – Künstler der Barbizon-Schule, C. Corot, G. Courbet, J.F. Millet, E. Manet in Frankreich, A. von Menzel in Deutschland und andere Maler. Gleichzeitig fanden komplexe Allegorien, Elemente der Mystik und Fantasie, die manchmal der Romantik innewohnen, Kontinuität in der Symbolik und teilweise in der Kunst des Postimpressionismus und des Jugendstils.

Referenz- und biografische Daten der „Planet Small Bay Painting Galleries“ wurden auf der Grundlage von Materialien aus der „History of Foreign Art“ (herausgegeben von M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva) erstellt. Kunst-Enzyklopädie ausländisch klassische Kunst", "Große russische Enzyklopädie".

IN spätes XVIII Zu Beginn des 19. Jahrhunderts verloren die Ideen des Klassizismus und der Aufklärung an Attraktivität und Relevanz. Neu, das sich als Reaktion auf die kanonischen Techniken des Klassizismus und die moralischen Gesellschaftstheorien der Aufklärung dem Menschen zuwandte, seinem innere Welt, gewann an Stärke und eroberte den Geist. Die Romantik verbreitete sich in allen Bereichen des kulturellen Lebens und der Philosophie. Musiker, Künstler und Schriftsteller wollten in ihren Werken die hohe Bestimmung des Menschen, seine reiche geistige Welt, die Tiefe der Gefühle und Erfahrungen zeigen. Von nun an wurde der Mensch mit seinem inneren Kampf, seinen spirituellen Suchen und Erfahrungen und nicht die „verschwommenen“ Vorstellungen von allgemeinem Wohlbefinden und Wohlstand zum beherrschenden Thema in Kunstwerken.

Romantik in der Malerei

Maler vermitteln durch ihre Kreationen die Tiefe ihrer Ideen und ihre persönlichen Erfahrungen durch Komposition, Farbe und Akzente. Verschiedene europäische Länder hatten ihre eigenen Besonderheiten bei der Interpretation romantischer Bilder. Dies ist auf philosophische Tendenzen sowie auf die gesellschaftspolitische Situation zurückzuführen, auf die die Kunst eine lebendige Antwort war. Die Malerei war keine Ausnahme. Deutschland, das in kleine Fürstentümer und Herzogtümer zersplittert war, erlebte keine ernsthaften sozialen Umwälzungen; Künstler schufen keine monumentalen Gemälde, die gigantische Helden darstellten; Spirituelle Welt Der Mensch, seine Schönheit und Größe, moralische Fragen. Daher ist die Romantik in der deutschen Malerei am stärksten in Porträts und Landschaften vertreten. Die Werke Otto Runges sind klassische Beispiele dieser Gattung. In den Porträts des Malers wird durch die subtile Ausarbeitung von Gesichtszügen und Augen sowie durch den Kontrast von Licht und Schatten der Wunsch des Künstlers zum Ausdruck gebracht, die Widersprüchlichkeit der Persönlichkeit, ihre Kraft und Gefühlstiefe zu zeigen. Durch die Landschaft, ein leicht phantastisches, übertriebenes Bild von Bäumen, Blumen und Vögeln, versuchte der Künstler auch die Vielseitigkeit der menschlichen Persönlichkeit, ihre Ähnlichkeit mit der Natur, vielfältig und unbekannt, zu entdecken. Ein strahlender Vertreter Romantik in der Malerei war der Landschaftsmaler K. D. Friedrich, der die Stärke und Kraft der Natur, der Berge, Meereslandschaften, im Einklang mit dem Menschen.

Die Romantik in der französischen Malerei entwickelte sich nach unterschiedlichen Prinzipien. Revolutionäre Umwälzungen und ein turbulentes gesellschaftliches Leben manifestierten sich in der Malerei durch die Neigung der Künstler, historische und fantastische Themen mit Pathos und „nervöser“ Erregung darzustellen, was durch Bright erreicht wurde Farbkontrast, Ausdruck von Bewegungen, etwas Chaos, Spontaneität der Komposition. Romantische Ideen werden in den Werken von T. Gericault und E. Delacroix am umfassendsten und anschaulichsten dargestellt. Die Künstler setzten Farbe und Licht meisterhaft ein und schufen eine pulsierende Gefühlstiefe, einen erhabenen Impuls zu Kampf und Freiheit.

Romantik in der russischen Malerei

Das russische gesellschaftliche Denken reagierte sehr lebhaft auf neue Richtungen und Trends, die sich in Europa abzeichneten. und dann der Krieg mit Napoleon – diese bedeutenden historische Ereignisse, die die philosophischen und kulturellen Bestrebungen der russischen Intelligenz am stärksten beeinflusste. Die Romantik in der russischen Malerei war in drei Hauptlandschaften vertreten: monumentale Kunst, wo der Einfluss des Klassizismus sehr stark war und romantische Ideen eng mit akademischen Kanonen verknüpft waren.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts wurde der Darstellung der kreativen Intelligenz, Dichter und Künstler Russlands zunehmend Aufmerksamkeit geschenkt gewöhnliche Menschen und Bauern. Kiprensky, Tropinin, Bryullov mit große Liebe Sie versuchten, die Tiefe und Schönheit der Persönlichkeit einer Person durch einen Blick, eine Drehung des Kopfes und Details eines Kostüms zu zeigen, um die spirituelle Suche und den freiheitsliebenden Charakter ihrer „Modelle“ zu vermitteln. Das große Interesse an der menschlichen Persönlichkeit und ihrer zentralen Stellung in der Kunst trug zur Blüte des Genres des Selbstporträts bei. Darüber hinaus malten die Künstler Selbstporträts nicht auf Bestellung; es war ein kreativer Impuls, eine Art Selbstbericht an ihre Zeitgenossen.

Landschaften in den Werken der Romantiker zeichneten sich auch durch ihre Originalität aus. Romantik in der Malerei spiegelte die Stimmung eines Menschen wider und vermittelte sie; die Landschaft musste im Einklang mit ihr sein. Deshalb versuchten Künstler, die rebellische Natur der Natur, ihre Kraft und Spontaneität darzustellen. Orlovsky, Shchedrin, darstellend Meereselement, mächtige Bäume, Gebirgszüge vermittelten einerseits die Schönheit und Vielfalt realer Landschaften, erzeugten andererseits eine gewisse emotionale Stimmung.