Wie groß ist der Komponist Giuseppe Verdi? Leben und Werk von Giuseppe Verdi. Letztes Werk des Komponisten

Eine der Farben der Flagge der Italienischen Republik ist Grün, Verde, Verdi... Eine erstaunliche Vorsehung wählte einen Mann mit einem konsonanten Namen, Giuseppe Verdi, zum Symbol der Vereinigung Italiens und zu einem Komponisten, ohne den die Die Oper wäre nie so gewesen, wie wir sie kennen, daher nannten die Zeitgenossen den Maestro die Stimme ihres Landes. Seine Werke, die eine ganze Ära widerspiegeln und zum Höhepunkt nicht nur der italienischen, sondern der gesamten Weltoper werden, sind Jahrhunderte später die beliebtesten und werden auf den Bühnen der besten Musiktheater am häufigsten aufgeführt. Aus Verdis Biografie erfahren Sie, was der Komponist getan hat schweres Schicksal, aber er überwand alle Schwierigkeiten des Lebens und hinterließ künftigen Generationen unschätzbare Schöpfungen.

Lesen Sie auf unserer Seite eine kurze Biografie von Giuseppe Verdi und viele interessante Fakten über den Komponisten.

Kurze Biographie von Verdi

Giuseppe Verdi wurde am 10. Oktober 1813 in einer armen Familie eines Gastwirts und einer Spinnerin geboren, die im Dorf Roncole in der Nähe der Stadt Busetto (heute Region Emilia-Romagna) lebte. Ab seinem fünften Lebensjahr beginnt der Junge, in einer örtlichen Kirche Notenschrift zu erlernen und Orgel zu spielen. Bereits 1823 wurde das junge Talent von einem wohlhabenden Kaufmann und gleichzeitig Mitglied der Philharmonischen Gesellschaft von Busetto, Antonio Barezzi, entdeckt, der den Komponisten bis zu seinem Tod unterstützen sollte. Dank seiner Hilfe zog Giuseppe nach Busetto, um am Gymnasium zu studieren, und zwei Jahre später begann er, Kontrapunktunterricht zu nehmen. Der fünfzehnjährige Verdi ist bereits Autor einer Symphonie. Nach seinem Abschluss am Gymnasium im Jahr 1830 ließ sich der junge Mann im Haus seines Gönners nieder, wo er Margherita, der Tochter von Barezzi, Gesangs- und Klavierunterricht erteilt. 1836 wird das Mädchen seine Frau.

Laut Verdis Biografie war ein Versuch, das Mailänder Konservatorium zu betreten, erfolglos. Doch Giuseppe kann nicht mit gesenktem Kopf zu Busetto zurückkehren. Nach einem Aufenthalt in Mailand nimmt er Privatunterricht bei einem der besten Lehrer und Chef des Orchesters der Scala, Vincenzo Lavigna. Durch ein glückliches Zusammentreffen der Umstände erhält er von der Mailänder Scala einen Auftrag für seine erste Oper. In den folgenden Jahren bekommt der Komponist Kinder. Allerdings ist Glück trügerisch. Nachdem meine Tochter noch nicht einmal anderthalb Jahre gelebt hat, stirbt sie. Verdi zieht mit seiner Familie nach Mailand. Diese Stadt war dazu bestimmt, sowohl den großen Ruhm des Maestros als auch seine bittersten Verluste zu erleben. Stirbt plötzlich im Jahr 1839 kleiner Sohn, und weniger als ein Jahr später starb auch Margherita. So hatte Verdi im Alter von 26 Jahren seine gesamte Familie verloren.

Fast zwei Jahre lang kam Verdi kaum über die Runden und wollte mit der Musik aufhören. Aber auch hier griff der Zufall ein und so entstand Nabucco, das nach seiner Uraufführung im Jahr 1842 zu einem durchschlagenden Erfolg und gesamteuropäischer Anerkennung kam. Die 40-50er Jahre waren die kreativsten Jahre: Verdi schrieb 20 seiner 26 Opern. Seit 1847 war Giuseppina Strepponi, die Sängerin, die bei der Uraufführung von Nabucco die Rolle der Abigail spielte, die eigentliche Ehefrau des Komponisten. Verdi nannte sie liebevoll Peppina, heiratete sie jedoch erst 12 Jahre später. Giuseppina hatte eine moralisch fragwürdige Vergangenheit und drei Kinder von verschiedenen Männern. Das Paar hatte keine gemeinsamen Kinder und adoptierte 1867 eine kleine Nichte.

Seit 1851 lebt Verdi in Sant'Agata, seinem eigenen Anwesen in der Nähe von Busetto, Landwirtschaft und Pferdezucht. Der Komponist nahm aktiv am politischen Leben seines Landes teil: 1860 wurde er Abgeordneter des ersten italienischen Parlaments und 1874 Senator in Rom. 1899 wurde in Mailand eine auf seine Kosten erbaute Pension für ältere Musiker eröffnet. Verdi, der am 27. Januar 1901 in Mailand starb, wurde in der Krypta dieser Anstalt beigesetzt. Er überlebte seine Peppina um bis zu 13 Jahre ... Seine Beerdigung wuchs zu einer großen Prozession, mehr als 200.000 Menschen kamen, um den Komponisten auf seiner letzten Reise zu sehen.

Interessante Fakten über Giuseppe Verdi

• Der wichtigste Operngegner von G. Verdi – Richard Wagner – wurde im selben Jahr mit ihm geboren, starb jedoch 18 Jahre zuvor. Es ist bemerkenswert, dass Verdi im Laufe der Jahre nur zwei Opern schrieb – „ Othello" Und " Falstaff". Die Komponisten sind sich nie begegnet, doch es gibt viele Schnittpunkte in ihren Schicksalen. Eines davon ist Venedig. Es gab Premieren in dieser Stadt Traviata" Und " Rigoletto", und Wagner starb im Palazzo Vendramin Calergi. F. Werfels Buch „Verdi. Opernroman.

• Das Heimatdorf des Komponisten heißt nun offiziell Roncole Verdi, nach ihm ist auch das Mailänder Konservatorium benannt, in das der Musiker keinen Zutritt hatte.
• Die fünfte Oper des Komponisten, Ernani, brachte Verdi ein Rekordhonorar ein, das ihn über den Kauf eines eigenen Anwesens nachdenken ließ.
• Die britische Königin Victoria schrieb nach der Premiere von „Robbers“ in ihr Tagebuch, die Musik sei „laut und banal“.
• Der Maestro bezeichnete Rigoletto zu Recht als eine Duettoper, die fast völlig ohne Arien und traditionelle Chorfinals auskommt.
• Es wird angenommen, dass sich nicht jedes Opernhaus eine Aufführung leisten kann. Troubadour" oder " Maskenball“, da beide vier großartige Stimmen gleichzeitig erfordern – Sopran, Mezzosopran, Tenor und Bariton.
• Statistiken zeigen, dass Verdi der am häufigsten aufgeführte Opernkomponist ist und La Traviata der am häufigsten aufgeführte Oper aufgeführt auf dem Planeten.
• „Viva VERDI“ ist sowohl eine Hommage an den Komponisten als auch ein Akronym für die Befürworter der italienischen Einigung, wobei VERDI bedeutete: Vittorio Emanuele Re D'Italia (Victor Emmanuel – König von Italien).

• Es gibt zwei " Don Carlos- Französisch und Italienisch. Sie unterscheiden sich nicht nur in der Sprache des Librettos, tatsächlich handelt es sich um zwei unterschiedliche Fassungen der Oper. Was gilt also als der „echte“ „Don Carlos“? Diese Frage lässt sich nicht eindeutig beantworten, da es sogar Unterschiede zwischen der bei der Pariser Uraufführung präsentierten Fassung und der Fassung bei der zweiten Aufführung zwei Tage später gibt. Es gibt nicht eine, sondern mindestens drei italienische Fassungen: die erste entstand für eine Aufführung in Neapel im Jahr 1872, eine vieraktige Fassung von 1884 für die Scala, eine fünfaktige Fassung ohne Ballett 1886 für eine Aufführung in Modena . Die bekanntesten, heute aufgeführten und auf Schallplatten veröffentlichten Stücke sind die klassische französische Version und die „mailänder“ italienische Version.
• Seit 1913 findet das jährliche Opernfestival „Arena di Verona“ im antiken römischen Amphitheater von Verona statt. Die Uraufführung war „ Aida” zu Ehren des 100. Geburtstags von Verdi. Auch 2013 stand „Aida“ im Mittelpunkt des Jubiläumsfestprogramms.

Kreativität Giuseppe Verdi

erste Oper, „Oberto, Graf von San Banifacho“, wurde für die Aufführung einer Wohltätigkeitsaufführung an der Mailänder Scala zugelassen. Die Uraufführung war ein Erfolg und das Theater unterzeichnete mit dem angehenden Autor einen Vertrag über drei weitere Opern. Doch der nächste, „King for a Day“, war ein verheerendes Fiasko. Dieses Werk wurde Verdi mit unglaublicher Mühe gegeben. Wie schreibt man eine komische Oper, nachdem man gerade ein Kind und eine Frau begraben hat? Der ganze Schmerz, den der Komponist erlebte, fand in der Musik seinen Weg zum Dramatischen biblische Geschichteüber Nebukadnezar. Verdi erhielt das Manuskript des Librettos von Temistocle Solera durch eine zufällige Begegnung mit dem Impresario der Mailänder Scala auf der Straße. Und zunächst wollte er ablehnen, aber die Handlung fesselte ihn so sehr, dass die Musik „Nabucco“ wurde zu einem Riesenereignis. Und der Refrain von ihr wurde zu „Va, pensiero“. inoffizielle Hymne Italien, das die Italiener heute auswendig kennen.

Eine Wiederholung des Erfolgs von „Nabucco“ war gefragt „Lombarden im ersten Kreuzzug“, das die Scala ein Jahr später der Öffentlichkeit präsentierte. Und ein Jahr später fand die Uraufführung einer Oper statt, die im Auftrag eines anderen renommierten und einflussreichen Theaters geschrieben wurde – für das venezianische La Fenice, das Verdi geschaffen hatte „Ernani“, das erste gemeinsame Werk des Komponisten und Librettisten Francesco Maria Piave, eines Venezianers, mit dem sie sieben weitere Werke schaffen werden. „Ernani“ sprach das Publikum in einer völlig anderen musikalischen Sprache an als seine bisherigen Kompositionen. Es war eine Geschichte über Persönlichkeiten und Leidenschaften, die so lebendig und authentisch zum Ausdruck kam, dass man sie zu Recht als die erste echte „Verdi“-Oper bezeichnen kann. Derjenige, in dem der einzigartige Autorenstil seines Schöpfers entstand. Dieser Stil wurde durch nachfolgende Werke gefestigt: „Zwei Foscari“ Und "Jeanne d'Arc".

Das drittwichtigste italienische Theater jener Jahre war das neapolitanische San Carlo, für das Verdi 1845 schrieb „Alziru“ Basierend auf Voltaires gleichnamiger Tragödie. Es handelte sich um ein Werk in Zusammenarbeit mit dem berühmten Librettisten Salvatore Cammarano. Die Oper wurde ihm jedoch hart und ohne Inspiration gegeben, er war sehr krank. Dies ist wahrscheinlich der Grund, warum ihr Bühnenleben kurz war. Viel später erkennt der Maestro darin seine vielleicht erfolgloseste Schöpfung. Der beste Empfang erwartete die Premiere in Venedig "Attila" im Jahr 1846, obwohl auch seine Entstehung dem Komponisten keine schöpferische Befriedigung brachte. „Die Jahre meiner Gefangenschaft“ – so wird er selbst den Zeitraum von 43-46 Jahren charakterisieren, in dem er 5 Opern schrieb.

Aus der Biographie von Verdi erfahren wir, dass der Komponist nach kurzer Genesung gleich zwei Opern aufnimmt: "Macbeth" für Florenz und „Räuber“ für den Londoner Covent Garden. Und wenn er mit Begeisterung an Ersterem arbeitet, wird Letzteres zu einer weiteren Belastung. Als nächstes erscheinen "Korsar" Und „Schlacht von Legnano“ und vervollständigte damit eine Reihe bravourös-heroischer Werke des Maestros. „Louise Miller“ Das 1849 inszenierte Stück wurde zu einer Fortsetzung des Ernani-Themas, in dem menschliche Schicksale und Gefühle im Vordergrund stehen. Die Herausbildung von Verdis wahrem Stil wurde durch sein nächstes Werk gefestigt: „Stiffelio“, und bis heute wenig bekannt, allerdings völlig unverdient. Parallel dazu beginnt der Komponist, sein erstes unbestrittenes Meisterwerk zu komponieren: Rigoletto».

„Rigoletto“ Seit seiner Premiere in Venedig im Jahr 1851 wird es ununterbrochen in Theatern auf der ganzen Welt aufgeführt. Verdi griff die Handlung von Victor Hugos Stück „Der König amüsiert sich selbst“ auf, das von den örtlichen Zensoren wegen der Unmoral der Handlung von den Pariser Bühnen entfernt wurde. Die Oper erlitt fast das gleiche Schicksal, aber Piave bearbeitete die Handlung, und die Aufführung ging an das Publikum, was fast zu einer Revolution in der Opernkunst wurde: Das Orchester spielte nicht mehr als ein Begleitinstrument, sein Klang wurde ausdrucksstark und komplex. „Rigoletto“ erzählt eine ganze dramatische Geschichte, fast ohne den Grundriss der Geschichte in einzelne Arien zu zerreißen. Die Oper eröffnet die sogenannte „romantische Trilogie“, die von Il trovatore und La Traviata fortgesetzt wird.

"Troubadour" Die 1853 in Rom aufgeführte Oper wurde zu Verdis Lebzeiten zu einer der beliebtesten Opern. Es ist eine wahre Fundgrube an erstaunlichen Melodien. Das „Il trovatore“ ist auch deshalb interessant, weil einer der Hauptteile für Mezzosopran geschrieben wurde – eine Stimme, die normalerweise vergeben wurde Nebenrollen. Anschließend wird der Komponist eine ganze Galerie großartiger Heldinnen für eine tiefe Frauenstimme schaffen: Ulrika, Eboli, Amneris. Inzwischen hat die Fantasie des Maestros bereits die Handlung des kürzlich erschienenen Theaterstücks „Die Kameliendame“ ​​von Alexandre Dumas Sohn erfasst – tragische Geschichte Liebe und Selbstaufopferung. Verdi arbeitete mit Hochdruck an dieser Oper und die Musik war in 40 Tagen vollständig geschrieben. "La traviata"- das ist die Verehrung einer Frau, vielleicht ist das Verdis kreative Hingabe an seine Gefährtin Giuseppina Strepponi. Man kann es sich kaum vorstellen, aber dieses absolute Meisterwerk war bei der Premiere im La Fenice ein voller Misserfolg. Das Publikum war empört darüber, dass die Heldin der Oper eine gefallene Frau war, und zwar nicht aus fernen Epochen, sondern aus ihrer Zeitgenossen. Allerdings nimmt Verdi dieses Fiasko gelassener als zuvor wahr – er ist von seiner Musik überzeugt, ihr Genie schützt ihren Schöpfer voll und ganz. Und der Maestro hat wieder recht: Nur ein Jahr wird vergehen und La Traviata wird nach einer kleinen Überarbeitung triumphal auf die venezianische Bühne zurückkehren.

Der nächste Auftrag kommt aus Paris und 1855 wird die Bühne der Grand Opera inszeniert „Sizilianische Vesper“ basierend auf dem Libretto des berühmten französischen Dramatikers Eugene Scribe. Diese Oper ist auch deshalb bedeutsam, weil der Komponist erneut von der Freiheit von Sklavenhändlern spricht, nämlich von der Freiheit seines Italiens, in dem revolutionäre Stimmungen heranreifen. Die folgenden Jahre werden dem Schaffen gewidmet „Simona Boccanegra“, dem ein schweres Schicksal bevorsteht. Einer der ehrgeizigsten Pläne des Maestro, eine seiner dunkelsten Opern, eine seiner bedeutendsten, hatte nach der venezianischen Inszenierung von 1857 keinen Erfolg beim Publikum. Der Grund dafür war vermutlich eine düstere, düstere Handlung mit Schwerpunkt auf der politischen Linie und depressiven Charakteren. Kritiker warfen dem Komponisten schwere Musik, kühnen Umgang mit Harmonien und rauen Gesangsstil vor. Es werden mehr als zwanzig Jahre vergehen, und Verdi kehrt zu Boccanegra zurück und überarbeitet es völlig. Diese Neufassung mit Libretto von Arrigo Boito läuft noch heute im Kino.

Verdi wendet sich das nächste Mal der Handlung von Scribe zu. Die Wahl fiel auf "Maskenball"- die Geschichte vom Tod des schwedischen Königs Gustav III. Die Zensur lehnte das Libretto ab, da es undenkbar war, die Ermordung einer königlichen Person durch einen betrogenen Ehemann auf der Bühne zu zeigen, und was erst vor kurzem geschah (das eigentliche Ereignis ereignete sich im Jahr 1792). Infolgedessen musste das Libretto geändert werden – die Handlung wurde nach Amerika verlegt und der Gouverneur von Boston, Richard, wurde Opfer der Eifersucht. Der Erfolg nach der Aufführung in Rom war überwältigend, die Oper war schnell zu „Hits“ ausverkauft, die sogar von Passanten auf der Straße gesungen wurden. 1861 stimmt Verdi schließlich einem weiteren Angebot des Kaiserlichen Theaters von St. Petersburg zu und trifft Ende desselben Jahres in der russischen Hauptstadt ein, um dort aufzutreten „Mächte des Schicksals“, dessen Uraufführung sich aus mehreren Gründen auf den 10. November 1862 verzögerte. Der Erfolg der Oper war jedoch mehr auf den Namen des Komponisten als auf seine eigenen Verdienste zurückzuführen. Trotz der verworrenen Handlung und der etwas altmodischen epischen Erzählung etablierte sich „Die Macht des Schicksals“ zu Verdis Lebzeiten zweifellos als Erfolg.

Es vergehen mehrere Jahre, die der Komponist in Sant'Agata für alltägliche ländliche Angelegenheiten und den Umbau von Macbeth verbringt. Erst 1866 nahm sich Verdi ein neues Werk vor, das das längste und anspruchsvollste werden sollte. Die Hauptquelle ist wieder ein Theaterstück von Schiller, dieses Mal - „Don Carlos“. Das Libretto ist auf Französisch verfasst, weil ihr Kunde es ist Große Pariser Oper. Verdi arbeitet lange und mit Begeisterung, doch die Uraufführung stößt beim Publikum auf Kühle und Kritik. Paris schätzte das Ungewöhnliche nicht Musikrichtung„Don Carlos“, der Siegeszug der Oper auf den Weltbühnen, begann mit der Londoner Aufführung derselben im Jahr 1867.

Im November 1870 vollendete der Maestro die von der ägyptischen Regierung in Auftrag gegebene Oper. „Aida“ erscheint in Kairo und nur wenige Monate später an der Scala. Die italienische Erstaufführung war ein uneingeschränkter Sieg für den Komponisten und er betrachtet sie als einen würdigen Abschluss seiner Opernkarriere. 1873 stirbt der von Verdi bewunderte Schriftsteller Alessandro Manzoni. Im Gedenken an ihn und an Rossini, zu dessen Tod der Komponist wenige Jahre zuvor einen Teil der Trauermesse geschaffen hatte, verfasst Verdi ein Requiem und widmet es zwei großen Zeitgenossen.

Nach Aida war es nicht einfach, Verdi wieder ins Theater zu locken. Das könnte nur eine Shakespeare-Geschichte leisten „Othello“. Seit 1879 arbeitete der Maestro an einer Oper nach einem Libretto von Arrigo Boito und schuf damit eine der komplexesten Tenorstimmen des 19. Jahrhunderts. Im Othello findet Verdis Meisterschaft ihre Vollendung; seine Musik war noch nie so untrennbar mit dem dramatischen Fundament verbunden. Sechs Jahre später beschließt der achtzigjährige Komponist, einen echten Abschied von der Bühne zu arrangieren, indem er eine komische Oper komponiert – die zweite in seiner Biografie, die fast ein halbes Jahrhundert von der ersten entfernt war. Die Handlung, wiederum im Shakespeare-Stil, wurde von Boito vorgeschlagen. Verdi, der sich im Laufe der Jahre den Ruf eines unübertroffenen dramatischen Meisters erworben hat, behauptet sich gegen Ende seiner Karriere auch als Meister der Komödie. Der Höhepunkt des Schaffens des Komponisten war die Oper „Falstaff“ voller Lebensfreude, die nur in den wirklich größten Kunstwerken zu finden ist.

Kompositionen von Giuseppe Verdi nach Genre geordnet, mit Angabe von Titel, Entstehungsjahr, Genre/Interpreten, mit Kommentaren.

Opern

1. „Oberto, Graf Bonifacio“ („Oberto, conte di san Bonifacio“), Libretto von A. Piazza und T. Soler. Uraufführung am 17. November 1839 in Mailand am Teatro alla Scala.
2. „König für eine Stunde“ („Un giorno di regno“) oder „Imaginary Stanislav“ („Il finto Stanislao“), Libretto von F. Romani. Uraufführung am 5. September 1840 in Mailand am Teatro alla Scala.
3. Nabucco oder Nebukadnezar, Libretto von T. Soler. Uraufführung am 9. März 1842 in Mailand im Teatro alla Scala.
4. „Lombarden im ersten Kreuzzug“ („I Lombardi alla prima crociata“), Libretto von T. Soler. Uraufführung 11. Februar 1843. in Mailand, am Teatro alla Scala. Später wurde die Oper für Paris unter dem Titel „Jerusalem“ („Jerusalem“) überarbeitet. Für die zweite Ausgabe wurde Ballettmusik geschrieben. Uraufführung am 26. November 1847 in Paris an der Grand Opéra.
5. „Ernani“ („Ernani“), Libretto von F. M. Piave. Uraufführung 9. März 1844. Venedig, Theater La Fenice.
6. „Two Foscari“ („I due Foscari“), Libretto von F. M. Piave. Uraufführung am 3. November 1844 in Rom im Teatro Argentina.
7. „Giovanna d’Arco“ („Giovanna d’Arco“), Libretto von T. Soler. Uraufführung am 15. Februar 1845 in Mailand im Teatro alla Scala.
8. „Alzira“ („Alzira“), Libretto von S. Cammarano. Uraufführung am 12. August 1845 in Neapel im Teatro San Carlo.
9. „Attila“ („Attila“), Libretto von T. Soler und F. M. Piave. Uraufführung am 17. März 1846 in Venedig im Theater La Fenice.
10. Macbeth, Libretto von F. M. Piave und A. Maffei. Uraufführung am 14. März 1847 in Florenz im Teatro La Pergola. Die Oper wurde später für Paris überarbeitet. Für die zweite Ausgabe wurde Ballettmusik geschrieben. Uraufführung in Paris am 21. April 1865 im Théâtre Lyrique.
11. „Räuber“ („I Masnadieri“), Libretto von A. Maffei. Uraufführung am 22. Juli 1847 in London im Royal Theatre.
12. Il Corsaro, Libretto von F. M. Piave. Uraufführung am 25. Oktober 1848 in Triest.
13. „Die Schlacht von Legnano“ („La Battaglia di Legnano“), Libretto von S. Cammarano. Uraufführung am 27. Januar 1849 in Rom im Teatro Argentina. Später, im Jahr 1861, erschien die Oper mit einem überarbeiteten Libretto unter dem Titel „Die Belagerung von Harlem“ („Assiedo di Harlem“).
14. Luisa Miller, Libretto von S. Cammarano. Uraufführung am 8. Dezember 1849 in Neapel im Teatro San Carlo.
15. „Stiffelio“ („Stiffelio“), Libretto von F. M. Piave. Uraufführung am 16. November 1850 in Triest. Die Oper wurde später unter dem Titel Aroldo überarbeitet. Uraufführung am 16. August 1857 in Rimini.
16. „Rigoletto“ („Rigoletto“), Libretto von F. M. Piave. Uraufführung am 11. März 1851 in Venedig im Teatro La Fenice.
17. Il Trovatore, Libretto von S. Cammarano und L. Bardare. Uraufführung am 19. Januar 1853 in Rom im Apollo-Theater. Für die Aufführung der Oper in Paris wurde Ballettmusik geschrieben und das Finale überarbeitet.
18. „La Traviata“ („La Traviata“), Libretto von F. M. Piave. Uraufführung am 6. März 1853 in Venedig im Teatro La Fenice.
19. „Sizilianische Vesper“ („I vespri siciliani“), („Les v? pres siciliennes“), Libretto von E. Scribe und Ch. Duveyrier. Uraufführung am 13. Juni 1855 in Paris an der Grand Opéra.
20. „Simon Boccanegra“ („Simon Boccanegra“), Libretto von F. M. Piave. Uraufführung am 12. März 1857 in Venedig im Theater La Fenice. Die Oper wurde später überarbeitet (Libretto von A. Boito). Uraufführung am 24. März 1881 in Mailand am Teatro alla Scala.
21. Ball in Maschera (Un ballo in maschera), Libretto von A. Somm. Uraufführung am 17. Februar 1859 in Rom im Apollo-Theater.
22. Die Macht des Schicksals (La Forza del destino), Libretto von F. M. Piave. Uraufführung am 10. November 1862 in St. Petersburg im Mariinski-Theater. Die Oper wurde später überarbeitet. Uraufführung am 20. Februar 1869 in Mailand an der Mailänder Scala.
23. „Don Carlos“ („Don Carlo“), Libretto von J. Mery und C. du Locle. Uraufführung am 11. März 1867 in Paris an der Grand Opera. Die Oper wurde später überarbeitet. Uraufführung in Mailand am 10. Januar 1881 an der Mailänder Scala.
24. „Aida“ („Aida“), Libretto von A. Ghislanzoni. Uraufführung am 24. Dezember 1871 in Kairo. Für die Oper wurde eine Ouvertüre (unveröffentlicht) geschrieben, die während der Aufführung von Aida am 8. Februar 1872 in Mailand (La Scala) aufgeführt wurde.
25. „Otello“ („Otello“), Libretto von A. Boito. Die erste Aufführung fand am 5. Februar 1887 in Mailand an der Mailänder Scala statt (Ballettmusik wurde für die Aufführung in Paris im Jahr 1894 geschrieben: „Arabisches Lied“, „Griechisches Lied“, „Hymne an Mohammed“, „Tanz der Krieger“).
26. „Falstaff“ („Falstaff“), Libretto von A. Boito. Uraufführung am 9. Februar 1893 in Mailand am Teatro alla Scala.

Kompositionen für Chor

• „Ton, Trompete“ („Suona la tromba“) zum Text der Hymne von G. Mameli, für Männerchor und Orchester. Op. 1848
• „Hymne der Nationen“ („Inno delle nazioni“), Kantate für hohe Stimme, Chor und Orchester, nach Texten von A. Boito. Op. für die Londoner Weltausstellung. Uraufführung 24. Mai 1862

Kirchenmusik

• „Requiem“ („Messa di Requiem“) für vier Solisten, Chor und Orchester. Uraufführung am 22. Mai 1874 in Mailand in der Kirche San Marco.
• „Pater Noster“ (Text von Dante), für fünfstimmigen Chor. Uraufführung am 18. April 1880 in Mailand.
• „Ave Maria“ (Text von Dante), für Sopran und Streichorchester. Uraufführung am 18. April 1880 in Mailand.
• „Vier geistliche Stücke“ („Quattro pezzi sacri“): 1. „Ave Maria“ für vier Stimmen (op. um 1889); 2. „Stabat Mater“, für vierstimmigen gemischten Chor und Orchester (op. um 1897); 3. Le laudi alla vergine Maria (Text aus Dantes Paradies), für unbegleiteten vierstimmigen Frauenchor (Ende der 80er Jahre); 4. „Te Deum“, für doppelten vierstimmigen Chor und Orchester (1895-1897). Uraufführung am 7. April 1898 in Paris.

Kammerinstrumentalmusik

• E-moll Streichquartett. Uraufführung am 1. April 1873 in Neapel.

Kammervokalmusik

• Sechs Romanzen für Gesang und Klavier. nach den Worten von G. Vittorelli, T. Bianchi, C. Angiolini und Goethe. Op. im Jahr 1838
• „The Exile“ („L’Esule“), Ballade für Bass und Klavier. zu den Worten von T. Soler. Op. im Jahr 1839
• „Verführung“ („La Seduzione“), Ballade für Bass und Klavier. zu den Worten von L. Balestra. Op. im Jahr 1839
• „Nocturne“ („Notturno“) für Sopran, Tenor und Bass mit obligater Flötenbegleitung. Op. im Jahr 1839
• Album – sechs Romanzen für Gesang und Klavier. zu Worten von A. Maffei, M. Maggioni und F. Romani. Op. im Jahr 1845
• „Der Bettler“ („Il Poveretto“), Liebesroman für Gesang und Klavier. Op. im Jahr 1847
• „Abandoned“ („L’Abbandonata“) für Sopran und Klavier Op. im Jahr 1849
• „Blume“ („Fiorellin“), Liebesroman nach den Worten von F. Piave. Op. im Jahr 1850
• „Das Gebet des Dichters“ („La preghiera del poeta“), nach den Worten von N. Sole. Op. im Jahr 1858
• „Stornel“ („Il Stornello“) für Gesang und Klavier. Op. im Jahr 1869 für ein Album zugunsten von F. M. Piave.

Jugendschriften

• Mehrere Orchesterouvertüren, darunter die Ouvertüre zu „ zum Friseur von Sevilla» Rossini. Märsche und Tänze für das Stadtorchester von Busseto. Konzertstücke für Klavier und Soloblasinstrumente. Arien und Vokalensembles (Duette, Trios). Messen, Motetten, Laudi und andere Kirchenkompositionen.
• „Beweinung Jeremias“ (laut Bibel, ins Italienische übersetzt).
• „The Madness of Saul“, für Gesang und Orchester, nach Texten von V. Alfieri. Op. vor 1832
• Kantate für Solostimme und Orchester zu Ehren der Hochzeit von R. Borromeo. Op. im Jahr 1834
• Chöre zu den Tragödien von A. Manzoia und „Ode an den Tod Napoleons“ – „5. Mai“, Text von A. Manzoni, für Gesang und Orchester. Op. im Zeitraum 1835 - 1838.

Name: Giuseppe Verdi

Alter: 87 Jahre alt

Aktivität: Komponist, Dirigent

Familienstand: Witwer

Giuseppe Verdi: Biographie

Giuseppe Verdi (vollständiger Name: Giuseppe Fortunino Francesco Verdi) ist ein großer italienischer Komponist. Seine musikalischen Werke sind „Schätze“ der Weltopernkunst. Verdis Werk ist der Höhepunkt der Entwicklung der italienischen Oper im 19. Jahrhundert. Dank ihm ist die Oper zu dem geworden, was sie heute ist.

Kindheit und Jugend

Giuseppe Verdi wurde in dem kleinen italienischen Dorf Le Roncole in der Nähe der Stadt Busseto geboren. Zu dieser Zeit gehörte dieses Gebiet zum Ersten Französischen Reich. In offiziellen Dokumenten ist das Geburtsland daher Frankreich. Er wurde am 10. Oktober 1813 geboren Bauernfamilie. Sein Vater Carlo Giuseppe Verdi betrieb ein örtliches Gasthaus. Und Mutter Luigia Uttini arbeitete als Spinnerin.

Der Junge zeigte schon als Kind eine Vorliebe für Musik, deshalb schenkten ihm seine Eltern zunächst ein Spinett – ein Tasteninstrument, das einem Cembalo ähnelt. Und bald begann er, Musik zu lernen und in der Dorfkirche Orgel zu spielen. Sein erster Lehrer war der Priester Pietro Baistrocchi.

Im Alter von 11 Jahren begann der kleine Giuseppe, als Organist aufzutreten. Als er im Dienst war, wurde er von einem wohlhabenden städtischen Kaufmann, Antonio Barezzi, bemerkt und er bot an, dem Jungen zu helfen, ein gutes Geld zu bekommen musikalische Ausbildung. Zuerst zog Verdi in Barezzis Haus, der Mann bezahlte ihm den besten Lehrer und später Giuseppes Ausbildung in Mailand.

In dieser Zeit begann Verdi, sich für Literatur zu interessieren. Bevorzugt werden klassische Werke.

Musik

Bei seiner Ankunft in Mailand versucht er, das Konservatorium zu betreten, wird jedoch sofort abgewiesen. Wegen mangelnder Klavierkenntnisse wird er nicht angenommen. Und das Alter, zu diesem Zeitpunkt war er bereits 18 Jahre alt, übertraf das für die Zulassung festgelegte Alter. Bemerkenswert ist, dass das Mailänder Konservatorium heute den Namen Giuseppe Verdi trägt.

Doch der junge Mann verzweifelt nicht, er engagiert einen Privatlehrer und erlernt die Grundlagen des Kontrapunkts. Er besucht Opernaufführungen, Konzerte verschiedener Orchester und kommuniziert mit dem örtlichen Beau Monde. Und zu dieser Zeit beginnt er darüber nachzudenken, Komponist für das Theater zu werden.

Nach Verdis Rückkehr nach Busseto organisierte Antonio Barezzi für den jungen Mann die erste Aufführung in seinem Leben, die für großes Aufsehen sorgte. Danach lud Barezzi Giuseppe ein, Lehrer für seine Tochter Margherita zu werden. Bald entstand Sympathie zwischen den jungen Leuten und sie begannen eine Affäre.

Zu Beginn seiner Karriere schrieb Verdi kleine Werke: Märsche, Romanzen. Die erste bedeutende Produktion war seine Oper Oberto, Graf von San Bonifacio, die im Teatro alla Scala dem Mailänder Publikum präsentiert wurde. Nach einem durchschlagenden Erfolg mit Giuseppe Verdi wurde ein Vertrag über das Schreiben zweier weiterer Opern unterzeichnet. Innerhalb des vereinbarten Zeitrahmens schuf er King for an Hour und Nabucco.

Die Inszenierung von „König für eine Stunde“ kam beim Publikum schlecht an und scheiterte, und der Theaterimpresario lehnte „Nabucco“ zunächst komplett ab. Die Uraufführung fand jedoch erst zwei Jahre später statt. Und diese Oper war ein voller Erfolg.

Für Verdi, der nach dem Scheitern von „Der König für eine Stunde“ und dem Verlust seiner Frau und seiner Kinder im Begriff war, das musikalische Feld zu verlassen, war Nabucco ein Hauch frischer Luft. Er etablierte sich als erfolgreicher Komponist. Nabucco wurde übrigens 65 Mal im Jahr aufgeführt und verlässt die Weltbühnen bis heute nicht.

Diese Zeit in Verdis Leben kann als kreativer Aufschwung beschrieben werden. Nach der Oper „Nabucco“ schrieb der Komponist mehrere weitere Opern, die auch beim Publikum großen Anklang fanden – „Lombarden auf dem Kreuzzug“ und „Ernani“. Später wurde die Produktion von „Die Lombarden“ in Paris aufgeführt, allerdings musste Verdi dafür Änderungen an der Originalfassung vornehmen. Erstens ersetzte er die italienischen Helden durch französische und zweitens benannte er die Oper in „Jerusalem“ um.

Eines der berühmtesten Werke Verdis war jedoch die Oper Rigoletto. Es wurde basierend auf Hugos Theaterstück „Der König amüsiert sich“ geschrieben. Der Komponist selbst hielt dieses Werk für seine beste Schöpfung. Das russische Publikum kennt „Rigoletto“ aus dem Lied „Das Herz einer Schönheit neigt zum Verrat“. Die Oper wurde tausende Male in verschiedenen Theatern auf der ganzen Welt aufgeführt. Es wurden die Arien des Protagonisten, des Narren Rigoletto, aufgeführt.

Zwei Jahre später schrieb Verdi „La Traviata“ nach dem Werk „Die Kameliendame“ ​​von Alexandre Dumas dem Jüngeren.

1871 erhält Giuseppe Verdi einen Auftrag vom ägyptischen Herrscher. Er wird gebeten, eine Oper für das Opernhaus Kairo zu schreiben. Die Uraufführung der Oper Aida fand am 24. Dezember 1871 statt und fiel zeitlich mit der Eröffnung des Suezkanals zusammen. Die berühmteste Arie der Oper ist der Triumphmarsch.

Der Komponist schrieb 26 Opern und ein Requiem. In jenen Jahren wurden Opernhäuser von allen Gesellschaftsschichten besucht, sowohl von der örtlichen Aristokratie als auch von den Armen. Daher gilt der Italiener Giuseppe Verdi zu Recht als der „Volkskomponist“ Italiens. Er schuf eine solche Musik, in der das einfache italienische Volk seine eigenen Erfahrungen und Hoffnungen spürte. In Verdis Opern hörten die Menschen den Aufruf, gegen das Unrecht zu kämpfen.

Bemerkenswert ist, dass sein wichtigster „Rivale“ Giuseppe Verdi im selben Jahr geboren wurde. Man kann das Werk der Komponisten kaum verwechseln, aber sie gelten als die Reformatoren der Opernkunst. Natürlich hatten die Komponisten viel voneinander gehört, sich aber nie getroffen. In ihren musikalischen Werken versuchten sie jedoch teilweise, miteinander zu streiten.

Es wurden Bücher über das Leben und Werk von Giuseppe Verdi geschrieben und sogar Filme gedreht. Renato Castellanis 1982 erschienene Miniserie „Das Leben des Giuseppe Verdi“ wurde zum berühmtesten Filmwerk.

Privatleben

Im Jahr 1836 heiratete Giuseppe Verdi die Tochter seiner Gönnerin Margherita Barezzi. Bald gebar das Mädchen eine Tochter, Virginia Maria Louise, doch im Alter von eineinhalb Jahren stirbt das Mädchen. Im selben Jahr, einen Monat zuvor, gebar Margarita einen Sohn, Icilio Romano, der ebenfalls im Säuglingsalter stirbt. Ein Jahr später starb Margarita selbst an einer Enzephalitis.

Mit 26 Jahren wurde Verdi allein gelassen: Sowohl seine Kinder als auch seine Frau verließen ihn. Er mietet eine Wohnung in der Nähe der Kirche Santa Sabina, es fällt ihm schwer, diesen Verlust zu überleben. Irgendwann beschließt er sogar, mit dem Komponieren aufzuhören.

Mit 35 Jahren verliebte sich Giuseppe Verdi. Sein Liebhaber war ein Italiener Opernsänger Giuseppina Strepponi. 10 Jahre lang lebten sie in der sogenannten „standesamtlichen“ Ehe, was in der Gesellschaft für äußerst negative Gerüchte sorgte. Das Paar heiratete 1859 in Genf. Und vor bösen Zungen versteckten sich die Eheleute lieber außerhalb der Stadt – in der Villa Sant'Agata. Das Projekt des Hauses wurde übrigens von Verdi selbst entworfen, er wollte nicht auf die Hilfe von Architekten zurückgreifen.

Das Haus ist lakonisch. Aber der Garten rund um die Villa war wirklich luxuriös: Blumen und exotische Bäume sind überall. Tatsache ist, dass Verdi seine Freizeit gerne der Gartenarbeit widmete. Übrigens begrub der Komponist in diesem Garten seinen geliebten Hund und hinterließ auf ihrem Grab die Inschrift: „Denkmal für meine Freundin“.

Giuseppina wurde zum Komponisten Hauptmuse und Unterstützung im Leben. 1845 verlor die Sängerin ihre Stimme und sie beschloss, ihre Opernkarriere zu beenden. Nach Strepponi entschied sich auch Verdi dazu, da der Komponist zu dieser Zeit bereits reich und berühmt war. Aber die Frau überredet ihren Mann, sein Geschäft fortzusetzen musikalische Karriere, und kurz nach seinem „Abgang“ entstand ein Meisterwerk der Opernkunst – „Rigoletto“. Giuseppina unterstützte und inspirierte Verdi bis zu ihrem Tod im Jahr 1897.

Tod

21. Januar 1901 Giuseppe Verdi war in Mailand. Er erlitt im Hotel einen Schlaganfall, der Komponist war gelähmt, las aber weiterhin die Partituren der Opern „Tosca“ und „La Bohème“ sowie „Die Pique Dame“, doch seine Meinung zu diesen Werken blieb unausgesprochen. Jeden Tag verließen die Kräfte den großen Komponisten, und am 27. Januar 1901 war er verschwunden.

Der große Komponist wurde auf dem Monumentalfriedhof in Mailand beigesetzt. Doch einen Monat später wurde seine Leiche auf dem Gelände eines Erholungsheims für pensionierte Musiker umgebettet, das der Komponist einst selbst gegründet hatte.

Kunstwerke

• 1839 - „Oberto, Graf von San Bonifacio“
• 1940 – „König für eine Stunde“
• 1845 - Jeanne d'Arc
• 1846 - „Attila“
• 1847 – „Macbeth“
• 1851 – „Rigoletto“
• 1853 - Troubadour
• 1853 – „La Traviata“
• 1859 - „Maskenball“
• 1861 – „Die Macht des Schicksals“
• 1867 – „Don Carlos“
• 1870 – „Aida“
• 1874 – Requiem
• 1886 – „Othello“
• 1893 – „Falstaff“

Biografie

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi ist ein italienischer Komponist, dessen Werk eines von vielen ist große Erfolge Weltopernkunst und der Höhepunkt der Entwicklung der italienischen Oper im 19. Jahrhundert.

Der Komponist schuf 26 Opern und ein Requiem. Die besten Opern des Komponisten: Un ballo in maschera, Rigoletto, Il trovatore, La traviata. Der Höhepunkt der Kreativität sind die neuesten Opern: Aida, Othello, Falstaff.

Frühe Periode

Verdi wurde in der Familie von Carlo Giuseppe Verdi und Luigi Uttini in Le Roncol geboren, einem Dorf in der Nähe von Busseto im Departement Taro, das zu diesem Zeitpunkt nach der Annexion der Fürstentümer Parma und Piacenza Teil des Ersten Französischen Kaiserreichs war. Zufällig wurde Verdi offiziell in Frankreich geboren.

Verdi wurde 1813 (im selben Jahr wie Richard Wagner, seinem späteren Hauptkonkurrenten und führenden Komponisten der deutschen Opernschule) in Le Roncol, unweit von Busseto (Herzogtum Parma) geboren. Der Vater des Komponisten, Carlo Verdi, betrieb ein Dorfgasthaus, und seine Mutter, Luigia Uttini, war Spinnerin. Die Familie lebte in Armut und Giuseppes Kindheit war schwierig. In der Dorfkirche half er bei der Feier der Messe. Musikalische Bildung und lernte das Orgelspiel bei Pietro Baistrocchi. Als die Eltern das Verlangen ihres Sohnes nach Musik bemerkten, schenkten sie Giuseppe ein Spinett. Der Komponist behielt dieses sehr unvollkommene Instrument bis zu seinem Lebensende.

Auf den musikalisch begabten Jungen wurde Antonio Barezzi, ein wohlhabender Kaufmann und Musikliebhaber aus der Nachbarstadt Busseto, aufmerksam. Er glaubte, dass Verdi kein Gastwirt und kein Dorforganist, sondern ein großer Komponist werden würde. Auf Anraten von Barezzi zog der zehnjährige Verdi zum Studium nach Busseto. Damit begann ein neuer, noch schwierigerer Lebensabschnitt – die Jahre der Adoleszenz und Jugend. Sonntags ging Giuseppe nach Le Roncole, wo er während der Messe Orgel spielte. Verdi hatte auch einen Kompositionslehrer – Fernando Provezi, Direktor der Philharmonischen Gesellschaft von Busseto. Provezi beschäftigte sich nicht nur mit Kontrapunkt, er weckte in Verdi auch das Verlangen nach ernsthafter Lektüre. Giuseppes Aufmerksamkeit wird von den Klassikern der Weltliteratur auf sich gezogen – Shakespeare, Dante, Goethe, Schiller. Eines seiner Lieblingswerke ist der Roman „Die Verlobten“ des großen italienischen Schriftstellers Alessandro Manzoni.

In Mailand, wohin Verdi im Alter von achtzehn Jahren ging, um seine Ausbildung fortzusetzen, wurde er am Konservatorium (heute nach Verdi benannt) „aufgrund des geringen Klavierspielniveaus“ nicht aufgenommen; Darüber hinaus gab es am Konservatorium Altersbeschränkungen.“ Verdi begann Privatunterricht im Kontrapunkt zu nehmen und besuchte gleichzeitig Opernaufführungen und Konzerte. Die Kommunikation mit dem Mailänder Beau Monde überzeugte ihn, ernsthaft über eine Karriere als Theaterkomponist nachzudenken.

Als er mit der Unterstützung von Antonio Barezzi (Antonio Barezzi – ein lokaler Kaufmann und Musikliebhaber, der Verdis musikalische Ambitionen unterstützte) nach Busseto zurückkehrte, gab Verdi 1830 seinen ersten öffentlichen Auftritt im Barezzi-Haus.

Fasziniert von Verdis musikalischer Begabung lädt Barezzi ihn ein, Musiklehrer für seine Tochter Margherita zu werden. Bald verliebten sich die jungen Leute leidenschaftlich ineinander und am 4. Mai 1836 heiratete Verdi Margherita Barezzi. Margherita gebar bald zwei Kinder: Virginia Maria Luisa (26. März 1837 – 12. August 1838) und Icilio Romano (11. Juli 1838 – 22. Oktober 1839). Während Verdi an seiner ersten Oper arbeitete, sterben beide Kinder Kindheit. Einige Zeit später (18. Juni 1840), im Alter von 26 Jahren, stirbt die Frau des Komponisten, Margarita, an einer Gehirnentzündung.

Erste Anerkennung

Die Uraufführung von Verdis Oper (Oberto, Graf Bonifacio) (Oberto) an der Mailänder Scala wurde von der Kritik gefeiert, woraufhin der Theaterimpresario Bartolomeo Merelli Verdi einen Vertrag zum Schreiben von zwei Opern anbot. Sie waren „König für eine Stunde“ (Un giorno di regno) und „Nabucco“ („Nebukadnezar“). Verdis Frau und zwei Kinder starben, während er an der ersten dieser beiden Opern arbeitete. Nach ihrem Scheitern wollte der Komponist mit dem Schreiben von Opernmusik aufhören. Die Uraufführung von Nabucco am 9. März 1842 an der Scala war jedoch ein großer Erfolg und begründete Verdis Ruf als Opernkomponist. Im Laufe des nächsten Jahres wurde die Oper 65 Mal in Europa aufgeführt und nimmt seitdem einen festen Platz im Repertoire der führenden Opernhäuser der Welt ein. Auf „Nabucco“ folgten gleich mehrere Opern, darunter „I Lombardi alla prima crociata“ und „Ernani“, die in Italien aufgeführt wurden und Erfolg hatten.

Im Jahr 1847 wurde die Oper Le Lombards, umgeschrieben und in Jerusalem (Jérusalem) umbenannt, am 26. November 1847 von der Pariser Oper aufgeführt und war Verdis erstes Werk im Stil einer großen Oper. Dazu musste der Komponist diese Oper etwas umarbeiten und die italienischen Schriftzeichen durch französische ersetzen.

Meister

Im Alter von achtunddreißig Jahren hatte Verdi eine Affäre mit Giuseppina Strepponi, einer Sängerin (Sopranistin), die zu diesem Zeitpunkt ihre Karriere beendete (sie heirateten erst elf Jahre später, und ihr Zusammenleben vor der Hochzeit wurde von vielen als skandalös angesehen). der Orte, an denen sie leben mussten). Giuseppina hörte bald auf, aufzutreten, und Verdi beschloss, dem Beispiel von Gioacchino Rossini folgend, seine Karriere zusammen mit seiner Frau zu beenden. Er war reich, berühmt und verliebt. Vielleicht war es Giuseppina, der ihn überzeugte, weiterhin Opern zu schreiben. Die allererste Oper, die Verdi nach seiner „Ruhestand“ schrieb, wurde zu seinem ersten Meisterwerk – „Rigoletto“. Das Libretto der Oper, die auf Victor Hugos Stück „Der König amüsiert sich selbst“ basiert, wurde aus Gründen der Zensur erheblich geändert, und der Komponist beabsichtigte, das Werk mehrmals einzustellen, bis die Oper endgültig fertiggestellt war. Die Uraufführung fand 1851 in Venedig statt und war ein großer Erfolg.

„Rigoletto“ ist vielleicht einer davon die besten Opern in der Geschichte des Musiktheaters. Die künstlerische Großzügigkeit Verdis kommt darin voll zur Geltung. Wunderschöne Melodien sind über die gesamte Partitur verstreut, Arien und Ensembles, die aus dem klassischen Opernrepertoire nicht mehr wegzudenken sind, reihen sich aneinander und Komisches und Tragisches verschmelzen miteinander.

La Traviata, Verdis nächste große Oper, wurde zwei Jahre nach Rigoletto komponiert und aufgeführt. Das Libretto basiert auf dem Theaterstück „Die Kameliendame“ ​​von Alexandre Dumas Sohn.

Es folgten mehrere weitere Opern, darunter das heute ständig aufgeführte „Das sizilianische Abendmahl“ (Les vêpres siciliennes; geschrieben im Auftrag der Pariser Oper), „Trovatore“ (Il Trovatore), „Un ballo in maschera“ (Un ballo). in maschera), „Machtschicksal“ (La forza del destino; 1862, geschrieben im Auftrag des Kaiserlichen Bolschoi-Steintheaters von St. Petersburg), die zweite Ausgabe der Oper „Macbeth“ (Macbeth).

Im Jahr 1869 komponierte Verdi „Libera Me“ für das Requiem zum Gedenken an Gioacchino Rossini (die restlichen Teile wurden von heute wenig bekannten italienischen Komponisten geschrieben). Im Jahr 1874 schrieb Verdi sein Requiem anlässlich des Todes des von ihm verehrten Schriftstellers Alessandro Manzoni, einschließlich einer überarbeiteten Fassung des zuvor geschriebenen Libera Me.

Eine von Verdis letzten großen Opern, Aida, wurde von der ägyptischen Regierung anlässlich der Eröffnung des Suezkanals in Auftrag gegeben. Verdi lehnte zunächst ab. Während seines Aufenthalts in Paris erhielt er über du Locle einen zweiten Vorschlag. Diesmal machte sich Verdi mit dem Drehbuch der Oper vertraut, das ihm gefiel, und stimmte zu, die Oper zu schreiben.

Verdi und Wagner, jeweils der Leiter ihrer nationalen Opernschule, mochten sich schon immer nicht. Sie haben sich in ihrem ganzen Leben nie getroffen. Verdis überlieferte Kommentare zu Wagner und seiner Musik sind spärlich und unfreundlich („Er wählt immer, völlig vergeblich, den unbekannten Weg, versucht dorthin zu fliegen, wo ein normaler Mensch einfach gehen würde, und erreicht viel.“ Beste Ergebnisse"). Als Verdi jedoch erfuhr, dass Wagner gestorben war, sagte er: „Wie traurig! Dieser Name hat große Spuren in der Kunstgeschichte hinterlassen. Es ist nur eine Aussage Wagners zur Musik Verdis bekannt. Nach dem Anhören des Requiems sagte der große Deutsche, immer eloquent, immer großzügig mit (unschmeichelhaften) Kommentaren gegenüber vielen anderen Komponisten: „Es ist besser, nichts zu sagen.“

Aida wurde 1871 mit großem Erfolg in Kairo aufgeführt.

Letzte Jahre und Tod

Die Oper „Otello“ nach einem Theaterstück von William Shakespeare wurde 1887 in Mailand aufgeführt. Die Musik dieser Oper ist „kontinuierlich“, sie enthält nicht die für die italienische Oper traditionelle Unterteilung in Arien und Rezitative – diese Neuerung wurde unter dem Einfluss eingeführt Opernreform Richard Wagner (nach dessen Tod). Darüber hinaus erlangte der späte Verdi-Stil unter dem Einfluss derselben Wagner-Reform ein höheres Maß an Rezitativ, was der Oper eine realistischere Wirkung verlieh, obwohl es einige Fans der traditionellen italienischen Oper abschreckte.

Verdis letzte Oper, Falstaff, deren Libretto Arrigo Boito, Librettist und Komponist, basierend auf Shakespeares „Die lustigen Weiber von Windsor“ schrieb, wurde in übersetzt Französisch, hergestellt von Victor Hugo, entwickelte die Art der „durch Entwicklung“. Die brillant geschriebene Partitur dieser Komödie steht damit Wagners „Meistersingern“ viel näher als den komischen Opern von Rossini und Mozart. Die Flüchtigkeit und das Funkeln der Melodien ermöglichen es, die Entwicklung der Handlung nicht zu verzögern und erzeugen einen einzigartigen Effekt der Verwirrung, der dem Geist dieser Shakespeare-Komödie so nahe kommt. Die Oper endet mit einer siebenstimmigen Fuge, in der Verdi seine brillante Meisterschaft im Kontrapunkt voll unter Beweis stellt.

Am 21. Januar 1901 erlitt Verdi während seines Aufenthalts im Grand Et De Milan Hotel (Mailand, Italien) einen Schlaganfall. Von Lähmungen geplagt, konnte er mit seinem Innenohr die Partituren der Opern „La bohème“ und „Tosca“ von Puccini, „Pagliacci“ von Leoncavallo und „Die Pique Dame“ von Tschaikowsky lesen, aber was er über diese Opern dachte, die von seinen unmittelbaren und würdigen Erben geschrieben worden waren , blieb unbekannt. . Verdi wurde von Tag zu Tag schwächer und starb sechs Tage später, am frühen Morgen des 27. Januar 1901.

Ursprünglich wurde Verdi auf dem Monumentalfriedhof in Mailand beigesetzt. Einen Monat später wurde sein Leichnam in die Casa Di Riposo in Musicisti überführt, ein von Verdi gegründetes Ferienheim für pensionierte Musiker.

Er war ein Agnostiker. Seine zweite Frau, Giuseppina Strepponi, beschrieb ihn als „einen Mann mit geringem Glauben“.

Stil

Verdis Vorgänger, die sein Werk beeinflussten, sind Rossini, Bellini, Meyerbeer und vor allem Donizetti. In den letzten beiden Opern Othello und Falstaff ist der Einfluss Richard Wagners spürbar. Verdi respektierte zwar Gounod, den seine Zeitgenossen als den größten Komponisten seiner Zeit betrachteten, lehnte jedoch nichts von dem großen Franzosen ab. Einige Passagen in „Aida“ weisen auf die Vertrautheit des Komponisten mit den Werken von Michail Glinka hin, den Franz Liszt in ihm populär machte Westeuropa nach der Rückkehr von einer Russlandreise.

Während seiner gesamten Karriere weigerte sich Verdi, das hohe C in Tenorpartien zu verwenden, mit der Begründung, dass die Möglichkeit, diese bestimmte Note vor vollem Haus zu singen, die Interpreten vor, nach und während der Aufführung der Note ablenkt.

Obwohl Verdis Orchestrierung zuweilen meisterhaft ist, verließ sich der Komponist hauptsächlich auf seine melodische Begabung, um die Emotionen der Charaktere und die Dramatik der Handlung auszudrücken. Tatsächlich ist die Harmonie in Verdis Opern, insbesondere bei Solo-Gesangsnummern, sehr oft bewusst asketisch und das gesamte Orchester klingt wie ein einziges Begleitinstrument (Verdi wird der Ausspruch zugeschrieben: „Das Orchester ist eine große Gitarre!“ Einige Kritiker behaupten das Verdi schenkte dem technischen Aspekt der Partitur zu wenig Beachtung, da es ihm an Bildung und Raffinesse mangelte. Verdi selbst sagte einmal: „Von allen Komponisten bin ich der am wenigsten bewanderte.“ Er beeilte sich jedoch hinzuzufügen: „Ich meine das ernst, aber.“ Mit „Wissen“ meine ich überhaupt keine Kenntnisse über Musik“.

Es wäre jedoch falsch zu sagen, dass Verdi die Ausdruckskraft des Orchesters unterschätzte und nicht wusste, wie er sie zu Ende nutzen konnte, wenn er sie brauchte. Darüber hinaus sind die Neuerungen des Orchesters und des Kontrapunkts (z. B. die Streicher, die in Monterones Szene in Rigoletto entlang der chromatischen Tonleiter schweben, um die Dramatik der Situation zu betonen, oder, ebenfalls in Rigoletto, der Chor, der abseits der Bühne benachbarte Töne erklingen lässt, sehr wirkungsvoll darzustellen) Heraufziehender Sturm) - charakteristisch für Verdis Werk - so charakteristisch, dass andere Komponisten es nicht wagten, einige seiner kühnen Techniken zu übernehmen, weil sie sie sofort erkannten.

Verdi war der erste Komponist, der gezielt nach einer solchen Handlung für das Libretto suchte, die den Charakteristika seines kompositorischen Talents am besten entsprach. In enger Zusammenarbeit mit Librettisten und im Wissen, dass gerade der dramatische Ausdruck die Hauptstärke seines Talents darstellte, versuchte er, „unnötige“ Details und „überflüssige“ Charaktere aus der Handlung zu eliminieren und nur Charaktere mit brodelnden Leidenschaften und gehaltvolle Szenen übrig zu lassen Theater.

Opern von Giuseppe Verdi

Die Macht des Schicksals (La forza del destino) – 1862. Basierend auf dem Stück „Don Alvaro oder die Macht des Schicksals“ von Angel de Saavedra, Herzog von Rivas. Die Premiere fand im Bolschoi-Theater (Stein) in St. Petersburg statt

Don Carlos – 1867. Basierend auf dem gleichnamigen Theaterstück von Schiller
Aida – 1871. Uraufführung im Khedive Opera House in Kairo, Ägypten
Othello (Otello) – 1887. Basierend auf dem gleichnamigen Theaterstück von Shakespeare
Falstaff – 1893. Basierend auf Shakespeares „Die lustigen Weiber von Windsor“.

Andere Schriften

Literatur

Der Spielfilm „Das zwanzigste Jahrhundert“ (Regie: Bernardo Bertolucci) beginnt am Todestag von Giuseppe Verdi, an dem die beiden Hauptfiguren geboren werden.

Kreativität Verdi - der Höhepunkt der Entwicklung Italienische Musik 19. Jahrhundert. Sein Kreative Aktivitäten, vor allem mit der Gattung Oper verbunden, erstreckte sich über mehr als ein halbes Jahrhundert: Die erste Oper („Oberto, Graf Bonifacio“) schrieb er im Alter von 26 Jahren, die vorletzte („Othello“) – mit 74 Jahren die letzte („Falstaff“) – mit 80 (!) Jahren. Insgesamt schuf er unter Berücksichtigung von sechs Neuauflagen bereits geschriebener Werke 32 Opern, die bis heute den Hauptrepertoirebestand der Theater auf der ganzen Welt bilden.

In der allgemeinen Entwicklung von Verdis Opernschaffen liegt eine gewisse Logik. Thematisch und handlungstechnisch zeichnen sich die Opern der 1940er Jahre durch die vorrangige Bedeutung von Handlungsmotiven aus, die auf große gesellschaftspolitische Resonanz ausgelegt sind (Nabucco, Lombarden, Schlacht von Legnano). Verdi thematisierte solche Ereignisse alte Geschichte, was, wie sich herausstellte, mit den Stimmungen des heutigen Italiens übereinstimmte.

Bereits in den ersten Opern Verdis, die er in den 40er Jahren schuf, wurden die für das italienische Publikum des 19. Jahrhunderts so relevanten Ideen der nationalen Befreiung verkörpert: „Nabucco“, „Lombarden“, „Ernani“, „Jeanne d’Arc“, „Atilla“, „Die Schlacht von Legnano“, „Die Räuber“, „Macbeth“ (Verdis erste Shakespeare-Oper) usw. - alle basieren auf heroisch-patriotischen Geschichten, verherrlichen Freiheitskämpfer, jede von ihnen enthält eine direkte politische Anspielung auf die gesellschaftliche Situation in Italien im Kampf gegen die österreichische Unterdrückung. Die Aufführungen dieser Opern lösten beim italienischen Publikum eine Explosion patriotischer Gefühle aus, die sich in politischen Demonstrationen niederschlugen, das heißt, sie wurden zu Ereignissen von politischer Bedeutung.

Die von Verdi komponierten Melodien der Opernchöre erlangten die Bedeutung revolutionärer Lieder und wurden im ganzen Land gesungen. Die letzte Oper der 40er Jahre - Louise Miller“ basierend auf Schillers Drama „Täuschung und Liebe“ – eröffnete eine neue Etappe im Werk Verdis. Der Komponist wandte sich zunächst einem neuen Thema zu – Thema Soziale Ungleichheit , was viele Künstlervertreter der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts beunruhigte Kritischer Realismus. An die Stelle von Heldengeschichten treten persönliches Drama, wegen soziale Gründe. Verdi zeigt, wie unfair Sozialstruktur bricht das menschliche Schicksal. Gleichzeitig erweisen sich arme, entrechtete Menschen als viel edler und geistig reicher als Vertreter der „High Society“.

In seinen Opern der 50er Jahre entfernt sich Verdi von der bürgerlich-heroischen Linie und konzentriert sich auf die persönlichen Dramen einzelner Charaktere. In diesen Jahren entstand die berühmte Operntriade „Rigoletto“ (1851), „La Traviata“ (1853), „Il trovatore“ (1859). Das aus „Louise Miller“ stammende Thema der sozialen Ungerechtigkeit wurde in der berühmten Operntriade der frühen 50er Jahre entwickelt – Rigoletto (1851), Trovatore, La Traviata (beide 1853). Alle drei Opern erzählen vom Leiden und Sterben sozial benachteiligter, von der „Gesellschaft“ verachteter Menschen: eines Hofnarren, einer armen Zigeunerin, einer gefallenen Frau. Die Entstehung dieser Werke zeugt von der gesteigerten Fähigkeit Verdis als Dramatiker.

Im Vergleich zu den frühen Opern des Komponisten ist dies ein gewaltiger Fortschritt:

• das psychologische Prinzip wird verstärkt, verbunden mit der Offenlegung heller, außergewöhnlicher menschlicher Charaktere;
• die Gegensätze, die lebenswichtige Widersprüche widerspiegeln, verschärfen sich;
• traditionelle Opernformen werden auf innovative Weise interpretiert (viele Arien, Ensembles werden zu frei organisierten Szenen);
• in Gesangspartien nimmt die Rolle der Rezitation zu;
• die Rolle des Orchesters wächst.

Später in Opern aus der zweiten Hälfte der 50er Jahre ( „Sizilianische Vesper“ - für die Pariser Oper, „Simon Boccanegra“, „Un ballo in masquerade“) und in den 60ern „Macht des Schicksals“ - im Auftrag des St. Petersburger Mariinski-Theaters und „Don Carlos“ – für die Pariser Oper) kehrt Verdi erneut zu historischen, revolutionären und patriotischen Themen zurück. Doch mittlerweile sind die gesellschaftspolitischen Ereignisse untrennbar mit dem persönlichen Drama der Helden verbunden, und das Pathos des Kampfes, helle Massenszenen verbinden sich mit subtilem Psychologismus.

Das beste dieser Werke ist die Oper Don Carlos, die das schreckliche Wesen der katholischen Reaktion enthüllt. Es basiert auf einer historischen Handlung, die dem gleichnamigen Drama von Schiller entlehnt ist. Die Ereignisse ereignen sich in Spanien während der Herrschaft des despotischen Königs Philipp II. und verraten ihn eigener Sohn in die Hände der Inquisition. Indem er das unterdrückte flämische Volk zu einer der Hauptfiguren des Werks machte, zeigte Verdi heldenhaften Widerstand gegen Gewalt und Tyrannei. Dieses tyrannische Pathos von Don Carlos, im Einklang mit den politischen Ereignissen in Italien, bereitete Aida weitgehend vor.

„Aida“, 1871 im Auftrag der ägyptischen Regierung gegründet, wird eröffnet späte Periode im Werk Verdis. In diese Zeit fallen auch Spitzenleistungen des Komponisten wie das Musikdrama „Othello“ Und komische Oper „Falstaff“ (beide nach Shakespeare zu einem Libretto von Arrigo Boito).

Diese drei Opern vereinten die besten Merkmale des Stils des Komponisten:

• tief psychologische Analyse menschliche Charaktere;
• helle, spannende Darstellung von Konflikten;
• Humanismus, der darauf abzielt, das Böse und die Ungerechtigkeit aufzudecken;
• spektakuläre Unterhaltung, Theatralik;
• demokratische Verständlichkeit der Musiksprache, basierend auf den Traditionen des italienischen Volksliederschaffens.

In den letzten beiden Opern, die auf den Handlungssträngen von Shakespeare basieren – „Othello“ und „Falstaff“, versucht Verdi, neue Wege in der Oper zu finden, um ihr eine tiefergehende Untersuchung der psychologischen und dramatischen Aspekte zu ermöglichen. Allerdings sind sie hinsichtlich melodischem Gewicht und Inhalt (dies gilt insbesondere für Falstaff) den zuvor geschriebenen Opern unterlegen. Fügen wir hinzu, dass sich die Opern quantitativ auf der Linie des „Aussterbens“ befinden. In den letzten 30 Jahren seines Lebens schrieb Verdi nur drei Opern: d. h. eine Aufführung in 10 Jahren.

Oper „La Traviata“ von Giuseppe Verdi

Parzelle "„Traviata“ (1853) ist dem Roman „Die Kameliendame“ ​​von Alexandre Dumas Sohn entlehnt. Als möglicher Opernstoff erregte er gleich nach seiner Veröffentlichung (1848) die Aufmerksamkeit des Komponisten. Der Roman hatte einen sensationellen Erfolg und der Autor verarbeitete ihn bald zu einem Theaterstück. Verdi war bei ihrer Uraufführung und bestätigte schließlich seinen Entschluss, eine Oper zu schreiben. Er fand in Dumas ein Thema, das ihm am Herzen lag – die Tragödie des Schicksals einer Frau, die von der Gesellschaft ruiniert wurde.

Das Thema der Oper sorgte für heftige Kontroversen: Die moderne Handlung, Kostüme und Frisuren waren für das Publikum des 19. Jahrhunderts sehr ungewöhnlich. Aber das Unerwartetste war, dass er zum ersten Mal auf der Opernbühne stand Hauptfigur, dargestellt mit unverhohlenem Mitgefühl, kam die „gefallene Frau“ zum Vorschein (ein Umstand, den Verdi im Titel der Oper besonders hervorhebt – so wird das italienische „traviata“ übersetzt). Diese Neuheit ist der Hauptgrund für das skandalöse Scheitern der Premiere.

Wie bei vielen anderen Verdi-Opern stammt das Libretto von Francesco Piave. Darin ist alles ganz einfach:

• Minimum an Schauspielern;
• Mangel an komplizierten Intrigen;
• Der Schwerpunkt liegt nicht auf der ereignisreichen, sondern auf der psychologischen Seite – der spirituellen Welt der Heldin.

Der Kompositionsplan ist äußerst lakonisch, er konzentriert sich auf ein persönliches Drama:

I d. - Ausstellung von Bildern von Violetta und Alfred und Handlung Liebeslinie(Alfreds Geständnis und die Entstehung eines gegenseitigen Gefühls in Violettas Seele);

Der zweite Akt zeigt die Entwicklung des Bildes von Violetta, deren ganzes Leben sich unter dem Einfluss der Liebe völlig veränderte. Schon hier kommt es zu einem tragischen Ende (Violettas Treffen mit Georges Germont wird für sie tödlich);

Das III. D. enthält den Höhepunkt und die Auflösung – den Tod von Violetta. Somit ist ihr Schicksal der wichtigste dramatische Kern der Oper.

Von Genre„La Traviata“ – eines der ersten Samples lyrisch-psychologisch Opern. Die Gewöhnlichkeit und Intimität der Handlung veranlasste Verdi dazu, die heroische Monumentalität, das theatralische Spektakel und die Auffälligkeit aufzugeben, die seine ersten Opernwerke auszeichneten. Dies ist die „ruhigste“ Kammeroper des Komponisten. Das Orchester wird dominiert Streichinstrumente, Dynamik geht selten darüber hinaus R.

Viel breiter als in seinen anderen Werken setzt Verdi auf moderne Haushaltsgenres. Dies ist in erster Linie das Walzergenre, das als „Leitgenre“ von „La Traviata“ bezeichnet werden kann (helle Beispiele des Walzers sind Alfreds Trinklied, Teil 2 von Violettas Arie „Um frei zu sein ...“, a Duett von Violetta und Alfred aus 3 T. „Lasst uns den Rand verlassen.“ Vor dem Hintergrund des Walzers spielt sich auch Alfreds Liebeserklärung im ersten Akt ab.

Violetta-Bild.

Die erste Charakterisierung von Violetta erfolgt in einem kurzen Orchestervorspiel, das die Oper einleitet und in dem es um zwei Themen mit gegensätzlicher Bedeutung geht:

1 - das Thema der „sterbenden Violetta“, das den Ausgang des Dramas vorwegnimmt. Dana im gedämpften Klang von Divizi-Geigen, in traurigem H-Moll, Choralstruktur, bei zweiten Intonationen. Der Komponist wiederholte dieses Thema in der Einleitung zum dritten Akt und betonte die Einheit der gesamten Komposition (die Technik des „Themenbogens“);

2 – „Das Thema der Liebe“ – leidenschaftlich und enthusiastisch, in der hellen Klangfülle von E-dur, verbindet die Melodik der Melodie mit dem sanften Walzer des Rhythmus. In der Oper selbst erscheint sie als Violetta im zweiten Akt im Moment ihrer Trennung von Alfred.

IN Ich handle(Bild vom Ball) Violettas Charakteristik basiert auf der Verflechtung zweier Linien: brillant, virtuos, verbunden mit der Inkarnation äußere Essenz bildhaft und lyrisch-dramatisch, vermittelnd Innere Violettas Welt. Gleich zu Beginn der Handlung dominiert der Erste – der Virtuose. An den Feiertagen scheint Violetta untrennbar mit ihrer Umgebung verbunden zu sein – einer fröhlichen, säkularen Gesellschaft. Ihre Musik ist wenig individualisiert (typischerweise stimmt Violetta in Alfreds Trinklied ein, das bald vom gesamten Gästechor übernommen wird).

Nach Alfreds Liebeserklärung wird Violetta von den widersprüchlichsten Gefühlen erfasst: Hier ist der Traum von wahrer Liebe und der Unglaube an die Möglichkeit des Glücks. Deshalb ist es groß Porträtarie , das den ersten Akt abschließt, basiert auf einem kontrastierenden Vergleich zweier Teile:

1 Teil - langsam („Bist du nicht für mich …“ f-moll). Es hat einen nachdenklichen, elegischen Charakter. Die sanfte, walzerartige Melodie ist voller Zittern und Zärtlichkeit, innerer Erregung (Pausen, S, dezente Begleitung). Das Thema von Alfreds Liebesgeständnis fungiert als eine Art Refrain zur Hauptmelodie. Von nun an wird diese schöne Melodie, die dem Liebesthema aus dem Orchestervorspiel sehr nahe kommt, zum Leitthema der Oper (dem sogenannten 2. Band der Liebe). In Violettas Arie erklingt es mehrmals, zuerst in ihrer Stimme und dann in Alfred, dessen Stimme im zweiten Plan wiedergegeben wird.

2. Teil der Arie – schnell („Frei sein...“ As-dur). Dies ist ein brillanter Walzer, der durch die Schnelligkeit des Rhythmus und die virtuose Koloratur besticht. Eine ähnliche zweiteilige Struktur findet sich in vielen Opernarien; Allerdings brachte Verdi Violettas Arie näher an einen freien Traummonolog heran, einschließlich ausdrucksstarker Rezitativbänder (sie spiegeln Violettas spirituellen Kampf wider) und der Verwendung der Technik der Zweiflächenhaftigkeit (Alfreds Stimme aus der Ferne).

Nachdem sie sich in Alfred verliebt hatte, verließ Violetta mit ihm das laute Paris und brach mit ihrer Vergangenheit. Um die Entwicklung der Hauptfigur hervorzuheben, verändert Verdi im zweiten Akt die Merkmale ihrer musikalischen Rede radikal. Äußerlicher Glanz und virtuose Rouladen verschwinden, Intonationen gewinnen liedhafte Einfachheit.

Im Zentrum II-Aktion - Duett von Violetta mit Georges Germont Alfreds Vater. Dies ist im wahrsten Sinne des Wortes ein psychologisches Duell zweier Natur: Der geistige Adel von Violetta steht der spießbürgerlichen Mittelmäßigkeit von Georges Germont gegenüber.

Kompositorisch ist das Duett sehr weit von der traditionellen Art des gemeinsamen Singens entfernt. Dies ist eine freie Szene, einschließlich Rezitative, Arioso und Ensemblegesang. Im Aufbau der Szene lassen sich drei große Abschnitte unterscheiden, die durch rezitativische Dialoge verbunden sind.

Abschnitt I enthält Germonts Arioso „Rein, mit dem Herzen eines Engels“ und Violettas Rückkehrsolo „Verstehen Sie die Kraft der Leidenschaft?“ Violettas Part zeichnet sich durch stürmische Spannung aus und steht in scharfem Kontrast zu Germonts gemessener Kantilene.

Die Musik von Abschnitt 2 spiegelt den Wendepunkt in Violettas Stimmung wider. Germont schafft es, in ihrer Seele schmerzhafte Zweifel an der Langlebigkeit von Alfreds Liebe zu säen (Germonts Arioso). „Leidenschaft vergeht“) und sie gibt seinen Bitten nach (" deine Töchter..."). Im Gegensatz zum 1. Abschnitt dominiert im 2. Abschnitt das gemeinsame Singen, in dem Violetta die Hauptrolle spielt.

3 Abschnitt („Ich werde sterben, aber mein Gedächtnis“) gewidmet, um Violettas selbstlose Entschlossenheit zu zeigen, auf ihr Glück zu verzichten. Seine Musik trägt den Charakter eines strengen Marsches.

Im Anschluss an das Duett ist die Szene von Violettas Abschiedsbrief und ihrem Abschied von Alfredo voller geistiger Unruhe und Leidenschaft, die im ausdrucksstarken Erklingen des Liebesbandes aus dem Orchestervorspiel (in Worten) gipfelt „Oh, mein Alfred! Ich liebe dich so sehr").

Auf Floras Ball geht das Drama um Violetta, die sich entschließt, Alfred zu verlassen, weiter (Finale 2. Tag bzw. 2. Szene 2. Tag). Auch hier erklingt, wie zu Beginn der Oper, unbeschwerte Tanzmusik, doch nun belastet das kunterbunte Treiben des Balls Violetta; Sie durchlebt schmerzhaft die Trennung von ihrer Geliebten. Den krönenden Abschluss des Finales des 2. Tages bildet die Beleidigung Alfreds, der Violetta Geld vor die Füße wirft – eine Bezahlung für die Liebe.

III Akt fast ausschließlich Violetta gewidmet, erschöpft von der Krankheit und all-mi aufgegeben. Schon in einer kleinen Orchestereinleitung spürt man das Gefühl einer nahenden Katastrophe. Es basiert auf dem Thema der sterbenden Violetta aus dem Orchestervorspiel zum ersten Akt, nur in einem spannungsgeladeneren C-Moll. Bezeichnend ist, dass es in der Einleitung zum dritten Akt kein zweites, kontrastierendes Thema gibt – das Thema der Liebe.

Von zentraler Bedeutung Folge III Aktionen - Arie von Violetta „Vergib mir für immer“. Dies ist ein Abschied vom Leben, mit Momenten des Glücks. Vor Beginn der Arie erklingt im Orchester der 2. Liebesband (wobei Violetta einen Brief von Georges Germont vorliest). Die Melodie der Arie ist sehr einfach und basiert auf den sanften Gesangsmotiven und Gesangsbewegungen bis zur Sexte. Der Rhythmus ist sehr ausdrucksstark: Akzente auf schwachen Schlägen und langen Pausen wecken Assoziationen mit Atemnot, mit körperlicher Erschöpfung. Die tonale Entwicklung von a-moll ist auf die Parallele gerichtet und dann auf das gleichnamige Dur, umso trauriger ist die Rückkehr zum Moll. Cuplet-Form. Die Tragödie der Situation wird durch die festlichen Klänge des Karnevals, die durch das offene Fenster dringen, noch verschärft (im Finale von „Rigoletto“ spielt das Lied des Herzogs eine ähnliche Rolle).

Die Atmosphäre des nahenden Todes wird kurz durch die Freude über Violettas Begegnung mit dem zurückgekehrten Alfred erhellt. Ihr Duett „Lasst uns den Rand verlassen“ – Dies ist ein weiterer Walzer, leicht und verträumt. Die Streitkräfte verlassen Violetta jedoch bald. Die Musik des letzten Abschieds klingt feierlich und traurig, als Violetta Alfred ihr Medaillon überreicht (Chorakkorde im Ostinato-Rhythmus weiter). rrrr - charakteristische Merkmale eines Trauermarsches). Kurz vor der Auflösung erklingt das Thema der Liebe noch einmal im äußerst leisen Klangklang der Saiteninstrumente.

Giuseppe Verdis Oper „Rigoletto“

Dies ist Verdis erste reife Oper (1851), in der sich der Komponist von heroischen Themen entfernte und sich Konflikten zuwandte, die durch soziale Ungleichheit verursacht wurden.

Im Kern Parzelle- Victor Hugos Drama „Der König amüsiert“ wurde unmittelbar nach der Premiere verboten, da es die Autorität der königlichen Macht untergräbt. Um Konflikte mit der Zensur zu vermeiden, verlegten Verdi und sein Librettist Francesco Piave den Schauplatz von Frankreich nach Italien und änderten die Namen der Figuren. Diese „äußeren“ Veränderungen minderten jedoch nicht im Geringsten die Macht der gesellschaftlichen Denunziation: Verdis Oper prangert ebenso wie Hugos Stück die moralische Gesetzlosigkeit und Verderbtheit der säkularen Gesellschaft an.

Die Oper besteht aus den Aktionen, bei denen es sich um ein und dasselbe handelt Handlung verbunden mit den Bildern von Rigoletto, Gilda und dem Herzog. Eine solche Fokussierung ausschließlich auf das Schicksal der Hauptfiguren ist charakteristisch für Verdis Dramaturgie.

Bereits im ersten Akt – in der Episode von Monterones Fluch – ist jener fatale Ausgang vorbestimmt, zu dem alle Leidenschaften und Taten der Helden führen. Zwischen diesen Extrempunkten des Dramas – dem Fluch von Monterone und dem Tod von Gilda – liegt eine Kette miteinander verbundener dramatischer Höhepunkte, die sich unaufhaltsam dem tragischen Ende nähern.

• die Szene von Gildas Entführung am Ende des ersten Akts;
• Rigolettos Monolog und die folgende Szene mit Gilda, in der Rigoletto dem Herzog Rache schwört (II. Akt);
• Das Quartett aus Rigoletto, Gilda, dem Herzog und Maddalena bildet den Höhepunkt des dritten Aktes und eröffnet den direkten Weg zur tödlichen Lösung.

Der Protagonist der Oper Rigoletto- eines der hellsten Bilder von Verdi. Dies ist eine Person, die nach Hugos Definition von einem dreifachen Unglück (Hässlichkeit, Gebrechlichkeit und ein verachteter Beruf) heimgesucht wird. Sein Name, im Gegensatz zum Drama von Hugo, nannte der Komponist sein Werk. Es gelang ihm, das Bild von Rigoletto mit tiefster Wahrhaftigkeit und Shakespeare-Vielseitigkeit zu offenbaren.

Dies ist ein Mann voller Leidenschaften, der einen außergewöhnlichen Geist besitzt, aber gezwungen ist, am Hof ​​eine demütigende Rolle zu spielen. Rigoletto verachtet und hasst es zu wissen, er lässt es sich nicht nehmen, korrupte Höflinge zu verspotten. Sein Lachen verschont nicht einmal die väterliche Trauer des alten Monterone. Doch allein mit seiner Tochter ist Rigoletto ganz anders: Er ist ein liebevoller und selbstloser Vater.

Das allererste Thema der Oper, das mit einer kurzen Orchestereinleitung beginnt, ist mit dem Bild des Protagonisten verbunden. Das Fluch Keynote , basierend auf der beharrlichen Wiederholung eines Klangs in scharf punktiertem Rhythmus, dramatischem C-Moll, Trompeten und Posaunen. Der Charakter ist unheimlich, düster, tragisch, betont durch intensive Harmonie. Dieses Thema wird als Bild des Felsens und des unaufhaltsamen Schicksals wahrgenommen.

Das zweite Thema der Einleitung hieß „Themen des Leidens“. Es basiert auf traurigen zweiten Intonationen, die von Pausen unterbrochen werden.

IN Ich stelle mir die Oper vor(Ball im Palast des Herzogs) Rigoletto erscheint in der Gestalt eines Narren. Seine Grimassen, Mätzchen und hinkenden Gang werden durch das im Orchester erklingende Thema (Nr. 189 laut Noten) zum Ausdruck gebracht. Es zeichnet sich durch scharfe, „stachelige“ Rhythmen, unerwartete Akzente, eckige melodische Wendungen und „Clown“-Auftritte aus.

Eine scharfe Dissonanz in Bezug auf die gesamte Atmosphäre des Balls ist die Episode, die mit dem Fluch von Monterone verbunden ist. Seine beeindruckende und majestätische Musik charakterisiert weniger Monterone als vielmehr den Geisteszustand von Rigoletto, der vom Fluch erschüttert wurde. Auf dem Heimweg kann er ihn nicht vergessen, und so erklingen unheilvolle Echos des Fluches im Orchester, begleitet von Rigolettos Rezitativ „Ich bin für immer von diesem alten Mann verflucht.“ Dieses Rezitativ beginnt 2-Bilder-Oper, wo Rigoletto an zwei Duettszenen teilnimmt, die farblich völlig gegensätzlich sind.

Das erste mit Sparafucile ist ein betont „sachliches“, zurückhaltendes Gespräch zwischen zwei „Verschwörern“, das keinen Kantilenengesang erforderte. Es ist in düsteren Tönen gehalten. Beide Teile sind durch und durch rezitativisch und vereinen sich nie. Die „zementierende“ Rolle übernimmt eine durchgehende Melodie im Oktav-Unisono der Celli und Kontrabässe im Orchester. Am Ende der Szene ertönt erneut, wie eine eindringliche Erinnerung, der Fluch.

Die zweite Szene – mit Gilda – offenbart eine andere, zutiefst menschliche Seite von Rigolettos Charakter. Gefühle väterlicher Liebe werden durch eine breite, typisch italienische Kantilene vermittelt, ein eindrucksvolles Beispiel dafür sind die beiden Rigoletto-Ariosos aus dieser Szene – „Sprich nicht mit mir über sie“(Nr. 193) und „Oh, kümmere dich um die luxuriöse Blume“(bezieht sich auf ein Dienstmädchen).

Den zentralen Platz in der Entwicklung des Bildes von Rigoletto nimmt sein Werk ein Szene mit Höflingen nach Gildas Entführung 2 Aktionen. Rigoletto erscheint singend Narrenlied ohne Worte, durch deren vorgetäuschte Gleichgültigkeit der verborgene Schmerz und die Angst deutlich zu spüren sind (dank der Moll-Tonleiter, der Fülle an Pausen und absteigenden zweiten Intonationen). Als Rigoletto erkennt, dass seine Tochter beim Herzog ist, wirft er seine Maske gespielter Gleichgültigkeit ab. Wut und Hass, leidenschaftliche Bitten sind in seinem tragischen Arien-Monolog zu hören „Kurtisanen, Teufel des Lasters.“

Der Monolog besteht aus zwei Teilen. Teil I basiert auf einer dramatischen Deklamation, er entwickelt sich Ausdrucksmittel Orchestereinleitung zur Oper: das gleiche pathetische C-Moll, verbale Ausdruckskraft der Melodie, Energie des Rhythmus. Die Rolle des Orchesters ist äußerst groß – ein ununterbrochener Strom der Figuration der Streicher, die wiederholte Wiederholung des Seufzermotivs, das aufgeregte Pulsieren der Sextolen.

Teil 2 des Monologs basiert auf einer sanften, gefühlvollen Kantilene, in der Wut einem Flehen Platz macht („Herr, habe Erbarmen mit mir).

Der nächste Schritt in der Entwicklung des Bildes der Hauptfigur ist Rigoletto, der Rächer. So erscheint er zum ersten Mal im Neuen Duettszene mit ihrer Tochter im zweiten Akt, der mit Gildas Bericht über die Entführung beginnt. Wie das erste Duett zwischen Rigoletto und Gilda (aus Akt I) beinhaltet es nicht nur Ensemblegesang, sondern auch Rezitativdialoge und Arioso. Der Wechsel kontrastierender Episoden spiegelt sich wider verschiedene Farbtöne emotionaler Zustand der Charaktere.

Der letzte Abschnitt der gesamten Szene wird allgemein als „Racheduett“ bezeichnet. Die Hauptrolle spielt darin Rigoletto, der dem Herzog grausame Rache schwört. Der Charakter der Musik ist sehr aktiv, willensstark, was durch ein schnelles Tempo, starke Klangfülle, Klangstabilität, eine Aufwärtsrichtung der Intonationen und einen sich hartnäckig wiederholenden Rhythmus begünstigt wird (Nr. 209). „Duett der Rache“ beendet alle 2 Akte der Oper.

Das Bild von Rigoletto dem Rächer wird in der zentralen Nummer entwickelt 3 Schritte genial Quartett wo die Schicksale aller Hauptfiguren miteinander verflochten sind. Der düsteren Entschlossenheit Rigolettos stehen hier die Frivolität des Herzogs, die seelische Qual Gildas und die Koketterie Maddalenas gegenüber.

Während eines Gewitters macht Rigoletto einen Deal mit Sparafucile. Karti-on der Sturm hat psychologische Bedeutung, es ergänzt die Dramatik der Charaktere. Darüber hinaus spielt im dritten Akt das unbeschwerte Lied des Herzogs „The Heart of Beauties“ die wichtigste Rolle und bildet einen äußerst markanten Kontrast zu den dramatischen Ereignissen des Finales. Die letzte Aufführung des Liedes offenbart Rigoletto eine schreckliche Wahrheit: Seine Tochter wurde Opfer einer Rache.

Rigolettos Szene mit der sterbenden Gilda, ihrer letztes Duett - das ist der Ausgang des ganzen Dramas. In seiner Musik dominiert der deklamatorische Beginn.

Die beiden anderen Hauptbilder der Oper – Gilda und der Herzog – unterscheiden sich psychologisch grundlegend.

Die Hauptsache im Bild Gilda- ihre Liebe zum Herzog, für die das Mädchen ihr Leben opfert. Die Charakterisierung der Heldin erfolgt in der Evolution.

Gilda erscheint erstmals in einer Duettszene mit ihrem Vater im ersten Akt. Begleitet wird ihr Auftritt von einem leuchtenden Porträtthema im Orchester. Schnelles Tempo, fröhliches C-Dur, Tanzrhythmus mit „schelmischen“ Synkopen vermitteln sowohl die Freude über das Treffen als auch das strahlende, jugendliche Aussehen der Heldin. Das gleiche Thema entwickelt sich im Duett selbst weiter und verbindet kurze, melodische Gesangsphrasen.

Die Entwicklung des Bildes setzt sich in den folgenden Szenen des ersten Akts fort – dem Liebesduett von Gilda und der Arie des Herzogs und Gildas.

Erinnerung an ein Liebesdate. Die Arie ist auf einem Thema aufgebaut, dessen Durchführung eine dreiteilige Form bildet. Im Mittelteil wird die Melodie der Arie mit einem virtuosen Koloraturornament gefärbt.

Oper „Aida“ von Giuseppe Verdi

Die Entstehung von Aida (Kairo, 1871) ist mit einem Vorschlag der ägyptischen Regierung verbunden, eine Oper für das neue Opernhaus in Kairo zu schreiben, um an die Eröffnung des Suezkanals zu erinnern. Parzelle wurde vom berühmten französischen Ägyptologen Auguste Mariette nach einer altägyptischen Legende entwickelt. Die Oper offenbart die Idee des Kampfes zwischen Gut und Böse, Liebe und Hass.

Menschliche Leidenschaften, Hoffnungen kollidieren mit der Unerbittlichkeit des Schicksals, des Schicksals. Erstmals wird dieser Konflikt in der Orchestereinleitung der Oper dargestellt, in der zwei Leitmotive verglichen und anschließend polyphon kombiniert werden – das Thema der Aida (die Personifizierung des Bildes der Liebe) und das Thema der Priester (eine verallgemeinerte Darstellung). Bild des Bösen, des Schicksals).

In seinem Stil steht „Aida“ in vielerlei Hinsicht nahe „Große französische Oper“:

• großformatig (4 Aktionen, 7 Gemälde);
• dekorative Pracht, Brillanz, „Spektakel“;
• eine Fülle von Massenchorszenen und großen Ensembles;
• die große Rolle des Balletts, feierliche Prozessionen.

Gleichzeitig werden die Elemente der „großen“ Oper mit den Features kombiniert Lyrisch-psychologisches Drama, da die humanistische Grundidee durch einen psychologischen Konflikt verstärkt wird: Alle Hauptfiguren der Oper, die das Liebesdreieck bilden, erleben das Schärfste innere Widersprüche. Daher betrachtet Aida ihre Liebe zu Radames als Verrat an ihrem Vater, ihren Brüdern und ihrem Heimatland; Militärpflicht und Liebe zu Aida kämpfen in der Seele von Radames; Zwischen Leidenschaft und Eifersucht eilt Amneris umher.

Die Komplexität des ideologischen Inhalts und die Betonung psychologischer Konflikte führten zur Komplexität Dramaturgie , die durch einen akzentuierten Konflikt gekennzeichnet ist. „Aida“ ist wirklich eine Oper dramatischer Auseinandersetzungen und intensiver Kämpfe nicht nur zwischen Feinden, sondern auch zwischen Liebenden.

1 Szene, in der ich spiele enthält Belichtung alle Hauptfiguren der Oper, außer Amonasro, dem Vater von Aida, und Augäpfel Liebeszeile, die sich wörtlich auf den Anfang der Oper bezieht. Das Trio der Eifersucht(Nr. 3), das die komplexe Beziehung zwischen den Teilnehmern des „Liebesdreiecks“ – der ersten Ensembleszene der Oper – offenbart. In seiner ungestümen Musik hört man sowohl die Angst, die Aufregung von Aida und Radames als auch die kaum gezügelte Wut von Amneris. Der Orchesterteil des Trios basiert auf das Leitmotiv der Eifersucht.

In 2 Aktionen der Kontrast wird verstärkt. In seiner ersten Szene wird der Gegensatz zweier Rivalen (in ihrem Duett) in einem größeren Plan dargestellt, und in der zweiten Szene (dies ist das Finale des 2. Akts) wird der Hauptkonflikt der Oper dadurch deutlich verschärft Einbeziehung von Amonasro, äthiopischen Gefangenen einerseits und Ägyptischer Pharao, Amneris, die Ägypter auf der anderen Seite.

IN 3 Aktionen Die dramatische Entwicklung verlagert sich vollständig auf die psychologische Ebene – in den Bereich der menschlichen Beziehungen. Es folgen zwei Duette nacheinander: Aida-Amonasro und Aida-Radames. Sie unterscheiden sich sehr in ihrer ausdrucksstarken und kompositorischen Lösung, erzeugen aber gleichzeitig eine einzige Linie mit allmählich zunehmender dramatischer Spannung. Ganz am Ende der Handlung kommt es zu einer „Explosion“ der Handlung – dem unfreiwilligen Verrat von Radames und dem plötzlichen Auftauchen von Amneris, Ramfis und Priestern.

4 Aktion- die absolute Spitze der Oper. Seine Vergeltung in Bezug auf Akt I ist offensichtlich: a) beide beginnen mit einem Duett von Amneris und Radames; b) Im Finale werden die Themen aus der „Initiationsszene“ wiederholt, insbesondere das Gebet der großen Priesterin (wenn diese Musik jedoch früher die feierliche Vergrößerung von Radames begleitete, dann ist es hier seine rituelle Beerdigung).

Im vierten Akt gibt es zwei Höhepunkte: tragisch in der Gerichtsszene und „ruhig“, lyrisch im Finale, im Abschiedsduett von Aida und Radames. Gerichtsszene- das ist der tragische Ausgang der Oper, in der sich die Handlung in zwei parallelen Plänen entwickelt. Aus dem Kerker erklingt die Musik der Priester, die Radames anklagen, und im Vordergrund schreit der weinende Amneris verzweifelt zu den Göttern. Das Bild von Amneris ist in der Gerichtsszene mit tragischen Zügen ausgestattet. Die Tatsache, dass sie sich im Wesentlichen selbst als Opfer der Priester entpuppt, ordnet Amneris dem positiven Lager zu: Sie nimmt gewissermaßen den Platz von Aida im Hauptkonflikt der Oper ein.

Das Vorhandensein eines zweiten, „stillen“ Höhepunkts ist extrem wichtiges Merkmal Dramaturgie von Aida. Nach grandiosen Prozessionen, Prozessionen, Triumphmärschen, Ballettszenen und intensiven Auseinandersetzungen bestätigt ein so ruhiges, lyrisches Ende die wunderbare Idee von Liebe und Leistung im Namen davon.

Ensembleszenen.

Alle Highlights Bei der Entwicklung psychologischer Konflikte in „Aida“ sind Ensembleszenen verbunden, deren Rolle außergewöhnlich groß ist. Dies ist das „Trio der Eifersucht“, das die Funktion einer Eröffnung in der Oper übernimmt, und das Duett von Aida mit Amneris – der erste Höhepunkt der Oper, und das Duett von Aida mit Radames im Finale – der Abschluss der Oper Liebeslinie.

Besonders groß ist die Rolle von Duettszenen, die in den angespanntesten Situationen entstehen. Im ersten Akt handelt es sich um ein Duett zwischen Amneris und Radames, das sich zu einem „Trio der Eifersucht“ entwickelt; im 2. Akt – Duett von Aida mit Amneris; im dritten Akt folgen hintereinander zwei Duette mit Aida. Einer von ihnen ist bei seinem Vater, der andere bei Radames; Im vierten Akt gibt es auch zwei Duette rund um die Höhepunktszene des Gerichts: am Anfang – Radames-Amneris, am Ende – Radames-Aida. In kaum einer anderen Oper gibt es so viele Duette.

Allerdings sind sie alle sehr individuell. Treffen von Hades mit Radames sind nicht konflikthafter Natur und nähern sich der Art von „Ensembles der Zustimmung“ (insbesondere im Finale). Bei den Treffen von Radames mit Amneris sind die Teilnehmer stark isoliert, aber es gibt keinen Kampf, Radames geht ihm aus dem Weg. Aber die Begegnungen von Aida mit Amneris und Amonasro können im wahrsten Sinne des Wortes als spirituelle Kämpfe bezeichnet werden.

Von der Form her sind es alle Aida-Ensembles frei organisierte Szenen , deren Konstruktion ganz vom konkreten psychologischen Inhalt abhängt. Sie wechseln Episoden ab, die auf Solo- und Ensemblegesang, Rezitativ und reinen Orchesterabschnitten basieren. Ein markantes Beispiel ein sehr dynamischer Szenendialog - ein Duett von Aida und Amneris aus 2 Akten („Duett der Prüfung“). Die Bilder der beiden Rivalen werden in Kollision und Dynamik gezeigt: Die Entwicklung des Bildes von Amneris geht von heuchlerischer Weichheit, Unterstellung bis hin zu unverhohlenem Hass.

Ihr Gesangspart besteht hauptsächlich aus einem pathetischen Rezitativ. Der Höhepunkt dieser Entwicklung kommt im Moment des „Ablegens der Maske“ – im Thema „Du liebst, ich liebe auch“. Ihr hektischer Charakter, ihr breites Spektrum und ihre unerwarteten Akzente charakterisieren das herrische, unbezwingbare Temperament von Amneris.

In der Seele von Aida wird die Verzweiflung durch stürmische Freude und dann durch die Bitte um den Tod ersetzt. Der Gesangsstil ist ariöser, wobei traurige, flehende Intonationen vorherrschen (z. B. Arioso). „Verzeihen Sie und haben Sie Mitleid“, basierend auf einer traurigen lyrischen Melodie, gespielt mit arpeggierter Begleitung). In diesem Duett nutzt Verdi die „Invasionstechnik“ – als ob er den Triumph von Amneris bestätigen wollte, brachen die Klänge der ägyptischen Hymne „Zu den heiligen Ufern des Nils“ aus dem ersten Bild in seine Musik ein. Ein weiterer Themenbogen ist das „Meine Götter“-Thema aus Aidas Monolog aus Akt I.

Die Entwicklung von Duettszenen ist immer durch eine bestimmte dramatische Situation bedingt. Ein Beispiel sind zwei Duette aus dem 3. D. Das Duett von Aida mit Amonasro beginnt mit ihrer völligen Übereinstimmung, die sich in thematischer Übereinstimmung ausdrückt „Wir werden bald in unsere Heimat zurückkehren“ klingt zuerst in Amonasro, dann in Aida), aber ihr Ergebnis ist eine psychologische „Distanz“ der Bilder: Aida wird in einem ungleichen Duell moralisch unterdrückt.

Das Duett von Aida mit Radames hingegen beginnt mit einer kontrastierenden Bildkonstellation: den enthusiastischen Ausrufen von Radames ( „Wieder bei dir, liebe Aida“) werden dem traurigen Rezitativ von Aida gegenübergestellt. Durch die Überwindung des Kampfes der Gefühle wird jedoch eine freudige, enthusiastische Zustimmung der Helden erreicht (Radames beschließt in einem Liebesanfall, mit Aida davonzulaufen).

Auch das Finale der Oper ist in Form einer Duettszene aufgebaut, deren Handlung sich in zwei parallelen Plänen entfaltet – im Kerker (Abschied vom Leben von Aida und Radames) und im darüber liegenden Tempel (der Gebetsgesang). der Priesterinnen und das Schluchzen von Amneris). Die gesamte Entwicklung des letzten Duetts ist auf ein transparentes, fragiles, schwebendes Thema ausgerichtet. „Vergib, Erde, vergib, Schutz allen Leidens“. Von Natur aus steht es dem Leitmotiv von Aidas Liebe nahe.

Massenszenen.

Das psychologische Drama in „Aida“ entfaltet sich vor einem breiten Hintergrund monumentaler Massenszenen, deren Musik die Szene (Afrika) darstellt und die harten, stattlichen Bilder des alten Ägypten nachbildet. Die musikalische Grundlage der Massenszenen sind die Themen feierlicher Hymnen, Siegesmärsche, Triumphzüge. Im ersten Akt gibt es zwei solcher Szenen: die Szene der „Verherrlichung Ägyptens“ und die „Szene der Einweihung des Radames“.

Das Hauptthema der ägyptischen Verherrlichungsszene ist die feierliche Hymne der Ägypter „Zu den Ufern des heiligen Nils“, das erklingt, nachdem der Pharao den Willen der Götter verkündet hat: Radames wird die ägyptischen Truppen anführen. Alle Anwesenden werden von einem einzigen militanten Impuls erfasst. Merkmale der Hymne: die Schärfe des Marschrhythmus, die ursprüngliche Harmonisierung (modale Variabilität, weit verbreitete Verwendung von Abweichungen in Sekundärtonalitäten), strenge Farbgebung.

Die grandioseste Massenszene von „Aida“ – letzter Akt 2. Wie in der Initiationsszene nutzt der Komponist auch hier die unterschiedlichsten Elemente des Operngeschehens: den Gesang der Solisten, den Chor und das Ballett. Neben dem Hauptorchester kommt auch eine Blaskapelle auf der Bühne zum Einsatz. Die Fülle der Teilnehmer erklärt Multi-Dunkelheit Finale: Es basiert auf vielen Themen der andere Natur: feierliche Hymne „Ehre sei Ägypten“ melodiöses Frauenchor-Thema „Lorbeerkränze“ ein Siegesmarsch, dessen Melodie von einer Solotrompete geleitet wird, das unheilvolle Leitmotiv der Priester, das dramatische Thema von Amonasros Monolog, die Bitte der Äthiopier um Gnade usw.

Viele Episoden, die das Finale des 2. Tages bilden, werden zu einer harmonischen symmetrischen Struktur zusammengefasst, die aus drei Teilen besteht:

Teil I ist dreiteilig. Umrahmt wird es vom jubelnden Refrain von „Glory to Egypt“ und dem rauen Gesang der Priester, der sich an ihr Leitmotiv orientiert. In der Mitte erklingen der berühmte Marsch (Trompetensolo) und Ballettmusik.

Teil 2 steht im Gegensatz zu seiner extremen Dramatik; Es besteht aus Episoden, an denen Amonasro und äthiopische Gefangene teilnehmen und um Gnade beten.

Teil 3 – dynamische Reprise, die mit einem noch kraftvolleren Klang des Themas „Glory to Egypt“ beginnt. Nun wird es nach dem Prinzip der Kontrastpolyphonie mit den Stimmen aller Solisten kombiniert.