Художники раннього відродження Італії. Мистецтво Раннього Відродження

Величезна роль, яку в архітектурі Раннього Відродження зіграв Брунеллески, а в скульптурі - Донателло, у живописі належала Мазаччо (1401-1428). Відомий історик мистецтва Віппер сказав: «Мазаччо – один із найнезалежніших і послідовних геніїв в історії європейського живопису, засновник нового реалізму…» Продовжуючи шукання Джотто, Мазаччо сміливо пориває із середньовічними мистецькими традиціями. У фресці «Трійця» (1426-27), створеної для церкви Санта-Марія Новела у Флоренції, вперше у настінному живописі Мазаччо застосовує повну перспективу. У розписах капели Бранкаччі церкви Санта-Марія дель Карміне у Флоренції (1425-28) – головному творі свого недовгого життя – Мазаччо надає зображенням небаченої раніше життєвої переконливості, підкреслює тілесність та монументальність своїх персонажів, майстерно передає емоційний стан. У фресці «Вигнання з раю» художник вирішує найскладніше завдання завдання зображення оголеної людської фігури. Суворе і мужнє мистецтво Мазаччо справило величезний вплив на художню культуруВідродження, зокрема, на творчість П'єро делла Франческа та Мікеланджело.

Розвиток живопису Раннього Відродження відбувався неоднозначно: художники йшли власними, часом різними шляхами. Світське початок, прагнення захоплюючому розповіді, ліричне земне почуття знайшли яскраве вираження у творах Фра Філіппо Ліппі (1406-69), ченця ордену кармелітів. Чарівний майстер, автор багатьох вівтарних композицій, серед яких найкращою вважається картина «Поклоніння Немовляті», створена для капели в палаццо Медічі - Рікарді, Філіппо Ліппі зумів передати в них людську теплоту та поетичну любов до природи.

У XV в. живопис Центральної Італії пережив бурхливий розквіт, яскравим прикладом якого може бути творчість П'єро делла Франческа (1420-92), найбільшого художниката теоретика мистецтва епохи Відродження Самий чудовий витвір П'єро делла Франческа - цикл фресок у церкві Сан-Франческо в Ареццо, в основу яких покладено легенду про Животворяще дерево хреста. Розташовані в три яруси фрески простежують історію життєдайного хреста від самого початку, коли з насіння райського дерева пізнання добра і зла на могилі Адама росте священне дерево і до кінця, коли візантійський імператор Іраклій урочисто повертає християнську реліквію до Єрусалиму. Творчість П'єро делла Франческа вийшла за межі місцевих мальовничих шкіл та визначила розвиток італійського мистецтвав цілому.

У другій половині XV століття у Північній Італії у містах Вероні, Феррарі, Венеції працювало багато талановитих майстрів. Серед живописців цього часу найбільш відомий Андреа Мантенья (1431-1506) – майстер станкової та монументального живопису, рисувальник і гравер, скульптор і архітектор. Мальовнича манера художника відрізняється карбуванням форм і малюнка, строгістю та правдивістю узагальнених образів. Завдяки просторовій глибині та скульптурності фігур Мантенья досягає враження застиглої на мить реальної сцени – настільки об'ємно та природно виглядають його персонажі. Більшу частину життя Мантенья прожив у Мантуї, де створив найвідоміший свій твір – розпис «Камери дельї Спозі» у заміському замку маркіза Гонзага. Одними лише засобами живопису він створив тут розкішний ренесансний інтер'єр, місце для урочистих прийомів та свят. Мистецтво Мантеньї, що користувалося величезною популярністю, вплинуло на весь північно-італійський живопис.

Особливе місце у живопису Раннього Відродження належить Сандро Боттічеллі (1445-1510), сучаснику Леонардо да Вінчі та молодого Мікеланджело. Вишукане мистецтво Боттічеллі з елементами стилізації (тобто узагальнення зображень за допомогою умовних прийомів – спрощення кольору, форми та об'єму) користувалося великим успіхом у колі освічених флорентійців. У основі мистецтва Боттічеллі на відміну більшості майстрів Раннього Відродження лежало особисте переживання. Серед багатьох картин, створених Боттічеллі, є кілька прекрасних творів світового живопису («Народження Венери», «Весна»). Винятково чуйний і щирий, Боттічеллі пройшов складний і трагічний шлях творчих пошуків - від поетичного сприйняття світу в юності до містицизму та релігійної екзальтації у зрілому віці.

Леонардо Да Вінчі

По суті, засновником мистецтва Високого Ренесансу виступив один майстер, Леонардо да Вінчі, і глибоко симптоматично, що він, як ніхто інший, опинився у всеозброєнні вищих досягненьматеріальної та духовної культури свого часу у всіх її областях. Внесок Леонардо в мистецтво Високого Відродження можна зіставити за участю Джотто та Мазаччо, зачинателів попередніх етапів ренесансного мистецтва, З тією відмінністю, що відповідно до умов нової епохи і більшого розмаху обдарування Леонардо значення його мистецтва стало незрівнянно ширшим.

Леонардо був живописцем, скульптором, зодчим, співаком і музикантом, поетом-імпровізатором, теоретиком мистецтва, театральним постановником і байкарем, філософом і математиком, інженером, механіком-винахідником, фізиком і астрономом, анатомом і оптиком, геологом, це не вичерпує його занять.

Мистецтво для Леонардо було засобом пізнання світу, пізнання людини. Він вважав природу наставницею і у творчості виходив їх конкретної дійсності, відштовхувався від неї. Він постійно експериментував з фарбами, прагнучи розкрити можливості в передачі світла і тіні, мальовничих нюансів, майже непомітних переходів тону в тон. Величезне значення для всієї його творчості і всієї подальшої живопису мало зроблене їм відкриття нестійкості, витонченості, плинності видимого світу та способу передачі їх у картині.

Цей переворот, де до нього панувала непорушна і самодостатня лінія, він назвав "зникненням обрисів". Переходячи від теоретичних роздумів до практики, Леонардо починає застосовувати своє знамените "сфумато" - "димчасту світлотінь", оптичне враження в дусі імпресіонізму. У його полотнах це ніжне напівсвітло з м'якою гамою тонів молочно-сріблястих, блакитних, іноді з зеленими переливами, в яких лінія стає ніби повітряною.

Мистецтво та наука для Леонардо існували нероздільно. Масштаб пропорцій людської фігури він пов'язав з квадратом, довжина якого визначена довжиною людського тіла і включає систему поділів, що дозволяє встановити розміри за допомогою циркуля від 1/2 до 1/96 фігури. Він висловив це у вигляді "квадратури кола" та "вітрувіанської людини". Він увів термін " Золотий перетиндля гармонійного поділу відрізка, відомого ще в античності і впізнаного в середньовічної Європиз арабського перекладу "Початок" Евкліда.

Найбільш відомі картиниЛеонардо, які вплинули розвиток всього європейського мистецтва: " Мадонна в гроті " - перший монументальний вівтарний образ Високого Відродження; " таємна вечеря", портрет Мони Лізи - "Джоконда".

Характерні риси мистецтво епохи Відродження

Перспектива.Щоб додати тривимірну глибину та простір у свої роботи, художники епохи Відродження запозичили та значно розширили поняття лінійної перспективи, лінії горизонту та точки сходу.

§ Лінійна перспектива. Картина з лінійною перспективою - це ніби дивишся у вікно і малюєш саме те, що бачиш на шибці. Об'єкти на картині стали мати властиві їм розміри, залежно від віддаленості. Ті, що були далі від глядача, зменшувалися, і навпаки.

§ Лінія горизонту. Це лінія на відстані, при якій об'єкти зменшуються до точки завтовшки з цієї лінії.

§ Точка сходу. Це точка, в якій паралельні лінії сходяться далеко на відстані, часто на лінії горизонту. Цей ефект можна спостерігати, якщо стояти на залізничних коліях та дивитися на рейки, що йдуть у такль.

Тіні та світло.Художники з цікавістю обігравали те, як світло падає на об'єкти та створює тіні. Тіні та світло можна було використовувати для привернення уваги до певної точки на картині.

емоції.Художники епохи Відродження хотіли, щоб глядач, дивлячись на роботу, щось відчув, відчув емоційне переживання. Це була форма візуальної риторики, де глядач відчував натхнення, щоб стати в чомусь краще.

Реалізм та натуралізм.На додаток до перспективи художники прагнули, щоб об'єкти, особливо люди, виглядали більш реалістично. Вони вивчали анатомію людини, вимірювали пропорції та шукали ідеальну людську форму. Люди виглядали реально і виявляли справжні емоції, дозволяючи глядачеві робити висновки, що зображені люди думають і відчувають.

Епоху «Відродження» ділять на 4 етапи:

Проторенесанс (2-я половина XIII століття - XIV століття)

Раннє Відродження (початок XV – кінець XV століття)

Високе Відродження (кінець XV – перші 20 років XVI століття)

Пізніше Відродження (середина XVI – 1590-і роки)

Проторенесанс

Проторенесанс тісно пов'язаний із середньовіччям, що воно і виникло в Пізньому середньовіччі, з візантійськими, романськими і готичними традиціями, цей період став предтечею Відродження. Він ділиться на два підперіоди: до смерті Джотто ді Бондоне і після (1337). Італійський художник та архітектор, основоположник епохи Проторенесансу. Одна з ключових постатей в історії західного мистецтва. Подолавши візантійську іконописну традицію, став справжнім фундатором італійської школи живопису, розробив абсолютно новий підхід до зображення простору. Роботами Джотто надихалися Леонардо да Вінчі, Рафаель, Мікеланджело. Центральною фігуроюживопис став Джотто. Художники Відродження вважали його реформатором живопису. Джотто намітив шлях, яким пішов її розвиток: наповнення релігійних форм світським змістом, поступовий перехідвід площинних зображень до об'ємних та рельєфних, наростання реалістичності, ввів у живописі пластичний обсяг фігур, зобразив у живописі інтер'єр.

Наприкінці XIII століття у Флоренції зводиться головна храмова споруда - собор Санта Марія дель Фіоре, автором був Арнольфо ді Камбіо, потім роботу продовжив Джотто.

Найважливіші відкриття, найяскравіші майстри живуть та працюють у перший період. Другий відрізок пов'язаний з епідемією чуми, що обрушилася на Італію.

Раніше мистецтво проторенесансу проявилося в скульптурі (Нікколо і Джованні Пізано, Арнольфо ді Камбіо, Андреа Пізано). Живопис представлений двома художніми школами: Флоренції та Сієни.

Раннє Відродження

Період так званого «Раннього Відродження» охоплює в Італії час із 1420 по 1500 року. Протягом цих вісімдесяти років мистецтво ще цілком відмовляється від переказів недавнього минулого (Середніх віків), але намагається домішувати до них елементи, запозичені з класичної давнини. Лише згодом під впливом все сильніше і сильніше умов життя і культури, що змінюються, художники зовсім кидають середньовічні основи і сміливо користуються зразками античного мистецтва, як у загальній концепції своїх творів, так і в їх деталях.

Тоді як мистецтво в Італії вже рішуче йшло шляхом наслідування класичної давнини, в інших країнах воно довго трималося традицій готичного стилю. На північ від Альп, соціальній та Іспанії, Відродження настає лише наприкінці XV століття, та її ранній період триває приблизно середини наступного століття.

Художники Раннього Відродження

Одним із перших і найгеніальніших представників цього періоду по праву вважається Мазаччо (Мазаччо Томмазо Ді Джованні Ді Сімоне Кассаї) знаменитий італійський живописець, найбільший майстер флорентійської школи, реформатор живопису епохи Кватроченто.

Своєю творчістю він сприяв переходу від готики до нового мистецтва, що прославляв велич людини та її світу. Внесок Мазаччо в мистецтво було знову в 1988, коли його головне творіння - фрески капели Бранкаччі у церкві Санта Марія дель Карміне у Флоренції- були відновлені у первісному вигляді.

- Воскресіння сина Теофіла, Мазаччо та Філіппіно Ліппі

- Поклоніння волхвів

- Диво зі статиром

Іншими важливими представниками цього періоду стали Сандро Боттічеллі. великий італійський художник епохи Відродження, представник флорентійської школи живопису.

- Народження Венери

- Венера та Марс

- Весна

- Поклоніння Волхвів

Високе Відродження

Третій період Відродження – час найпишнішого розвитку його стилю – прийнято називати «Високим Відродженням». Він простягається в Італії приблизно з 1500 до 1527 року. У цей час центр впливу італійського мистецтва з Флоренції переміщається до Риму, завдяки вступу на папський престол Юлія II - людини честолюбної, сміливої, підприємливої, яка привернула до свого двору найкращих художниківІталії, який займав їх численними і важливими роботами і давав собою іншим приклад любові до мистецтва. При цьому Папі і за його найближчих наступників Рим стає хіба що новими Афінамичасів Перікла: у ньому будується безліч монументальних будівель, створюються чудові скульптурні твори, пишуться фрески і картини, які досі вважаються перлинами живопису; при цьому всі три галузі мистецтва струнко йдуть пліч-о-пліч, допомагаючи одне одному і взаємно діючи один на одного. Античність вивчається тепер більш ґрунтовно, відтворюється з більшою строгістю та послідовністю; спокій та гідність замінюють собою грайливу красу, яка становила прагнення попереднього періоду; Пригадування середньовічного зовсім зникають, і класичний відбиток лягає на все створення мистецтва. Але наслідування стародавнім не заглушає у художниках їх самостійності, і вони з великою винахідливістю і жвавістю фантазії вільно переробляють і застосовують до справи те, що вважають за доречне запозичувати для себе з античного греко-римського мистецтва.

Творчість трьох великих італійських майстрівзнаменує собою вершину Ренесансу, це - Леонардо да Вінчі (1452-1519) Леонардо ді сір П'єро да Вінчівеликий італійський художник епохи Відродження, представник флорентійської школи живопису. італійський художник (живописець, скульптор, архітектор) та вчений (анатом, дослідник природи), винахідник, письменник, музикант, один з найбільших представників мистецтва Високого Відродження, яскравий приклад «універсальної людини»

Таємна вечеря,

Мона Лізу,

-Вітрувіанська людина ,

- Мадонна Літта

- Мадонна у скелях

-Мадонна з веретеном

Мікеланджело Буонарроті (1475-1564) Мікеландже ді Лодовіко ді Леонардо ді Буонарроті Сімоні.італійський скульптор, художник, архітектор [⇨], поет [⇨], мислитель [⇨]. . Один з найбільших майстрів епохи Відродження [⇨] та раннього бароко. Його твори вважалися найвищими досягненнями мистецтва Відродження ще за життя самого майстра. Мікеланджело прожив майже 89 років, цілу епоху від періоду Високого Відродження до витоків Контрреформації. За цей період змінилося тринадцять Пап Римських - він виконував замовлення дев'яти з них.

Створення Адама

Страшний суд

та Рафаель Санті (1483-1520). великий італійський живописець, графік та архітектор, представник умбрійської школи.

- Афінська школа

-Сикстинська мадонна

- Перетворення

- Прекрасна садівниця

Пізніше Відродження

Пізніше Відродження Італії охоплює період із 1530-х по 1590-1620-е роки. У Південній Європі перемогла Контрреформація ( Контрреформація(Лат. Contrareformatio; від contra- проти та reformatio- перетворення, реформація) - католицький церковно-політичний рух у Європі середини XVI-XVII ст., спрямований проти Реформації і що мав на меті відновити позиції і престиж Римсько-католицької церкви.), яка з побоюванням дивилася на всяке вільнодумство, включаючи оспівування людського тіла і воскресіння ідеалів античності як наріжні камені ренесансної ідеології. Світоглядні протиріччя та загальне відчуттякризи вилилися у Флоренції в «нервове» мистецтво надуманих кольорів та зламаних ліній – маньєризм. У Парму, де працював Корреджо, маньєризм дістався лише після смерті художника у 1534 році. Мистецькі традиції Венеції мали власну логіку розвитку; до кінця 1570-х років там працювали Палладіо (справжнє ім'я Андреа ді П'єтро).великий італійський архітектор пізнього Відродження та маньєризму. Маньєризм(від італійської maniera, манера) - західноєвропейськийлітературно-художній стиль XVI - першої третини XVII століття. Характеризується втратою ренесансної гармонії між тілесною і духовною, природою і людиною.) Основоположник паладіанства ( Паладіанізмабо Паладієва архітектура- Рання форма класицизму, що виросла з ідей італійського архітектора Андреа Палладіо (1508-1580). В основі стилю лежать суворе дотримання симетрії, врахування перспективи та запозичення принципів класичної храмової архітектури Стародавньої Греції та Риму.) та класицизму. Ймовірно, найвпливовіший архітектор в історії.

Перші самостійні роботиАндреа Палладіо, як талановитого проектувальника та обдарованого архітектора, - це Базиліка у Віченці, в якій проявився його самобутній неповторний талант.

Серед заміських будинків найвидатніший витвір майстра – вілла Ротонда. Андреа Палладіо побудував її у Віченці для ватиканського чиновника, який вийшов у відставку. Вона примітна тим, що перша світсько-побутова споруда епохи Відродження, зведена у формі античного храму.

Інший приклад – палаццо К'єрікаті, незвичність якого проявляється в тому, що перший поверх будівлі був майже весь відданий на громадське використання, що узгоджувалося з вимогами міської влади тих часів.

Серед знаменитих містобудівних споруд Палладіо обов'язково слід згадати про театр Олімпіко, спроектований у стилі амфітеатру.

Тиціан ( Тіціан Вечеліо) італійський живописець, найбільший представник венеціанської школиепохи Високого та Пізнього Відродження. Ім'я Тіціана стоїть в одному ряду з такими художниками Відродження, як Мікеланджело, Леонардо да Вінчі та Рафаель. Тіціан писав картини на біблійні та міфологічні сюжети, прославився він і як портретист. Йому робили замовлення королі та римські папи, кардинали, герцоги та князі. Тиціану не було і тридцяти років, коли його визнали найкращим живописцем Венеції.

За місцем народження (П'єве-ді-Кадоре в провінції Беллуно, Венеціанська республіка) його іноді називають так Кадорі; відомий також як Тиціан Божественний.

- Вознесіння Діви Марії

- Вакх та Аріадна

- Діана та Актеон

- Венера Урбіно

- Викрадення Європи

чия творчість мала мало спільного з кризовими явищами у мистецтві Флоренції та Риму.

Мистецтво Раннього італійського Відродження було представлено новим живописом, скульптурою та архітектурою. Першими найбільшими майстрами живопису були Джотто (1266-1337) і Мазаччо (1401-1428) - флорентійські художники. Вони писали на церковно-релігійні сюжети (фресковий живопис-розпис стін усередині храмів), але надавали своїм зображенням реалістичні риси. Джотто був першим художником, який звільнив італійський живопис від впливу візантійського іконопису.

Великим скульптором цього періоду був Донателло (1386-1466). Найбільшим архітектором Раннього Відродження був Брунеллескі (1377-1445). Відродження відбувалося неоднозначно: художники йшли власними, часом різними шляхами. Світське початок, прагнення захоплюючому розповіді, ліричне земне почуття знайшли яскраве вираження у творах Фра Філіппо Ліппі (1406-1469), ченця ордену кармелітів. Чарівний майстер, автор багатьох вівтарних композицій, серед яких найкращою вважається картина «Поклоніння Немовляті», створена для капели в палаццо Медічі. Наприкінці XV в. принципи, форми, образи нового мистецтва стали надбанням усієї Італії. Склалися основи нової системи жанрів, був накопичений найбагатший досвід художнього пізнання людини і навколишнього світу. Почалося поширення впливу нового італійського мистецтва інших країнах Європи. Етап Раннього Відродження завершився, підготувавши сильний підйом всіх видів мистецтва під час Високого Відродження.

КВИТОК №13

Третій період Відродження – час найпишнішого розвитку його стилю – прийнято називати «Високим Відродженням». Він простягається в Італії приблизно з 1500 до 1527 року. У цей час центр впливу італійського мистецтва з Флоренції переміщається до Риму, завдяки вступу на папський престол Юлія II - людини честолюбної, сміливої ​​і підприємливої, яка привернула до свого двору кращих художників Італії, що займала їх численними і важливими роботами і давала собою іншим приклад любові до гіршого. . При цьому Папі і за його найближчих наступників Рим стає хіба що новими Афінамичасів Перікла: у ньому будується безліч монументальних будівель, створюються чудові скульптурні твори, пишуться фрески і картини, які досі вважаються перлинами живопису; при цьому всі три галузі мистецтва струнко йдуть пліч-о-пліч, допомагаючи одне одному і взаємно діючи один на одного. Античність вивчається тепер більш ґрунтовно, відтворюється з більшою строгістю та послідовністю; спокій та гідність замінюють собою грайливу красу, яка становила прагнення попереднього періоду; Пригадування середньовічного зовсім зникають, і класичний відбиток лягає на все створення мистецтва. Але наслідування стародавнім не заглушає в художниках їх самостійності, і вони, з великою винахідливістю і жвавістю фантазії, вільно переробляють і застосовують до справи те, що вважають за доречне запозичувати для себе з античного греко-римського мистецтва.

Творчість трьох великих італійських майстрів знаменує собою вершину Ренесансу, це – Леонардо да Вінчі (1452 – 1519), Мікеланджело Буонаротті (1475 – 1564) та Рафаель Санті (1483 – 1520).

Титани ренесансу

Титани італійського Відродження - це три вершини мистецтва: Леонардо да Вінчі, Рафаель та Мікеланджело. Чому ми називаємо їх «титанами»? В античній міфології титанами називали тих, хто насмілився кинути виклик богам, бажаючи зрівнятися з богами у могутності. Але олімпійські богижорстоко покарали гордеців і скинули їх у тартар. Одним із титанів був Прометей, який теж кинув виклик богам, щоб допомогти роду людському. Він подарував людям вогонь, але сам став жертвою помсти богів: був прикутий до скелі, і шуліка клювала його печінку.
Титани Відродження, як і античні напівбоги, кидали виклик Небу. На відміну від середньовічного уявленняпро нікчемність людини, її слабкість і гріховність перед всесильним Богом, вони стверджували велич людини, безмежність її можливостей і багатство обдарувань, причому не на. словах, а на ділі своїм власним прикладом. Важко навіть уявити, скільки талантів містилося в одній людині!
У Леонардо да Вінчі поєднувалися таланти вченого (математика, механіка, оптика, фізика, біолога, анатома тощо), художника (рисувальника, живописця, скульптора та архітектора), філософа та письменника. Мікеланджело був одночасно скульптором, живописцем, архітектором та поетом. Рафаель, можливо, не був такий багатогранний, але його художній дар був настільки досконалим, що вже за життя його називали Санті, тобто «божественний».
Погляньте на пізній автопортрет Леонардо. Ми бачимо людину, яка дуже багато випробувала в житті. Волосся і борода струменіють по обличчю, надаючи йому вигляду мудрого волхва, що відкрив недоступні простому смертному таємниці. Проникливий погляд, куточки губ опущені, що висловлює розчарування. Приходять на згадку рядки царя Соломона з книги «Екклезіаст» у Старому Завіті: «Пізнання множить скорботу». Леонардо да Вінчі – це образ художника-мудреця. Його вченість прагне проникнути до всіх куточків світу. Навіть красу він хоче пізнати та виміряти за допомогою циркуля та лінійки. І це йому вдається. Пізнання потаємних таємниць природи – ось у чому душа Леонардо.
Рафаель – світлий геній, ангел Відродження. Йому все було легко. Він не страждає, його розум не кидається у пошуках істини. Істина сама йому відкривається - у красі, і він її втілює настільки досконало, що нікому не вдалося з того часу його перевершити. Рано пішов із життя цей світлий геній Відродження. У 38 років майже як Пушкін. Його смерть була оплакана всім Римом. Вазарі казав, що такі люди, як Рафаель, багато обдаровані красою та талантом, м'яким характером, скромністю та грацією, – не люди, а смертні боги. Мікеланджело – ось справжній титан. Завжди у боротьбі із собою, миром та Богом. Колосальний порив, віра в людину. Сам він казав: «Ще не народилася на світі людина, яка, як я, була б така схильна любити людей». Мікеланджело пережив злет ренесансних ідеалів та їх трагічну аварію.
Поява таких чудових особистостей у культурі, як Леонардо да Вінчі, Рафаель та Мікеланджело, була не випадковою. Воно свідчило про глибокі зміни щодо і до мистецтва в пелом, і до художника зокрема.
У середні віки особистість художника була не важлива. Створюючи витвір мистецтва, майстер вважав себе лише інструментом у Божих руках. Твори не підписувалися, оскільки вважалося, що їх справжнім автором є Бог.
Творця творів мистецтва не називали художником у тому високому значенні, який ми сьогодні вкладаємо у це слово. Іконописці, будівельники соборів тощо. вважалися просто ремісниками. Ці погляди зберігалися довго.
Коли Мікеланджело вирішив стати скульптором, батько забороняв йому це, вважаючи таку професію недостойною славетного роду Буонар-роті; він просто не бачив різниці між скульптором та каменотесом.

КВИТОК №15

ВІДРОДЖЕННЯ ПІВНІЧНЕПівнічне Відродження - термін, що використовується для опису епохи Відродження в північній Європі, або більше узагальнюючому - у всій Європі поза Італії, на північ від Альп.

Прийняте в сучасній мистецтвознавчій науці позначення періоду в культурному та ідейний розвитоккраїн, що на північ від Італії (головним чином Нідерландів, Німеччини та Франції 1-ї третини 15-16 ст.; для окремих країн існує власна періодизація), перехідного від середньовічної культури до культури нового часу. На відміну від італійського Відродження ( див.ВІДРОДЖЕННЯ (Ренесанс)), для Північного Відродження характерні велика стійкість середньовічних традицій, інтерес до індивідуальної неповторності людини та її оточення (в т. ч. до інтер'єру, натюрморту, пейзажу). Найбільші представники Північного Відродження: Ван Ейк ( див.ВАН ЕЙК), Х. Босх ( див.БОСХ Ієронім), П. Брейгель Старший ( див.Брейгель Пітер Старший) - у Нідерландах; А. Дюрер ( див.ДЮРЕР Альбрехт), М. Нітхард ( див.НІТХАРДТ Матіс), Л. Кранах Старший ( див.КРАНАХ Лукас Старший), Х. Хольбейн Молодший ( див.ХОЛЬБЕЙН (Ханс Молодший) - у Німеччині; Ж. Фуке( див.ФУКЕ Жан), Ф. Клуе ( див.КЛУЕ), Ж. Гужон ( див.ГУЖОН Жан) – у Франції.

Архітектура 17 вЛоренцо Берніні (1598-1680) – став провідником офіційної лінії римських пап у мистецтві періоду бароко, позиціонував себе як універсального майстра, здатного однаково плідно займатися живописом, архітектурою та скульптурою. Але він виявився слабким художником, а в архітектурі залишився обдарованим любителем, здатним розробити ідею, програму твору, кидаючи всі клопоти з розрахунків, інженерного забезпечення та реального втілення на численну армію скульпторів та архітекторів-помічників власної римської майстерні. Собі він залишав величезні гонорари та славу.

· Франческо Борроміні (1599-1667) - займався лише архітектурою. Він – віртуозний архітектор-практик та майстер креслень, якими він плідно займався ще у Мілані. Креслення Борроміні не мали собі рівних за професійною досконалістю Італії 17 століття. Витіснений на узбіччя архітектурної практики у Римі, він стає архітектором чернечих орденів. Тому його творчість – невиправдано скромна. Але значна художня цінність та популярність творів Бороміні перетне кордони Італії та знайде справжніх продовжувачів та нащадків у творчих особистостях, серед яких Ніколо Мікетті (Костянтинівський палац, Стрільна, Російська імперія) або Ян Блажій Сантіні Айхл (Чехія).

·

План церкви Сант-Іво алла Сапієнца

·

Двір Сант-Іво алла Сапієнца

Сант-Іво, старовинна гравюра 1695

Композиція палацу та церкви Сант-Іво.

Італійський сад бароко

Вілла Альдобрандіні.

Барочний сад італійського типу – логічне продовження саду епохи Відродження. Сади Відродження були ще невеликі за розмірами, позбавлені пишноти. Використовували фонтан зі скульптурою, лави, горщики із лимонними деревами. Над усім домінував палац чи вілла. Тераси ще не підпорядковані єдиному художньому задуму, один одному та палацу. Тіснота забудови у міських фортечних стінах не дозволяла створювати сади у містах, і вони виникають на околицях (сади Боболі у Флоренції) чи сільській місцевості.

Мистецтво Італії в 18 в

[ред.] Пізніше бароко

Бароко, що народилося і визріло в Італії, затрималося в національному мистецтві довше, ніж в інших європейських країнах. Поступово в ньому йде накопичення кризових рис і втоми. Вже у творах Карло Маратта (1625-1713) бароковий живопис втрачає гідність, правдивість, які витісняють бравурність та нещира патетика. Дослідник Дж. Арган із гіркотою зауважив: «Його живопис на службі у володарів символізує банальні речі, прикриваючись авторитетом Рафаеля та Тіціана». Але барочний живопис Італії ще не втрачав здатності оновлюватися і розповідати про природу, історію та світ людських почуттів як у творах провінційних майстрів (Креспі, Вітторі Гісланді), так і в декоративному живописі (Джованні Баттіста Тьєполо). Барокко, що затихає, надовго утримає свої позиції і в театрально-декораційному мистецтві Італії та багатьох європейських країн (Андреа Поццо, Фердинандо Бібієна, Джузеппе Валеріані).

Але центр художніх пошуків у Європі остаточно йде у Францію.

·

Креспі. Сівіла Кумська, Еней та перевізник Харон, 1705 р.

Джакомо Черуті. "Троє жебраків", 1736 р.

Лоренцо Тьєполо. Портрет Цецилії Гварді

·

Вітторі Гісланді. Юний художник , 1732 р.

КВИТОК №17

Караваджо та караваджизм

Караваджо (Caravaggio; власне Мерізі і Караваджо, Merisi da Caravaggio) Мікеланджело (28.9.1573, Караваджо, Ломбардія, - 18.7.1610, Порто-Ерколе, Тоскана), італійський художник. Основоположник реалістичного спрямування європейського живопису 17 в.

Навчався у Мілані (1584-88) у С. Петерцано. Між 1589 і 1593 рр. приїхав до Риму, де працював до 1606 р., потім - у Неаполі (1607 і 1609-10), на острові Мальта і в Сицилії (1608-09). Творчість До., яка не належала до будь-якої певної художньої школи, виникла як опозиція панівним напрямкам в італійському мистецтві кінця 16 - початку 17 ст. (Маньєризму та академізму).

Ранні твори(між 1592 і 1598), з їх дзвінким колоритом і прозорою світлотінню, виявляють зв'язок з традиціями північноіталійського живопису 16 ст. (Дж. Савольдо, Л. Лотто, А. Моретто та ін.). Разом з тим, вже в них з'являється ряд істотно нових рис. Принципу ідеалізації образу К. протиставляє індивідуальну промовистість конкретної моделі («Маленький хворий Вакх», Галерея Боргезе, Рим), алегоричному тлумаченню сюжету - неупереджене вивчення натури в простому побутовому мотиві («Юнак з кошиком фруктів», Галерея Борзе). Полемізуючи з художніми концепціями маньєризму та академізму, К. втілює в античному сюжеті святково-ігрове, народний початок(«Вакх», 1592-93, Галерея Уффіци, Флоренція), приходить до заперечення панівної системи жанрів і робить внесок у створення нових видів живопису - натюрморту («Кошик з фруктами», близько 1596, Пінакотека Амброзіана, Мілан) та побутового жанру («Ворожниця», Лувр, Париж). Релігійна картина отримує у нього нову, інтимно-психологічну інтерпретацію («Відпочинок на шляху до Єгипту», Галерея Доріа-Памфілі, Рим). До кінця 1590-х років. складається оригінальна мальовнича система К. Яскраво освітлений променем світла передній план картини виділяється на зануреному в густу тінь фоні, чим досягається підкреслена оптична наочність зображення і складається враження його безпосередньої близькості до глядача (Лютніст, Ермітаж, Ленінград). Зрілі твори К. (1599-1606) - це монументальні за композиційним рішенням полотна, що мають виняткову драматичну силу. Потужні контрасти світла і тіні, виразна простота жестів, енергійна пластична ліплення і звучний, насичений колорит відображають емоційну напругу, що виникає при несподіваному прояві ідеально-піднесеного в повсякденному житті людей або в моменти духовного протистояння людини ворожому йому оточенню і Мука апостола Матвія», 1599-1600, церква Сан-Луїджі деї Франчезі, «Розп'яття апостола Петра» і «Звернення Савла», 1600-01, церква Санта-Марія дель Пополо, «Мадонна ді Лорето», близько 16 Сант-Агостіно, - все в Римі; Підкреслена простонародність типажу, рішучість утвердження демократичних мистецьких ідеалів у картинах К. викликали різку опозицію прихильників офіційного мистецтва. Ряд творів художника було відкинуто замовниками. У пізніх роботахДо., створених у роки поневірянь на півдні Італії (1606-10), подальший розвиток реалістичних тенденцій, розширення сфери охоплення життєвих явищ («Сім діянь милосердя», 1607, церква Піо Монте делла Мізерикордія, Неаполь) супроводжуються поглибленням. Поряд із нотами скорботної відчуженості в них проявляється дух піднесеного стоїцизму («Смертність Іоанна Хрестителя», 1609, собор Сан-Джованні, Ла-Валлетта; «Поховання св. Лучії», 1608, церква Санта-Лучия, Сіракуза). звертається до теми самотності людей у ​​величезному світі, його приваблює образ тісно спаяного людського колективу, об'єднаного атмосферою спорідненої близькості та душевного тепла. Світло в пізніх картинах До. стає м'яким і вібруючим, кольорова гама тяжіє до тональної єдності («Поклоніння пастухів», 1609, Національний музей, Мессіна). Манера виконання набуває рис вільної імпровізаційності. Новаторське мистецтво К. знайшло послідовників в Італії та ін. країнах Європи, вплинувши на складання реалістичної течії в багатьох європейських художніх школах(Караваджизм).

Караваджизм:

1) система художніх засобів, характерна для початкового етапу становлення реалізму у європейському живописі 17 в. і що отримала найбільш яскраве втілення у творчості італійського живописця Караваджо. властиві демократизм
художнього ідеалу, інтерес до безпосереднього відтворення натури, підвищене почуття реальної предметності зображення, активна роль контрастів світла та тіні у мальовничому рішенні картини, прагнення монументалізації жанрових мотивів. Звернення до прийомів До. було важливим ступенем у творчому розвитку багатьох провідних майстрів 17 ст. (П. П. Рубене, Рембрандт), хоча у ряді випадків воно і не було результатом прямого впливумистецтва Караваджо та його послідовників (Ф. Рібальта, Д. Всласкес, Жорж де Латур).

2) Напрямок у європейському живописі 17 ст, представлений послідовниками Караваджо. В Італії, де тенденції До. зберігали своє значення до кінця 17 ст, вони проникли у всі значні художні центри і особливо сильно позначилися в живописі Риму, Генуї та Неаполя. Найбільш оригінальне та самостійне заломлення спадщина Караваджо отримала у творчості О. Борджанні, О. Джептілескі, К. Сарачені, Дж. Б. Караччоло. У ряду майстрів До. висловився в поверхневому запозиченні формальних прийомів та сюжетних мотивів мистецтва Караваджо (роботи Л. Спади, Б. Манфреді та ін.). Серед зарубіжних представників К. найбільш значні: у Голландії – Х. Тербрюгген, Г. Хонтхорст, Д. ван Бабюрен, у Фландрії – Т. Ромбаутс, А. Янсенс, у Франції – Ж. Валантен, С. Вуз, в Іспанії – Х. .Рібера, в Німеччині - А. Ельсхеймер.

КВИТОК № 18

Мистецтво Франції. Архітектура. Архітектура XVIII століття мови у Франції зазвичай поділяється на два періоди, яким відповідають два архітектурних стилю: у першій половині XVIII в. панівне становище займає рококо, на другий - неокласицизм. Ці стилі у всьому протилежні один одному, тому перехід від рококо до неокласицизму часто називають бунтом.

Стиль рококо відійшов від суворих правил класицизму XVII ст.; його майстрів більше приваблювали чуттєві, вільні форми. Архітектура рококо ще сильніша, ніж бароко, прагнула зробити обриси споруд більш динамічними, а їхнє оздоблення - більш декоративним, проте вона відкинула урочистість бароко та його тісний зв'язок із Католицькою Церквою.

Самого слова «неокласицизм» у XVIII ст. ще не існувало. Критики та художники користувалися іншими визначеннями – «справжній стиль» чи «відродження мистецтв». Інтерес до античності у XVIII столітті набув наукового характеру: археологи розпочали методичні розкопки стародавніх пам'яток, архітектори стали робити точні обміри та креслення фрагментів і руїн, що збереглися. Для неокласицистів архітектура була способом перебудови світу. З'явилися утопічні проекти, у яких втілювалися ідеали епохи Просвітництва; пізніше вони отримали назву «розмовляюча архітектура».

АРХІТЕКТУРА РОКОКО

Рококо виникло в Останніми рокамиправління короля Людовіка XIV (1643-1715 рр.), але на відміну всіх попередніх йому стилів французької архітектури був придворним мистецтвом. Більшість будівель рококо – це приватні будинки французької аристократії: багаті міські особняки (у Франції їх називали «готелями») та заміські палаци.

Як правило, висока огорожа відокремлювала особняк від міста, приховуючи життя власників будинку. Кімнати готелів часто мали криволінійні контури; вони не були анфіладою, як було прийнято в особняках XVII ст., а утворювали дуже витончені асиметричні композиції. У центрі зазвичай містився парадний зал, так званий салон. Кімнати були набагато меншими, ніж зали палаців епохи класицизму, і з нижчими стелями. А вікна в цих особняках робили дуже великими майже від підлоги. Інтер'єри будівель рококо були оформлені скульптурними та різьбленими прикрасами, живописом на фантастичні теми та безліччю дзеркал.

Готель Субіз у Парижі побудований для принца де Субіза у 1705 – 1709 роках. за проектом П'єра Алексіса Деламера (1675–1745). Як і інші особняки, він відгороджений від прилеглих до нього вулиць високою стіною з розкішною в'їзною брамою.

Білет №19

Архітектира та Мистецтво Іспанії 17 століттяАраби принесли в іспанське мистецтво розвинену культуру орнаменту та залишили низку чудових пам'яток архітектури в мавританському стилі, серед них мечеть у Кордові (8 ст.) та палац Альгамбра у Гранаді (13-15 ст.). У 11-12 ст. на території Іспанії розвивається романський стильв архітектурі, чудовою пам'яткою якої є величний собор у місті Сантьяго-де-Компостела. У 13 – першій половині 15 ст. в Іспанії, як і у всій Західної Європи, утворюється готичний стиль. Іспанська готика нерідко запозичує мавританські риси, про що свідчать величні собориу Севільї, Бургосі та Толедо (один з найбільших у Європі). Особливе художнє явище є т.зв. стиль<мудехар>, що склався в результаті злиття в архітектурі елементів готики, а пізніше Ренесансу з маврітансу Араби принесли в іспанське мистецтво розвинену культуру орнаменту і залишили ряд чудових пам'яток архітектури в мавританському стилі, серед них мечеть в Кордові (8 ст.) і палац Альгам -15 ст.). У 11-12 ст. на території Іспанії розвивається романський стиль в архітектурі, чудовою пам'яткою якого є величний собор у місті Сантьяго-де-Компостела. У 13 – першій половині 15 ст. в Іспанії, як і в усій Західній Європі, формується готичний стиль. Іспанська готика нерідко запозичує мавританські риси, про що свідчать величні собори в Севільї, Бургосі та Толедо (один з найбільших у Європі). Особливе художнє явище є т.зв. стиль<мудехар>, що склався в результаті злиття в архітектурі елементів готики, а пізніше Ренесансу з мавританською спадщиною.

<платереск> <эрререско>

<Золотым веком> <эрререско> <чурригуреско>.

<гением модерна>

У 16 ст. під впливом італійського мистецтва в Іспанії складається школа маньєризму: її помітними представниками були скульптор Алонсо Берругете (1490-1561), живописці Луїс де Моралес (бл. 1508-1586) та великий Ель Греко (1541-1614). Основоположниками мистецтва придворного портрета стали знамениті живописці Алонсо Санчес Коельо (бл. 1531-1588) та його учень Хуан Пантоха де ла Крус (1553-1608). У світській архітектурі 16 в. утвердився орнаментальний стиль<платереск>, що змінився наприкінці століття холодним стилем<эрререско>, зразком якого є монастир-палац Ескоріал поблизу Мадрида, збудований у 1563-1584 як резиденція іспанських королів.

<Золотым веком>іспанського живопису називають 17 ст, коли творили великі художники Хусепе Рібера (1588-1652), Бартоломе Естебан Мурільо (1618-1682), Франсіско Сурбаран (1598-1664) та Дьєго де Сільва Веласкес (1599-1). В архітектурі стриманий<эрререско>у другій половині 17 ст. змінюється надмірно декоративним стилем<чурригуреско>.

Період 18-19 ст. в цілому охарактеризується занепадом іспанського мистецтва, замкнутого в наслідувальному класицизмі, а пізніше в поверхневому костумбризмі На цьому тлі особливо яскраво виділяється творчість Франсіско Гойї (1746–1828).

Відродження великої іспанської традиції відбувається у першій половині 20 в. Нові шляхи у світовому мистецтві проклали оригінальний архітектор Антоніо Гауді (1852-1926), якого називали<гением модерна>, засновник і яскравий представник сюрреалізму в живописі Сальвадор Далі (1904-1989), один з основоположників кубізму Хуан Гріс (1887-1921), абстракціоніст Хуан Міро (1893-1983) і Пабло Пікассо (1881-1973) напрямів сучасного мистецтва

У 17 ст. художні традиції нідерландського мистецтва тривали у Фландрії та Голландії. На їх основі склалися споріднені, але самобутні фламандська та голландська школи живопису. Причиною такого поділу стала драматична історіяНідерландів у другій половині XVI ст.

У той час у Нідерландах широко поширився протестантизм - віровчення, що заперечує шанування ікон як ідолопоклонство і від церковного мистецтва. У 1566 р. країною прокотилася хвиля іконоборства. За кілька днів було розгромлено безліч храмів та монастирів, знищено статуї святих, вівтарі, ікони. Король Іспанії Філіп II, під владою якого були тоді Нідерланди, відправив у країну велику армію, щоб відновити панівне становище Католицької Церкви. Іспанці жорстоко пригнічували заворушення, при цьому десятки тисяч нідерландців загинули. У відповідь на насильство спалахнуло збройне повстання.

На півночі країни, де протестанти становили більшість населення, у 1581 р. було проголошено нову державу – Республіку Сполучених провінцій. Провідна роль у ньому належала Голландії, і незабаром так почали називати всю країну.

На півдні Нідерландів перемогу здобули іспанці. У 1585 р. здалася остання оплот повстанців - місто Антверпен.

Філіп II в 1598 передав Південні Нідерланди улюбленої дочки інфанте Ізабелле (1566-1633). Новостворена держава в офіційних документах називали Католицькими Нідерландами, в наукових працях - Бельгією, в просторіччі ж - Фландрією, як і найрозвиненішу з провінцій, що входять до неї. Воно повністю залежало від Іспанії.

У боротьбі за релігійні ідеї поразка зазнала культура: чимало чудових пам'яток мистецтва знищили протестанти, але й у католицьких провінціях надовго довелося забути про споконвічну художню традицію. Католицька Церква з підозрою належала до казкової строкатості старонідерландського мистецтва. Художники, які намагалися по-своєму тлумачити біблійні сюжети, ризикували бути звинуваченими у єресі Церковне мистецтво змінилося. Воно відтепер мало не просто пояснювати парафіянам Писання, а в буквальному розумінні зачаровувати, підкоряти їхню свідомість авторитету Церкви. Цьому служили органна музика, химерна архітектурахрамів, релігійний живопис. Якщо Середні віки храм мислився як школа, то XVII в. він скоріше нагадував театр.

Подібна інформація.

Протягом ста років після смерті Джотто у Флоренції не було жодного так само обдарованого художника, як він. Найкращі з наступних майстрів усвідомлювали свою неповноцінність, але з бачили іншого шляху, крім посиленого копіювання і спотворення Джотто. Джотто випередив свій час, і лише через сто років інший флорентієць - Мазаччо (1401-1428) - підняв мистецтво ще більш високу щабель.

Менш десяти років творчості було відпущено йому долею. Але і за цей короткий час йому вдалося зробити, за оцінкою сучасників, справжній переворот у живописі. У Флоренції він розписав два найбільші собори - церкву Санта-Марія Новела і капелу Бранкаччі в церкві Санта-Марія дель Карміне.

Наступник Джотто, Мазаччо завжди прагнув побудувати простору за законами перспективи, передаючи реальні обсяги на площині. Але його новаторство не обмежувалося лише освоєнням перспективи. Його приваблювало зображення навколишнього світу, наслідування природної природи. Мистецтвознавець А. К. Дживелегов відзначав новаторський характер його творчості: «Живопис до Мазаччо і живопис після Мазаччо-дві зовсім різні речі, дві різні епохи. Джотто відкрив таємницю передачі відчуттів людини та натовпу. Мазаччо навчив зображати людину та природу... Він зовсім звільнився від стилізації. Гори вже не загострені, поступаються голяки, а справжні гори. Вони то приймають м'які обриси відрогів Апеннін... або складаються в суворий скелястий пейзаж... Земля, де стоять люди,- справжня площину, де справді можна стояти і яку око може простежити до заднього фону. Дерева і взагалі рослинність - вже не бутафорія, то стилізована, то просто вигадана, а сама природа... Якщо люди, що фігурують на картині, надумаються увійти в будинки, від цього не станеться ніяких незручностей: дахи вони головами не прошибуть, стін плечима не розвалять. Мазаччо став дивитися, як все відбувається насправді. Тоді самі відпали і умовні пози, і неприродні факти, і вигаданий пейзаж».

Основними сюжетами розписів Мазаччо були життя та дії апостолів, Ісуса Христа, сцени створення світу. Такі фрески «Вигнання Адама та Єви з раю» (1427-1428) [Додаток 3] та «Диво зі статиром» (1427-1428) [Додаток 4] у церкві Санта-Марія дель Карміне. Одна з ранніх картин Мазаччо «Мадонна з немовлям та ангелами» [Додаток 5] була задумана як центральна частина великого вівтаря для церкви Санта-Марія дель Карміне. На високому троні, що в глибокій ніші, сидить Марія з немовлям на руках. Золоте тло, німби на головах, спадні знижки одягу надають особливої ​​урочистості зображеному. У картині вражає новизна мистецького рішення. У жодного з майстрів XV в. не зустрінеться такої чіткості у передачі глибини простору, "досягнутої завдяки геометрично точному скороченню розмірів трону. Фігури природним чином вписані в архітектурний простір з готичною аркою та класичними колонами трону.

«Трійця» [Додаток 6] - одне з останніх і досконалих творінь Мазаччо, в якому було запропоновано абсолютно нове трактування сюжету старозавітної Трійці. У тривимірному просторі художник показує реальні постаті Бога Отця, Христа та Святого Духа, що символічно втілюють образ світу, створений людським розумом. У вмінні розподіляти світло і тіні, у створенні чіткої просторової композиції, в об'ємності та відчутності постатей Мазаччо багато в чому перевершує своїх сучасників. Показуючи оголене тіло Христа, він надає йому ідеальних, героїчних рис, звеличує його міць і красу, прославляє силу людського духу. Усередині капели біля підніжжя хреста стоять Діва Марія та апостол Іоанн. Особа матері Христа, позбавлена ​​звичної краси, звернена до глядача. Як сполучна ланка між Богом і людиною, вона стриманим жестом руки вказує на розп'ятого Сина. У цій загалом статичній композиції жест Марії - єдиний рух, що символічно організує простір. Перед аркою, біля входу до капели, зображені у профіль уклінні чоловік і жінка - замовники розписів для церкви.

Художня єдність Мазаччо, так само як і у великого Джотто, засновника нового італійського живопису - була не тотожністю з реальною дійсністю, але являла собою щось, що стоїть вище за неї, щось, що має бути не копією цієї дійсності. Явище це стає зрозумілішим при аналізі зображення окремих фігур, ніж усієї композиції загалом. І фрески капели Бранкаччі щодо цього найбільше відображають нову епоху. Гігантська прірва відокремлює потужні постаті Христа та його учнів від витончених костюмованих ляльок із творів безпосередньо попереднього періоду. Зникли не лише дорогоцінні модні шати та цікаві подробиці, але й усі спроби впливати на глядача за допомогою правдоподібності у передачі реальних предметів, взятих із дійсності: на фресці відбито позачасове, вічно людське існування, що постає перед нами так само, як і у Джотто, і знов-таки - зовсім інакше, ніж у нього. Зазвичай ця відмінність визначається як інше відчуття форми. Те, що можна побачити на фресках Мазаччо, є типовістю, піднесеною за допомогою інтенсивного вивчення природи. Реальні форми, що лежали в основі старих іконографічних схем, виявилися настільки збагаченими новим знанням, що вони видаються не мертвими формулами, а живими людьми. Далекі від струнких і граціозних, зображених у живому русі образів періоду пізнього треченто, ці фігури нагадують нам потужних персонажів Джотто. Так само як і в античному мистецтві, тут тяжкість і неживість тіла долаються за допомогою життєвої енергії, і ця рівновага є джерелом нового відчуття форми і джерелом того, що має бути найголовнішим змістом художнього зображення людської фігури. І водночас це є подолання готики.

Персонажі Мазаччо набагато незалежніші, ніж персонажі Джотто, тому вони сповнені нового розуміння людської гідності, вираженого у всьому їхньому образі. Це розуміння ґрунтується на відображенні певної духовної сили, воно спирається і на усвідомлення героями Мазаччо своєї могутності та свободи волі. У цьому полягає момент деякого їх відокремлення. Бо якою б мірою не брали участь всі ці персонажі священної історії в подіях, що зображаються, все ж вони характеризуються не тільки своїм ставленням до цих подій, але і власною індивідуальною значимістю, що і надає їм характер урочистості. Але це відокремлення виражається ще й у композиційній ролі окремих постатей. Джотто розчленував на окремі постаті традиційну середньовічну масову групу учасників якоїсь події; у Мазаччо, навпаки, групи будуються з окремих, цілком самостійних постатей. Кожна на цих фігур здається абсолютно вільною у своєму становищі у просторі та у своєму пластичному обсязі. Весь художній процес протікає у Мазаччо інакше, ніж у мистецтві попереднього періоду. Джотто, як і середньовічні художники, відштовхується у композиціях від загальної концепції, у якій окремим постатям відводяться певні функції змісту та форми, що визначають їх характер. Композиції Мазаччо наділені особливою своєрідністю - для неї характерно те, що, незважаючи на всі досягнення у зображенні фігур і просторового оточення, зв'язок їх між собою не став тіснішим, ніж раніше, але, навпаки, послабшав.

Зображення пейзажного відрізка простору стало згоднішим із чуттєвим досвідом. Ті випадкові успіхи у дотриманні перспективи в період треченто замінюються універсальною та більш точною системою перспективи. У Джотто все - і простір і фігури - складається з одного шматка і побудовано як таку собі єдність, тут площина і простір нерозривно переплітаються між собою. Це абсолютна єдність, що замикає собою всі елементи композиції та створює міцну структуру твору, замінюється у Мазаччо (і ще більше його послідовників) дещо умовними зв'язками. Це видно у розділенні зображення на три сцени. Внаслідок цього виникає дуалізм фігури та простору. Цей дуалізм ще сильніше впадає в очі у пізніших майстрів періоду кватроченто, ніж у Мазаччо, у якого трохи сильніше відчувається джоттовська композиція; у пізніх майстрів цей дуалізм призводить до протиставлення пейзажного тла та фігур у площині. Цей дуалізм ґрунтується на тому, що тіло та простір постають як окремі комплекси образотворчих засобів. Внаслідок цього картини стають зіставленням простору та окремих фігур, причому фігури, як найбільш важлива складова частина цієї складної єдності, мають перевагу.

Без цього факту неможливо домогтися розуміння характеру розвитку мистецтва під час кватроченто. Композиційні правила протягом усього ХV століття змінюються незначною мірою - відповідно з цим збереглося дуже небагато начерків композицій, - зате у зображенні постатей й у зображенні простору спостерігається безперервний інтенсивний прогрес, про якому говорять як закінчені твори, але - значно більшою мірою - численні етюди та малюнки. Великим діянням Відродження було не «відкриття світу і людини», а відкриття матеріальних закономірностей. Виходячи з цього відкриття, яке найтіснішим чином стикається з античним розумінням світу, зміст і зміст всього подальшого розвитку мистецтва полягали тепер у задачі нового осмислення зображення та нового завоювання світу. Зображення людини як найважливішого та найвідповідальнішого комплексу мало висунутись на передній план художніх інтересів, і саме в цій галузі можна спостерігати подальше вдосконалення нового стилю. Наскільки коротенький відрізок часу, відпущений Мазаччо життям для створення фресок у капелі Бранкаччі, настільки ж і великий прогрес, що відбувся за цей проміжок.

У вузькій фресці «Святий Петро, ​​що зцілює своєю тінню», [Додаток 7], Петро, ​​занурений у свої думки, у супроводі святого Іоанна проходить через квартал бідняків, і тінь його зцілює хворих, що розташувалися біля стіни будинку. Схвильованість хворих - вона представлена ​​різними відтінками, настільки ж прекрасна за задумом, як прекрасна велична хода святого. Одяг святого - так само як і у Джотто - все ще стосуються землі, чого, однак, Мазаччо зазвичай уникав. щоб ясніше охарактеризувати мотиви спокою та руху. Але й мішкуватий одяг, при зображенні якого лише рідкісні складки у межах великих площин створюють пластичне пожвавлення, нагадує Джотто. Ознаки реалізму мистецтва пізнього треченто можна знайти й у другій сцені, де зображені святі Петро та Іван, що роздають милостиню. Цього разу зображено околицю міста: тут закінчуються вулиці, і лише окремі будівлі передують полі. Сюди зібралися бідняки, щоб отримати від святих скромні дари. Нічого подібного, звичайно, не бувало раніше в італійському живописі: завдяки своїй величі та вільному стилю вони нагадують класичні одягнені постаті і свідчать про те, що прагнення зобразити одяг у її природній функції призвело художника не лише до наслідування античним зразкам, а й до осягнення художнього сенсу античного одягу. І не тільки цієї величі, але й поняття краси і досконалості, що лежить в його основі, - цьому нас може навчити фреска, розташована над описаною вище і зображує святого Петра, що здійснює обряд хрещення. Подія ця відбувається в пустельній гористій місцевості, потужні форми якої наголошують на значущості сцени. Навернені зібралися півколом біля святого, що приступає до хрещення у воді уклінної людини. Вже все ХV століття захоплювалося фігурою оголеного, що здавалося тремтячим від холоду юнака серед свідків хрещення, - але на більшу увагу заслуговує група святого Петра і уклінного. Джотто в «Хрещенні Христа» [Додаток 8] зобразив голого Спасителя: фігуру виснаженої людини; у фресці ж Мазаччо в мистецтво знову введено прекрасне чоловіче тіло, подібне до античної статуї, введено класичний ідеал тілесної краси та досконалості. Мазаччо ніби скористався античним зразком при зображенні тіла, - і все-таки, незважаючи на деякі протиріччя, які стають помітними лише при уважному вивченні, вся постать уклінного сприймається в цілому як вільне змагання з античним зображенням оголеного тіла. Щоб розпочати подібне змагання з рівними силами, бракувало ще, щоправда, - і це свідчить «Вигнання з раю» [Додаток 3] - точних знань живого організму. Тяжка, безнадійна хода людей, що залишають за воротами втрачене блаженство, здається незграбною; у подоланні цієї скутості і полягала проблема, яку треба було вирішити. Знання анатомії людського тіла Мазаччо набув, працюючи з натурою та вивчаючи твори класичної скульптури; він відмовився у своїй творчості від декоративності та умовності, властивих готичному мистецтву. Фігури, тривимірність яких передана за допомогою потужного світлотіньового моделювання, співвіднесені за масштабом з навколишнім пейзажем, написаним з урахуванням світлоповітряної перспективи.

Таким чином, можна дійти невтішного висновку, що Мазаччо був великим майстром, який розумів сутність живопису, він був високою мірою обдарований вмінням передавати дотикальну цінність у художніх образах.

Мазаччо був гідним наступником Джотто, чиє мистецтво він добре знав і ретельно вивчав. Джотто долучив його до монументальних форм, навчив зображати те, що важливо і значно з позицій високої мистецької єдності. Мистецтво Мазаччо містить у собі всю програму нового ренесансного живопису – людина як центр світобудови

На відміну від Джотто, характерною рисою для творчості Мазаччо є більш точне вивчення природи. Також він першим у живопису зображує оголене тіло і надає людині героїчних рис. У живопису пізнішого часу можна виявити більшу досконалість деталей, але в ній не буде колишнього реалізму, сили та переконливості. Знання анатомії людського тіла Мазаччо набув, працюючи з натурою та вивчаючи твори класичної скульптури; він відмовився у своїй творчості від декоративності та умовності, властивих готичному мистецтву.

Для Мазаччо характерно раціональне, тривимірне, побудоване за правилами перспективи простір, світлотіньова обробка форми, що робить її опуклою та об'ємною, посилення пластики форми через колір. Фігури, тривимірність яких передана за допомогою потужного світлотіньового моделювання, співвіднесені за масштабом з навколишнім пейзажем, написаним з урахуванням світлоповітряної перспективи.

Мазаччо був великим майстром, який розумів сутність живопису, він був високою мірою осяяний умінням передавати дотикальну цінність у художніх образах. Концепцію художника висловлює висловлювання однієї з його сучасників: фреска чи картина є вікном, якою бачимо світ.

Висновок

В епоху Відродження від живопису чекали на зображення нових людей, призначених для великих цілей. Об'єктом пильної уваги істориків, як і раніше, залишається один із головних центрів ренесансної культури - Флоренція. Адже саме в ній раніше, ніж в інших містах-державах, склалися передумови зміни культурних епох, зародилися ренесансні гуманістичні ідеї, створювали свої найбільші твори письменники, художники, архітектори, скульптори. І в ній же надзвичайно інтенсивно пульсувало суспільне життя, що втягувало у себе практично все доросле чоловіче населення, для якого турботи освіти, виховання, культури виявилися далеко не останніми.

На світоглядні орієнтири ренесансної культури Італії вплинув психологічний клімат міського життя. У орієнтованій на світські відносини купецької моралі стали переважати нові максими - ідеал активності людини, енергійних особистих зусиль, без яких не можна було досягти професійного успіху, а це крок за кроком відводило від церковної аскетичної етики, що різко засуджувала прагнення накопичення. Низове міське середовище було найбільш консервативним, саме в ньому міцно зберігалися традиції народної середньовічної культури, яка справила певний вплив на культуру Ренесансу.

Новаторство Джотто виявилося у трьох основних рисах його творчості, які потім продовжували розвивати його послідовники. З одного боку, вдосконалювалися краса ліній, використовувалися різні злиття фарб. З іншого боку, велике значення набуває оповідальний елемент. Так само, постаті та сцени, запозичені з життя, пов'язуються з поетичним осмисленням цілого, і, таким чином, з цього джерела також випливає безліч реалістичних мотивів, таких як правдивість, у зображенні природи, і т. д. Саме розуміння людини у Джотто було згодним із природою. Для Джотто важливим є зображення руху та дії. Угруповання фігур та його жести повністю підпорядковані змісту зображуваного. Лінією і світлотінню, що виражають всю значущість події, поглядами, зверненими до неба або опущеними вниз, жестикуляцією, що говорить без слів, виходячи з найпростішої живописної техніки, без знання анатомії Джотто дає зображення руху.

Мазаччо подібний до Джотто, але Джотто, що народився на століття пізніше і потрапив у сприятливі для себе художні умови. Він вказав флорентійського живопису шлях, яким вона йшла аж до свого заходу сонця. Цей шлях полягає в умінні розподіляти світло та тіні, у створенні чіткої просторової композиції, в силі, з якою він передає об'ємність, Мазаччо набагато перевершує Джотто. У живопису пізнішого часу можна виявити більшу досконалість деталей, але в ній не буде колишнього реалізму, сили та переконливості.

Мазаччо зробив наступний після Джотто вирішальний крок у створенні збирального образу людини, яка звільнилася відтепер від релігійно-етичної підоснови і пройнята новим, справді світським світовідчуттям. Він по-новому використовував можливості світлотіні, що моделює пластичну форму.

У цілому нині, феномен Відродження – це дуже багатогранне явище у культурному розвитку Європи, стрижнем якого було нове світогляд, нове самосвідомість людини. У цей період мистецтво розвивається так швидко, як не розвивалося ніколи раніше. Кожен митець додає щось своє, свою неповторну межу у розвиток живопису цього періоду. Тому великі твори мистецтва, створені навіть у віддаленій епосі, не тільки не втрачають свого значення, але набувають нових відтінків в осмисленні свого змісту, морально-етичної проблематики. Художні форми, зрозумілі з позицій нового часу, загальнолюдські цінності, ув'язнені у них, хвилюють у всі часи.

Список використаної літератури:

Арган Дис. Історія італійського мистецтва Пер. з іт. У 2т. Під навч. ред. В.Д. Даїсіної - М: Вид. Веселка, 1990. - 319с.

Берестовська Д.С. Художня культура епохи Відродження. – Сімф., 2002. – 143 с.

Бернсон Б. Живописці італійського Відродження, пров. з англ. Білоусової Н. А., Теплякової І. П. - М.; Вид. Б.С.Г.-Прес, 2006.-

Брагіна Л.М. Італійський гуманізм - М: Вищ. Школа, 1977. - 252 с.

Буркхард Я. Культура Італії за доби Відродження.

Гуковський М.А. Італійське Відродження. - Л.: ЛДУ, 1990.-618 с.

Дворжак М. Історія італійського мистецтва в епоху Відродження. Т.1. - М: Вид. Мистецтво, 1971. - 392 с.

Дмитрієва І. А., коротка історіямистецтв. - М: Вид. Мистецтво. - 1991. - 318 с.

Лазарєв В.М, Загальна історія мистецтв. - Т. 3. - М: Вид. Мистецтво. - 1962. - 510 с.

Лазарєв В.М. Початок раннього відродження в італійському мистецтві. - М: Вид. Мистецтво, 1979. - 200 с.

Лонгі Р., від Чимабуе до Моранді. - М: Вид. Веселка. - 1984. - 352 с.

Нессельштраус Р. Ц., Історія мистецтва Зарубіжних країн. Середньовіччя. Відродження. - М: Вид. Мистецтво, 1982. - 418 с.

Степанов А. Ст, Мистецтво епохи Відродження. Італія XIV-XV століття. -СПб.: Вид. Абетка – класика. - 2003. - 500 с.

Ротенберг Є.І. Мистецтво Італії. Середня Італія під час Відродження.-М., 1974. - 310 с.

Додаток 1. Джотто "Поцілунок Юди".

Фреска.

Додаток 2. Джотто «Оплакування Христа»

Фреска.
Капела Скровеньї (капелла дель Арена), Падуя

Додаток 3. Мазаччо «Вигнання Адама та Єви з раю».

Фреска.

Додаток 4. Мазаччо «Диво зі статиром»

Фреска.
Церква Санта-Марія дель Карміне (Капелла Бранкаччі), Флоренція.

www.school.edu.ru

Додаток 5. Мазаччо «Мадонна з немовлям та ангелами»

Дерево темпера.
Національна галерея, Лондон

www.school.edu.ru

Додаток 6. Мазаччо "Трійця"

Фреска.
Церква Санта-Марія Новела, Флоренція

www.school.edu.ru

Додаток 7. Мазаччо «Святий Петро, ​​що зцілює своєю тінню»

Фреска.
Церква Санта-Марія дель Карміне (Капелла Бранкаччі), Флоренція.

www.school.edu.ru

Додаток 8. Джотто «Хрещення Христа»

Фреска.
Капела Скровеньї (капелла дель Арена), Падуя

www.school.edu.ru

1. Мистецтвоепохи Відродження (4)

   Реферат >> Культура та мистецтво

   Реферат на тему: " Мистецтвоепохи Відродження»Виконала студентка групи ЕК-... -XIII – XIII-XIV ст.), Раннє Відродження(Кватроченто XIV-XV ст.), Високе... сюрреалістів. Найбільшим майстром Північного Відродженняв образотворчому мистецтвобув Альбрехт Дюрер. ...

2. Культура доби ВідродженняРенесансу

   Контрольна робота >> Культура та мистецтво

   Джованні Пізано. на початок МИСТЕЦТВО РАННЬОГО ВІДРОДЖЕННЯУ перших десятиліттях XV ст. мистецтвоІталії відбувається рішучий... майже портретний. Це типова риса мистецтва раннього Відродження, обумовлена ​​прагненням художника звільнитися від...

3. Культура доби Відродження XIV-XVI XVII ст.

   Реферат >> Культура та мистецтво

   ... мистецтво Раннього Відродженнябуло складним, суперечливим, і ця суперечливість вела його вперед. У мистецтво Раннього Відродження, ... удосконалили масляну техніку.Венеціанське мистецтвозавершує розвиток мистецтва раннього

Раннє Відродження (XIV-Xv ст.) у мистецтві Італії пов'язано насамперед із Флоренцією, де Медічі сприяли гуманістам і всім мистецтвам. На початку XV ст. Флорентинська школа – авангард гуманістичного мистецтва Відродження. Тут у 1439 р. засновується Платонівська академія, ґрунтуються Лауренціанська бібліотека, художні колекції Медічі; працюють письменники, поети, гуманісти, науковці.

Фра Філіппо Ліппі. Поклоніння Немовляті.

Сприйняття дійсності перевіряється досвідом, експериментом, контролюється розумом. Звідси той дух порядку й міри, який настільки характерний мистецтва Відродження. Геометрія, математика, анатомія, вчення про пропорції людського тіла мають для художників велике значення; саме тоді починають ретельно вивчати будову людини. Виникає новий критерій оцінок прекрасного, в основі якого лежить схожість із природою та почуття пропорційності. У мистецтві особлива увага приділяється пластичному опрацюванню форм та малюнку. Прагнення пізнати закономірності природи призводить до вивчення пропорцій людської постаті, анатомії. У XV столітті італійські художники вирішили і проблему прямолінійної перспективи, яка назріла у мистецтві треченто.

У цей період свідомо та цілеспрямовано вивчаються античне мистецтво, антична філософіята література. Проте вплив античності нашаровується на багатовікові та міцні традиції Середньовіччя, на християнське мистецтво. Сюжети язичницькі та християнські переплітаються, трансформуються, повідомляючи специфічно складний характер культури Відродження.

Архітектура раннього відродження.

Родоначальником ренесансної архітектури Італії став Філіппо Брунеллескі (1377-1446) - архітектор, скульптор та вчений, один із творців наукової теорії перспективи. Найбільшим інженерним досягненням Брунеллески стало зведення куполи собору Санта-Марія дель Фьоре у Флоренції. Завдяки своєму математичному та технічному генію Брунеллески вдалося вирішити найскладніше для свого часу завдання. Купол собору Санта-Марія дель Фіоре став попередником численних купольних храмів в Італії та інших країнах Європи.

Брунеллески одним із перших у архітектурі Італії творчо осмислив і оригінально витлумачив античну ордерну систему і започаткував створення купольного храму на основі античного ордера. Справжньою перлиною Раннього Відродження стала створена Брунеллески на замовлення багатого флорентійського сімейства капела Пацці (почата у 1429). Гуманізм і поетичність творчості Брунеллескі, гармонійна пропорційність, легкість та витонченість його будівель, що зберігають зв'язок із традиціями готики, творча свобода та наукова обґрунтованість його задумів визначили великий впливБрунеллески на розвиток архітектури Відродження.

Одним із головних досягнень італійської архітектури XV ст. стало створення нового типу міських палаців, який послужив зразком для громадських будівель пізнішого часу. Італійські палаци називаються палаццо (від латів. palatium; звідси походить і російське слово «палати»). Особливостями палаццо XV ст. є чіткий поділ замкнутого обсягу будівлі втричі поверху, відкритий внутрішній двір із літніми поверховими аркадами, застосування руста, тобто. каменю з грубо навколотою або опуклою лицьовою поверхнею, для облицювання фасаду, а також винесений декоративний карниз. Яскравим зразком цього стилю є капітальна споруда учня Брунеллескі та його обдарованого послідовника Мікелоццо ді Бартоломмео (1396-1472), придворного архітектора сім'ї Медічі, - палаццо Медічі - Ріккарді (1444-60), що послужило.

Скульптура раннього відродження.

XV ст. італійська скульптура, що набула самостійного, незалежного від архітектури значення, переживає розквіт. У практику художнього життяпочинають входити замовлення багатих ремісничих та купецьких кіл на прикрасу громадських будівель; проводяться мистецькі конкурси. Один із таких конкурсів – на виготовлення з бронзи других північних дверей флорентійського баптистерію (1401) – вважається знаменною подією, що відкрив нову сторінку в історії італійської ренесансної скульптури У цьому конкурсі брав участь Філіппо Брунеллескі, який згодом став знаменитим архітектором. Проте перемогу здобув Лоренцо Гіберті (1381–1455). Один із найосвіченіших людей свого часу, перший історик італійського мистецтва, блискучий малювальник, Гіберті присвятив своє життя одному виду скульптури – рельєфу. Головним принципом свого мистецтва Гіберті вважав рівновагу та гармонію всіх елементів зображення. Вершиною творчості Гіберті з'явилися східні двері флорентійського баптистерія (1425-52), які обезсмертили ім'я майстра. Декорація дверей включає десять квадратних композицій із позолоченої бронзи, що своєю незвичайною виразністю нагадують мальовничі картини.

ним із найбільших скульпторів першої половини XV ст. був Якопо делла Кверча (1374-1438), старший сучасник Гіберті та Донателло. Його творчість, багата багатьма відкриттями, стояла ніби осторонь від загального шляху, яким розвивалося мистецтво Ренесансу. Виконані Кверча монументальні рельєфи головного порталу церкви Сан-Петроніо в Болоньї («Створення Адама») вплинули на мистецтво Мікеланджело.

Живопис Раннього Відродження.

Величезна роль, яку в архітектурі Раннього Відродження зіграв Брунеллески, а в скульптурі - Донателло, у живописі належала Мазаччо (1401-1428). Відомий історик мистецтва Віппер сказав: «Мазаччо – один із найнезалежніших і послідовних геніїв в історії європейського живопису, засновник нового реалізму…» Продовжуючи шукання Джотто, Мазаччо сміливо пориває із середньовічними мистецькими традиціями. У фресці «Трійця» (1426-27), створеної для церкви Санта-Марія Новела у Флоренції, вперше у настінному живописі Мазаччо застосовує повну перспективу. У розписах капели Бранкаччі церкви Санта-Марія дель Карміне у Флоренції (1425-28) – головному творі свого недовгого життя – Мазаччо надає зображенням небаченої раніше життєвої переконливості, підкреслює тілесність та монументальність своїх персонажів, майстерно передає емоційний стан. У фресці «Вигнання з раю» художник вирішує найскладніше завдання завдання зображення оголеної людської фігури. Суворе та мужнє мистецтво Мазаччо справило величезний вплив на художню культуру Відродження, зокрема, на творчість П'єро делла Франческа та Мікеланджело.

Особливе місце у живопису Раннього Відродження належить Сандро Боттічеллі (1445-1510), сучаснику Леонардо да Вінчі та молодого Мікеланджело. Вишукане мистецтво Боттічеллі з елементами стилізації (тобто узагальнення зображень за допомогою умовних прийомів – спрощення кольору, форми та об'єму) користувалося великим успіхом у колі освічених флорентійців. У основі мистецтва Боттічеллі на відміну більшості майстрів Раннього Відродження лежало особисте переживання. Серед багатьох картин, створених Боттічеллі, є кілька прекрасних творів світового живопису («Народження Венери», «Весна»). Винятково чуйний і щирий, Боттічеллі пройшов складний і трагічний шлях творчих пошуків - від поетичного сприйняття світу в юності до містицизму та релігійної екзальтації у зрілому віці.