Führender Künstler der Frührenaissance. frühe Wiederbelebung

Befreit von religiösen und mystischen Inhalten, die sie fesseln, wird die Malerei zum Leben, zum Leben echte Bilder Realität, Mann. Neben den nach wie vor bedeutsamen Bildern der christlichen Mythologie und Antike sind heute lebende Menschen, die Helden unserer Zeit, Gegenstand der künstlerischen Darstellung. Die Künstler des 15. Jahrhunderts überwinden die gotische Abstraktion der Bilder und entwickeln die besten Eigenschaften von Giottos Malerei weiter, um einen weiten Weg des Realismus einzuschlagen. Die monumentale Freskenmalerei erlebt eine beispiellose Blüte.

Masaccio. Der Reformator der Malerei, der die gleiche Rolle wie in der Entwicklung von Brunelleschis Architektur und in der Bildhauerei Donatello spielte, war der Florentiner Masaccio, der nur 27 Jahre lebte (1401-1428), der einen Freskenzyklus schuf, der als diente Modell für mehrere Generationen italienischer Künstler, in denen sie die Fortsetzung der Suche nach einem verallgemeinerten heroischen Bild einer Person fanden, einer wahrheitsgetreuen Übertragung der Welt um sie herum. Der Tradition von Giotto folgend konzentriert sich der Künstler Masaccio auf das Bild einer Person und verstärkt seine harte Energie und Aktivität, den bürgerlichen Humanismus. Masaccio unternimmt einen entscheidenden Schritt in der Vereinigung von Figur und Landschaft, die er erstmals vorstellt Aerial Perspektive. In den Fresken von Masaccio wird der flache Bereich – die Szene in den Gemälden von Giotto – durch ein Bild eines echten tiefen Raums ersetzt; Die plastische Licht- und Schattenmodellierung von Figuren wird überzeugender und reicher, ihre Konstruktion ist stärker, ihre Eigenschaften vielfältiger. Und außerdem behält Masaccio die enorme moralische Kraft der Bilder, die in der Kunst Giottos fesselt.

Das Hauptwerk von Masaccio sind die Fresken in der Brancacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz, die Episoden aus der Petruslegende und zwei biblische Szenen – „Der Fall“ und „Vertreibung aus dem Paradies“ – darstellen.

Zu den unbestrittenen Werken von Masaccio gehört das Fresko „Vertreibung aus dem Paradies“. Vor dem Hintergrund einer sparsam umrissenen Landschaft sind die aus den Toren des Paradieses hervortretenden Figuren von Adam und Eva deutlich zu erkennen, über denen ein Engel mit Schwert in den Himmel schwebt. Dieses Fresko steht in auffallendem Kontrast zur Malerei des späten Trecento, dessen Tradition Florenz zur Zeit seiner Entstehung noch beherrschte. Masaccio lehnt den Haufen von Figuren und Objekten und kleinlichen Details ab und konzentriert sich auf den dramatischen Inhalt der Handlung, die Inszenierung und die plastische Modellierung der Figuren. Zum ersten Mal in der Geschichte der Renaissance-Malerei war Masaccio in der Lage, einen nackten Körper überzeugend zu formen, ihm die richtigen Proportionen zu geben, ihn fest und stabil auf den Boden zu stellen, wo zum ersten Mal in der Renaissance-Malerei nackte Figuren kraftvoll dargestellt wurden modelliert durch Seitenlicht. Besonders gelungen ist ihm die Figur des weit gehenden Adam, der vor Scham den Kopf neigt und sein Gesicht mit den Händen bedeckt. Der nach oben gewandte Kopf der weinenden Eva mit eingesunkenen Augen und einem dunklen Fleck eines weit geöffneten Mundes ist überraschend plakativ und pauschal geschrieben.

Einen etwas anderen Eindruck vermittelt das Paarfresko „Der Untergang“. Zwar ist auch hier die Gesamtidee lakonisch, die Figuren plastisch gestaltet. Allerdings entwickelt sich die Handlung hier schleppend und entbehrt völlig der inneren Spannung, die den Werken Masaccios üblicherweise innewohnt, die Figuren sind nicht so sicher gesetzt wie in Die Vertreibung aus dem Paradies und wirken statisch. Es ist möglich, dass dieses Fresko von Masolino ausgeführt wurde, der die Werke seines fortgeschritteneren und begabteren jüngeren Bruders nachahmte.

Die Fresken von Masaccio in der Brancacci-Kapelle sind von nüchternem Rationalismus durchdrungen. Sprechen Sie über die Wunder, die der hl. Peter entzieht Masaccio den Szenen, die er darstellt, jegliche Mystik. Sein Christus, Petrus und die Apostel sind irdische Menschen, ihre Gesichter sind individualisiert und mit einem Siegel versehen menschliche Gefühle Ihre Handlungen werden von natürlichen menschlichen Impulsen diktiert. Daher werden die von ihnen vollbrachten Wunder als Ergebnis der Bemühungen des menschlichen Willens und nicht als Eingriff der göttlichen Vorsehung wahrgenommen.

Masaccios Kompositionen zeichnen sich durch eine klare Entwicklung der Handlung aus. Im Fresko „Das Steuerwunder“ nimmt der zentrale Moment den ersten Moment der Geschichte ein, als Christus und seine Jünger vor den Toren der Stadt von einem Zöllner angehalten wurden, der die Zahlung von Eintrittsgeld verlangte. In dieser Gruppe sind drei Hauptfiguren klar zu unterscheiden - Christus, Petrus und der Zöllner. Der Sammler wurde von der Künstlerin von hinten gemalt, er steht fest auf dem Boden und versperrt Christus und den Aposteln den Weg. Das ist der Inbegriff von roher Gewalt. Er wird von Christus bekämpft, ruhig und majestätisch. Er zeigt auf den Fluss, der in der Nähe fließt, und befiehlt Peter, eine Münze aus dem Maul des Fisches zu holen, um Steuern zu zahlen. Der Moment des Wunders wird von der Künstlerin in den Hintergrund gerückt. Links in der Tiefe, hockend und über den Fluss gebeugt, öffnet Peter mit Mühe das Maul eines aus dem Wasser ragenden Fisches und holt eine Münze heraus. Auf der rechten Seite übergibt Peter dem Wärter die Münze. Die gesamte Komposition ist aus einem einzigen Blickwinkel geschrieben, die Köpfe der Charaktere sind am Horizont zu sehen. Die Figuren sind hintereinander im Raum angeordnet und vor dem Hintergrund einer Berglandschaft dargestellt, die sowohl maßstäblich als auch farblich gut mit ihnen korrespondiert. Masaccio verwendet hier nicht nur die Mittel der Linear-, sondern auch der Luftperspektive und weicht die Farben allmählich in die Tiefe.

Ebenfalls einfach und realistisch interpretiert von Masaccio sind die Folgen von "Almosenverteilung", "Heilung durch den Schatten", "Taufe der Neubekehrten". Die Gesichter der dargestellten Charaktere sind offenbar individualisiert, viele davon sind Porträts. Einzelne Figuren sind mit großer Beobachtungsgabe wiedergegeben, zum Beispiel ein nackter junger Mann, der in der Taufszene vor Kälte zittert.

Masaccio brach mit den dekorativen und narrativen Strömungen, die die Malerei in der zweiten Hälfte des 14. Jahrhunderts beherrschten. Er unternahm einen entscheidenden Schritt zur Vereinigung von Figur und Landschaft, indem er erstmals eine Luftperspektive und eine Linie des natürlichen Horizonts gab. Statt pompöser dekorativer Farbigkeit zeigt sich in den Gemälden und Fresken des Künstlers eine zurückhaltende und harmonische Farbgebung.

Castagno. Unter den Masaccio-Anhängern ragte Andrea del Castagno (um 1421-1457) heraus, der sich nicht nur für die plastischen Formen und perspektivischen Konstruktionen interessierte, die für die florentinische Malerei dieser Zeit charakteristisch waren, sondern auch für das Problem der Farbe. Die besten geschaffenen Bilder dieses unhöflichen, mutigen, unebenen Künstlers zeichnen sich von Natur aus durch heroische Stärke und unbändige Energie aus. So sind die Helden der Wandmalereien der Villa Pandolfini (um 1450, Florenz, die Kirche Santa Apollonia) - ein Beispiel für die Lösung eines weltlichen Themas. Figuren heben sich von grünen und dunkelroten Hintergründen ab herausragende Persönlichkeiten der Renaissance, darunter die Condottiere von Florenz: Farinata degli Uberti und Pippo Spano. Letzterer steht fest auf dem Boden, die Beine breit gespreizt, in Rüstung gekleidet, mit unbedecktem Kopf, mit einem gezogenen Schwert in seinen Händen; Dies ist eine lebhafte Person, voller hektischer Energie und Vertrauen in seine Fähigkeiten. Kraftvolle Licht- und Schattenmodellierung verleiht dem Bild eine plastische Kraft, Ausdruckskraft, betont die Schärfe individueller Merkmale, eine lebendige Porträtmalerei, die es in der italienischen Malerei noch nie gegeben hat.

Unter den Fresken der Kirche Santa Apollonia zeichnet es sich durch den Umfang des Bildes und die Schärfe der Merkmale aus. Das letzte Abendmahl"(1445-1450). Diese religiöse Szene - das Mahl Christi umgeben von Jüngern - wurde von vielen Künstlern geschrieben, die immer einer bestimmten Art der Komposition folgten. Castagno verließ diese Art der Konstruktion nicht, das lebendige Merkmal der Bilder, die Nationalität der Typen der Apostel und Christi, die tiefe Dramatik des Ausdrucks von Gefühlen, betont reiche und kontrastreiche Farbgebung.

Fra Beato Angelico. Frühe Arbeit Fra Beato steht stilistisch der spätgotischen Miniatur nahe und zeichnet sich durch die schwache Entwicklung räumlicher Beziehungen, die Dehnung und Krümmung der Figuren, die Gründlichkeit der Detailbearbeitung, die Fülle des Goldes und die Lokalität der Farben aus. Die Werke von Fra Beato sind von einem religiösen Gefühl durchdrungen, aber sie sind frei von der strengen Askese des Mittelalters. Die von ihm geschaffenen Bilder von Christus, Maria, Heiligen sind lyrisch und poetisch, die umgebende Natur ist dem Menschen nicht mehr feindlich gesinnt, sondern offenbart sich ihm in ihrer ganzen Schönheit.

Das vom Künstler nach 1524 gemalte Gemälde " Jüngstes Gericht„(Florenz, das Museum von San Marco) wirkt neben den Fresken von Masaccio noch sehr gotisch. Es fehlt die Einheit des Raumes, die Gesamtstruktur unterliegt dem alten ikonografischen Schema. Und doch ein Sinn für die Realität und Schönheit der Renaissance der Welt durchbricht, besonders im Bild des Reigens der Seligen, die auf den blumenübersäten Grasgärten von Eden tanzen. Es ist interessant, dass Fra Beato in diesem Bild versuchte, eine lineare Perspektive zu verwenden, aber es gelang ihm nicht das räumliche Prinzip in allen Teilen der Komposition beizubehalten.

Fra Beato Angelico blieb der künstlerischen Reform Masaccios nicht fremd. Nachdem ich für meine getan habe langes Leben große Entwicklung, er meistert darin spätere Werke Mittel zur Vermittlung von Volumen und Raum und geht zu einer allgemeineren Malweise über. Dies spiegelte sich zum Teil schon in seinem großen Freskenzyklus im Kloster San Marco in Florenz wider, in noch größerem Maße aber in den Malereien der Kapelle St. Nikolaus im Vatikan, der letzte gut gemacht Meister.

Paulo Uccello. Paolo Uccello (1397-1475) war zu Beginn seiner Tätigkeit mit der Kunst des späten Trecento verbunden, der sich dann leidenschaftlich für neue Probleme der Kunst interessierte, insbesondere für die Theorie der linearen Perspektive und das Problem der Darstellung einer Figur in komplexen Winkeln .

Er war Assistent in Ghibertis Werkstatt, während er noch an den Nordtüren des Baptisteriums arbeitete. Das früheste uns bekannte datierte Werk von Uccello ist ein Fresko, das den Condottiere John Hawkwood in der Kathedrale von Florenz (1436) darstellt. Anders als das erste dieser Werke, die ein Jahrhundert zuvor entstandenen Fresken von Simone Martini im Palazzo Publico in Siena, stellt Paolo Uccello nicht nur einen Condottiere auf einem Pferd dar, sondern ahmt gleichsam ein Reiterdenkmal nach. Uccello setzt bei seiner Konstruktion gekonnt die lineare Perspektive ein und erweckt so den Eindruck, als würde der Betrachter das Denkmal von unten nach oben betrachten. Monochrom, lakonisch verallgemeinert, sollte dieses Fresko nach der Intention des Künstlers gleichsam ein skulpturales Monument ersetzen.

Uccello ist auch als Autor des ersten Westerns bekannt Europäische Kunst monumentale Kampfszenen. Dreimal variierte Uccello Kompositionen mit Episoden aus der Schlacht von San Romano, wobei er enthusiastisch farbenfrohe Pferde und Reiter in einer Vielzahl von perspektivischen Schnitten und Wendungen darstellte. Neben der bekannten Archaik der Manier zeigen sie auch die bis zum Exzess reichende Leidenschaft des Künstlers für Perspektiven und Winkel.

Nicht minder bezeichnend sind die schlecht erhaltenen Fresken Uccellos in der Kirche Saita Maria Novella, in denen sich eine kleinteilige, miniaturhafte Technik und eine Fülle von Details mit einem Interesse an Raumdarstellung und einer kühnen Winkelentscheidung verbinden.

Domenico Veneziano. Domenico Veneziano (ca. 1410-1461) steht in der Kunst des Florenz der ersten Hälfte des 15. Jahrhunderts etwas abseits. Der gebürtige Venezianer begegnete offenbar in seiner Jugend der holländischen Miniatur, die in ihm ein Interesse für das Problem der Farbe, des Lichts und der Übertragung der Textur der Dinge weckte. Er stand der archaischen Kunst Angelicos näher als Masaccios. Seine Figuren sind strukturlos, perspektivische Konstruktionen nicht immer korrekt. Gleichzeitig sind Venezianos Werke von subtiler Lyrik durchzogen und von der Poesie des Lichts und der Farbe durchdrungen. Die Farbe nimmt in seinen Bildern eine führende Rolle ein, mit ihrer Hilfe vermittelt er Raum, Luft, Form und Licht, verbindet Figuren mit der Umgebung. Als einer der ersten in Italien begann er, Technologie einzusetzen Ölgemälde. Zu seinen besten Werken zählen die „Anbetung der Heiligen Drei Könige“ (Berlin, Dahlem), „Madonna mit Heiligen“ (Florenz, Uffizien).

Im 15. Jahrhundert erlangte die Porträtgattung eine eigenständige Bedeutung. Weit verbreitet ist die von antiken Medaillen inspirierte Profilgestaltung, die eine Verallgemeinerung und Verherrlichung des Bildes der Porträtierten ermöglicht. Eine präzise Linie zeichnet ein scharf charakteristisches Profil in " Porträt einer Frau"(Mitte 15. Jahrhundert, Berlin-Dahlem, Bildergalerie). In der Harmonie von Licht, leuchtenden Farben, transparent, luftig, weicher werdenden Konturen erreicht der Künstler eine lebendige unmittelbare Ähnlichkeit und zugleich eine subtile koloristische Einheit.

Philipp Lippi. Fra Filippo Lippi (ca. typischer Vertreter der Frührenaissance, der die klösterliche Soutane in den hektischen Beruf eines Wanderkünstlers verwandelte. In sanften lyrischen Bildern – „Madonna unter dem Schleier“ (um 1465, Florenz, Uffizien) – hielt der Maler und flüchtige Mönch Filippo Lippi die berührend weibliche Erscheinung seiner Geliebten Lucrezia Buti fest, die ein rundliches Baby bewundert.

Florentiner Malerei. Es entwickelt sich in Florenz auf komplexe Weise letztes Drittel Malerei der Frührenaissance des 15. Jahrhunderts, in der die vielschichtigen Probleme des Renaissance-Realismus vielfältige Lösungen erhalten – von monumental-episch, heroisch bis genre-erzählerisch, erhaben poetisch und lyrisch. Das wachsende Interesse an alltäglichen Motiven, an den Details der Situation, verleiht den malerischen Kompositionen den Charakter eines Genres. Figuren von Menschen erhalten eine größere Harmonie der Proportionen und Flexibilität.

Ghirlandaio. Im Werk von Domenico Ghirlandaio (1449-1494) und vor allem in seinen Fresken fasst sich die Suche der Künstler der Frührenaissance zusammen; darin agiert er als aufmerksamer Schreiber des Alltagslebens des Florentiner Patriziats, das sich geistige Klarheit bewahrte, einen ruhigen, aufmerksamen Blick auf die Welt. Die Fresken wurden im Auftrag der Medici-Familie und ihrer Angehörigen geschrieben und haben einen narrativen Charakter, der mit Feierlichkeit und Dekoration, Interesse an alltäglichen Details, der Übertragung von Licht und Raum kombiniert wird. Sie enthalten oft Porträts von Kunden.

Der Traditionalismus der Kunst von Ghirlandaio zeigt sich im Gemälde der Ognissanti-Kirche „Das letzte Abendmahl“ (1480). Er wiederholt die von seinen Vorgängern gefundene Komposition, fasst die Figuren der Apostel zu Gruppen zusammen, zeigt stärker die Zwiespältigkeit der Situation und achtet auf die Charakterisierung des Handlungsortes. Das Hauptwerk von Ghirlandaio sind die Fresken der Kirche Santa Maria Novella (1485-1490) mit Szenen aus dem Leben von Maria und Johannes dem Täufer.

In mehreren Rängen übereinander angeordnet, werden sie in seiner Interpretation im Wesentlichen zu feierlichem Zeremoniell häusliche Szenen modernes Leben der Bürger. Die Handlung spielt entweder auf der Straße oder im Inneren eines reichen Hauses. Auf dem Fresko „Die Geburt Mariens“ sind unter denen, die die Gebärende besuchten, Florentiner Damen dargestellt, die nach damaliger Mode gekleidet waren, angeführt von der Tochter des Patriziers Tornabuoni.

Unter anderem zeichnet sich Ghirlandaio durch seine sanfte Menschlichkeit und Wärme aus, „Porträt eines alten Mannes mit einem Enkel“ (Paris, Louvre), in dem kindliche Naivität und Charme dem verblassenden Alter gegenüberstehen, verwandelt durch tiefe Zärtlichkeit und Fürsorge für das Kind .

Botticelli. Wenn die Kunst von Ghirlandaio eine Verbindung mit der Tradition der Malerei zu Beginn des 15 ). Der poetische Charme seiner Bilder, ihre tiefe Spiritualität verbinden sich in späteren Werken mit tragischer Attitüde und schmerzlicher Gebrochenheit.

Die frühen Werke Botticellis sind von sanfter Lyrik und Heiterkeit geprägt. Neben religiösen Kompositionen malt er voller Porträts Innenleben, spirituelle Reinheit, Charme. Seine berühmtesten reifen Gemälde - "Frühling" (um 1480) und "Die Geburt der Venus" (um 1484, beide - Florenz, Uffizien) - wurden von der Poesie des Medici-Hofdichters A. Poliziano inspiriert und zeichnen sich durch originelle Interpretation aus der Handlungen und Bilder antiker Mythen, verwirklicht durch eine tiefe persönliche poetische Haltung.

In dem Gemälde „Die Geburt der Venus“ gelingt Botticelli eine organische Verbindung von sinnlicher Schönheit und erhabener Spiritualität. Er stärkt die dekorativen Merkmale und führt die bedingte Technik der Vergoldung der Haare der Göttin ein, die in einem komplexen linearen Muster miteinander verflochten sind. Funkelndes Gold bereichert die exquisite Brillanz des Bildes, kombiniert mit den grünlich transparenten Tönen des Meeres, dunkel, satt - Pflanzen und blau - der Himmel. Die Schnelligkeit des linearen Rhythmus, die Reinheit und Zartheit kalter Töne lassen ein Gefühl der Zerbrechlichkeit entstehen, die Zerbrechlichkeit eines schönen Ideals. Und die fliegenden Marshmallows und die Nymphe, die ihren Mantel vor der Venus entfaltet, und die Göttin selbst mit ihrem nachdenklich traurigen Gesicht, in dem sich verborgene Gefühlsbewegungen durchschleichen, werden als Bilder wahrgenommen, die die Natur inspirieren.

Feine anmutige Züge weiblicher Typ, die Botticelli in Venus und Frühling gefunden hat, ist auch in den vom Künstler geschaffenen Madonnenbildern wiederzuerkennen. Das berühmteste von ihnen ist das "Magnificat" ("Madonna in Glory", 1481, Florenz, Uffizien), das von Engeln umgeben präsentiert wird, die sie krönen. Die in einen Kreis eingeschriebene Komposition nimmt den Rahmen mit seinen Linien auf. Botticelli findet die komplexesten musikalischen linearen Rhythmen im Aufbau von Kompositionen; die linie ist für ihn das wichtigste mittel emotionaler ausdruckskraft. Gleichzeitig fühlt und vermittelt Botticelli im Gegensatz zu den meisten florentinischen Malern die Schönheit exquisiter Farbkombinationen perfekt.

Renaissance (Renaissance). Italien. 15-16 Jahrhunderte. Frühkapitalismus. Das Land wird von wohlhabenden Bankiers regiert. Sie interessieren sich für Kunst und Wissenschaft.

Die Reichen und Mächtigen scharen die Talentierten und Weisen um sich. Dichter, Philosophen, Maler und Bildhauer führen täglich Gespräche mit ihren Gönnern. Für einen Moment schien es, als würden die Menschen von Weisen regiert, wie es Platon wollte.

Sie erinnerten sich an die alten Römer und Griechen. Was auch eine Gesellschaft freier Bürger aufbaute. Wobei der Hauptwert eine Person ist (natürlich ohne Sklaven).

Die Renaissance kopiert nicht nur die Kunst der alten Zivilisationen. Dies ist eine Mischung. Mythologie und Christentum. Realismus der Natur und Aufrichtigkeit der Bilder. Körperliche Schönheit und geistige Schönheit.

Es war nur ein Blitz. Zeitraum Hochrenaissance- das sind ungefähr 30 Jahre! Von den 1490er bis 1527 Vom Beginn der Blüte von Leonardos Kreativität. Vor der Plünderung Roms.

Fata Morgana ideale Welt schnell verblasst. Italien war zu zerbrechlich. Sie wurde bald von einem anderen Diktator versklavt.

Diese 30 Jahre bestimmten jedoch die Grundzüge der europäischen Malerei für 500 Jahre in der Zukunft! Bis zu .

Bildrealismus. Anthropozentrismus (wenn eine Person die Hauptfigur und der Held ist). Geradlinige Perspektive. Ölfarben. Porträt. Landschaft…

Unglaublicherweise haben in diesen 30 Jahren mehrere brillante Meister gleichzeitig gearbeitet. Die in anderen Zeiten alle 1000 Jahre geboren werden.

Leonardo, Michelangelo, Raffael und Tizian sind die Titanen der Renaissance. Aber es ist unmöglich, ihre beiden Vorgänger nicht zu erwähnen. Giotto und Masaccio. Ohne die es keine Renaissance geben würde.

1. Giotto (1267-1337)

14. Jahrhundert Proto-Renaissance. Seine Hauptfigur ist Giotto. Dies ist ein Meister, der die Kunst im Alleingang revolutioniert hat. 200 Jahre vor der Hochrenaissance. Ohne ihn wäre die Ära, auf die die Menschheit so stolz ist, kaum gekommen.

Vor Giotto gab es Ikonen und Fresken. Sie wurden nach den byzantinischen Kanonen geschaffen. Gesichter statt Gesichter. flache Figuren. Proportionale Diskrepanz. Anstelle einer Landschaft - ein goldener Hintergrund. Wie zum Beispiel auf diesem Symbol.

Und plötzlich erscheinen Giottos Fresken. Sie haben große Figuren. Gesichter edle Leute. Traurig. Traurig. Überrascht. Alt und Jung. Anders.

Fresken von Giotto in der Scrovegni-Kirche in Padua (1302-1305). Links: Beweinung Christi. Mitte: Kuss des Judas (Detail). Rechts: Verkündigung der heiligen Anna (Marias Mutter), Fragment.

Die Hauptschöpfung von Giotto ist ein Zyklus seiner Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua. Als diese Kirche für Gemeindemitglieder geöffnet wurde, strömten Menschenmassen hinein. Weil sie so etwas noch nie gesehen haben.

Immerhin hat Giotto etwas noch nie Dagewesenes getan. Er hat die biblischen Geschichten sozusagen ins Einfache übersetzt verständliche Sprache. Und sie sind viel zugänglicher geworden. gewöhnliche Menschen.

Das wird für viele Meister der Renaissance charakteristisch sein. Lakonismus der Bilder. Live-Emotionen der Charaktere. Realismus.

Lesen Sie mehr über die Fresken des Meisters im Artikel.

Giotto wurde bewundert. Aber seine Innovationen wurden nicht weiterentwickelt. Die Mode für den internationalen Gothic kam nach Italien.

Erst nach 100 Jahren erscheint ein Meister, ein würdiger Nachfolger Giottos.

2. Masaccio (1401-1428)

Anfang des 15. Jahrhunderts. Die sogenannte Frührenaissance. Ein weiterer Innovator betritt die Szene.

Masaccio war der erste Künstler, der die lineare Perspektive verwendete. Es wurde von seinem Freund, dem Architekten Brunelleschi, entworfen. Nun ist die abgebildete Welt der realen ähnlich geworden. Spielzeugarchitektur gehört der Vergangenheit an.

Er übernahm den Realismus von Giotto. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger kannte er sich jedoch bereits gut mit Anatomie aus.

Anstelle von blockigen Charakteren ist Giotto wunderschön gebaute Menschen. Genau wie die alten Griechen.

Masaccio lebte ein kurzes Leben. Er starb, wie sein Vater, unerwartet. Mit 27 Jahren.

Er hatte jedoch viele Anhänger. Meister der folgenden Generationen gingen in die Brancacci-Kapelle, um von seinen Fresken zu lernen.

So wurden die Innovationen von Masaccio von allen großen Titanen der Hochrenaissance aufgegriffen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci ist einer der Titanen der Renaissance. Was die Entwicklung der Malerei kolossal beeinflusste.

Er war es, der den Status des Künstlers selbst erhöhte. Dank ihm sind Vertreter dieses Berufs nicht mehr nur Handwerker. Dies sind die Schöpfer und Aristokraten des Geistes.

Leonardo gelang vor allem in der Porträtmalerei der Durchbruch.

Er glaubte, dass nichts vom Hauptbild ablenken sollte. Das Auge sollte nicht von einem Detail zum anderen wandern. So entstanden seine berühmten Porträts. Prägnant. Harmonisch.

Die wichtigste Neuerung von Leonardo ist, dass er einen Weg gefunden hat, Bilder ... lebendig zu machen.

Vor ihm sahen die Figuren auf den Porträts aus wie Schaufensterpuppen. Die Linien waren klar. Alle Details sind sorgfältig gezeichnet. Eine gemalte Zeichnung kann unmöglich lebendig sein.

Aber dann erfand Leonardo die Sfumato-Methode. Er verwischte die Linien. Den Übergang von Licht zu Schatten sehr weich gemacht. Seine Figuren scheinen in einen kaum wahrnehmbaren Schleier gehüllt zu sein. Die Charaktere erwachten zum Leben.

Seitdem wird Sfumato in das aktive Vokabular aller großen Künstler der Zukunft eingehen.

Es wird oft geglaubt, dass Leonardo natürlich ein Genie ist. Aber er konnte nichts vollenden. Und er malte oft nicht zu Ende. Und viele seiner Projekte blieben auf Papier (übrigens in 24 Bänden). Im Allgemeinen wurde er in die Medizin geworfen, dann in die Musik. Und sogar die Kunst des Dienens war einst beliebt.

Denken Sie jedoch selbst. 19 Gemälde. Und er - größter Künstler alle Zeiten und Völker. Einige von ihnen sind nicht einmal annähernd groß. Gleichzeitig hat er in seinem Leben 6000 Leinwände geschrieben. Offensichtlich hat wer eine höhere Effizienz.

Lesen Sie im Artikel über das berühmteste Gemälde des Meisters.

4. Michelangelo (1475-1564)

Michelangelo betrachtete sich als Bildhauer. Aber er war universeller Meister. Wie seine anderen Renaissance-Kollegen. Daher ist sein bildnerisches Erbe nicht weniger grandios.

Er ist vor allem an körperlich entwickelten Charakteren erkennbar. Weil er den perfekten Mann dargestellt hat. In der körperliche Schönheit geistige Schönheit bedeutet.

Deshalb sind alle seine Charaktere so muskulös und robust. Sogar Frauen und alte Leute.

Michelangelo. Fragmente des Freskos des Jüngsten Gerichts in der Sixtinischen Kapelle, Vatikan.

Oft malte Michelangelo die Figur nackt. Und dann fügte ich Kleidung oben hinzu. Um den Körper so geprägt wie möglich zu machen.

Die Decke der Sixtinischen Kapelle hat er selbst bemalt. Obwohl dies ein paar hundert Zahlen sind! Er ließ nicht einmal jemanden die Farbe reiben. Ja, er war ein Einzelgänger. Einen steilen und streitsüchtigen Charakter besitzen. Aber vor allem war er unzufrieden mit ... sich selbst.

Michelangelo lebte ein langes Leben. Den Untergang der Renaissance überleben. Für ihn war es persönliche Tragödie. Seine späteren Werke sind voller Traurigkeit und Trauer.

Mach einfach kreative Weise Michelangelo ist einzigartig. Seine frühen Werke sind das Lob des menschlichen Helden. Frei und mutig. In bester Tradition antikes griechenland. Wie sein David.

IN letzten Jahren Leben sind tragische Bilder. Ein absichtlich grob behauener Stein. Als hätten wir Denkmäler für die Opfer des Faschismus des 20. Jahrhunderts vor uns. Schauen Sie sich seine "Pieta" an.

Skulpturen von Michelangelo in der Akademie Bildende Kunst in Florenz. Links: David. 1504 Rechts: Pietà von Palestrina. 1555

Wie ist das möglich? Ein Künstler hat in seinem Leben alle Kunststufen von der Renaissance bis ins 20. Jahrhundert durchlaufen. Was zu tun ist nächsten Generationen? Nun, geh deinen eigenen Weg. Zu wissen, dass die Messlatte sehr hoch gelegt wurde.

5. Raffael (1483-1520)

Raphael wurde nie vergessen. Sein Genie wurde immer anerkannt. Und während des Lebens. Und nach dem Tod.

Seine Figuren sind mit sinnlicher, lyrischer Schönheit ausgestattet. Er gilt zu Recht als der Schönste weibliche Bilder jemals geschaffen. Ihre äußere Schönheit spiegelt die spirituelle Schönheit der Heldinnen wider. Ihre Sanftmut. Ihr Opfer.

Die berühmten Worte „Schönheit wird die Welt retten“ sagte Fjodor Dostojewski genau über. Es war sein Lieblingsbild.

Sinnliche Bilder sind jedoch nicht die einzige Stärke Raffaels. Er dachte sehr sorgfältig über die Komposition seiner Bilder nach. Er war ein unübertroffener Architekt in der Malerei. Außerdem fand er immer die einfachste und harmonischste Lösung in der Raumorganisation. Es scheint, dass es nicht anders sein kann.

Rafael lebte nur 37 Jahre. Er starb plötzlich. Von einer Erkältung und medizinischer Fehler. Aber sein Vermächtnis ist nicht zu überschätzen. Viele Künstler vergötterten diesen Meister. Multiplikation seiner sinnlichen Bilder in Tausenden seiner Leinwände..

Tizian war ein unübertroffener Kolorist. Er experimentierte auch viel mit Komposition. Im Allgemeinen war er ein mutiger und kluger Erneuerer.

Für solch ein brillantes Talent liebten ihn alle. Genannt "König der Maler und Maler der Könige".

Apropos Tizian, ich möchte nach jedem Satz setzen Ausrufezeichen. Schließlich war er es, der Dynamik in die Malerei brachte. Pathos. Begeisterung. grelle Farbe. Glanz der Farben.

Gegen Ende seines Lebens entwickelte er eine ungewöhnliche Schreibtechnik. Die Schläge sind schnell. Dick. pastös. Die Farbe wurde entweder mit einem Pinsel oder mit den Fingern aufgetragen. Dadurch werden die Bilder noch lebendiger und atmen. Und die Handlungen sind noch dynamischer und dramatischer.

Erinnert dich das an nichts? Natürlich ist es eine Technik. Und die Technik der Künstler des 19. Jahrhunderts: Barbizon und. Tizian wird wie Michelangelo in einem Leben 500 Jahre Malerei durchlaufen. Deshalb ist er ein Genie.

UM berühmtes Meisterwerk Lesen Sie den Assistenten im Artikel.

Renaissance-Künstler sind Künstler mit großem Wissen. Um ein solches Vermächtnis zu hinterlassen, musste man viel wissen. Im Bereich Geschichte, Astrologie, Physik und so weiter.

Daher regt uns jedes ihrer Bilder zum Nachdenken an. Warum wird es angezeigt? Was ist die verschlüsselte Nachricht hier?

Daher liegen sie fast nie falsch. Weil sie ihre zukünftige Arbeit gründlich durchdacht haben. Mit all dem Gepäck ihres Wissens.

Sie waren mehr als Künstler. Sie waren Philosophen. Uns die Welt durch Malerei erklären.

Deshalb werden sie für uns immer hochinteressant sein.

Die gleiche Entwicklung wie die Bildhauerei durchläuft die Malerei der Frührenaissance. Während der Renaissance wurden viele berühmte Weltdenkmäler der Architektur gebaut. Die Frührenaissance (14.-15. Jahrhundert) in der Kunst Italiens wird hauptsächlich mit Florenz in Verbindung gebracht, wo die Medici die Humanisten und alle Künste förderten. Die große Rolle, die Brunelleschi in der Architektur der Frührenaissance und Donatello in der Bildhauerei spielte, gehörte Masaccio (1401-1428) in der Malerei.

Zu Beginn des XV Jahrhunderts. Die Florentiner Schule ist die Avantgarde der humanistischen Kunst der Renaissance. Daher der Geist der Ordnung und des Maßes, der für die Kunst der Renaissance so charakteristisch ist. Heidnische und christliche Handlungen werden miteinander verflochten, transformiert und verleihen der Kultur der Renaissance einen besonders komplexen Charakter.

Arbeitete der Künstler in der Zeit der Proto-Renaissance nach Intuition, so rückte die Zeit der Frührenaissance mit exakten wissenschaftlichen Erkenntnissen in den Vordergrund. Der erste Theoretiker auf dem Gebiet der Malerei und Architektur war Leon Battista Alberti (1404-1472). Kunst der Renaissance, Hauptthema die der Mann-Held wurde, verbreitete sich allmählich in ganz Italien.

Kathedrale Santa Maria del Fiore

Der Name Alberti gilt zu Recht als einer der ersten unter den großen Schöpfern der Kultur der italienischen Renaissance. Seine theoretischen Schriften, seine künstlerische Praxis, seine Ideen und schließlich seine Persönlichkeit als Humanist spielten ausschließlich wichtige Rolle in der Entstehung und Entwicklung der Kunst der Frührenaissance.

In der Kunst Venedigs dominierten lange Zeit byzantinische Traditionen und gotische Einflüsse. Der Einfluss von Donatellos Arbeit auf die Entwicklung Italienische Kunst Die Renaissance war riesig. Die harte und mutige Kunst von Masaccio hatte einen großen Einfluss auf die künstlerische Kultur der Renaissance, insbesondere auf die Arbeit von Piero della Francesca und Michelangelo.

Anders als die meisten Meister der frühen Renaissance basierte Botticellis Kunst auf persönlichen Erfahrungen. Stilgeschichte der Kunst und Tracht. Im XV Jahrhundert. Die italienische Renaissance tritt in die Quattrocento-Periode ein, in der die Grundprinzipien des "neuen Stils" dominieren. Die Frührenaissance ist geprägt von der Entstehung und dem Aufstieg verschiedener territorialer Formen Kunstschulen, ihre aktive Interaktion und kämpfen.

St. Pauls Kathedrale

Der Geist der Frührenaissance manifestierte sich auch im Interesse an der Antike, an ihren Ideen und Bildern, an den Handlungen der heidnischen Mythologie, deren Berufung im Mittelalter verboten war.

Nach der Plünderung Roms durch kaiserliche Truppen im Jahr 1527 geriet die italienische Renaissance in eine Krisenzeit. Nicht weniger realistisch ist die Interpretation der Szene „Vertreibung aus dem Paradies“, in der erstmals in der Renaissance-Malerei nackte Gestalten dargestellt werden, kraftvoll modelliert durch Streiflicht. Anschließend verbreiteten sich die Ideen der Renaissance in ganz Europa.

Diese Arbeit von Brunelleschi hatte einen großen Einfluss auf weitere Entwicklung Architektur nicht nur in Italien selbst, sondern in ganz Europa. Ein weiteres erkennbares Meisterwerk der Renaissance-Architektur ist die Kathedrale von Florenz. Es beherbergt auch viele Relikte und Kunstwerke, darunter die berühmte „Pieta“ von Michelangelo.

Anhand der Naturähnlichkeit und des Augenmaßes entsteht ein neues Kriterium für die Bewertung des Schönen. In der Kunst wird besonderes Augenmerk auf die plastische Ausarbeitung von Formen und Zeichnungen gelegt. Im 15. Jahrhundert Italienische Künstler löste das Problem der geradlinigen Perspektive, das in der Kunst des Trecento gereift ist.

Sandro Botticelli

Der Einfluss der Antike überlagert jedoch die jahrhundertealten und starken Traditionen des Mittelalters, die christliche Kunst. Die Kunst begann, die Rolle des universellen Wissens über die umgebende Welt zu erfüllen. Im XV Jahrhundert. eine Reihe kunstwissenschaftlicher Abhandlungen erschien.

Er entwickelte die Theorie der linearen Perspektive, einer wahrheitsgetreuen Darstellung der Raumtiefe in einem Bild. Die Träume der Humanisten von der "idealen Stadt" bildeten die Grundlage für neue Prinzipien der Stadtplanung und Architektur. In den Gebäuden dieser Zeit tritt ein Gefühl der Harmonie in den Vordergrund. Filippo Brunelleschi (1377-1446), ein Architekt, Bildhauer und Wissenschaftler, einer der Schöpfer der wissenschaftlichen Theorie der Perspektive, wurde zum Vorfahren der italienischen Renaissance-Architektur.

Die Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore wurde zum Vorläufer zahlreicher Kuppelkirchen in Italien und anderen europäischen Ländern. Brunelleschi war einer der ersten in der italienischen Architektur, der das alte Ordnungssystem kreativ erfasste und ursprünglich interpretierte, und legte den Grundstein für die Schaffung einer Kuppelkirche auf der Grundlage der alten Ordnung. Eine der wichtigsten Errungenschaften Italienische Architektur 15. Jahrhundert war die Schaffung eines neuen Typs von Stadtpalästen, die als Vorbild für öffentliche Bauten späterer Zeit dienten.

Leon Battista Alberti (1404-72) nimmt einen besonderen Platz in der Geschichte der italienischen Architektur ein. In Norditalien verlief die Entwicklung der Renaissancekunst auf unterschiedlichen Wegen. Auch Lombardo und Coduccio errichteten Kultbauten in Venedig. Im XV Jahrhundert. Die italienische Skulptur, die unabhängig von der Architektur eine eigenständige Bedeutung erlangt hat, blüht auf. Die Praxis des künstlerischen Lebens begann, Aufträge von wohlhabenden Handwerkern und Kaufleuten zur Dekoration öffentlicher Gebäude einzuschließen; Kunstwettbewerbe stattfinden.

Einer der meisten gebildete Leute Ghiberti, der erste Historiker der italienischen Kunst seiner Zeit, ein brillanter Zeichner, widmete sein Leben einer Art von Skulptur - dem Relief. Als Hauptprinzip seiner Kunst betrachtete Ghiberti das Gleichgewicht und die Harmonie aller Elemente des Bildes. Die Ghiberti-Werkstatt wurde zur Schule für eine ganze Generation von Künstlern, insbesondere der berühmte Donatello, der große Reformator der italienischen Bildhauerei, arbeitete dort.

Das Quattrocento (oder Frührenaissance) war eine Zeit der experimentellen Forschung. Der dritte Band Allgemeine Geschichte Arts“ widmet sich ganz der Kunst der Renaissance. Eine besondere Stellung in der Malerei der Frührenaissance nimmt Sandro Botticelli (1445-1510) ein, ein Zeitgenosse von Leonardo da Vinci und dem jungen Michelangelo.

Die Renaissance ist ein phänomenales Phänomen in der Geschichte der Menschheit. Nie wieder hat es im Bereich der Kunst einen so fulminanten Blitz gegeben. Bildhauer, Architekten und Künstler der Renaissance (die Liste ist lang, aber wir werden die berühmtesten ansprechen), deren Namen jedem bekannt sind, gaben der Welt einen unschätzbaren Wert.Einzigartige und außergewöhnliche Menschen zeigten sich nicht auf einem Gebiet, sondern auf mehreren auf einmal.

Malerei der Frührenaissance

Die Renaissance hat einen relativen Zeitrahmen. Es begann zuerst in Italien - 1420-1500. Zu dieser Zeit unterscheidet sich die Malerei und die gesamte Kunst im Allgemeinen nicht wesentlich von der jüngsten Vergangenheit. Allerdings tauchen erstmals Elemente aus der klassischen Antike auf. Und erst in den Folgejahren verlassen Bildhauer, Architekten und Künstler der Renaissance (deren Liste sehr umfangreich ist) unter dem Einfluss moderner Lebensbedingungen und fortschrittlicher Trends endgültig die mittelalterlichen Fundamente. Sie greifen mutig zu den Waffen die besten Proben antike Kunst für ihre Werke, sowohl im Allgemeinen als auch in einzelnen Details. Ihre Namen sind vielen bekannt, konzentrieren wir uns auf die klügsten Persönlichkeiten.

Masaccio - das Genie der europäischen Malerei

Er war es, der einen großen Beitrag zur Entwicklung der Malerei leistete und ein großer Reformer wurde. Der Florentiner Meister wurde 1401 in eine Familie von Kunsthandwerkern hineingeboren, daher lagen ihm Geschmackssinn und Schaffensdrang im Blut. Im Alter von 16-17 Jahren zog er nach Florenz, wo er in Werkstätten arbeitete. Donatello und Brunelleschi, die großen Bildhauer und Architekten, gelten als seine Lehrer. Die Kommunikation mit ihnen und die erworbenen Fähigkeiten konnten sich nur auswirken junger Maler. Von Anfang an entlehnte Masaccio ein neues Verständnis der menschlichen Persönlichkeit, das für die Skulptur charakteristisch ist. Beim zweiten Meister - die Grundlage Als erstes gesichertes Werk halten die Forscher das Triptychon von San Giovenale (auf dem ersten Foto), das in einer kleinen Kirche in der Nähe des Geburtsortes von Masaccio entdeckt wurde. Das Hauptwerk sind die Fresken, die der Lebensgeschichte des heiligen Petrus gewidmet sind. Der Künstler war an der Entstehung von sechs von ihnen beteiligt, nämlich: „Das Wunder mit dem Stater“, „Die Vertreibung aus dem Paradies“, „Die Taufe der Neophyten“, „Die Verteilung des Eigentums und der Tod des Hananias“, „Die Auferstehung“. von Theophilus' Sohn", "Heiliger Petrus heilt die Kranken mit seinem Schatten" und "Heiliger Petrus auf der Kanzel".

Italienische Künstler der Renaissance sind Menschen, die sich ganz der Kunst verschrieben haben und sich nicht um alltägliche Probleme gekümmert haben, was sie manchmal zu einer ärmlichen Existenz geführt hat. Masaccio ist da keine Ausnahme: Der brillante Meister starb sehr früh, im Alter von 27-28 Jahren, und hinterließ große Werke und große Menge Schulden.

Andrea Mantegna (1431-1506)

Dies ist ein Vertreter der Malerschule von Padua. Die handwerklichen Grundlagen erhielt er von seinem Adoptivvater. Der Stil wurde unter dem Einfluss der Werke von Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello und der venezianischen Malerei geformt. Dies bestimmte die etwas schroffe und schroffe Art von Andrea Mantegna gegenüber den Florentinern. Er war ein Sammler und Kenner kultureller Werke der Antike. Dank seines einzigartigen Stils wurde er als Innovator berühmt. Seine bekanntesten Werke sind: „Der tote Christus“, „Cäsars Triumph“, „Judith“, „Kampf der Meeresgötter“, „Parnassus“ (im Bild) usw. Von 1460 bis zu seinem Tod war er als Hofmaler in der Familie der Herzöge von Gonzaga tätig.

Sandro Botticelli (1445-1510)

Botticelli ist ein Pseudonym echter Name- Filipepi. Er wählte nicht sofort den Weg eines Künstlers, sondern studierte zunächst Schmuckherstellung. Erste unabhängige Arbeit(mehrere „Madonnen“) ist der Einfluss von Masaccio und Lippi zu spüren. Künftig glorifizierte er sich auch als Porträtmaler, der Großteil der Aufträge kam aus Florenz. Die raffinierte und raffinierte Art seiner Arbeit mit Elementen der Stilisierung (Verallgemeinerung von Bildern mit konventionellen Techniken - Einfachheit von Form, Farbe, Volumen) unterscheidet ihn von anderen Meistern dieser Zeit. Ein Zeitgenosse von Leonardo da Vinci und der junge Michelangelo haben die Weltkunst stark geprägt („Die Geburt der Venus“ (Foto), „Frühling“, „Anbetung der Könige“, „Venus und Mars“, „Weihnachten“ usw.). .). Seine Malerei ist aufrichtig und sensibel, und Lebensweg komplex und tragisch. Die romantische Wahrnehmung der Welt in jungen Jahren wurde durch Mystik und religiöse Erhebung im Erwachsenenalter ersetzt. Die letzten Jahre seines Lebens lebte Sandro Botticelli in Armut und Vergessenheit.

Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)

Ein italienischer Maler und ein weiterer Vertreter der Frührenaissance, ursprünglich aus der Toskana. Der Stil des Autors wurde unter dem Einfluss der Florentiner Malschule geformt. Neben dem Talent der Künstlerin verfügte Piero della Francesca über herausragende Fähigkeiten auf dem Gebiet der Mathematik und widmete ihr die letzten Jahre seines Lebens, um sie mit der hohen Kunst zu verbinden. Das Ergebnis waren zwei wissenschaftliche Abhandlungen: „Über die Perspektive in der Malerei“ und „Das Buch der fünf richtigen Körper“. Sein Stil zeichnet sich durch Feierlichkeit, Harmonie und Adel der Bilder, kompositorische Ausgewogenheit, präzise Linien und Konstruktion, weiche Farbpalette aus. Piero della Francesca verfügte über eine erstaunliche Kenntnis der technischen Seite der Malerei und der Besonderheiten der Perspektive für die damalige Zeit, die ihm unter seinen Zeitgenossen hohes Ansehen einbrachte. Die berühmtesten Werke: „Die Geschichte der Königin von Saba“, „Die Geißelung Christi“ (im Bild), „Der Altar von Montefeltro“ usw.

Malerei der Hochrenaissance

Wenn Proto-Renaissance und frühe Ära dauerte fast eineinhalb bzw. Es war ein heller, blendender Blitz, der der Welt eine ganze Galaxie großartiger, vielseitiger und brillanter Menschen schenkte. Alle Kunstzweige gingen Hand in Hand, so viele Meister sind auch Wissenschaftler, Bildhauer, Erfinder und nicht nur Renaissance-Künstler. Die Liste ist lang, aber der Höhepunkt der Renaissance wurde durch die Arbeit von L. da Vinci, M. Buanarotti und R. Santi markiert.

Das außergewöhnliche Genie von Da Vinci

Vielleicht ist dies die außergewöhnlichste und herausragendste Persönlichkeit in der Geschichte der künstlerischen Weltkultur. Er war ein universeller Mensch im vollen Sinne des Wortes und verfügte über vielseitigste Kenntnisse und Begabungen. Künstler, Bildhauer, Kunsttheoretiker, Mathematiker, Architekt, Anatom, Astronom, Physiker und Ingenieur – all das geht über ihn. Darüber hinaus zeigte sich Leonardo da Vinci (1452-1519) in jedem der Bereiche als Innovator. Bisher sind nur 15 seiner Gemälde sowie viele Skizzen erhalten. Er besaß eine ungeheure Vitalität und einen Wissensdurst, war ungeduldig, er war fasziniert vom eigentlichen Erkenntnisprozess. In sehr jungen Jahren (20 Jahre alt) qualifizierte er sich als Meister der Lukasgilde. Seine wichtigsten Werke waren das Fresko „Das letzte Abendmahl“, die Gemälde „Mona Lisa“, „Madonna Benois“ (Bild oben), „Dame mit dem Hermelin“ usw.

Porträts von Künstlern der Renaissance sind selten. Sie hinterließen ihre Bilder lieber in Gemälden mit vielen Gesichtern. Um das Selbstporträt von da Vinci (im Bild) legen sich die Streitigkeiten bis heute nicht. Es werden Versionen vorgebracht, dass er es im Alter von 60 Jahren geschafft hat. Laut dem Biografen, Künstler und Schriftsteller Vasari lag er im Sterben Großer Meister in den Armen seines engen Freundes König Franz I. in seinem Schloss Clos Luce.

Raphael Santi (1483-1520)

Künstler und Architekt ursprünglich aus Urbino. Sein Name in der Kunst ist unweigerlich mit der Vorstellung von erhabener Schönheit und natürlicher Harmonie verbunden. Für ein ziemlich kurzes Leben (37 Jahre) schuf er viele weltberühmte Gemälde, Fresken und Porträts. Die Handlungen, die er porträtierte, sind sehr unterschiedlich, aber er war immer von dem Bild der Muttergottes angezogen. Raffael wird zu Recht als „Meister der Madonnen“ bezeichnet, besonders berühmt sind die, die er in Rom gemalt hat. Im Vatikan wirkte er von 1508 bis zu seinem Lebensende als offizieller Künstler am päpstlichen Hof.

Umfassend begabt, wie viele andere große Künstler der Renaissance, war Raffael auch Architekt und auch an archäologischen Ausgrabungen beteiligt. Nach einer Version steht das letzte Hobby in direktem Zusammenhang mit dem vorzeitigen Tod. Vermutlich erkrankte er während der Ausgrabungen am Römischen Fieber. Der große Meister ist im Pantheon begraben. Das Foto zeigt sein Selbstporträt.

Michelangelo Buoanarroti (1475-1564)

Der lange 70-Jährige dieses Mannes war hell, er hinterließ seinen Nachkommen unvergängliche Schöpfungen nicht nur der Malerei, sondern auch der Skulptur. Wie andere große Künstler der Renaissance lebte Michelangelo in einer Zeit voller historischer Ereignisse und Umbrüche. Seine Kunst ist eine schöne Schlussnote der gesamten Renaissance.

Der Meister stellte die Bildhauerei über alle anderen Künste, aber durch den Willen des Schicksals wurde er ein hervorragender Maler und Architekt. Sein ehrgeizigstes und ungewöhnlichstes Werk ist das Gemälde (im Bild) im Palast im Vatikan. Die Fläche des Freskos übersteigt 600 Quadratmeter und enthält 300 menschliche Figuren. Am beeindruckendsten und bekanntesten ist die Szene des Jüngsten Gerichts.

Italienische Renaissance-Künstler waren vielseitige Talente. Nur wenige wissen also, dass Michelangelo auch ein großer Dichter war. Diese Facette seines Genies kam am Ende seines Lebens voll zur Geltung. Etwa 300 Gedichte sind bis heute erhalten.

Malerei der Spätrenaissance

Die letzte Periode umfasst den Zeitraum von 1530 bis 1590-1620. Laut der Encyclopædia Britannica endete die Renaissance als historische Periode mit dem Fall Roms im Jahr 1527. Etwa zur gleichen Zeit triumphierte die Gegenreformation in Südeuropa. Die katholische Strömung betrachtete mit Besorgnis jegliches freie Denken, einschließlich des Singens der Schönheit des menschlichen Körpers und der Wiederauferstehung der Kunst der Antike – also all dessen, was die Säulen der Renaissance waren. Dies führte zu einem besonderen Trend - dem Manierismus, der durch den Verlust der Harmonie zwischen dem Geistigen und dem Körperlichen, zwischen Mensch und Natur gekennzeichnet ist. Aber auch in dieser schwierigen Zeit haben einige berühmte Künstler Die Renaissance schuf ihre Meisterwerke. Unter ihnen sind Antonio da Correggio (der als Begründer des Klassizismus und Palladianismus gilt) und Tizian.

Tizian Vecellio (1488-1490 - 1676)

Er gilt zu Recht als Titan der Renaissance, zusammen mit Michelangelo, Raffael und da Vinci. Schon vor seinem 30. Lebensjahr war Tizian als „König der Maler und Maler der Könige“ bekannt. Im Wesentlichen malte der Künstler Bilder zu mythologischen und biblischen Themen, darüber hinaus wurde er als großartiger Porträtmaler berühmt. Die Zeitgenossen glaubten, dass die Prägung mit dem Pinsel eines großen Meisters bedeutet, Unsterblichkeit zu erlangen. Und das ist es tatsächlich. Befehle an Tizian kamen von den angesehensten und edelsten Personen: Päpste, Könige, Kardinäle und Herzöge. Hier sind nur einige seiner bekanntesten Werke: „Venus von Urbino“, „Die Entführung Europas“ (im Bild), „Kreuztragung“, „Dornenkrönung“, „Madonna von Pesaro“, „Frau mit ein Spiegel" usw.

Nichts wird zweimal wiederholt. Das Zeitalter der Renaissance hat der Menschheit brillante, außergewöhnliche Persönlichkeiten beschert. Ihre Namen sind in goldenen Lettern in die Weltkunstgeschichte eingeschrieben. Architekten und Bildhauer, Schriftsteller und Künstler der Renaissance – ihre Liste ist sehr lang. Wir haben nur die Titanen angesprochen, die Geschichte geschrieben und die Ideen der Aufklärung und des Humanismus in die Welt gebracht haben.

Die große Rolle, die Brunelleschi in der Architektur der Frührenaissance und Donatello in der Bildhauerei spielte, gehörte Masaccio (1401-1428) in der Malerei. Der berühmte Kunsthistoriker Vipper sagte: „Masaccio ist eines der unabhängigsten und konsequentesten Genies in der Geschichte der europäischen Malerei, der Begründer eines neuen Realismus ...“ Masaccio setzt die Suche nach Giotto fort und bricht mutig mit mittelalterlichen künstlerischen Traditionen. In dem Fresko „Trinity“ (1426-27), das für die Kirche Santa Maria Novella in Florenz geschaffen wurde, verwendet Masaccio erstmals die volle Perspektive in der Wandmalerei. In den Wandmalereien der Brancacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz (1425-28) – der Hauptschöpfung seines kurzen Lebens – verleiht Masaccio den Bildern eine beispiellose Lebendigkeit, betont die Körperlichkeit und Monumentalität seiner Figuren, vermittelt sie meisterhaft der emotionale Zustand der psychologischen Tiefe der Bilder. In dem Fresko „Vertreibung aus dem Paradies“ löst der Künstler die schwierigste Aufgabe seiner Zeit, eine nackte menschliche Gestalt darzustellen. Die harte und mutige Kunst von Masaccio hatte einen großen Einfluss auf die künstlerische Kultur der Renaissance, insbesondere auf die Arbeit von Piero della Francesca und Michelangelo.

Die Entwicklung der Malerei der Frührenaissance war zwiespältig: Die Künstler gingen ihre eigenen, manchmal auf unterschiedliche Weise. Der weltliche Anfang, der Wunsch nach einer faszinierenden Erzählung, das lyrische Erdgefühl fanden in den Werken von Fra Filippo Lippi (1406-69), einem Mönch des Karmeliterordens, lebendigen Ausdruck. Als charmanter Meister, Autor zahlreicher Altarkompositionen, von denen das für die Kapelle im Medici-Riccardi-Palast geschaffene Gemälde „Anbetung des Kindes“ als das beste gilt, gelang es Filippo Lippi, menschliche Wärme und poetische Liebe zur Natur zu vermitteln in ihnen.

In der Mitte des XV Jahrhunderts. die Malerei Mittelitaliens erlebte eine rasante Blüte, wovon ein anschauliches Beispiel das Werk von Piero della Francesca (1420-92), dem größten Künstler und Kunsttheoretiker der Renaissance, ist. Die bemerkenswerteste Schöpfung von Piero della Francesca ist ein Freskenzyklus in der Kirche San Francesco in Arezzo, der auf der Legende vom lebensspendenden Baum des Kreuzes basiert. Die in drei Rängen angeordneten Fresken zeichnen die Geschichte des lebensspendenden Kreuzes von den Anfängen nach, als aus dem Samen des Paradiesbaums der Erkenntnis von Gut und Böse ein heiliger Baum auf dem Grab Adams wächst, und bis zum Grab Ende, wenn der byzantinische Kaiser Heraclius die christliche Reliquie feierlich nach Jerusalem zurückbringt. Das Werk von Piero della Francesca ging über die lokalen Malschulen hinaus und bestimmte die Entwicklung der italienischen Kunst im Allgemeinen.

In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts arbeiteten viele talentierte Handwerker in Norditalien in den Städten Verona, Ferrara und Venedig. Unter den Malern dieser Zeit ist der berühmteste Andrea Mantegna (1431-1506) - ein Meister der Staffelei und monumentale Malerei, Zeichner und Kupferstecher, Bildhauer und Architekt. Die Bildsprache des Künstlers zeichnet sich durch das Jagen von Formen und Zeichnungen, die Strenge und Wahrhaftigkeit verallgemeinerter Bilder aus. Durch die räumliche Tiefe und den skulpturalen Charakter der Figuren erreicht Mantegna den Eindruck einer für einen Moment eingefrorenen realen Szene – so voluminös und natürlich wirken seine Figuren. Am meisten Mantegna lebte sein Leben in Mantua, wo er sein berühmtestes Werk schuf – das Gemälde „Camera degli Sposi“ im Landschloss des Marquis Gonzaga. Allein durch Malerei schuf er hier ein luxuriöses Renaissance-Interieur, einen Ort für feierliche Empfänge und Feiertage. Die Kunst Mantegnas, die sich großer Berühmtheit erfreute, beeinflusste die gesamte norditalienische Malerei.

Eine besondere Stellung in der Malerei der Frührenaissance nimmt Sandro Botticelli (1445-1510) ein, ein Zeitgenosse von Leonardo da Vinci und dem jungen Michelangelo. Die exquisite Kunst Botticellis mit Elementen der Stilisierung (d.h. Verallgemeinerung von Bildern mit konventionellen Techniken – Vereinfachung von Farbe, Form und Volumen) erfreute sich großer Beliebtheit unter den gebildeten Florentinern. Anders als die meisten Meister der frühen Renaissance basierte Botticellis Kunst auf persönlichen Erfahrungen. Unter den vielen von Botticelli geschaffenen Gemälden befinden sich einige der schönsten Schöpfungen der Weltkunst ("Die Geburt der Venus", "Frühling"). Außergewöhnlich sensibel und aufrichtig ging Botticelli einen schwierigen und tragischen Weg der kreativen Suche durch – von der poetischen Wahrnehmung der Welt in seiner Jugend bis zur Mystik und religiösen Erhebung im Erwachsenenalter.

Leonardo da Vinci

Im Wesentlichen fungierte ein Meister, Leonardo da Vinci, als Begründer der Kunst der Hochrenaissance, und es ist zutiefst symptomatisch, dass er wie kein anderer voll bewaffnet war höchste Erfolge materielle und geistige Kultur ihrer Zeit in all ihren Bereichen. Leonardos Beitrag zur Kunst der Hochrenaissance kann mit der Rolle von Giotto und Masaccio, den Initiatoren der vorangegangenen Stadien der Renaissancekunst, verglichen werden, mit dem Unterschied, dass er den Bedingungen der neuen Ära und dem größeren Umfang von Leonardos Talent entspricht wurde die Bedeutung seiner Kunst unvergleichlich breiter.

Leonardo war Maler, Bildhauer, Architekt, Sänger und Musiker, Improvisationsdichter, Kunsttheoretiker, Theaterregisseur und Fabulist, Philosoph und Mathematiker, Ingenieur, mechanischer Erfinder, Physiker und Astronom, Anatom und Optiker, Geologe, Zoologe, Botaniker und so weiter damit erschöpft sich seine Tätigkeit nicht.

Kunst war für Leonardo ein Mittel, die Welt zu kennen, den Menschen zu kennen. Er betrachtete die Natur als Mentor und ging in seiner Arbeit von ihrer konkreten Realität aus, von ihr abgestoßen. Er experimentierte ständig mit Farben und versuchte, die in ihnen verborgenen Möglichkeiten in der Übertragung von Licht und Schatten, malerischen Nuancen, fast unmerklichen Ton-zu-Ton-Übergängen aufzudecken. Von großer Bedeutung für sein gesamtes Werk und alle nachfolgende Malerei war die von ihm gemachte Entdeckung der Instabilität, Fragilität, Fluidität der sichtbaren Welt und der Art und Weise, wie sie im Bild transportiert wurde.

Diese Umwälzung, wo eine unerschütterliche und selbstgenügsame Linie vor ihm geherrscht hatte, nannte er "das Verschwinden der Konturen". Von theoretischen Überlegungen zur Praxis übergehend, beginnt Leonardo mit der Anwendung seines berühmten „sfumato“ – „rauchiges Hell-Dunkel“, eines optischen Eindrucks im Geiste des Impressionismus. Auf seinen Leinwänden ist es ein sanftes Halblicht mit einer weichen Tonskala von milchig-silbernen, bläulichen, manchmal mit grünlichen Tönungen, in denen die Linie gleichsam luftig wird.

Kunst und Wissenschaft bestanden für Leonardo untrennbar. Er verband die Skala der Proportionen der menschlichen Figur mit einem Quadrat, dessen Länge durch die Länge des menschlichen Körpers bestimmt wird und ein Teilungssystem enthält, mit dem Sie die Abmessungen mit einem Kompass in Relation von 1/2 setzen können bis 1/96 der Figur. Er drückte dies in den Begriffen „Quadratur des Kreises“ und „vitruvianischer Mensch“ aus. Er hat den Begriff geprägt Goldener Schnitt"für die harmonische Teilung eines im Altertum bekannten und anerkannten Segments mittelalterliches Europa aus der arabischen Übersetzung von Euklids „Anfängen“.

Die berühmtesten Gemälde Leonardos, die die Entwicklung der gesamten europäischen Kunst beeinflussten: „Madonna in der Grotte“ – das erste monumentale Altarbild der Hochrenaissance; "Das letzte Abendmahl", ein Porträt von Mona Lisa - "La Gioconda".