На концерті як позначають, що живий звук. Чому жива музика робить нас щасливішими? Музичний супровід заходу – що вибрати

Ця стаття присвячена живим виступам музикантів та хитрощів, на які вони йдуть, щоб принести слухачеві максимальне задоволення від концерту і… максимально обдурити його.

Стаття орієнтована на людей, які не знаються на концертному звуку, і покликана допомогти їм у розумінні процесу живих виступів.

Минулої статті ми вже писали, як формується звук на концертах та за яким принципом вибудовують звук. Тут дізнаємось, як виступають артисти на концертах. Для наочності я покажу моделі виступу у вигляді списку та алгоритму:

1. Виступ під фонограму

Саунд чек відсутній або нетривалий. Музикант чи гурт виходить на сцену. У руках музик інструменти, у вокаліста мікрофон. Апаратура на сцені – муляж, використовується лише для картинки. Звукорежисер знаходиться за пультом і відіграє ключову роль у виступі артиста, оскільки його помилка може коштувати репутації. У цьому виступі його завдання вчасно увімкнути та вимкнути фонограму.

На сцені працюють лише монітори, щоб музиканти чули звук та потрапляли рухами під музику. Музиканти вдають, що грають, вокаліст зображує спів, але звуків вони не виробляють

Тут усе зрозуміло: глядачі чують звук і бачать, як музиканти грають, це швидше більше шоу, ніж концерт. Обман на обличчя. Думаю, чверть із присутніх на концерті здогадуються, що їх дурять, але дурять красиво. Тому такі артисти здебільшого мають свою аудиторію.

2. Виступ під повний плюс

Саунд чек відсутній або нетривалий. Артист чи гурт виходить на сцену. У руках музик інструменти, у вокаліста мікрофон. Звукорежисер включає музику та підмішує до сигналу фонограми звучання інструментів та голосу.

На сцені працює вся апаратура – ​​це моніторні лінії, гітарні та басові підсилювачі, барабанна установка, вся апаратура озвучена. Музиканти справді грають, вокаліст співає. Але вони грають зверху на ту саму фонограму. Тобто повторюють те, що було записано на студії, тільки роблять це наживо.

Як таким обманом це не назвеш, але він присутній. Такі виступи поширені нині, оскільки якість звуку значно підвищується проти живим виступом, а витрати і швидкість налаштування звуку знижуються. Зручність та вигода від таких виступів видно неозброєним оком.

3. Живий звук

Концерту передує тривалий саунд чек. Музиканти з'являються на майданчику задовго до виступу, йде настроювання інструментів та голосів. Після початку концерту звукорежисер повністю виконує свою функцію, на відміну від попередніх пунктів. У цьому виступі весь звук йде зі сцени, тому покладаються тільки на той звук, який був налаштований на саунд чеку.

У цьому складність живого звуку на відміну виступи з підкладками і фонограмами. Не можна сховатися за записом, слухач отримує тільки те, що є тут і зараз. Але в цьому й кайф живого виступу. Музиканти хоч і грають одне й теж, але щоразу не схожий на попередній, є момент імпровізації.

Ну а слухач отримує свою насолоду, тому що він чує не створений запис у студії колись, а звук, виконання та емоції виконавця, які народжуються у нього на очах і він стає цьому свідком.

4. Виступ під мінус

Виступ під мінус можна умовно поділити на дві категорії:

• У першій алгоритм нагадує минулий. Тільки живий звук групи підмішується запис, яку ставить звукорежисер. На ній звучать підкладки, ефекти, бек-вокал, інструменти, які не присутні або не можуть бути присутніми на сцені. Це не фонограма, оскільки все виконується наживо, а запис тільки прикрашає виступ.
• У другий виконавець, чи то вокаліст чи інструменталіст, виконує наживо свою партію, а тлом для нього звучить запис (мінусівка) на яку він грає. Іноді можна зустріти живий виступсоліста під мінус, а музикантів, що стоять у вигляді декорацій, що зображують виконання цього мінуса.

Можливі інші варіанти виступів є інтерпретацією викладених вище або їх частковим змішуванням.

Звичайно, кожен виконавець обирає сам, як йому виступати. Все залежить від коштів, вкладених у виступ та подальшої віддачі, від майстерності виконавця, від технічного оснащення майданчика, від репутації виконавця та його здібностей.

Група Помаранчевий VINIl виступає виключно наживо! У нас лише живі барабани, бас, гітара, клавіші, вокал та саксофон. На корпоратив ми приїжджаємо повним складомта виконуємо найпопулярніші пісні!

Багато людей люблять слухати музику наживо. Причому абсолютно неважливо, чи ходите ви на концерти, які збирають багатотисячну аудиторію, чи віддаєте перевагу затишному джаз-клубу. Пояснити це дуже просто. Адже жива музикаробить нас щасливішими. Пропонуємо з'ясувати причини цього явища.

Можливість познайомитись з новими людьми

У сучасної людиниє не так багато можливостей для знайомства. Особливо це стосується тих, хто працює не в офісі, а вдома. Приходячи ж на концерт живої музики, ви одразу опиняєтеся у дружній обстановці, де люди мають щось спільне. Тут вам пощастить легко завести друзів. Адже кохання, наприклад, до рок-н-ролу – це той клей, який здатний пов'язати двох незнайомців дуже міцно.

Крім цього, живі концерти приваблюють цікавих людейзі світу мистецтва. А зустріч із ними завжди буде дивовижною подією у житті будь-якої людини.

Можливість очистити свій розум від повсякденної рутини

Деякі люди стають смиканими та дратівливими, якщо їм не вдається регулярно відвідувати концерти живої музики. Це легко пояснити. Адже, опиняючись на концерті, ви повністю поринаєте у музику. У ці моменти вас більше не турбують телефонні дзвінки, повідомлення про вхідні листи, звуки смс-повідомлень і т.д. Ваш розум очищається від повсякденної рутини та відпочиває. У такі моменти люди, як правило, почуваються безмежно щасливими.

Саме тому дуже засмучують ситуації, коли під час концерту хтось починає писати повідомлення. Адже це не дає насолодитися тим, що відбувається, і звільнити свій мозок від речей, які в Наразіне важливі. До речі, деякі порівнюють відчуття від гарного концертуз ефектом медитації. Адже людина почувається оновленою, відпочившою, розслабленою та повною сил.

Можливість відкривати для себе світ

Як відомо, у всьому світі регулярно проводяться різні музичні фестиваліта заходи. Причому відвідують їх не лише музиканти та ті, хто має до цієї індустрії пряме відношення. Так, на будь-якому великому фестиваліви зустрінете людей з різних кінців земної кулі. Адже багато хто використовують музичні заходияк важливу причину для того, щоб вирушити у подорож до країни, де вони раніше ніколи не були. Тому чому б не запланувати на час наступної відпустки поїздку на якусь цікавий фестиваль? Це дозволить вам не тільки насолодитися чудовою музикою в живому виконанні, а й побувати в нових країнах, познайомитися з унікальною культуроюта місцевими жителями.

Ви можете покращити своє психічне здоров'я

Немає кінця списку книг та наукових дослідженьна тему того, як музика здатна впливати на психічне здоров'ялюдини. Люди здавна складали мелодії та споруджували різноманітні музичні інструменти. Адже так вони намагалися передати свої переживання, почуття та емоції. Це саме те, що потрібно для боротьби з депресією та просто поганим настроєм. А якщо ще ви слухатимете улюблені пісні в живому виконанні, то від меланхолії не залишиться і сліду, адже ваша душа буде переповнена позитивними емоціями та відчуттям щастя.

Ви отримаєте унікальний життєвий досвід

Якщо ви проводитимете час у клубах та на концертах, то отримаєте неоціненний досвід. Так, у вас буде можливість стати своїм у новій цікавій спільноті. Крім того, ви отримаєте шанс ближче познайомитись із виконавцями. Можливо, хлопці з вашого улюбленого гурту навіть розкажуть вам, як це бути професійним музикантом. Крім цього, ви можете бути свідком або навіть учасником божевільних подій. Адже концерти нерідко відвідують творчі особиз неординарним мисленням. І якщо ви відкриті для нових вражень, які не зможете отримати більше ніде, то сміливо вирушайте до клубу з живою музикою вашого улюбленого спрямування.

Ви маєте можливість рости як особистість

Підсумовуючи всіх перелічених вище пунктів, можна сказати, що вони дозволяють нам розвиватися. Адже саме це і є, зрештою, сенсом нашого життя. Адже людина почуватиметься щасливою, лише бачачи, що вона росте як особистість, дізнається щось нове, обзаводиться новими друзями тощо. Усі ці можливості дає жива музика.

Ситуація, коли клієнт за інших рівних умов віддає перевагу закладу з естрадно-розважальною програмою, досить типова. А присутність такої програми на весільних та ювілейних банкетах, дружніх чи корпоративних вечіркахчасто стає абсолютно необхідною умовою.

Справа техніки

Отже, ви вирішили, що у ресторані буде жива музика. З чого почати? Звісно, ​​з обладнання сцени. Її висота має бути не нижче 40-50 см, а площа така, щоб можна було розставити три стійки для мікрофона, колонки, підсилювачі, мікшерський пульт (природно, не забувши про самих музикантів). Бажано, щоб сцена мала якусь, хай умовну, огорожу.

Артистів має освітлювати світло, привертаючи увагу гостей. Ринок сучасних світлотехнічних пристроїв величезний - кольоромузичне обладнання, світлові гармати, дим-машини і т.п., але скажу за своїм досвідом: вам буде абсолютно точно необхідна дзеркальна куля, що крутиться, придумана в незапам'ятні часи і створює «чарівний» відблиск ефект, а все решту вибирайте залежно від смаку та бюджету.

Що стосується звукового обладнання ресторану, тут є два варіанти. Перший – ресторан сам купує звукове обладнання для роботи ансамблю. Другий – колектив привозить свою апаратуру. В чому різниця? Придбана вами апаратура розрахована фахівцями саме для вашого закладу як за потужністю, так і якістю звучання. Це, на мою думку, оптимальний варіант, адже апаратура, надана самими музикантами, зовсім необов'язково відповідатиме акустичним властивостям вашого приміщення.

Порекомендую таке звукове оснащення ресторану площею 100 кв.

Підсилювач + пульт мікшера + обробка голосу + еквалайзер;
колонки загальною потужністю не менше ніж 1000 Вт;
активний сабвуфер для покращення якості звучання низьких частот;
компресор для вирівнювання голосу;
міні-дисковий програвач з автопаузою, CD-програвач з антишоком, ноутбук з гарною звуковою картою;
стійки для клавішних та мікрофонів;
мікрофони;
сполучні шнури.

Такий комплект обладнання від відомих виробників коштуватиме приблизно 90-120 тисяч рублів. Можна, звичайно, заощадити і купити апаратуру «дешевих» фірм, але… Як показує практика, вона звучить непереконливо, часто виходить з ладу, дратує гостей неприємними частотами, не «заводить» танців і заважає розмові тих, хто сидить за столиками. До речі, відмінна рисапрофесійної апаратури Hi-End класу - на тлі гучного звуку добре чути мову співрозмовника.

Не можна забувати про те, що багато ресторанів знаходяться в житлових будинкахтому важливо, щоб звук не заважав сусідам по дому. Це загалом просте питання доведеться вирішувати або шляхом звукоізоляційних робіт, або підбором фахівцями з акустики відповідної апаратури. Вони «прорахують» ваше приміщення і визначать оптимальні звук і гучність у вечірні та нічні години.

Кадри вирішують усі

У пріснопам'ятні радянські часиПри Ленконцерті існувала атестаційна комісія, яка надавала музикантам дозвіл на роботу в ресторанах Ленінграда. Всім артистам треба було щорічно проходити атестацію і мати як мінімум середню професійну музична освіта. Ресторанів тоді було небагато, і потрапити, наприклад, до «Неви» чи «Метрополя» вважалося великим успіхом. Зараз, в епоху караоке, образ музикантів девальвувався, оскільки голос можна «зробити» на комп'ютері і, в принципі, необов'язково мати музичну освіту, щоб створити нехитре аранжування. У цих умовах з'явилося багато псевдоспівців, що кинулися до ресторанного музичний бізнес. У своїй масі ні співати, ні грати вони вміють, але впевнено зображують це під фонограму. Коли ви приймаєте на роботу музикантів, неодмінно поцікавтеся їхньою освітою, перегляньте документи, що його підтверджують, дізнайтеся, де вони раніше працювали.

Стандартний і часом оптимальний склад ресторанного ансамблю – три особи: клавішник-вокаліст, гітарист-вокаліст та співачка. Дуже добре публікою сприймається також саксофон чи будь-який інший живий інструмент (скрипка, акордеон тощо). Є ще варіант роботи людини-оркестру, коли весь вечір і співає та грає один музикант. До речі, люблять гості та виступи піаніста – це створює у закладі салонну атмосферу.

У середньому по Петербургу ціни на одного музиканта за 3 години роботи - з 20.00 до 23.00 - становлять приблизно 3000-5000 рублів при роботі по 40 хвилин з 20-хвилинними перервами. Виступи на банкетах, як правило, коштують дорожче.

І не забути про «карасів»

Якісний та різноманітний репертуар ансамблю – запорука успіху закладу у відвідувачів. Хороші ресторанні музиканти повинні грати та співати якщо не всі, то майже все, що бажають чути гості. А це в переважній більшості випадків «золоті» хіти 80-х, пісні Beatles, блюзи, рок-н-рол, «старі пісні про головне» 1930-1970-х років, російський шансон, народні пісніта романси, інструментальні та джазові композиції.

Гість часом може й сам захотіти виконати пісню, і тоді музиканти мають підіграти «позаштатному» співаку, дати тексти пісень, бажано надруковані.

Замовлення пісні в музиканському середовищі називається «карась» (коли замовлення йдуть, отже, «закарасилося»). Заробити «карась» - це головний стимул для ресторанних артистів. У середньому "карась" коштує 200-500 рублів за пісню залежно від класу музикантів та ресторану. Бувало (а легендами ресторанні музики зазвичай обмінюються вночі по телефону після роботи), що якийсь крутий клієнт платив і по 100 доларів.

Їхні звичаї

Музиканти не дуже люблять, коли адміністрація диктує їм, які пісні слід співати, а які ні. Може статися і так, що якісь пісні вам не до вподоби, але від них у захваті ваші гості. Тут потрібно добре представляти музичну політику ресторану та аудиторію відвідувачів, яких ви хотіли б бачити. Необхідно заздалегідь обмовити репертуар вашого ансамблю, причому бажано, щоб у ньому була «родзинка», фішка, тобто якась відмінна особливість.

Дуже важлива стабільність роботи ансамблю, оскільки постійні гості хочуть бачити «своїх» співачок, співаків і музикантів, що полюбилися. Але якщо політика ресторану полягає у ротації різноманітних колективів, то постарайтеся підібрати групи з однаковим професійним рівнем. Тут не обійтися без арт-директора, який допоможе зробити так, щоб у вашому ресторані грала найкраща у місті жива музика.

Орієнтовні ціни на музикантів, музичні колективита артистів оригінального жанру у Санкт-Петербурзі

Примітка

Багато колективів та виконавців можуть значно знижувати розцінки на свою роботу, якщо в закладі прийнято платити серйозні чайові. У той же час ці розцінки підвищуються, якщо артист часто «миготить» на радіо та телебаченні та вважається популярним.

Музика - це диво, народжене самою природою, одночасне магічне поєднання тиші та звуків організованих у часі та просторі. Живу музику можна порівняти хіба що з гармонією всесвіту, адже вона також може викликати в нас найсуперечливіші почуття та емоції: сльози, радість, розчулення, пристрасть, захоплення, здивування, умиротворення, а часом навіть обурення, роздратування та злість. Вона може нас повернути у минуле, плекає нас у теперішньому і малює горизонти майбутнього. Можливо, тому музика вічна?

Жива музика – що це?

Живе виконання музики – це відтворювані впорядковані звуки, просякнуті певною енергетикою тієї людини, яка їх витягує. Енергетика відтворюваних звуків унікальна і неповторна, тому що вона відчувається тільки тут і зараз у момент її посилання, а головне, передає внутрішні, потаємні переживання та почуття музиканта. Причому ми чуємо ми звуки інструментів чи голосу, головне, що дарує їх нам «жива субстанція» — дихаюча, думаюча і відчуваюча. Дарує нам музику в конкретний час і тільки там де відбувається сама дія. З цього випливає, що живе виконання музики – це феєричне виверження людської душі.

Століттями музика хвилювала серця людей, була своєрідною віддушиною для людства. Вона надихала, спрямовувала, заспокоювала і оберігала, здіймала дух, розчиняючи в собі накопичений мирський негатив. І не дивно, що з розвитком цивілізації та технологій у людей з'явилася пекуча потреба чути музику завжди і скрізь, балуючи свій слух уподобаними мотивами.

Історія виникнення звукозапису

Так, першим, що здивував і порадував світ своїм геніальним відкриттям, став французький бібліотекар і книгопродавець Едуард Леон Скотт де Мартенвілль в 1857 році. Йому вдалося здійснити глобальний прорив у розвитку музичного терену і створити перший звукозаписний пристрій, який називається фоноавтографом. Цей прилад дозволяв візуалізувати звукові коливанняале не відтворювати їх. І лише 1877 року американському винахіднику Томасу Едісону пощастило вдосконалити апарат Мартенвілля, який назвали фонографом. Він міг не лише записувати звуки, а й програвати їх. На той час було зроблено перші записи уривків вистав, виступи музикантів, співаків та ораторів.

Наприкінці 18 століття, на початку 19, з'явилися перші платівки і було створено компанію звукозапису. Рік у рік люди вдосконалили музичний напрямі завдяки цьому — сьогодні ми маємо можливість насолоджуватися чарівними звуками музики, не обмежуючи себе в цьому завдяки набутим технічним можливостям для її перетворення і посилення. Електронна техніка, акустичні системи, мікрофони, мікшери, пульти, перетворювачі, всілякі примочки та сучасні «інтелектуальні» інструменти - все це посприяло розвитку сучасної музичної індустрії, наблизивши її до досконалості та формування різноманітних музичних жанрів, напрямів.

У наші дні, окрім живого виконання музики, існує безліч варіантів представлення музики.

Плюсова фонограма

Плюсування або плюсова фонограма — найзручніший та найпоширеніший метод для сучасних артистів, який значно спрощує роботу в цій сфері, даючи можливість дарувати свій талант у маси з мінімальними витратами сил та часу.

Плюсова фонограма стала законодавцем моди у 80-90 роки, коли в усьому світі стрімко розвивалася поп-музика. Артисти гастролювали містами та країнами, даючи по 3-4 концерти на день, збираючи величезні стадіони фанатів та любителів. Тоді виявилося просто неможливим обходитися без неї.

За своєю суттю плюсовка — це заздалегідь записаний музичний супровід із накладенням голосу співака чи співачки на нього за допомогою спеціального звукозаписного обладнання.

Завдяки цьому артистам набагато легше виступати, даючи концерти. Їм потрібно просто гідно відіграти свою роль на сцені, відкриваючи рота під фонограму і створюючи святкову атмосферу в залі.

За всієї практичності використання плюсовки, в ній є дуже великий недолік. Вона не дає можливості артисту розкритися на всі сто відсотків, оскільки завдяки запису втрачається енергетичний потік, що виходить від виконавця в той момент, коли він співає, витягуючи звуки живцем. Само собою, контакт із глядачем стає менш емоційним та природним. Адже головне завдання «зірки» — налагодити енергетичний зв'язок із слухачем та подарувати йому незабутню атмосферу. Тому сьогодні намагаються відродити живе виконання та дедалі більше музикантів повертаються до живого виконання музики.

Мінусівка

Мінусівка – це записаний інструментальний трек, іноді з прописаним бек-вокалом. Так само як і «плюсування» записується на студії аранжувальниками. Фахівці роблять велику роботу з музичним матеріалом, записуючи окремо кожен інструмент (барабани, скрипку, клавішну групу, гітару, бас-гітару, духові), якщо говорити музичними термінами, то - накопичують пресети. Потім зводять (з'єднують) їх, при цьому накладаючи необхідні ефекти, якщо вони доречні. А виконавець потім зверху накладає свій вокал, тобто співає живцем.

Мінусівка теж поширена форма в артистів, оскільки завдяки їй набагато простіше організувати виступи і дешевше, що важливо. Виступ під заздалегідь записане мінусування вимагає набагато менше технікита людей, задіяних у цьому заході. Іноді без мінусовок неможливо реально заснувати концерт, цьому заважають технічні можливості того чи іншого майданчика. Коли співаки працюють під «мінус», це чути, і визначити, що вокаліст співає живцем, здатна навіть людина, яка не знається на всіх тонкощах музичних проблем.

Виконання музики наживо

Це коли музиканти грають на електронних або класичних інструментахабо співають у реальному часі - тут і зараз. Але в будь-якому випадку в наш час використовуються всілякі технічні пристрої. Це необхідно для того, щоб розкрити образ того чи іншого твору, внести нові фарби та відтінки, наголосити на якомусь нюансі або приховати його.

За допомогою техніки можна скрасити недоробки або професійні ляпи та зробити шоу живої музики яскравішим, видовищним, незвичайним та індивідуальним.

Легендарні музиканти вважають за краще виступати тільки наживо. Оскільки вони розуміють «секрет успіху» і для них дуже важливо мати цей енергетичний обмін з аудиторією, віддаючи себе глядачам цілком емоційно і фізично розчиняючись у цьому процесі. Тим більше, що живе виконання музики — це незаперечний знак якості та професіоналізму. Саме тому такий вид колективів, як кавер група, працюють тільки наживо, якщо, звичайно, вони справжні професіонали.

Живий концерт від "А" до "Я"

Живий звук спочатку передбачає спеціально розраховані для цього майданчики та зали, де архітекторами ще при розробці плану будівлі враховуються всі нюанси для відтворення правильної акустики. Це сприяє гарному вилученню живого звуку, його глибині та об'ємності. Зрозуміло, якщо музиканти вміють робити свою справу, дотримуючись музичну грамоту. Передаючи всі інтонаційні та динамічні моменти, віртуозні пасажі, теоретичні штрихи та темп саме так, як було задумано автором виконуваного твору. Наприклад можна навести гру оркестру. Якщо під час виступу все вищезгадане витримується, то ми можемо із задоволенням насолоджуватися божественною силою музики, на якийсь час потрапляючи в інше — неземний вимір.

Насамкінець хочеться відзначити — щоб створювати і виконувати живе дихаюче виконання пісень чи музики, творчим людямнеобхідно крім професійних навичок, технічних «наворотів» мати натхнення і мати Божественний дар, простіше кажучи — талант. Тільки в цьому випадку музична історіябуде поповнюватися новими шедеврами, виступи будуть успішними та неперевершеними, а слухачі — вдячними та відданими, обдаровуючи артистів оплесками та бурхливими оваціями.

1. Голос співака звучить надто рівно

Будь-який інтенсивний рух позначається на співі — саме тому фрази у танцювальних піснях неминуче коротші, ніж у ліричних медляках. Якщо характер співу ніяк не змінюється, поки артист стрибає по сцені, і ви не чуєте його дихання – це ознака увімкненої «фанери».

Один із найвідоміших борців за живий звук, автор так і не прийнятого в 2007 році законопроекту Мосміськдуми «Про фонограму» Андрій Ковальов розповів «Праці» про найчастіший контраргумент захисників «фанери» на естраді: «Одного разу між Мадонною та Елтоном Джоном розгорнулася полеміка. Сер Елтон заявив: «Дорога Мадонно, я зайшов на твій концерт, і що? Половину пісень ти виконала під фонограму». Мадонна відповіла: «Так, любий Елтоне, бо я на сцені стрибаю і танцюю». Елтон заперечив: «Але я заплатив не за те, щоб дивитися, як ти стрибаєш, а за те, щоб чути твій спів».

Те, що сказала Мадонна, звичайно ж, відмовка. Навіть за найбільшої інтенсивності рухів можна нормально співати. Подивіться, як працюють Slipknot. Або Iron Maiden — їхньому лідеру Брюсу Дікінсону за 60, а який вокал видає, бігаючи сценою! Вся справа у бажанні та фізичної форми. Прекрасний спосіб тренування - спів у поєднанні з бігом на доріжці тренажера. І у нас є активно Танцюючі люди, які співають при цьому виключно наживо. Наприклад, Анжеліка Варум та Леонід Агутін — вони навіть від організаторів корпоративів, не кажучи вже про афішні концерти, вимагають щоб була апаратура для живого звуку.

2. Слідкуйте за руками звукорежисера

Якщо ви сидите в залі недалеко від пульта звукорежисера, слідкуйте за його роботою. Деякі артисти – наприклад, Глюкоза – записують окремо інструментальний супровід та власний голос. Це дає можливість наступної маніпуляції: у якісь моменти співак може простягнути мікрофон глядачам — мовляв, попийте самі та переконайтесь, що звук живий. У ці секунди слідкуйте за звукорежисером: якщо він різко рушив однією з ручок вгору — швидше за все, він ввів на повну потужність мікрофон соліста, і тепер звук справді живий. А до того була "фанера".

«Усі рок-музиканти працюють наживо, — вважає Андрій Ковальов. — Як і всі шансоньє. А от поп-співаки в середньому п'ятдесят на п'ятдесят. Наприклад, Філіпа Кіркорова я не розумію — чудовий співак міг би завжди співати наживо, але до 30 відсотків пісень виконує під фонограму. Діма Білан використовує так звані дабли: накладає живий голос на ньому ж записані треки, тож живого звучання там лише 20-30 відсотків. Борис Моїсеєв працює лише під фонограму. А ось Микола Басков, Валерій Меладзе, Олег Газманов чи „Ранетки“ завжди співають наживо».

3. Говорить одним голосом, співає іншим

Сьогодні виконавці люблять усілякі звернення до публіки: "Які ви чудові!", "Де ваші руки?" і так далі. Експерти радять простежити за цим. Якщо при однаковій силі голосу його тембр у розмовному варіанті сильно відрізняється від того, що звучав у пісні, це є вірною ознакою використання фонограми. Так, наприклад, буває при зйомках більшості телевізійних програм, які за традицією пишуться під готову звукову доріжку

4. Телекамера - супутниця "фанери"

Якщо ви побачили у залі крани з телекамерами, то можете бути на 90 відсотків впевнені: тут звучить «фанера». А якщо концерт збірний, тобто відбувається за участю безлічі артистів, то й на всі 100. Бо неможливо швидко налаштувати апаратуру під кожного артиста. «З власного досвіду роботи в групі „Пілігрим“ знаю, що на налаштування звуку йде не менше трьох годин, — каже Ковальов. — Звісно, ​​на збірних концертах ніхто цього не робить. Але в такому разі глядачі повинні замислитися: а чи стоїть видовище тих великих грошейякі вони за нього заплатили? Адже по суті їх зробили статистами, тобто це їм мають платити за зйомки, а не вони».

Отже, всі «Пісні року» та подібні до них дійства — суцільна «фанера». Хоча насправді ми далеко пішли від тих часів, коли недосконала апаратура не дозволяла записати якісний звукна живе шоу. Сьогодні така нагода є. На деяких телешоу звук уже живий та дуже якісний. Так що вся справа в бажанні чи небажанні телевізійників поратися з живою акустикою.

5. Прямо як на диску

Живе виконання завжди має якісь індивідуальні особливостіта шорсткості. Тут ритм трохи прискорився, там мелодійна прикраса додалася: Якщо ж ви чуєте співи, до найдрібніших деталейзбігається з відомою по дисках і радіоефіру фонограмою, це означає, що саме вона тут і звучить.

Втім, цей спосіб не завжди працює. «Деякі майстри йдуть на хитрощі, – розповів „Праці“ Андрій Ковальов. — Ті зірки, яким дозволяють кошти, пишуть спеціальний концертний „плюс один“ із деякими шорсткістю виконання. Наприклад, Софія Ротару в 1970-х записала фонограму зі натхненним кіксом, ніби в неї зривається голос. Вона тут мило вибачалася, і в публіки створювалося враження живого співу».

Опитування: "Фонограма - це зло?"

Йосип Кобзон, співак: «Немає конкретних заходів покарання за фонограму»

— Коли я був головою комітету з питань культури Держдуми, ми багато на цю тему говорили. Існує закон про захист прав споживачів, але немає механізму його виконання і немає заходів покарання. Потрібно створювати штат контролерів – не у складі Росспоживнагляду, а новий орган.

Йосип Пригожин, продюсер: «Фонограмники пішли в корпоративи»

— Ті, хто існує за рахунок публічних концертів, працюють живцем. А фонограмники пішли у корпоративи. На збірних концертах фонограма може бути. У нас не заведено, коли один живий оркестр супроводжує всіх співаків програми.

Ілля Чорт, р ок-музикант: "Фонограма - це брехня"

— У рок-музиці, на відміну від попси, уявити фонограму неможливо. Це називається брехня. Коли на сцені відкривають рота і виляють попою під чийсь запис — свій, а буває, що й чужий. Розмови про те, що у якихось шоу живий звук створює технічні складнощі — відмовка.

В'ячеслав Бутусов, рок-музикант: «Потрібно виховувати совість у людях»
— «Фанера» проникла до нашого концертного бізнесу рівно настільки, наскільки дозволяє наш концертний бізнес. Оскільки у нас поняття “бізнес” сильно перекручене і означає лише примітивну схему: поменше віддати - побільше забрати, то вся наша концертна діяльністьвиглядає як грабіж по Остапу Бендеру. Чому рокери зазвичай працюють живцем, а попса часто – під «фанеру»? Рокери – аскети, їм не обов'язково солодко їсти та м'яко спати. Завдяки такому розподілу душевної уваги їм вдається приділяти більший часкорисним аспектам цього життя.