Geheimnisse der Gewölbe der Eremitage. Meisterwerke der Kunst, die Russland niemals zurückgeben wird Gemälde des Trophäenfonds in den Städten der russischen Provinzen

Wer die russische Malerei liebt, muss das Russische Museum in St. Petersburg (eröffnet 1897) gesehen haben. Natürlich gibt es . Aber im Russischen Museum werden die wichtigsten Meisterwerke von Künstlern wie Repin, Bryullov, Aivazovsky aufbewahrt.

Wenn wir an Bryullov denken, denken wir sofort an sein Meisterwerk The Last Day of Pompeji. Wenn es um Repin geht, dann taucht in meinem Kopf das Bild „Lastkahnschlepper an der Wolga“ auf. Wenn wir uns an Aivazovsky erinnern, werden wir uns auch an The Ninth Wave erinnern.

Und das ist nicht die Grenze. "Nacht auf dem Dnjepr" und "Kaufmann". Diese ikonischen Gemälde von Kuindzhi und Kustodiev befinden sich auch im Russischen Museum.

Jeder Führer wird Ihnen diese Werke zeigen. Ja, und Sie selbst werden wahrscheinlich nicht an ihnen vorbeikommen. Also muss ich einfach von diesen Meisterwerken erzählen.

Ich füge ein paar meiner Favoriten hinzu, wenn auch nicht die am meisten gehypten („Akhmatova“ von Altman und „The Last Supper“ von Ge).

1. Brjullow. Der letzte Tag von Pompeji. 1833

4 Jahre Vorbereitung. Noch 1 Jahr ununterbrochene Arbeit mit Farben und Pinseln. Ein paar Ohnmachtsanfälle in der Werkstatt. Und hier ist das Ergebnis - 30 Quadratmeter, die die letzten Minuten des Lebens der Einwohner von Pompeji darstellen (im 19 weiblich).

Für Bryullov war nicht alles umsonst. Ich glaube, es gab keinen Künstler auf der Welt, dessen Bild, nur ein einziges Bild, so viel Aufsehen erregt hätte.

Scharen von Menschen stürmten in die Ausstellung, um das Meisterwerk zu sehen. Bryullov wurde buchstäblich in seinen Armen getragen. Er wurde wiederbelebt getauft. Und Nikolaus I. ehrte den Künstler mit einer persönlichen Audienz.

Was hat Bryullovs Zeitgenossen so beeindruckt? Und auch jetzt wird es den Betrachter nicht gleichgültig lassen.

Wir sehen einen sehr tragischen Moment. In ein paar Minuten werden all diese Leute tot sein. Aber das schreckt uns nicht ab. Denn wir sind fasziniert von... Schönheit.

Die Schönheit der Menschen. Die Schönheit der Zerstörung. Die Schönheit der Katastrophe.

Schau, wie harmonisch alles ist. Der glühende Himmel passt gut zu der roten Kleidung der Mädchen rechts und links. Und wie effektiv zwei Statuen unter einem Blitzeinschlag umfallen. Ich spreche nicht von der athletischen Figur eines Mannes auf einem sich aufbäumenden Pferd.

Auf der einen Seite handelt das Bild von einer echten Katastrophe. Bryullov kopierte die Posen der Menschen von denen, die in Pompeji starben. Die Straße ist auch echt, sie ist noch in der von Asche befreiten Stadt zu sehen.

Aber die Schönheit der Charaktere lässt es so erscheinen alter Mythos. Als ob die schönen Götter wütend wären schöne Leute. Und wir sind nicht so traurig.

2. Aiwasowski. Neunte Welle. 1850

Das ist das meiste berühmtes Bild Aiwasowski. Was auch Kunstferne wissen. Warum ist sie so berühmt?

Der Kampf des Menschen mit den Elementen fasziniert die Menschen schon immer. Am liebsten mit Happy End.

Davon gibt es mehr als genug auf dem Bild. Nirgendwo ist es ergreifender. Die sechs Überlebenden klammern sich verzweifelt an den Mast. In der Nähe von Brötchen eine große Welle, die neunte Welle. Ein weiterer folgt ihr. Die Menschen stehen vor einem langen und schrecklichen Kampf ums Leben.

Aber es dämmert schon. Die Sonne, die durch die zerrissenen Wolken bricht, ist die Hoffnung auf Erlösung.

Das Element von Aivazovsky ist ebenso wie das von Bryullov atemberaubend schön. Natürlich sind Seeleute nicht süß. Aber wir können nicht umhin, die transparenten Wellen zu bewundern, Sonnenlicht und lila Himmel.

Daher erzeugt dieses Bild die gleiche Wirkung wie das vorherige Meisterwerk. Schönheit und Dramatik in einer Flasche.

3. Ge. Das letzte Abendmahl. 1863

Die beiden vorherigen Meisterwerke von Bryullov und Aivazovsky wurden vom Publikum mit Begeisterung aufgenommen. Aber bei Ges Meisterwerk war alles komplizierter. Dostojewski mochte sie zum Beispiel nicht. Sie wirkte zu bodenständig.

Vor allem aber waren die Geistlichen unzufrieden. Sie konnten sogar ein Verbot der Herstellung von Reproduktionen durchsetzen. Das heißt, die breite Öffentlichkeit konnte es nicht sehen. Bis 1916!

Warum so eine gemischte Reaktion auf das Bild?

Denken Sie daran, wie das Letzte Abendmahl vor Ge dargestellt wurde. Obwohl . Der Tisch, an dem Christus und die 12 Apostel sitzen und speisen. Judas unter ihnen.

Nikolai Ge ist anders. Jesus legt sich hin. Das ist genau dasselbe wie die Bibel. So ernährten sich die Juden vor 2000 Jahren auf orientalische Art.

Christus hat bereits gesprochen schreckliche Prognose dass einer der Jünger ihn verraten wird. Er weiß bereits, dass es Judas sein wird. Und er bittet ihn, unverzüglich das zu tun, was er geplant hat. Judas geht.

Und gleich an der Tür scheinen wir ihm zu begegnen. Er zieht einen Umhang an, um in die Dunkelheit zu gehen. Sowohl direkt als auch im übertragenen Sinne. Sein Gesicht ist fast unsichtbar. Und sein ominöser Schatten fällt auf den Rest.

Im Gegensatz zu Bryullov und Aivazovsky gibt es hier komplexere Emotionen. Jesus erlebt tief, aber demütig den Verrat des Jüngers.

Petrus ist empört. Bei ihm heißer Charakter Er sprang auf und blickte ratlos in das Gefolge von Judas. John kann nicht glauben, was passiert. Er ist wie ein Kind, das zum ersten Mal mit Ungerechtigkeit konfrontiert wird.

Und es gibt weniger als zwölf Apostel. Anscheinend war es Ge nicht so wichtig, zu allen zu passen. Für die Kirche war dies von wesentlicher Bedeutung. Daher die Zensur.

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4. Repin. Barge Haulers auf der Wolga. 1870-1873

Ilya Repin sah zum ersten Mal Lastkahnschlepper auf der Niva. Und er war so beeindruckt von ihrem jämmerlichen Aussehen, vor allem im Gegensatz zu den Urlaubern in der Nähe von Sommerbewohnern, dass der Entschluss, das Bild zu malen, sofort reifte.

Repin schrieb keine gepflegten Sommerbewohner. Aber der Kontrast ist immer noch im Bild vorhanden. Die schmutzigen Lumpen der Schlepper kontrastieren mit der idyllischen Landschaft.

Vielleicht sah es für das 19. Jahrhundert nicht so trotzig aus. Aber für moderner Mann Diese Art von Arbeiter scheint deprimierend.

Außerdem stellte Repin im Hintergrund einen Dampfer dar. Was als Schlepper verwendet werden könnte, um die Menschen nicht zu quälen.

In Wirklichkeit waren Lastkahnspediteure nicht so mittellos. Sie wurden gut ernährt, nach dem Essen durften sie immer schlafen. Und während der Saison verdienten sie so viel, dass sie sich im Winter ohne Arbeit ernähren konnten.

Repin nahm für das Bild eine horizontal stark verlängerte Leinwand. Und er hat den richtigen Winkel gewählt. Binnenschiffe kommen auf uns zu, blockieren sich aber nicht gegenseitig. Wir können leicht jeden von ihnen berücksichtigen.

Und der wichtigste Frachter mit dem Gesicht eines Weisen. Und ein junger Kerl, der sich nicht an das Gurtband gewöhnen kann. Und der vorletzte Grieche, der auf den Weggang zurückblickt.

Repin war mit jedem im Team persönlich bekannt. Er führte lange Gespräche mit ihnen über das Leben. Daher stellten sie sich als so unterschiedlich heraus, jedes mit seinem eigenen Charakter.

5. Kuindzhi. Mondnacht am Dnjepr. 1880

„Mondscheinnacht am Dnjepr“ ist Kuindzhis berühmtestes Werk. Und kein Wunder. Der Künstler selbst stellte sie sehr effektiv der Öffentlichkeit vor.

Er organisierte eine Einzelausstellung. Die Ausstellungshalle war dunkel. Auf das einzige Gemälde der Ausstellung, Mondnacht am Dnjepr, war nur eine Lampe gerichtet.

Die Leute betrachteten das Bild voller Ehrfurcht. Das hellgrüne Licht des Mondes und der Mondbahn hypnotisieren. Die Umrisse eines ukrainischen Dorfes sind sichtbar. Nur ein Teil der vom Mond beleuchteten Wände ragt aus der Dunkelheit heraus. Die Silhouette der Windmühle vor der Kulisse des beleuchteten Flusses.

Die Wirkung von Realismus und Fantasie zugleich: Wie hat der Künstler solche „Special Effects“ erzielt?

Daran hat neben der Meisterschaft auch Mendeleev mitgewirkt. Er half Kuindzhi, eine Farbkomposition zu schaffen, die besonders in der Dämmerung schimmert.

Es scheint, dass der Künstler eine erstaunliche Qualität hat. Wissen, wie man seine eigene Arbeit fördert. Aber er tat es unerwartet. Fast unmittelbar nach dieser Ausstellung verbrachte Kuindzhi 20 Jahre als Einsiedler. Er malte weiter, zeigte seine Bilder aber niemandem.

Noch vor der Ausstellung wurde das Gemälde von Großherzog Konstantin Konstantinovich (Enkel von Nikolaus I.) gekauft. Er hing so sehr an dem Gemälde, dass er es zu sich nahm Weltreise. Salzige feuchte Luft trug zur Verdunkelung der Leinwand bei. Leider kann dieser hypnotische Effekt nicht rückgängig gemacht werden.

6. Altmann. Porträt von Achmatowa. 1914

„Akhmatova“ von Altman ist sehr hell und einprägsam. Apropos Dichterin, viele werden sich an dieses besondere Porträt von ihr erinnern. Überraschenderweise mochte sie ihn selbst nicht. Nach ihren Gedichten zu urteilen, erschien ihr das Porträt fremd und „bitter“.

Tatsächlich gab sogar die Schwester der Dichterin zu, dass Achmatowa in diesen vorrevolutionären Jahren so war. Ein wahrer Vertreter der Moderne.

Jung, schlank, groß. Ihre kantige Figur wird von „Sträuchern“ im Stil des Kubismus perfekt wiedergegeben. Ein hellblaues Kleid wird erfolgreich mit einem scharfen Knie und einer prallen Schulter kombiniert.

Es gelang ihm, das Aussehen einer stilvollen und außergewöhnlichen Frau zu vermitteln. Allerdings war er so.

Altman verstand Künstler nicht, die in einer schmutzigen Werkstatt arbeiten können und die Krümel in ihren Bärten nicht bemerken. Er selbst war immer schick gekleidet. Und sogar Unterwäsche nähte er auf Bestellung nach eigenen Skizzen.

Es fiel ihm auch schwer, Exzentrik abzulehnen. Einmal habe ich Kakerlaken in meiner Wohnung gefangen, er hat sie gemalt verschiedene Farben. Einen von ihnen bemalte er mit Gold, nannte ihn den „Preisträger“ und ließ ihn gehen mit den Worten „Hier wird seine Kakerlake überrascht!“.

7. Kustodiev. Händler für Tee. 1918

"Merchant" Kustodiev - ein fröhliches Bild. Darauf sehen wir eine solide, wohlgenährte Kaufmannswelt. Die Heldin mit Haut heller als der Himmel. Eine Katze mit einer Schnauze, die dem Gesicht der Gastgeberin ähnelt. Dickbäuchiger, polierter Samowar. Wassermelone auf einer reichhaltigen Platte.

Was könnten wir von dem Künstler halten, der ein solches Bild gemalt hat? Dass der Künstler viel über ein wohlgenährtes Leben weiß. Dass er kurvige Frauen liebt. Und dass er eindeutig ein Liebhaber des Lebens ist.

Und so ist es wirklich passiert.

Wenn Sie aufgepasst haben, wurde das Bild in den Revolutionsjahren gemalt. Der Künstler und seine Familie lebten in äußerst ärmlichen Verhältnissen. Nur an Brot denken. Hartes Leben.

Warum so viel Überfluss, wenn es überall Verwüstung und Hunger gibt? Also versuchte Kustodiev, die unwiederbringlich Verstorbenen zu fangen schönes Leben.

Was ist mit dem Ideal weibliche Schönheit? Ja, das hat der Künstler gesagt dünne Frauen er ist nicht zum Schaffen inspiriert. Trotzdem bevorzugte er im Leben genau solche. Seine Frau war auch schlank.

Kustodiev war fröhlich. Worüber wundern Sie sich, denn als das Bild gemalt wurde, war er angekettet Rollstuhl. 1911 wurde bei ihm Knochentuberkulose diagnostiziert.

Kustodievs Liebe zum Detail ist sehr ungewöhnlich für eine Zeit, in der die Avantgarde blühte. Wir sehen jedes Trocknen auf dem Tisch. Gehen Sie am Gostiny Dvor vorbei. Und ein junger Mann, der versucht, ein galoppierendes Pferd zu halten. All dies ist wie ein Märchen, eine Fiktion. Was einmal war, aber endete.

Zusammenfassen:

Wenn Sie die wichtigsten Meisterwerke von Repin, Kuindzhi, Bryullov oder Aivazovsky sehen möchten, sollten Sie das Russische Museum besuchen.

„Der letzte Tag von Pompeji“ von Bryullov handelt von der Schönheit der Katastrophe.

„The Ninth Wave“ von Aivazovsky handelt von der Größenordnung der Elemente.

"Das letzte Abendmahl" Ge - über die Verwirklichung des bevorstehenden Verrats.

"Barge haulers" Repin - über einen Lohnarbeiter des 19. Jahrhunderts.

„Mondnacht am Dnjepr“ handelt von der Seele des Lichts.

„Portrait of Akhmatova“ von Altman handelt vom Ideal einer modernen Frau.

"Merchant" Kustodiev - über eine Ära, die nicht zurückgegeben werden kann.

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Petersburg feiert ein „hochkünstlerisches“ Jubiläum – vor genau 95 Jahren wurden die Säle der Kunsthalle in der Eremitage wiedereröffnet. Die auf Beschluss der Provisorischen Regierung evakuierten Exponate kehrten aus Moskau zurück. Dies ist nicht der einzige Fall, wenn Hauptmuseum Petersburg erwarb und verlor Werte. So verlegte die Eremitage Ende des 19. Jahrhunderts einen Teil ihrer Werke in das neu eröffnete Russische Museum von Kaiser Alexander III. Insgesamt 80 Meisterwerke, darunter Bryullovs „The Last Day of Pompeji“, Repins „Cossacks“ und die berühmte „Ninth Wave“ von Aivazovsky. Jetzt stellen diese Gemälde den Goldfonds des Russischen Museums dar, aber sie wurden speziell für den Winterpalast gekauft.

Nach der Revolution wurde die Eremitage durch Privatsammlungen und eine Sammlung von Werken der Akademie der Künste erheblich bereichert - alle dort aufbewahrten Meisterwerke wurden verstaatlicht. Die Eremitage wurde mit Gemälden großer Meister ergänzt - Botticelli, Andrea Del Satro, Correggio, Van Dyck, Rembrandt und Delacroix. Außerdem nach Oktober 1917 Winterpalast hörte auf, eine kaiserliche Residenz zu sein, und viele Einrichtungsgegenstände wurden ebenfalls Teil der Sammlung des Museums. Die Eremitage erhielt auch Geschenke, die dem kaiserlichen Hof überreicht wurden. So überreichte beispielsweise der Botschafter des persischen Herrschers Nadir Shah Afshara dem russischen Zaren am 10. Oktober die sogenannten "Schätze der großen Mongolen" - goldene Gefäße, Schmuck, mit Diamanten besetzte Waffen. Historikern zufolge wurden aus einem bestimmten Grund reiche Geschenke geschickt - der persische Schah wollte die Prinzessin Elizabeth Petrovna umwerben, aber die Hochzeit fand nicht statt und die "Schätze der großen Mongolen" blieben in Russland.

Am meisten großes Museum nicht nur mit Meisterwerken der Kunst aufgefüllt, sondern auch verloren. Zum Beispiel wurde das berühmte Diamantenzimmer vor der Revolution nach Moskau verlegt, als die Sammlung vor dem Vorrücken feindlicher Truppen auf St. Petersburg gerettet wurde. Jetzt ist dies die Grundlage des Diamantenfonds des Kremls in den Waffenkammern. Symbole Staatsmacht- Die große und kleine Krone, Zepter und Reichsapfel gingen nach der Abdankung von Nikolaus II. an den Kreml. Das "Diamond Room" litt stark unter den Verkäufen, als nach 1922 eine Revision durchgeführt wurde, wonach die wertvollsten Exponate zurückgelassen und der Rest auf ausländischen Auktionen verkauft wurden.

In den Jahren 1929 - 1934 begann die Sowjetregierung, Gemälde aus der Eremitage auf verschiedenen Auktionen zu verkaufen, und 48 Meisterwerke von Weltbedeutung verließen Russland für immer. Zwei Gemälde aus dem Museum landeten darin Nationalgallerie Kunst in Washington. Gemälde wurden auch an ausgewählte Händler verkauft. So kaufte der Milliardär und Geschäftsmann Calouste Gulbenkian gleich 51 Eremitage-Exponate. Der vollständige Handel mit Meisterwerken wurde 1933 eingestellt. Ein Jahr später wurde der Direktor der Eremitage entlassen.

Nach dem Großen Vaterländischen Krieg wurde die Eremitage-Sammlung mit der sogenannten "Trophäenkunst" aufgefüllt - das sind kulturelle Werte, die von Deutschland und seinen militärischen Verbündeten nach Russland übertragen wurden. Der Pergamonaltar und das Gemälde Raffaels verblieben einige Zeit in der Eremitage. Sixtinische Madonna“, aber dann wurden sie in die DDR zurückgebracht. In Russland blieben jedoch noch viele Meisterwerke - insbesondere 800 Gemälde und 200 Skulpturen der "Trophäenkunst" sind heute in den Gewölben der Eremitage bekannt.

In jüngerer Zeit kämpften St. Petersburg und Moskau um eine Sammlung von Impressionisten und Postmodernisten. Zuvor befanden sich diese Leinwände im heute nicht mehr existierenden Museum des Neuen Westliche Kunst in Moskau. Es wurde 1948 im Rahmen des Kampfes gegen den Formalismus in der Kunst geschlossen, dann gingen etwa 400 Gemälde, von denen Matisses „Tanz“ das berühmteste ist, in die Eremitage. Trotz aller Verluste und Zukäufe blieb das Hauptmuseum von St. Petersburg in den schwarzen Zahlen - durch dieser Moment Es beherbergt über 3 Millionen Kunstwerke.

Wissenschaftlicher Katalog, zusammengestellt vom führenden Forscher des Landesmuseums Bildende Kunst Sie. A.S. Puschkin, ein Spezialist für italienische Kunst Viktoria Markova, umfasst 122 Werke aus dem Fundus deportierter Kostbarkeiten, die sich seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs im Puschkin-Museum befinden. Es ist die Sammlung italienischer Gemälde des XIV-XVIII Jahrhunderts, die den Kern der einst streng klassifizierten „Trophäenkunst“ bildet, die im Puschkin-Museum aufbewahrt wird. Die meisten Meisterwerke der Nachkriegszeit werden zum ersten Mal veröffentlicht; Bislang war der Verbleib vieler Werke selbst der wissenschaftlichen Gemeinschaft unbekannt. Die Vorbereitung der Veröffentlichung dauerte mehr als zehn Jahre, es wurden ernsthafte Forschungen im Zusammenhang mit der Restaurierung und dem Studium von Gemälden durchgeführt - der Feststellung der Urheberschaft und insbesondere der Geschichte der Existenz von Werken.

Nach dem Krieg, 1945-1948, wurden die kulturellen Werte Deutschlands und seiner Verbündeten als "Ausgleichsrestitution" in die UdSSR gebracht. Außerdem wurde die „Trophäenkunst“ in den Depots der Museen verteilt und ein Teil der Kostbarkeiten in den 1950er Jahren an die Deutsche Demokratische Republik zurückgegeben. Eine bedeutende Anzahl von Kunstwerken wurde in das Puschkin-Museum im übertragen. Puschkin. Während des nächsten halben Jahrhunderts wurden sie unter strengster Geheimhaltung im speziellen Lagerhaus des Museums aufbewahrt, das sich auf dem Territorium der Trinity-Sergius Lavra (1999 abgeschafft) befand. Der Wendepunkt in dieser Geschichte war 1995, als das Puschkin-Museum eine Ausstellung veranstaltete Zweimal gespeichert, die erste offene Anzeige der Trophäenfondswerte. Nach Schließung der Ausstellung erschienen einige Werke ohne Geräusche und Herkunftsangabe in der Dauerausstellung.

In den Jahren 1995-1996 veranstaltete das Puschkin-Museum ein paar weitere Ausstellungen aus Trophäenfonds: Fünf Jahrhunderte europäischer Zeichnung. Zeichnungen alter Meister aus der ehemaligen Sammlung Franz König und "Schliemanns Gold", und zwei Jahre später war, wie es scheint, das Schicksal der verdrängten Kunst in Russland entschieden. 1998 adoptierten sie das Bundesgesetz"Ö Kulturgut infolge des Zweiten Weltkriegs in die UdSSR vertrieben und auf dem Territorium der Russischen Föderation beheimatet. Ihm zufolge werden diese Kunstgegenstände deklariert nationaler Schatz. Auf den ersten Blick beendete dieses Gesetz die Debatte um zukünftiges Schicksal und den Status der "Trophäenkunst". Nur 50 Jahre nach dem Export aus Deutschland in die UdSSR konnten diese Meisterwerke beschrieben, studiert und ausgestellt werden. In Wirklichkeit hängt der Grad der „Öffentlichkeit“ von Dingen aus dem Trophäenfonds jedoch immer noch von der Position der Leitung eines bestimmten Museums ab. So scheut sich die Eremitage nicht vor dem Thema der verschleppten Wertsachen, Herkunft und Geschichte ihrer Aufbewahrung im Museum sind gut erforscht, die Objekte selbst erscheinen regelmäßig auf Ausstellungen in Russland. Im Fall des Puschkin-Museums bleibt sogar die Zusammensetzung des Trophäenfonds ein Rätsel, obwohl sich die Situation in den letzten Jahrzehnten deutlich verbessert hat. 2005 zeigte das Puschkin-Museum eine Ausstellung Archäologie des Krieges. Rückkehr aus dem Vergessen, die aus restaurierten Antiquitäten bestand. Ausstellungen im Jahr 2010 folgten. Die gewebte Welt der ägyptischen Christen und 2014 Kunst des alten Zypern, wo erstmals Exponate gezeigt wurden, die einst in Berlin gelagert wurden.

Die Werke der italienischen Schule aus dem Fundus der verdrängten Kostbarkeiten des Puschkin-Museums blieben jedoch nicht nur den Betrachtern, sondern auch den Fachleuten unbekannt. Darüber hinaus ist dies der erste vom Puschkin-Museum veröffentlichte Katalog eines der Teile des Trophäenfonds – seiner italienischen Sammlung, „die sich durch ihre Integrität, Vielfalt und Vollständigkeit auszeichnet“.

Die ersten 20 Seiten der Publikation sind der Geschichte des italienischen Gemäldefonds und einem Überblick über die Sammlung gewidmet. Ausgangspunkt für die Inventarisierung wurden die Inventarnummern des alten deutschen Gesamtverzeichnisses aller preußischen Schlösser von Königsberg bis zum Rhein. Die Nummern auf den Rückseiten der Gemälde geben den Schlüssel zu den primären Informationen - über die Herkunft und Zuschreibung (natürlich in die Vorkriegszeit) der Gemälde. Viele der im Katalog präsentierten Gemälde befanden sich jedoch vor dem Krieg in Privatsammlungen eines Schweizer Chirurgen, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts in Amsterdam lebte. Otto Lanza(dessen Sammlung 1941 vom Reich für das Museum erworben wurde Adolf Hitler in Linz) oder ein deutscher Kunsthistoriker Hermann Foß, der während des Krieges die Dresdner Galerie und das damals entstehende Führermuseum leitete. Provenienz natürlich einzelne Werke, veröffentlicht im Katalog, muss noch ermittelt werden, und die Existenzgeschichte einiger Gemälde verdient eine besondere Untersuchung. Ich wünsche mir, dass solche Arbeiten in Zukunft durchgeführt werden, und die am Ende der Ausgabe veröffentlichten Anhänge werden dabei eine große Hilfe sein. Dies ist eine Fotografie der Rückseiten von etwa der Hälfte der 122 Gemälde im Katalog, auf denen Sie die Inschriften, Nummern und Stempel erkennen können. Eine weitere wichtige Ergänzung des Katalogs ist ein illustriertes Werkverzeichnis aus der Sammlung von Professor Hermann Voss. Um schließlich die Geographie der Sammlungen zu beurteilen, deren Werke unter den verdrängten Wertgegenständen im Puschkin-Museum gelandet sind, können Sie sich mit dem Verzeichnis der Standorte der Gemälde vertraut machen, bevor sie das Puschkin-Museum betraten. Überhaupt ist der Referenzapparat des Katalogs (Literatur- und Ausstellungsverzeichnis, Korrespondenztabellen der Inventarnummern) recht beeindruckend.

Den Hauptteil des Buches nimmt ein Werkverzeichnis der italienischen Schule ein, in der sie sich befinden chronologische Reihenfolge, und die Sektion der Renaissance-Malerei erweist sich als die zahlreichste, von der Proto-Renaissance bis zum Manierismus, aber die wirklich herausragenden Werke stammen im Gegenteil aus dem 17.-18. Jahrhundert, zum Beispiel Gemälde von Guido Reni und Pietro Antonio Rotary. Zu den im Katalog veröffentlichten Meisterwerken gehören Werke Meister XVII Jahrhundert Giovanni Benedetto Castiglione, Sebastiano Mazzoni, Angelo Caroselli, Paolo Pagani aus der Sammlung Hermann Voss. Das wichtigste Denkmal im Katalog ist die Leinwand Paolo Veronese Trauer(1570er Jahre), bisher unveröffentlicht und nicht ausgestellt. Innerhalb der Chronologie sind die Werke nach der Zugehörigkeit der Bildautoren zu verschiedenen Schulen gruppiert. In den Beschreibungen der Werke findet sich häufig der Satz „Die eigentliche Zuschreibung gehört dem Autor dieses Katalogs“, was die Bedeutung der kunsthistorischen Recherchen bei der Erstellung des Buches verdeutlicht. Neben der gewissenhaften Arbeit des Historikers und Archivars, der den Ursprung bestimmt und die Geschichte vieler Werke wiederhergestellt hat, führte Viktoria Markova eine Studie durch stilistische Merkmale, die künstlerischen Qualitäten der Gemälde, die Bestimmung ihrer Zugehörigkeit zu örtlichen Schulen, und dann etablierte viele Autoren. Manchmal werden Zuschreibungen aus der Vorkriegszeit bestätigt oder widerlegt. Zum Beispiel bei einem Gemälde aus dem 15. Jahrhundert Thronende Madonna mit Kind und den Heiligen Hieronymus und Antonius von Padua es gelang ihr, die Urheberschaft des Florentiners zu beweisen Cosimo Rosselli, zeitgenössisch und assoziiert Sandro Botticelli und Domenico Ghirlandaio(Sie bemalten gemeinsam die Wände der Sixtinischen Kapelle). In der italienischen Monografie über den Künstler von 2007 wird diese bemerkenswerte Tafel jedoch als Vorkriegsfoto präsentiert und als späte Fälschung aufgeführt.

Italienische Malerei des XIV-XVIII Jahrhunderts. (Staatliches Puschkin-Museum der bildenden Künste. Katalog). Markov V. E.M.: Art-Volchonka, 2014.

In der obersten Etage der Eremitage befindet sich eines der „Sonderdepots“ des Museums, in dem sich ein Teil der Trophäenkunstwerke befindet, die nach dem Zweiten Weltkrieg aus Deutschland nach Russland gebracht wurden.

Im obersten Stockwerk der Eremitage befindet sich eines der „Sonderdepots“ des Museums, in dem sich ein Teil der nach dem Zweiten Weltkrieg aus Deutschland nach Russland gebrachten Trophäenkunstwerke befindet. Bis vor kurzem hatten hier nur der Direktor und der direkte Kurator des Saals Zutritt.

„In den letzten 55 Jahren wurde keines der dort aufbewahrten Werke von Spezialisten untersucht“, räumte Boris Asvarishch, Kurator der Abteilung für Kunstgeschichte Westeuropas, ein. Das traurige Tatsache, immerhin lagern in dem Spezialraum rund 800 Gemälde.

Die meisten der Trophäenkunstwerke sollen nach Fertigstellung in das moderne Depot der Eremitage überführt werden. Experten zufolge wird es noch einige Jahre dauern, wenn das Museum eine Finanzierungsquelle findet, um nur die Hälfte des wiederaufgebauten Gebäudes fertigzustellen.

Einige der Gemälde sind beschädigt, aber Eremitage-Experten behaupten, dass dies während des Zweiten Weltkriegs geschah, als die Gemälde in deutschen Banken aufbewahrt wurden.

Die schönsten Beispiele der Trophäenmalerei gehören Van Gogh, Matisse, Renoir und Picasso. Sie sind jetzt in den Hallen der Eremitage öffentlich ausgestellt. Darüber hinaus befinden sich unter den Werken in Sonderdepots Gemälde von El Greco, Werke der Schulen von Tizian, Tintoretto und Rubens. Die meisten Gemälde kamen aus privaten Sammlungen, beispielsweise der deutschen Industriellen Otto Gerstenberg und ins Museum Otto Krebs a.

Die Herkunft einiger Gemälde ist noch nicht geklärt, aber einige von ihnen gelangten aus den persönlichen Sammlungen von Adolf Hitler und anderen Führern des Dritten Reiches ins Museum.

Eine Etage tiefer, im zweiten Stock der Eremitage, unweit der Hauptausstellungen, befindet sich ein weiteres Sonderdepot, das bis zu 6.000 Objekte orientalischer Kunst enthält. Die meisten von ihnen waren zuvor im Museum für Ostasiatische Kunst in Berlin ausgestellt. Auch diese Werke gerieten während des letzten halben Jahrhunderts in völlige Vergessenheit. Zu den Höhepunkten der Sammlung gehören Wandfresken aus dem 8. bis 9. Jahrhundert aus einem buddhistischen Kloster in Westchina. Sie alle lagern noch (!) in Metallkisten, die von Soldaten zum Transport verwendet wurden.

Möglicherweise gibt es Fragmente von Fresken, die in den 1900er Jahren vom deutschen Archäologen Albert von le Coq aus dem Bezeklik-Tempel entfernt wurden. Von le Coq entdeckte Höhlen in der Nähe der Stadt Turfan in der Provinz Xinjiang und nahm ihren gesamten Inhalt mit (und das sind nicht weniger als 24 Tonnen Fracht!). Er brachte sie in drei Etappen nach Europa. Später holte der britische Archäologe Orel Stein auch Raritäten aus Bezeklik, jetzt werden diese Schätze eingelagert Nationalmuseum Delhi. Nach zwei solchen "erfolgreichen" wissenschaftlichen Streifzügen blieb praktisch kein einziges Werk mehr an Ort und Stelle.

Wenn es tatsächlich Bezeklik-Fresken in den Schubladen der Eremitage gibt, dann könnte ihre Wiederentdeckung ernsthafte Auswirkungen auf die weitere Erforschung asiatischer Altertümer haben.

Andere Kunstobjekte in diesem Raum - Hunderte Japanische Gemälde auf Seide aus dem 18.-19. Jahrhundert sowie verschiedene japanische und chinesische Kunst- und Kunsthandwerksgegenstände.

In den Vorratskammern der Eremitage befinden sich etwa 400 Gegenstände aus der Schliemann-Sammlung aus dem Trojanischen Krieg. Von allen 9.000 Objekten der Schliemann-Sammlung sind etwa 6.000 wieder in Berlin ausgestellt, aber 300 der wertvollsten Goldartefakte "erhielt" das Puschkin-Museum der Bildenden Künste. Etwa 2.000 weitere sind unwiederbringlich verloren.

Andere Kunstwerke, die in dieser Abteilung aufbewahrt werden, stammen aus der römischen und keltischen Zivilisation und aus der Zeit der Merowinger. Letztere bilden einen bedeutenden Teil einer großen Sammlung von mehreren hundert Objekten, die die Hermitage-Leitung gemeinsam mit ihren Kollegen aus Berlin möglicherweise schon 2002 platzieren will.

Als ich einmal in der Staatlichen Eremitage war, sah ich an der Tür einer der Ausstellungshallen ein Schild mit der Aufschrift „Sammlung von Trophäenkunst aus dem Großen Vaterländischen Krieg“ in schwarzen Buchstaben auf weißem Hintergrund. Die Tafel war sehr klein und kaum sichtbar, die Türen der Halle mussten sorgfältig restauriert werden und ähnelten in ihrem Aussehen dem Eingang
Tür Gemeinschaftswohnung.
Ich schaute hinein und meine Augen öffneten sich zu dem "großen Raum einer Gemeinschaftswohnung", dessen Wände mit vielen Gemälden und Zeichnungen behangen waren.
„Trophäenkunst“ was weiß ich davon…. Folgende Assoziationen tauchten in meiner Erinnerung auf: der Verlust des Bernsteinzimmers, die Zerstörung und Plünderung von Herden durch die Nazis Slawische Kultur in Europa und der Sowjetunion Trophäenbrigaden Sowjetische Armee, „Boldino Collection“ aus Bremen. Das ist wahrscheinlich alles.
Durch Bücher und Recherchen Sowjetischer Schriftsteller Yuliana Semyonova, über die ich die meisten Informationen hatte "Bernsteinzimmer" - berühmtes Meisterwerk Kunst des 18. Jahrhunderts, die 1941 während der Besetzung durch die Nazis aus Zarskoje Selo verschwand. Über alles andere wusste oder hörte ich irgendwo sehr oberflächlich und bis auf wenige Redewendungen Mehr könnte ich dazu nicht sagen.
Mit dem Aufkommen von Perestroika und Glasnost in unserem Leben, Anfang der 90er Jahre, aus den Mitteln Massenmedien man konnte auch erfahren, dass sehr viele Kunstgegenstände beschlagnahmt wurden Sowjetische Truppen in europäische Länder als Kriegstrophäen. Alle diese Trophäen haben ihren rechtmäßigen Platz als Ausstellungsstücke in vielen gefunden Sowjetische Museen und Kunstgalerien.
Die Gemälde im Saal der „Trophäenkunst“ waren willkürlich angeordnet. Vermutlich wurden sie wie früher in den „Magazinen“ des Museums aufgehängt. Von den Wänden Ausstellungshalle die Werke berühmter Künstler sahen mich an: Paul Cezanne, Edouard Monet, Vincent van Gogh, Camille Pissarro, Claude Monet und viele andere. Die präsentierte Kollektion war eine „bunte“ Sammlung vieler Stilrichtungen und Strömungen der bildenden Kunst. Verschiedene Genres, Kunstschulen, Spielweisen, all dies erregte Aufmerksamkeit. Eine Person, die mehr oder weniger mit der bildenden Kunst vertraut ist, würde diese Werte schätzen können.
Interessanterweise befand sich neben jedem Gemälde ein Schild "Aus der Sammlung ...", das den Nachnamen und den Namen angab vorheriger Besitzer. Betrachtet man die Sammlungen von außen, sah es abgesehen von der Kunst wie eine Art „Jagd-Ruhmeshalle“ aus, in der eine Inschrift mit Brief Information, zum Beispiel dieses - „Hirsch, getötet in Deutschland, 1945“.
Ich mag die Gemälde im Stil des Postimpressionismus sehr. Unter den in der Ausstellung präsentierten Werken sah ich mehrere Werke des größten Vertreters dieser Richtung, Vincent van Gogh. Alle diese Gemälde gehörten der Sammlung einer Person - Otto Krebs.
Wer ist Otto Krebs? Warum ist nichts über ihn bekannt?
Kurz gesagt lässt sich Otto Krebs wie folgt beschreiben: ein Unternehmer, ein Philanthrop, ein vielseitig interessierter Mensch. Sammler mit "Gespür" für Kunst.
Seine Sammlung galt als eine der besten thematischen Sammlungen in Europa, er selbst wurde mit Sammlern wie Sergei Shchukin, Ivan Morozov und Dr. Barnes verglichen. Wenn wir direkt über Trophäenkunst und verdrängte Kunstwerte nach dem Großen Vaterländischen Krieg in sprechen die Sowjetunion Es sei darauf hingewiesen, dass die Sammlung impressionistischer Werke, die heute in der Russischen Föderation existiert, zu 85 % aus Gemälden und Zeichnungen besteht, die zur Sammlung von Otto Krebs gehören.
Aber der Reihe nach…
Jozef Karl Paul Otto Krebs wurde 1875 in der Familie des Physikprofessors Georg Krebs und der Pianistin Charlotte Louise Krebs geboren. Der zukünftige Sammler hatte keine Geschwister. Die ganze Familie lebte in der Stadt Wiesbaden. Nach dem Abitur an einer Gesamtschule, deren Direktor sein Vater war, trat Otto Krebs 1894 in das Polytechnische Institut Berlin ein, das er mit Auszeichnung als Ingenieur abschloss. Parallel zu seinem Studium am Institut studierte Otto Krebs an der Universität Zürich, wo er 1897 seine Doktorarbeit in Philosophie verteidigte.
Otto Krebs verfügt über außergewöhnliche Fähigkeiten großer Erfolg Kaufmann und wurde 1920 Leiter des Strebel-Werkbüros in Mannheim. Das Unternehmen beschäftigte sich mit der Herstellung von Dampfkesseln.
Die Geschäfte der Firma liefen sehr gut. 1920 machte das Unternehmen einen großen Gewinn. Diese Tatsache wirkte sich positiv auf die finanzielle Situation von Otto Krebs aus, was ihm wiederum ermöglichte, seinen alten Traum zu verwirklichen – die Schaffung einer Sammlung von Kunstwerken.
Es muss gesagt werden, dass der Wunsch, Kunstwerke zu sammeln, bei Krebs nicht zufällig entstand. Die erste Person, die Otto Krebs mit der Kunst bekannt machte, war seine Mutter Charlotte Louise. Als Kind schaute der kleine Otto am liebsten gemeinsam mit seiner Mutter Bilderbücher an. Er konnte Stunden damit verbringen, sich die farbenfrohen Zeichnungen anzusehen, die ihm gefielen. Seine Mutter sammelte eine kleine Bibliothek, in der neben Kinderbüchern mit farbenfrohe Illustrationen Es gab mehrere Alben mit Reproduktionen von Gemälden mittelalterlicher Malermeister.
Während seines Studiums an der Universität verbrachte Otto Krebs oft Zeit in der Gesellschaft seiner Freunde - aufstrebende Künstler, Schriftsteller, Historiker, die bei ihm in Zürich studierten. Gemeinsam besuchten sie einige Kunstsalons, öffentliche Vorträge über Kunst.
Im Laufe der Zeit entwickelte Otto Krebs gewisse Vorlieben in der bildenden Kunst. Die Werke der Impressionisten genossen bei ihm größten Respekt und Interesse. Der zukünftige Sammler war mit einigen Autoren persönlich bekannt.
Ab 1920 nahm Otto Krebs die Sammlung seiner Sammlung ernst. Er besucht Galerien, Auktionen zu Hause, wo er sich lange die Werke der Meister ansieht, sie sorgfältig studiert und erst danach einen Kauf tätigt. Ich muss sagen, dass Otto Krebs nie die Empfehlungen von Kunstberatern in Anspruch genommen hat und noch mehr keine speziellen Agenten für den Ankauf von Kunstwerken hatte.
Experten vergleichen Otto Krebs als Sammler oft mit dem amerikanischen Industriellen Dr. Barnos, der wie Otto Krebs die außergewöhnlichen Fähigkeiten eines Kaufmanns und das Talent eines Sammlers verband. Jedoch, gemäß denselben Experten, zwischen diesen Sammlern gab es grundlegender Unterschied. Während für Barnes der Erwerb von Kunstwerken eine einfache Geldanlage war und er sich bei der Auswahl von Kunstwerken in Zukunft primär an den Kosten der Werke und deren „Liquidität“ auf dem Kunstmarkt orientierte, zahlte Otto Krebs zunächst Beachtung des künstlerischen Wertes der Werke, die Übereinstimmung der Kunstwerke mit seinen künstlerischen Vorlieben. Dank dessen gelang es Otto Krebs, eine hervorragende Sammlung von Kunstjuwelen zu schaffen. Die Barnes-Sammlung zeichnete sich durch ihre hohen Kosten aus, wurde aber willkürlich gesammelt.
Es kamen immer mehr Exponate in die Sammlung von Otto Krebs. Schon bald stellte sich die Frage, wo diese Wertsachen aufbewahrt werden sollten. Bereits 1917 kaufte Otto Krebs ein altes Gut im thüringischen Holzdorf. Hier wird er später seine Sammlung unterbringen.
Das von Otto Krebs erworbene Gut ist seit 1271 bekannt und gehörte zum Kaufzeitpunkt den Nachkommen von bekannt Deutscher Künstler Lucas Cranach der Ältere. Symbolisch ist die Platzierung im Haus berühmter Künstler eine der schönsten Sammlungen der Kunst des 20. Jahrhunderts in Europa.
Was war die Sammlung von Otto Krebs?
Ein besonderer Ort im Sammlung von Otto Krebs wurde den Werken der Impressionisten geschenkt. Hier sind die Kunstwerke eines der ersten und konsequentesten Anhänger des Impressionismus - Camille Pissarro. Otto Krebs erwarb auch Werke von so herausragenden Vertretern des Impressionismus wie Edgar Degas und Pierre Auguste Renoir. Die Sammlung umfasste mehrere Werke eines der Begründer des Impressionismus - Edouard Manet.
Otto Krebs hielt sich bei der Auswahl der Meister nicht an strenge Grenzen. Daher gibt es mehrere Werke in seiner Sammlung Amerikanischer Künstler Alexander Archipenko ukrainischer Herkunft, der später als wunderbarer Bildhauer und Künstler berühmt wurde, der im Genre des Kubismus arbeitete.
Bemerkenswert ist Emil Nold - ein deutscher Künstler, der größte Aquarellist. Mit dem Aufstieg der Nationalsozialisten wurde Emil Nolds Kunstwerk zur „entarteten“ Kunst erklärt. Sehr bald erhielt Emil Nold ein Malverbot, seine vorhandenen Werke wurden überall zerstört. Erfreulicherweise sind in der Sammlung Otto Krebs mehrere Werke dieses talentierten Künstlers erhalten geblieben.
Es ist unmöglich, einige Leinwände des französischen Künstlers Henri Fantin-Latour nicht zu erwähnen. Er arbeitete im impressionistischen Genre und wurde weithin bekannt für seine Blumenstillleben und Serien von Gruppenporträts. In der Sammlung von Otto Krebs befinden sich fünf wunderschöne Stillleben, die Henri Fanter Latour in seiner charakteristischen Manier geschaffen hat.
Die Geschichte wird nicht vollständig sein, ganz zu schweigen von der Sammlung von Post-Impressionisten in der Sammlung. Otto Krebs sammelte die Werke der prominentesten Vertreter dieser Richtung in der bildenden Kunst. An den Wänden seiner Heimatgalerie hängen majestätisch Gemälde und Zeichnungen von Paul Cezanne, Henri Toulouse de Lautrec, Albert Marquet und natürlich Vincent van Gogh. Die Sammlung enthält mehrere Gemälde des großen niederländischen Malers, unter denen zwei bekannte Werke hervorzuheben sind: „Portrait of Mrs. Trabuque“ und „ Weißes Haus nachts". Diese Werke entstanden in der „Spätzeit“ des Schaffens des Künstlers und sind das Ergebnis einer langen und akribischen Suche nach einem Meister der Darstellungs- und Darstellungsweise Farblösung Handlung.
Otto Krebs trug seine Sammlung bis zu seinem Tod 1941 weiter.
1935 richten die Parteiführer des nationalsozialistischen Deutschlands erstmals ihre Aufmerksamkeit auf Kunstgegenstände. Diese Aufmerksamkeit hatte viele Gründe. Erstens - das Thema "der Kampf um die Reinheit der arischen Kunst". Als Ergebnis dieses "Kampfes" Tausende von Werken talentierte Künstler, Bildhauer wurden zerstört und den Autoren selbst wurde die Arbeit untersagt. Ein Beispiel für eine solche Haltung gegenüber „nichtarischer Kunst“ ist das Schicksal des deutschen Aquarellmalers Emil Nold.
Es ist notwendig, Hitlers Pläne zu erwähnen, Deutschland zum Zentrum der Weltkunst zu machen. In Verfolgung dieser Pläne untersuchten Kulturspezialisten des nationalsozialistischen Deutschlands die vorhandenen Sammlungen und beschlagnahmten sie von ihren rechtmäßigen Eigentümern, die ihre „arische Herkunft“ nicht nachweisen konnten. Ja, und Sammler mit arischen Wurzeln lebten auch nicht in Frieden
1935 wurde in Deutschland ein Dokument mit dem Titel "Kummel-Bericht" veröffentlicht, das von Otto Kummel, dem Direktor des Reichsmuseums, zusammengestellt wurde. Gemäß diesem Dokument werden alle künstlerischen Werte in drei Gruppen eingeteilt: 1. Werke, die eine Bedeutung haben historischer Wert, 2. Werke von historischem Wert, 3. Werke von ortsgeschichtlichem Interesse. Dieses Dokument bildete die Rechtsgrundlage für den Widerruf Kunstschätzeüberall.
Dieser Sachverhalt schreckte Otto Krebs nicht ab. Er interessierte sich weiterhin für die Malerei. Er besuchte Kunstsalons, Ausstellungen, erhielt Kataloge per Post. Zwar kaufte er die ihn interessierenden Bilder jetzt nicht direkt. Für ihn haben es seine Freunde getan, mit denen er zusammen in der Schweiz studiert hat. Otto Krebs wählte die Leinwand aus, die ihm gefiel, überließ sie seinem Freund, der seinerseits das Gemälde erwarb und an den Kunden schickte.
Um sich und seine Lieben vor den „legalisierten Diebstählen“ des Reiches zu schützen, legt Otto Krebs in seinem Nachlass unter strengster Geheimhaltung zwei Verstecke an, eines in der Villa und das andere im Haus des Verwalters. In diesen Caches wird Otto Krebs jene Gemälde aufbewahren, die die Nationalsozialisten entweder wegen ihres Wertes oder wegen ihrer „Entartung“ interessieren könnten.
Nur wenige Menschen hatten Gelegenheit, seine Sammlung zu sehen, und erst recht, mit dem Besitzer über die Kunst des Sammelns zu diskutieren. Otto Krebs führte ein zurückgezogenes Leben. die einzige Person der die Einsamkeit von Otto Krebs teilte, war sein bürgerliche Ehefrau, bekannte Pianistin in Deutschland - Frida Kwast-Hodapp.
Am 26. März 1941 starb Otto Krebs im Alter von 68 Jahren nach langer Zeit in seinem Haus längere Krankheit. Zu seinen Lebzeiten vermachte er seine gesamte Sammlung der Cancer and Scarlet Fieber Research Foundation. Dieser Fonds ist Teil der Medizinischen Fakultät der Universität Heidelberg.
Nach dem Tod von Otto Krebs wurden jedoch nur zwei Dutzend Gemälde in den Fluren seines Hauses gefunden. Der Großteil der Sammlung ist spurlos verschwunden. Nur wenige wussten von der Existenz dieser Sammlung und noch mehr von den Exponaten der Sammlung, sodass keine ernsthaften Durchsuchungen durchgeführt wurden.
Wie die Zeit verging. Während des Krieges beherbergte Gut Holzdorf die Residenz eines der faschistischen Führer. Nach dem Sieg über Nazideutschland war das Gut im Besitz von bewaffnete Kräfte Vereinigten Staaten, danach beherbergte das Anwesen das Hauptquartier der sowjetischen Besatzungstruppen und die Residenz von Generaloberst Wassili Tschuikow.
1945 kam es zu einer Wende im Schicksal der Sammlung Otto Krebs. Eines Abends im Mai führte Kommunikationsleutnant Nikolai Skobrin eine "Prüfung" der vorhandenen Möbel in seinem Büro durch alte Heimat Gutsverwalter Holzdorf, entdeckte plötzlich eine Geheimtür unter einer Putzschicht. Die Tür war mit einem „geheimen“ Schloss fest verschlossen. Um es zu öffnen, musste auf die Hilfe von Pionieren zurückgegriffen werden. Als sich die Tür öffnete, erschienen Meisterwerke der bildenden Kunst der Welt vor den Augen des Militärs. Es war die verschollene Sammlung von Otto Krebs. Sehr schnell wurde ein zweiter geheimer Raum im Hauptgebäude gefunden. Insgesamt wurden 86 Werke großer Künstler extrahiert. Es bleibt nur verwunderlich, wie alle Gemälde während der gesamten Zeit der Zwangslagerung in gutem Zustand erhalten blieben. Höchstwahrscheinlich hat Otto Krebs die Lage der geheimen Räume sorgfältig durchdacht. Offenbar gelang es ihm, in den Caches optimale "klimatische" Bedingungen für die Aufbewahrung von Leinwänden zu schaffen. Aber wie er das tat, wird uns für immer ein Rätsel bleiben.
Alle Gemälde aus der Sammlung wurden sofort nach Berlin transportiert und von Berlin aus mit einem Sonderflug nach Moskau geliefert Staatliches Museum Kunstgeschichte. ALS. Puschkin, wer die Nachkriegszeit wurde ein Aufbewahrungsort für Kriegstrophäen und vertriebene Wertsachen.
Einige Gemälde mussten noch restauriert werden. Restaurierungsarbeiten wurden in der UdSSR durchgeführt, einige besonders beschädigte Gemälde wurden jedoch zur Restaurierung in die Deutsche Demokratische Republik geschickt. Nach der Restaurierung kehrten sie wieder in die UdSSR zurück.
Unglücklicherweise für ihre neuen Besitzer hatte die Sammlung Otto Krebs eine unangenehme Überraschung. Bei einer sorgfältigen Analyse der Gemälde stellte sich heraus, dass mehrere Werke von Henri Toulouse de Lautrec gefälscht waren oder überhaupt nicht zum Pinsel des berühmten Postimpressionisten gehörten. Aber ansonsten war alles in Ordnung, bis auf die Tatsache, dass die Sammlung Otto Krebs fünfzig Jahre lang (von 1945 bis 1995) in den "Magazinen" der Staatlichen Eremitage und der A.S. Puschkin und war für normale Zuschauer unzugänglich.
Im Februar 1995 wurden erstmals 63 Werke großer Künstler aus der Sammlung Otto Krebs in der Staatlichen Eremitage in der Ausstellung „Hidden Treasures“ präsentiert.
Natürlich gibt es auch heute noch viele Fragen und Unklarheiten rund um die Sammlung Otto Krebs. Auch die Frage nach der Anzahl der Werke in der Sammlung von Otto Krebs bleibt offen? Es ist ziemlich schwierig, darauf zu antworten. Die Sammlung war für die breite Öffentlichkeit geschlossen und stand erst recht nicht zum Studium und zur Verfügung wissenschaftliche Analysen. Nach verschiedenen Quellen umfasste die Sammlung 156 bis 211 Kunstwerke. Als die Sammlung von der sowjetischen Besatzungsmacht entdeckt wurde, umfasste sie bereits „etwa 100“ Werke. Bis heute sind 84 Gemälde aus der Sammlung Otto Krebs zuverlässig bekannt. Wie und wo könnten die anderen Gemälde verschwunden sein? Auf diese Frage gibt es keine Antwort, man kann nur vermuten, was mit ihnen passieren könnte.
Das erste, was mir in den Sinn kommt, ist, dass trotz des Vorhandenseins von Verstecken eine bestimmte Anzahl von Gemälden an den Wänden der Galerie verblieben ist. Und es waren diese Gemälde, die während des Krieges verschwinden oder zugrunde gehen konnten. Es ist auch nicht zu übersehen, dass es neben den beiden bekannten Caches noch andere gab, in denen sich der Rest der Sammlung befinden konnte.
Aber es gibt auch Hinweise darauf, dass einige Gemälde aus der Sammlung verschwinden könnten, nachdem sie hineingekommen sind Die Sowjetunion…. Mitte der neunziger Jahre wurde die breite Öffentlichkeit auf einen aufmerksam geheimnisvolle Geschichte verbunden mit dem Gemälde von Vincent van Gogh „Das Weiße Haus bei Nacht“ aus der Sammlung Otto Krebs. Das ist ein Bild " Spätzeit„Kreativität des Künstlers“, wurde 1890 von ihm geschrieben und gilt als eines der charakteristischsten Werke des Meisters. 1994 wandte sich in Prag ein gewisser Herr Novak an die Repräsentanz eines bekannten Auktionshauses mit der Bitte, die Echtheit eines Gemäldes festzustellen und seinen Wert zu bewerten. Als Fotos dieses Gemäldes in die Hände von Experten fielen, erkannten ausnahmslos alle Vincent van Goghs Meisterwerk „Das Weiße Haus bei Nacht“ darin. Damit war jedoch die Kommunikation zwischen den Auktionatoren und dem unbekannten Auftraggeber beendet. Herr Novak holte keinen weiteren Rat ein.
Einige Experten glauben, dass dieser mysteriöse Fall nichts weiter als ein Versuch ist Sowjetische Regierung Verkaufe ein Gemälde aus einer Trophäensammlung. Vielleicht wollten sie das Bild wertschätzen und erkennen“ Marktwert“, um es dann als Lend-Lease-Zahlung an amerikanische Geschäftsleute zu präsentieren, die ihre finanziellen Ressourcen investierten, um die zweite Front des Zweiten Weltkriegs zu eröffnen. Die amerikanische Geschäftswelt zögerte, sowjetische Rubel anzunehmen, akzeptierte jedoch bereitwillig Kunstwerke als Zahlungsmittel. Auf diese Weise gelangten Gemälde von Venetsianov, Vrubel, Kandinsky und anderen berühmten Künstlern aus Russland in die Vereinigten Staaten. Russische Künstler. Es ist möglich, dass zusammen mit unbezahlbare Werke Auch russische Künstler in den Vereinigten Staaten bekamen einige Gemälde aus den umgesiedelten Trophäensammlungen.
Obwohl sich Vincent van Goghs Meisterwerk Das Weiße Haus bei Nacht in der Staatlichen Eremitage befindet, gibt es Experten, die glauben, dass der Verkauf dieses Gemäldes stattgefunden hat. Wenn Sie das glauben, dann hängt das Museum nicht das Originalgemälde auf, sondern nur seine exakte Kopie. Ist das wirklich? Die Antwort auf diese Frage ist nach Durchführung der erforderlichen Prüfung einfach. Aber das tut noch niemand. Und unter den Kennern des Werks von Vincent van Gogh hat das Gemälde „Das Weiße Haus bei Nacht“ einen zweiten Namen – „Der mysteriöse Gefangene der Eremitage“.
Die Geschichte wäre unvollendet, wenn man nicht über die Absichten der deutschen Bürger sprechen würde, die Sammlung Otto Krebs zu restaurieren.
Nach dem Krieg wurde das Gut Holzdorf einem Truppenübungsplatz, dann einem Truppenübungsplatz übergeben Waisenhaus, nach unter dem Durchschnitt allgemeinbildende Schule. Im Laufe der Zeit verfielen die Mauern und Dächer der Gebäude. Ende des letzten Jahrhunderts beschloss eine Gruppe von Enthusiasten, das Anwesen so wiederherzustellen, wie es zu Lebzeiten von Otto Krebs war. Jetzt ist das Anwesen vollständig restauriert und empfängt jährlich Hunderte von Touristen.
Enthusiasten hörten hier nicht auf und haben jetzt begonnen, die Sammlung selbst neu zu erstellen. Habe schon mehrere gesammelt exakte Kopien Gemälde in der Sammlung. Hauptziel- Sammeln Sie Kopien aller Gemälde aus der Sammlung von Otto Krebs.
Eine Rückkehr der Sammlung nach Deutschland ist unwahrscheinlich. Dafür gibt es viele Gründe. Die Sammlung wird für immer in Russland bleiben und Kunstliebhaber in den Galerien des Museum of Fine Arts begeistern. A. S. Puschkin und die Staatliche Eremitage. Ich möchte wirklich, dass das Publikum, wenn es die Inschrift „Aus der Sammlung von Otto Krebs“ sieht, sich an den großen Mann erinnert, der unbezahlbar gesammelt und bewahrt hat Kunstwerke für die Nachwelt.