Klassische Stile im Innenraum. Barock und Klassizismus in der Architektur

architektonischer Klassizismus, barocke Stadtplanung

Eigenschaften von jedem entwickelter Stil weist keine besonderen methodischen Schwierigkeiten auf. Eine andere Sache ist die Analyse des Wendepunkts zwischen zwei spezifischen Stilen, die ihrem Wesen nach widersprüchlich ist. Wie kommt es zu einem solchen Bruch? Dabei geht es uns nicht so sehr um die Frage nach den Ursachen im Allgemeinen, sondern um die Klärung der Grundmuster des Stilwandels. Auf der Suche nach solchen Gesetzmäßigkeiten werden wir bewusst eine polemische Zuspitzung der Formulierungen zulassen, um den vorgeschlagenen Standpunkt schärfer hervorzuheben. Der Übergang vom Barock zum Klassizismus war einer der sich am schnellsten verändernden Stile der Wohnarchitektur. Das Ende der 1750er Jahre ist noch immer die Blütezeit des Barock. Bereits die Mitte der 1760er Jahre war die Zeit der weiten Verbreitung des Klassizismus. Für einen extrem kurzen Zeitraum von fünf bis sieben Jahren findet eine völlige Veränderung des ästhetischen Geschmacks statt. Russische Architektur Barock XVIII V. war ein historisch bedingtes, komplexes und eigenartiges Phänomen, das viele Traditionen der russischen Architektur aufnahm XVII Jahrhundert, und eine Reihe von Merkmalen der häuslichen Architektur der unmittelbar vorangegangenen Zeit – also des Beginns des 18. Jahrhunderts – und der Einfluss der Architektur der wichtigsten zeitgenössischen europäischen Länder. Diese sehr unterschiedlichen Komponenten bildeten jedoch eine starke Legierung, die Merkmale einzigartiger Originalität besaß. Beide Richtungen kannten damals ihre zukünftigen Namen noch nicht, aber die Essenz stilistischer Unterschiede und ihre Grenzen sind in den Beispielen der besten Gebäude, die fast in denselben Jahren entstanden oder entworfen wurden, deutlich sichtbar. Der betont saftigen Dekorativität und Dynamik der barocken Formen steht die leicht trockene rationalistische Architektur des Frühklassizismus gegenüber. Die bedeutendsten Gebäude des russischen Barocks – der Winterpalast von B. F. Rastrelli und die St.-Nikolaus-Marinekathedrale von S. I. Chevakinskrgo, die so typisch für ihre überbordende Bravour sind – wurden 1762 fertiggestellt. Zur gleichen Zeit, bereits 1760 A. F. Kokorinov entwirft das Pleasure House bei Oranienbaum – ein Werk, in dem die Prinzipien einer neuen Architekturrichtung dominieren. Der Grundriss, die Silhouette und das gesamte Volumen des Gebäudes sind sehr kompakt, wobei die Dominanz horizontaler Linien betont wird. Die Details sind in klassischen Formen und Proportionen gehalten. Im selben Jahr wurde A.F. Kokorinov zusammen mit Zh.B. M. Wallen Delamotte erstellt die erste Version des Projekts des Großen Gostiny Dvor in St. Petersburg. In dieser Version, die zur Grundlage der zwei Jahre später getroffenen endgültigen Entscheidung wurde, war bereits die Idee eines majestätischen Geschäftsgebäudes in seiner Einfachheit mit einem gemessenen Rhythmus zweistöckiger Arkaden, die von bescheidenen Pilastern toskanischer Ordnung durchzogen wurden, festgelegt . 1763-1764. Es werden Projekte für die Akademie der Künste (A. F. Kokorinov und J.-B. Vallin Delamotte), Waisenhäuser in Moskau (K. I. Blank) und St. Petersburg (Yu. M. Felten) entwickelt – die ersten Gebäude, die speziell für Bildungszwecke konzipiert wurden. Davon ist das Gebäude der Akademie der Künste die beste Arbeit die Anfangszeit des russischen Klassizismus. Da es sich an einem verantwortungsvollen Standort befindet und seine Hauptfassade auf die Hauptwasserstraße der Hauptstadt, die Newa, ausgerichtet ist, trägt es zur architektonischen Gestaltung eines bedeutenden Abschnitts des Dammes bei. Der Bauplan basiert auf einem durchdachten funktionalen Ausbildungsprozess für Künstler: Die Hauptarbeitsbereiche sind entlang der Außenkante des Gebäudes und um einen riesigen kreisförmigen Innenhof herum angeordnet, der ihnen eine gute Beleuchtung bietet. Die Oberfläche der Wände ist reichlich zergliedert, die Gliederungen mit klar definierten Ordnungsproportionen sind jedoch überwiegend flächiger Natur. Dem Stilwechsel ging keine Zeit des Niedergangs und des allmählichen Verfalls voraus. Im Gegenteil: Gerade im Moment seiner höchsten Blüte erwies sich der Barock als unhaltbar für die Lösung neuer Probleme, und Bauten im klassizistischen Stil entstanden sofort mit überraschender Geschwindigkeit. Eine solche Geschwindigkeit beim Stilwechsel ist nicht typisch. Es ist, wie bereits erwähnt, ein charakteristisches Merkmal dieser Wende – vom Barock zum Klassizismus – und wurde durch die allgemeine Situation verursacht, als die künstlich verlangsamte historische Entwicklung begann, die verlorene Zeit energisch aufzuholen. Das Konzept des Barock als ganzheitlicher Stil dominierte nicht nur die Architektur, sondern hatte überhaupt keinen wesentlichen Einfluss mehr auf deren weitere Entwicklung. Einzelne Merkmale des alten Systems waren, obwohl sie eine Zeit lang in bestimmten Elementen der Strukturen des frühen Klassizismus auftauchten, nur Überbleibsel, die nach und nach obsolet wurden. Nur in den Provinzen existierten barocke Formen aus Trägheit fast bis dahin spätes XVII 1. Jahrhundert Zu den historischen Voraussetzungen für einen Stilwandel zählen materielle und ideologische Faktoren. Als wichtigstes Merkmal ist der deutliche Anstieg der militärischen und politischen Macht Russlands bei gleichzeitig schnellem Wachstum seines wirtschaftlichen Potenzials hervorzuheben.

Nicht minder wichtige Voraussetzungen für einen Stilwandel waren die Ideen der Aufklärung, des Humanismus, der Ideale natürlicher Mensch charakteristisch für das gesamte fortgeschrittene Denken des 18. Jahrhunderts. Der Ruf nach der Vernunft als Hauptkriterium und Maßstab aller Leistungen wurde immer lauter. Die Ideen des Rationalismus wurden seit der zweiten Hälfte des Jahrhunderts weit verbreitet.

In der Architektur führten all diese Faktoren zu großen Veränderungen. Der wirtschaftliche Wohlstand des Landes führte zu einem raschen Wachstum des Bauwesens in allen Bereichen. Veränderungen in der ideologischen Ordnung erforderten eine deutliche Erweiterung der architektonischen Themen, einen anderen figurativen Inhalt. Ständig tauchten nie dagewesene Themen und Aufgaben auf.

Inzwischen zeichnete sich die barocke Architektur durch thematische Enge aus. Der Bereich der Architektur als Kunst beschränkte sich hauptsächlich auf den Palast- und Sakralbau. Wenn es notwendig war, Strukturen für einen anderen Zweck zu schaffen, dann wurden sie in den gleichen, palastnahen, zeremoniellen, höchst feierlichen Formen entwickelt, ein Beispiel dafür ist das von F. B. vorgeschlagene Projekt des Gostiny Dvor in St. Petersburg. Rastrelli im Jahr 1757.

Die Entwicklung barocker Formen auf dem Weg ihrer weiteren Komplikation könnte noch längere Zeit andauern, der Anwendungsbereich solcher Formen konnte jedoch in keiner Weise erweitert werden. Die Möglichkeiten des Stils gerieten in Konflikt mit der Realität. Dies bestimmte sein Schicksal.

Bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts bestand die Notwendigkeit, verschiedene Arten neuer öffentlicher Gebäude oder solcher Gebäude zu schaffen, die im Barock keine künstlerische Bedeutung hatten – zum Beispiel Industrie-, Lager- und Gewerbegebäude. Auch im Wohnungsbau ergaben sich neue Aufgaben. Schließlich erhielt die Gesamtstadt als soziale Einheit eine deutlich andere Charakteristik als zuvor und erforderte in dieser Hinsicht eine andere planerische und volumetrische Lösung.

Dieses ganze Anwachsen der Anforderungen vollzog sich im Ausmaß eines riesigen Landes.

Traditionelle Kreativmethoden konnten solche Aufgaben nicht bewältigen. Solche, wenn auch einfachere, Aufgaben stellten sich den Architekten bereits zu Beginn des 18. Jahrhunderts. Die Architektur der Zeit Peters des Großen zeichnet sich durch klare und umsetzbare Entscheidungen aus, die auf klaren rationalistischen Prinzipien basieren. Die Traditionen des Rationalismus tauchten in der russischen Architektur zu Beginn des 18. Jahrhunderts natürlich nicht zum ersten Mal auf. Diese Traditionen bestehen seit langem, doch es gab Epochen, die für ihre Entwicklung besonders günstig waren, und Zeiten, in denen der Rationalismus als Restphänomen der Vorperiode latent in der Architektur existierte. Russischer Barock des zweiten Viertels des 18. Jahrhunderts. entging auch nicht dem Einfluss der ihr vorausgehenden petrinischen Architektur, und der Rationalismus der letzteren fügte einige einzelne Elemente in die Stilmerkmale einer ihr im Wesentlichen entgegengesetzten Richtung ein.

Auch im Werk des führenden Barockmeisters Rastrelli sind Elemente des Rationalismus erkennbar. So beeinträchtigt beispielsweise die fantastisch reiche und formkomplexe Dekoration der Palastgebäude dieses Architekten nicht die Einfachheit und Klarheit der Pläne.

In den Werken von D. V. Ukhtomsky und S. I. Chevakinsky sind rationalistische Tendenzen noch deutlicher erkennbar. Es lohnt sich, an Ukhtomskys Projekt für das Invalidenheim in Moskau oder an den Glockenturm der St.-Nikolaus-Marine-Kathedrale in St. Petersburg zu erinnern, dessen klare Klarheit der Architektur sich so sehr von der überschwänglichen Fröhlichkeit der Kathedrale selbst unterscheidet, dass einige Gelehrte sie gar nicht wollten es als das Werk von Chevakinsky zu erkennen. Beide Architekten waren Schüler von I. K. Korobov, dessen Aktivitäten teilweise mit der Barockzeit zusammenfielen. Unter den Meistern dieser Zeit behielt jedoch Korobov, einer der glorreichen Rentner Peters des Großen, die rationalistischste Ausrichtung seines Werkes bei. Durch Korobov wurden die Traditionen des Rationalismus in den Werken seiner zahlreichen Schüler fortgeführt und im Werk des jüngsten von ihnen, A.F. Kokorinov, in einer anderen künstlerischen Qualität wiederbelebt, im Geiste der Aufgaben des Neuen neu gedacht architektonische Leitung.

Der Rationalismus als Streben nach Klarheit, Verständlichkeit und Logik des architektonischen Bildes – alles als Ganzes und seine einzelnen Bestandteile – wurde zum Hauptfaktor bei der Bildung eines neuen Stils. Seine Prinzipien erforderten ein besonders harmonisches, logisch ganzheitliches künstlerisches Konzept. Ein solches Konzept wurde bereits früher in den klassischen Architekturschulen der Antike und der Renaissance entwickelt. Die Architekten begannen, das Erbe der Antike (in ihrer damals einzigen verfügbaren römischen Interpretation) und der Renaissance sorgfältig zu studieren. Die Aufmerksamkeit für die Klassiker wurde sozusagen zu einem sekundären Faktor bei der Entstehung der Architektur des frühen russischen Klassizismus.

Natürlich konnte das Studium der klassischen Formgebungstraditionen unter den damaligen russischen Bedingungen nur durch Bekanntschaft mit den theoretischen Werken von Vitruv, Andrea Palladio, Vignola und mit Uvrazh erfolgen, in denen sich vermessene Zeichnungen oder Skizzen von Baudenkmälern befanden platziert. Die Unzulänglichkeit dieser Kennenlernmethode wurde sehr bald erkannt. Bezeichnend ist, dass, wenn der junge B. F. Rastrelli einst nicht weiter als bis nach Deutschland ins Ausland reiste, wo er nur die Erfahrungen zeitgenössischer deutscher Architektur kennenlernte, bereits in der ersten Hälfte der 1750er Jahre die Idee entstand, den vielversprechenden Gezel Kokorinov zu schicken nach Italien zum Studium der Architektur der Antike und der Renaissance. Seit 1760 begann die neu gegründete Akademie der Künste, ihre besten Schüler regelmäßig ins Ausland zu schicken und ihnen die Aufgabe zu übertragen, sich mit den Denkmälern der Architekturklassiker vertraut zu machen.

Ein weiterer Faktor, der die Bildung eines neuen Stils in Russland beeinflusste, war schließlich die Verbindung der russischen Architektur mit der zeitgenössischen Architektur anderer Länder, unter denen Frankreich damals in allen Bereichen der Ideologie das führende Land war.

Für die russische Architektur erlangten Verbindungen zur französischen Architektur bereits im ersten Viertel des 18. Jahrhunderts große Bedeutung, als J.-BA Leblon, nach Russland eingeladen, hier nicht nur eines der grundlegenden Planungsprojekte für St. schuf, sondern dessen Physiognomie bestimmte die junge russische Hauptstadt.

Die Tendenzen des Rationalismus, die für den Zweig der französischen Architektur charakteristisch sind, für den Leblon ein Vertreter war, fielen mit der Hauptrichtung der russischen Architektur zu Beginn des 18. Jahrhunderts zusammen. Der Wandel in der Ausrichtung der Architektur in der nachpetrinischen Zeit führte auch zu einer Veränderung der Art der Beziehungen zur französischen Architektur. Rokoko-Tricks begannen sich des Erfolgs zu erfreuen, der in Frankreich selbst zu dieser Zeit eine schwere Niederlage erlitten hatte. Wettbewerb für das Projekt der Hauptfassade der Kirche St. Sulpicia in Paris läutete eine Wende in der Entwicklung architektonischer Ideen ein. Bei diesem Wettbewerb wurden die von J. O. Meissonier auf den höchsten Grad gebrachten Prinzipien des Rokoko-Dekorativismus abgelehnt und der strengen und klassisch klaren Komposition von J. N. Servandoni der Vorzug gegeben, die dann im Wesentlichen 1733 umgesetzt wurde -- 1745

Entwicklung öffentliches Leben In den 1750er Jahren konzentrierte sich die russische Architektur auf die fortgeschrittenen Errungenschaften französischer Architekten. Eine wichtige Etappe beim Sieg des Klassizismus in Frankreich war der Wettbewerb um die Schaffung des Place Louis XV in Paris. Als Ergebnis mehrerer aufeinanderfolgender Wettbewerbsrunden (Ende der 1740er – Anfang der 1750er Jahre) gewann das Projekt von J.A. Gabriel, was die Anerkennung neuer Ansichten über städtebauliche Grundsätze markierte. Zum ersten Mal in der Weltgeschichte wurde der Stadtplatz in Bezug und Verbindung zum gesamten Stadtraum festgelegt.

Der Erfolg von J.-J. Soufflet im St. Genevieve in Paris und Gabriels Bau der intimen Palastvilla Petit Trianon in Versailles bedeuteten bereits den endgültigen Sieg des neuen Trends in der französischen Architektur.

In Russland wurden die Werke der Architekturtheoretiker M. A. Laugier, J. F. Blondel und anderer mit Interesse und Aufmerksamkeit studiert. Blondels Idee war zu deutlich französisch-national geprägt und von der konsequenten Umsetzung klassischer Formen noch weit entfernt, was unter anderem bei der Ablehnung des Projekts eine Rolle spielte. Aber das war bereits ein Zufall im allgemeinen Verlauf der Geschichte. Ab Ende der 1750er Jahre war es die fortgeschrittene französische Architektur, die in ihren Zielen und Bestrebungen der russischen Architektur am nächsten kam.

Am Beispiel des Übergangs vom Barock zum Klassizismus kann versucht werden, einige allgemeine Muster im Wandel der Architekturstile abzuleiten.

Der neu entstehende Stil wird neuen Anforderungen gerecht und in diesem Sinne ist sein Weg immer originell und unerforscht. Je innovativer dieser Neuling ist, desto umfassender müssen die Traditionen sein, auf die er sich stützt. Aber gleichzeitig verhält sich die entstehende Richtung mit durchaus verständlichem Widerspruch zu den Methoden ihres Vorgängers, die in einem bestimmten Moment ihre Inkonsistenz offenbarten. Daher jeder ein neuer Stil sucht Halt in den Kunsttraditionen nicht der unmittelbar vorangegangenen, sondern einer weiter zurückliegenden Zeit und vor allem in den Traditionen der „Großväter“. Schließlich verleugnete auch der bisherige Stil die vor ihm bestehende Richtung, weshalb die „großväterlichen“ Traditionen jedes Mal zur Hauptquelle der Anleihen werden.

Tatsächlich ist die russische Barockarchitektur des zweiten Drittels des 18. Jahrhunderts im Geiste den Gebäuden Russlands am Ende des 17. Jahrhunderts viel näher als der Architektur der Ära Peters I.

Aus dem gleichen Grund fand der für die petrinische Architektur charakteristische Wunsch nach Aufklärung, Utilitarismus und allumfassendem Rationalismus in der Architektur des Klassizismus seine eigenständige Fortsetzung. Ein so originelles Gebäude für einen Komplex wissenschaftlicher Institutionen wie die unter Peter dem Großen konzipierte Kunstkammer erfuhr im Barock keine Weiterentwicklung als neuer Gebäudetyp oder gar eine Wiederholung, wenn auch vereinfacht. Inzwischen begann die Architektur des Klassizismus genau mit der Schaffung eines solchen Bauwerks: Das Gebäude der Akademie der Künste vereinte das Höchste Kunstzentrum, ein Museum, eine Bildungseinrichtung der „drei edelsten“ Künste mit einem Internat und sogar angeschlossenem Theater, Künstlerateliers und Wohnwohnungen für das Lehrpersonal.

Die Petruszeit schenkte den Palastbauten keine große Aufmerksamkeit, legte jedoch großen Wert auf den Zweckbau und erhob ihn auf das Niveau echter Architektur. Die Admiralität in St. Petersburg wurde nicht einfach so entschieden Industrieunternehmen, kombiniert mit einer Verteidigungsanlage, aber als Denkmal für die Seemacht Russlands. Das Gebäude war sehr niedrig und das Material – Fachwerk – war überhaupt nicht monumental, aber die Idee eines breiten, 400 Meter breiten Bauwerks, das in der Mitte durch einen Turm mit Turmspitze gekennzeichnet war, war die Idee von großartiger Architektur.

Einer der großen Meister des russischen Barocks, S. I. Chevakinsky, entwarf und baute in seiner Position als Architekt der Admiralitätskollegien viele Nutzbauten für die heimische Flotte. Aber unter seinen Werken gibt es keine Gebäude, die der Admiralität ähneln und in ihrer architektonischen Gestaltung von Bedeutung sind. Mit dem Bau der St.-Nikolaus-Marine-Kathedrale schuf Chevakinsky mithilfe der Architektur eine freudige, jubelnde Hymne. Dennoch verlangte die Epoche von ihm in Zweckbauten nichts anderes als Stärke und Nützlichkeit.

Bezeichnend ist, dass Chevakinsky Anfang der 1760er Jahre, nachdem er mit dem Projekt eines Holzlagergebäudes auf der Insel New Holland in St. Petersburg begonnen hatte, eine neue Technologie zur Holzlagerung entwickelte und auch einen Bauplan erstellte, den er jedoch nicht bewältigen konnte die figurative Lösung der Fassaden, und dieser Teil der Arbeit wurde dem Architekten der neuen Richtung - Wallen Delamotte - anvertraut.

Der Rationalismus, der die Grundlage des Klassizismus-Konzepts bildet, fand auch in den Architekturtraditionen des frühen 18. Jahrhunderts Widerhall, obwohl, wie bereits erwähnt, die russische Barockarchitektur selbst diese Traditionen teilweise nutzte.

An dieser Stelle möchte ich betonen, dass die wichtigsten Traditionen niemals sterben. Sie entwickeln sich in einer Aufwärtsspirale. Mit jeder weiteren Umdrehung vergeht ein Teil der Bewegung relativ gesehen im Schatten. Der damals vorherrschende Stil duldet eine solche „Schatten“-Tradition nur und verwendet sie oft sogar im umgekehrten Sinne.

War das Ideal der Renaissance ein harmonisch vollkommener Mensch, ein Mensch, bei dem es keine Widersprüche zwischen dem Persönlichen und dem Öffentlichen gibt, dann ist der Mensch des 17. Jahrhunderts durch einen endlosen Konflikt dieser Prinzipien gekennzeichnet; wenn der Held der Kunstwerke der Renaissance durch Einheit mit gekennzeichnet war Außenwelt, Natur, dann ist sich der Held des New Age seiner Abhängigkeit von der Umwelt und äußeren Umständen bewusst. Das Drama der Realität, der Zusammenbruch des Ideals der Renaissance führte zu neuen Formen der Weltwahrnehmung. Der optimistische Realismus der Renaissance wird durch ein Gefühl für die instabile Lage eines Menschen ersetzt, der durch den einen oder anderen inneren Konflikt gekennzeichnet ist: ein Zusammenprall individueller Rechte und öffentlicher Pflichten, eine Rebellion gegen blinden Gehorsam gegenüber weltlichen oder kirchlichen Autoritäten Autoritäten, Bewusstsein für die Widersprüchlichkeit des Seins. Für den Menschen wird es immer schwieriger, seinen Platz in den neuen Verhältnissen der Gesellschaft zu finden, die immer weniger des Allround-Menschen der Renaissance und immer mehr einer Person-Funktion bedarf. Dieser tragische Zusammenstoß findet seinen Ausdruck in zwei Denkrichtungen, in zwei Arten des Weltbezugs und schließlich in zwei künstlerischen Stilen. - Barock und Klassizismus.

Der Ursprung des Begriffs „Barock“ ist unklar, nur die Übersetzung aus dem Italienischen ist bekannt: seltsam, prätentiös. Man kann davon ausgehen, dass Barock repräsentiert nicht nur Kunst Stil(Barock wird oft nur als Kunstrichtung angesehen), sondern auch als besondere Art, sich auf die Welt und mit der Welt zu beziehen. Es ist mit der Krise der Ideale des Humanismus und den für das 17. Jahrhundert charakteristischen gesellschaftspolitischen Umbrüchen verbunden. Die Mentalität eines barocken Menschen ist geprägt von einem Gefühl der Verwirrung und Verwirrung, einem Gefühl für die Widersprüchlichkeit der Welt, der Vergänglichkeit des Glücks, der Allmacht von Schicksal und Zufall. Das optimistische Ideal der Renaissance „wird durch eine pessimistische Einschätzung der Realität und eine enthusiastische Bewunderung für den Menschen und seine Fähigkeiten ersetzt – durch die Betonung seiner Dualität, Widersprüchlichkeit und Verderbtheit“; „Die Diskrepanz zwischen der Erscheinung der Dinge und ihrem Wesen wird ständig verstanden, die Zersplitterung des Seins wird gefühlt, der Konflikt zwischen den körperlichen und geistigen Prinzipien, zwischen der Bindung an die sinnliche Schönheit der Welt und dem Bewusstsein für die Zerbrechlichkeit der irdischen Existenz.“

Die Entstehung des Barock wird am häufigsten mit der Gegenreformation in Verbindung gebracht. Tatsache ist, dass Europa nach den turbulenten Ereignissen der Vergangenheit und heftigen Religionskriegen verwüstet und zerstört wurde. Inmitten des vom Krieg zerrissenen Europas konnte nur Rom religiösen Stürmen und Umbrüchen entgehen. Es blieb die Hochburg der katholischen Kirche, wenn auch in ihrem Einfluss unter Druck geraten, aber immer noch sehr stark, insbesondere nach dem Konzil von Trient, und so entsteht hier der Wunsch, den Triumph der offiziellen Kirche zu bestätigen. Nach Angaben des modernen französischen Theoretikers E. Mal waren die Hauptideen der damaligen Kirche: Martyrium, Vision, Ekstase, Tod. Diese religiösen Themen waren in den Köpfen der Menschen mit der Bedeutung und dem guten Zweck einer gerechten Existenz verbunden. Sie konnten nicht nur auf einer rationalen Grundlage existieren, sie mussten sicherlich mit einer starken Emotion vermischt sein, die den Gläubigen beeindruckt und eine starke Wirkung auf jeden anderen Menschen hat. In dieser starken emotionalen Ladung sollte sich nicht nur der mystische Zustand der Gemeinschaft mit dem religiösen Sakrament einprägen, sondern auch das triumphale Gefühl des Sieges der Kirche über ihre Reformatoren. Daher erscheint der Barock zunächst in religiöse Kunst vor allem in der Architektur. Sowohl der romanische Stil als auch die Gotik hatten ganz bestimmte und auf die Ebene der Regelmäßigkeit erhobene Regeln für die Schaffung von Bauwerken. Die Linien dieser Gebäude waren klar und definiert. Barock ist „ein Aufruhr gekrümmter, sich kreuzender, schillernder Steinmassen, die ihre „Steinigkeit“ verloren haben und die Eigenschaften eines zähflüssigen Kunststoffmaterials angenommen zu haben scheinen“. Allmählich bewegte sich der Barock von der Architektur zur Bildhauerei, Malerei und anderen Formen des spirituellen Lebens.

Es kann sich die Frage stellen: Wie war ein so ungestümer und dynamischer (zunächst nur künstlerischer) Stil wie der Barock mit der Krise des Geistes verbunden, wie konnte er die spirituellen Unruhen und das Gefühl der Verwirrung kompensieren, die wir gerade im Rahmen erwähnt haben? der Kirchenkunst? Es sei darauf hingewiesen, dass die Gegenreformation religiöse Unterschiede nicht überwinden konnte – die Reformatoren forderten lediglich eine hohe Moral in religiösen Gefühlen. Die Kirche kämpfte in diesem Fall um Macht – irdische und spirituelle. Sie brauchte Apologeten, Sprecher und gerechte Gemeindemitglieder. Es sollte über die innere Welt eines Menschen herrschen, der die Gefahren des Rationalismus bereits gekostet hatte, das Ausmaß von Sünde und Frömmigkeit sowie das Schicksal aller Bevölkerungsgruppen – vom Bürger bis zum König – bestimmen. Es war möglich, sich in den Bann zu ziehen, indem man dem harten Leben eines Protestanten die strahlende Unterhaltung des Katholizismus entgegensetzte. Daher gibt es in der „barocken Kunst, selbst wenn sie direkt der Kirche diente, nicht sehr viel von dem, was man Frömmigkeit nennt, obwohl ständig Wunder, Visionen und mystische Ekstasen dargestellt werden.“ In diesen Ekstasen kommen Sinnlichkeit, „Fleischlichkeit“ und sogar völlige Erotik zu deutlich zum Ausdruck“ [ebd., S. 97].

Einer der berühmtesten Barocktheoretiker Emmanuele Tesauro(1592-1675) nannte als Hauptprinzip des „barocken Denkens“ das „Prinzip der schnellen Vernunft“. Der schnelle Verstand lebt nach Gesetzen, die sich von den Gesetzen des Denkens unterscheiden, er ist voller Fantasien, Metaphern, die das Wichtige und das Beiläufige, das Ernste und das Lustige, das Lustige und das Traurige verbinden. Es verbindet Natur und Mensch, das Göttliche und das vom menschlichen Genie Geschaffene. Genies mit einem schnellen Verstand: „Aus dem Nichtseienden entsteht das Existierende.“ Der Witz erschafft aus dem Immateriellen das Vorhandene, und nun wird aus dem Löwen ein Mensch, aus dem Adler eine Stadt. Es verschmilzt eine Frau mit der Erscheinung eines Fisches und erschafft eine Sirene als Symbol der Liebkosung, verbindet den Körper einer Ziege mit einer Schlange und bildet eine Chimäre – eine Hieroglyphe, die Wahnsinn bedeutet. In einem solchen Denksystem verschwinden nach und nach die Grenzen der unterschiedlichsten Phänomene, und in der Kunst tritt eine gewisse Missachtung der Zweckmäßigkeit auf, denn das, was man „gesunden Menschenverstand“ nennt.

Diese Merkmale des Barock spiegelten sich in ihrer Gesamtheit in den Werken von Caravaggio, Bernini in Italien, Velazquez in Spanien, Van Dyck und Rubens in Flandern wider.

Schaffung Paul Rubens(1577-1640) zeigt besonders deutlich die Durchdringung des Barock soziales Leben, seine Befreiung von religiösen Themen und seine Existenz als besondere Mentalität im Kontext der Kultur des 17. Jahrhunderts. In seinen Gemälden herrschen ständige Bewegung, Spannung, der oft phantastische Kampf von Menschen mit Tieren, Aufregung und der Triumph des Lebens. Er „hat mich dazu gebracht, natürliche Gesundheit und natürliche Stärke zu bewundern. Und all dies verband er erfolgreich mit den Anforderungen an prächtiges Dekor, Prunk, Lobpreisung der Monarchen ...“. In den Werken der Künstler dieser Zeit sei „der religiöse Geist unmerklich aus der Kunst verschwunden“. „Es waren die Zeiten der Oper, der Kantate und des Oratoriums, aber auch der Theaterzeremonien, der hochtrabenden Oden, der kunstvollen Reden, der langen Titel, der langen Perücken, der Allegorien und Übertreibungen in der Poesie, des schwerfälligen, komplizierten Witzes, der Embleme und Metaphern“ [ebd., S. 97].

In der Literatur drückt sich dies in dem Wunsch aus, die Fantasie zu befreien, den Leser zu überraschen und zu verblüffen, in einer Vorliebe für unerwartete Bilder, die Konzepte zusammenführen und weit voneinander entfernte Objekte gegenüberstellen. Hier sind die unterschiedlichsten Lebensformen miteinander verflochten, das Prinzip wird verwirklicht - Vom Großen zum Lächerlichen ein Schritt, denn im Barock existieren sie zusammen, wie andere Gegensätze: schön und hässlich (zum Beispiel können in Sonetten, die schönen Damen gewidmet sind, ihre schönen Haare und die darauf kriechenden Insekten mit gleicher Bewunderung beschrieben werden), Begeisterung und Unhöflichkeit und so weiter. An einem Pol der Barockkunst steht das Bild eines Rebellen, frei und hemmungslos, der sich nicht in die üblichen Verhaltensgrenzen einfügt, wie zum Beispiel Don Giovanni, der die Treue in der Liebe mit Füßen tritt, jedes Mal wie beim ersten Mal liebt und gnadenlos tötet Rivalen, bzw lyrischer Held funktioniert Cyrano de Bergerac(1619-1655). Auf der anderen Seite - ein puritanischer Rebell, asketisch und streng, wie der Held des Gedichts „ Verlorener Himmel" Großartig Englischer Dichter John Milton(1608-1674). Für den Barock und seine Theoretiker ist Witz als Fähigkeit, Konzepte zusammenzuführen (was als eine der Manifestationen des Geistes galt), obligatorisch, und die Hauptqualitäten einer solchen Fähigkeit sind Vielseitigkeit und Weitsicht. Tesauro glaubt, dass das Hellsehen „... in Substanz, Materie, Form, Zufall, Qualität, Ursache, Wirkung, Zweck, Sympathie, Gleiches, Gegenteil, Gleiches, Höheres, Niedrigeres, und auch in Embleme eindringt, Eigennamen und Pseudonyme. Die Vielseitigkeit erfasst jedoch schnell alle diese Wesen und ihre Beziehungen, sie „verbindet und trennt sie, vergrößert oder verringert sie, entfernt das eine vom anderen und setzt mit erstaunlicher Geschicklichkeit das eine an die Stelle des anderen.“

Der Barock als Lebensstil war eher typisch für höfische, aristokratische Kreise, aber auch das einfache Volk war durch einige Erscheinungsformen dieses Stils gekennzeichnet, die sich in komischen, parodistischen oder asketisch korrekten Verhaltensweisen ausdrückten, die der protestantischen Ethik nahe standen.

Klassizismus entwickelt und am deutlichsten ausgedrückt in den Bedingungen der absoluten Monarchie in Frankreich. Dies bedeutet nicht, dass es nicht auch in anderen Ländern stattgefunden hat. Der Klassizismus war ebenso wie der Barock der gesamten Kultur des 17. Jahrhunderts immanent. Wenn der Barock mit seinem Reichtum und seiner Vielfalt an Empfindungen zur Sensationslust als Weg der sinnlichen Welterkenntnis tendiert, dann erfordert der Klassizismus rationalistische Klarheit, eine geordnete Methode, das Ganze in Teile zu unterteilen und jeden einzelnen davon nacheinander zu betrachten. Dafür braucht es innere Harmonie, Augenmaß und Seelenfrieden. Die Mentalität eines klassizistisch orientierten Menschen ist geprägt vom Wunsch nach Vereinigung um den Monarchen, nach Ordnung. Erinnerung von Religionskriege Das vorige Jahrhundert und der Wunsch nach Stabilität zwangen ihn, eine strenge Hierarchie des Absolutismus zu akzeptieren, eine strenge Regelung der königlichen Macht.

Klassizisten in der Kunst zeichnen sich durch die Schaffung monumentaler Werke aus, das Bild aktiver Helden voller lebensnotwendige Energie und fähig – dank der Fähigkeit, die sie überwältigenden Leidenschaften zu bändigen – zur Lösung komplexer, tragischer Konflikte aufzusteigen. Daher tendiert das Theater zu Tragödien mit historischen Handlungssträngen, in denen der Konflikt zwischen Pflicht und Gefühl immer mit dem Sieg der Pflicht endet. Großartige Menschen haben in diese Richtung gearbeitet. Französische Dramatiker - Corneille(1606-1684) und Racine(1639-1699). Aber es gab auch eine Komödie des Klassizismus, die die Widersprüche der umgebenden Welt aufdeckte, wie das Werk beweist, das bis heute nicht an Aktualität verloren hat. Molière(1622-1673).

Die Theorie des Klassizismus ist geprägt vom Vernunftkult, der diesen Stil mit dem philosophischen Rationalismus verbindet. Die Vernunft ist im Klassizismus Quelle und Maß der Schönheit; für einen konsequenten Klassizisten der Wert Kunstwerk wird maßgeblich durch den Grad seiner logischen Harmonie und Klarheit, die Ordnungsmäßigkeit seiner Komposition bestimmt. Dies erklärt die Tendenz der Klassiker, Menschen als Helden darzustellen, die in der Lage sind, auch in Momenten der schwierigsten und stürmischsten Erfahrungen nüchtern zu denken, zu argumentieren und ihr Handeln dem Diktat der Vernunft unterzuordnen. Derselbe Wunsch nach Ordnung diktierte unterschiedliche Arten von Kunst, je nach ihrer Spezifität und bestimmte Regeln auf dem diese Werke entstehen sollen. Diese Regeln betrafen nicht nur das Thema oder die Handlung des Werks, sondern rationalisierten auch seine interne Struktur. Beispielsweise gab es in der Dramaturgie die berühmten „drei Einheiten“: die Einheit des Ortes, die Einheit der Zeit und die Einheit der Handlung. Die Einheit des Ortes bedeutete, dass alle Ereignisse an nur einem Ort, einer Bühnenkulisse stattfanden; die Einheit der Zeit erforderte, dass die Handlung innerhalb eines Tages beginnen und enden musste; Die Einheitlichkeit des Handelns erforderte, dass der zentrale Konflikt klar definiert und einzigartig war. Er hat die normative Seite der Kunst des Klassizismus am ausführlichsten dargelegt Nicolas Boileau(1636-1711) in der poetischen Abhandlung „Poetische Kunst“, in der er forderte, die künstlerische Inspiration der Vernunft unterzuordnen:

Sie müssen über die Idee nachdenken und erst dann schreiben.

Auch wenn Ihnen nicht klar ist, was Sie sagen wollen,

Suchen Sie nicht umsonst nach einfachen und präzisen Worten ...

Das 17. Jahrhundert gab der Menschheit hohe Leistungen Kultur in nahezu allen Tätigkeitsfeldern. Aber wir stellen noch einmal fest, dass es eine Zeit der Gegensätze war: Der Pracht des Hofes des „Sonnenkönigs“ Ludwig XIV. stand ein armes Volk gegenüber, das nicht nur ein Morgen, sondern auch ein Heute hatte; an die großartigsten Köpfe dieses Jahrhunderts – ein Adliger, der nicht lesen und schreiben kann und sich damit rühmt. Durch diese Gegensätze entsteht ein besonderes Zeitdrama, das sowohl die Ideen der Aufklärung als auch die darauffolgende Vielfältigkeit in der Entwicklung der Kultur der Neuzeit vorbereitete.

Unterschiede zwischen Barock und Klassizismus.

In der Ära des Klassizismus, die auf die Barockzeit folgte, nahm die Rolle der polyphonen Polyphonie ab und trat in den Vordergrund homophone Polyphonie
( aus dem Griechischen „homos“ – „one“ und „fone“ – „sound“, „voice“)

Im Gegensatz zu Polyfonie, wo alle Stimmen gleich sind, homophone Polyphonie sticht heraus eins, durchführen Hauptthema , und der Rest spielt eine Rolle Begleitung(Begleitung). Die Begleitung ist meist ein Akkordsystem (Harmonien). Daher der Name der neuen Art, Musik zu komponieren – homophone Harmonische.

In der Musik gibt es weniger Verzierungen und Verzierungen. Die Werke sind harmonischer und klarer strukturiert, insbesondere die geschriebenen Sonatenform.

In der Ära Barock In einem Musikstück konzentriert sich jeder Teil auf den Ausdruck und die Offenlegung eins hell gezeichnet Gefühle, was mit Hilfe der Präsentation gelöst wurde ein Thema, das sich geändert hat (abwechslungsreich) im gesamten Teil und in der Ära Klassizismus in einem Teil der Arbeit offenbart viele Emotionen, die mit Hilfe von Präsentation und Entwicklung ausgedrückt wurden zwei oder mehr Themen unterschiedlichen figurativen Inhalts.

Frühbarockmusik (1600-1654)

Die Entwicklung der italienischen Oper durch einen italienischen Komponisten kann als bedingter Übergangspunkt zwischen der Renaissance und dem Barock angesehen werden. Claudio Monteverdi (1567-1643).

Der Komponist wurde in der italienischen Stadt Cremona in der Familie eines Arztes geboren. Als Musiker entwickelte sich Monteverdi in seiner Jugend. Er schrieb und führte Madrigale auf; spielte Orgel, Bratsche und andere Instrumente. Monteverdi studierte Musikkomposition bei bekannten Komponisten seiner Zeit. Als Sänger und Musiker wurde er 1590 nach Mantua an den Hof des Herzogs Vincenzo Gonzaga eingeladen; später leitete er die Hofkapelle. 1612 verließ Monteverdi den Dienst in Mantua und ließ sich ab 1613 in Venedig nieder. Vor allem dank Monteverdi wurde 1637 in Venedig das erste öffentliche Opernhaus der Welt eröffnet. Dort leitete der Komponist die Kapelle der Kathedrale San Marco. Vor seinem Tod empfing Claudio Monteverdi die Priesterweihe.

Nachdem Monteverdi das Opernwerk der Renaissance-Komponisten Peri und Caccini studiert hatte, schuf er seine eigenen Opernwerke. Bereits in den ersten Opern – „Orpheus“ (1607) und „Ariadne“ (1608) – gelang es dem Komponisten, tiefe und leidenschaftliche Gefühle mit musikalischen Mitteln zu vermitteln und eine spannungsgeladene dramatische Handlung zu schaffen. Monteverdi ist Autor vieler Opern, aber nur drei sind erhalten geblieben – „Orpheus“, „Rückkehr des Odysseus in seine Heimat“ (1640; basierend auf der Handlung des antiken griechischen Epos „Odyssee“) und „Krönung der Poppea“ ( 1642).

Monteverdis Opern verbinden Musik und Text harmonisch. Im Herzen der Oper Monolog – Rezitativ (davon: recitare – „rezitieren“), indem rezitiert jedes Wort, und die Musik vermittelt flexibel und subtil die Stimmungsnuancen. Monologe, Dialoge und Chorepisoden gehen fließend ineinander über, die Handlung entwickelt sich langsam (drei oder vier Akte in Monteverdis Opern), aber dynamisch. Der Komponist wies dem Orchester eine wichtige Rolle zu. In „Orpheus“ beispielsweise verwendete er fast alle damals bekannten Instrumente. Orchestermusik begleitet nicht nur den Gesang, sondern sie selbst erzählt vom Geschehen auf der Bühne und den Erlebnissen der Figuren. Erscheint erstmals bei Orpheus Ouvertüre(Französische Ouvertüre oder lateinisch Apertura - „Eröffnung“, „Anfang“)- eine instrumentale Einführung in ein wichtiges Musikstück. Die Opern von Claudio Monteverdi hatten einen bedeutenden Einfluss auf venezianische Komponisten und legten den Grundstein für die venezianische Opernschule. .

Monteverdi schrieb nicht nur Opern, aber auch geistliche Musik, religiös Und weltliche Madrigale. Er war der erste Komponist, der polyphone und homophone Methoden nicht ablehnte – die Chorepisoden seiner Opern beinhalten polyphone Techniken.
Im Werk Monteverdis verband sich das Neue mit dem Alten – den Traditionen der Renaissance.

ZU Anfang des 18. Jahrhunderts V. gebildet Opernschule in Neapel. Merkmale dieser Schule - erhöhte Aufmerksamkeit für den Gesang, die dominierende Rolle der Musik. Es war in Neapel, dass die Belcanto-Gesangsstil(italienisch Belcanto – „schöner Gesang“). Belcanto ist berühmt für seine außergewöhnliche Klangschönheit, Melodie und technische Perfektion. Ein Belcanto-Künstler muss in der Lage sein, viele Schattierungen der Klangfarbe einer Stimme wiederzugeben und zahlreiche schnelle Klangsequenzen, die der Hauptmelodie überlagert sind, meisterhaft wiederzugeben. - Koloratur (it. Koloratur – „Dekoration“).

IN XVIII Jahrhundert Oper wurde zur Hauptform der Musikkunst in Italien, was durch die hohe Kunst erleichtert wurde professionelles Niveau ausgebildete Sänger Wintergärten(It. conservatorio, äh lat. bewahren – „schützen“) – Bildungseinrichtungen, die Musiker ausgebildet haben. Zu diesem Zeitpunkt waren in den Zentren der italienischen Oper – Venedig und Neapel – vier Konservatorien entstanden. Zur Popularität des Genres trugen auch die Opernhäuser bei, die in verschiedenen Städten des Landes eröffnet wurden und für alle Gesellschaftsschichten zugänglich waren. Italienische Opern wurden in den Theatern der großen europäischen Hauptstädte aufgeführt und Komponisten aus Österreich, Deutschland und anderen Ländern schrieben Opern nach italienischen Texten.

Er war eine bedeutende Persönlichkeit des Frühbarocks, die auf der Seite des Katholizismus stand und sich dem wachsenden ideologischen, kulturellen und sozialen Einfluss des Protestantismus widersetzte Giovanni Gabrieli (1555-1612). Seine Werke gehören zum Stil der „Hochrenaissance“ (der Blütezeit der Renaissance). Einige seiner Innovationen auf dem Gebiet der Instrumentierung (die Zuweisung spezifischer Aufgaben an ein bestimmtes Instrument) weisen jedoch deutlich darauf hin, dass er einer der Komponisten war, die die Entstehung eines neuen Stils beeinflussten.

Dies war eine der Anforderungen der Kirche an das Komponieren geistlicher Musik Texte in Werken mit Gesang waren wählerisch. Dies erforderte eine Abkehr von der Polyphonie hin zu musikalischen Techniken, bei denen die Worte in den Vordergrund traten. Der Gesang wurde im Vergleich zur Begleitung komplexer und kunstvoller.

Einen großen Beitrag zur Verbreitung neuer Techniken leistete Deutscher Komponist Heinrich Schütz (1585-1672), Seine Ausbildung erfolgte in Venedig. Er ist der berühmteste deutsche Komponist vor Johann Sebastian Bach und neben D. Gabrieli und C. Monteverdi einer der bedeutendsten Komponisten des Frühbarock. Während seiner Tätigkeit als Chorleiter in Dresden verwendete er in seiner Arbeit neue Techniken.

Musik des reifen Barock (1654-1707)

Oft wird die Zeit der Zentralisierung der obersten Macht in Europa genannt Absolutismus. Unter dem französischen König Ludwig XIV. erreichte der Absolutismus seinen Höhepunkt. Für ganz Europa war der Hof Ludwigs ein Vorbild. Einschließlich der am Hof ​​gespielten Musik. Die zunehmende Verfügbarkeit von Musikinstrumenten (insbesondere Keyboards) gab der Entwicklung Impulse Kammer Musik (davon. Kamera - "Raum") in kleinen Räumen oder zu Hause durchgeführt.

reifer Barock ist anders aus der frühen Allgegenwärtigkeit des neuen polyphonen Stils ( freies Schreiben) und erhöhte Trennung Musikalische Formen vor allem in der Oper. Wie in der Literatur entsteht die Möglichkeit einer großen Auflage Drucken Musikalische Werke führten zu einer Erweiterung des Publikums; der Austausch zwischen den Zentren der Musikkultur intensivierte sich.

In der Musiktheorie wird der reife Barock durch den Fokus der Komponisten auf Harmonie und den Versuch, kohärente Systeme des musikalischen Lernens zu schaffen, definiert.
Dies führte in den Folgejahren zur Entstehung vieler theoretisch funktioniert. Ein bemerkenswertes Beispiel einer solchen Aktivität ist das Werk des Spätbarocks – „Gradus ad Parnassum“ (russisch: Schritte zum Parnassus), veröffentlicht 1725 von Johann Joseph Fuchs(deutscher Johann Joseph Fux) (1660–1741), österreichischer Theoretiker und Komponist. Dieses Werk, das die Theorie des Kontrapunkts systematisierte, war fast bis zum Ende des 19. Jahrhunderts das wichtigste Werkzeug für das Studium des Kontrapunkts.

Ein herausragender Vertreter der Hofkomponisten am Hofe war Ludwig XIV Giovanni Battista Lulli (1632-1687). (Jean-Baptiste). Bereits im Alter von 21 Jahren erhielt er den Titel „Hofkomponist“. Instrumentalmusik". Lullys Schaffen war von Anfang an eng mit dem Theater verbunden. Im Anschluss an die Organisation des Gerichts Kammermusik und indem er „airs de cour“ (Hofarien) komponierte, begann er, Ballettmusik zu schreiben. Ludwig XIV. selbst tanzte in Balletten, die damals die beliebteste Unterhaltung des Hofadels waren. Lully war eine ausgezeichnete Tänzerin. Er nahm zufällig an Aufführungen teil und tanzte mit dem König. Er ist bekannt für seine gemeinsam Zusammenarbeit mit Molière, für dessen Stücke er Musik schrieb. Aber die Hauptsache in Lullys Werk war immer noch das Schreiben Opern. Überraschenderweise hat Lully einen vollständigen Typ geschaffen Französische Oper; sogenannte lyrische Tragödie in Frankreich (fr. tragedie lyrique) und erreichte einen unbestrittenen Höhepunkt kreative Reife in den allerersten Jahren seiner Tätigkeit am Opernhaus. Lully nutzte oft den Kontrast zwischen dem majestätischen Klang des Orchesterteils und den einfachen Rezitativen und Arien. Lullys Musiksprache ist nicht sehr komplex, aber durchaus neu: Die Klarheit der Harmonie, die rhythmische Energie, die Klarheit der Artikulation der Form, die Reinheit der Textur sprechen vom Sieg der Prinzipien des homophonen Denkens. Zu seinem Erfolg trug in hohem Maße auch seine Fähigkeit bei, Musiker für das Orchester auszuwählen und mit ihnen zusammenzuarbeiten (die Proben leitete er selbst). Ein wesentlicher Bestandteil seiner Arbeit war die Beachtung der Harmonie und des Soloinstruments.

Komponist und Geiger Arcangelo Corelli(1653-1713), bekannt für seine Arbeiten zur Entwicklung des Genres Concerto Grosso (Concerto Grosso-" großes Konzert") . Corelli war einer der ersten Komponisten, dessen Werke in ganz Europa veröffentlicht und aufgeführt wurden. Wie die Opernwerke von J.B. Lully basiert das Genre des Concerto Grosso auf einer kontrastierenden Gegenüberstellung des Klangs kleiner Soloorchestergruppen und des Klangs eines kompletten Orchesters. Die Musik baut auf scharfen Übergängen von lauten zu leisen Teilen auf, schnelle Passagen stehen langsamen gegenüber. Zu den Anhängern von Arcangelo Corelli gehörte Antonio Vivaldi, der später Hunderte von Werken komponierte, die in Corellis Lieblingsformen verfasst waren: Triosonaten und Konzerte.

IN England reifer Barock, geprägt von einem brillanten Genie Henry Purcell(1659-1695). Er starb jung, im Alter von 36 Jahren, nachdem er eine große Anzahl von Werken geschrieben hatte und zu seinen Lebzeiten große Bekanntheit erlangte. Purcell war mit der Arbeit von Corelli und anderen italienischen Komponisten des Barock vertraut. Während seines kurzen Lebens schrieb Purcell viele Vokal-, Instrumental-, Musik- und Theaterwerke, von denen die Oper das bedeutendste ist „Dido und Aeneas“(1689). Dies ist das erste Englisch Nationaloper. Sie wurde von einer Tanzlehrerin aus einem Internat für adelige Mädchen beauftragt. Der private Charakter des Ordens beeinflusste das Erscheinungsbild des Werkes: Im Gegensatz zu den monumentalen Opern von Monteverdi oder Lully war es Purcells Werk klein, Die Aktion geht schnell voran. Das Libretto der Oper (Autor Nicholas Tate) wurde nach dem Heldenepos „Aeneis“ des römischen Dichters Vergil verfasst.

Vergil hat einen der Verteidiger Trojas – Aeneas, der sich nach dem Fall der Stadt auf eine Wanderung begibt. Ein Sturm treibt sein Schiff an die Küste Afrikas; hier trifft er Dido, Königin von Karthago. Dido verliebte sich in Aeneas und nahm sich das Leben, als der Held sie auf Geheiß der Götter verließ. In Purcells Oper wird der Herold, der die Helden trennte, nicht von den Göttern, sondern von Waldhexen (beliebte Figuren in der englischen Folklore) gesandt. Aeneas hielt Täuschung für eine heilige Pflicht gegenüber den Göttern und zerstörte das Wertvollste – die Liebe.

Eine Besonderheit von Purcells Werk ist Harmonie. Der Komponist hatte eine erstaunliche Gabe, perfekte Melodien zu schaffen – ruhig, majestätisch und formvollendet. Nach Henry Purcell in der englischen Musik bis ins 20. Jahrhundert. Man kann kaum solch brillante Meister nennen.

Im Gegensatz zu den oben genannten Komponisten Dietrich Buxtehude (1637-1707) war kein Hofkomponist. Buxtehude hat funktioniert Organist, zuerst in Helsingborg (1657-1658), dann in Helsingør (1660-1668) und dann, ab 1668, in der Kirche St. Maria in Lübeck. Er verdiente sein Geld nicht durch die Veröffentlichung seiner Werke, sondern durch deren Aufführung und bevorzugte das Komponieren von Musik zu Kirchentexten und die Aufführung eigener Orgelkompositionen gegenüber der Schirmherrschaft des Adels. Seine Orgelkompositionen zeichneten sich durch eine Fülle von Fantasie, eine Fülle von Unerwartetem und Farbenfrohem aus Vergleiche und tiefes Drama. Dieser Komponist. Buxtehudes Musik basiert größtenteils auf der Skala von Ideen, Reichtum und Freiheit der Vorstellungskraft, einer Vorliebe für Pathos, Dramatik und einer etwas rednerischen Intonation. Seine Arbeit hat gesorgt starker Einflussüber Komponisten wie J.S. Bach und G.F.Telemann.

Spätbarocke Musik (1707-1760)

Die genaue Grenze zwischen reifem und spätem Barock ist umstritten; Sie lügt irgendwo dazwischen 1680 und 1720. Ein großer Teil der Komplexität seiner Definition ist auf die Tatsache zurückzuführen, dass in verschiedene Länder Stile wurden nicht synchron geändert; Innovationen, die an einem Ort bereits als Regel galten, waren an einem anderen neue Entdeckungen. Italien Danke an Arcangelo Corelli und seinen Schülern Francesco Geminiani und Pietro Locatelli wird das erste Land, in dem barocke Übergänge von der Reife- zur Spätzeit. Ein wichtiger Meilenstein kann als nahezu absolut angesehen werden Dominanz des Tons als strukturierendes Prinzip des Komponierens von Musik. Besonders deutlich wird dies im theoretischen Werk von Jean Philippe Rameau, der Lullys Platz als wichtigster französischer Komponist einnahm. Gleichzeitig zeugte das Erscheinen von Johann Joseph Fuchs‘ Hauptwerk Gradus ad Parnassum (1725), das der Polyphonie eines strengen Stils gewidmet war, von der Präsenz von zwei Schreibstile - homophon-harmonisch und polyphon.

Formen, geöffnet von der vorherigen Periode, Reife erlangt und große Variabilität Konzert, Suite, Sonate, Concerto Grosso, Oratorium, Oper und Ballett hatten keine klar zum Ausdruck gebrachten nationalen Merkmale mehr. Überall haben sich allgemein anerkannte Werkschemata etabliert: eine sich wiederholende zweistimmige Form (AABB), eine einfache dreistimmige Form (ABC) und ein Rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- Italienischer Komponist, geboren in Venedig.
1703 erhielt er den Rang eines katholischen Priesters. Am 1. Dezember desselben Jahres wird er Maestro di Violino im Mädchenwaisenhaus Pio Ospedale della Pieta in Venedig. Vivaldis Ruhm erlangte er nicht durch Konzertauftritte oder Kontakte bei Hofe, sondern durch die Veröffentlichung seiner Werke, darunter seine Triosonaten, Violinsonaten und Konzerte. Sie wurden in Amsterdam veröffentlicht und in ganz Europa verbreitet. Zu diesen damals noch in Entwicklung befindlichen Instrumentalgattungen (Barocksonate und Barockkonzert) leistete Vivaldi seinen bedeutendsten Beitrag. Bestimmte Techniken sind charakteristisch für Vivaldis Musik: eine dreiteilige zyklische Form für das Concerto Grosso und die Verwendung eines Ritornells in schnellen Teilen. Vivaldi komponierte über 500 Konzerte. Einigen seiner Werke gab er auch programmatische Titel, etwa den berühmten „Vier Jahreszeiten“. Vivaldis Karriere zeigt eine zunehmende Möglichkeit für den Komponisten, unabhängig zu leben: auf Einnahmen aus Konzerttätigkeit und veröffentlichen ihre Schriften.

Domenico Scarlatti(1685-1757) war einer der führenden Klavierkomponisten und Interpreten seiner Zeit. Er begann seine Karriere als Hofkomponist; zunächst in Portugal und ab 1733 in Madrid, wo er den Rest seines Lebens verbrachte. Sein Vater Alessandro Scarlatti gilt als Begründer der neapolitanischen Opernschule. Domenico komponierte auch Opern und Kirchenmusik, erlangte jedoch (nach seinem Tod) Ruhm durch seine Funktioniert für Tastaturen. Einige dieser Werke schrieb er zu seinem eigenen Vergnügen, andere für seine adeligen Kunden.

Der berühmteste Hofkomponist des Barock war Georg Friedrich Händel(1685-1759). Er wurde in Deutschland geboren, studierte drei Jahre in Italien, verließ jedoch 1711 London, wo er seine glänzende und kommerzielle Karriere begann. erfolgreiche Karriere ein unabhängiger Opernkomponist, der Aufträge für den Adel ausführte. Mit unermüdlicher Energie verarbeitete Händel ständig das Material anderer Komponisten neu gemacht ihre eigenen Schriften. Er ist beispielsweise dafür bekannt, dass er das berühmte Oratorium „Messias“ so oft überarbeitet hat, dass es heute keine Version mehr gibt, die als Original bezeichnet werden kann. Obwohl sein finanzieller Reichtum zu- und abnahm, stieg sein Ruhm, der auf veröffentlichten Werken für Klavier, zeremonieller Musik, Opern, Concerto Grossos und Oratorien beruhte, weiter an. Nach seinem Tod galt er als führender europäischer Komponist und wurde von Musikern der Klassik studiert. Zu seinen Lebzeiten schrieb Händel darüber 50 Opern (Almira, Agrippina, Rinaldo, Julius Caesar usw.), 23 Oratorien („Messias“, „Samson“, „Judas Makovey“, „Herkules“), unzählige Kirchenchöre, Orgelkonzerte sowie eine Reihe von Unterhaltungswerken („Musik auf dem Wasser“, „Musik für königliches Feuerwerk“) .

Einer der größten Komponisten des Barock - Johann Sebastian Bach wurde geboren
21. März 1685 in Eisenach, Deutschland. Im Laufe seines Lebens komponierte er mehr als 1000 Werke verschiedener Genres, außer Oper. Zu seinen Lebzeiten konnte er jedoch keine nennenswerten Erfolge erzielen. In vielen Wechseln wechselte Bach eine nicht allzu hohe Position nach der anderen: In Weimar war er Hofmusiker beim Weimarer Herzog Johann Ernst, dann wurde er Hausmeister der Orgel in der Kirche St. Bonifatius in Arnstadt übernahm einige Jahre später die Stelle des Organisten an der Kirche St. Vlasia in Mühlhausen, wo er nur etwa ein Jahr arbeitete, danach kehrte er nach Weimar zurück, wo er die Stelle des Hoforganisten und Konzertorganisators übernahm. Diese Position hatte er neun Jahre lang inne. Im Jahr 1717 engagierte Herzog Leopold von Anhalt-Köthen Bach als Kapellmeister und Bach begann in Köthen zu leben und zu arbeiten. 1723 zog Bach nach Leipzig, wo er bis zu seinem Tod 1750 blieb.

JS Bach war zu seinen Lebzeiten in Deutschland als Komponist, Interpret, Lehrer und Vater der jüngeren Bachs, vor allem Carl Philipp Emmanuel, bekannt. Aber in letzten Jahren Leben und nach dem Tod Bachs begann sein Ruhm als Komponist zu schwinden: Sein Stil galt im Vergleich zum aufkeimenden Klassizismus als altmodisch.

Im Jahr 1802 veröffentlichte Johann Nikolai Forkel die erste vollständigste Biographie von Johann Sebastian Bach. Im Jahr 1829, 79 Jahre nach dem Tod von J. S. Bach, führte Felix Mendelssohn Bachs Matthäus-Passion in Berlin auf. Der Erfolg dieses Konzerts belebte das Interesse am Werk von J. S. Bach und führte zum Aufkommen eines großen Interesses an Bachs Musik in Deutschland und dann in ganz Europa.

Mittlerweile ist J.S. Bach einer der beliebtesten Komponisten aller Zeiten: zum Beispiel in der Abstimmung „ Bester Komponist Millennium, veranstaltet von Cultureciosque.com, belegte Bach den ersten Platz.

Die Kunst des 17.-18. Jahrhunderts bildete zwei erstaunliche Stile – Klassizismus und Barock. Diese beiden großen paneuropäischen Stile existierten zwei Jahrhunderte lang nebeneinander. Trotz der offensichtlichen Unterschiede interagierten sie eng miteinander. Klassizismus und Barock fanden im Laufe ihrer Entwicklung nicht nur in der Welt- und russischen Architektur, sondern auch in der Bildhauerei, Literatur, Innenarchitektur und Kunst ihren Platz. Wir werden den Vergleich von Klassizismus und Barock, zwei Stilen, hell, unverschämt und einzigartig, weiter betrachten.

Geschichte des Klassizismus

Klassizismus bedeutet im Lateinischen „vorbildlich“. Ein denkwürdiger Trend in der europäischen Kultur entstand im 17. Jahrhundert. Es war die Ära der Stärkung der Monarchie, alles sollte perfekt und gleichzeitig luxuriös sein, was sich in den makellosen Figuren der Antike widerspiegelt.

Frankreich wurde zum Begründer des Klassizismus, in dem der Geist der Freiheit und Vollkommenheit des Menschen, sowohl geistig als auch körperlich, vorherrschte. Strenge, ideale Silhouetten in architektonischen Ensembles, antike Szenen in Malerei und Bildhauerei, reiche, aber zurückhaltende Innenausstattung. All dies sind Merkmale des Klassizismus.

In Russland wurde dieser Stil unter Katharina II. fixiert, ihr Wunsch, das Land zu europäisieren, spielte eine Schlüsselrolle beim Aufbau berühmte Denkmäler Architektur dieser Zeit.

Der Klassizismus ist ein Klassiker, die Harmonie von Mensch und Natur, einfach und prägnant in seiner Ausrichtung. Der Stil, bei dem bestimmte Regeln beachtet werden müssen, fand sehr schnell Eingang in die Palastkultur in Deutschland, Italien, England und Russland.

Barocke Geschichte

Barock bedeutet – „ausschweifend“, „anfällig für Exzesse“. Italien wurde zum Begründer dieses pompösen Stils. Ende des 16. Jahrhunderts - die Renaissance, die Stärkung der katholischen Macht, hell, kühn und majestätisch sollte es beeindrucken. Alle charakteristischen Elemente des Barock waren in den katholischen Städten Italiens verkörpert.

Allerdings übernahmen auch die europäischen Länder einige Attribute und Elemente des „ausschweifenden“ italienischen Stils. England, Frankreich und Russland nutzten die neue Kultur in ihrer Architektur und Inneneinrichtung, um deren Brillanz und Einzigartigkeit hervorzuheben.

Der Stil, der sich darauf konzentrierte, die Illusion von Reichtum und Luxus der Kirche sowie des italienischen Adels zu erzeugen, fand später in allen Ländern Europas, Amerikas und Russlands seinen Niederschlag. Und er blieb ein unsterblicher Begleiter der katholischen Kirche.

Vergleich und Klassizismus

Die beiden Stile gehen seit Jahrhunderten Hand in Hand. Sie weisen jedoch offensichtliche Unterschiede in der Geschichte und dem Zweck der Schöpfung sowie in der Verkörperung in der Kunst auf.

Vergleich von Klassizismus und Barock

Optisch Klassizismus und Barock

Haupteigenschaften Barock und Klassizismus Luxus und diskreter Reichtum. Beide Stile spiegeln sich in wider teure Arbeiten Kunst und markante architektonische Strukturen. Betrachten Sie die berühmtesten Objekte zweier verschiedener Stilrichtungen aus derselben Zeit.

Klassizismus ist natürlich der Place des Revolts und das Pantheon in Paris. Isaaks- und Kasanerkathedrale in St. Petersburg. Bolschoi-Theater in Warschau. Das berühmte Gemälde von Jacques-Louis David „Napoleons Überquerung der Alpen“ spiegelt perfekt den Stil des Klassizismus in der Malerei wider. „Durch Amors Kuss erwachte Psyche“ ist die berühmteste Statue des Klassizismus. „Apollo und die Nymphen“ ist ein Beispiel des klassischen Stils, unglaublich in seiner Schönheit.

Den Barock hingegen kennen wir aus der Smolny-Kathedrale in St. Petersburg, dem Opernhaus in Odessa und natürlich der katholischen Kirche im Vatikan. Rubens und Caravaggio sind die bekanntesten Barockmaler. Und der Italiener offenbart uns in seinen atemberaubenden Skulpturen die ganze Ausdruckskraft des Barock.

Klassizismus und Barock in der Architektur

Wie wir aus den Beschreibungen und Vergleichen der beiden Stile erkennen können, sind die Unterschiede zwischen Barock und Klassizismus offensichtlich. Im letzteren Fall handelt es sich vor allem um einen Appell an die antike Architektur, im Barock an den Luxus katholischer Kirchen.

Klassizismus und Barock in der Architektur, Vergleich am Beispiel zweier herausragender Denkmäler

Die Basilika Santa Croce in Italien ist ein typisches Beispiel des italienischen Barocks. Besondere Merkmale – üppiges Dekor und viele Statuen an der Fassade. Skulpturen, Balkone, Säulen, Komplexe Form Gebäude. Das Zentrum wird von einem riesigen Rundfenster gekrönt, das bereits über die Standards typischer Architektur hinausgeht. Karyatiden und Atlanten, bizarre Formen – all das sind die Markenzeichen des Barock.

Klassizismus ist das Bolschoi-Theater in Moskau. An seinem Beispiel können wir die charakteristischen Merkmale in der Architektur dieses Stils erkennen. Einfachheit und Prägnanz. Monumentalität und Strenge. Klare Formulare, Spalten. Kleine Standardfenster. Dezentes Stuckmuster an der Fassade mit typischen Mustern aus der Antike. Eine klare geometrische Form der Struktur. Angenehme dezente einheitliche Farbgebung des gesamten Gebäudes.

Die Architektur von Barock und Klassizismus ist im Vergleich sehr unterschiedlich. Auf den ersten Blick kann man sie voneinander unterscheiden: Die Anmaßung des Barock fällt auf, natürlich handelt es sich um komplexe architektonische Werke. Während Gebäude im Stil des Klassizismus so klare Proportionen und ein strenges Erscheinungsbild haben, dass sie unwillkürlich an ihre Erhabenheit und Monumentalität denken lassen.

Klassizismus und Barock in der Malerei

Klassizismus und Barock stammen aus derselben Zeit und weisen in der Kunst jedoch Besonderheiten auf.

Michelangelo ist einer der berühmtesten italienischen Künstler, der einen neuen Stil in der Malerei prägte – den Barock. Dabei handelt es sich überwiegend um religiöse Handlungen, lebendige Bilder, emotionale Szenen aus dem Leben gewöhnliche Menschen. Der Kontrast von Farben, Licht und Dämmerung, viele Haushaltsgegenstände, Realismus der Emotionen. Anhänger dieses Stils in der Kunst – und Guido Reni.

Der Klassizismus ist nicht weniger malerisch, aber das antike Griechenland wird als Grundlage genommen. Raffael und Giulio Romano zeigen auf ihren Leinwänden das Ideal physische Formen göttliche Charaktere. Kalte mythische Handlungen faszinieren durch ihre Prägnanz, nichts Überflüssiges, durchdachte Komposition und den Raum um die Charaktere bis ins kleinste Detail.

Beim Vergleich der Kunstrichtungen Klassizismus und Barock lassen sich die Hauptelemente herausgreifen. Das ist zum einen die wahre Emotionalität des Barock, die Kraft der Handlung und die Farbigkeit der Bilder, zum anderen die zurückhaltende Schönheit antike Mythologie klar und prägnant in seiner Ausprägung.

Vergleich von Klassizismus und Barock im Innenraum

Neben herausragenden Kunstwerken und unglaublichen Baudenkmälern spiegeln sich Barock und Klassizismus in der Innenausstattung von Häusern und Räumen wider. Als nächstes - mit Ausrichtung des Klassizismus und Barock in der Dekoration der Räumlichkeiten.

Diese beiden Stile brachten ihre Hauptmerkmale in den Innenraum. Erstens ist es teuer. In beiden Fällen handelt es sich um Luxus und Reichtum. Und dann können wir über Farben reden. Barock ist immer hell, immer Gold, Marmor, lackierte Oberflächen. Viele zusätzliche Artikel, komplexe Möbelformen und komplizierte Muster von Baldachinen und Stuhlpolstern. Natürlich ist das die Schönheit, in die Sie eintauchen möchten, in jedes Fach, das Sie studieren möchten. Bewunderung und Pomp, was Könige so lieben.

Der Klassizismus steht in dieser Hinsicht im Gegensatz zum Barock. Zurückhaltende Pastellfarben, die miteinander harmonieren. Ein ruhiges, aber nicht weniger majestätisches Interieur wurde eher zur Beruhigung und nicht zur Störung geschaffen. Vorwiegend helle Farben, Klarheit der Linien, Korrektheit der Objekte. Der Funktionalität der Innenausstattung mangelt es jedoch nicht an Charme.

Klassizismus und Barock in Russland

Diese beiden Stile kamen im 18. Jahrhundert nach Russland. Das zaristische Russland stand in engem Kontakt mit den europäischen Staaten und wollte nicht auf die Gelegenheit verzichten, seine Größe zu demonstrieren.

Der Barock wurde hauptsächlich von Rastrelli verkörpert. Er war zu dieser Zeit mit dem Wiederaufbau und dem Bau der Hauptgebäude von St. Petersburg beschäftigt. Natürlich wurden die Stile russifiziert, wobei die Grundprinzipien der beiden Richtungen übernommen wurden, die traditionelle russische Architektur blieb erhalten. Das Smolny-Kloster ist vielleicht das Beste heller Vertreter Barock in St. Petersburg, während der „Höhepunkt“ des Klassizismus natürlich die Kasaner Kathedrale ist. Die Ursprünge dieses Stils in Russland waren die Architekten V. Bazhenov, M. Kazakov, I. Starov. In Moskau sind Kirchen und Häuser zu sehen, die nach ihren Entwürfen gebaut wurden.

Barock und Klassizismus spielen in der russischen Architektur eine wichtige Rolle. Sowohl in der historischen Manifestation – der Gründung von St. Petersburg, dem neuen Moskau, als auch im Kampf um die Gleichberechtigung russischer klassizistischer Schriftsteller.

Heute sind die Eremitage, die Akademie der Wissenschaften und der Taurische Palast aus unseren Städten nicht mehr wegzudenken.

Klassizismus und Barock in unserer Zeit

In der modernen Welt greifen Architekten häufig auf Barock und Klassizismus zurück und vergleichen und vermischen diese Stile. Die Zeiten der Könige und Kaiser sind vorbei, aber die Liebe zu Luxus und Erhabenheit ist geblieben. Jetzt kann man bereits irgendwo auf Rubljowka moderne Schlösser im Barockstil oder die klassizistische Datscha eines anderen Oligarchen im Dorf Nirvana bei St. Petersburg sehen.

Im Trezzini Hotel können Sie in den Luxus der Könige eintauchen und im Empire Restaurant können Sie die Gerichte moderner Könige probieren. Doch das ist bereits heute Luxus, auch wenn er noch nicht für jedermann zugänglich ist.

Das 17. Jahrhundert erwies sich als überraschend günstig für die Entwicklung künstlerische Kultur. Es wurde nicht nur das Zeitalter der Wissenschaft, sondern auch das Zeitalter der Kunst. Richtig, wenn man bedenkt, dass die Blüte der Wissenschaft gerade erst begonnen hat, während die Kunst bereits ihren Höhepunkt erreicht hat. Dennoch ist der Himmel darüber noch klar und wolkenlos. Sein Ansehen in der Gesellschaft ist ungewöhnlich hoch. In Bezug auf die Zahl der großen Künstler des 17. Jahrhunderts übertrifft es offenbar alle anderen, einschließlich der Renaissance. Und wenn Italien in der Renaissance auf dem Gebiet der Kunst seinesgleichen sucht, dann im 17. Jahrhundert. Kunst ist in allen europäischen Ländern auf dem Vormarsch, und Frankreich scheint jetzt vorzuziehen zu sein.

Wie andere Bereiche der Kultur ist auch die Kunst von der Differenzierung betroffen. Seine Isolation wird immer deutlicher und deutlicher. Sogar der Bezug zur Religion wird merklich geschwächt. Dadurch werden religiöse und mythologische Handlungen von übermäßigem Pathos befreit und von tiefer Vitalität und Natürlichkeit erfüllt.

Eine weitere Folge der Differenzierung ist, dass unter den Künstlern universelle, für die Epoche charakteristische Persönlichkeiten verschwinden. war nicht nur ein brillanter Künstler, sondern auch ein großartiger Wissenschaftler, Denker und Erfinder. Wenn auch in geringerem Maße, lässt sich das Gleiche über L. Alberti und F. Brunelleschi sagen. Piero della Francesca, F. Rabelais und andere. Mittlerweile werden solche großformatigen Figuren zur Rarität. Gleichzeitig kommt es zu einer Steigerung des subjektiven Prinzips in der Kunst. Es manifestiert sich in einer zunehmenden Zahl intelligenter Menschen, in größerer kreativer Freiheit und Mut, in einer breiteren Sicht auf die Dinge.

Auch innerhalb der Kunst findet ein Prozess der Differenzierung statt, bestehende Genres verändern sich und neue entstehen. IN malen Landschaft und Porträt, in denen der Psychologismus gesteigert wird, werden zu völlig eigenständigen Genres. Es gibt Stillleben und Tierbilder. Die Bedeutung origineller kompositorischer Lösungen, Farbe, Bildhaftigkeit und Farbgebung nimmt zu.

IN Musik Die Oper ist geboren. Der Schöpfer dieses Genres ist ein italienischer Komponist C. Monteverdi (1567-1643), der die Oper „Orpheus“ schrieb, die dort aufgeführt wurde 1607 und wurde zu einem wahren Meisterwerk der Opernkunst. Zum ersten Mal ergänzt die Musik darin nicht nur die Verse, sondern drückt als Hauptfigur die Bedeutung von allem aus, was auf der Bühne passiert. Neben der Oper kommen auch Kantaten und Oratorien in der Musik vor.

Die wichtigsten Stile in der Kunst des 17. Jahrhunderts. Barock und Klassizismus. Einige Kunsthistoriker glauben, dass zur gleichen Zeit auch der Realismus als besonderer Stil in der Kunst aufkam, diese Sichtweise ist jedoch umstritten, obwohl die Existenz einer realistischen Tendenz anerkannt wird.

Barock

Barock erscheint Ende des 16. Jahrhunderts. in Italien. Schon das Wort „Barock“ bedeutet „seltsam“, „bizarr“. Der Barockstil zeichnet sich durch dynamische Bilder, Spannung, Helligkeit, Eleganz, Kontrast, den Wunsch nach Erhabenheit, Pracht und Pracht, nach dem Gesamtkunstwerk, einer Verbindung von Realität und Illusion, gesteigerter Emotionalität und Sinnlichkeit aus. Barock war der Stil der aristokratischen Elite der aufgehenden Feudalgesellschaft, der Stil der katholischen Kultur.

Ein prominenter Vertreter des italienischen Barock ist ein römischer Architekt, Bildhauer und Maler. L. Bernini (1598-1680). Alle charakteristischsten Merkmale des Stils, sowohl starke als auch schwache, wurden in seinem Werk verkörpert. Viele seiner Werke konzentrierten sich auf das Hauptdenkmal des katholischen Roms – die Kathedrale St. Peter. Unter seiner vom großen Michelangelo erbauten Kuppel erhebt sich ein grandioses monumentales und dekoratives Bauwerk – ein dreißig Meter hoher Baldachin und im Altar – eine ebenso majestätische Marmorkanzel von Petrus, verziert mit Gold und Figuren, die Engel und Amoretten, Kirchenväter usw. darstellen Heilige.

Eine noch majestätischere Schöpfung Berninis war die grandiose Kolonnade, bestehend aus 284 Säulen, die in vier Reihen angeordnet waren und den riesigen Platz vor der Kathedrale St. Peter. Die bedeutendsten bildhauerischen Werke Berninis sind „Apollo und Daphne“ und „Die Verzückung des Hl. Teresa.

Die berühmteste Figur des europäischen Barocks ist der flämische Maler P. Rubens (1577-1640). Man kann sie zu Recht als eine universelle Persönlichkeit bezeichnen, die den Titanen der Renaissance in nichts nachsteht. Er stand den Humanisten nahe, liebte die Klassiker der Antike - Plutarch. Seneca und Horaz beherrschten sechs Sprachen, darunter Latein. Rubens war kein Wissenschaftler und Erfinder, aber er verstand die Probleme der Astronomie und Archäologie, zeigte Interesse an Uhren ohne Mechanismus, an der Idee des Perpetuum Mobile, verfolgte die neuesten Erkenntnisse der Philosophie, verstand die Politik und beteiligte sich aktiv daran. Am meisten liebte er das menschliche Leben selbst.

Rubens verkörperte in seinem Werk ein Bekenntnis zum Humanismus. Er wurde ein großer Dichter eines Lebens voller Glück, Vergnügen und Lyrik. Er bleibt ein unübertroffener Sänger des menschlichen, männlichen und insbesondere weiblichen Fleisches, der sinnlichen Schönheit des menschlichen Körpers. Nur Rubens konnte mit solchem ​​Mut und solcher Liebe den Charme des Fleisches selbst, seine zarte Wärme und weiche Geschmeidigkeit vermitteln. Es gelang ihm zu zeigen, dass Fleisch schön sein kann, ohne schön geformt zu sein.

Eines der zentralen Themen seiner Arbeit ist die Frau, die Liebe und das Kind als natürliche und schöne Frucht der Liebe. Diese Seite seines Schaffens ist in Gemälden wie „Venus und Adonis“ zu sehen und zu spüren. Juno und Argus, Perseus und Andromeda, Bathseba.

Während seines Aufenthalts in Italien besuchte Rubens eine gute Kunstschule. Allerdings akzeptierte sein flämisches Temperament nicht alles von den großen Italienern. Es ist bekannt, dass die italienischen Meister Ausgeglichenheit, Ruhe und Harmonie bevorzugten, was es ihnen ermöglichte, ewige Schönheit zu schaffen. Rubens bricht dies alles zugunsten der Bewegung. Die von ihm dargestellten menschlichen Figuren ähneln oft einer zusammengedrückten Feder, die sich sofort umdrehen kann. In dieser Hinsicht steht er Michelangelo am nächsten, dessen Skulpturen voll sind innerer Stress und Bewegung. Auch seine Werke sind von stürmischer Dynamik erfüllt. Dies sind insbesondere die Gemälde „Die Schlacht der Amazonen“, „Die Entführung der Töchter des Leukipp“, „Jagd auf Löwen“, „Jagd auf einen Eber“.

In den Werken von Rubens überwiegen Farbe und Bildhaftigkeit gegenüber der Zeichnung. Als Beispiel dient hier Tizian. Rubens mag keine zu klaren Konturen. Es trennt sozusagen die Materie von der Form und macht sie frei, lebendig und fleischlich. Was die Farbe angeht, bevorzugt der Künstler helle, klare und satte Töne voller gesunder Vitalität. Er strebt nicht so sehr nach ihrer Harmonie, sondern nach Orchestrierung, nach der Schaffung einer Farbsymphonie. Rubens wird zu Recht als der große Komponist der Farben bezeichnet.

Klassizismus

Heimat Klassizismus wurde Frankreich. Wenn der Barock den Gefühlen den Vorzug gibt, dann ruht der Klassizismus auf dem Geist. Die höchste Norm und ideales Vorbild ist für ihn die antike Kunst. Seine Hauptprinzipien sind Klarheit, Ordnung, logische Abfolge, Harmonie und Harmonie.

Dem Klassizismus zufolge sollte das Thema der Kunst erhaben und schön, heroisch und edel sein. Kunst soll Hochgefühle ausdrücken moralische Ideale, um die Schönheit und den spirituellen Reichtum des Menschen zu besingen, um den Triumph der bewussten Pflicht über das Element der Gefühle zu verherrlichen. Der Richter der Kunst ist nicht nur der Geschmack, sondern auch die Vernunft.

Der Klassizismus teilt die wesentlichen Grundsätze des Rationalismus und vor allem die Idee einer vernünftigen Struktur der Welt. Im Verständnis der Beziehung zwischen Mensch und Natur widerspricht er ihm jedoch, setzt die Linie des Renaissance-Humanismus fort und glaubt, dass diese Beziehungen auf den Prinzipien der Zustimmung und Harmonie und nicht auf Herrschaft und Unterordnung basieren sollten. Dies gilt insbesondere für die Kunst, deren Aufgabe es ist, die Harmonie des Menschen mit der schönen Natur zu besingen.

Der Begründer und Hauptfigur des Klassizismus in malen ist ein französischer Künstler N. Poussin (1594-1665). In seiner Arbeit verlässt er sich vollständig auf den Rationalismus von R. Descartes und glaubt, dass die Empfindung immer teilweise und einseitig ist und nur der Geist das Thema umfassend und in seiner ganzen Komplexität abdecken kann. Daher muss alles mit dem Verstand beurteilt werden.

Poussin verbrachte fast sein ganzes Leben in Italien, was ihn jedoch nicht daran hinderte, ein wahrer Mensch zu werden Französischer Künstler, der einen der bis heute bestehenden Augentrends in der Kunst geschaffen hat. Aus Italienische Meister größten Einfluss Rafael hatte es auf sich. dessen Werke ideale Beispiele vollendeter Perfektion sind, sowie Tizian, bei dem alle nachfolgenden Künstler Unterricht in reiner Malerei erhielten.

Obwohl Poussin die Vernunft bevorzugt, ist seine Kunst keineswegs trocken, kalt und rational. Er selbst stellt fest, dass der Zweck der Kunst das Vergnügen ist und dass alle Bemühungen des Künstlers darauf abzielen, dem Betrachter ästhetisches Vergnügen zu bereiten. Seine Werke enthalten bereits die beiden Hauptelemente der Kunst, wenn sie zu einem völlig unabhängigen und autarken Phänomen wird.

Eine davon ist mit der durch rein künstlerische, bildnerische Mittel geschaffenen Plastizität verbunden, einer Kombination von Linien und Farben, die einen besonderen, ästhetischen Genuss hervorruft. Die zweite ist mit Ausdruck, Ausdruckskraft verbunden, mit deren Hilfe der Künstler den Betrachter beeinflusst und in ihm den Geisteszustand hervorruft, den er selbst erlebt hat.

Das Vorhandensein dieser beiden Prinzipien ermöglicht es Poussin, Intellekt und Gefühl zu verbinden. Der Vorrang der Vernunft verbindet sich mit seiner Liebe zum Fleisch und zur Sinnlichkeit. Davon zeugen seine Gemälde „Venus und Adonis“, „Schlafende Venus“, „Bacchanalien“ usw., in denen wir einen körperlich und geistig vollkommenen Menschen sehen.

In der Anfangsphase seines Schaffens dominierten bei Poussin Gemälde zu historischen und religiös-mythologischen Themen. Sie sind Werken wie „Die Vergewaltigung der Sabinerinnen“ und „Die Gefangennahme“ gewidmet

Jerusalem“, „Die arkadischen Hirten“. Dann rückt das Thema der Harmonie zwischen Mensch und Natur in den Vordergrund. Es ist in den Gemälden „Der Triumph der Flora“, „Landschaft mit Polyphem“, „Landschaft mit Orpheus und Eurydike“ usw. dargestellt. Die Natur ist gleichzeitig nicht nur ein Ort, an dem sich der Mensch aufhält. Zwischen ihnen entsteht eine tiefe sinnliche Harmonie, eine gewisse Seelengemeinschaft, sie bilden ein einziges Ganzes. Poussin schuf wahre Symphonien von Mensch und Natur.

In den letzten Jahren seines Lebens widmet der Künstler seine ganze Aufmerksamkeit dem Gesang der Natur. Er kreiert die poetische Serie „The Seasons“.

Klassizismus in der Architektur fand seine ideale Verkörperung in Schloss von Versailles, erbaut nach dem Willen des französischen Königs Ludwig XIV. Dieses grandiose Ensemble umfasst drei majestätische Paläste und einen riesigen Park mit Pools, Springbrunnen und Skulpturen. Das Ensemble zeichnet sich durch einen strengen Grundriss, geometrische Parkgassen, majestätische Skulpturen, beschnittene Bäume und Sträucher aus.

Realismus

realistischer Trend in der Kunst des 17. Jahrhunderts. stellt in erster Linie dar Niederländischer MalerRembrandt(1606-1669). Die Ursprünge dieses Trends liegen in der Kreativität Italienischer Maler Caravaggio (1573–1610), der dafür sorgte großer Einfluss auf viele Künstler.

Die Kunst Rembrandts nimmt gewissermaßen eine Mittelstellung zwischen Barock und Klassizismus ein. In seinen Werken finden sich Merkmale dieser beiden Stilrichtungen, jedoch ohne die ihnen innewohnenden Extreme. Insbesondere sein berühmtes „Danae“ wirkt sehr sinnlich und fleischlich, aber nicht in dem Maße, wie Rubens es getan hätte. Das Gleiche gilt für den Klassizismus. Einige seiner Merkmale sind in den Werken von Rembrandt vorhanden, aber sie haben keine reine, idealisierte Schönheit, es gibt nichts Majestätisches und Heroisches. kein Pathos usw. In ihnen scheint alles erdnäher zu sein, alles ist viel einfacher, natürlicher, wahrhaftiger, lebendiger.

Die Hauptoriginalität von Rembrandts Kunst liegt jedoch noch in etwas anderem. Es besteht darin, dass dank ihm in Europäische Malerei ein neuer Trend entstand Psychologie. Rembrandt war der erste, der ernsthaft auf den berühmten Ruf des Sokrates reagierte: „Erkenne dich selbst.“ Er richtete seinen Blick nach innen und eine riesige und unbekannte innere Welt, die dem unendlichen Universum entsprach, öffnete sich ihm. Gegenstand seiner Kunst ist der unerschöpfliche Reichtum des geistigen Lebens des Menschen.

Rembrandt blickt sozusagen hin und lauscht den endlosen Überläufen psychologische Zustände, unerschöpfliche Manifestationen des individuellen menschlichen Charakters. Daher eine solche Fülle nicht nur an Porträts, sondern auch an Selbstporträts, in denen er sich selbst darstellt verschiedene Perioden Leben - in der Jugend und im Alter, in verschiedenen Zuständen - vollständig Vitalität und nach Krankheit. In seinen Werken wird das Porträt nicht nur zu einem eigenständigen Genre, sondern erreicht auch nie dagewesene Höhen. Alle seine Arbeiten können als Kunst bezeichnet werden Porträt.

Diese Wendung ist vor allem darauf zurückzuführen, dass Rembrandt – anders als die Katholiken Rubens und Poussin – Protestant war. Vor dem Aufkommen des Protestantismus strebte der Mensch nicht bewusst danach, sich von anderen abzugrenzen. Im Gegenteil, er sah sich selbst nicht außerhalb der kollektiven Gemeinschaft. In der Antike wurde eine solche Gemeinschaft durch politische und moralische Normen getragen. Im Mittelalter stärkte das Christentum die alten Grundlagen durch einen gemeinsamen Glauben.

Der Protestantismus verstieß gegen diese Tradition und schob die Hauptverantwortung für das Schicksal des Menschen auf sich selbst. Nun wurde das Heilswerk zunächst zur persönlichen Angelegenheit jedes Einzelnen. Im Bewusstsein des westlichen Menschen vollzog sich ein tiefgreifender Wandel, und Rembrandt war der erste, der die stattfindenden Veränderungen tief spürte und sie in seiner Kunst zum Ausdruck brachte.

Über die Aufmerksamkeit für die eigenen Geheimnisse Innenleben Viele Werke der Anfangszeit von Rembrandts Schaffen und vor allem seine Selbstporträts sprechen von der Suche nach der eigenen, persönlichen Wahrheit. Davon zeugen auch seine Gemälde wie „Der Apostel Paulus im Gefängnis“, „Christus in Emmaus“ usw., in denen psychologische Erfahrungen, Reflexionen über den Sinn des Lebens und des Seins im Vordergrund stehen. Im Erwachsenenalter und besonders nach dem Berühmten "Nachtwache" Diese Trends verstärken sich. In besonderer Weise erscheinen sie in den Leinwänden „Porträt eines alten Mannes in Rot“, „Porträt einer alten Frau“. Das Gemälde „Sindiki“ wird zum Höhepunkt der Kunst eines Gruppenporträts.

In der letzten Schaffensperiode taucht Rembrandt zunehmend in die Tiefen des menschlichen Bewusstseins ein. Er greift ein für die europäische Kunst völlig neues Problem auf – das Problem der menschlichen Einsamkeit. Ein Beispiel hierfür sind seine Gemälde „Der Philosoph“, „Die Rückkehr des verlorenen Sohnes“.