Russische Kultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. „Silbernes Zeitalter“ der russischen Kunst. Merkmale der Kultur an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Gesellschaftspolitisches, philosophisches und ästhetisches Denken. Literarische Bewegungen, häusliche Kultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts

Ende des 19. Jahrhunderts veränderten sich die Bedingungen für die Entwicklung der russischen Kultur erheblich. In den 90ern Wirtschaftskultur Die industrielle Revolution war abgeschlossen, die maschinelle Fabrikproduktion mit Industrietechnologie der Metallurgie und des Maschinenbaus entstand. In Baku, im Donbass und in der Umgebung beider Hauptstädte sind neue Industriegebiete entstanden. Es wurden intensiv Eisenbahnen gebaut, darunter die Transsibirische Eisenbahn (1891-1905).

Schnell entwickelt wissenschaftliche Kultur. I.P. Pawlow studierte die Physiologie der Verdauung und erhielt dafür 1904 den Nobelpreis. 1908 erhielt der Biologe I.I. den Nobelpreis. Mechnikow. V.V. Dokuchaev schuf die Lehre von den Naturzonen. Geographen und Geologen untersuchten das Territorium Russlands und unternahmen schwierige Reisen. Die Forschung von N.M. hat weltweite Anerkennung gefunden. Przhevalsky (er studierte Zentralasien). Im Jahr 1892 wurde das Sibirische Straßenkomitee gegründet, das mit einer eingehenden Untersuchung Sibiriens, seiner natürlichen Bedingungen und Ressourcen begann. Gleichzeitig wurde eine geologische Karte des europäischen Teils Russlands veröffentlicht und 1913 begannen geologische Untersuchungen Sibiriens und des Fernen Ostens. Mineralogist V.I. Wernadskij begründete zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine neue Wissenschaft – die Geochemie. Im Jahr 1885 wurde am Astronomischen Observatorium Pulkowo das damals leistungsstärkste Teleskop installiert. Es sind wunderbare mathematische Schulen entstanden (P. L. Chebyshev, A. A. Markov, A. M. Lyapunov, V. A. Steklov, N. N. Luzin usw.). Physik entwickelt: A.G. Stoletov erfand 1888 die Fotozelle, P.N. Lebedew bewies experimentell den Lichtdruck auf Festkörper und Gase. ALS. Popov entwickelte die Funkkommunikationstechnologie. Russische Ingenieure schufen neue technische Entwürfe: 1897 nach dem Entwurf von V.G. Shukhov, die damals größte Ölpipeline, wurde gebaut (1897); 1899 wurde sie nach dem Entwurf von S.O. gebaut. Makarov, der weltweit erste Eisbrecher „Ermak“, 1911 erfand G.E. Kotelnikov einen Rucksackfallschirm, 1913 I.I. Sikorsky baute das erste mehrmotorige Flugzeug der Welt, die Russian Knight, dann die Ilya Muromets.

Überhaupt Die damalige Entwicklung der Wirtschaftskultur, Technik und Wissenschaftskultur zeichnete sich durch eine beneidenswerte Dynamik aus. Die Stolypin-Reform steigerte die Nachfrage nach landwirtschaftlichen Maschinen stark und trug dazu bei, den Export landwirtschaftlicher Produkte zu steigern; die Energieversorgung pro Industriearbeiter war höher als in Deutschland. Zu Beginn des Ersten Weltkriegs (1914) steigerte Russland selbstbewusst sein Potenzial in allen Bereichen der Kultur, nicht nur in politischer und rechtlicher Hinsicht.

Spielte eine bedeutende Rolle in der Entwicklung der russischen Kultur am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts. philosophische Kultur. Erstens war die Philosophie des Populismus ziemlich einflussreich (Lawrow, Michailowski, Bakunin usw.); zweitens bildete sich der Leninismus und verbreitete seine Ideen – die russische Version des Marxismus, die sich um die Jahrhundertwende in den Bolschewismus verwandelte und mehr als achtzig Jahre lang das Schicksal Russlands bestimmte. Daneben arbeitete G. Shpet im Einklang mit der Phänomenologie, N. Berdyaevi und L. Schestov im Einklang mit dem religiösen Existentialismus. V. Solovyov entwickelte eine Philosophie der Einheit, ein religiöses philosophisches System, das weitgehend die Richtungen der philosophischen Suche von S.N. bestimmte. und E.N. Trubetskoy, D. Merezhkovsky, S. Bulgakov, V. Rozanov und andere. Lehren von V.S. Solovyov hatte auch einen starken Einfluss auf die russische Kunst. Seine Ideen bildeten die Grundlage für einen der bemerkenswertesten Stile der russischen Kunstkultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts. - Symbolik.

Die beeindruckendsten Errungenschaften dieser Zeit sind damit verbunden künstlerische Kultur. In der russischen kunsthistorischen Literatur ist es üblich, das Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts als „Silberzeitalter“ zu bezeichnen, was bedeutet, dass die ersten drei Viertel des 19. Jahrhunderts als „Goldenes Zeitalter“ gelten. Die realistischen Traditionen des „Goldenen Zeitalters“ setzten sich in der Literatur fort: L.N. Tolstoi(„Auferstehung“, 1889-99; „Hadji Murat“, 1896-1904; „Lebende Leiche“, 1900), A.P. Tschechow (1860-1904), I.A. Bunin(1870-1953), K.I. Kuprin (1870-1953).

Es entstand die Neoromantik, deren prominentester Vertreter A.M. Gorki (1868-1936, „Makar Chudra“, „Chelkash“ usw.)

Gleichzeitig war der Einfluss der Moderne zu spüren, die sich zu dieser Zeit im Westen entwickelt hatte. In der russischen Literatur wurde dies in Form von Symbolik verwirklicht. Der Symbolismus strebte nach spiritueller Freiheit und drückte Misstrauen gegenüber allgemein anerkannten kulturellen Werten aus. Die Symbolisten haben es sich zur Aufgabe gemacht, mit der Kunst etwas zum Besseren zu verändern, Harmonie in die Gesellschaft und die Menschen zu bringen. Um dies zu erreichen, musste sich zunächst die Kunst selbst verändern und mit Philosophie und Religion verschmelzen. Es sollte eine bestimmte Realität zum Ausdruck bringen, die jenseits der menschlichen Sinneswahrnehmung verborgen liegt – das ideale Wesen der Welt, ihre „unvergängliche Schönheit“. . Dies ließe sich, so dachten die Symbolisten, mit Hilfe von Symbolen bewerkstelligen. Konstantin Balmont (1867-1942), Dmitry Merezhkovsky (1865-1941), Sinaida Gippius (1869-1945), Fjodor Sologub (1862-1927), Andrei Bely (1886-1954), Valery Bryusov (1873-1924) betrachteten sich als Symbolisten . , Innokenty Annensky (1855-1909), Alexander Blok (1880-1921). Die Werke russischer Symbolisten thematisierten oft Müdigkeit, Mattigkeit, Apathie, Passivität und Willenslosigkeit. Viele von ihnen akzeptierten die bolschewistische Revolution als einen notwendigen Schritt in der Geschichte der Kultur und des Landes insgesamt.

Im gleichen Zeitraum begann der kreative Weg der Dichter S. Yesenin und V. Mayakovsky, M. Tsvetaeva, L. Gumilyov und A. Akhmatova, O. Mandelstam, V. Khlebnikov, B. Pasternak und anderen.

1898 wurde K.S. in Moskau gegründet. Stanislavsky (1863-1938) und V. I. Nemirovich-Danchenko (1958-1943) Kunsttheater (heute Moskauer Kunsttheater), wo neue Prinzipien der Theaterkunst entwickelt wurden. Schüler von Stanislavsky E.B. Wachtangow (1883-1922) schuf freudige, spektakuläre Aufführungen: „Das Wunder des Heiligen Antonius“ von M. Maeterlinck, „Prinzessin Turandot“ von C. Gozzi usw. Die großen dramatischen Schauspielerinnen M. Ermolova und V. Komissarzhevskaya arbeiteten. Das Musiktheater entwickelte sich erfolgreich: im St. Petersburger Mariinsky-Theater und im Moskauer Bolschoi-Theater, in den Privatopern von S.I. Mamontov und S.I. Zimin in Moskau wurde von Vertretern der russischen Gesangsschule, den Weltklasse-Solisten F.I., gesungen. Schaljapin (1873-1938), L.V. Sobinov (1872-1934), N. V. Neschdanow (1873-1950). Der Choreograf M.M. arbeitete im Ballett. Fokin (1880-1942), Ballerina A.P. Pawlowa (1881-1931).

S.V. begann, eigene Musik zu machen. Rachmaninow, A. N. Skrjabin, I.F. Strawinsky, der sein Interesse an philosophischen und ethischen Problemen bekundete.

In der Architektur entstanden dank der beginnenden Verwendung von Stahlbeton- und Metallkonstruktionen Gebäude im Jugendstil. In Moskau arbeitete der Architekt Fjodor Schechtel (1859–1926) in diesem Stil und entwarf Entwürfe für die Villen von Rjabuschinski (heute das A.M.-Gorki-Museum) und Morosow (Empfangsraum des russischen Außenministeriums), das Gebäude des Moskauer Kunsttheaters (Kamergersky Lane), das Gebäude des nach ihm benannten Theaters. Majakowski, Bahnhofsgebäude Jaroslawski usw.

Die interessantesten Veränderungen fanden in der bildenden Kunst statt. Russische Maler des „Silbernen Zeitalters“ V.V. Kandinsky (1866-1944) und K.S. Malewitsch (1878-1935) gehörte zu den Begründern der abstrakten Malerei weltweit. M. Larionov und N. Goncharova schufen ihren ursprünglichen modernistischen Stil „Rayonismus“. Die Traditionen der alten russischen Ikonenmalerei waren in den Gemälden von K.S. Petrova-Vodkina („Das rote Pferd baden“, 1912).

Der Verein „World of Art“, der 1898–1904 eine gleichnamige Zeitschrift herausgab, hatte großen Einfluss auf die Entwicklung der russischen Kunstkultur. Die Gründer und Leiter des Vereins waren der talentierte Organisator, Impresario und Unternehmer S. Diaghilev (er gab eine Zeitschrift heraus) und der Künstler A. Benois. Die an der Bewegung beteiligten Künstler waren L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lancere, A. P. Ostroumova-Lebedeva, M. Vrubel, K. A. Somov, K. Korovin, E. Lancere, V. Serov und andere. „Mirskusniki“ kritisierte das politische und soziale Engagement des wandernden Realismus sowie die Kanonizität und Engstirnigkeit des Akademismus. Sie sprachen über den inneren Wert der Kunst, dass Kunst an sich das Leben verändern kann. Kunstkritiker bemerken die raffinierte Dekorativität, Stilisierung und anmutige Verzierung der Gemälde und Grafiken der Welt der Kunst. Die Bewegung führte die Tradition der Arbeit an Theaterkulissen, Buchgrafiken und Drucken ein .

S. Diaghilev organisiert eine Reihe von Ausstellungen russischer Kunst in Westeuropa und anschließend die „Russischen Jahreszeiten“, die Paris und die ganze Welt in Erstaunen versetzen. Sie veranstalteten Konzerte, Opern- und Ballettaufführungen sowie Kunstausstellungen. Damals begann die gesamte westliche Welt über russische Kunst und russische Kultur zu sprechen.

Der fulminante Aufstieg der russischen Kunst im „Silbernen Zeitalter“ wurde zunächst durch den bolschewistischen Putsch im Oktober 1917 gebremst, in der Sowjetzeit geriet sie völlig in Vergessenheit und wurde teilweise verboten. Heute nimmt sein Erbe jedoch wieder seinen rechtmäßigen Platz in der russischen Kultur ein.

Fragen zum Selbsttest

Welches Jahrhundert in der russischen Geschichte wird als „rebellisch“ bezeichnet und warum?

Welche Bedeutung haben Peters Reformen für die Entwicklung der russischen Kultur?

Erinnern Sie sich an die wichtigsten Denkmäler der russischen Kunstkultur im 16.-17. Jahrhundert.

Was sind die Hauptmerkmale der Entwicklung der russischen Kultur in der Ära Peters des Großen?

Wie entwickelte sich die Wirtschaftskultur Russlands im 18.-19. Jahrhundert?

Welche kulturelle Bedeutung hatten die im Russland des 19. Jahrhunderts durchgeführten Reformen?

Was sind die Hauptmerkmale der Entwicklung der politischen Kultur des Russischen Reiches?

Was sind die Merkmale des Wertesystems der russischen Gesellschaft, das sich im 17.-19. Jahrhundert entwickelte?

Wie entwickelte sich die künstlerische Kultur Russlands im 18.-19. Jahrhundert?

Welche Figuren repräsentieren am deutlichsten die Entwicklung der künstlerischen Kultur in Russland im 18.-19. Jahrhundert? Warum wird das 19. Jahrhundert als „goldenes Zeitalter“ der russischen Kultur bezeichnet?

Welcher Zeitraum wird als „Silberzeitalter“ der russischen Kultur bezeichnet? Warum?

Was ist Dekadenz, Symbolik, Akmeismus, Futurismus?

Was sind die Hauptrichtungen der Avantgarde-Bewegungen in der russischen Malerei des „Silbernen Zeitalters“, wer hat sie vertreten?

Was sind „russische Jahreszeiten in Paris“, wer hat sie organisiert?

Die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert ist eine Zeit eines neuen Aufschwungs der russischen Kultur. Dies ist eine Zeit des Überdenkens der Traditionen und Werte der russischen und Weltkultur des 19. Jahrhunderts. Es ist voller religiöser und philosophischer Fragen und überdenkt die Rolle der kreativen Tätigkeit des Künstlers, seine Genres und Formen.

Ein Merkmal der russischen Kultur dieser Zeit ist die Bildung eines doppelten Entwicklungspfads: Realismus und Dekadenz, vereint in der gegenwärtigen Phase durch das Konzept der Kultur des „Silbernen Zeitalters“. Dies zeugt von der dualistischen Wahrnehmung der Welt, die sowohl für die Romantik als auch für die neue Kunst so charakteristisch ist. Der erste Weg der kulturellen Entwicklung konzentrierte in sich die Traditionen des 19. Jahrhunderts, die Ästhetik der Wanderer und die Philosophie des Populismus. Der zweite Weg wurde von der ästhetischen Intelligenz entwickelt, die die Verbindung zum Raznochinstvo abbrach.

Die Dekadenz in Russland wurde zu einem Spiegelbild der Religionsphilosophie, die die Ästhetik der Symbolik einbezog. Auch die westeuropäische Kultur entwickelte sich auf vielfältige Weise, wobei Dekadenz und Symbolik parallele Strömungen in Poesie und Philosophie waren. In Russland werden beide Konzepte schnell zu Synonymen. Dies führt zur Bildung zweier Schulen: Moskau und St. Petersburg, die beide ästhetischen Konzepte entwickelten. Wenn die St. Petersburger Schule versuchte, den Individualismus auf der Grundlage der mystischen und religiösen Philosophie von Vl. Solovyov, die Moskauer Schule, nahm die europäischen Traditionen am besten auf. Besonderes Interesse galt dabei der Philosophie Schopenhauers und Nietzsches sowie dem Synästhetizismus der französischen Poesie.

Eine Analyse des soziokulturellen Lebens des späten 19. Jahrhunderts zeigt, dass die in den 80er Jahren in der Gesellschaft verbreitete Stimmung einer gewissen Stabilität durch eine Art psychologische Spannung, die Erwartung einer „großen Revolution“ (L. Tolstoi) ersetzt wird. . In einem seiner Briefe im Jahr 1901 bemerkte M. Gorki, dass „das neue Jahrhundert wirklich ein Jahrhundert der spirituellen Erneuerung sein wird“.

Seit Mitte der 90er Jahre begann im gesellschaftspolitischen Leben Russlands erneut ein sozialer Aufschwung, dessen Merkmal eine breite liberale Bewegung und die Beteiligung der Arbeiter an revolutionären demokratischen Aufständen war.

Die russische Intelligenz erwies sich gegenüber den neuen Anforderungen der politischen Entwicklung als nahezu hilflos: Es entwickelte sich zwangsläufig ein Mehrparteiensystem, und die tatsächliche Praxis war dem theoretischen Verständnis der Prinzipien der neuen politischen Kultur deutlich voraus.

All diese Trends vollzogen sich vor dem Hintergrund der wachsenden Vielfalt des spirituellen Lebens, die mit der Entwicklung des Kapitalismus und der Schwächung der autoritären Kontrolle durch die Autokratie einherging.

Die Vielfalt der in der politischen Arena kämpfenden Kräfte und der besondere Charakter der russischen Revolution beeinflussten die Kultur, die kreativen und ideologischen Streben ihrer Führer und eröffneten neue Wege für die soziokulturelle Entwicklung. Die Komplexität und Widersprüchlichkeit der historischen Realität bestimmte die Formenvielfalt des kulturgeschichtlichen Prozesses.

Das philosophische und ästhetische Denken in Russland als eigenständiger Wissenszweig entwickelte sich mit einiger Verzögerung und wies an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert eine Reihe von Merkmalen auf, die vor allem auf die Grenzlage der Russen zwischen Europa und Asien zurückzuführen waren einzigartige spirituelle Welt. Eine besondere Spezifität erhielten die damaligen Kulturtheorien durch das Gefühl der Instabilität, Instabilität, Unsicherheit und Nervosität in der russischen Kultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts.

Im russischen philosophischen und ästhetischen Denken des 19. – ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. der Vorgänger des russischen Kosmismus N.F. Fedorov trug dazu bei; Philosoph V. V. Rozanov, der Familie und Sexualleben zur Grundlage des Glaubens erklärte; Befürworter der Versöhnung von Wissenschaft und Religion S.L. Frank, der zur Bildung einer existentialistischen Sicht auf Kultur beitrug; der Prophet zukünftiger Weltkatastrophen und der Schöpfer der Philosophie der Absurdität und Tragödie der menschlichen Existenz L.I. Shestakov, der sich gegen das Diktat der Vernunft über die geistige Freiheit des Einzelnen usw. aussprach.

Die komplexen gesellschaftlichen Prozesse, die Russland im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert erfassten, die wachsende politische Instabilität und die Suche nach Wegen zur Weiterentwicklung des Landes machten die Diskussion sozialwissenschaftlicher Fragen besonders relevant. Darunter waren Vertreter verschiedenster wissenschaftlicher Fachgebiete und ideologischer Bewegungen. Ein wichtiger Faktor in der ideologischen Entwicklung Russlands war die Verbreitung des Marxismus. Die größten Theoretiker des russischen Marxismus waren die Führer der sozialdemokratischen Bewegung W. I. Lenin, G. W. Plechanow, N. I. Bucharin. Die Positionen des „legalen Marxismus“ wurden zunächst von dem berühmten russischen Philosophen N. A. Berdyaev, der später zur Gottsuche im Geiste des religiösen Existentialismus wechselte, und dem Ökonomen M. I. Tugan-Baranovsky besetzt. Der bedeutendste nichtmarxistische Denker war der Sorokin P.A. Sorokin, der nach der Revolution aus dem Land emigrierte; Ökonom, Philosoph und Historiker P.B. Struve. Die russische Religionsphilosophie war hell und originell. Seine bedeutendsten Vertreter sind V. S. Solovyov, Fürst S. N. Trubetskoy, S. N. Bulgakov, P. A. Florensky.

Die führende Richtung im literarischen Prozess der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts war der kritische Realismus. Dies spiegelt sich besonders deutlich in den Werken von A.P. Tschechow wider. Talent A.P. Tschechow manifestierte sich vor allem in Geschichten und Theaterstücken, in denen der Schriftsteller erstaunlich genau, mit subtilem Humor und leichter Traurigkeit das Leben gewöhnlicher Menschen zeigte – Provinzgrundbesitzer, Zemstvo-Ärzte, junge Damen aus dem Landkreis, hinter deren eintönigem Lebenslauf sich entstand eine echte Tragödie – unerfüllte Träume, unerfüllte Sehnsüchte, die sich für niemanden als nutzlos erwiesen – Macht, Wissen, Liebe.

Das Erscheinungsbild der russischen Literatur veränderte sich um die Jahrhundertwende erheblich. Maxim Gorki trat mit einem hellen und originellen Talent in die russische Kultur ein. Aus dem Volk stammend, durch beharrliche Selbsterziehung zu einer Persönlichkeit geformt, bereicherte er die russische Literatur mit Bildern von außergewöhnlicher Kraft und Neuheit. Gorki beteiligte sich direkt an der revolutionären Bewegung und förderte aktiv die Aktivitäten der RSDLP. Er stellte sein literarisches Talent in den Dienst des politischen Kampfes. Gleichzeitig kann Gorkis gesamtes Werk nicht nur auf eine enge politische Aufklärung reduziert werden. Als echtes Talent sprengte er alle ideologischen Grenzen. Sein „Lied vom Sturmvogel“, die autobiografische Trilogie „Kindheit“, „In Menschen“, „Meine Universitäten“, die Theaterstücke „At the Depths“, „Vassa Zheleznova“ und der Roman „Das Leben des Klim Samgin“. bleibende Bedeutung.

Eine bedeutende Rolle im literarischen Leben der Jahrhundertwende spielten V. G. Korolenko („Die Geschichte meines Zeitgenossen“), L. N. Andreev („Rotes Lachen“, „Das Märchen von den sieben Gehängten“), A. I. Kuprin ( „Olesya“, „Die Grube“, „Granatapfel-Armband“), I. A. Bunin („Antonow-Äpfel“, „Dorf“).

Um die Jahrhundertwende kam es in der Poesie zu großen Veränderungen. Kritischer Realismus der Dichter der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. wird durch die innovative, freie künstlerische Fantasie, die geheimnisvolle, skurrile, mystische Poesie des „Silbernen Zeitalters“ ersetzt. Ein charakteristisches Merkmal des Lebens des damaligen poetischen Umfelds war die Entstehung künstlerischer Vereinigungen, die sich zu bestimmten schöpferischen Prinzipien bekannten. Eine der ersten, die entstand, war die symbolistische Bewegung. Es wurde zwischen 1890 und 1900 gegründet. Zur ersten Generation der Symbolisten gehörten D. S. Merezhkovsky, Z. Gippius, K. D. Balmont, V. Ya. Bryusov, F. Sologub. Der zweite umfasst A.A. Blok, A. Bely, V.I. Ivanov.

Der Schlüssel zur Ästhetik des Symbolismus war der Wunsch, den eigenen Sinn für die Welt durch poetische „Symbole“, eigentümliche halbe Andeutungen, zu vermitteln, für deren korrektes Verständnis es notwendig war, von der direkten, alltäglichen Wahrnehmung der Realität zu abstrahieren und intuitiv zu sehen , oder besser gesagt, spüren Sie in alltäglichen Bildern ein Zeichen einer höheren mystischen Essenz, um die globalen Geheimnisse des Universums, der Ewigkeit usw. zu berühren.

Später entstand aus der Symbolik eine neue poetische Richtung, der Akmeismus (von griechisch akme – Spitze, höchster Punkt der Blüte). Dazu gehören die Werke von N.S. Gumilyov, die frühen Werke von O.E. Mandelstam, A.A. Akhmatova. Die Acmeisten gaben die dem Symbolismus innewohnende Ästhetik der Anspielung auf. Sie zeichnen sich durch eine Rückkehr zu einer klaren, einfachen poetischen Sprache und einem präzisen, „greifbaren“ Bild aus.

Die literarische Tätigkeit der Meister der russischen Avantgarde zeichnete sich durch echte Innovation aus. Im Jahr 1913 entstand eine Bewegung namens Futurismus (vom lateinischen futurum – Zukunft). Futuristen, unter denen es viele sehr talentierte Dichter gab (V. V. Mayakovsky, A. E. Kruchenykh, die Brüder Burlyuk, I. Severyanin, V. Khlebnikov), zeichneten sich durch kühne Experimente mit Worten und poetischer Form aus. Die Werke der Futuristen – die „Poesie der Zukunft“ – wurden vom Lesepublikum teilweise sehr kühl wahrgenommen, doch die von ihnen betriebene kreative Suche hatte großen Einfluss auf die Weiterentwicklung der russischen Literatur.

Städtische Einrichtung für zusätzliche Bildung

„Kinderkunstschule Ust-Orda“

Unterrichtspläne für das akademische Fach PO.02.UP.03.

„Musikalische Literatur“

zusätzliche berufsvorbereitende Allgemeinbildungsprogramme im Bereich der Musikkunst

„Klavier“, „Volksinstrumente“

5. Klasse (5-jähriges Studium)

für das Studienjahr 2017 – 2018. Jahr

Entwickler: Dmitrieva Lyubov Viktorovna

2017

ICH Quartal

Unterrichtsplan Nr. 1

Unterrichtsthema: Russische Kultur des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts

Ziel: Einführung der Studierenden in die russische Kultur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts.

Lehrreich:

Bei Schulkindern eine Vorstellung vom Wesen des soziokulturellen Phänomens des „Silbernen Zeitalters“ zu entwickeln;

Zeigen Sie die Errungenschaften der russischen Kunst und den künstlerischen Wert neuer Kunsttrends und tragen Sie dazu bei, Schulkindern ein Gefühl für Schönheit zu vermitteln.

Moralische, ästhetische Qualitäten.

Lehrreich:

durch die Kenntnis des schönen und kulturellen Erbes weiterhin ein Gefühl des Patriotismus bei den Schülern zu entwickeln;

- Interesse und Liebe für die russische Kultur pflegen.Entwicklung:

Erweitern Sie den Horizont und tragen Sie zur Erweiterung der ästhetischen Qualitäten der Schüler bei.

Methoden:

Verbal;

Visuell;

Aussichten;

Vergleiche;

Spiele;

Erklärend und anschaulich (Gespräch, Geschichte, Vorführung an einem Instrument);

Teilweise – Suche;

Visuell – auditiv;

Musikalische Verallgemeinerung.

Unterrichtsformat: individueller allgemeiner Unterricht mit Spielelementen.

Unterrichtsart: Ein neues Thema enthüllen

Ausrüstung: Laptop, Projektor, Lautsprecher, Klavier, Tafel, Buntstifte.

Handzettel: Tabletten, Buntstifte, Karten

Demomaterial: Multimedia-Präsentation.

Musikalisches Material:I. Strawinsky-Ballett „Petruschka“, T. Khrennikov Konzert für Violine und Orchester in C-Dur, 1. Satz.

Visuelle Hilfen: Gemälde, Komponistenporträts, Karten.

Liste der methodischen und verwendeten Literatur:

Dmitrieva L.V., Lazareva I.A., Kazantseva I.V. Akademisches Fachprogramm PO.02.UP.03. „Musikalische Literatur“ eines berufsvorbereitenden Allgemeinbildungsprogramms im Bereich Musikkunst „Klavier“, „Volksinstrumente“ für Schüler der Klassen 4–8. – Umsetzungszeitraum – 5 Jahre. – Ust-Ordynsky, 2015.

Shornikova M. Musikliteratur: Russische Musikklassiker. Viertes Studienjahr. Ed. 2., hinzufügen. und verarbeitet – Rostow n/d: Phoenix, 2004.

Kushnir M.B. Audioguide für Bildungseinrichtungen. Heimische Musik. – M.: Musikalischer Verlag LANDGRAF, 2007.

Tretjakowa L.S. „Seiten der russischen Musik“, „Russische Musik des 19. Jahrhunderts“.

Dattel E.L. „Musikalische Reise“

Tarasov L. „Musik in der Familie der Musen.“

Smirnova E. „Russische Musikliteratur“

Internetressourcen:

Während des Unterrichts

Organisationsphase.

Das Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts (vor 1917) war eine nicht weniger reiche, aber viel komplexere Zeit. Es ist durch keinen Wendepunkt vom vorherigen getrennt: Die besten Spitzenwerke von Tschaikowsky und Rimsky-Korsakow stammen speziell aus den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts und dem ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts.

Im letzten Viertel des 19. Jahrhunderts erlangte das Werk russischer Komponisten in der gesamten zivilisierten Welt Anerkennung. Unter der jüngeren Generation von Musikern, die Ende des letzten und Anfang dieses Jahrhunderts in das kreative Leben eintraten, gab es Komponisten eines anderen Typs. Das war Skrjabin, etwas später Strawinsky und während des Ersten Weltkriegs Prokofjew. Auch im damaligen Musikleben Russlands spielte der Belyaevsky-Kreis eine wichtige Rolle. In den 80er und 90er Jahren erwies sich dieser Kreis als das einzige Musikzentrum, in dem sich die aktivsten Musiker zusammenschlossen, um nach neuen Wegen zur Entwicklung der Kunst zu suchen.

Musikkultur entwickelte sich auch in anderen Ländern, beispielsweise in Frankreich, Tschechien und Norwegen.

In Frankreich entstand der Stil des musikalischen Impressionismus und Symbolismus. Sein Schöpfer ist der Komponist Claude Achille Debussy. Die Merkmale des Impressionismus als einer der führenden Musikrichtungen des frühen 20. Jahrhunderts fanden ihren Ausdruck in den Werken von M. Ravel, F. Poulenc, O. Respighi und sogar in den Werken russischer Komponisten.

In der Tschechischen Republik blüht die Musik. Die Begründer der nationalen Klassiker in der Tschechischen Republik sind Bedrich Smetan und Antonin Dvorak.

Der Begründer der norwegischen Klassiker ist Edvard Grieg, der nicht nur die Arbeit skandinavischer Autoren, sondern auch europäischer Musik beeinflusste.

Die Musik des 20. Jahrhunderts zeichnet sich durch eine außergewöhnliche Vielfalt an Stilen und Trends aus, der Hauptvektor ihrer Entwicklung ist jedoch die Abkehr von früheren Stilen und die „Zerlegung“ der Musiksprache in ihre konstituierenden Mikrostrukturen.

Musikkultur Russlands am Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts

Das Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts war von einer tiefen Krise geprägt, die die gesamte europäische Kultur erfasste und aus der Enttäuschung über frühere Ideale und dem Gefühl des nahenden Untergangs des bestehenden gesellschaftspolitischen Systems resultierte. Aber dieselbe Krise brachte eine große Ära hervor – die Ära der russischen kulturellen Renaissance zu Beginn des Jahrhunderts – eine „der raffiniertesten Epochen in der Geschichte der russischen Kultur“. Dies war die Ära des kreativen Aufstiegs von Poesie und Philosophie nach einer Zeit des Niedergangs. Gleichzeitig war es eine Ära der Entstehung neuer Seelen, neuer Sensibilität. Seelen öffneten sich allen möglichen mystischen Tendenzen, sowohl positiven als auch negativen. Gleichzeitig wurden die russischen Seelen von Vorahnungen drohender Katastrophen überwältigt. Die Dichter sahen nicht nur die bevorstehende Morgendämmerung, sondern auch etwas Schreckliches, das sich Russland und der Welt näherte ...

Im Zeitalter der kulturellen Renaissance kam es in allen Bereichen der Kultur zu einer Art „Explosion“: nicht nur in der Poesie, sondern auch in der Musik; nicht nur in der bildenden Kunst, sondern auch im Theater... Das damalige Russland bescherte der Welt eine Vielzahl neuer Namen, Ideen und Meisterwerke. Zeitschriften wurden herausgegeben, verschiedene Zirkel und Gesellschaften gegründet, Debatten und Diskussionen organisiert, neue Trends entstanden in allen Bereichen der Kultur.

Im 19. Jahrhundert Literatur wird zum führenden Bereich der russischen Kultur. Damit einhergehend gibt es auch die hellsten Aufschwünge in der Musikkultur Russlands, und Musik und Literatur interagieren, was bestimmte künstlerische Bilder bereichert. Wenn beispielsweise Puschkin in seinem Gedicht „Ruslan und Ljudmila“ die Idee des Nationalpatriotismus organisch löste und geeignete nationale Formen für seine Umsetzung fand, dann entdeckte M. Glinka in Puschkins magischem Märchen neue, potenzielle Optionen heroische Handlung - seine Oper wächst von innen heraus zum multinationalen Musikepos.

Das Werk Gogols, das untrennbar mit der Nationalitätsproblematik verbunden ist, hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Entwicklung der Musikkultur Russlands im letzten Jahrhundert. Gogols Geschichten bildeten die Grundlage für die Opern „May Night“ und „The Night Before Christmas“ von Rimsky-Korsakov, „Sorochinskaya Fair“ von Mussorgsky, „Blacksmith Vakula“ („Cherevichki“) von Tschaikowsky usw.

Rimsky-Korsakov schuf eine ganze „märchenhafte“ Opernwelt: von „May Night“ und „The Snow Maiden“ bis hin zu „Sadko“, bei der es vor allem um eine gewisse ideale Welt in ihrer Harmonie geht. Die Handlung von „Sadko“ basiert auf verschiedenen Versionen des Novgorod-Epos – Geschichten über die wundersame Bereicherung eines Guslar, seine Wanderungen und Abenteuer. Rimsky-Korsakov definiert „Das Schneewittchen“ als ein Opernmärchen und nennt es „ein Bild aus der anfangs- und endlosen Chronik des Berendey-Königreichs“. In Opern dieser Art bedient sich Rimsky-Korsakow mythologischer und philosophischer Symbolik.

Wenn die Oper zu Zeiten Mussorgskis, Borodins und Tschaikowskys den Hauptplatz in der russischen Musik einnahm, trat sie Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts in den Hintergrund. Und die Notwendigkeit, Veränderungen vorzunehmen, hat die Rolle des Balletts gestärkt.

Aber auch andere Genres wie Symphonie und Kammermusik begannen sich stark zu entwickeln. Das Klavierwerk von Rachmaninow, der selbst ein großer Pianist war, erfreut sich großer Beliebtheit. Rachmaninows Klavierkonzerte gehören (ebenso wie die Violinkonzerte von Tschaikowsky und Glasunow) zu den Höhepunkten der Weltkunst. Im letzten Viertel des 19. Jahrhunderts erlangte das Werk russischer Komponisten in der gesamten zivilisierten Welt Anerkennung. Unter der jüngeren Generation von Musikern, die Ende des letzten und Anfang dieses Jahrhunderts in das kreative Leben eintraten, gab es Komponisten eines anderen Typs. Schon ihre ersten Werke waren auf eine ganz eigene Art geschrieben: scharfsinnig, manchmal sogar gewagt. Das ist Skrjabin. Einige Zuhörer waren von Skrjabins Musik mit ihrer inspirierenden Kraft fasziniert, andere empörten sich über ihre Ungewöhnlichkeit. Etwas später trat Strawinsky auf. Seine Ballette, die während der Russischen Jahreszeiten in Paris aufgeführt wurden, erregten die Aufmerksamkeit ganz Europas. Und schließlich ging bereits während des Ersten Weltkriegs ein weiterer Stern auf Russisch auf – Prokofjew.

Russische Theater erfreuen sich enormer Beliebtheit. Maly-Theater in Moskau und Mariinsky-Theater in St. Petersburg. Ein bemerkenswertes Merkmal der Kultur dieser Zeit war die Suche nach einem neuen Theater.

Dank der Aktivitäten von Diaghilev (einem Philanthrop und Ausstellungsorganisator) erhält das Theater neues Leben und die russische Kunst erhält große internationale Anerkennung. Die von ihm in Paris organisierten „Russischen Jahreszeiten“-Aufführungen russischer Balletttänzer gehören zu den Meilensteinen in der Geschichte der russischen Musik, Malerei, Oper und Ballettkunst.

Zur Truppe gehörten M. M. Fokin, A. P. Pavlova, V. F. Nezhensky und andere. Fokine war Choreograf und künstlerischer Leiter. Die Aufführungen wurden von den berühmten Künstlern A. Benois und N. Roerich entworfen. Es wurden Aufführungen von „La Sylphides“ (Musik von Chopin), Polovtsian-Tänzen aus der Oper „Fürst Igor“ von Borodin, „Feuervogel“ und „Petruschka“ (Musik von Strawinsky) usw. gezeigt. Die Aufführungen waren ein Triumph der russischen choreografischen Kunst. Die Tänzer bewiesen, dass klassisches Ballett modern sein und den Zuschauer begeistern kann.

Probespiel: I. Strawinsky-Ballett „Petruschka“

Fokines beste Produktionen waren „Petruschka“, „Der Feuervogel“, „Scheherazade“ und „Der sterbende Schwan“, in denen Musik, Malerei und Choreografie vereint waren.

Schauspieler, Regisseur, Theoretiker der Bühnenkunst gründete und leitete 1898 zusammen mit V. I. Nemirowitsch-Dantschenko das Kunsttheater.

Erwähnenswert sind die „Russischen Symphoniekonzerte“, die Belyaev seit vielen Saisons organisiert, sowie die „Russischen Kammerabende“. Ihr Ziel war es, das russische Publikum mit Werken nationaler Musik bekannt zu machen. Konzerte und Abende wurden von N.A. geleitet. Rimsky-Korsakov und seine talentierten Schüler A.K. Glasunow und A. K. Lyadov. Sie entwickelten einen Plan für jede kommende Saison, erstellten Programme, luden Interpreten ein ... Es wurden nur Werke russischer Musik aufgeführt: Viele von ihnen, vergessen, zuvor von der russischen Musikgesellschaft abgelehnt, fanden hier ihre ersten Interpreten. Zum Beispiel die symphonische Fantasie von M.P. Mussorgskys „Nacht auf dem kahlen Berg“ wurde fast zwanzig Jahre nach seiner Entstehung bei den Russischen Symphoniekonzerten uraufgeführt und dann viele Male wiederholt („je nach öffentlicher Nachfrage“, wie in den Programmen vermerkt).

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert erwachte das Interesse an alter Musik wieder. Nach und nach beginnt der Orgelbau in Russland. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts ließen sie sich buchstäblich an einer Hand abzählen. Es treten Interpreten auf, die den Zuhörern die Orgelmusik früherer Epochen und Jahrhunderte näherbringen: A.K. Glasunow, Starokadomsky. Diese Zeit ist eine wichtige Etappe in der Geschichte der Geige. Es tritt eine Gruppe von Virtuosen auf – Komponisten und Interpreten, die bisher unbekannte Möglichkeiten der Geige als Soloinstrument offenbaren. Es entstehen neue bemerkenswerte Werke, unter denen Werke sowjetischer Komponisten einen herausragenden Platz einnehmen. Derzeit sind die Konzerte, Sonaten und Theaterstücke von Prokofjew und Chrennikow auf der ganzen Welt bekannt. Ihre wunderbare Kunst lässt uns spüren, was für ein erstaunliches Instrument die Geige ist.

Am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts und insbesondere im Jahrzehnt vor Oktober zieht sich das Thema der Erwartung großer Veränderungen, die die alte, ungerechte Gesellschaftsordnung hinwegfegen sollten, durch die gesamte russische Kunst und insbesondere die Musik. Nicht alle Komponisten erkannten die Unvermeidlichkeit und Notwendigkeit der Revolution und sympathisierten mit ihr, aber alle oder fast alle spürten die Spannung vor dem Sturm. So entwickelt die Musik des 20. Jahrhunderts die Traditionen einheimischer Komponisten – Romantiker und Komponisten der „Mächtigen Handvoll“. Gleichzeitig setzt sie ihre kühne Suche im Bereich Form und Inhalt fort.

Aber Mussorgski und Borodin waren bereits verstorben, 1893 auch Tschaikowsky. An ihre Stelle treten Schüler, Erben und Fortsetzer ihrer Traditionen: S. Tanejew, A. Glasunow, S. Rachmaninow. Aber egal wie nah sie ihren Lehrern stehen, in ihrer Arbeit sind neue Geschmacksrichtungen deutlich zu spüren. Die Oper, die mehr als ein Jahrhundert lang den wichtigsten Platz in der russischen Musik einnahm, tritt deutlich in den Hintergrund. Und im Gegenteil, die Rolle des Balletts wächst.

Symphonische und kammermusikalische Genres entwickeln sich in den Werken von Glasunow und Tanejew weit verbreitet. Das Klavierwerk von Rachmaninow, der selbst ein großer Pianist war, erfreut sich großer Beliebtheit. Rachmaninows Klavierkonzerte gehören (ebenso wie die Violinkonzerte von Tschaikowsky und Glasunow) zu den Höhepunkten der Weltkunst. Im letzten Viertel des 19. Jahrhunderts erlangte das Werk russischer Komponisten in der gesamten zivilisierten Welt Anerkennung.

Unter der jüngeren Generation von Musikern, die Ende des letzten und Anfang dieses Jahrhunderts in das kreative Leben eintraten, gab es Komponisten eines anderen Typs. Schon ihre ersten Werke waren auf eine ganz eigene Art geschrieben: scharfsinnig, manchmal sogar gewagt. Das ist Skrjabin. Einige Zuhörer waren von seiner Musik mit ihrer inspirierenden Kraft fasziniert, andere empörten sich über ihre Ungewöhnlichkeit. Etwas später trat Strawinsky auf. Seine Ballette, die während der Russischen Jahreszeiten in Paris aufgeführt wurden, erregten die Aufmerksamkeit ganz Europas. Und schließlich ging bereits während des Ersten Weltkriegs ein weiterer Stern auf Russisch auf – Prokofjew.

Er spielte zu dieser Zeit eine wichtige Rolle im Musikleben Russlands.
Der Belyaev-Kreis, benannt nach seinem Gründer Mitrofan Petrovich Belyaev, einem berühmten Holzhändler, Besitzer eines riesigen Vermögens und leidenschaftlicher Liebhaber der Musik, insbesondere der russischen. Der in den 80er Jahren entstandene Kreis vereinte fast alle besten Musiker dieser Zeit; N. A. Rimsky-Korsakov wurde zum ideologischen Zentrum dieser Musikgemeinschaft. Mit allen verfügbaren Mitteln versuchte Belyaev denjenigen zu helfen, die der russischen Musik dienten.

Der von Belyaev gegründete neue Verlag hat in den Jahrzehnten seines Bestehens eine Vielzahl von Werken russischer Komponisten veröffentlicht. Belyaev entlohnte Komponisten großzügig für ihre Arbeit und organisierte außerdem jährliche Wettbewerbe für die beste Kammerkomposition und anschließend die M. I. Glinka-Wettbewerbe für das beste Werk russischer Musik aller Genres. Belyaev trug zur Wiederauferstehung der halb vergessenen Partituren des großen Glinka bei, dessen Hauptwerke zu dieser Zeit nirgendwo zu hören waren – weder auf einer Opernbühne noch auf der Symphoniebühne.

Erwähnenswert sind die „Russischen Symphoniekonzerte“, die Belyaev seit vielen Saisons organisiert, sowie die „Russischen Kammerabende“. Ihr Ziel war es, das russische Publikum mit Werken nationaler Musik bekannt zu machen. Konzerte und Abende wurden von N.A. geleitet. Rimsky-Korsakov und seine talentierten Schüler A.K. Glasunow und A. K. Lyadov. Sie entwickelten einen Plan für jede kommende Saison, erstellten Programme, luden Interpreten ein ... Es wurden nur Werke russischer Musik aufgeführt: Viele von ihnen, vergessen, zuvor von der russischen Musikgesellschaft abgelehnt, fanden hier ihre ersten Interpreten. Zum Beispiel die symphonische Fantasie von M.P. Mussorgskys „Nacht auf dem kahlen Berg“ wurde fast zwanzig Jahre nach seiner Entstehung genau bei den Russischen Symphoniekonzerten uraufgeführt und dann viele Male wiederholt („je nach öffentlicher Nachfrage“, wie in den Programmen vermerkt).

Es ist schwer, die Rolle dieser Konzerte zu überschätzen. In den Jahren, als solch brillante Opern wie „Boris Godunov“ und „Chowanshchina“ von der zaristischen Zensur abgelehnt wurden, als die einflussreichste, fast einzige Musik- und Konzertorganisation Russlands (RMO) das westeuropäische Repertoire dominierte, als Opernhäuser , kaiserlich genannt, laut Stasov „überlebten die Opern von Glinka, Mussorgsky, Borodin, Rimsky-Korsakov von ihrer Bühne“, als die Zensur Mussorgskys Lieder verbot, die er „Volksbilder“ nannte – damals der einzige Ort in Russland wo alle abgelehnten Die offiziellen Kreise der Musik russischer Komponisten waren „Russische Symphoniekonzerte“.

Bezeichnend ist, dass ein Jahr nach dem Tod von A.P. Borodin ein Konzert mit seinen Werken organisiert wurde, von denen die meisten zum ersten Mal aufgeführt wurden.

Ein sehr bemerkenswertes Phänomen im russischen Musikleben am Ende des 19. Jahrhunderts war die sogenannte Privatoper von S. I. Mamontov in Moskau. Savva Ivanovich Mamontov selbst, ein wohlhabender Unternehmer wie Belyaev, organisierte eine Operntruppe in Russland. Mit ihr inszenierte er die ersten Produktionen russischer Opern – „Rusalka“ von A. S. Dargomyzhsky und „Das Schneewittchen“ von N. A. Rimsky-Korsakov – die beim Moskauer Publikum großen Erfolg hatten. Er inszenierte auch die Oper „Die Pskowerin“ von N. A. Rimsky-Korsakow. Mit dieser Oper, die nirgendwo aufgeführt wurde, ging das Theater auf Tournee nach St. Petersburg.

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert erwachte das Interesse an alter Musik wieder. Nach und nach beginnt der Orgelbau in Russland. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts ließen sie sich buchstäblich an einer Hand abzählen. Es treten Interpreten auf, die den Zuhörern die Orgelmusik früherer Epochen und Jahrhunderte näherbringen: A.K. Glasunow, Starokadomsky.

Diese Zeit ist eine wichtige Etappe in der Geschichte der Geige. Eine Gruppe von Virtuosen tritt auf – Komponisten und Interpreten, die bisher unbekannte Möglichkeiten der Violine als Soloinstrument offenbaren. Es entstehen neue bemerkenswerte Werke, unter denen Werke sowjetischer Komponisten einen herausragenden Platz einnehmen. Derzeit sind die Konzerte, Sonaten und Theaterstücke von Prokofjew und Chrennikow auf der ganzen Welt bekannt. Ihre wunderbare Kunst lässt uns spüren, was für ein erstaunliches Instrument die Geige ist.

Hören:T. Khrennikov Konzert für Violine und Orchester in C-Dur, 1. Satz

Am Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts und insbesondere im Jahrzehnt vor Oktober zieht sich das Thema der Erwartung großer Veränderungen, die die alte, ungerechte Gesellschaftsordnung hinwegfegen sollten, durch die gesamte russische Kunst und insbesondere die Musik. Nicht alle Komponisten erkannten die Unvermeidlichkeit und Notwendigkeit der Revolution und sympathisierten mit ihr, aber alle oder fast alle spürten die Spannung vor dem Sturm. Die meisten Musiker nahmen nicht direkt an revolutionären Ereignissen teil und daher waren die Verbindungen zwischen ihnen eher schwach.

Die bedeutendsten Mäzene des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts.

Fast alle Kunden des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts waren altgläubige Kaufleute. Und Schtschukin, Morosow, Rjabuschinski und Tretjakow. Schließlich ist die Welt der Altgläubigen traditionell und tief mit der wahren Kultur verbunden – von Jahrhundert zu Jahrhundert lernten sie, ihr spirituelles Erbe zu bewahren und zu bewahren, dies war in den Familiengenen verankert.

Werfen wir einen genaueren Blick auf die berühmtesten Philanthropen Russlands.

S.I. Mamontow. Savva Ivanovichs Mäzenatentum war von besonderer Art: Er lud seine befreundeten Künstler nach Abramtsevo ein, oft zusammen mit ihren Familien, praktischerweise im Haupthaus und in den Nebengebäuden untergebracht. Alle, die kamen, gingen unter der Leitung des Besitzers in die Natur, um zu skizzieren. All dies ist weit entfernt von den üblichen Beispielen für Wohltätigkeit, bei denen sich ein Philanthrop darauf beschränkt, einen bestimmten Betrag für einen guten Zweck zu spenden. Mamontov erwarb viele Werke von Mitgliedern des Kreises selbst und fand Kunden für andere.

Einer der ersten Künstler, die nach Mamontov in Abramtsevo kamen, war V.D. Polenow. Mit Mamontov verband ihn spirituelle Nähe: eine Leidenschaft für Antike, Musik, Theater. Auch Wasnezow war in Abramzewo; ihm verdankte der Künstler seine Kenntnisse der altrussischen Kunst. Die Wärme des Zuhauses des Vaters, des Künstlers V.A. Serov wird es in Abramtsevo finden. Savva Ivanovich Mamontov war der einzige konfliktfreie Mäzen von Vrubels Kunst. Als sehr bedürftiger Künstler brauchte er nicht nur die Anerkennung seiner Kreativität, sondern auch materielle Unterstützung. Und Mamontov half umfassend, indem er Werke von Vrubel bestellte und kaufte. Deshalb gab Vrubel den Entwurf des Nebengebäudes in der Sadovo-Spasskaya in Auftrag. Im Jahr 1896 vollendete der Künstler im Auftrag von Mamontov eine grandiose Tafel für die Allrussische Ausstellung in Nischni Nowgorod: „Mikula Selyaninovich“ und „Princess Dream“. Das Porträt von S.I. ist bekannt. Mamontova. Der Mamontov-Kunstkreis war ein einzigartiger Verein. Bekannt ist auch die Mamontow-Privatoper.

Savva Timofeevich Morozov (1862-1905). Dieser Philanthrop spendete etwa 500. Echte Philanthropen versuchten nie, für ihre Aktivitäten zu werben, ganz im Gegenteil. Bei einer großen Wohltätigkeitsveranstaltung verheimlichten sie häufig ihre Namen. Es ist bekannt, dass Savva Morozov beispielsweise bei der Gründung des Kunsttheaters große Hilfe leistete, gleichzeitig aber die Bedingung stellte, dass sein Name nirgends erwähnt werden dürfe. Unsere nächste Geschichte handelt von Savva Timofeevich Morozov.

Er stammte aus einer altgläubigen Kaufmannsfamilie. Er absolvierte das Gymnasium und anschließend die Fakultät für Physik und Mathematik der Moskauer Universität und erhielt ein Diplom in Chemie. Er kommunizierte mit D. Mendeleev und verfasste selbst eine Forschungsarbeit über Farbstoffe. Er studierte auch an der Universität Cambridge, wo er Chemie studierte, und dann in Manchester – Textilien. Er war Direktor der Partnerschaft der Nikolskaya-Manufaktur „Savva Morozovs Sohn und Co.“ Er besaß Baumwollfelder in Turkestan und mehrere andere Partnerschaften, bei denen er Anteilseigner oder Direktor war. Er engagierte sich ständig für wohltätige Zwecke: In seinen Fabriken führte er Mutterschaftsgeld für berufstätige Frauen ein und vergab Stipendien an junge Menschen, die im In- und Ausland studierten. Es ist bekannt, dass die Arbeiter in seinen Betrieben gebildeter und gebildeter waren. Er half auch bedürftigen Studenten der Moskauer Universität.

1898 wurde er Mitglied der Partnerschaft zur Errichtung eines Theaters in Moskau und spendete regelmäßig große Spenden für den Bau und die Entwicklung des Moskauer Kunsttheaters und initiierte den Bau eines neuen Theatergebäudes. Mit seinem Geld wurde die modernste Ausrüstung für die Bühne im Ausland bestellt (hier erschien erstmals die Beleuchtungsausrüstung im heimischen Theater). Savva Morozov gab etwa eine halbe Million Rubel für das Gebäude des Moskauer Kunsttheaters mit einem bronzenen Flachrelief in Form eines ertrinkenden Schwimmers an der Fassade aus.

Leider führten Verbindungen zur revolutionären Bewegung sowie persönliche Umstände dazu, dass S.T. Morozov zu einem vorzeitigen Tod.

In der bildenden Kunst finden große Veränderungen statt. In den 90er - 900er Jahren. Es entstehen eine Reihe von Künstlervereinigungen, die heftig polemisieren und sogar miteinander streiten, weil sie in Fragen der Kunst und Ästhetik grundsätzlich unterschiedlicher Meinung sind. Die einflussreichsten Verbände sind die World of Art (mit gleichnamiger Zeitschrift) und der Verband russischer Künstler.

Obwohl die „Welt der Kunst“ viele Künstler in ihre Reihen zog, die die ästhetischen und ideologischen Ansichten ihrer Führer S. P. Diaghilew und A. N. Benois nicht teilten, bildete die Grundlage des Vereins eine Gruppe von St. Petersburger Künstlern, die sich scharf gegen Akademismus und Wandern aussprachen , interessiert an Kontakten zu Künstlern Westeuropas. Die Konsolidierung heterogener Kräfte in der „Welt der Kunst“ wurde dadurch möglich, dass die Wanderbewegung zu dieser Zeit durch die Widersprüche zwischen fortgeschrittenen und rückständigen Kräften innerhalb der Vereinigung geschwächt war und der Akademismus einen offensichtlichen Niedergang erlebte. In ihren grundlegenden Artikeln verteidigten die Führer der Welt der Kunst ideologische Positionen im Geiste des damals modischen Neukantianismus und des autarken Ästhetizismus. Die Besonderheit der „Welt der Kunst“ zeigte sich am deutlichsten in den Werken von A. N. Benois, K. A. Somov, M. V. Dobuzhinsky und L. S. Bakst.

Zusammenfassung der Lektion.

Hausaufgaben : M. Shornikova, Lektion 1 lesen, Fragen beantworten.

Abschnitte: Geschichte und Sozialkunde

Lernziele: um bei Schulkindern eine Vorstellung vom Wesen des soziokulturellen Phänomens des „Silbernen Zeitalters“ zu entwickeln. Zeigen Sie die Errungenschaften der russischen Kunst und den künstlerischen Wert neuer Kunsttrends und tragen Sie dazu bei, Schulkindern ein Gefühl für Schönheit zu vermitteln. moralische, ästhetische Qualitäten.

Unterrichtsart: Präsentation.

Ausrüstung: Video- und DVD-Filme , Kunstalben, Schallplatten mit Kachalovs Aufnahmen, Porträts von Künstlern und Wissenschaftlern dieser Zeit.

Grundlegendes Konzept: Dekadenz, Moderne, Symbolik, Akmeismus, Futurismus.

Unterrichtsvorbereitungs- und Durchführungsplan:

Während des Unterrichts: Die Schüler sitzen sich im Halbkreis gegenüber.

Dekor: das silberne Zeitalter der russischen Kultur: spirituelle Krise oder spiritueller Aufschwung?

Jeden Tag ein Löffel Kerosin
Wir trinken das Gift langweiliger kleiner Dinge ...
Unter der Ausschweifung bedeutungsloser Reden
Der Mann wird stumm wie ein Tier.
S.Cherny

Oh, ich möchte verrückt leben:
Verewigen Sie alles, was existiert
Das Unpersönliche – vermenschlichen,
Erkenne das Unerfüllte
A. Blok

In diesen fernen, tauben Jahren herrschten Schlaf und Dunkelheit in den Herzen.
Pobedonostsev breitete seine Eulenflügel über Russland aus.
...Und der Silbermonat kühlte im Laufe des Silberzeitalters deutlich ab ...

Ein Geschichtslehrer:„Die Vergangenheit zieht an mir vorbei. Die Zukunft zieht an mir vorbei. Am Rande von zwei Jahrhunderten. Am Wendepunkt zweier Welten“, sagte A. S. Puschkin mit den Worten seines Helden Pimen.

Das 19. Jahrhundert endete und das 20. Jahrhundert begann. Mehrere Jahrzehnte sind von ihrer chronologischen Dauer her nicht so lang. Der Historiker ist es gewohnt, sich mit Jahrhunderten, mit Jahrtausenden auseinanderzusetzen. Aber historisch bedeutsam ist nicht die Anzahl der Jahre oder Jahrzehnte, sondern die Bedeutung der damaligen Ereignisse.

Benennt das Thema der Lektion und stellt die Aufgabe: Warum Silberzeit? Schließlich ist diese Zeit voller Unklarheiten, Widersprüche und Suchen? Bezieht sich auf das Epigraph. Zwei Dichter, die im selben historischen Zeitraum leben. Warum so ein Unterschied im Lebensgefühl? Und unsere Aufgabe ist schwieriger, als es auf den ersten Blick scheint. Es ist nicht einfach, die Frage „Warum das Silberne Zeitalter?“ zu beantworten. Wir müssen über den Zustand der russischen Gesellschaft sprechen, der sich in einer Krise oder einem spirituellen Aufschwung widerspiegelt.

Erinnern wir uns daran, wie die Welt zu Beginn des 20. Jahrhunderts aussah. Versuchen wir, die Ära zu bewerten.

Ein Geschichtslehrer: Der Beginn des 20. Jahrhunderts war ein Wendepunkt im Leben Russlands. Im politischen, wirtschaftlichen und damit auch im spirituellen Leben. Das Industriezeitalter diktierte seine eigenen Lebensbedingungen und -standards und zerstörte traditionelle Werte.

Inhalt der Aufführung der zweiten Gruppe: Welche Gefühle herrschten damals in der russischen Gesellschaft? Verwirrung, ein ängstliches Gefühl – ein drohender Krieg. Verletzung der Harmonie zwischen Mensch und Natur. Standardisierung. Rationalismus. Individualismus. Säkularisierung des Bewusstseins. Der Prozess des Umdenkens über die Probleme der Menschheit beeinflusste Philosophie, Wissenschaft, Literatur und Kunst. Mit dem Eintritt Russlands in eine neue Ära ging die Suche nach einer Ideologie einher, die nicht nur die stattfindenden Veränderungen erklären, sondern auch die Perspektiven für die Entwicklung des Landes skizzieren konnte. Die beliebteste Philosophie war der Marxismus (was ist Marxismus? Warum hatte er in Russland fruchtbaren Boden? - Russland ist ein „aufholendes“ Land, die rasante Entwicklung des Kapitalismus bringt scharfe Widersprüche mit sich. Gleichheitsideen appellieren an den russischen Charakter, der zum Messianismus neigt.

Ein Geschichtslehrer: Nach der Revolution von 1905 wurde jedoch ein Teil der russischen Intelligenz vom Marxismus desillusioniert und erkannte den Vorrang des materiellen Lebens vor dem spirituellen Leben an. Im Jahr 1909 wurde eine Artikelsammlung „Vekhi“ veröffentlicht, die von den berühmten Philosophen Berdyaev, Struve, Frank und Bulgakov erstellt wurde. Die Autoren präsentierten eine grausame Darstellung der russischen Intelligenz und warfen ihr Festhalten an veralteten philosophischen Lehren des 19. Jahrhunderts, Nihilismus, geringes Rechtsbewusstsein, Isolation vom Volk und Vergessen der russischen Geschichte vor. Dies sind laut den Autoren von Vekhi die Merkmale, die das Land an den Rand einer nationalen Katastrophe (Revolution) brachten. Daher glaubten sie, dass Veränderungen im Land mit der Entwicklung neuer religiöser und moralischer Ideale beginnen sollten. Dass die Einzigartigkeit des spirituellen Lebens Russlands zu Russlands einzigartigem historischen Weg führt. Der Charakter der russischen Gesellschaft des 20. Jahrhunderts spiegelte sich am deutlichsten in der russischen Kunstkultur des Silbernen Zeitalters wider.

Also Literatur.

Am Scheideweg der Zeiten war die Vorahnung eines großen Zusammenbruchs buchstäblich in allem zu spüren, die russische Kultur blühte auf. Diese kurze, wie jede Blütezeit dauernde Epoche von Anfang der 1890er bis Mitte der 1910er Jahre wird üblicherweise als Silberzeitalter bezeichnet. Dieser klangvolle Name entstand in Analogie zur populären Definition des „Goldenen Zeitalters der russischen Literatur“. (warum „Golden“ Die Hauptthemen sind Staatsbürgerschaft, Freiheitsliebe, Patriotismus, Größe, Relevanz).

Literaturlehrer: Aber Puschkins Harmonie ist unerreichbar. Theorien, Namen und Richtungen änderten sich schnell. Das „Silberne Zeitalter“ brachte eine Vielzahl von Dichtern, Künstlern, Künstlern, Musikern und Philosophen zusammen, um eine neue Verbindung von Kreativität und Leben zu finden.

Inhalte des Vortrags der dritten Gruppe: In der Kultur wurde die Rettung der durch technische Innovationen und soziale Explosionen erschütterten Welt gesehen. Die Krise des Landes spiegelte sich in der Vielfalt literarischer Strömungen wider. Die Gründer waren symbolistische Dichter ( Ursprünglich nahm die Symbolik die Form der Dekadenz an ( . Sie verwendeten Farbsymbolik: Schwarz – Trauer, Tod. Blau – Einsamkeit, Traurigkeit, magische Bedeutung. Gelb – Verrat, Verrat. Grau – Staub, die Farbe von Plaque.

Symbolistische Dichter (Vorführung von Porträts mit Kommentaren und Lesung von Gedichten) Balmont, Gippius, Sologub, Bely, Blok.

Oh, ich möchte verrückt leben:
Verewigen Sie alles, was existiert
Das Unpersönliche – vermenschlichen,
Erkenne das Unerfüllte
Lass den schweren Schlaf des Lebens atmen,
Lass mich in diesem Traum ersticken.

Vielleicht ist der junge Mann fröhlich
In Zukunft wird er über mich sprechen6
Verzeihen Sie die Missmut – ist das wirklich so?
Sein versteckter Motor?
Er ist alles Güte und Licht.
Er ist alles ein Triumph der Freiheit.
A. Blok.

Gedicht „Über Tapferkeit, über Leistung, über Ruhm“

(Aufnahme von V.I. Kachalov, russischer Theaterschauspieler, 20. Jahrhundert, unvergleichliche Stimme des Künstlers).

Gespräch: Gedichte mit Gedanken über Russland, über deine große Qual am Kreuz davor. Über Einsamkeit, die Bitterkeit der Trennung, über verlorenes Glück. Wörter-Symbole. In welcher Beziehung stehen sie zum Hauptgedanken des Gedichts?

Dichter sterben, aber ein unschätzbares Geschenk bleibt – ihre Gedichte. Blok wusste, wie man in der Zukunft lebt, wusste, wie man in seiner Umgebung Zeichen der Zukunft erkennt und war daher seiner Zeit voraus.

Die Gegner der Symbolisten waren die Acmeisten ( Definition, Inhalt, Herkunft). Akmeistische Dichter: Gumilyov, Mandelstam, Gorodetsky, Akhmatova. (Vorführung von Porträts mit Kommentaren und Gedichtlesung)

Eine Geschichte über die Arbeit von A. Akhmatova. (oder ein anderer Dichter dieser Richtung). Ihre Poesie ist heute in all ihrer ursprünglichen Reinheit und ungetrübten, hellen Integrität zu uns zurückgekehrt.

Gedicht „Du bist immer geheimnisvoll und zärtlich.“

Gespräch: Gedichte über irdische Freuden und Sorgen. Mit welchen Mitteln drückt der Autor Liebe aus?

Futurismus ( Definition, Inhalt, Herkunft). Ihre Gedichte zeichneten sich durch eine erhöhte Aufmerksamkeit für die Form der Versifikation aus; Sprache eines Dokuments, Posters, Posters. Sewerjanin, Chlebnikow, Majakowski. (Vorführung von Porträts mit Kommentaren und Gedichtlesung).

Es gab Dichter außerhalb der Gruppen: Bunin, Sasha Cherny, Kuzmin, Tsvetaeva.

Eine Geschichte über die Arbeit von M. Tsvetaeva (oder einem anderen Dichter dieser Richtung).

Wer ist aus Stein, wer ist aus Ton,
Und ich bin silbern und funkelnd!
Mein Geschäft ist Verrat, mein Name ist Marina,
Ich bin der tödliche Schaum des Meeres. (und andere Gedichte)

Die Gedichte von M. Tsvetaeva sind modern und beliebt. Sie werden gelesen, sie werden gesungen. Audioaufnahme von A. Pugacheva „So viele von ihnen sind in diesen Abgrund gefallen.“

Zusammenfassung des Literaturblocks: Alle Dichter des Silbernen Zeitalters haben eines gemeinsam: Sie schrieben über ihr geliebtes, schönes Mutterland mit seinen Schwierigkeiten. Sie ebneten den Weg für die moderne Literatur. Und alle unsere zeitgenössischen Dichter wenden sich ihrer Arbeit zu.

Ein Geschichtslehrer: Diese „neue Schönheit“, diese Suche nach einer neuen Form spiegelte sich in der Malerei des 19. – frühen 20. Jahrhunderts wider. Was zeichnet die russische Malschule des „Silbernen Zeitalters“ aus?

Kunstlehrer: Symbolismus als Phänomen war auch für Russland im 20. Jahrhundert charakteristisch. Die größten unter ihnen sind Vrubel und Petrov-Vodkin.

Eine Geschichte über die Arbeit von M.A. Vrubel (Vorführung von Reproduktionen von „The Seated Demon“, „The Defeated Demon“). Die Besonderheit des Bildes, der Stil des Künstlers – ein scharfer, brechender Strich, sich kreuzende Kanten, emotionale Farbkombinationen. Vrubel stellt in symbolischer Form das Bild eines rebellischen Helden, eines ausgestoßenen Propheten, dar.

In die gleiche Richtung geht die Arbeit von K. Petrov-Vodkin (eine Geschichte über Kreativität). Reproduktion von „Das rote Pferd baden“. Gespräch. Vorgeschlagene Symbole: Rot – bevorstehende Revolution, Farbe des Lebens, Kampf).

Eine Geschichte und ein Videofragment über die Arbeit von Chagall. Kubistische Techniken, beliebte Drucktechnik. „Ich und das Dorf.“

Gleichzeitig entstand eine neue Bewegung – der Abstraktionismus ( Definition, Inhalt, Herkunft), was sich am meisten in Kandinskys Werk widerspiegelt. Fragment eines Videofilms.

Kunstlehrer: Wenn ich die Arbeit von Künstlern dieser Zeit analysiere, sagen Sie mir: Handelt es sich hier um eine kreative Krise oder einen kreativen Aufschwung?

Ein Geschichtslehrer: Wir sprechen über Poesie in der Literatur, über Konsonanz in der Malerei. Wenden wir uns nun der Poesie der Klänge zu und versuchen wir herauszufinden, ob russische Komponisten im 19. und frühen 20. Jahrhundert dieselben kreativen Aufgaben und Schwierigkeiten hatten, die wir in der Malerei und Poesie sahen.

Was hat das 20. Jahrhundert der Musik gebracht? Fragmente von Werken. Konversation: Nennen Sie die Komponisten des 19. Jahrhunderts. Wie lautet der gebräuchliche Name für sie? Welche Werke bezeichnen wir als Klassiker? Was typisch für das Schaffen von Komponisten des 19. Jahrhunderts ist. Was das 20. Jahrhundert der Musik brachte. Alles die gleichen Trends, die Sie in der Literatur genannt haben. Dabei handelte es sich um unterschiedliche Richtungen, die oft miteinander im Widerspruch standen.

Ein Geschichtslehrer:

Das historische Paradoxon besteht darin, dass die Freiheit und Vielfalt des künstlerischen Lebens dieser Jahre sowohl als Bestätigung der Stärke der russischen Kultur als auch als Bestätigung der Schwäche des verzerrten Bewusstseins eines Teils der gebildeten russischen Gesellschaft dienen. Unter diesen spezifischen sozialpsychologischen Bedingungen war die Kultur nicht in der Lage, das soziale Gleichgewicht aufrechtzuerhalten, aber sie war daran nicht schuld. Sie hat solche Meisterwerke hinterlassen, die die Welt heute bewundert. Dieses soziokulturelle Phänomen ging unter dem Namen „Silbernes Zeitalter“ der russischen Kultur in die Geschichte ein.

Aufsatz

in den Kulturwissenschaften

Zu diesem Thema

„Russische Kultur des späten 19. Jahrhunderts“

frühes 20. Jahrhundert"

Grischin Sergej

1. Einleitung.

2. Malerei des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts: Schwierigkeiten und Widersprüche.

4. Skulptur: Suche nach einem neuen Helden.

5. Symbolik in der Literatur der Jahrhundertwende.

6. Andere Trends in der Literatur.

7. Musik: Prioritäten ändern.

8. Der Aufstieg der Theater.

9. Fazit

1. Einleitung.

Das Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts war von einer tiefen Krise geprägt, die die gesamte europäische Kultur erfasste und aus der Enttäuschung über frühere Ideale und dem Gefühl des nahenden Untergangs des bestehenden gesellschaftspolitischen Systems resultierte.

Aber dieselbe Krise brachte eine große Ära hervor – die Ära der russischen kulturellen Renaissance zu Beginn des Jahrhunderts – eine der anspruchsvollsten Epochen in der Geschichte der russischen Kultur. Dies war die Ära des kreativen Aufstiegs von Poesie und Philosophie nach einer Zeit des Niedergangs. Gleichzeitig war es eine Ära der Entstehung neuer Seelen, neuer Sensibilität. Seelen öffneten sich allen möglichen mystischen Tendenzen, sowohl positiven als auch negativen. Nie zuvor waren alle Arten von Täuschung und Verwirrung unter uns so stark ausgeprägt. Gleichzeitig wurden die russischen Seelen von Vorahnungen drohender Katastrophen überwältigt. Dichter sahen nicht nur die bevorstehende Morgendämmerung, sondern auch etwas Schreckliches, das sich Russland und der Welt näherte ... Religiöse Philosophen waren von apokalyptischen Gefühlen durchdrungen. Die Prophezeiungen über das nahende Ende der Welt meinten vielleicht wirklich nicht das nahende Ende der Welt, sondern das nahende Ende des alten, imperialen Russlands. Unsere kulturelle Renaissance fand in der vorrevolutionären Ära statt, in der Atmosphäre eines bevorstehenden großen Krieges und einer großen Revolution. Es gab nichts Nachhaltiges mehr. Historische Körper sind geschmolzen. Nicht nur Russland, sondern die ganze Welt geriet in einen flüssigen Zustand... In diesen Jahren wurden viele Geschenke nach Russland geschickt. Dies war die Ära des Erwachens des unabhängigen philosophischen Denkens in Russland, des Aufblühens der Poesie und der Schärfung der ästhetischen Sensibilität, der religiösen Angst und Suche, des Interesses an Mystik und Okkultismus. Neue Seelen erschienen, neue Quellen kreativen Lebens wurden entdeckt, neue Morgendämmerungen wurden gesehen, die Gefühle des Niedergangs und des Todes verbanden sich mit dem Gefühl des Sonnenaufgangs und mit der Hoffnung auf die Transformation des Lebens.“

Im Zeitalter der kulturellen Renaissance kam es in allen Bereichen der Kultur zu einer Art „Explosion“: nicht nur in der Poesie, sondern auch in der Musik; nicht nur in der bildenden Kunst, sondern auch im Theater... Das damalige Russland bescherte der Welt eine Vielzahl neuer Namen, Ideen und Meisterwerke. Zeitschriften wurden herausgegeben, verschiedene Zirkel und Gesellschaften gegründet, Debatten und Diskussionen organisiert, neue Trends entstanden in allen Bereichen der Kultur.

2. Das Ende bemalenXIX- gestartetXXJahrhunderte: Schwierigkeiten und Widersprüche.

Das Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts ist eine wichtige Periode in der Entwicklung der russischen Kunst. Es fällt mit der Phase der Befreiungsbewegung in Russland zusammen, die er als proletarisch bezeichnete. Es war eine Zeit erbitterter Klassenkämpfe, drei Revolutionen – die bürgerlich-demokratische Februarrevolution und die Große Sozialistische Oktoberrevolution, die Zeit des Zusammenbruchs der alten Welt. Das umgebende Leben und die Ereignisse dieser außergewöhnlichen Zeit bestimmten das Schicksal der Kunst: Sie erlebte in ihrer Entwicklung viele Schwierigkeiten und Widersprüche. Das Werk von M. Gorki eröffnete neue Wege für die Kunst der Zukunft, der sozialistischen Welt. Sein 1906 verfasster Roman „Mutter“ wurde zu einem Beispiel für die talentierte Verkörperung der Prinzipien der Parteimitgliedschaft und der Nationalität im künstlerischen Schaffen, die erstmals im Artikel „Parteiorganisation und Parteiliteratur“ (1905) klar definiert wurden.

Wie war das allgemeine Bild der Entwicklung der russischen Kunst in dieser Zeit? Auch führende Meister des Realismus arbeiteten fruchtbar –,.

In den 1890er Jahren fanden ihre Traditionen ihre Weiterentwicklung in einer Reihe von Werken der jüngeren Generation von Peredwischniki-Künstlern, zum Beispiel Abram Efimovich Arkhipov (gg.), dessen Werk auch mit dem Leben des Volkes, mit dem Leben der Menschen verbunden ist Bauern. Seine Bilder sind wahrheitsgetreu und einfach, die frühen sind lyrisch („Entlang des Oka-Flusses“, 1890; „Reverse“, 1896), während die späteren, leuchtend malerischen Bilder eine überschwängliche Fröhlichkeit aufweisen („Mädchen mit Krug“, 1927; alle drei in der Tretjakow-Galerie). IN DEN 1890er Jahren malte Arkhipov das Gemälde „Wäscherinnen“, das von der anstrengenden Arbeit der Frauen erzählt und als anschauliches, belastendes Dokument gegen die Autokratie (GRM) dient.

Zur jüngeren Generation der Itineranten gehören auch Sergei Alekseevich Korovin () und Nikolai Alekseevich Kasatkin (). Korowin arbeitete zehn Jahre lang an seinem zentralen Gemälde „Über die Welt“ (1893, Tretjakow-Galerie). Er reflektierte darin die komplexen Prozesse der Schichtung der Bauernschaft im kapitalisierten Dorf seiner Zeit. Kasatkin konnte in seinem Werk auch die wichtigsten Aspekte des russischen Lebens offenlegen. Er brachte ein völlig neues Thema zur Stärkung der Rolle des Proletariats zur Sprache. In den Bergleuten, die in seinem berühmten Gemälde „Coal Miners. Smena“ (1895, Tretjakow-Galerie) kann man die mächtige Kraft erahnen, die in naher Zukunft das verrottete System des zaristischen Russlands zerstören und eine neue, sozialistische Gesellschaft aufbauen wird.

Doch in der Kunst der 1890er Jahre zeichnete sich ein anderer Trend ab. Viele Künstler versuchten nun, im Leben vor allem seine poetischen Seiten zu finden, und so nahmen sie sogar Landschaften in Genrebilder auf. Sie wandten sich oft der alten russischen Geschichte zu. Diese Kunsttrends sind in den Werken von Künstlern wie und deutlich zu erkennen.

Andrei Petrowitsch Rjabuschkins () Lieblingsgenre war das historische Genre, er malte aber auch Bilder aus dem zeitgenössischen Bauernleben. Der Künstler fühlte sich jedoch nur von bestimmten Aspekten des Volkslebens angezogen: Ritualen, Feiertagen. In ihnen sah er eine Manifestation des ursprünglichen russischen Nationalcharakters („Moskowskaja-Straße des 17. Jahrhunderts“, 1896, Staatliches Russisches Museum). Die meisten Charaktere nicht nur für Genres, sondern auch für historische Gemälde wurden von Rjabuschkin von Bauern geschrieben – der Künstler verbrachte fast sein ganzes Leben im Dorf. Rjabuschkin führte einige charakteristische Merkmale der altrussischen Malerei in seine historischen Gemälde ein, als ob er damit die historische Authentizität der Bilder betonen würde („Hochzeitszug in Moskau (17. Jahrhundert)“, 1901, Tretjakow-Galerie).

Ein weiterer bedeutender Künstler dieser Zeit, Boris Michailowitsch Kustodiew (), zeigt Jahrmärkte mit bunten Löffeln und Stapeln bunter Waren, russische Maslenitsa mit Reiten in Troikas, Szenen aus dem Kaufmannsleben.

Im Frühwerk von Michail Wassiljewitsch Nesterow kamen die lyrischen Seiten seines Talents am deutlichsten zum Vorschein. Landschaft spielte in seinen Gemälden immer eine große Rolle: Der Künstler suchte Freude an der Stille der ewig schönen Natur. Er liebte es, dünnstämmige Birken, zarte Grashalme und Wiesenblumen darzustellen. Seine Helden sind dünne Jugendliche – Bewohner von Klöstern oder freundliche alte Männer, die Frieden und Ruhe in der Natur finden. Gemälde, die dem Schicksal einer russischen Frau gewidmet sind („Auf den Bergen“, 1896, Museum für Russische Kunst, Kiew; „Große Tonsur“, Staatliches Russisches Museum) sind von tiefer Anteilnahme erfüllt.

Aus dieser Zeit stammt das Werk des Landschaftsmalers und Tiermalers Alexei Stepanovich Stepanov (). Der Künstler liebte Tiere aufrichtig und verfügte über ein tadelloses Wissen nicht nur über das Aussehen, sondern auch über den Charakter jedes Tieres, seine Fähigkeiten und Gewohnheiten sowie die Besonderheiten verschiedener Jagdarten. Die besten Gemälde des Künstlers sind der russischen Natur gewidmet, durchdrungen von Lyrik und Poesie – „Kraniche fliegen“ (1891), „Elche“ (1889; beide in der Staatlichen Tretjakow-Galerie), „Wölfe“ (1910, Privatsammlung, Moskau) .

Die Kunst von Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov () ist auch von tiefer lyrischer Poesie durchdrungen. Seine Bilder nachdenklicher Frauen – Bewohner alter Gutsparks – und alle seine harmonischen, musikalischen Gemälde („Reservoir“, 1902, Tretjakow-Galerie) sind wunderschön und poetisch.

In den 80er und 90er Jahren des 19. Jahrhunderts entstand das Werk der herausragenden russischen Künstler Konstantin Alekseevich Korovin (), Valentin Aleksandrovich Serov und Mikhail Aleksandrovich Vrubel. Ihre Kunst spiegelte die künstlerischen Errungenschaften der Zeit am besten wider.

Korovin war in der Staffeleimalerei, vor allem in der Landschaftsmalerei, und in der theatralischen Dekorationskunst gleichermaßen brillant. Der Charme von Korovins Kunst liegt in ihrer Wärme, ihrem Sonnenschein, in der Fähigkeit des Meisters, seine künstlerischen Eindrücke direkt und lebendig zu vermitteln, in der Großzügigkeit seiner Palette, im Farbreichtum seiner Gemälde („Auf dem Balkon“, „Im Winter“) “, 1894-; beide in der Tretjakow-Galerie).

Ganz am Ende der 1890er Jahre wurde in Russland eine neue Kunstgesellschaft namens „World of Art“ unter der Leitung von und gegründet, die großen Einfluss auf das künstlerische Leben des Landes hatte. Sein Hauptkern sind Künstler, E. E. Lanceray, Lebedeva. Die Aktivitäten dieser Gruppe waren sehr vielfältig. Die Künstler leisteten aktive kreative Arbeit, gaben das Kunstmagazin „World of Art“ heraus und organisierten interessante Kunstausstellungen unter Beteiligung vieler herausragender Meister. Miriskusniki, wie die Künstler der „Welt der Kunst“ genannt wurden, wollte ihren Zuschauern und Lesern die Errungenschaften der nationalen und internationalen Kunst näherbringen. Ihre Aktivitäten trugen zur weiten Verbreitung der künstlerischen Kultur in der russischen Gesellschaft bei. Aber gleichzeitig hatte es auch seine Nachteile. Die Studenten der „World of Art“ suchten im Leben nur nach Schönheit und sahen die Erfüllung der Künstlerideale nur im ewigen Charme der Kunst. Ihrer Arbeit fehlte der Kampfgeist und die soziale Analyse, die für die Wanderers charakteristisch waren, unter deren Banner die fortschrittlichsten und revolutionärsten Künstler marschierten.

Alexander Nikolaevich Benois () gilt zu Recht als Ideologe der „Welt der Kunst“. Er war ein umfassend gebildeter Mann und verfügte über große Kenntnisse auf dem Gebiet der Kunst. Er beschäftigte sich hauptsächlich mit Grafik und arbeitete viel für das Theater. Wie seine Kameraden entwickelte Benoit in seinem Werk Themen aus vergangenen Epochen. Er war der Dichter von Versailles, seine kreative Fantasie entfachte Feuer, als er immer wieder die Parks und Paläste der St. Petersburger Vororte besuchte. In seinen historischen Kompositionen, bevölkert von kleinen, scheinbar leblosen Menschenfiguren, reproduzierte er sorgfältig und liebevoll Kunstdenkmäler und einzelne Details des Alltags („Parade unter Peter1“, 1907, Russisches Russisches Museum).

Ein prominenter Vertreter der „Welt der Kunst“ war Konstantin Andrejewitsch Somow (). Er wurde weithin als Meister romantischer Landschaften und galanter Szenen bekannt. Seine üblichen Helden sind Damen mit hohen, gepuderten Perücken und flauschigen Krinolinen, als kämen sie aus alten Zeiten, und elegante, träge Herren in Satinhemden. Somov beherrschte das Zeichnen hervorragend. Dies galt insbesondere für seine Porträts. Der Künstler schuf eine Galerie mit Porträts von Vertretern der künstlerischen Intelligenz, darunter Dichter und (1907, 1909; beide in der Tretjakow-Galerie).

Im künstlerischen Leben Russlands zu Beginn des Jahrhunderts spielte auch die Künstlergruppe „Union russischer Künstler“ eine bedeutende Rolle. Darunter waren die Künstler L. V. Turzhansky und andere. Das Hauptgenre im Werk dieser Künstler war die Landschaft. Sie waren die Nachfolger der Landschaftsmalerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

3. Architektur: Moderne und Neoklassizismus.

Architektur als Kunstform ist am stärksten von sozioökonomischen Beziehungen abhängig. Daher kam es in Russland unter den Bedingungen der monopolistischen Entwicklung des Kapitalismus zu einer Konzentration akuter Widersprüche, die zur spontanen Entwicklung von Städten führte, die der Stadtplanung schadete und Großstädte in Monster der Zivilisation verwandelte.

Hohe Gebäude verwandelten Innenhöfe in schlecht beleuchtete und belüftete Brunnen. Das Grün wurde aus der Stadt verdrängt. Das Missverhältnis zwischen der Größe von Neubauten und Altbauten hat einen grimassenartigen Charakter angenommen. Gleichzeitig entstanden industrielle Architekturstrukturen – Fabriken, Fabriken, Bahnhöfe, Spielhallen, Banken, Kinos. Bei ihrem Bau kamen modernste Planungs- und Designlösungen zum Einsatz, aktiv wurden Stahlbeton- und Metallkonstruktionen eingesetzt, die es ermöglichten, Räume zu schaffen, in denen sich gleichzeitig große Menschenmassen aufhalten.

Wie sieht es derzeit mit Stilen aus?! Vor einem retrospektiv-elektrisierenden Hintergrund entstanden neue Trends – Modernismus und Neoklassizismus. Die ersten Erscheinungsformen des Jugendstils gehen auf das letzte Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts zurück, der Neoklassizismus entstand in den 1900er Jahren.

Der Jugendstil in Russland unterscheidet sich nicht grundsätzlich von der westlichen Kunst. Es gab jedoch eine klare Tendenz, Moderne mit historischen Stilen zu vermischen: Renaissance, Barock, Rokoko sowie altrussische Architekturformen (Jaroslawski-Bahnhof in Moskau). Variationen des skandinavischen Jugendstils waren in St. Petersburg weit verbreitet.

In Moskau war der Architekt Fjodor Osipowitsch Schech der Hauptvertreter des Jugendstils; er baute das Gebäude des Moskauer Kunsttheaters und das Rjabuschinski-Herrenhaus () – Werke, die für den reinen Jugendstil am typischsten sind. Sein Bahnhof Jaroslawl ist ein Beispiel stilistisch gemischter Architektur. Im Ryabushinsky-Herrenhaus weicht der Architekt von traditionellen vorgegebenen Bauplänen ab und nutzt das Prinzip der freien Asymmetrie. Jede der Fassaden ist unterschiedlich gestaltet. Das Gebäude ist in der freien Entwicklung der Volumen gehalten und ähnelt mit seinen Vorsprüngen einer wurzelnden Pflanze, dies entspricht dem Prinzip des Jugendstils, einer architektonischen Struktur eine organische Form zu verleihen. Andererseits ist das Herrenhaus recht monolithisch und entspricht dem Grundsatz eines bürgerlichen Zuhauses: „Mein Zuhause ist meine Festung.“

Die vielfältigen Fassaden werden durch einen breiten Mosaikfries mit stilisiertem Irisbild vereint (das florale Ornament ist charakteristisch für den Jugendstil). Buntglasfenster sind charakteristisch für den Jugendstil. Sie und die Gestaltung des Gebäudes werden von skurrilen Linienführungen dominiert. Im Inneren des Gebäudes erreichen diese Motive ihren Höhepunkt. Möbel und Dekoration wurden nach Shekhtels Entwürfen angefertigt. Der Wechsel von dunklen und hellen Räumen, die Fülle an Materialien, die ein bizarres Lichtreflexionsspiel erzeugen (Marmor, Glas, poliertes Holz), das farbige Licht von Buntglasfenstern, die asymmetrische Anordnung von Türen, die die Richtung des Lichtflusses ändern - all das verwandelt die Realität in eine romantische Welt.

Als sich Shekhtels Stil entwickelte, traten rationalistische Tendenzen auf. Das Handelshaus der Moskauer Handelsgesellschaft in der Malo Cherkassky Lane (1909), das Gebäude der Druckerei „Morning of Russia“ (1907) kann als vorkonstruktivistisch bezeichnet werden. Der Haupteffekt sind die verglasten Flächen der riesigen Fenster, abgerundete Ecken, die dem Gebäude Plastizität verleihen.

Die bedeutendsten Meister des Jugendstils in St. Petersburg waren (, Astoria Hotel. Azov-Don Bank) (Gebäude der Firma Mertex am Newski-Prospekt).

Der Neoklassizismus war ein rein russisches Phänomen und war 1910 in St. Petersburg am weitesten verbreitet. Ziel dieser Richtung war es, die Traditionen des russischen Klassizismus von Kasakow, Woronikhin, Sacharow, Rossi, Stasow, Gilardi der zweiten Hälfte des 18. und des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts wiederzubeleben. Die Führer des Neoklassizismus waren (Herrenhaus auf der Kamenny-Insel in St. Petersburg) V. Shuko (Wohngebäude), A. Tamanyan, I. Zholtovsky (Herrenhaus in Moskau). Sie schufen viele herausragende Bauwerke, die sich durch harmonische Kompositionen und exquisite Details auszeichnen. Das Werk von Alexander Viktorovich Shchusev () verschmilzt mit dem Neoklassizismus. Aber er wandte sich dem jahrhundertealten Erbe der nationalen russischen Architektur zu (manchmal wird dieser Stil auch als neorussischer Stil bezeichnet). Shchusev baute das Marfa-Mariinskaya-Kloster und den Kasaner Bahnhof in Moskau. Trotz all seiner Vorzüge war der Neoklassizismus eine besondere Spielart in der höchsten Form des Retrospektivismus.

Trotz der Qualität der architektonischen Strukturen dieser Zeit ist anzumerken, dass sich die russische Architektur und Innenarchitektur nicht vom Hauptlaster des Eklektizismus befreien konnte; ein besonderer neuer Entwicklungsweg wurde nicht gefunden.

Die genannten Richtungen wurden nach der Oktoberrevolution mehr oder weniger weiterentwickelt.

4. Skulptur: Suche nach einem neuen Helden.

Die Entwicklungswege der russischen Skulptur des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts wurden maßgeblich durch ihre Verbindungen zur Kunst der Wanderer bestimmt. Genau das erklärt seine Demokratie und seinen Inhalt.

Bildhauer beteiligen sich aktiv an der Suche nach einem neuen, modernen Helden. Die Materialien werden immer vielfältiger: Es werden nicht nur wie bisher Marmor und Bronze verwendet, sondern auch Stein, Holz, Majolika und sogar Ton. Es wird versucht, Farbe in die Skulptur einzuführen. Zu dieser Zeit arbeitet eine brillante Galaxie von Bildhauern.

Die Kunst von Anna Semyonovna Golubkina () trägt den Stempel ihrer Zeit. Es ist betont spirituell und stets zutiefst und konsequent demokratisch. Golubkina ist eine überzeugte Revolutionärin. Ihre Skulpturen „Slave“ (1905, Tretjakow-Galerie), „Walking“ (1903, Staatliches Russisches Museum) und das Porträt von Karl Marx (1905, Tretjakow-Galerie) sind eine natürliche Reaktion auf die fortschrittlichen Ideen unserer Zeit. Golubkina ist eine große Meisterin der psychologischen skulpturalen Porträtmalerei. Und hier bleibt sie sich selbst treu und arbeitet mit der gleichen kreativen Begeisterung an Porträts sowohl des großen Schriftstellers („Lew Tolstoi“, 1927, Staatliches Russisches Museum) als auch einer einfachen Frau („Marja“, 1905, Tretjakow-Galerie).

Das skulpturale Werk von Sergei Timofeevich Konenkov () zeichnet sich durch seinen besonderen Reichtum und seine Vielfalt an Stil- und Genreformen aus.

Sein Werk „Samson Breaking the Bonds“ (1902) ist von den gigantischen Bildern Michelangelos inspiriert. „Der militante Arbeiter von 1905, Ivan Churkin“ (1906) ist die Verkörperung eines unzerstörbaren Willens, gemildert im Feuer der Klassenkämpfe.

Nach einer Reise nach Griechenland im Jahr 1912 begann er sich wie V. Serov für den antiken Archaismus zu interessieren. Bilder der heidnischen antiken griechischen Mythologie sind mit Bildern der antiken slawischen Mythologie verflochten. Abramzewos Vorstellungen von Folklore fanden auch in Werken wie „Welikosil“, „Stribog“, „Staritschek“ und anderen ihren Niederschlag. „Die Bettlerbrüder“ (1917) wurde als ein Ding der Vergangenheit Russlands wahrgenommen. Die aus Holz geschnitzten Figuren zweier armer, elender Wanderer, gebeugt, knorrig, in Lumpen gehüllt, sind realistisch und phantastisch zugleich.

Die Traditionen der klassischen Bildhauerei wurden von Ivan Timofeevich Matveev (), einem Schüler von Trubetskoy an der Moskauer Schule, wiederbelebt. In den Motiven der Aktfigur entwickelte er ein Minimum an plastischen Grundthemen. Die plastischen Prinzipien der Matveevsky-Skulptur kommen am deutlichsten in den Bildern junger Männer und Jungen zum Ausdruck („Sitting Boy“, 1909, „Sleeping Boys“, 1907, „Young Man“, 1911 und einer Reihe von Statuen, die für einen von ihnen bestimmt waren Parkensembles auf der Krim). Matveevs antike leichte Kurven der Jungenfiguren werden mit einer spezifischen Präzision der Posen und Bewegungen kombiniert, die an die Gemälde von Borisov-Musatov erinnern. Matveev verkörperte in seinen Werken den modernen Durst nach Harmonie in modernen künstlerischen Formen.

5. Symbolik in der Literatur der Jahrhundertwende.

„SYMBOLISMUS“ ist eine Bewegung in der europäischen und russischen Kunst, die um die Wende des 20. Jahrhunderts entstand und sich hauptsächlich auf den künstlerischen Ausdruck konzentrierte SYMBOL„Dinge an sich“ und Ideen, die jenseits der Sinneswahrnehmung liegen. In dem Bestreben, die sichtbare Realität zu „verborgenen Realitäten“, dem überzeitlichen idealen Wesen der Welt, ihrer „unvergänglichen“ Schönheit zu durchbrechen, drückten die Symbolisten eine Sehnsucht nach spiritueller Freiheit, eine tragische Vorahnung der sozio-historischen Veränderungen in der Welt und Vertrauen aus uralte kulturelle Werte als verbindendes Prinzip.

Die Kultur des russischen Symbolismus sowie der Denkstil der Dichter und Schriftsteller, die diese Richtung prägten, entstanden und entwickelten sich an der Schnittstelle und gegenseitigen Ergänzung äußerlich gegensätzlicher, aber tatsächlich fest verbundener und sich gegenseitig erklärender philosophischer und philosophischer Linien ästhetische Einstellung zur Realität. Es war ein Gefühl der beispiellosen Neuheit von allem, was die Jahrhundertwende mit sich brachte, begleitet von einem Gefühl der Unruhe und Instabilität.

Die symbolische Poesie formierte sich zunächst als romantische und individualistische Poesie, die sich von der Polyphonie der „Straße“ löste und sich in die Welt persönlicher Erfahrungen und Eindrücke zurückzog.

Die im 19. Jahrhundert entdeckten und formulierten Wahrheiten und Kriterien genügten heute nicht mehr. Es brauchte ein neues Konzept, das der neuen Zeit entspricht. Wir müssen den Symbolisten Tribut zollen – sie schlossen sich keinem der im 19. Jahrhundert geschaffenen Stereotypen an. Nekrasov lag ihnen am Herzen, wie Puschkin, Fet – wie Nekrasov. Und hier geht es nicht um die Unleserlichkeit und Allesfresserschaft der Symbolisten. Es geht um die Breite der Ansichten und vor allem um das Verständnis, dass jede große Persönlichkeit in der Kunst das Recht auf eine eigene Sicht auf die Welt und die Kunst hat. Was auch immer die Ansichten ihres Schöpfers sein mögen, die Bedeutung der Kunstwerke selbst verliert nichts. Das Wichtigste, was die Künstler der symbolischen Bewegung nicht akzeptieren konnten, war Selbstgefälligkeit und Ruhe, das Fehlen von Ehrfurcht und Brennen.

Mit einer solchen Haltung gegenüber dem Künstler und seinem Schaffen war auch die Einsicht verbunden, dass wir jetzt, in diesem Moment, am Ende der 90er Jahre des 19. Jahrhunderts, in eine neue – beunruhigende und unruhige Welt eintreten. Der Künstler muss sowohl von dieser Neuheit als auch von dieser Unordnung durchdrungen sein, seine Kreativität damit durchdringen und sich letztendlich der Zeit opfern, den Ereignissen, die noch nicht sichtbar, aber so unvermeidlich sind wie die Bewegung der Zeit.

„Der Symbolismus selbst war nie eine Kunstschule“, schrieb A. Bely, „aber er war eine Tendenz zu einer neuen Weltanschauung, die die Kunst auf ihre eigene Weise brach ... Und wir betrachteten neue Kunstformen nicht als eine Veränderung der Formen.“ allein, aber als deutliches Zeichen verändert sich die innere Wahrnehmung der Welt.“

Im Jahr 1900 hielt K. Balmont in Paris einen Vortrag, dem er den demonstrativen Titel gab: „Elementare Worte über symbolische Poesie“. Balmont glaubt, dass die Lücke bereits gefüllt ist – eine neue Richtung zeichnet sich ab: symbolische Poesie, was ein Zeichen der Zeit ist. Von einem „Geist der Verwüstung“ muss von nun an nicht mehr gesprochen werden. In seinem Bericht versuchte Balmont, den Zustand der modernen Poesie so umfassend wie möglich zu beschreiben. Er spricht von Realismus und Symbolismus als völlig gleichwertigen Formen der Weltanschauung. Gleich, aber im Wesentlichen unterschiedlich. Dabei handele es sich um zwei „verschiedene Systeme künstlerischer Wahrnehmung“. „Realisten werden wie eine Brandung vom konkreten Leben erfasst, hinter dem sie nichts sehen; Symbolisten, losgelöst von der wirklichen Realität, sehen darin nur ihren Traum, sie betrachten das Leben aus dem Fenster.“ So wird der Weg des symbolistischen Künstlers umrissen: „von unmittelbaren Bildern, schön in ihrer eigenständigen Existenz, zu der in ihnen verborgenen spirituellen Idealität, die ihnen doppelte Kraft verleiht.“

Diese Kunstauffassung erforderte eine entscheidende Umstrukturierung des gesamten künstlerischen Denkens. Sie basierte nun nicht mehr auf realen Phänomenkorrespondenzen, sondern auf assoziativen Korrespondenzen, und die objektive Bedeutung von Assoziationen wurde keineswegs als obligatorisch angesehen. A. Bely schrieb: „Ein charakteristisches Merkmal der Symbolik in der Kunst ist der Wunsch, das Bild der Realität als Mittel zur Vermittlung des erlebten Bewusstseinsinhalts zu nutzen.“ Die Abhängigkeit der Bilder der Sichtbarkeit von den Bedingungen des wahrnehmenden Bewusstseins verlagert den Schwerpunkt in der Kunst vom Bild auf die Methode seiner Wahrnehmung... Ein Bild als Modell des erlebten Bewusstseinsinhalts ist ein Symbol. Die Methode, Erfahrungen mit Bildern zu symbolisieren, ist Symbolik.“

So tritt die poetische Allegorie als Haupttechnik der Kreativität in den Vordergrund, wenn ein Wort, ohne seine gewohnte Bedeutung zu verlieren, zusätzliche potentielle, mehrdeutige Bedeutungen erhält, die sein wahres „Wesen“ der Bedeutung offenbaren.

Die Umwandlung eines künstlerischen Bildes in ein „Modell des erlebten Bewusstseinsinhalts“, also in ein Symbol, erforderte eine Verlagerung der Aufmerksamkeit des Lesers vom Ausgedrückten auf das Angedeutete. Das künstlerische Bild erwies sich zugleich als allegorisches Bild.

Gerade der Appell an implizite Bedeutungen und die imaginäre Welt, die bei der Suche nach idealen Ausdrucksmitteln Halt boten, hatte eine gewisse Anziehungskraft. Dies diente später als Grundlage für die Annäherung zwischen den symbolistischen Dichtern und Vl. Solovyov, der einigen von ihnen als Suchender nach neuen Wegen der spirituellen Transformation des Lebens erschien. Da die Dichter des Symbolismus den Beginn von Ereignissen von historischer Bedeutung antizipierten, das Wirken der verborgenen Kräfte der Geschichte spürten und ihnen keine Interpretation geben konnten, waren sie mystisch-eschatologischen* Theorien ausgeliefert. Zu diesem Zeitpunkt fand ihr Treffen mit Vl statt. Solowjew.

Natürlich basierte die Symbolik auf der Erfahrung der dekadenten Kunst der 80er Jahre, aber es handelte sich um ein qualitativ anderes Phänomen. Und es fiel nicht in allem mit Dekadenz zusammen.

Entstanden in den 90er Jahren im Zeichen der Suche nach neuen Mitteln der poetischen Darstellung, fand die Symbolik zu Beginn des neuen Jahrhunderts ihre Grundlage in vagen Erwartungen an bevorstehende historische Veränderungen. Der Erwerb dieses Bodens diente als Grundlage für seine weitere Existenz und Entwicklung, allerdings in eine andere Richtung. Die Poesie des Symbolismus blieb inhaltlich grundsätzlich und betont individualistisch, erhielt jedoch eine Problematik, die nun auf der Wahrnehmung einer bestimmten Epoche beruhte. Basierend auf ängstlicher Vorfreude kommt es nun zu einer Intensivierung der Wahrnehmung der Realität, die in Form gewisser geheimnisvoller und alarmierender „Zeichen der Zeit“ in das Bewusstsein und die Kreativität der Dichter eindrang. Ein solches „Zeichen“ könnte jedes Phänomen, jede historische oder rein alltägliche Tatsache sein („Zeichen“ der Natur – Sonnenaufgänge und Sonnenuntergänge; verschiedene Arten von Begegnungen, denen eine mystische Bedeutung gegeben wurde; „Zeichen“ eines Geisteszustands – Doppelgänger; „Zeichen“. „der Geschichte – Skythen, Hunnen, Mongolen, allgemeine Zerstörung; „Zeichen“ der Bibel, die eine besonders wichtige Rolle spielten – Christus, eine neue Wiedergeburt, weiße Farbe als Symbol für die reinigende Natur zukünftiger Veränderungen usw.). Auch das kulturelle Erbe der Vergangenheit wurde gemeistert. Daraus wurden Fakten ausgewählt, die „prophetischen“ Charakter haben könnten. Diese Fakten wurden sowohl in schriftlichen als auch in mündlichen Präsentationen häufig verwendet.

Aufgrund ihrer inneren Zusammenhänge entwickelte sich die Poesie des Symbolismus damals in Richtung einer immer tieferen Transformation unmittelbarer Lebenseindrücke, ihres geheimnisvollen Verständnisses, dessen Zweck nicht darin bestand, reale Zusammenhänge und Abhängigkeiten herzustellen, sondern das zu begreifen „verborgene“ Bedeutung der Dinge. Dieses Merkmal liegt der schöpferischen Methode der Dichter des Symbolismus, ihrer Poetik, zugrunde, wenn wir diese Kategorien bedingt und allgemein für die gesamte Bewegung nehmen.

Das 20. Jahrhundert war eine Zeit der Blüte, Erneuerung und Vertiefung symbolistischer Lyrik. Keine andere Bewegung in der Poesie konnte in diesen Jahren mit der Symbolik konkurrieren, weder hinsichtlich der Anzahl der veröffentlichten Sammlungen noch hinsichtlich ihres Einflusses auf das Lesepublikum.

Der Symbolismus war ein heterogenes Phänomen, das in seinen Reihen Dichter vereinte, die die widersprüchlichsten Ansichten vertraten. Einige von ihnen erkannten sehr bald die Sinnlosigkeit des poetischen Subjektivismus, während andere Zeit brauchten. Einige von ihnen hatten eine Leidenschaft für die geheime „esoterische“ * Sprache, andere mieden sie. Die Schule der russischen Symbolisten war im Wesentlichen eine ziemlich bunte Vereinigung, zumal sie in der Regel hochbegabte Menschen mit einer hellen Individualität umfasste.

Kurz über die Menschen, die an den Ursprüngen des Symbolismus standen, und über die Dichter, in deren Werk diese Richtung am deutlichsten zum Ausdruck kommt.

Einige der Symbolisten, wie Nikolai Minsky, Dmitry Merezhkovsky, begannen ihre kreative Karriere als Vertreter der bürgerlichen Poesie und begannen sich dann auf die Ideen der „Gottesbildung“ und der „Religionsgemeinschaft“ zu konzentrieren. Nach 1884 wurde N. Minsky von der populistischen Ideologie desillusioniert und wurde Theoretiker und Praktiker der dekadenten Poesie, ein Prediger der Ideen Nietzsches und des Individualismus. Während der Revolution von 1905 tauchten in Minskys Gedichten erneut bürgerliche Motive auf. Im Jahr 1905 veröffentlichte N. Minsky die Zeitung „Neues Leben“, die zum Rechtsorgan der Bolschewiki wurde. Merezhkovsky „Über die Ursachen des Niedergangs und neue Tendenzen in der modernen russischen Literatur“ (1893) war eine ästhetische Erklärung der russischen Dekadenz. In seinen Romanen und Theaterstücken, die auf historischem Material basieren und das Konzept des Neo-Christentums entwickeln, versucht Merezhkovsky, die Weltgeschichte als den ewigen Kampf der „Religion des Geistes“ und der „Religion des Fleisches“ zu begreifen. Merezhkovsky ist Autor der Studie „L. Tolstoi und Dostojewski“ (1901-02), das bei den Zeitgenossen großes Interesse erregte.

Andere – zum Beispiel Valery Bryusov, Konstantin Balmont (sie wurden manchmal auch „ältere Symbolisten“ genannt) – betrachteten den Symbolismus als eine neue Stufe in der fortschreitenden Entwicklung der Kunst, die den Realismus ersetzte, und gingen weitgehend vom Konzept der „Kunst um der Kunst willen“ aus .“ Bryusov zeichnet sich durch historische und kulturelle Themen, Rationalismus, Vollständigkeit der Bilder und deklamatorische Struktur aus. In den Gedichten von K. Balmont - der Kult des Selbst, das Spiel der Flüchtigkeit, der Gegensatz zum „Eisernen Zeitalter“ des ursprünglich ganzheitlichen „Sonnen“-Prinzips; Musikalität.

Und schließlich waren die dritten – die sogenannten „jüngeren“ Symbolisten (Alexander Blok, Andrei Bely, Vyacheslav Ivanov) – Anhänger eines philosophischen und religiösen Weltverständnisses im Geiste der Lehren des Philosophen Vl. Solovyova. Wenn es in A. Bloks erster Gedichtsammlung „Gedichte über eine schöne Dame“ (1903) oft ekstatische* Lieder gibt, die der Dichter an seine schöne Dame richtete, dann bewegt sich Blok bereits in der Sammlung „Unerwartete Freude“ (1907) eindeutig in Richtung Realismus Im Vorwort zur Sammlung erklärte er: „Unerwartete Freude“ ist mein Bild der kommenden Welt.“ A. Belys frühe Poesie ist geprägt von mystischen Motiven, einer grotesken Realitätswahrnehmung („Symphonien“) und formalen Experimenten. Poesie Vyach. Ivanova konzentriert sich auf kulturelle und philosophische Fragen der Antike und des Mittelalters; Der Begriff der Kreativität ist religiös und ästhetisch.

Symbolisten stritten ständig miteinander und versuchten die Richtigkeit ihrer Urteile über diese literarische Bewegung zu beweisen. Daher betrachtete V. Bryusov es als Mittel zur Schaffung einer grundlegend neuen Kunst; K. Balmont sah darin einen Weg, die verborgenen, ungelösten Tiefen der menschlichen Seele zu verstehen; Vyach. Ivanov glaubte, dass die Symbolik dazu beitragen würde, die Kluft zwischen dem Künstler und dem Volk zu überbrücken, und A. Belyy war überzeugt, dass dies die Grundlage für die Schaffung neuer Kunst sei, die in der Lage sei, die menschliche Persönlichkeit zu verändern.

Alexander Blok nimmt zu Recht einen der führenden Plätze in der russischen Literatur ein. Blok ist ein Weltklasse-Texter. Sein Beitrag zur russischen Poesie ist ungewöhnlich reichhaltig. Das lyrische Bild Russlands, ein leidenschaftliches Geständnis über helle und tragische Liebe, die majestätischen Rhythmen der italienischen Poesie, das durchdringend umrissene Gesicht von St. Petersburg, die „tränenüberströmte Schönheit“ der Dörfer – all dies hat Blok mit der Breite und Durchdringung einbezogen von Genialität in seiner Arbeit.

Bloks erstes Buch, „Poems about a Beautiful Lady“, wurde 1904 veröffentlicht. Bloks Texte aus dieser Zeit sind in betenden und mystischen Tönen gehalten: Die reale Welt darin wird einer gespenstischen, „jenseitigen“ Welt gegenübergestellt, die nur in geheimen Zeichen und Offenbarungen verstanden wird. Der Dichter wurde stark von den Lehren Vl. beeinflusst. Solovyov über das „Ende der Welt“ und die „Weltseele“. In der russischen Poesie nahm Blok seinen Platz als prominenter Vertreter des Symbolismus ein, obwohl sein weiteres Werk alle symbolischen Rahmen und Kanons überforderte.

In seiner zweiten Gedichtsammlung „Unerwartete Freude“ (1906) entdeckte der Dichter neue Wege für sich, die in seinem ersten Buch nur skizziert wurden.

Andrei Bely versuchte, den Grund für den scharfen Wandel in der Muse des Dichters zu ergründen, der gerade „in schwer fassbaren und zarten Zeilen“ „die Annäherung an den ewig weiblichen Beginn des Lebens“ zu besingen schien. Er sah es in Bloks Nähe zur Natur, zur Erde: „Unerwartete Freude“ drückt das Wesen von A. Blok tiefer aus ... Die zweite Sammlung von Bloks Gedichten ist interessanter und großartiger als die erste. Wie erstaunlich sich hier der subtilste Dämonismus mit der einfachen Traurigkeit der armen russischen Natur verbindet, immer dieselbe, immer schluchzend in Schauern, uns immer mit dem Grinsen der Schluchten unter Tränen erschreckend... Die russische Natur ist schrecklich, unbeschreiblich. Und Blok versteht sie wie kein anderer ...“

Die dritte Sammlung, „Erde im Schnee“ (1908), wurde von Kritikern mit Feindseligkeit aufgenommen. Kritiker wollten oder konnten die Logik von Bloks neuem Buch nicht verstehen.

Die vierte Sammlung, „Night Hours“, erschien 1911 in einer sehr bescheidenen Auflage. Zum Zeitpunkt der Veröffentlichung überkam Blok zunehmend ein Gefühl der Entfremdung von der Literatur und er veröffentlichte bis 1916 keinen einzigen Gedichtband.

Zwischen A. Blok und A. Bely entwickelte sich eine schwierige und verwirrende Beziehung, die fast zwei Jahrzehnte dauerte.

Bely war von Bloks ersten Gedichten sehr beeindruckt: „Um die Eindrücke dieser Gedichte zu verstehen, muss man sich diese Zeit klar vorstellen: Für uns, die wir die Zeichen der Morgendämmerung beachteten, die auf uns schien, klang die ganze Luft wie die Zeilen von A.A. ; und es schien, dass Blok nur das aufschrieb, was die Luft seinem Bewusstsein sagte; Er hat die roségoldene und angespannte Atmosphäre dieser Ära mit Worten wirklich unter Beschuss genommen.“ Bely half bei der Veröffentlichung von Bloks erstem Buch (unter Umgehung der Moskauer Zensur). Im Gegenzug unterstützte Blok Bely. So spielte er eine entscheidende Rolle bei der Entstehung von Belyjs Hauptroman „Petersburg“ und lobte öffentlich sowohl „Petersburg“ als auch „Silberne Taube“.

Gleichzeitig erreichten ihre Beziehungen und ihre Korrespondenz den Punkt der Feindseligkeit; Ständige Vorwürfe und Anschuldigungen, Anfeindungen, sarkastische Sticheleien und aufgezwungene Diskussionen vergifteten das Leben beider.

Doch trotz aller Komplexität und Komplexität kreativer und persönlicher Beziehungen respektierten, liebten und schätzten beide Dichter weiterhin die Kreativität und Persönlichkeit des anderen, was Belys Rede zum Tod von Blok erneut bestätigte.

Nach den revolutionären Ereignissen von 1905 verschärften sich die Widersprüche in den Reihen der Symbolisten noch mehr, was diese Bewegung schließlich in die Krise führte.

Es ist jedoch anzumerken, dass russische Symbolisten einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der russischen Kultur leisteten. Die talentiertesten von ihnen spiegelten auf ihre Weise die Tragödie der Situation eines Menschen wider, der in einer von grandiosen sozialen Konflikten erschütterten Welt seinen Platz nicht finden konnte und versuchte, neue Wege für ein künstlerisches Verständnis der Welt zu finden. Sie machten bedeutende Entdeckungen auf dem Gebiet der Poetik, der rhythmischen Neuordnung der Verse und der Stärkung des darin enthaltenen musikalischen Prinzips.

6. Andere Trends in der Literatur.

„Die postsymbolistische Poesie verwarf die „übersinnlichen“ Bedeutungen des Symbolismus, aber die erhöhte Fähigkeit des Wortes, unbenannte Ideen hervorzurufen und das Fehlende durch Assoziationen zu ersetzen, blieb bestehen. Im symbolistischen Erbe erwies sich intensive Assoziativität als am praktikabelsten.“

Zu Beginn des zweiten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts entstanden zwei neue poetische Bewegungen – Akmeismus und Futurismus.

Acmeisten (vom griechischen Wort „acme“ – Blütezeit, der höchste Grad von etwas) forderten die Befreiung der Poesie von der Philosophie und allen möglichen „methodischen“ Hobbys, von der Verwendung vager Andeutungen und Symbole und verkündeten eine Rückkehr zur materiellen Welt und die Akzeptanz dafür, wie sie ist: mit ihren Freuden, Lastern, ihrem Bösen und ihrer Ungerechtigkeit, die demonstrative Weigerung, soziale Probleme zu lösen und das Prinzip „Kunst um der Kunst willen“ zu bekräftigen. Die Arbeit so talentierter akmeistischer Dichter wie N. Gumilyov, S. Gorodetsky, A. Akhmatova, M. Kuzmin und O. Mandelstam ging jedoch über die von ihnen verkündeten theoretischen Prinzipien hinaus. Jeder von ihnen brachte seine eigenen, für ihn einzigartigen Motive und Stimmungen, seine eigenen poetischen Bilder in die Poesie ein.

Die Futuristen vertraten unterschiedliche Ansichten zur Kunst im Allgemeinen und zur Poesie im Besonderen. Sie erklärten sich zu Gegnern der modernen bürgerlichen Gesellschaft, die das Individuum entstellt, und zu Verteidigern der „natürlichen“ Person, ihres Rechts auf freie, individuelle Entfaltung. Aber diese Aussagen liefen oft auf eine abstrakte Erklärung des Individualismus und der Freiheit von moralischen und kulturellen Traditionen hinaus.

Im Gegensatz zu den Akmeisten, die sich zwar gegen die Symbolik stellten, sich aber gewissermaßen als deren Nachfolger betrachteten, verkündeten die Futuristen von Anfang an eine völlige Ablehnung jeglicher literarischen Traditionen und vor allem des klassischen Erbes und argumentierten, dies sei hoffnungslos veraltet. In ihren laut und kühn geschriebenen Manifesten verherrlichten sie ein neues Leben, das sich unter dem Einfluss von Wissenschaft und technischem Fortschritt entwickelte, lehnten alles ab, was „vorher“ war, und erklärten ihren Wunsch, die Welt neu zu gestalten, was aus ihrer Sicht auch der Fall sein sollte durch Poesie wesentlich erleichtert werden. Futuristen versuchten, das Wort zu verdinglichen und seinen Klang direkt mit dem Objekt zu verbinden, das es bezeichnete. Ihrer Meinung nach sollte dies zur Rekonstruktion des Natürlichen und zur Schaffung einer neuen, allgemein zugänglichen Sprache führen, die in der Lage ist, die verbalen Barrieren, die die Menschen trennen, abzubauen.

Der Futurismus vereinte verschiedene Gruppen, unter denen die berühmtesten waren: Kubofuturisten (V. Mayakovsky, V. Kamensky, D. Burliuk, V. Khlebnikov), Ego-Futuristen (I. Severyanin), die Zentrifugengruppe (N. Aseev, B. Pasternak usw.).

Unter den Bedingungen des revolutionären Aufschwungs und der Krise der Autokratie erwiesen sich Akmeismus und Futurismus als unrentabel und hörten Ende der 1910er Jahre auf zu existieren.

Unter den neuen Trends, die in dieser Zeit in der russischen Poesie aufkamen, nahm eine Gruppe sogenannter „Bauerndichter“ einen herausragenden Platz ein – N. Klyuev, A. Shiryaevets, S. Klychkov, P. Oreshin. S. Yesenin stand ihnen einige Zeit nahe, der anschließend einen unabhängigen und breiten kreativen Weg einschlug. Zeitgenossen sahen in ihnen Nuggets, die die Sorgen und Nöte der russischen Bauernschaft widerspiegelten. Sie einten auch die Gemeinsamkeit einiger poetischer Techniken und die weit verbreitete Verwendung religiöser Symbole und folkloristischer Motive.

Unter den Dichtern des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts gab es solche, deren Werk nicht in die damaligen Strömungen und Gruppen passte. Dies sind zum Beispiel I. Bunin, der die Traditionen der russischen klassischen Poesie fortführen wollte; I. Annensky, in gewisser Weise den Symbolisten nahe und zugleich weit von ihnen entfernt, sucht seinen Weg in einem riesigen poetischen Meer; Sasha Cherny, der sich selbst als „chronischen“ Satiriker bezeichnete, beherrschte die „antiästhetischen“ Mittel zur Aufdeckung von Spießertum und Spießertum auf brillante Weise; M. Tsvetaeva mit ihrer „poetischen Reaktionsfähigkeit auf den neuen Klang der Luft“.

Die russischen Literaturbewegungen des frühen 20. Jahrhunderts sind durch die Hinwendung der Renaissance zur Religion und zum Christentum gekennzeichnet. Russische Dichter konnten dem Ästhetizismus nicht widerstehen; auf unterschiedliche Weise versuchten sie, den Individualismus zu überwinden. Der erste in dieser Richtung war Merezhkovsky, dann begannen die führenden Vertreter der russischen Symbolik, Konziliarismus dem Individualismus, Mystik dem Ästhetizismus gegenüberzustellen. Vyach. Ivanov und A. Bely waren Theoretiker der mystisch gefärbten Symbolik. Es kam zu einer Annäherung an die aus Marxismus und Idealismus hervorgegangene Strömung.

Wjatscheslaw Iwanow war einer der bemerkenswertesten Menschen dieser Zeit: der beste russische Hellenist, Dichter, gelehrte Philologe, Spezialist für griechische Religion, Denker, Theologe und Philosoph, Publizist. An seinen „Umgebungen“ auf dem „Turm“ (wie Ivanovs Wohnung genannt wurde) nahmen die begabtesten und bemerkenswertesten Menschen dieser Zeit teil: Dichter, Philosophen, Wissenschaftler, Künstler, Schauspieler und sogar Politiker. Die raffiniertesten Gespräche fanden zu literarischen, philosophischen, mystischen, okkulten, religiösen und auch sozialen Themen aus der Perspektive des Kampfes der Weltanschauungen statt. Auf dem „Turm“ wurden die anspruchsvollen Gespräche der begabtesten Kulturelite geführt, und unten tobte die Revolution. Das waren zwei getrennte Welten.

Neben Strömungen in der Literatur entstanden auch neue Strömungen in der Philosophie. Die Suche nach Traditionen für das russische philosophische Denken begann bei den Slawophilen, Vl. Solowjow, Dostojewski. Im Merezhkovsky-Salon in St. Petersburg wurden religiöse und philosophische Treffen organisiert, an denen sowohl Vertreter der an Religionsangst erkrankten Literatur als auch Vertreter der traditionellen orthodoxen Kirchenhierarchie teilnahmen. So beschrieb N. Berdyaev diese Treffen: „V. Rozanovs Probleme überwogen. Von großer Bedeutung war auch V. Ternavtsev, ein Chiliast, der ein Buch über die Apokalypse schrieb. Wir sprachen über die Beziehung des Christentums zur Kultur. Im Mittelpunkt stand ein Thema über das Fleisch, über Sex... In der Atmosphäre des Merezhkovsky-Salons lag etwas Überpersönliches, das in der Luft lag, eine Art ungesunder Zauber, der wahrscheinlich in sektiererischen Kreisen, in Sekten vorkommt eines nicht-rationalistischen und nicht-evangelikalen Typs ... Die Merezhkovskys gaben immer vor, von einem bestimmten „Wir“ zu sprechen und wollten Menschen, die mit ihnen in engem Kontakt standen, in dieses „Wir“ einbeziehen. D. Filosofov gehörte zu diesem „Wir“, und A. Bely hätte einmal beinahe dazugehört. Dieses „Wir“ nannten sie das Geheimnis der Drei. So sollte die neue Kirche des Heiligen Geistes Gestalt annehmen, in der das Geheimnis des Fleisches offenbart werden würde.“

In der Philosophie von Wassili Rosanow bedeuteten „Fleisch“ und „Sex“ eine Rückkehr zum Vorchristentum, zum Judentum und Heidentum. Seine religiöse Denkweise verband sich mit Kritik an der christlichen Askese, der Apotheose von Familie und Geschlecht, in deren Elementen Rozanov die Grundlage des Lebens sah. Für ihn triumphiert das Leben nicht durch die Auferstehung zum ewigen Leben, sondern durch die Zeugung, das heißt durch den Zerfall der Persönlichkeit in viele neugeborene Persönlichkeiten, in denen das Leben der Rasse weitergeht. Rozanov predigte die Religion der ewigen Geburt. Für ihn ist das Christentum eine Religion des Todes.

In Wladimir Solowjows Lehre vom Universum als „totaler Einheit“ ist der christliche Platonismus mit den Ideen des neuen europäischen Idealismus, insbesondere des naturwissenschaftlichen Evolutionismus und der unorthodoxen Mystik (der Lehre von der „Weltseele“ usw.), verflochten. Der Zusammenbruch des utopischen Ideals einer globalen Theokratie führte zu verstärkten eschatologischen Gefühlen (über die Endlichkeit der Welt und des Menschen). Vl. Solowjew hatte großen Einfluss auf die russische Religionsphilosophie und Symbolik.

Pavel Florensky entwickelte die Lehre von Sophia (der Weisheit Gottes) als Grundlage für die Sinnhaftigkeit und Integrität des Universums. Er war der Initiator einer neuen Art orthodoxer Theologie, nicht der scholastischen Theologie, sondern der experimentellen Theologie. Florensky war Platoniker und interpretierte Platon auf seine eigene Weise und wurde später Priester.

Sergej Bulgakow ist eine der Hauptfiguren der Religions- und Philosophischen Gesellschaft „im Gedenken an Wladimir Solowjow“. Vom juristischen Marxismus, den er mit dem Neukantianismus zu verbinden versuchte, wechselte er zur Religionsphilosophie, dann zur orthodoxen Theologie und wurde Priester.

Und natürlich ist Nikolai Berdyaev eine Persönlichkeit von Weltrang. Ein Mann, der jede Form von Dogmatismus, wo immer sie auftauchte, kritisieren und überwinden wollte, ein christlicher Humanist, der sich selbst als „gläubiger Freidenker“ bezeichnete. Ein Mann mit tragischem Schicksal, der aus seiner Heimat vertrieben wurde, und sein ganzes Leben lang schmerzte seine Seele danach. Ein Mann, dessen Erbe bis vor kurzem auf der ganzen Welt untersucht wurde, jedoch nicht in Russland. Der große Philosoph, der auf die Rückkehr in seine Heimat wartet.

Lassen Sie uns näher auf zwei Bewegungen eingehen, die mit mystischen und religiösen Suchen verbunden sind.

„Eine Strömung war die orthodoxe Religionsphilosophie, die jedoch für das offizielle Kirchenleben nicht sehr akzeptabel war. Dies sind in erster Linie S. Bulgakov, P. Florensky und die Gruppe um sie herum. Eine weitere Bewegung war die religiöse Mystik und der Okkultismus. Bely, Vyach. Ivanov... und sogar A. Blok, obwohl er keiner Ideologie zugeneigt war, waren die Jugendlichen, die sich um den Musaget-Verlag gruppierten, Anthroposophen*. Eine Bewegung führte Sophia in das System des orthodoxen Dogmas ein. Eine andere Bewegung war von unlogischer Sophistik fasziniert. Die kosmische Verführung, die für die gesamte Ära charakteristisch war, war hier und dort vorhanden. Mit Ausnahme von S. Bulgakov standen Christus und das Evangelium für diese Bewegungen überhaupt nicht im Mittelpunkt. P. Florensky war trotz seines Wunsches, ultraorthodox zu sein, völlig der kosmischen Verführung verfallen. Die religiöse Wiederbelebung war christlich orientiert, christliche Themen wurden diskutiert und christliche Terminologie verwendet. Aber es gab ein starkes Element der heidnischen Wiederbelebung, der hellenische Geist war stärker als der biblische messianische Geist. Zu einem bestimmten Zeitpunkt gab es eine Mischung verschiedener spiritueller Bewegungen. Die Ära war synkretistisch, sie erinnerte an die Mysteriensuche und den Neuplatonismus der hellenistischen Ära und die deutsche Romantik des frühen 19. Jahrhunderts. Es gab keine wirkliche religiöse Erweckung, aber es gab spirituelle Spannung, religiöse Aufregung und Suche. Es entstand eine neue Problematik des religiösen Bewusstseins, die mit den Bewegungen des 19. Jahrhunderts verbunden war (Khomyakov, Dostoevsky, Vl. Solovyov). Doch die offizielle Kirchlichkeit blieb bei diesem Thema außen vor. Es gab keine religiöse Reform in der Kirche.“

Ein Großteil des kreativen Aufschwungs dieser Zeit floss in die Weiterentwicklung der russischen Kultur ein und ist heute Eigentum aller russischen Kulturschaffenden. Aber dann war da noch der Rausch der Kreativität, des Neuen, der Spannung, des Kampfes, der Herausforderung.

Abschließend möchte ich mit den Worten von N. Berdyaev den ganzen Schrecken, die ganze Tragödie der Situation beschreiben, in der sich die Schöpfer der spirituellen Kultur, die Blüte der Nation, die besten Köpfe nicht nur Russlands, sondern auch befinden der Welt fanden sich.

„Das Unglück der kulturellen Renaissance des frühen 20. Jahrhunderts bestand darin, dass darin die kulturelle Elite in einem kleinen Kreis isoliert und von den breiten gesellschaftlichen Strömungen der Zeit abgeschnitten war. Dies hatte fatale Folgen für den Charakter, den die russische Revolution annahm ... Die damaligen russischen Menschen lebten auf verschiedenen Etagen und sogar in verschiedenen Jahrhunderten. Die kulturelle Renaissance hatte keine breite gesellschaftliche Ausstrahlung.... Viele Anhänger und Vertreter der kulturellen Renaissance blieben Linke, sympathisierten mit der Revolution, aber es gab eine Abkühlung gegenüber sozialen Fragen, es gab eine Versenkung in neue Probleme einer philosophischen, ästhetische, religiöse, mystische Natur, die den Menschen fremd blieb und sich aktiv an der sozialen Bewegung beteiligte. Die Intelligenz beging einen Selbstmordakt. In Russland bildeten sich vor der Revolution sozusagen zwei Rassen. Und die Schuld lag auf beiden Seiten, nämlich bei den Figuren der Renaissance, in ihrer sozialen und moralischen Gleichgültigkeit ...

Die für die russische Geschichte charakteristische Spaltung, die Spaltung, die sich im Laufe des 19. Die Revolution begann, diese kulturelle Renaissance zu zerstören und die Kulturschaffenden zu verfolgen... Arbeiter der russischen spirituellen Kultur waren größtenteils gezwungen, ins Ausland zu ziehen. Teilweise war dies eine Vergeltung für die soziale Gleichgültigkeit der Schöpfer spiritueller Kultur.“

7. Musik: Prioritäten ändern.

Das späte 19. und frühe 20. Jahrhundert (vor 1917) waren eine nicht weniger reiche, aber viel komplexere Zeit. Es unterscheidet sich nicht durch scharfe Veränderungen vom vorherigen: Zu dieser Zeit kreiert M. A. Balakirev weiter; die besten Spitzenwerke von Tschaikowsky und Rimsky-Korsakow stammen aus den 90er Jahren des 19. Jahrhunderts. und das erste Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts. Aber Musorsky und Borodin waren bereits 1893 verstorben. - Tschaikowsky. An ihre Stelle treten Schüler, Erben und Traditionsfortsetzer: S. Tanev, A. Glasunow, S. Rachmaninow. In ihrer Arbeit sind neue Zeiten und neue Geschmäcker zu spüren. Auch bei den Genreprioritäten gab es Veränderungen. Damit geriet die Oper, die mehr als 100 Jahre lang den Hauptplatz der russischen Musik einnahm, in den Hintergrund. Und im Gegenteil, die Rolle des Balletts ist gewachsen. Tschaikowsky – die Schaffung wunderschöner Ballette wurde von Alexander Konstantinowitsch Glasunow () fortgesetzt – dem Autor der wunderbaren „Raymonda“ (1897), „Die junge Bäuerin“ (1898).

Symphonische und kammermusikalische Genres haben eine breite Entwicklung erfahren. Glasunow schuf acht Sinfonien und die symphonische Dichtung „Stepan Rasin“ (1885)1. Sergei Ivanovich Taneyev () komponiert Sinfonien, Klaviertrios und Quintette. Und Rachmaninows Klavierkonzerte gehören (wie Tschaikowskys Konzerte und Glasunows Violinkonzert) zu den Höhepunkten der Weltkunst.

Unter der jüngeren Musikergeneration gab es Komponisten eines neuen Typs. Sie schrieben Musik auf neue, manchmal sogar ausgefallene Weise. Dazu gehören Skrjabin, dessen Musik einige durch ihre Kraft fesselte und andere durch ihre Neuheit erschreckte, und Strawinsky, dessen Ballette, die während der Russischen Jahreszeiten in Paris aufgeführt wurden, die Aufmerksamkeit ganz Europas auf sich zogen. Während des Ersten Weltkriegs ging ein weiterer Stern am russischen Horizont auf: S. Prokofjew.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Wie in der gesamten Kunst gibt es auch in der russischen Musik das Thema der Erwartung großer Veränderungen, die stattgefunden haben und die Kunst beeinflusst haben.

Sergei Wassiljewitsch Rachmaninow (). Seine Musik erlangte schnell die Aufmerksamkeit und Anerkennung des Publikums. Seine frühen Werke „Elegy“, „Barcarolle“, „Punichinelle“ wurden als Lebenstagebuch wahrgenommen.

Tschechow war sein Lieblingsschriftsteller; die symphonische Dichtung „The Cliff“ entstand nach Tschechows Erzählungen „On the Road“.

Erst 1926 er vollendete das in Russland begonnene 4. Klavierkonzert. Dann erscheinen „Drei russische Lieder für Chor und Orchester“, in denen die Kraft der Verzweiflung erklingt. Zwischen 1931 und 1934 Rachmaninow arbeitete an zwei großen Zyklen: für Klavier „Variationen über ein Thema von Corelli“ (20 Variationen) und „Rhapsodie für Klavier und Orchester über ein Thema eines Violinstücks von Nicolo Paganini“, bestehend aus Variationen.

Rachmaninow widmete sein letztes Werk, „Symphonic Mysteries“ (1940), dem Philadelphia Orchestra, mit dem er besonders gerne auftrat.

Alexander Nikolajewitsch Skrjabin (). Skrjabins Werke enthielten detaillierte literarische Programme, die Titel waren jedoch recht abstrakt („Göttliches Gedicht“ – 3. Symphonie, 1904, „Gedicht der Ekstase“, 1907, „Gedicht des Feuers“ – „Prometheus“, 1910). Aber Skrjabin konzipierte ein noch grandioseres Werk über synthetische Prinzipien – „Mystery“. Außerdem entstanden drei Sinfonien (1900, 1901, 1904), die Oper „Koschey der Unsterbliche“ (1901), „Gedicht der Ekstase“, „Prometheus“ für Klavier: 10 Sonaten, Mazurkas, Walzer, Gedichte, Etüden usw.2 .

Igor Fedorovich Strawinsky (). In „Der Feuervogel“ (1910) ist dies das Thema des Märchens über den bösen Koshchei und den Untergang seines dunklen Königreichs, in „Das heilige Wien“ (1913) das Thema alter heidnischer Rituale, Opfer zu Ehren des Frühlingswiedergeburt des Lebens, zu Ehren der Erdenschwester. Das Ballett „Petruschka“ (1911), eines der beliebtesten, wurde von Maslenitsa-Feierlichkeiten und traditionellen Puppenspielen mit Petruschka, seinem Rivalen Arap und der Ballerina (Columbine) inspiriert.

Da er weit weg von zu Hause und von seiner Heimat war, lebte das russische Thema in seinen Werken weiter („Hochzeit“, 1923).

Die Vielfalt von Strawinskys Kompositionen ist auffallend atemberaubend. Hervorzuheben sind das Opern-Oratorium „König Ödipus“ und das Ballett „Apollo Musagete“ (1928). Strawinsky schrieb die Oper „The Rake's Progress“ (1951).

Wenn man über die Musik des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts spricht, kommt man nicht umhin, das Musiktheater zu erwähnen. Ballett- und Opernkunst wurden mit staatlicher Unterstützung gefördert. Balletttänzer wurden von den bedeutendsten Persönlichkeiten gefördert (Matilda Kmesinskaya und die Schirmherrschaft der Großfürsten der Romanows). Darüber hinaus ist Opern- und Ballettkunst im Rahmen der „Russischen Jahreszeiten“ in () zum Markenzeichen der gesamten russischen Kunst geworden.

Die Moskauer Privatoper förderte in ihrem Repertoire vor allem die Werke russischer Komponisten und spielte eine wichtige Rolle bei der realistischen Darstellung von Mussorgskys Opern und bei der Entstehung neuer Werke von Rimsky-Korsakov. Schaljapin sang darin, Rachmaninow stand an der Spitze, Rimski-Korsakow war ihr Freund und kreativer Rückhalt. Hier wurde die Aufführung von einem Bühnenensemble geschaffen, an dem der Komponist, das vom Dirigenten geleitete Orchester, der Regisseur und Bühnenbildner beteiligt waren – diese waren Komplizen bei der Schaffung eines Ganzen, was im Kaiserreich nicht der Fall war Theater, in denen jeder getrennt arbeitete. So arbeiteten herausragende Künstler an der Mamontov Private Opera („Die Meerjungfrau“ von Dargomyzhsky, 1896, „Orpheus“ von Gluck, 1897, „Faust“ von Gounod, 1897, „Boris Godunov“ von Mussorgsky, 1898, „Die Jungfrau von Orleans“. ” von Tschaikowsky, 1899 usw.), V. Vasnetsov („Das Schneewittchen“ von Rimsky-Korsakow, 1885, „Die Zauberin“ von Tschaikowsky, 1900), („Ivan Susanin“ von Glinka, 1896, „Khovanshchina“ von Mussorgsky, 1897), („Tannhäuser“ von Wagner, „Alesya“ von Ippolitov Ivanova, „Der Gefangene des Kaukasus“ von Cui, „Die Pique Dame“ von Tschaikowsky, „Rogneda“ von A. Serov, „Das Schneewittchen “, „Sadko“, „Das Märchen vom Zaren Saltan“, „Mozart und Salieri“, „Die Zarenbraut“ von Rimsky-Korsakow), V. Serov („Judith“ und „Rogneda“), K. Korovin („Pskow „Frau“, „Faust“, „Prinz Igor“, „Sadko“).

8. Der Aufstieg der Theater.

Dies ist die „theatralischste“ Ära in der Geschichte der russischen Literatur. Das Theater spielte dabei vielleicht die führende Rolle und weitete seinen Einfluss auf andere Kunstformen aus.

Das Theater war in diesen Jahren eine öffentliche Plattform, auf der die drängendsten Fragen unserer Zeit zur Sprache kamen, und gleichzeitig ein kreatives Labor, das die Tür für Experimente und kreative Suche weit öffnete. Bedeutende Künstler wandten sich dem Theater zu und strebten nach einer Synthese verschiedener Arten von Kreativität.

Für das russische Theater ist dies eine Ära der Höhen und Tiefen, innovativer kreativer Suchen und Experimente. In diesem Sinne blieb das Theater nicht hinter Literatur und Kunst zurück.

3. Großes enzyklopädisches Wörterbuch, M., 1994

4. Drei Jahrhunderte russische Poesie, M., 1968

5. „Anfang des Jahrhunderts“, M., 1990

6. „Selbsterkenntnis“, M., 1990.

7. „Zehn poetische Bücher“, M., 1980

* Eschatologie ist eine religiöse Lehre über die endgültigen Schicksale der Welt und des Menschen.

* Esoterisch – geheim, verborgen, ausschließlich für Eingeweihte bestimmt.

* Ekstatisch – enthusiastisch, rasend, in einem Zustand der Ekstase.

* Anthroposophie ist eine hypersensible Welterkenntnis durch Selbsterkenntnis des Menschen als kosmisches Wesen.