Herausragende Persönlichkeiten der russischen Wissenschaft und Kultur des 18. Jahrhunderts. Moskauer Staatliche Universität für Druckkunst

Klassizismus, ein künstlerischer Stil in der europäischen Kunst des 17.–frühen 19. Jahrhunderts, dessen wichtigstes Merkmal die Berufung auf die Formen der antiken Kunst als idealer ästhetischer und ethischer Maßstab war. Der Klassizismus, der sich in intensiver polemischer Auseinandersetzung mit dem Barock entwickelte, formierte sich zu einem integralen Stilsystem der französischen Kunstkultur des 17. Jahrhunderts.

Auch der Klassizismus des 18. – frühen 19. Jahrhunderts (in der ausländischen Kunstgeschichte wird er oft als Neoklassizismus bezeichnet), der zu einem gesamteuropäischen Stil wurde, entstand hauptsächlich im Schoß der französischen Kultur, unter dem starken Einfluss der Ideen der Aufklärung. In der Architektur wurden neue Typen eines eleganten Herrenhauses, eines zeremoniellen öffentlichen Gebäudes, eines offenen Stadtplatzes definiert (Gabriel Jacques Ange und Soufflot Jacques Germain), die Suche nach neuen, geordneten Formen der Architektur, der Wunsch nach strenger Einfachheit in der Arbeit von Ledoux Claude Nicolas nahm die Architektur der Spätphase des Klassizismus vorweg – das Empire. Bürgerliches Pathos und Lyrik wurden in plastischer Kunst (Pigal Jean Baptiste und Houdon Jean Antoine) und dekorativen Landschaften (Robert Hubert) vereint. Die mutige Dramatik historischer und Porträtbilder ist den Werken des Kopfes des französischen Klassizismus, des Malers Jacques Louis David, eigen. Im 19. Jahrhundert verkam die Malerei des Klassizismus, trotz der Aktivitäten einzelner großer Meister, wie etwa Jean Auguste Dominique Ingres, zur offiziellen apologetischen oder prätentiösen erotischen Salonkunst. Das internationale Zentrum des europäischen Klassizismus des 18. und frühen 19. Jahrhunderts war Rom, wo die Traditionen des Akademismus mit ihrer charakteristischen Kombination aus edlen Formen und kalter Idealisierung (deutscher Maler Anton Raphael Mengs, Bildhauer: Italiener Antonio Canova und Däne Thorvaldsen Bertel) weitgehend erhalten blieben dominiert. Die Architektur des deutschen Klassizismus ist geprägt von der strengen Monumentalität der Bauten Karl Friedrich Schinkels, während die kontemplative und elegische Malerei und Skulptur durch die Porträts von August und Wilhelm Tischbein sowie die Skulptur von Johann Gottfried Schadow geprägt ist. Im englischen Klassizismus stechen die antiken Bauten von Robert Adam, die Parkanlagen im palladianischen Stil von William Chambers, die äußerst strengen Zeichnungen von J. Flaxman und die Keramik von J. Wedgwood hervor. Eigene Versionen des Klassizismus entwickelten sich in der künstlerischen Kultur Italiens, Spaniens, Belgiens, skandinavischer Länder und der USA; Der russische Klassizismus der 1760er–1840er Jahre nimmt in der Geschichte der Weltkunst einen herausragenden Platz ein.

Bis zum Ende des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts war die führende Rolle des Klassizismus fast überall zunichte gemacht und wurde durch verschiedene Formen des architektonischen Eklektizismus ersetzt. Die künstlerische Tradition des Klassizismus wird im Neoklassizismus des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts lebendig.

Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) – französischer Künstler, allgemein anerkannter Führer des europäischen Akademismus des 19. Jahrhunderts.
In Ingres' Werk ist die Suche nach reiner Harmonie anzutreffen.
Er studierte an der Akademie der Schönen Künste in Toulouse. Nach seinem Abschluss an der Akademie zog er nach Paris, wo er 1797 Schüler von Jacques-Louis David wurde. Von 1806 bis 1820 studierte und arbeitete er in Rom und zog dann nach Florenz, wo er weitere vier Jahre verbrachte. 1824 kehrte er nach Paris zurück und eröffnete eine Malschule. 1835 kehrte er als Direktor der Französischen Akademie erneut nach Rom zurück. Von 1841 bis zu seinem Lebensende lebte er in Paris.

Der Akademismus (französisch academisme) ist eine Richtung in der europäischen Malerei des 17.-19. Jahrhunderts. Die akademische Malerei entstand in der Zeit der Entwicklung der Kunstakademien in Europa. Die stilistische Grundlage der akademischen Malerei war zu Beginn des 19. Jahrhunderts der Klassizismus und in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts der Eklektizismus.
Der Akademismus wuchs, indem er den äußeren Formen der klassischen Kunst folgte. Anhänger charakterisierten diesen Stil als eine Reflexion der Kunstform der antiken Antike und der Renaissance.

Ing. Porträts der Familie Riviere. 1804-05

Romantik

Romantik- ein vom bürgerlichen System erzeugtes Phänomen. Als Weltanschauung und Stil künstlerischen Schaffens spiegelt es dessen Widersprüche wider: die Kluft zwischen dem, was sein sollte, und dem, was ist, zwischen Ideal und Realität. Aus dem Bewusstsein der Unrealisierbarkeit humanistischer Ideale und Werte der Aufklärung entstanden zwei alternative ideologische Positionen. Der Kern des ersten Prinzips besteht darin, die grundlegende Realität zu verachten und sich in die Hülle reiner Ideale zurückzuziehen. Der Kern der zweiten besteht darin, die empirische Realität anzuerkennen und alle Spekulationen über das Ideal zu verwerfen. Ausgangspunkt der romantischen Weltanschauung ist die offene Ablehnung der Realität, die Anerkennung der unüberwindbaren Kluft zwischen Idealen und realer Existenz, der Unvernünftigkeit der Dingwelt.

Sie zeichnet sich durch eine negative Einstellung zur Realität, Pessimismus, Interpretation historischer Kräfte als außerhalb der realen Alltagsrealität stehend, Mystifizierung und Mythologisierung aus. All dies veranlasste die Suche nach einer Lösung der Widersprüche nicht in der realen Welt, sondern in der Welt der Fantasie.

Die romantische Weltanschauung umfasste alle Bereiche des spirituellen Lebens – Wissenschaft, Philosophie, Kunst, Religion. Es wurde auf zwei Arten ausgedrückt:

Das erste – darin erschien die Welt als endlose, gesichtslose, kosmische Subjektivität. Die schöpferische Energie des Geistes fungiert hier als Anfang, der Weltharmonie schafft. Diese Version der romantischen Weltanschauung zeichnet sich durch ein pantheistisches Weltbild, Optimismus und erhabene Gefühle aus.

Zweitens wird die menschliche Subjektivität individuell und persönlich betrachtet und als die innere, in sich selbst versunkene Welt eines Menschen im Konflikt mit der Außenwelt verstanden. Diese Haltung ist geprägt von Pessimismus, einer lyrisch traurigen Haltung gegenüber der Welt.

Das ursprüngliche Prinzip der Romantik waren „zwei Welten“: Vergleich und Kontrast der realen und imaginären Welt. Der Weg, diese Doppelwelt auszudrücken, war Symbolik.

Der romantische Symbolismus stellte eine organische Kombination der illusorischen und realen Welt dar, die sich im Auftreten von Metaphern, Übertreibungen und poetischen Vergleichen manifestierte. Die Romantik war trotz ihrer engen Verbindung zur Religion von Humor, Ironie und Verträumtheit geprägt. Die Romantik erklärte die Musik zum Vorbild und zur Norm für alle Bereiche der Kunst, in denen nach Ansicht der Romantiker das eigentliche Element des Lebens, das Element der Freiheit und der Triumph der Gefühle erklang.

Die Entstehung der Romantik war auf eine Reihe von Faktoren zurückzuführen. Erstens gesellschaftspolitisch: die Französische Revolution von 1769-1793, die Napoleonischen Kriege, der Unabhängigkeitskrieg Lateinamerikas. Zweitens wirtschaftlich: die industrielle Revolution, die Entwicklung des Kapitalismus. Drittens entstand es unter dem Einfluss der klassischen deutschen Philosophie. Viertens entwickelte es sich auf der Grundlage und im Rahmen bestehender literarischer Stile: Aufklärung, Sentimentalismus.

Zwischen 1795 und 1830 erlebte die Romantik ihre Blütezeit. - die Zeit der europäischen Revolutionen und nationalen Befreiungsbewegungen, und die Romantik manifestierte sich besonders deutlich in der Kultur Deutschlands, Englands, Russlands, Italiens, Frankreichs und Spaniens.

Die romantische Tendenz hatte großen Einfluss auf die Geisteswissenschaften, die positivistische Tendenz auf die Naturwissenschaften, Technik und Praxis.

Jean Louis André Theodore Gericault (1791-1824).
Er war für kurze Zeit Schüler von C. Vernet (1808–1810) und dann von P. Guerin (1810–1811), der sich darüber ärgerte, dass seine Methoden der Naturdarstellung nicht den Prinzipien der Schule von Jacques-Louis David entsprachen und seine Leidenschaft für Rubens, erkannte jedoch später die Rationalitätsbestrebungen von Gericault an.
Während seines Dienstes bei den königlichen Musketieren malte Gericault hauptsächlich Kampfszenen, nachdem er jedoch 1817–1819 nach Italien gereist war. Er schuf ein großes und komplexes Gemälde „Das Floß der Medusa“ (befindet sich im Louvre in Paris), das zu einer völligen Ablehnung der davidischen Richtung und zu einer beredten Verkündigung des Realismus wurde. Die Neuheit der Handlung, die tiefe Dramatik der Komposition und die lebenswichtige Wahrheit dieses meisterhaft geschriebenen Werks wurden nicht sofort geschätzt, aber bald fand es sogar bei Anhängern des akademischen Stils Anerkennung und brachte dem Künstler den Ruhm eines talentierten und mutigen Erneuerers ein .

Tragische Spannung und Dramatik. 1818 arbeitete Géricault an dem Gemälde „Das Floß der Medusa“, das den Beginn der französischen Romantik markierte. Delacroix, der für seinen Freund posierte, wurde Zeuge der Entstehung einer Komposition, die alle üblichen Vorstellungen von Malerei durchbricht. Delacroix erinnerte sich später, dass er, als er das fertige Gemälde sah, „vor Freude wie verrückt rannte und nicht auf dem ganzen Weg nach Hause anhalten konnte“.
Die Handlung des Films basiert auf einem wahren Vorfall, der sich am 2. Juli 1816 vor der Küste Senegals ereignete. Dann stürzte die Fregatte Medusa auf der Argen Shoal, 40 Meilen von der afrikanischen Küste entfernt. 140 Passagiere und Besatzungsmitglieder versuchten zu fliehen, indem sie das Floß bestiegen. Nur 15 von ihnen überlebten und am zwölften Tag ihrer Wanderung wurden sie von der Brigg Argus abgeholt. Die Einzelheiten der Reise der Überlebenden schockierten die moderne öffentliche Meinung, und der Untergang selbst wurde aufgrund der Inkompetenz des Schiffskapitäns und unzureichender Versuche, die Opfer zu retten, zu einem Skandal in der französischen Regierung.

Bildliche Lösung
Die gigantische Leinwand beeindruckt durch ihre Ausdruckskraft. Gericault gelang es, ein lebendiges Bild zu schaffen, das Tote und Lebende, Hoffnung und Verzweiflung in einem Bild vereint. Dem Film ging eine enorme Vorarbeit voraus. Gericault fertigte zahlreiche Skizzen von Sterbenden in Krankenhäusern und den Leichen Hingerichteter an. „Das Floß der Medusa“ war das letzte vollendete Werk Gericaults.
Als Géricault 1818 an dem Gemälde „Das Floß der Medusa“ arbeitete, das den Beginn der französischen Romantik markierte, wurde Eugène Delacroix, der für seinen Freund posierte, Zeuge der Entstehung einer Komposition, die alle üblichen Vorstellungen von Malerei durchbrach. Delacroix erinnerte sich später, dass er, als er das fertige Gemälde sah, „vor Freude wie verrückt rannte und nicht auf dem ganzen Weg nach Hause anhalten konnte“.

Öffentliche Reaktion
Als Géricault 1819 „Das Floß der Medusa“ im Salon ausstellte, erregte das Gemälde öffentliche Empörung, da der Künstler entgegen den akademischen Normen der Zeit kein so großes Format verwendete, um ein heroisches, moralisierendes oder klassisches Bild darzustellen Thema.
Das Gemälde wurde 1824 erworben und befindet sich derzeit in Raum 77 im 1. Stock der Denon Gallery im Louvre.

Eugene Delacroix(1798 - 1863) – Französischer Maler und Grafiker, Leiter der romantischen Bewegung in der europäischen Malerei.
Aber die wahren Universitäten für Delacroix waren der Louvre und die Kommunikation mit dem jungen Maler Theodore Gericault. Im Louvre wurde er von den Werken der alten Meister fasziniert. Damals waren dort viele Gemälde zu sehen, die während der Napoleonischen Kriege erbeutet und noch nicht an ihre Besitzer zurückgegeben worden waren. Der aufstrebende Künstler fühlte sich am meisten zu den großen Koloristen Rubens, Veronese und Tizian hingezogen. Den größten Einfluss auf Delacroix hatte jedoch Theodore Gericault.

Im Juli 1830 rebellierte Paris gegen die Bourbonenmonarchie. Delacroix sympathisierte mit den Rebellen, und dies spiegelte sich in seinem Werk „Liberty Leading the People“ wider (in unserem Land ist dieses Werk auch als „Liberty on the Barricades“ bekannt). Das im Salon von 1831 ausgestellte Gemälde stieß beim Publikum auf große Zustimmung. Die neue Regierung kaufte das Gemälde, ordnete jedoch sofort seine Entfernung an; sein Pathos erschien ihr zu gefährlich.

Das Senden Ihrer guten Arbeit an die Wissensdatenbank ist ganz einfach. Nutzen Sie das untenstehende Formular

Studierende, Doktoranden und junge Wissenschaftler, die die Wissensbasis in ihrem Studium und ihrer Arbeit nutzen, werden Ihnen sehr dankbar sein.

Gepostet auf http://www.allbest.ru/

Staatliche Medizinische Universität St. Petersburg, benannt nach dem Akademiker I.P. Pawlowa

Disziplin: Geschichte des Vaterlandes

Thema: „Berühmte Persönlichkeiten der russischen Kultur des 19. Jahrhunderts.“

Durchgeführt:

Schüler Gr.125

Goncharenko D.A.

Geprüft:

Zimin I.V.

St. Petersburg 2012

Einführung

2.1 Architektur

2.2 Bildende Kunst

3.1 Architektur und Skulptur

3.2 Malerei

3.3 Peredwischniki

4. Kunst des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts

Abschluss

Liste der verwendeten Literatur

Einführung

Die ersten Jahrzehnte des 19. Jahrhunderts. fand in Russland im Kontext eines landesweiten Aufschwungs im Zusammenhang mit dem Vaterländischen Krieg von 1812 statt. Die Ideale dieser Zeit fanden ihren Ausdruck in der Poesie des jungen A. S. Puschkin. Der Krieg von 1812 und die freiheitsliebenden Hoffnungen der jüngeren Generation des russischen Adels und insbesondere seiner Vertreter, die nach den Napoleonischen Kriegen als Befreier nach Paris kamen, bestimmten im ersten Drittel maßgeblich den Charakter der russischen Kultur des Jahrhunderts. Kultur Kunst humanistisch

Das wachsende Interesse am künstlerischen Leben Russlands in diesen Jahren drückte sich in der Gründung künstlerischer Gesellschaften und der Veröffentlichung spezieller Zeitschriften aus: „Freie Gesellschaft der Liebhaber von Literatur, Wissenschaft und Kunst“ (1801), „Journal of Fine Arts“ ( zuerst in Moskau und dann in St. Petersburg), „Gesellschaft zur Förderung der Künstler“ (1820), „Russisches Museum“ von P. P. Svinin (1810er Jahre) und „Russische Galerie“ in der Eremitage (1825); die Gründung provinzieller Kunstschulen, wie die Schule von A. V. Stupin in Arzamas oder A. G. Venetsianov in St. Petersburg.

1. Faktoren der Kulturentwicklung in Russland

Die damals noch bestehende Leibeigenschaft und die allgemeine wirtschaftliche Rückständigkeit Russlands im Vergleich zu den westeuropäischen Ländern behinderten den kulturellen Fortschritt. Und doch hat Russland im 19. Jahrhundert trotz dieser ungünstigen Bedingungen und sogar trotz ihnen einen wahrhaft gigantischen Sprung in der Entwicklung der Kultur gemacht und einen enormen Beitrag zur Weltkultur geleistet. Dieser Aufstieg der russischen Kultur war auf eine Reihe von Faktoren zurückzuführen www.ru.wikipedia.org:

· der Prozess der Bildung der russischen Nation in der kritischen Ära des Übergangs vom Feudalismus zum Kapitalismus

· der Beginn der revolutionären Befreiungsbewegung in Russland

· enge Kommunikation und Interaktion mit anderen Kulturen

· der Einfluss des Erbes der Moskauer Rus auf die Kultur des 19. Jahrhunderts: Die Assimilation alter Traditionen ermöglichte die Entstehung neuer Kreativitätskeime in Literatur, Poesie, Malerei und anderen Kulturbereichen

2. Kunst der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts

In der russischen Kunst des 19. Jahrhunderts. Seit dem 18. Jahrhundert hat sich viel verändert. Wie im Westen haben die gesellschaftliche Rolle des Künstlers, die Bedeutung seiner Persönlichkeit und sein Recht auf Freiheit der Kreativität zugenommen, wobei soziale und moralische Probleme zunehmend aufgeworfen werden.

Der herkömmliche Wendepunkt der Geschichte der russischen Kunst wurde in zwei Phasen unterteilt – die erste und die zweite Hälfte, und in dieser zweiten Hälfte erscheint es ganz natürlich, das Ende des 19. und den Beginn des 20. Jahrhunderts herauszugreifen. als eine Zeit mit eigenen semantischen und stilistischen Merkmalen.

Bis zur Mitte des Jahrhunderts gab es Ähnlichkeiten in der Kultur Europas und Russlands, doch nach der Mitte des Jahrhunderts gingen die Entwicklungswege der künstlerischen Kultur etwas auseinander. Europäische Künstler, angeführt von den Franzosen, beschäftigen sich zunehmend mit Formproblemen und suchen und finden neue künstlerische Techniken, wie es die Impressionisten und Postimpressionisten auf brillante Weise taten. Russische Künstler betrachten Kunst in erster Linie als eine Plattform, auf der „heikle Fragen unserer Zeit“ gelöst werden. Ilyina T.V. Geschichte der russischen Kunst, 5. Auflage, 2010.

2.1 Architektur

Die humanistischen Ideale der russischen Gesellschaft spiegeln sich in hochzivilisierten Beispielen der Architektur sowie monumentalen und dekorativen Skulpturen wider, in deren Synthese dekorative Malerei und angewandte Kunst stehen, oft die Schöpfungen der Architekten selbst. Der vorherrschende Stil dieser Zeit war der reife oder hohe Klassizismus in der wissenschaftlichen Literatur, der oft als „Russischer Empire-Stil“ bezeichnet wird. Tatsächlich können nur die 1820er bis 1830er Jahre als Empire bezeichnet werden, und das erste Jahrzehnt kann genauer als „Alexanders Klassizismus“ bezeichnet werden.

Die Architektur des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts war in erster Linie eine Lösung großer städtebaulicher Probleme. In St. Petersburg wird die Gestaltung der Hauptplätze der Hauptstadt fertiggestellt: Dvortsovaya und Senat; Es entstehen die besten Ensembles der Stadt. Besonders intensiv nach dem Brand von 1812. Moskau ist im Aufbau. Das architektonische Bild besticht durch seine Majestät und Monumentalität. Skulpturen, die eine gewisse semantische Bedeutung haben, spielen eine große Rolle im Gesamterscheinungsbild des Gebäudes. Unter den Gebäuden nehmen öffentliche Gebäude den Hauptplatz ein: Theater, Abteilungen, Bildungseinrichtungen; Paläste und Tempel werden deutlich seltener gebaut (mit Ausnahme der Regimentskathedralen in den Kasernen).

Der größte Architekt dieser Zeit, Andrei Nikiforovich Woronikhin (1759-1814), begann seine unabhängige Karriere bereits in den 1790er Jahren. Rekonstruktion der Innenräume des Stroganow-Palastes an der Moika (Architekt F.B. Rastrelli) in St. Petersburg (1793, Mineralienkabinett, Kunstgalerie, Ecksaal).

Woronikhins wichtigste Idee ist die Kasaner Kathedrale (1801-1811). Die halbkreisförmige Kolonnade des Tempels, die er nicht an der Seite der Hauptfassade (Westfassade), sondern an der Nordfassade errichtete, bildete einen Platz im Zentrum der Newskaja. Woronikhin verlieh dem Bergbaukadettenkorps (1806-1811, heute Bergbauinstitut) einen noch strengeren, aktivierten Charakter, in dem alles einem mächtigen dorischen Portikus aus 12 Säulen mit Blick auf die Newa untergeordnet ist.

A. N. Voronikhin, ein Architekt des Klassizismus, widmete große Anstrengungen der Schaffung eines städtischen Ensembles, der Synthese von Architektur und Skulptur, der organischen Kombination skulpturaler Elemente mit architektonischen Gliederungen, sowohl in großen als auch in kleinen Gebäuden.

Der führende St. Petersburger Architekt des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts. („Russisches Reich“) war Karl Ivanovich Rossi G.G. Grimm – Rossi-Ensembles – L., 1947 (1775–1849). Rossi erhielt seine erste Architekturausbildung im Atelier von V. F. Brenna und reiste dann nach Italien, wo er die Denkmäler der Antike studierte. Sein unabhängiges Schaffen beginnt in Moskau und setzt sich in Twer fort. Eines der ersten Werke in St. Petersburg war der Palast- und Parkkomplex auf der Insel Elagin (1818, fertiggestellt 1822). Über Rossi kann man sagen, dass er „in Ensembles dachte“, ein Palast oder Theater wurde in einen städtebaulichen Knotenpunkt aus Plätzen und neuen Straßen verwandelt. So organisierte er bei der Errichtung des Michailowski-Palastes (1819–1825) einen Platz vor dem Palast und legte eine Straße am Newski-Prospekt an, während er seinen Plan mit anderen nahegelegenen Gebäuden – dem Michailowski-Schloss und dem Raum des Feldes – in Einklang brachte Mars. Bei der Gestaltung des Schlossplatzes (1819-1829) stand Rossi vor der schwierigsten Aufgabe: Rastrellis Barockpalast und die eintönige klassizistische Fassade des Generalstabsgebäudes und der Ministerien zu einem Ganzen zu verbinden. Der Architekt durchbrach diese Monotonie mutig mit dem kolossalen Bogen des Generalstabsgebäudes, dessen Zentrum der Triumphbogen war und der den Zugang zur Bolschaja-Morskaja-Straße und zum Newski-Prospekt öffnete.

Das neue Jahrhundert war geprägt von der Entstehung der bedeutendsten Ensembles in St. Petersburg. Also, Andreyan Dmitrievich Zakharov G.G. Grimm – Architekt Andreyan Zakharov. Leben und Kreativität - M., 1940 (1761 - 1811) Schüler der St. Petersburger Akademie der Künste und Schüler des Pariser Architekten J.F. Chalgrena, aus dem Jahr 1805 Beginn des Baus des Admiralitätsgebäudes (1806 - 1823).

Zakharovs kompositorische Lösung ist äußerst einfach: eine Konfiguration aus zwei Volumen, wobei ein Volumen scheinbar in das andere eingebettet ist, wobei das äußere U-förmige durch einen Kanal von zwei inneren Nebengebäuden mit L-förmigem Grundriss getrennt ist. Das Innenvolumen besteht aus Schiffbau- und Zeichenwerkstätten, Lagerhäusern, das Außenvolumen umfasst Abteilungen, Verwaltungseinrichtungen, ein Museum, eine Bibliothek usw. Die Fassade der Admiralität erstreckt sich über 406 m. Die Seitenflügelfassaden sind der Newa zugewandt, die Mittelfassade endet in der Mitte mit einem triumphalen Durchgangsbogen mit Turmspitze, der das Schloss der Komposition darstellt und durch den der Haupteingang im Inneren verläuft. Zakharov bewahrte Korobovs brillanten Entwurf für den Turm, zeigte dabei Fingerspitzengefühl und Respekt vor der Tradition und schaffte es, ihn in ein neues klassizistisches Bild des gesamten Gebäudes umzuwandeln. Die Monotonie der fast einen halben Kilometer langen Fassade wird durch gleichmäßig verteilte Portiken durchbrochen.

HÖLLE. Zakharov starb, ohne die Admiralität in ihrer fertigen Form zu sehen. Dieses Gebäude steht in engem Zusammenhang mit der Architektur des Stadtzentrums. Von hier aus entspringen drei Alleen: Voznesensky, Gorokhovaya-Straße, Newski-Prospekt (dieses radiale System wurde unter Peter I. konzipiert)

2.2 Bildende Kunst

Die führende Richtung der Architektur und Bildhauerei im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts war der Klassizismus. In der Malerei wurde sie vor allem von akademischen Künstlern entwickelt – im historischen Genre, also Handlungsstränge der Heiligen Schrift, antike Mythologie und historische. Doch die wahren Erfolge der Malerei lagen in einer anderen Richtung: Die Sehnsüchte der menschlichen Seele, die Höhen und Tiefen des Geistes wurden in der romantischen Malerei jener Zeit besser zum Ausdruck gebracht.

Am subtilsten zeigte sich die Romantik jedoch auf russischem Boden im Genre der Porträtmalerei, und der führende Platz sollte hier Orest Adamovich Kiprensky I.V. eingeräumt werden. Kislyakova - Orest Kiprensky. Die Ära und Helden - M., 1982 (1782-- 1836). Kiprensky wurde als Sohn des Gutsbesitzers A. S. Dyakonov und eines Leibeigenen in der Provinz St. Petersburg geboren. Von 1788 bis 1803 studierte er (beginnend an der Pädagogischen Schule) an der Akademie der Künste, wo er in der Klasse der historischen Malerei bei Professor G. I. Ugryumov und dem französischen Maler G. F. Doyen studierte. 1805 erhielt er die Große Goldmedaille für das Gemälde „Dmitri Donskoi nach einem Sieg über Mamai“.

Komplex, nachdenklich, wechselhaft in der Stimmung – so präsentiert sich Kiprenskys „E. P. Rostopchina“ (1809, Tretjakow-Galerie), „D. N. Khvostov“ (1814, Tretjakow-Galerie), Junge „L. A. Chelishchev“ (1809, Tretjakow-Galerie). In freier Pose, geistesabwesend zur Seite blickend, die Ellbogen lässig auf einen steinernen Vogel gestützt, steht Oberst der Lebenshusaren „E.V. Davydov (1809, Russisches Museum). Dieses Porträt wird als kollektives Bild eines Helden des Krieges von 1812 wahrgenommen, obwohl es recht spezifisch ist.

Der Begründer des Alltagsgenres war Alexey Gavrilovich Venetsianov (1780-1847). Als ausgebildeter Landvermesser verließ Venetsianov seinen Dienst, um sich der Malerei zu widmen, und zog nach St. Petersburg. Wurde Borovitskys Schüler. Seine ersten Schritte in der „Kunst“ machte er im Porträtgenre und schuf erstaunlich poetische, lyrische, manchmal romantische Bilder in Pastell, Bleistift und Öl („Porträt von V. S. Putyatina“).

An der Wende der 1810er-1820er Jahre. Venetsianov verließ St. Petersburg in die Provinz Twer, wo er ein kleines Anwesen kaufte. Hier fand er sein Hauptthema und widmete sich der Darstellung des bäuerlichen Lebens.

Venetsianov war ein ausgezeichneter Lehrer. Die Venetsianov-Schule, die Venetsianovites, ist eine ganze Galaxie von Künstlern der 1820er bis 1840er Jahre, die mit ihm sowohl in St. Petersburg als auch auf seinem Safonkovo-Anwesen zusammenarbeiteten. Vertreter der venezianischen Schule waren A.V. Tyranov, E.F. Krendovsky, K.L. Zelentsov, A.A. Alekseev, S.K. Zaryanko, L.K. Plakhov, N. S. Krylov und viele andere.

3. Kunst der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts

3.1 Architektur und Skulptur

Skulptur und Architektur entwickelten sich in dieser Zeit weniger schnell als zuvor. Wie bereits erwähnt, Ende der 1830er Jahre. Der Klassizismus wird obsolet. Die Mittel seines künstlerischen Ausdrucks stehen im Widerspruch zu den neuen Aufgaben, die die Architektur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts stellte. Gewöhnlich wurde es als „retrospektive Stilisierung“ oder Eklektizismus bezeichnet, heute wird es jedoch häufiger als Historismus bezeichnet, da Künstler und Architekten zu dieser Zeit begannen, die Motive und Muster architektonischer Stile vergangener Epochen zu verwenden – Gotik, Renaissance, Barock, Rokoko. usw. D.E. Arkin – Bilder der Architektur – M., 1941.

Eines der Hauptprobleme dieser Zeit war der Bau von Mehrfamilienhäusern (Mehrfamilienhäusern).

Auch die Blüte monumentaler und dekorativer Skulpturen blieb in der ersten Hälfte des Jahrhunderts bestehen.

Der berühmteste Meister dieser Zeit war Mark Matveevich Antokolsky (1843-1902), der, wie Forscher richtig bemerkten, das Fehlen monumentaler Ausdrucksmittel durch die Darstellung „monumentaler Persönlichkeiten“ ausgleicht: Ein Beweis dafür ist „Ivan „Der Schreckliche“ (1870), „Peter I.“ (1872), „Der sterbende Sokrates“ (1875), „Spinoza“ (1882), „Mephistopheles“ (1883), „Ermak“ (1888). In diesen nach einem vorgegebenen Programm ausgeführten Bildern gelingt es stets, Pose, Gestik und Mimik zu finden, diese naturalistischen Details ersetzen jedoch die wahre Ausdruckskraft skulpturaler Mittel.

3.2 Malerei

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts hatte unter den bildenden Künsten vor allem die Malerei und vor allem die Genremalerei das Sagen. Eine kritische Einstellung zur Realität, ausgeprägte bürgerliche und moralische Positionen und eine ausgeprägte soziale Orientierung werden insbesondere für die Malerei charakteristisch, in der sich ein neues künstlerisches Sichtsystem herausbildet, das im sogenannten kritischen Realismus zum Ausdruck kommt. Meistens gingen die Künstler von den akuten sozialen Problemen der damaligen russischen Gesellschaft als Grundlage für die Handlung aus und agierten tatsächlich nicht so sehr als Vertreter dieser Ideen, sondern eher als deren direkte Illustratoren, geradlinige Interpreten. Die soziale Seite verdrängte rein bildnerische und plastische Aufgaben, und die formale Kultur ging unweigerlich zurück. Wie richtig angemerkt wurde, „ ruinierte der Illustrationsreichtum ihre Malerei.“

Die wahre Seele der aufkommenden kritischen Bewegung in der Malerei war Wassili Grigorjewitsch Perow V.A. Lenyashin - V.G. Perov - M., 1987 (1834-1882), der Fedotovs Fall direkt aus seinen Händen nahm, schaffte es mit anklagendem Pathos, viele Aspekte des einfachen Alltagslebens zu zeigen: das unansehnliche Aussehen einiger Geistlicher („Ländliche religiöse Prozession zu Ostern“, 1861; „Teetrinken in Mytischtschi“, 1862), das hoffnungslose Leben russischer Bauern („Farewell to the Dead“, 1865; „The Last Tavern at the Outpost“, 1868), das Leben der städtischen Armen („Troika“ , 1866) und die Intelligenz, die gezwungen war, harte Arbeit aus den „Geldsäcken“ zu suchen („Die Ankunft einer Gouvernante im Haus eines Kaufmanns“, 1866). Seine Werke haben eine einfache Handlung, sind aber ergreifend in ihrer Trauer.

3.3 Peredwischniki

In den 1870er Jahren. Die fortschrittliche demokratische Malerei gewinnt öffentliche Anerkennung. Sie hat ihre eigenen Kritiker – I. N. Kramskoy und V. V., Stasov und ihren eigenen Sammler – P. M. Tretjakow. Die Zeit für die Blüte des russischen demokratischen Realismus in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts naht. Zu dieser Zeit braute sich auch im Zentrum der offiziellen Schule – der St. Petersburger Akademie der Künste – ein Kampf um das Recht der Kunst zusammen, sich dem wirklichen, tatsächlichen Leben zuzuwenden, was in der sogenannten „Revolte des 14. Jahrhunderts“ mündete “ im Jahr 1863. Eine Reihe von Absolventen der Akademie weigerten sich, ein programmatisches Bild zu einem Thema des skandinavischen Epos zu zeichnen, als es so viele spannende moderne Probleme gab, und verließen die Akademie, ohne die Erlaubnis zur freien Wahl eines Themas zu erhalten, und gründeten die „St. Petersburg Artel der Künstler.“

Das Artel hielt nicht lange, und bald schlossen sich die fortschrittlichen künstlerischen Kräfte Moskaus und St. Petersburgs in der Vereinigung der Wanderkunstausstellungen (1870) zusammen.

Die Kunst der Peredwischniki war Ausdruck demokratischer Ideen in der russischen Kunstkultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts.

Zu den „Wanderern“ gehörten die „Älteren“ – Iwan Nikolajewitsch Kramskoi, Nikolai Nikolajewitsch Ge, Wassili Wassiljewitsch Wereschtschagin, Konstantin Apollonowitsch Savitsky und die „Jüngeren“ – Iwan Iwanowitsch Schischkin, der „die Natur des heldenhaften Volkes“ genannt wurde. Arkhip Ivanovich Kuindzhi mit seinen auffälligen Lichteffekten („Ukrainische Nacht“, 1876; „Birch Grove“, 1879), Isaac Ilyich Levitan.

Erwähnenswert ist Ilya Efimofich Repin. Er wurde in der Ukraine in der Provinz Charkow geboren und lernte seine ersten Fähigkeiten bei ukrainischen Ikonenmalern. Repin betrachtete Kramskoi als seinen ersten Lehrer. Das erste Werk, das eine starke öffentliche Reaktion hervorrief, war das Gemälde „Barge Haulers on the Wolga“.

Im Jahr 1873 unternahm Repin eine „Ruhestandsreise“ nach Frankreich, wo er zusammen mit Polenow unter freiem Himmel Skizzen malte und viel über die Probleme von Licht und Luft lernte.

Als Repin zurückkehrt, beginnt er fruchtbar zu arbeiten. Es scheint kein Genre zu geben, zu dem er sich nicht bekennen würde: Porträts mit äußerst individuellen Merkmalen und Porträttypen, Porträtbilder.

Repin war fast allen Genres (er malte nicht nur Kampfszenen), allen Arten – Malerei, Grafik, Bildhauerei – unterworfen; Er schuf eine wunderbare Malerschule, bezeichnete sich als Kunsttheoretiker und herausragenden Schriftsteller. Repins Werk war ein typisches Phänomen der russischen Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Er war es, der das verkörperte, was D. V. Sarabyanov den „Peredvizhnik-Realismus“ nannte, und alles Charakteristische aufnahm, das laut dem Forscher über verschiedene Genres und Individuen „verstreut“ war. Und das ist der Universalismus, die enzyklopädische Natur des Künstlers. Eine solche völlige Übereinstimmung mit der Zeit in seiner „angemessenen Umsetzung“ ist ein Beweis für das Ausmaß und die Stärke von Repins Talent. Siehe: Sarabyanov, D.V. Repin und die russische Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts – M., 1978

4. Kunst des späten 19. – frühen 20. Jahrhunderts

In den 1890er Jahren. Im Zusammenhang mit der sich abzeichnenden Krise der populistischen Bewegung wird auch die „analytische Methode des Realismus des 19. Jahrhunderts“, wie sie in der russischen Wissenschaft genannt wird, obsolet. In dieser Zeit erlebten viele der Peredwischniki-Künstler eine kreative Krise und zogen sich in die kleinlichen Themen unterhaltsamer Genrebilder zurück. Es ist jedoch anzumerken, dass die besten Traditionen von V. G. Perov vor allem in der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur dank der Lehrtätigkeit von Künstlern wie S. N. Ivanov, K. A. Korovin, V. A. Serov und anderen bewahrt wurden.

Alle Kunstgattungen – Malerei, Theater, Musik, Architektur – plädierten für eine Aktualisierung der künstlerischen Sprache und eine hohe Professionalität. Die Krise der Peredwischniki-Bewegung mit ihrem Drang nach kleinlichen Themen drückte sich in Bekundungen von Ideologie und Nationalität aus, die jedoch von keinem ästhetischen Programm getragen wurden. Maler der Jahrhundertwende zeichnen sich durch andere Ausdrucksweisen als die Wanderer, andere Formen künstlerischen Schaffens aus – in Bildern, die widersprüchlich, kompliziert, die Moderne widerspiegelnd, ohne Illustrativität oder Erzählung. Künstler suchen schmerzlich nach Harmonie und Schönheit in einer Welt, die sowohl Harmonie als auch Schönheit grundsätzlich fremd ist. Deshalb sehen viele von ihnen ihre Mission darin, den Sinn für Schönheit zu kultivieren. Aber es führte auch zum Universalismus einer ganzen Generation von Künstlern, die nach den „klassischen“ Wanderers hervorgingen, ein Beispiel dafür ist das Werk von V. A. Serov und M. A. Vrubel.

Die Künstler der World of Art Association (1898–1924) spielten eine wichtige Rolle bei der Popularisierung sowohl einheimischer als auch westeuropäischer Kunst und bei der Anziehung westeuropäischer Meister für Ausstellungen. Nachdem die „Miriskusniks“ die besten künstlerischen Kräfte in St. Petersburg versammelt und ihre eigene Zeitschrift herausgegeben hatten, trugen sie durch ihre bloße Existenz zur Konsolidierung der künstlerischen Kräfte in Moskau und zur Gründung der „Union russischer Künstler“ (1903-1323) Iljin bei FERNSEHER. Geschichte der russischen Kunst, 5. Auflage, 2010.

Abschluss

Die russische bildende Kunst, durchdrungen von den fortschrittlichen Ideen der Zeit, diente einem großen humanen Ziel – dem Kampf für die Befreiung des Menschen, für die soziale Neuordnung der gesamten Gesellschaft.

Generell erzielte Russland in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts beeindruckende Erfolge im Kulturbereich. Der Weltfonds wird für immer die Werke vieler russischer Künstler umfassen. Der Prozess der Bildung einer nationalen Kultur ist abgeschlossen.

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. модернистские поиски привели к складыванию группы художников, объединившихся вокруг журнала "Мир искусства" (А.Н. Бенуа, К.А. Сомов, Е.Е. Лансере, Л.С. Бакст, Н.К. Рерих, И З. Грабарь usw.). „Die Welt der Handwerker“ verkündete neue künstlerische und ästhetische Prinzipien. Sie förderten den Individualismus und die Freiheit der Kunst von sozialen und politischen Problemen. Das Wichtigste für sie sind die Schönheit und Traditionen der russischen Nationalkultur, was man von den „Wanderern“ nicht sagen kann.

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts. die „russische Avantgarde“ entstand. Seine Vertreter K.S. Malewitsch, P.P. Falk, M.Z. Chagall und andere predigten die Kunst der „reinen“ Formen und der äußeren Unobjektivität. Sie waren die Vorläufer der abstrakten Kunst und hatten großen Einfluss auf die Entwicklung der Weltkunst.

Referenzliste

1. www.ru.wikipedia.org

2. Ilyina T.V. Geschichte der russischen Kunst, 5. Auflage, 2010

3. G.G. Grimm – Rossi-Ensembles – L., 1947

4. G.G.Grimm – Architekt Andreyan Zakharov. Leben und Kreativität - M., 1940

5. I.V. Kislyakova - Orest Kiprensky. Die Ära und Helden - M., 1982

6. D.E. Arkin – Bilder der Architektur – M., 1941

7. V.A. Lenyashin - V.G. Perov - M., 1987

8. Siehe: Sarabyanov, D.V. Repin und die russische Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts – M., 1978

Gepostet auf Allbest.ru

Frankreich

Pierre Auguste Renoir. Renoir erlangte durch große Beharrlichkeit und Arbeit Erfolg und Anerkennung, um die ihn andere Künstler beneiden könnten. Bis zu seinem Tod schuf er neue Meisterwerke, obwohl er sehr krank war und jeder Pinselstrich ihm Leid bereitete. Bis heute sind Sammler und Museumsvertreter seinen Werken auf der Spur, denn das Werk dieses großen Künstlers ist ein unschätzbares Geschenk für die Menschheit.

Paul Cezanne. Als außergewöhnlicher und origineller Mensch hat Paul Cezanne höllische Prüfungen durchgemacht. Doch inmitten von Verfolgung und grausamem Spott arbeitete er unermüdlich daran, sein Talent zu entwickeln. Seine großartigen Werke umfassen mehrere Genres – Porträts, Landschaften, Stillleben, die mit Sicherheit als grundlegende Quellen der anfänglichen Entwicklung des Postimpressionismus angesehen werden können.

Eugene Delacroix. Eine mutige Suche nach Neuem und ein leidenschaftliches Interesse an der Moderne waren charakteristisch für die Werke des großen Künstlers. Er liebte vor allem die Darstellung von Schlachten und Kämpfen, aber auch in Porträts vereint sich das Unvereinbare – Schönheit und Kampf. Die Romantik von Delacroix entspringt seiner ebenso außergewöhnlichen Persönlichkeit, die gleichzeitig für Freiheit kämpft und mit spiritueller Schönheit glänzt.

Spanien

Die Iberische Halbinsel bescherte uns auch viele berühmte Namen, darunter:

Niederlande

Vincent van Gogh ist einer der bekanntesten Niederländer. Wie jeder weiß, litt Van Gogh an einer schweren Geisteskrankheit, was seinem inneren Genie jedoch keinen Abbruch tat. Seine mit einer ungewöhnlichen Technik angefertigten Gemälde erlangten erst nach dem Tod des Künstlers große Popularität. Die bekanntesten: „Sternennacht“, „Iris“, „Sonnenblumen“ werden in die Liste der teuersten Kunstwerke der Welt aufgenommen, obwohl Van Gogh keine besondere künstlerische Ausbildung hatte.

Norwegen

Edvard Munch stammt aus Norwegen und ist berühmt für seine Malerei. Das Werk von Edvard Munch zeichnet sich deutlich durch Melancholie und eine gewisse Rücksichtslosigkeit aus. Der Tod seiner Mutter und seiner Schwester im Kindesalter sowie gestörte Beziehungen zu Damen hatten großen Einfluss auf den Malstil des Künstlers. So tragen zum Beispiel das bekannte Werk „The Scream“ und das nicht minder beliebte „Sick Girl“ Schmerz, Leid und Unterdrückung in sich.

USA

Kent Rockwell ist einer der berühmtesten amerikanischen Landschaftsmaler. Seine Werke vereinen Realismus und Romantik, was die Stimmung der dargestellten Person sehr genau wiedergibt. Man kann seine Landschaften stundenlang betrachten und die Symbole jedes Mal anders interpretieren. Nur wenigen Künstlern ist es gelungen, die Winternatur so darzustellen, dass der Betrachter tatsächlich die Kälte spürt. Farbsättigung und Kontrast sind Rockwells erkennbarer Stil.

Das 19. Jahrhundert ist reich an brillanten Schöpfern, die enorme Beiträge zur Kunst geleistet haben. Ausländische Künstler des 19. Jahrhunderts öffneten die Türen für mehrere neue Strömungen wie den Postimpressionismus und die Romantik, was sich tatsächlich als schwierige Aufgabe herausstellte. Die meisten von ihnen haben der Gesellschaft unermüdlich bewiesen, dass ihre Kreativität eine Daseinsberechtigung hat, doch vielen gelang dies leider erst nach dem Tod. Ihr ungezügelter Charakter, ihr Mut und ihre Kampfbereitschaft gepaart mit außergewöhnlichem Talent und leichter Auffassungsgabe geben ihnen das Recht, eine bedeutende und bedeutende Zelle zu besetzen.

Adams John

Adams, John (John Adams) (30. November 1735-07/04/1826) – 2. Präsident der Vereinigten Staaten, Nachfolger von George Washington, im Gegensatz zu dem er nicht so sehr als politischer Praktiker, sondern als politischer Praktiker eingestuft werden kann ein politischer Theoretiker. Er wurde in Massachusetts in eine Bauernfamilie hineingeboren, schloss sein Studium an der Harvard University ab, praktizierte als Anwalt und wurde einer der beliebtesten Anwälte in Boston.

Adams John Quincy

Adams, John Quincy Adams (11.07.1767–23.02.1848) – 6. Präsident der Vereinigten Staaten. Studierte in Holland, Frankreich, USA (Harvard). In con. Im 18. und frühen 19. Jahrhundert schloss er sich den Föderalisten an (wie der Föderalist T. Paines Broschüre „Die Rechte des Menschen“ kritisierte), doch 1807 brach er mit ihnen. US-Gesandter in Holland und Preußen (1794-1801); Kongressabgeordneter (1802); Senator aus Massachusetts (1803–1808); der erste US-Gesandte in Russland (1809-1814). Durch Adams schlug Alexander I. 1813 eine russische Vermittlung zur Lösung des angloamerikanischen Konflikts vor.

Admiral Nelson Horatio

Nelson, Horatio (Horatio Nelson) 129.09.1758-21.10.1805) – englischer Marinekommandant.

Horatio Nelson wurde in einer Geistlichenfamilie im Norden Norfolks geboren. Im Alter von 12 Jahren trat er in die Marine ein. Im Jahr 1773 segelte Horatio im Rahmen einer Expedition durch die nördlichen Meere. Sein militärischer Marinedienst begann während des Krieges mit Frankreich. Im Jahr 1793

Nelson wurde zum Kapitän des 64-Kanonen-Schiffes Agamemnon ernannt. Als Teil des englischen Geschwaders bewachte Agamemnon das Mittelmeer vor französischen Schiffen. Bereits in den ersten Kriegsmonaten zeigten sich Nelsons beste Charaktereigenschaften – Mut und strategisches Talent. Am 14. Februar 1797 nahm er an der Schlacht von St. Vincent teil, trug viel zum Sieg der englischen Flotte bei und wurde Konteradmiral. In einer der Schlachten wurde Horatio verwundet und verlor seinen rechten Arm.

Andrássy Gyula

Andrassy, Gyula, Graf (03.03.1823-18.02.1890) – ungarischer Politiker und Diplomat. Nach der Niederlage der ungarischen Revolution von 1848–1849, an der er aktiv teilnahm, emigrierte Andrássy nach Frankreich. Gyula wurde in Abwesenheit zum Tode verurteilt, jedoch später amnestiert und 1858 nach Ungarn zurückgebracht.

Benjamin Disraeli

Disraeli, Benjamin (Benjamin Disraeli) (21.12.1804-19.04.1881) – berühmter britischer Staatsmann und Politiker, Schriftsteller. Der Sohn des Schriftstellers I. Disraeli, eines jüdischen Emigranten, der zum Christentum konvertierte. In den Werken „Vivian Gray“, „Der junge Herzog“ und anderen bemerkte Disraeli meisterhaft die Besonderheiten des politischen Lebens des Landes und förderte konservative Prinzipien (Verteidigung der Krone, der Kirche, der Aristokratie).

Rohlinge Louis Auguste

Blanqui, Louis Auguste Blanqui (02.08.1805-01.01.1881) – französischer Revolutionär, utopischer Kommunist. Louis wurde am Lycée Charlemagne in Paris ausgebildet. Seine Leidenschaft für republikanisch-demokratische Ideen brachte ihn in die Reihen der Gegner des Restaurationsregimes (1814-1830). Als aktiver Teilnehmer der Julirevolution von 1830 wurde der Republikaner Blanqui zum unerbittlichen Gegner der Monarchie von Louis Philippe. In den 1930ern war der Organisator und Anführer geheimer republikanischer Gesellschaften, die sich für die Schaffung einer demokratischen Republik und die Beseitigung der Ausbeutung einsetzten.

RUSSLAND

Russische Literatur des späten 18. bis 19. Jahrhunderts. unter schwierigen Bedingungen entwickelt. Das Russische Reich war wirtschaftlich eines der rückständigsten Länder Europas. Reformen des 18. Jahrhunderts Peter I. und Katharina II. befassten sich hauptsächlich mit militärischen Angelegenheiten.

Wenn im 19. Jahrhundert Russland blieb wirtschaftlich immer noch ein rückständiges Land, aber im Bereich Literatur, Musik und bildende Kunst rückte es bereits an die Spitze.

LITERATUR VOM JAHRHUNDERTANFANG

Die am besten gebildete Klasse in Russland war der Adel. Die meisten Kulturschaffenden dieser Zeit stammten auf die eine oder andere Weise aus dem Adel oder Volkmit edler Kultur verbunden. Der ideologische Kampf in der Literatur zu Beginn des Jahrhunderts fand zwischen der Gesellschaft „Gespräch der Liebhaber des russischen Wortes“ (Derzhavin, Shirinsky-Shikhmatov, Shakhovskoy, Krylov, Zakharov usw.), die konservative Adlige vereinte, und radikalen Schriftstellern statt waren Teil des „Arzamas“-Kreises (Schukowski, Batjuschkow, Wjasemski, Puschkin usw.). Der erste und der zweite schrieben ihre Werke im Geiste des Klassizismus und der Romantik, aber die Dichter von Arzamas kämpften aktiver für neue Kunst und verteidigten bürgerliches und demokratisches Pathos in der Poesie.

In den frühen 20er Jahren spielten Dichter und Schriftsteller, die mit der Dekabristenbewegung verbunden waren oder ihr ideologisch nahe standen, eine große Rolle in der Literatur. Nach der Niederlage des Dekabristenaufstands, in der Ära der stummen Nikolaus-Reaktion, waren F. Bulgarin und N. Grech die berühmtesten Schriftsteller, die in ihren Organen sprachen – der Zeitung „Northern Bee“ und der Zeitschrift „Son of the Fatherland“. “. Beide widersetzten sich den neuen Tendenzen in der russischen Literatur, die von Puschkin, Gogol und anderen vertreten wurden. Trotz alledem mangelte es ihnen nicht an talentierten Schriftstellern.

Die beliebtesten Werke von Thaddeus Bulgarin (1789 - 1859) waren die Lehr- und Moralromane „Iwan Wyschigin“ (1829) und „Peter Iwanowitsch Wyschigin“ (1831), die zu Lebzeiten des Autors zu Bestsellern wurden, von ihren Zeitgenossen jedoch völlig vergessen wurden ; Seine historischen Romane „Dmitry the Pretender“ und „Mazeppa“ sind voller melodramatischer Effekte.

Die bedeutendste Schöpfung von Nikolai Grech (1787 - 1867) war der abenteuerliche und moralisch beschreibende Roman „Die schwarze Frau“ (1834), geschrieben im Geiste der Romantik. Grech schrieb auch einen Briefroman"VonReise nach Deutschland“ (1836), „Eine Erfahrung in einer kurzen Geschichte der russischen Literatur“ (1822) – das erste Werk des Landes zur Geschichte der russischen Literatur – und mehrere weitere Bücher über die russische Sprache.

Der größte Prosaschriftsteller des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts, der Schriftsteller und Historiograph Nikolai Michailowitsch Karamzin (1766 – 1826), war dem Liberalismus nicht fremd, wenn es um abstrakte Ideen ging, die die russische Ordnung nicht berührten. Seine „Briefe eines russischen Reisenden“ spielten eine wichtige Rolle bei der Einführung der Leser in das Leben und die Kultur Westeuropas. Die berühmteste seiner Geschichten, „Arme Lisa“ (1792), erzählt eine berührende Liebesgeschichte zwischen einem Adligen und einer Bäuerin. „Und Bäuerinnen wissen, wie man fühlt“, dieser in der Geschichte enthaltene Grundsatz zeugte von der humanen Ausrichtung der Ansichten des Autors.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Karamzin schreibt das bedeutendste Werk seines Lebens – die mehrbändige „Geschichte des russischen Staates“, in der er in Anlehnung an Tatischtschow die Ereignisse der Geschichte der ostslawischen Völker im Geiste der bestehenden russischen Monarchie interpretiert und erhebt die historische Rechtfertigung für die Aneignung der Ländereien seiner Nachbarn durch Moskau in den Rang einer Staatsideologie der Zarendynastie Romanow.

Die Werke von Wassili Schukowski (1783 – 1852) stellten eine wichtige Etappe in der Entwicklung romantischer Lyrik dar. Schukowski erlebte eine tiefe Enttäuschung über die Aufklärung des 18. Jahrhunderts, und diese Enttäuschung lenkte seine Gedanken auf das Mittelalter. Als wahrer Romantiker betrachtete Schukowski die Segnungen des Lebens als vergänglich und sah Glück nur im Eintauchen in die innere Welt eines Menschen. Als Übersetzer öffnete Schukowski dem russischen Leser die westeuropäische romantische Poesie. Besonders bemerkenswert sind seine Übersetzungen von Schiller und den englischen Romantikern.

Die Texte von K. N. Batyushkov (1787 - 1855) waren im Gegensatz zur Romantik Schukowskis irdischer, sinnlicher Natur, durchdrungen von einem hellen Weltbild, harmonisch und anmutig.

Das Hauptverdienst von Ivan Krylov (1769 - 1844) ist die Schaffung einer klassischen Fabel in russischer Sprache. Krylov übernahm die Handlung seiner Fabeln von anderen Fabulisten, vor allem von La Fontaine, blieb aber gleichzeitig immer ein zutiefst nationaler Dichter, der in seinen Fabeln die Merkmale des nationalen Charakters und Geistes widerspiegelte und seiner Fabel eine hohe Natürlichkeit und Einfachheit verlieh .

Die Dekabristen schrieben ihre Werke im Geiste des Klassizismus. Sie wandten sich den Heldenbildern von Cato und Brutus und den Motiven der romantischen Nationalantike zu, den freiheitsliebenden Traditionen Nowgorods und Pskows, den Städten des antiken Russlands. Der bedeutendste Dichter unter den Dekabristen war Kondraty Fedorovich Ryleev (1795 - 1826). Der Autor von Anti-Tyrannen-Gedichten („Bürger“, „An den Zeitarbeiter“) schrieb auch eine Reihe patriotischer „Dumas“ und schuf ein romantisches Gedicht „Voinarovsky“, das das tragische Schicksal des ukrainischen Patrioten schildert.

Alexander Gribojedow (1795 - 1829) trat als Autor eines Werkes in die russische Literatur ein – der Komödie „Woe from Wit“ (1824), in der es keine Intrige im Sinne französischer Komiker und kein Happy End gibt. Die Komödie basiert auf der Gegenüberstellung von Chatsky mit anderen Charakteren, die den Famus-Kreis, die Adelsgesellschaft Moskaus, bilden. Der Kampf eines Mannes mit fortschrittlichen Ansichten – gegen die Barbaren, Parasiten und Ausschweifer, die ihre nationale Würde verloren haben und vor allem Französischen, dummen Martinets und Verfolgern der Aufklärung kriechen – endet mit der Niederlage des Helden. Aber das öffentliche Pathos von Chatskys Reden spiegelte die ganze Wucht der Empörung wider, die sich unter radikalen russischen Jugendlichen angesammelt hatte, die sich für Reformen in der Gesellschaft einsetzten.

Gribojedow schrieb zusammen mit P. Katenin mehrere weitere Stücke („Student“, „Vorgetäuschte Untreue“), deren ideologischer Inhalt sich gegen die Dichter von „Arzamas“ richtete.

PUSCHKIN UND LERMONTOW

Alexander Puschkin (1799 - 1837) wurde zu einem Wendepunkt für die russische Literatur, indem er die neue von der alten trennte. Sein Werk bestimmte die Entwicklung der gesamten russischen Literatur bis zum Ende des Jahrhunderts. Puschkin hob die russische Poesie auf die Höhe der europäischen Poesie und wurde zum Autor von Werken von unübertroffener Schönheit und Perfektion.

Puschkins Genie wurde in vielerlei Hinsicht durch die Umstände seines Studiums am 1811 eröffneten Zarskoje-Selo-Lyzeum bestimmt – einer höheren Bildungseinrichtung für die Kinder von Adligen, aus deren Mauern in diesen Jahren viele Dichter der „goldenen Ära“ stammten Russische Poesie entstand (A. Delvig, V. Kuchelbecker, E. Baratynsky und andere). Aufgewachsen im französischen Klassizismus des 17. Jahrhunderts und in der Bildungsliteratur des 18. Jahrhunderts, wurde er zu Beginn seines Schaffens von der romantischen Poesie beeinflusst und gelangte, bereichert durch deren künstlerische Errungenschaften, zum hohen Realismus.

In seiner Jugend schrieb Puschkin lyrische Gedichte, in denen er die Freude am Leben, an der Liebe und am Wein verherrlichte. Die Texte dieser Jahre atmen Witz, durchdrungen von einem epikureischen Lebensgefühl, das der Poesie entstammtXVIIIV. Gleich zu Beginn der 20er Jahre tauchten in Puschkins Gedichten neue Motive auf: Er verherrlichte die Freiheit und lachte über die Herrscher. Seine brillanten politischen Texte führten dazu, dass der Dichter nach Bessarabien verbannt wurde. In dieser Zeit entstanden seine romantischen Gedichte „Der Gefangene des Kaukasus“ (1820–1821), „Die Räuberbrüder“ (1821–1822), „Der Bachtschyssaraj-Brunnen“ (1821–1823) und „Die Zigeuner“ (1824). - 1825).

Puschkins späteres Werk wurde von Karamzins „Geschichte des russischen Staates“ und den Ideen der Dekabristen beeinflusst. In dem Bemühen, den russischen Kaiser Alexander I. deutlicher darzustellen, und dannNikolaus II. „Erfahrung“ der Herrschaft russischer Herrscher, in der Überzeugung, dass Reformen im Staat vom Zaren ausgehen sollten, wenn das Volk schweigt, kreiert Puschkin die historische Tragödie „Boris Godunow“ (1824 - 1825), die der „Ära“ gewidmet ist vieler Aufstände“ des frühen 17. Jahrhunderts. Und Ende der 20er Jahre schrieb er das Gedicht „Poltawa“ (1828), den historischen Roman „Arap von Peter dem Großen“ (nicht abgeschlossen) und eine Reihe von Gedichten, in denen er sich dem Bild des Reformators Zar Peter I. zuwandte in diesem Bild Kaiser Nikolaus I., dessen Mission es ist, neue Reformen in Russland voranzutreiben, d.h. Werde ein aufgeklärter Monarch.

Nachdem Puschkin den Glauben an seine Bestrebungen verloren hat, den Willen des Zaren zu ändern, der die Dekabristen an den Galgen und ins Exil schickte, arbeitet er im Geiste von Byrons Werk „Childe Harolds Pilgrimage“ an einer seiner besten Kreationen – dem Roman in Vers „Eugen Onegin“ (1823 - 1831). „Onegin“ vermittelt ein umfassendes Bild des Lebens der russischen Gesellschaft, und die lyrischen Exkurse des Romans spiegeln in vielerlei Hinsicht die Persönlichkeit des Dichters selbst wider, mal nachdenklich und traurig, mal sarkastisch und verspielt. Puschkin offenbart in seiner Schöpfung das Bild eines Zeitgenossen, der sich im Leben noch nicht gefunden hat.

In seinem nächsten bedeutenden Werk „Kleine Tragödien“ (30er Jahre) schildert der Dichter anhand von Bildern und Handlungssträngen, die aus der europäischen Literatur bekannt sind, den Konflikt einer gewagten menschlichen Persönlichkeit mit Gesetzen, Tradition und Autorität. Puschkin wendet sich auch der Prosa zu (die Geschichte „Die Pique Dame“, der Zyklus „Tales of Belkin“, „Dubrovsky“). Basierend auf den künstlerischen Prinzipien von Walter Scott schreibt Puschkin „Die Tochter des Kapitäns“ (1836) und verwebt in die realen Ereignisse des Bauernaufstands des 18. Jahrhunderts unter der Führung von Emelyan Pugachev das Leben der Hauptfigur, deren Schicksal ist eng mit großen gesellschaftlichen Ereignissen verbunden.

Puschkin ist in seinen lyrischen Gedichten am kraftvollsten. Die einzigartige Schönheit seiner Texte offenbart zutiefst die innere Welt eines Menschen. Seine Gedichte zählen hinsichtlich der Gefühlstiefe und der klassischen Formharmonie zusammen mit den lyrischen Gedichten Goethes zu den besten Schöpfungen der Weltdichtung.

Der Name Puschkin wird nicht nur mit der Blüte der russischen Poesie, sondern auch mit der Entstehung der russischen Literatursprache in Verbindung gebracht. Die Sprache seiner Werke wurdedie Norm der modernen russischen Sprache.

Im Schatten von Puschkins Poesie blieben nicht weniger wunderbare Dichter seiner Zeit, die das „goldene Zeitalter“ der russischen Poesie ausmachten. Unter ihnen waren der feurige Lyriker N. M. Yazykov, der Autor witziger Versfeuilletons P. A. Vyazemsky und der Meister der elegischen Poesie E. A. Baratynsky. Fjodor Tjutschew (1803 – 1873) hebt sich von ihnen ab. Als Dichter erreicht er eine erstaunliche Einheit von Denken und Fühlen. Tyutchev widmet seine lyrischen Miniaturen der Darstellung der Verbindung zwischen Mensch und Natur.

Michail Lermontow (1814 - 1841) war als Dichter nicht weniger talentiert als Puschkin. Seine Poesie ist geprägt vom Pathos der Verleugnung der zeitgenössischen Realität; in vielen Gedichten und Gedichten schleichen sich Motive entweder der Einsamkeit und der bitteren Enttäuschung im Leben oder der Rebellion, der kühnen Herausforderung und der Erwartung eines Sturms durch. In seinen Gedichten tauchen häufig Bilder von Rebellen auf, die nach Freiheit streben und sich gegen soziale Ungerechtigkeit auflehnen („Mtsyri“, 1840; „Lied über den Kaufmann Kalaschnikow“, 1838). Lermontov ist ein Dichter der Tat. Wegen ihrer Untätigkeit geißelt er seine Generation, die zu Kampf und kreativer Arbeit unfähig sei („Duma“).

Im Zentrum von Lermontovs bedeutendsten Werken steht das romantische Bild einer stolzen, einsamen Persönlichkeit, die im Kampf nach starken Sensationen sucht. Dies sind Arbenin (Drama „Maskerade“, 1835 – 1836), Dämon („Dämon“, 1829 – 1841) und Pechorin („Held unserer Zeit“, 1840). Lermontovs Werke spiegeln deutlich die Komplexität des gesellschaftlichen Lebens und die Widersprüchlichkeit der Probleme der russischen Kultur wider, die in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts von führenden Persönlichkeiten Russlands aufgeworfen wurden.

LITERATUR 30 - 60ER JAHRE

Der nächste wichtige Meilenstein in der Geschichte der russischen Literatur war das Werk von Nikolai Gogol (1809 – 1852). Zu Beginn seiner schöpferischen Tätigkeit fungierte er als Autor des romantischen Gedichts „Hans Küchelgarten“ (1827). Zukünftig schreibt er ausschließlich Prosa. Die ersten Prosawerke, die auf der Grundlage ukrainischer Folklore in einem ironischen, fröhlichen Ton verfasst wurden, brachten dem Schriftsteller Erfolg (Erzählungssammlung „Abende auf dem Bauernhofin der Nähe von Dikanka.“ In der neuen Sammlung „Mirgorod“ führt der Autor das erfolgreich begonnene Thema fort und erweitert den Bereich deutlich. Bereits in der Geschichte aus dieser Sammlung „Über den Streit zwischen Iwan Iwanowitsch und Iwan Nikiforowitsch“ entfernt sich Gogol von der Romantik und zeigt die Dominanz von Vulgarität und kleinlichen Interessen im modernen russischen Leben.

„Petersburg Tales“ schildert die Großstadt zu Gogols Zeiten mit ihren gesellschaftlichen Gegensätzen. Eine dieser Geschichten, „Der Mantel“ (1842), hatte besonderen Einfluss auf die spätere Literatur. Indem Gogol das Schicksal eines unterdrückten und machtlosen Unterbeamten einfühlsam schilderte, ebnete er den Weg für die gesamte demokratische russische Literatur von Turgenjew, Grigorowitsch und dem frühen Dostojewski bis Tschechow.

In der Komödie „Der Generalinspekteur“ (1836) entlarvt Gogol die bürokratische Kamarilla tiefgreifend und gnadenlos, ihre Gesetzlosigkeit und Willkür, die alle Aspekte des Lebens der russischen Gesellschaft durchdrang. Gogol verwarf die traditionelle Liebesbeziehung in Komödien und basierte sein Werk auf der Darstellung sozialer Beziehungen.

Der Roman „Was ist zu tun?“ von Nikolai Chernyshevsky (1828 - 1889) war mit den Ideen sozialistischer Utopien verbunden. (1863). Darin zeigte Chernyshevsky Vertreter der Intelligenz, die danach strebten, das Leben in Russland zum Besseren zu verändern.

Mit Nikolai Nekrasov (1821 - 1878) brachte die russische Literatur einen Dichter von enormer ideologischer Tiefe und künstlerischer Reife hervor. In vielen Gedichten, wie „Frost, rote Nase“ (1863), „Wer lebt gut in Russland“ (1863 - 1877), zeigte der Dichter nicht nur das Leiden der Menschen unter den Menschen, sondern auch ihre körperliche und moralische Schönheit. offenbarten ihre Vorstellungen vom Leben, ihren Geschmack. Nekrasovs lyrische Gedichte offenbaren das Bild des Dichters selbst, eines fortgeschrittenen Bürgerschriftstellers, der das Leid des Volkes spürt und ihm ritterlich ergeben ist.

Alexander Ostrowski (1823 – 1886) verhalf dem russischen Drama zu Weltruhm. Die wichtigsten „Helden“ seiner Werke sind Kaufleute und Unternehmer, die aus neuen kapitalistischen Verhältnissen hervorgegangen sind, die aus der unteren Gesellschaftsschicht kamen, aber die gleichen Unwissenden blieben, in Vorurteilen verstrickt, anfällig für Tyrannei, absurde und lustige Launen (spielt „The Thunderstorm“). , „Mitgift“, „Talente und Fans“, „Wald“ usw.). Allerdings idealisiert Ostrowski auch nicht den Adel – eine veraltete Klasse, er stellt auch das „dunkle Königreich“ Russlands dar.

In den 40er und 50er Jahren wurde das Talent von Wortschöpfern wie Iwan Turgenjew (1818 – 1883) und Iwan Gontscharow (1812 – 1891) offenbart. Beide Autoren zeigen in ihren Werken das Leben der „überflüssigen Menschen“ der Gesellschaft. Wenn es sich bei Turgenev jedoch um eine Person handelt, die alles Erhabene im Leben leugnet (die Romane „Väter und Söhne“, „Ru“)Lärm").

LITERATUR DER VÖLKER DES RUSSISCHEN REICHES

Das Russische Reich zu Beginn der 70er Jahre des 19. Jahrhunderts. war ein riesiges multinationales Land. Es ist klar, dass die Kultur der dominierenden Nation, die hauptsächlich in edler Literatur und Kunst zum Ausdruck kam, einen erheblichen Einfluss auf die kulturelle Entwicklung anderer Völker Russlands hatte.

Der russische Kulturfaktor spielte für Ukrainer und Weißrussen die gleiche Rolle wie der polnische Faktor in der Zeit nach der Vereinigung der Ländereien der polnischen Krone und des Großfürstentums Litauen zum polnisch-litauischen Commonwealth unter der Union von Lublin im Jahr 1569 - Die talentiertesten Vertreter dieser Völker trugen zum Wachstum der Kunst der Nachbarnation bei und nahmen in der Gesellschaft eine beherrschende Stellung ein, beispielsweise die Hauptfiguren der polnischen Kultur des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts. kamen aus Weißrussland und der Ukraine (F. Bogomolets, F. Knyazkin, A. Narushevich, A. Mitskevich, Y. Slovatsky, I. Krasitsky, V. Syrokomlya, M. K. Oginsky usw.). Nach der Annexion der Ukraine und Weißrusslands an das Russische Reich begannen die Menschen aus diesen Orten, die russische Kultur zu fördern (N. Gogol, N. Kukolnik, F. Bulgarin, M. Glinka, N. Kostomarov usw.).

Trotz des enormen Einflusses der russischen Sprache herrschte in der Ukraine Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhundertsdas Aufkommen national gesinnter Adliger, die erkannten, dass Originalwerke in der ukrainischen Sprache geschaffen werden konnten, die ausschließlich von ungebildeten einfachen Leuten gesprochen wurde. Zu dieser Zeit begann das Studium der Geschichte des ukrainischen Volkes und seiner mündlichen Kreativität einen bedeutenden Umfang zu erlangen. „Die Geschichte von Kleinrussland“ von N. Bantysh-Kamensky erschien, und „Die Geschichte der Russen“ wurde in handschriftlichen Kopien verbreitet, in denen ein unbekannter Autor das ukrainische Volk getrennt von den Russen betrachtete und argumentierte, dass es die Ukraine sei und nicht Russland, das war der direkte Erbe der Kiewer Rus.

Ein wichtiger Faktor für die Entwicklung des Nationalbewusstseins der Ukrainer war die Eröffnung der Universität in Charkow im Jahr 1805. Ein wichtiger Indikator für die Vitalität der ukrainischen Sprache war die Qualität und Vielfalt der in ihr geschaffenen Literatur. Iwan Petrowitsch Kotljarewski (1769 – 1838) war der erste, der sich der lebendigen ukrainischen Volkssprache zuwandte und dabei die mündliche Kreativität seiner Ureinwohner in großem Umfang nutzte. Vergils „Aeneis“ (1798), das er im burlesken Stil überarbeitete, sowie die Stücke „Natalka-Poltavka“ und „Soldier-Zauberer“ (im Original „Moskal-charivnik“) zeichneten sich durch ihre meisterhafte Darstellung des ukrainischen Volkslebens aus .

Die ersten Prosawerke in der modernen ukrainischen Sprache waren die sentimentalen Geschichten des in Charkow lebenden Grigory Kvitka (1778 - 1843), der unter dem Pseudonym „Gritsko Osnovyanenko“ auftrat (die Geschichte „Marusya“, die Komödie „Shelmenko der Batman“ usw. ), das 1834 erschien. Ein weiterer Einwohner von Charkow, Levko Borovikovsky, legte den Grundstein für die ukrainische Ballade.

Der Entstehungsprozess der neuen ukrainischen Literatur und die Entstehung der ukrainischen Literatursprache wurden durch das Werk des großen Nationaldichters, Denkers und Revolutionärs Taras Schewtschenko abgeschlossenÖ. Der Dichter begann, seine Gedichte nicht wie viele seiner Landsleute für den Adel auf Russisch zu schreiben, sondern ausschließlich für sein Volk.

Schewtschenkos Biografie ist für seine Landsleute zum Symbol eines tragischen nationalen Schicksals geworden. Als Leibeigener geboren, landete er durch die Umstände bei seinem Besitzer in St. Petersburg, wo 1838 mehrere Vertreter des Adelskreises dem talentierten jungen Künstler halfen.auskaufenzur Freiheit. Schewtschenko erhält eine hervorragende Ausbildung. Die Kommunikation mit vielen ukrainischen und russischen Künstlern und Schriftstellern erweiterte den Horizont des jungen Mannes und 1840 veröffentlichte er seinen ersten Gedichtband „Kobzar“, in dem er sich mit der Geschichte der Ukraine befasste.

Schewtschenko prangert wütend die Kosaken-Hetmans an, die mit Moskau kollaboriert haben, und auch Chmelnizki wird dafür verantwortlich gemacht (für Schewtschenko ist dieser sowohl ein „brillanter Rebell“ als auch der Schuldige des für die Ukraine fatalen Bündnisses mit Russland, das ihr den Verlust der Unabhängigkeit gekostet hat). Der Dichter prangert die Willkür der Leibeigenen an und polemisiert mit Puschkin, der die Monarchen Peter I. und Katharina II. lobte, enthüllt die Willkür der russischen Zaren, die für den beklagenswerten Zustand seines Heimatlandes verantwortlich sind, und ruft offen dazu auf sie Tyrannen und Henker (Gedichte „Naimicka“, „Kaukasus“, „Traum“, „Katerina“ usw.), verherrlicht Volksaufstände (Gedicht „Haydamaky“) und die Heldentaten der Volksrächer (Gedicht „Varnak“) .

Schewtschenko betrachtete den Wunsch der Ukraine nach Freiheit als Teil des Kampfes um Gerechtigkeit nicht nur für sein Volk, sondern auch für andere Völker, die unter nationaler und sozialer Unterdrückung leiden.

Auch in Weißrussland fanden Prozesse der Erweckung des nationalen Selbstbewusstseins statt. Dank der Bemühungen von Vertretern der national gesinnten Intelligenz (die sich sowohl Litwiner als auch Weißrussen nannten), die bereits in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts die Identität des Volkes in Weißrussland erkannten. Es wurde bedeutendes Material zur Geschichte und Ethnographie gesammelt (Veröffentlichungen von mündlichen Denkmälern, Mythen, Legenden, Ritualen und antiken Dokumenten). In den westlichen Regionen waren Historiker und Ethnographen aktiv, die auf Polnisch (Syrokomlya, Borshchevsky, Zenkevich) schrieben, und in den östlichen Regionen - auf Russisch (Nosovich).

Im Jahr 1828 las Pawljuk Bagrim (1813 - 1890), der Autor des ersten Gedichts in der modernen weißrussischen Sprache, während eines Bauernaufstands Gedichte in belarussischer Sprache vor: „Spiel, Junge!“

In den 40er Jahren des 19. Jahrhunderts. geht auf die Anfänge des Schaffens des Schriftstellers Vincent Dunin-Martsinkevich (1807 - 1884) zurück, der das Flair des belarussischen Dorfes („Selyanka“, „Gapon“, „Karal Letalsky“ in sentimentalen Lehrgedichten und Komödien widerspiegelte der Geist des europäischen Klassizismus). Schreibt auf Weißrussisch undEinige der berühmten polnischen Dichter kamen aus diesen Orten.

Im Jahr 1845 erschien das anonyme burleske Gedicht „The Aeneid in Reverse“, geschrieben im Geiste der ukrainischen „Aeneis“ von Kotlyarevsky, dessen Urheberschaft V. Ravinsky zugeschrieben wird. Später erscheint ein weiteres anonymes Gedicht „Taras auf Parnass“, das die märchenhafte Geschichte des Waldarbeiters Taras beschreibt, der bei den griechischen Göttern auf dem Berg Parnass landete, die eine einfache Sprache sprechen und gewöhnliche Dorfbewohner darstellen.

Später entstand in der belarussischen Literatur ein nationalpatriotischer und demokratischer Trend, der in den 60er Jahren am deutlichsten durch den Journalismus des tapferen Kämpfers für das Glück der Menschen, des belarussischen Nationalhelden Kastus Kalinovsky, des Herausgebers der ersten illegalen belarussischen Zeitung „Muzhitskaya Pravda“, repräsentiert wurde.

Die Entwicklung der Nationalkultur Lettlands und Estlands erfolgte im Kampf gegen die feudal-klerikale Ideologie der deutsch-schwedischen Barone. 1857 - 1861 Der Begründer der estnischen Literatur, Friedrich Kreutzwald (1803 – 1882), veröffentlicht das Nationalepos „Kalevipoeg“ und estnische Volksmärchen. Unter der lettischen Intelligenz entstand eine nationale Bewegung „Junger Letten“, deren Organ die Zeitung „Petersburg Bulletin“ war. Die Mehrheit der „Jungletten“ vertrat liberal-reformistische Positionen. Zu dieser Zeit erlangte die Poesie des lettischen Patrioten Andrei Pumpurs (1841 – 1902) Berühmtheit.

In Litauen, oder wie es damals auch Samogitia genannt wurde, erschien eine Gedichtsammlung von Antanas Strazdas (1763 - 1833) „Weltliche und geistliche Lieder“.

Der Anschluss des Kaukasus an Russland verstärkte trotz der langwierigen Natur des Krieges das Eindringen europäischer kultureller Werte und den Fortschritt in das Leben der Völker des Kaukasus durch die russische Kultur, was sich in der Entstehung einer säkularen Schule äußerte , die Entstehung von Zeitungen und Zeitschriften und ein Nationaltheater. Das Werk der georgischen Dichter Nikolai Barataschwili (1817 – 1845) und Alexander Tschawtschawadse (1786 – 1846) wurde von der russischen Romantik beeinflusst. Dies sind Dichter, die in den 30er Jahren des 19. Jahrhunderts schufen. Die romantische Schule der georgischen Literatur war geprägt von freiheitsliebenden Bestrebungen und tiefen patriotischen Gefühlen. In den 60er Jahren des 19. Jahrhunderts. bezieht sich auf den Beginn der gesellschaftspolitischen und literarischen Tätigkeit von Ilja Tschawtschawadse (1837 - 1907).

eine anklagende Tendenz zu entwickeln, die erstmals in der Erzählung „Die Festung von Suram“ (1859) von Daniel Chonkadze (1830 – 1860) deutlich zum Ausdruck kam. Der Protest gegen die feudale Tyrannei und die Sympathie für die unterdrückte Bauernschaft zogen fortschrittliche georgische Jugendliche nach Tschawtschawadse, unter denen die Gruppe der „diejenigen, die das Wasser des Terek tranken“ („Tergdaleuli“) hervorstach.

Der Begründer der neuen armenischen Literatur, Khachatur Abovyan, erhielt seine Ausbildung aufgrund des Mangels an höheren Bildungseinrichtungen in Armenien in Russland. Er nahm die humanistischen Ideen der fortgeschrittenen russischen Kultur zutiefst an. Sein realistischer Roman „Die Wunden Armeniens“ war durchdrungen von der Idee der Bedeutung der Annexion armenischer Gebiete an Russland. Abovyan lehnte die tote Sprache der alten armenischen Schrift (grabar) ab und entwickelte auf der Grundlage der mündlichen Volkssprache die moderne literarische armenische Sprache.

Der Dichter, Publizist und Literaturkritiker Mikael Nalbandyan legte den Grundstein für den nationalpatriotischen Trend in der armenischen Literatur. Seine Gedichte („Lied der Freiheit“ und andere) waren ein Beispiel bürgerlicher Poesie, die die armenische Jugend zu patriotischen und revolutionären Taten inspirierte.

Der herausragende aserbaidschanische Pädagoge Mirza Fatali Akhundov legte in seinen Geschichten und Komödien eine solide Grundlage für die neue, säkulare aserbaidschanische Literatur und das nationale aserbaidschanische Theater, indem er die Traditionen der alten persischen Literatur ablehnte und gleichzeitig nutzte.

In der Folklore der Völker und Nationalitäten des Nordkaukasus und Asiens, die kürzlich Teil Russlands wurden, haben sich patriotische Motive und Motive des sozialen Protests verstärkt. Der Kumyk-Dichter Irchi Kazak (1830 – 1870), Lezgin Etim Emin (1839 – 1878) und andere Volkssänger Dagestans riefen ihre Stammesgenossen zum Kampf gegen die Unterdrücker auf. In der Kultur dieser Völker war es jedoch die Mitte des 19. Jahrhunderts. Von großer Bedeutung waren die Bildungsaktivitäten der Einheimischen, die in Russland eine Ausbildung erhielten. Unter ihnen stach der abchasische Ethnograph S. Zvanba (1809 - 1855) hervor; Verfasser der ersten Grammatik der kabardischen Sprache und Autor der „Geschichte des Adyghe-Volkes“ Sh. Nogmov (1801 - 1844); der Lehrer U. Bersey, der 1855 die erste „Grundlage der tscherkessischen Sprache“ schuf; der ossetische Dichter I. Yalguzidze, der 1802 das erste ossetische Alphabet zusammenstellte.

In der ersten Hälfte des Jahrhunderts verfügte das kasachische Volk auch über eigene Pädagogen. Ch. Valikhanov widersetzte sich mutig den russischen Kolonialisten und dem örtlichen feudal-klerikalen Adel, die die Interessen ihres Volkes verrieten. Gleichzeitig argumentierte er, dass die Kasachen für immer in der Nachbarschaft Russlands leben werden und sich dessen kulturellem Einfluss nicht entziehen können, und verband das historische Schicksal des kasachischen Volkes mit dem Schicksal Russlands.

RUSSISCHE THEATERKUNST

Unter dem Einfluss der europäischen Kultur in Russland ab Ende des 18. Jahrhunderts. Auch modernes Theater erscheint. Zunächst entwickelte es sich noch auf den Gütern großer Magnaten, doch nach und nach erlangten die Truppen ihre Unabhängigkeit und wurden kommerziell unabhängig. Im Jahr 1824 wurde in Moskau eine unabhängige Schauspieltruppe des Maly-Theaters gegründet. In St. Petersburg entstand 1832 das dramatische Alexandria-Theater; die Förderer der Künste waren noch immer Großgrundbesitzer, Adlige und der Kaiser selbst, die ihr Repertoire diktierten.

Der aufklärerische Sentimentalismus nimmt im russischen Theater eine herausragende Stellung ein. Die Aufmerksamkeit der Dramatiker wurde auf die innere Welt des Menschen, seine spirituellen Konflikte (Dramen von P. I. Ilyin, F. F. Ivanov, Tragödien von V. A. Ozerov) gelenkt. Neben sentimentalen Tendenzen bestand auch der Wunsch, die Widersprüche des Lebens, Züge der Idealisierung und des Melodramas zu glätten (Werke von V. M. Fedorov, S. N. Glinka usw.).

Allmählich werden in der Dramaturgie für den europäischen Klassizismus charakteristische Themen entwickelt: ein Appell an die heroische Vergangenheit der Heimat und Europas, an eine antike Handlung („Martha die Posadniza oder die Eroberung von Nowgorod“ von F. F. Ivanov, „Velsen oder Befreit Holland“ von F. N. Glinka, „Andromache“ von P. A. Katenin, „Argives“ von V. K. Kuchelbecker usw.). Gleichzeitig entwickelten sich Genres wie Varieté (A. A. Shakhovskoy, P. I. Khmelnitsky, A. I. Pisarev) und Familienspiel (M. Ya. Zagoskin).

Im ersten Viertel des 19. Jahrhunderts. Im russischen Nationaltheater entfaltet sich der Kampf um die Schaffung eines neuen, national originellen Theaters. Diese Aufgabe wurde durch die Schaffung einer wirklich nationalen, originellen Komödie von A. Griboyedov „Woe from Wit“ erfüllt. Ein Werk von innovativer Bedeutung war Puschkins historisches Drama „Boris Godunow“, dessen Autor aus den Formen der Hoftragödie des Klassizismus und dem romantischen Drama von Byron hervorgegangen ist. Die Produktion dieser Werke wurde jedoch einige Zeit durch die Zensur behindert. Auch die von freiheitsliebenden Ideen durchdrungene Dramaturgie von M. Yu. Lermontov bleibt außerhalb des Theaters: sein Drama „Maskerade“ in den Jahren 1835 - 1836. dreimal durch Zensur verboten (Auszüge aus dem Stück wurden dank der Beharrlichkeit der Schauspieler erstmals 1852 aufgeführt und erst 1864 vollständig aufgeführt).

Die Bühne des russischen Theaters der 30er und 40er Jahre war hauptsächlich von Varietés besetzt, die hauptsächlich Unterhaltungszwecken dienten (Stücke von P. A. Karatygin, P. I. Grigoriev, P. S. Fedorov, V. A. Sollogub, N. A. Nekrasov, F. A. Koni und anderen). Zu dieser Zeit wuchs das Können der talentierten russischen Schauspieler M. S. Shchepkin und A. E. Martynov, die es verstanden, die Widersprüche des wirklichen Lebens hinter komischen Situationen zu erkennen und den geschaffenen Bildern echte Dramatik zu verleihen.

Eine große Rolle bei der Entwicklung des russischen Theaters spielten die Stücke von A. N. Ostrovsky, die in den 50er Jahren erschienen und das russische Drama auf ein sehr hohes Niveau hoben.

BILDENDE KUNST UND ARCHITEKTUR

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. In Russland erhielt der Klassizismus unter dem Einfluss des sozialen und patriotischen Aufschwungs neue Inhalte und eine fruchtbare Entwicklung in einer Reihe von Kunstbereichen. Im Stil des reifen Klassizismus mit seinen kraftvollen, starken und monumental einfachen Formen werden die besten öffentlichen, Verwaltungs- und Wohngebäude in St. Petersburg, Moskau und einer Reihe von Städten errichtet: in St. Petersburg - die Admiralität von A. D. Zakharov, die Kasaner Kathedrale und das Bergbauinstitut – A. N. Voronikhin, Exchange – Thomas de Tomon und eine Reihe von Gebäuden von K.I. Russland; und Moskau - Gebäudekomplexe von O. I. Bove, D. I. Gilardi und anderen Meistern (die neue Fassade der Universität, Manege usw.). Im Prozess der intensiven Bautätigkeit in den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. Der klassische Look nimmt endlich Gestalt anSt. Petersburg.

Der patriotische Aufschwung des Volkes sollte durch die Installation eines Denkmals für die Befreier Minin und Poscharski im Jahr 1818 auf dem Roten Platz in Moskau durch den Bildhauer I. P. Martos, der das Finale verkörperte, erleichtert werdenRusslands neuer Sieg über Polen und Litauen.

Der Einfluss des Klassizismus in der Architektur verschwindet auch in der Mitte des Jahrhunderts nicht. Die Gebäude dieser Zeit zeichnen sich jedoch durch eine gewisse Verletzung des bisherigen harmonischen Formenverhältnisses aus und sind teilweise mit dekorativen Verzierungen überladen. Alltägliche Merkmale werden in der Skulptur deutlich hervorgehoben. Die bedeutendsten Denkmäler – die Denkmäler für Kutuzov und Barclay de Tolly von V. I. Orlovsky und die Skulpturen von P. K. Klodt (Pferdefiguren auf der Anitschkow-Brücke) – vereinen Merkmale klassischer Strenge und Monumentalität mit neuen romantischen Bildern.

Fast alle bildende Kunst des frühen 19. Jahrhunderts. zeichnet sich durch klassische Klarheit, Einfachheit und Maßhaltigkeit der Formen aus. Doch die Maler und Grafiker dieser Zeit durchbrachen den alten, konventionellen und begrenzten Rahmen künstlerischen Schaffens, der von der klassizistischen Ästhetik festgelegt wurde, und näherten sich nach und nach einer freieren und umfassenderen Wahrnehmung und einem Verständnis der umgebenden Natur und des Menschen, das manchmal von emotionaler Erregung geprägt war. Das Alltagsgenre erfuhr in dieser Zeit eine fruchtbare Entwicklung. Ein Beispiel dafür ist das Werk von O. A. Kiprensky (1782 – 1836), S. F. Shchedrin (1751 – 1830), V. A. Tropinin (1776 – 1857), A. G. Venetsianov (1780 – 1847).

In der Kunst der 30er und 40er Jahre rückte die Historienmalerei in den Vordergrund. In dem Gemälde „Der letzte Tag von Pompeji“ von K. P. Bryullov (1799 - 1852) zeigt die Komposition und Plastizität der Figuren der Menschen noch immer den Einfluss der klassizistischen Schule, zeigt aber die Erfahrungen von Menschen, die von einem Blinden getroffen wurden Mit seinem zerstörerischen Element überschreitet der Künstler bereits die Grenzen des Klassizismus. Dies zeigte sich deutlich in Bryullovs späteren Werken (insbesondere in Porträts und Landschaftsskizzen).

Alexander Ivanov (1806 – 1858) spiegelte in seiner Malerei die spannenden Ideen der Moderne wider. Mehr als 20 Jahre lang arbeitete der Künstler an seinem monumentalen Gemälde „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“, dessen Hauptthema die spirituelle Wiedergeburt von Menschen war, die in Leiden und Lastern versunken waren.

Die Werke von Pavel Fedotov (1815 – 1852) markierten eine neue Etappe in der Entwicklung der russischen Malerei. Durch die Darstellung des Lebens von Beamten, Kaufleuten und verarmten Adligen, obwohl diese ihre Ansprüche nicht verloren hatten, schaffte Fedotov dasKunst, Bilder und Themen, die zuvor in der Genremalerei nicht berührt wurden. Er zeigte die Arroganz und Dummheit der Beamten, die naive Selbstgefälligkeit und List der neuen reichen Kaufleute, die hoffnungslose Leere der Offiziersexistenz in der Provinz im Zeitalter der Nikolausreaktion, das bittere Schicksal seines Künstlerkollegen.

Vasily Perov (1834 - 1882), I. M. Pryanishnikov (1840 - 1894), N. V. Nevrev (1830 - 1904) und eine Reihe anderer Maler, die ihr kreatives Leben in den 60er Jahren begannen, wurden zu Schöpfern aufschlussreicher Genrebilder, die die Phänomene der Moderne widerspiegeln Wirklichkeit. Die Werke dieser Künstler zeigen die Ignoranz der Priester, die Willkür der Beamten, die grausame und unhöfliche Moral der Kaufleute – der neuen Herren der Gesellschaft, das harte Los der Bauernschaft und die Unterdrückung der kleinen „gedemütigten und beleidigten“ Menschen die unteren sozialen Schichten.

Im Jahr 1863G. 14 Absolventen der Akademie unter der Leitung von I.N. Kramskoy (1837 - 1887), der sich weigerte, Programme zu einem bestimmten Thema durchzuführen, schloss sich in einer Artel von Künstlern zusammen, um mit ihrer Kunst den Interessen der Gesellschaft dienen zu können. Im Jahr 1870 entstand der Verband der Wanderkunstausstellungen, der die besten kreativen Kräfte um sich versammelte. Im Gegensatz zur offiziellen Akademie der Künste, die die Salonkunst in Malerei und Bildhauerei entwickelte, unterstützten die Wanderers neue künstlerische Bestrebungen in der russischen Malerei, die den Grundstein für den Aufstieg der Kunst in den 70er und 80er Jahren legten.

RUSSISCHE MUSIK

Im 19. Jahrhundert Die russische Musik, die noch keine starken Traditionen hatte, spiegelte die allgemeinen Trends in der Entwicklung der gesamten Kunst wider und gab, indem sie die Liedtraditionen vieler Völker Russlands aufnahm, am Ende des 20. Jahrhunderts den Anstoß für die Entstehung weltberühmter Komponisten Jahrhundert.

Zu Beginn des Jahrhunderts, unter dem Einfluss der Ereignisse des Vaterländischen Krieges von 1812, erlangte das in den Werken von S.A. verkörperte heroisch-patriotische Thema eine weit verbreitete Entwicklung. Degtyarev – Autor des ersten russischen Oratoriums „Minin und Pozharsky“, D.N. Kashina, SI. Davydova, I.A. Kozlovsky – der Autor des ersten russischen BuchesHymne „Thunder of Victory!“

Basierend auf den Volksmelodien der russischen, ukrainischen und weißrussischen Völker entsteht eine reiche und vielfältige Liedtexte, die die Gefühlswelt des einfachen Mannes zutiefst zum Ausdruck bringt (Romanzen von A. A. Alyabyev, lyrische Lieder von A. E. Varlamov und A. L. Gurilev, romantische Opern von A. N. Werstowski).

Der berühmteste Komponist der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, dessen Werk die russische Musik in den Kreis von Phänomenen von Weltbedeutung brachte, war Michail Glinka (1804 - 1857). In seiner Kunst brachte er die Grundzüge des nationalen Charakters des russischen Menschen zum Ausdruck, der trotz aller Widrigkeiten und Unterdrückung ein Patriot seiner Heimat bleibt.

Bereits Glinkas erste Oper „Leben für den Zaren“ („Ivan Susanin“, 1836) wurde zu einem Phänomen im kulturellen Leben nicht nur Russlands, sondern auch Europas. Glinka schuf eine hochpatriotische Tragödie, wie sie die Opernbühne noch nie erlebt hat. Mit einer weiteren Oper – „Ruslan und Ljudmila“ (1842) – setzt der Komponist die Themen der Verherrlichung der russischen Antike fort, verwendet jedoch märchenhaft-episches, episches Material. Glinkas historisches Drama und Opernmärchen bestimmten den zukünftigen Weg der russischen Opernklassiker. Auch die Bedeutung von Glinkas Symphonie ist groß. Seine Orchesterphantasie „Kamarinskaja“, zwei spanische Ouvertüren zu Volksliedthemen und die lyrische „Walzer-Fantasie“ dienten als Grundlage für die russische Symphonieschule des 19. Jahrhunderts.

Glinka zeichnete sich auch auf dem Gebiet der Kammertexte aus. Glinkas Romanzen weisen typische Merkmale seines Stils auf: Plastizität und Klarheit einer breiten, singenden Melodie, Vollständigkeit und Harmonie der Komposition. Der Komponist greift auf Puschkins Texte zurück und das poetische Denken findet in ihm einen einzigartig schönen, harmonischen, klaren Ausdruck von Puschkins Strophe.

Alexander Dargomyzhsky (1813 - 1869) führte die Traditionen von Glinka fort. Dargomyzhskys Werk spiegelte neue Trends in der gesamten Kunst wider, die in der kritischen Zeit der 40er und 50er Jahre heranreiften. Das Thema soziale Ungleichheit und Rechtslosigkeit erlangt für den Komponisten große Bedeutung. Ob er das Drama eines einfachen Bauernmädchens in der Oper „Rusalka“ oder den tragischen Tod eines Soldaten in „Der alte Korporal“ malt – überall agiert er als sensibler Künstler-Humanist, der bestrebt ist, seine Kunst den Bedürfnissen der Menschen näher zu bringen die demokratischen Schichten der russischen Gesellschaft.

Dargomyzhskys Oper „Rusalka“ (1855) markierte den Beginn eines neuen Genres des psychologischen Dramas in der russischen Musik. Der Komponist schuf Bilder von leidenden, benachteiligten Menschen aus dem Volk – Natascha und ihrem Müllervater –, die in ihrer Tiefe bemerkenswert sind. In der musikalischen Sprache der Oper mit ihrer breiten Entwicklung dramatisch ausdrucksstarker Rezitative und dramatischer Szenen zeigte sich Dargomyzhskys inhärente Fähigkeit und Sensibilität bei der Vermittlung emotionaler Erfahrungen.

Dargomyzhskys innovative Suche findet ihren größten Ausdruck in seiner neuesten Oper „Der steinerne Gast“, die auf der Handlung von Puschkins Drama basiert. Nachdem der Komponist den gesamten Puschkin-Text bewahrt hat, baut er die Oper auf der Grundlage eines kontinuierlichen Rezitativs ohne Unterteilung in vollständige Teile auf und ordnet die Gesangsstimmen den Prinzipien der sprachlichen Ausdruckskraft und der flexiblen Intonation des Verses unter. Dargomyzhsky verzichtet bewusst auf die traditionellen Formen der Oper – Ensembles und Arien – und verwandelt sie in ein psychologisches Musikdrama.

In den 60er Jahren begann in Russland ein neuer Aufschwung im musikalischen und gesellschaftlichen Leben. M. A. Balakirev, A. G. und N.G. Rubinstein gründete Musikorganisationen neuen Typs, die ersten Konservatorien in Russland. Die Werke der bedeutenden Kunstwissenschaftler V. V. Stasov und A. N. Serov legen die solide Grundlage der klassischen Musikwissenschaft. All dies prägte den Aufstieg der russischen Musik in der nächsten Periode, der von so herausragenden Komponisten wie Tschaikowsky, Mussorgski, Borodin und Rimski-Korsakow vorangetrieben wurde.