Klasični stilovi u unutrašnjosti. Barok i klasicizam u arhitekturi

arhitektonski klasicizam barokno urbanističko planiranje

Karakteristike svakog od njih razvijen stil ne predstavlja posebne metodološke poteškoće. Druga stvar je analiza prekretnice između dva specifična stila, koja je u svojoj suštini kontradiktorna. Kako nastaje takav prelom? Ne zanima nas toliko pitanje - šta ga uzrokuje u opštem smislu, koliko razjašnjavanje osnovnih obrazaca u promeni stilova. U potrazi za takvim pravilnostima, svjesno ćemo dopustiti neko polemičko zaoštravanje formulacija kako bismo oštrije iznijeli predloženo gledište. Prijelaz iz baroka u klasicizam bio je jedan od najbržih u promjeni stilova domaće arhitekture. Kraj 1750-ih je još uvijek vrhunac baroka. Već sredina 1760-ih bila je vrijeme širokog širenja klasicizma. Za izuzetno kratak period od pet do sedam godina dolazi do potpune promjene estetskih ukusa. ruska arhitektura barok XVIII in. bio je istorijski određen, složen i osebujan fenomen, koji je upio mnoge tradicije ruske arhitekture XVII vijeka, te niz odlika domaće arhitekture neposredno prethodnog perioda – odnosno početka 18. vijeka i uticaja arhitekture glavnih evropskih zemalja koje su joj savremene. Ove veoma različite komponente, međutim, formirale su jaku leguru, koja je imala karakteristike jedinstvene originalnosti. Oba pravca tada još nisu znala svoja buduća imena, ali suština stilskih razlika, njihove granice jasno su vidljive na primjerima najboljih građevina nastalih ili projektiranih gotovo u istim godinama. Naglašeno sočne dekorativnosti i dinamike baroknih formi suprotstavlja pomalo suvoparna racionalistička arhitektura ranog klasicizma. Najistaknutije građevine ruskog baroka - Zimska palata B. F. Rastrellija i Mornarička katedrala Svetog Nikole S. I. Chevakinskrgo, tako tipične po svojoj preplavljenoj bravuri, dovršene su do 1762. U isto vrijeme, već 1760. A. F. Kokorinov projektira Kuću zadovoljstva u blizini Oranienbauma - djelo u kojem dominiraju principi novog pravca u arhitekturi. Plan, silueta, cjelokupni volumen zgrade su vrlo kompaktni, sa naglašenom dominacijom horizontalnih linija. Detalji su izrađeni u klasičnim oblicima i proporcijama. Iste godine, A.F. Kokorinov, zajedno sa Zh.B. M. Wallen Delamotte kreirao je prvu verziju projekta Velikog gostinjskog dvora u Sankt Peterburgu. U ovoj verziji, koja je postala osnova za konačnu odluku donesenu dvije godine kasnije, već je postavljena ideja o veličanstvenoj poslovnoj zgradi u svojoj jednostavnosti s odmjerenim ritmom dvospratnih arkada raščlanjenih skromnim pilastrima toskanskog reda. . Godine 1763-1764. razvijaju se projekti za Akademiju umjetnosti (A. F. Kokorinov i J.-B. Vallin Delamotte), sirotišta u Moskvi (K. I. Blank) i Sankt Peterburgu (Yu. M. Felten) - prve strukture posebno dizajnirane za obrazovne svrhe. Od toga je zgrada Akademije umjetnosti najbolji rad početno razdoblje ruskog klasicizma. Smješten na odgovornoj lokaciji, sa glavnom fasadom okrenutom prema glavnom plovnom putu glavnog grada - rijeci Nevi, doprinosi arhitektonskoj organizaciji značajnog dijela nasipa. Plan zgrade se zasniva na dobro osmišljenom procesu funkcionalne obuke za umjetnike: glavne radne površine smještene su duž vanjskog perimetra zgrade i oko ogromnog kružnog dvorišta, koje im pruža dobro osvjetljenje. Površina zidova je obilno raščlanjena, ali su artikulacije sa jasno definisanim proporcijama reda uglavnom ravne prirode. Period opadanja, postepene degradacije nije prethodio promeni stila. Naprotiv, baš u trenutku svog najvećeg procvata, barok se pokazao neodrživim za rješavanje novih problema, a zgrade u klasicističkom stilu odmah su se pojavile iznenađujućom brzinom. Takva brzina mijenjanja stilova nije tipična. To je, kao što je već spomenuto, posebnost ove prekretnice - od baroka do klasicizma - a uzrokovana je općom situacijom kada je umjetno usporen povijesni razvoj počeo energično nadoknađivati ​​izgubljeno vrijeme. Koncept baroka kao integralnog stila prestao je ne samo da dominira arhitekturom, već i općenito ima značajniji utjecaj na njen daljnji razvoj. Zasebne karakteristike starog sistema, iako su se pojavljivale neko vrijeme u pojedinim elementima struktura ranog klasicizma, bile su samo ostaci koji su postepeno zastarjeli. Samo su u provincijama barokne forme postojale po inerciji gotovo do krajem XVII 1. vek Istorijski preduslovi za promjenu stila uključuju materijalne i ideološke faktore. Kao najvažnije, treba istaći značajno povećanje vojne i političke moći Rusije, praćeno brzim rastom njenog ekonomskog potencijala.

Ništa manje važni preduslovi za promjenu stila bile su ideje prosvjetiteljstva, humanizma, ideala prirodni čovek karakteristično za sve napredno razmišljanje XVIII veka. Sve glasnije se čuo poziv na razum kao glavni kriterij i mjerilo svih postignuća. Ideje racionalizma su naširoko razvijene od druge polovine stoljeća.

U arhitekturi su svi ovi faktori doveli do velikih promjena. Ekonomski prosperitet zemlje uslovio je brzi rast građevinarstva u svim oblastima. Promjene ideološkog poretka zahtijevale su značajno proširenje arhitektonskih tema, drugačiji figurativni sadržaj. Neprekidno su se javljale dosad neviđene teme i zadaci.

U međuvremenu, baroknu arhitekturu odlikovala je tematska skučenost. Sfera arhitekture kao umjetnosti bila je ograničena uglavnom na palače i vjerske građevine. Ako je bilo potrebno stvoriti strukture za drugu namjenu, onda su one razvijene u istim, bliskim palači, ceremonijalnim, vrlo svečanim oblicima, primjer za to je projekt Gostinog dvora u Sankt Peterburgu, koji je predložio F. B. Rastrelli 1757.

Razvoj baroknih oblika na putu njihovog daljeg usložnjavanja mogao bi se nastaviti dosta dugo, ali se sam raspon primjene takvih oblika nije mogao ni na koji način proširiti. Mogućnosti stila došle su u sukob sa stvarnošću. To je odredilo njegovu sudbinu.

Sredinom 18. stoljeća pojavila se potreba za stvaranjem različitih tipova novih javnih zgrada ili takvih objekata koji u doba baroka nisu imali umjetnički značaj - na primjer, industrijske, magacinske, poslovne zgrade. Novi zadaci su se pojavili i u stambenoj izgradnji. Konačno, grad u cjelini kao društvena cjelina dobio je bitno drugačiju karakteristiku nego ranije i u tom smislu je zahtijevao drugačije plansko i volumetrijsko rješenje.

Sav taj rast potražnje odvijao se u razmerama jedne gigantske zemlje.

Tradicionalne kreativne metode nisu se mogle nositi s takvim zadacima. Ali ovakvi, iako jednostavniji, zadaci su se pojavili pred arhitektima već početkom 18. stoljeća. Arhitekturu vremena Petra Velikog odlikuju jasne i izvodljive odluke zasnovane na jasnim racionalističkim principima. Tradicije racionalizma pojavile su se u ruskoj arhitekturi početkom 18. stoljeća, naravno, ne prvi put. Ove tradicije su dugo živjele, ali bilo je epoha koje su bile posebno povoljne za njihov razvoj, kao i vremena kada je racionalizam latentno postojao u arhitekturi kao rezidualni fenomen prethodnog perioda. Ruski barok druge četvrtine 18. veka. također nije izbjegao utjecaj petrovske arhitekture koja joj je prethodila, a racionalizam ove potonje uneo je neke zasebne elemente u stilska obilježja smjera koji mu je u suštini bio suprotan.

Čak iu djelu vodećeg baroknog majstora Rastrelija mogu se uočiti elementi racionalizma. Tako, na primjer, fantastično bogata i složena dekoracija dvorskih zgrada ovog arhitekte ne narušava jednostavnost i jasnoću planova.

U djelima D. V. Ukhtomskog i S. I. Chevakinskog racionalističke su tendencije još uočljivije. Vrijedi se prisjetiti projekta Uhtomskog za Dom invalida u Moskvi, ili zvonika Mornaričke katedrale Svetog Nikole u Sankt Peterburgu, čija se jasna jasnoća arhitekture toliko razlikuje od uzavrele veselosti same katedrale da neki naučnici nisu ni željeli prepoznati ga kao djelo Čevakinskog. Oba arhitekte su bili studenti I.K.Korobova, čije su se aktivnosti djelimično poklopile s baroknim periodom. Međutim, među majstorima ovog vremena, Korobov, jedan od slavnih penzionera Petra Velikog, zadržao je najracionalističkiju orijentaciju svog rada. Preko Korobova nastavljene su tradicije racionalizma u djelima njegovih brojnih učenika, au radu najmlađeg od njih, A. F. Kokorinova, oživljene su u drugačijem umjetničkom kvalitetu, preispitane u duhu zadataka novog. arhitektonski pravac.

Racionalizam kao težnja za jasnoćom, razumljivošću, logičnošću arhitektonske slike - svega u cjelini i njegovih pojedinačnih komponenti - postao je glavni faktor u formiranju novog stila. Njegovi principi su zahtijevali posebno skladan, logički cjelovit umjetnički koncept. Takav koncept je već ranije stvoren u klasičnim školama arhitekture antike i renesanse. Arhitekti su počeli pažljivo proučavati naslijeđe antike (u rimskom tumačenju, jedinom u to vrijeme) i renesanse. Velika pažnja prema klasici postala je, takoreći, sekundarni faktor u formiranju arhitekture ranog ruskog klasicizma.

Naravno, u ruskim uslovima tih godina, proučavanje klasičnih tradicija oblikovanja moglo se odvijati samo kroz upoznavanje sa teorijskim radovima Vitruvija, Andrea Palladija, Vignole i uvraža, u kojima su izmereni crteži ili skice arhitektonskih spomenika. postavljeno. Nedovoljnost ovakvog načina upoznavanja je vrlo brzo uvidjena. Karakteristično je da, ako je mladi B. F. Rastrelli svojevremeno putovao u inostranstvo ne dalje od Nemačke, gde se samo upoznao sa iskustvom savremene nemačke arhitekture, onda se već u prvoj polovini 1750-ih nameće ideja da se pošalje perspektivni gezel Kokorinov. u Italiju radi proučavanja arhitekture antike i renesanse. Od 1760. godine novoosnovana Akademija umjetnosti počela je redovno slati svoje najbolje učenike u inostranstvo i zadužila ih da se upoznaju sa spomenicima arhitektonskih klasika.

Najzad, još jedan faktor koji je uticao na formiranje novog stila u Rusiji bila je povezanost ruske arhitekture sa savremenom arhitekturom drugih zemalja, među kojima je Francuska u to vreme bila vodeća zemlja u svim oblastima ideologije.

Za rusku arhitekturu, veze sa francuskom arhitekturom postale su veoma značajne već u prvoj četvrtini 18. veka, kada je J.-BA Leblon, pozvan u Rusiju, ovde stvorio ne samo jedan od temeljnih planskih projekata za Sv. mlada ruska prestonica.

Tendencije racionalizma, karakteristične za tu granu francuske arhitekture, čiji je Leblon bio predstavnik, poklopile su se sa glavnim pravcem ruske arhitekture početkom 18. veka. Promjena orijentacije arhitekture u postpetrinskom periodu dovela je i do promjene prirode veza s francuskom arhitekturom. Rococo trikovi počeli su uživati ​​u uspjehu, koji je u samoj Francuskoj do tada pretrpio ozbiljan poraz. Konkurs za uređenje glavnog pročelja crkve sv. Sulpicija u Parizu najavila je zaokret u razvoju arhitektonskih ideja. Upravo na ovom konkursu odbačeni su principi rokoko dekorativnosti, koje je J. O. Meissonier doveo do najvišeg stepena sofisticiranosti, a prednost je data strogoj i klasično jasnoj kompoziciji J. N. Servandonija, koja je tada, u osnovi, implementirana 1733. -- 1745

Razvoj javni život 1750-ih navelo je rusku arhitekturu da se fokusira na napredna dostignuća francuskih arhitekata. Važna faza u pobjedi klasicizma u Francuskoj bilo je takmičenje za stvaranje Place Louis XV u Parizu. Kao rezultat nekoliko uzastopnih krugova takmičenja (kraj 1740-ih - početak 1750-ih) pobijedio je projekat J.A. Gabriela, koji je označio odobravanje novih pogleda na principe urbanizma. Po prvi put u svjetskoj istoriji, gradski trg je odlučen u odnosu i povezanosti sa cjelokupnim prostorom grada.

Uspjeh J.-J. Soufflet u restoranu St. Genevieve u Parizu i Gabrielova izgradnja intimne palače Petit Trianon u Versaillesu već je značila konačnu pobjedu novog trenda u francuskoj arhitekturi.

U Rusiji su se sa zanimanjem i pažnjom proučavali radovi teoretičara arhitekture M. A. Laugiera, J. F. Blondela i drugih. Blondelova ideja bila je isuviše očigledna francuska nacionalna nota i još uvijek je bila daleko od dosljedne implementacije klasičnih formi, što je, između ostalih razloga, odigralo ulogu u odbijanju projekta. Ali ovo je već bila nesreća u opštem toku istorije. Od kraja 1750-ih, napredna francuska arhitektura postala je najbliža ruskoj arhitekturi u smislu ciljeva i težnji.

Na primjeru prijelaza iz baroka u klasicizam, može se pokušati zaključiti neki opći obrasci u promjeni arhitektonskih stilova.

Novonastali stil ispunjava nove zahtjeve iu tom smislu njegov put je uvijek originalan i neistražen. Što je ovaj neofit inovativniji, to moraju biti šire tradicije na koje se oslanja. Ali u isto vrijeme, pravac u nastajanju se s sasvim razumljivim antagonizmom odnosi prema metodama svog prethodnika, što je u određenom trenutku otkrilo njihovu nedosljednost. Stoga, svaki novi stil traži oslonac u tradiciji umjetnosti ne neposredno prethodnog perioda, već daleke prošlosti, a prije svega u tradiciji "djedova". Uostalom, i prethodni stil je negirao pravac koji je postojao prije njega, zbog čega svaki put "djedovske" tradicije postaju glavni izvor posuđivanja.

Zaista, ruska barokna arhitektura druge trećine 18. vijeka po duhu je mnogo bliža građevinama Rusije s kraja 17. stoljeća nego arhitekturi epohe Petra I.

Iz istog razloga, želja za prosvjetiteljstvom, utilitarizmom i sveobuhvatnim racionalizmom, svojstvena petrovskoj arhitekturi, našla je svoj samostalni nastavak u arhitekturi klasicizma. Takva originalna zgrada za kompleks naučnih institucija kao što je Kunstkamera, zamišljena pod Petrom Velikim, nije dobila daljnji razvoj u periodu baroka kao nova vrsta građevine, pa čak ni ponavljanje, čak i ako je pojednostavljeno. U međuvremenu, arhitektura klasicizma započela je upravo stvaranjem strukture ove vrste: zgrada Akademije umjetnosti kombinirala je najviše art centar, muzej, obrazovna ustanova "tri najplemenitije" umetnosti sa internatom, pa čak i pozorištem uz nju, umetničkim ateljeima i stambenim stanovima za nastavno osoblje.

Petrinsko doba nije poklanjalo veliku pažnju zgradama palača, ali je veliku važnost pridavalo utilitarnoj gradnji, podižući je na nivo prave arhitekture. Admiralitet u Sankt Peterburgu je odlučeno ne jednostavno kao industrijsko preduzeće, u kombinaciji sa odbrambenom strukturom, ali kao spomenik pomorskoj moći Rusije. Zgrada je bila vrlo niska i materijal - polubrvna - nije bio nimalo monumentalan, ali je ideja o ​​širokoj, 400 metara raširenoj građevini, označenoj u centru tornjem sa tornjem, bila ideja. odlične arhitekture.

Jedan od velikih majstora ruskog baroka, S. I. Chevakinsky, na poziciji arhitekte Admiralitetskih koledža, projektovao je i izgradio mnoge utilitarne objekte za domaću flotu. Ali među ovim njegovim djelima nema građevina sličnih Admiralitetu, značajnih po svom arhitektonskom dizajnu. Sagradivši Mornaričku katedralu Svetog Nikole, Čevakinski je stvorio radosnu, slavnu himnu pomoću arhitekture. Ipak, u utilitarnim zgradama, doba od njega nije zahtijevalo ništa osim snage i korisnosti.

Karakteristično je da je početkom 1760-ih, započevši projekat zgrade skladišta drveta na ostrvu New Holland u Sankt Peterburgu, Chevakinsky razvio novu tehnologiju za skladištenje drva, a takođe je izradio i plan izgradnje, ali se nije nosio sa figurativno rješenje fasada, a ovaj dio posla povjeren je arhitekti novog pravca - Wallenu Delamotteu.

Racionalizam, koji čini osnovu koncepta klasicizma, također je našao odjek u tradicijama arhitekture ranog 18. stoljeća, iako je, kao što je ranije navedeno, sama ruska barokna arhitektura u određenoj mjeri koristila ove tradicije.

Ovdje bih želio naglasiti da najvažnije tradicije nikada ne umiru. Razvijaju se u uzlaznoj spirali. Sa svakim sljedećim okretom, dio pokreta, relativno govoreći, prolazi u sjeni. Preovlađujući stil u to vrijeme samo toleriše takvu "sjenčanu" tradiciju, a često je koristi čak iu suprotnom smislu.

Ako je ideal renesanse bio harmonično savršena ličnost, ličnost za koju ne postoje kontradikcije između ličnog i javnog, onda je čoveka 17. veka karakterističan beskrajni sukob ovih principa; ako je junak umjetničkih djela renesanse karakterizirao jedinstvo sa vanjski svijet, prirode, onda je junak Novog doba svestan svoje zavisnosti od sredine i spoljašnjih okolnosti. Drama stvarnosti, slom ideala renesanse doveli su do novih oblika percepcije svijeta. Optimistički realizam renesanse zamjenjuje se osjećajem nestabilnog položaja osobe, koji karakterizira jedan ili drugi unutrašnji sukob: sukob individualnih prava i javnih dužnosti, pobuna protiv slijepe poslušnosti svjetovnoj ili crkvenoj vlasti. vlasti, svijest o nedosljednosti bića. Čovjeku je sve teže naći svoje mjesto u novim odnosima društva, kojem je sve manje potreban svestrani čovjek renesanse, a sve više - ličnost-funkcija. Ovaj tragični sudar dolazi do izražaja u dva pravca mišljenja, u dva načina odnosa prema svijetu i, konačno, u dva umjetnička stila. - baroka i klasicizma.

Poreklo pojma "barok" je nejasno, poznat je samo prevod sa italijanskog: čudan, pretenciozan. Može se pretpostaviti da barok predstavlja ne samo umetnički stil(barok se često smatra samo smjerom umjetnosti), ali i poseban način odnosa prema svijetu i prema svijetu. Povezuje se s krizom ideala humanizma, društveno-političkim prevratima karakterističnim za 17. vijek. Mentalitet barokne osobe karakterizira osjećaj zbunjenosti i zbunjenosti, osjećaj kontradiktornosti svijeta, nestalnost sreće, svemoć sudbine i slučajnosti. Optimistički ideal renesanse „smjenjuje se pesimističkom procjenom stvarnosti i oduševljenim divljenjem čovjeku i njegovim mogućnostima – isticanjem njegove dvojnosti, nedosljednosti i izopačenosti“; „Neprekidno se shvaća nesklad između izgleda stvari i njihove suštine, osjeća se rascjepkanost bića, sukob između tjelesnih i duhovnih principa, između vezanosti za čulnu ljepotu svijeta i svijesti o krhkosti zemaljskog postojanja.

Pojava baroka najčešće se vezuje za kontrareformaciju. Činjenica je da je nakon burnih događaja iz prošlosti, žestokih vjerskih ratova, Evropa razorena i uništena. Usred ratom razorene Evrope, samo je Rim izbegao verske oluje i preokrete. Ostala je uporište Katoličke crkve, iako pritisnuta svojim utjecajem, ali još uvijek vrlo jaka, posebno nakon Tridentskog sabora, pa se tu javlja želja da se afirmiše trijumf zvanične crkve. Prema modernom francuskom teoretičaru E. Malu, glavne ideje crkve tog vremena bile su: mučeništvo, vizija, ekstaza, smrt. Ove religiozne teme u glavama ljudi bile su povezane sa smislom i dobrom svrhom pravednog postojanja. One nisu mogle postojati samo na racionalnoj osnovi, svakako su morale biti pomiješane sa jakom emocijom koja impresionira vjernika i snažno djeluje na bilo koju drugu osobu. U ovom snažnom emocionalnom naboju trebalo je biti utisnuto ne samo mistično stanje zajedništva sa vjerskim sakramentom, već i trijumfalni osjećaj pobjede crkve nad svojim reformatorima. Stoga se barok u početku pojavljuje u vjerska umjetnost posebno u arhitekturi. I romanički stil i gotika imali su sasvim određena i uzdignuta na nivo pravilnosti pravila za stvaranje građevina. Linije ovih zgrada bile su jasne i definisane. Barok je „pobuna zakrivljenih, ukrštenih, prelivajućih kamenih masa koje su izgubile „kamenost“ i kao da su stekle svojstva viskoznog plastičnog materijala“. Postepeno, barok je prešao sa arhitekture na skulpturu, slikarstvo i druge oblike duhovnog života.

Može se postaviti pitanje: kako je tako poletan i dinamičan (u početku samo umjetnički) stil, poput baroka, povezan s krizom duha, kako je mogao kompenzirati duhovna previranja i osjećaj zbunjenosti koje smo upravo spomenuli u okviru crkvene umetnosti? Treba napomenuti da Kontrareformacija nije mogla prevladati vjerske razlike - reformatori su samo zahtijevali visok moral u vjerskim osjećajima. Crkva se u ovom slučaju borila za vlast – zemaljsku i duhovnu. Trebali su joj apologeti, glasnogovornici i samo parohijani. Trebalo je da zavlada unutrašnjim svijetom osobe koja je već okusila opasnosti racionalizma, da odredi obim grijeha i pobožnosti, kao i sudbinu svih kategorija stanovništva - od građana do kraljeva. Bilo je moguće privući se u svoja njedra suprotstavljajući se surovom životu protestanta svijetlom razonodom katolicizma. Dakle, u „baroknoj umjetnosti, čak i kada je neposredno služila crkvi, nema mnogo onoga što se zove pobožnost, uprkos tome što se neprestano prikazuju čuda, vizije, mistični zanosi. U tim ekstazama, senzualnost, „plotnost“ pa čak i direktna erotika probijaju se previše jasno“ [ibid., str. 97].

Jedan od najpoznatijih teoretičara baroka Emmanuele Tesauro(1592-1675) kao glavni princip "baroknog mišljenja" nazvan "princip brzog razuma". Brzi um živi po zakonima koji se razlikuju od zakona razmišljanja, pun je fantazija, metafora, spajajući važno i ležerno, ozbiljno i smiješno, smiješno i tužno. Prepliće prirodu i čovjeka, božansko i stvoreno ljudskim genijem. Geniji brzog uma, „iz nepostojećeg rađaju postojeće. Pamet iz nematerijalnog stvara postojeće, i sada lav postaje čovjek, orao grad. On spaja ženu sa izgledom ribe i stvara sirenu kao simbol milovanja, povezuje tijelo koze sa zmijom i formira himeru - hijeroglif koji označava ludilo. U takvom sistemu mišljenja postepeno nestaju granice najrazličitijih pojava, a u umjetnosti se javlja izvjesno zanemarivanje svrsishodnosti, za ono što se naziva "zdrav razum".

Ove crte baroka u potpunosti su se odrazile u djelima Caravaggia, Berninija u Italiji, Velazqueza u Španjolskoj, Van Dycka i Rubensa u Flandriji.

Kreacija Paul Rubens(1577-1640) posebno jasno pokazuje prodor baroka u drustveni zivot, njeno oslobađanje od religioznih tematika i postojanje kao posebnog mentaliteta u kontekstu kulture 17. stoljeća. Perpetuum motion, napetost, borba ljudi sa životinjama, često fantastična, na njegovim slikama vlada uzbuđenje i trijumf života. On me je „natjerao da se divim prirodnom zdravlju i prirodnoj snazi. I sve je to uspješno spojio sa zahtjevima veličanstvenog dekora, pompe, hvaleći monarhe ... ". U djelima umjetnika tog vremena „religiozni duh je neprimjetno izmaknuo“ umjetnosti. „Bila su to vremena opere, kantate i oratorija, ali i pozorišnih ceremonija, grandioznih oda, kitnjastih govora, dugih naslova, dugih perika, alegorija i hiperbola u poeziji, teške zamršene duhovitosti, amblema i metafora“ [isto, str. 97].

U književnosti se to izražava u želji da se mašta oslobodi, da se čitalac zadivi i omami, u sklonosti neočekivanim slikama koje spajaju pojmove, suprotstavljaju predmete koji su udaljeni jedan od drugog. Ovdje se prepliću najrazličitiji oblici života, ostvaruje se princip - od velikog do smešnog jedan korak, jer u baroku postoje zajedno, kao i druge suprotnosti: lijepo i ružno (na primjer, u sonetima posvećenim lijepim damama, njihova ljupka kosa i insekti koji gmižu po njima mogu se opisati s jednakim divljenjem), entuzijazam i grubost, itd. Na jednom polu barokne umjetnosti je slika buntovnika, slobodnog i neobuzdanog, koji se ne uklapa u uobičajene granice ponašanja, kao što je, na primjer, Don Giovanni, koji gazi vjernost u ljubavi, voli svaki put kao prvi put, nemilosrdno ubija rivali, ili lirski heroj radi Cyrano de Bergerac(1619-1655). S druge strane - puritanski buntovnik, asketski i strog, poput junaka pjesme “ Lost heaven” odlično engleski pesnik John Milton(1608-1674). Za barok i njegove teoretičare duhovitost je obavezna kao sposobnost spajanja pojmova (što se smatralo jednom od manifestacija uma), a glavne osobine te sposobnosti su svestranost i dalekovidnost. Tesauro smatra da vidovitost prodire „...u supstanciju, materiju, oblik, slučaj, kvalitet, uzrok, posledicu, svrhu, simpatiju, slično, suprotno, isto, više, niže, a takođe i u ambleme, vlastita imena i pseudonime. Svestranost, međutim, brzo obuhvata sva ova bića i njihove odnose, ona ih „povezuje i razdvaja, povećava ili smanjuje, uklanja jedno od drugog i sa neverovatnom spretnošću postavlja jedno na mesto drugog”.

Barok kao stil života bio je tipičniji za dvorske, aristokratske krugove, ali su i običan narod karakterizirale neke manifestacije ovog stila, izražene u komičnim, parodijskim ili asketski ispravnim oblicima ponašanja bliskim protestantskoj etici.

Klasicizam razvijena i najjasnije izražena u uslovima apsolutne monarhije u Francuskoj. To ne znači da se to nije dogodilo u drugim zemljama. Klasicizam je, kao i barok, bio imanentan cijeloj kulturi 17. stoljeća. Ako barok sa svojim bogatstvom i raznolikošću osjeta gravitira senzacionalizmu kao načinu čulnog poznavanja svijeta, onda je za klasicizam potrebna racionalistička jasnoća, uređen metod podjele cjeline na dijelove i uzastopnog razmatranja svakog od njih. Za to je potreban unutrašnji sklad, osjećaj za proporciju i mir uma. Mentalitet osobe koja izražava klasicističko opredeljenje karakteriše težnja za ujedinjenjem oko monarha, uređenost. sećanje na vjerski ratovi prethodni vek i želja za stabilnošću primorali su ga da prihvati strogu hijerarhiju apsolutizma, rigidnu regulativu kraljevske moći.

Klasiciste u umjetnosti karakterizira stvaranje monumentalnih djela, slika aktivnih heroja, prepuna vitalna energija i sposoban - zahvaljujući sposobnosti da savlada strasti koje ih obuzimaju - uzdići se do rješenja složenih, tragičnih sukoba. Stoga pozorište gravitira tragedijama zasnovanim na istorijskim zapletima, u kojima se sukob dužnosti i osećanja uvek završava pobedom dužnosti. Sjajni ljudi su radili u ovom pravcu. Francuski dramski pisci - Corneille(1606-1684) i Racine(1639-1699). Ali postojala je i komedija klasicizma, koja je razotkrivala suprotnosti okolnog svijeta, o čemu svjedoči djelo koje do sada nije izgubilo na važnosti. Molière(1622-1673).

Teoriju klasicizma karakterizira kult razuma, koji ovaj stil povezuje sa filozofskim racionalizmom. Razum u klasicizmu je izvor i mjera ljepote; za doslednog klasicistu, vrednost umetničko delo umnogome je određen stepenom njegove logičke harmonije i jasnoće, uređenošću njegove kompozicije. To objašnjava sklonost klasicista da kao heroje prikažu ljude koji su sposobni trezveno razmišljati, rasuđivati ​​i svoje postupke podrediti diktatu razuma i u trenucima najtežih i najburnijih iskustava. Ista želja za naručivanjem diktirala je različite vrste umjetnosti, ovisno o njihovoj specifičnosti i određena pravila na kojoj bi ova djela trebala nastati. Ova pravila nisu se ticala samo teme ili zapleta djela, već su i pojednostavljivala njegovu unutrašnju strukturu. Na primjer, u dramaturgiji su postojala poznata “tri jedinstva”: jedinstvo mjesta, jedinstvo vremena i jedinstvo radnje. Jedinstvo mjesta značilo je da su se svi događaji odvijali samo na jednom mjestu, u jednoj scenografiji na pozornici; jedinstvo vremena je zahtijevalo da akcija počne i završi u roku od jednog dana; jedinstvo delovanja zahtevalo je da centralni sukob bude jasno definisan i jedinstven. Najpotpunije je ocrtao normativnu stranu umjetnosti klasicizma Nicolas Boileau(1636-1711) u poetskoj raspravi "Poetska umjetnost", gdje je tražio da se umjetnička inspiracija podredi razumu:

Treba razmisliti o ideji i tek onda pisati.

Iako vam nije jasno šta želite da kažete,

Ne tražite uzalud jednostavne i precizne riječi...

17. vijek je dao čovječanstvo visoka dostignuća kulture u gotovo svim oblastima djelovanja. Ali još jednom napominjemo da je to bilo vrijeme kontrasta: sjaju dvora “Kralja Sunca” Luja XIV suprotstavio se siromašan narod koji nije imao ne samo sutra, nego ni danas; za najveličanstvenije umove ovog veka - plemića koji ne zna da čita i piše i hvali se time. Ovi kontrasti stvaraju posebnu dramu vremena, koja je pripremila kako ideje prosvjetiteljstva, tako i kasniju mnogostrukost u razvoju kulture modernog vremena.

Razlike između baroka i klasicizma.

U doba klasicizma, koje je uslijedilo nakon baroka, uloga polifone polifonije opada i dolazi do izražaja. homofona polifonija
( sa grčkog "homos" - "jedan", i "fone" - "zvuk", "glas")

Za razliku od polifonija, gdje su svi glasovi jednaki, homofona polifonija izdvaja jedan, izvođenje glavna tema , a ostali igraju ulogu pratnja(pratnja). Pratnja je obično sistem akorda (harmonija). Otuda i naziv novog načina komponovanja muzike - homofonski harmonik.

U muzici je manje ukrasa i ukrasa. Radovi su postali harmoničniji, jasnije strukture, posebno oni napisani sonatni oblik.

U eri barok u muzičkom delu, svaki od delova koncentrisan je na izražavanje i otkrivanje jedan vedro nacrtana osjecanja,šta je riješeno uz pomoć prezentacije jedna tema koja se promijenila (različita) u cijelom dijelu iu eri klasicizam u jednom dijelu rada otkriveno mnogo emocija, koji su izraženi uz pomoć prezentacije i razvoja dva ili više teme različitog figurativnog sadržaja.

Ranobarokna muzika (1600-1654)

Razvoj italijanske opere od strane italijanskog kompozitora može se smatrati uslovnom prelaznom tačkom između renesansnog i baroknog doba. Claudio Monteverdi (1567-1643).

Kompozitor je rođen u italijanskom gradu Kremoni u porodici ljekara. Kao muzičar, Monteverdi se razvio u mladosti. Pisao je i izvodio madrigale; svirao orgulje, violu i druge instrumente. Monteverdi je studirao muzičku kompoziciju kod poznatih kompozitora tog vremena. Godine 1590., kao pjevač i muzičar, pozvan je u Mantovu, na dvor vojvode Vincenza Gonzage; kasnije je vodio dvorsku kapelu. Godine 1612. Monteverdi je napustio službu u Mantovi, a od 1613. se nastanio u Veneciji. U velikoj mjeri zahvaljujući Monteverdiju 1637. godine, u Veneciji je otvorena prva svjetska javna opera. Tamo je kompozitor vodio kapelu katedrale San Marco. Prije svoje smrti, Claudio Monteverdi je primio svete redove.

Proučavajući operski rad renesansnih kompozitora Perija i Kačinija, Monteverdi je stvorio vlastita operna djela. Već u prvim operama - "Orfej" (1607) i "Arijadna" (1608) - kompozitor je uspeo da muzičkim sredstvima prenese duboka i strastvena osećanja, da stvori napetu dramsku radnju. Monteverdi je autor mnogih opera, ali samo tri su sačuvane - "Orfej", "Uliksov povratak u domovinu" (1640; zasnovana na radnji starogrčke epske pesme "Odiseja") i "Krunisanje Popeje" ( 1642).

Monteverdijeve opere skladno kombinuju muziku i tekst. U srcu opere monolog - recitativ (od it. recitare - "recitirati"), pri čemu recitovao svaka reč, a muzika fleksibilno i suptilno prenosi nijanse raspoloženja. Monologi, dijalozi i horske epizode glatko se prelivaju jedni u druge, radnja se razvija sporo (tri-četiri čina u Monteverdijevim operama), ali dinamično. Kompozitor je orkestru dodijelio važnu ulogu. U "Orfeju", na primjer, koristio je gotovo sve tada poznate instrumente. orkestralnu muziku ne samo da prati pevanje, već i sama priča o događajima koji se dešavaju na sceni i doživljajima likova. Prvi put se pojavio u Orfeju uvertira(francuska uvertira, ili latinska apertura - "otvaranje", "početak")- instrumentalni uvod u glavno muzičko djelo. Opere Klaudija Monteverdija imale su značajan uticaj na venecijanske kompozitore i postavile temelje venecijanske operske škole. .

Monteverdi nije pisao samo opere, ali i sakralne muzike, vjerski i sekularni madrigali. Postao je prvi kompozitor koji se nije suprotstavljao polifonim i homofonskim metodama - horske epizode njegovih opera uključuju polifone tehnike.
U djelu Monteverdija, novo je spojeno sa starim - tradicijama renesanse.

To početkom XVIII in. formirana operska škola u Napulju. Karakteristike ove škole - povećana pažnja ka pevanju, dominantna uloga muzike. Bilo je to u Napulju bel canto vokalni stil(tal. bel canto - "lijepo pjevanje"). Bel canto je poznat po izuzetnoj lepoti zvuka, melodije i tehničkog savršenstva. Izvođač belkanta mora biti sposoban da reproducira mnoge nijanse tembra glasa, kao i da majstorski prenese brojne brze sekvence zvukova koji se naslanjaju na glavnu melodiju. - koloratura (tal. coloratura - "ukras").

AT XVIII vijek opera postao glavna vrsta muzičke umjetnosti u Italiji, čemu su doprinijele visoke profesionalnom nivou pevači obučeni konzervatorijumi(It. conservatorio, err lat. sačuvati - "zaštititi") - obrazovne ustanove koje su osposobljavale muzičare. Do tada su stvorena četiri konzervatorijuma u centrima italijanske opere - Veneciji i Napulju. Popularnosti žanra poslužile su i operne kuće otvorene u različitim gradovima zemlje, pristupačne svim segmentima društva. Italijanske opere su postavljane u pozorištima velikih evropskih prestonica, a kompozitori iz Austrije, Nemačke i drugih zemalja pisali su opere po italijanskim tekstovima.

Značajna ličnost ranog baroknog perioda, čija je pozicija bila na strani katolicizma, suprotstavljajući se rastućem ideološkom, kulturnom i društvenom uticaju protestantizma, bila je Giovanni Gabrieli (1555-1612). Njegova djela pripadaju stilu "visoke renesanse" (procvat renesanse). Međutim, neke od njegovih inovacija na polju instrumentacije (dodavanje određenih zadataka određenom instrumentu) jasno ukazuju da je on bio jedan od kompozitora koji je uticao na nastanak novog stila.

Jedan od uslova crkve za komponovanje sakralne muzike bio je to tekstovi u radovima sa vokalom bili izbirljiv. To je zahtijevalo odmak od polifonije ka muzičkim tehnikama, gdje su riječi došle do izražaja. Vokal je postao složeniji, kitnjastiji u odnosu na pratnju.

Veliki doprinos širenju novih tehnika dali su njemački kompozitor Heinrich Schutz (1585-1672),školovan u Veneciji Ovo je najpoznatiji njemački kompozitor prije Johanna Sebastiana Bacha i jedan od najznačajnijih kompozitora ranog baroka uz D. Gabrielija i C. Monteverdija. Koristio je nove tehnike u svom radu dok je bio horovođa u Drezdenu.

Muzika zrelog baroka (1654-1707)

Često se naziva period centralizacije vrhovne vlasti u Evropi apsolutizam. Apsolutizam je dostigao svoj vrhunac pod francuskim kraljem Lujem XIV. Za cijelu Evropu, Lujev dvor je bio uzor. Uključujući muziku koja se izvodi na sudu. Povećana dostupnost muzičkih instrumenata (posebno klavijatura) dala je podsticaj razvoju komora muzika (od nje. kamera - "soba") izvodi se u malim prostorijama ili kod kuće.

zrelog baroka je drugačije od rane sveprisutnosti novog polifonijskog stila ( slobodno pisanje) i povećano razdvajanje muzičke forme posebno u operi. Kao i u literaturi, javlja se mogućnost velike tiraže štampanje muzička djela dovela su do širenja publike; intenzivirala se razmena između centara muzičke kulture.

U muzičkoj teoriji, zreli barok je definisan fokusom kompozitora na harmoniju i pokušajima stvaranja koherentnih sistema muzičkog učenja.
U narednim godinama to je dovelo do pojave mnogih teorijski radi. Izvanredan primjer takve aktivnosti je djelo kasnog baroka - "Gradus ad Parnassum" (rus. Koraci do Parnasa), koje je 1725. objavio Johann Joseph. Fuchs(njemački Johann Joseph Fux) (1660-1741), austrijski teoretičar i kompozitor. Ovaj rad, koji je sistematizovao teoriju kontrapunkta, bio je najvažnije oruđe za proučavanje kontrapunkta skoro do kraja 19. veka.

Izvanredan predstavnik dvorskih kompozitora dvora Luja XIV Giovanni Battista Lulli (1632-1687). (Jean-Baptiste). Već sa 21. godinom dobio je titulu „dvorskog kompozitora instrumentalnu muziku". Od samog početka, Lullyjevo stvaralaštvo bilo je usko povezano s pozorištem. Prateći organizaciju suda kamerna muzika i komponujući "airs de cour" (dvorske arije), počeo je pisati baletsku muziku. I sam Luj XIV je plesao u baletima, koji su tada bili omiljena zabava dvorskog plemstva. Lully je bio odličan plesač. Slučajno je učestvovao u produkcijama, plešući sa kraljem. Poznat je po svojim joint radeći sa Molijerom, za čije drame je pisao muziku. Ali glavna stvar u Lullyjevom radu je i dalje bilo pisanje opere. Iznenađujuće, Lully je stvorio kompletan tip Francuska opera; tzv. lirske tragedije u Francuskoj (fr. tragedie lyrique), a dostigla je nesumnjivu kreativna zrelost u prvim godinama rada u operi. Lully je često koristio kontrast između veličanstvenog zvuka orkestarske dionice i jednostavnih recitativa i arija. Lullyjev muzički jezik nije mnogo složen, ali svakako novo: jasnoća harmonije, ritmička energija, jasnoća artikulacije forme, čistoća teksture govore o pobjedi principa homofonijskog mišljenja. Njegovom uspjehu u velikoj mjeri doprinijela je i sposobnost odabira muzičara za orkestar i rad s njima (sam je vodio probe). Sastavni element njegovog rada bila je pažnja na harmoniju i solo instrument.

Kompozitor i violinista Arcangelo Corelli(1653-1713) poznat po svom radu na razvoju žanra concerto grosso (concerto grosso-" veliki koncert") . Corelli je bio jedan od prvih kompozitora čija su djela objavljena i izvođena širom Evrope. Poput operskih djela J. B. Lullyja, žanr concerto grosso izgrađen je na kontrastnoj suprotstavljanju zvuka malih solo orkestarskih grupa i zvuka punog orkestra. Muzika je izgrađena na oštrim prelazima od glasnih ka tihim delovima, brzi pasaži su suprotstavljeni sporim. Među sljedbenicima Arcangela Corellija bio je Antonio Vivaldi, koji je kasnije komponovao stotine djela napisanih u Corellijevim omiljenim oblicima: trio sonatama i koncertima.

AT Engleska zreli barok obilježen briljantnim genijem Henry Purcell(1659-1695). Umro je mlad, u 36. godini, nakon što je napisao veliki broj djela i za života postao nadaleko poznat. Purcell je bio upoznat sa radom Corellija i drugih italijanskih kompozitora barokne epohe.Persel je tokom svog kratkog života napisao mnoga vokalna, instrumentalna, muzička i pozorišna dela, od kojih je najznačajnija opera. "Didona i Eneja"(1689). Ovo je prvi engleski nacionalna opera. Naručila ju je učiteljica plesa iz internata za plemenite djevojke. Privatna priroda narudžbe utjecala je na izgled djela: za razliku od monumentalnih opera Monteverdija ili Lullyja, Purcellovo djelo male veličine, akcija se odvija brzo. Libreto opere (autor Nikolas Tejt) napisan je prema herojskom epu "Eneida" rimskog pesnika Vergilija.

Vergilije ima jednog od branilaca Troje - Eneja, nakon pada grada, kreće u lutanje. Oluja tjera njegov brod na obale Afrike; ovdje upoznaje Didonu, kraljicu Kartage. Didona se zaljubila u Eneju i, kada ju je junak ostavio na naredbu bogova, oduzela joj je život. U Purcellovoj operi, heralda koji je razdvojio heroje ne šalju bogovi, već šumske vještice (popularni likovi u engleskom folkloru). Eneja je prevaru uzeo za svetu dužnost prema bogovima i uništio ono najvrednije - ljubav.

Posebnost Purcellovog rada je harmoniju. Kompozitor je imao neverovatan dar za stvaranje savršenih melodija - mirnih, veličanstvenih i besprekornih oblika. Nakon Henryja Purcella u engleskoj muzici do 20. stoljeća. teško da se mogu imenovati tako briljantni majstori.

Za razliku od navedenih kompozitora Dietrich Buxtehude (1637-1707) nije bio dvorski kompozitor. Buxtehude je radio orguljaš, prvo u Helsingborgu (1657-1658), zatim u Elsinoreu (1660-1668), a zatim, počevši od 1668, u crkvi sv. Marije u Lübecku. Zarađivao je ne objavljivanjem svojih djela, već njihovim izvođenjem, a komponiranje muzike radije od crkvenih tekstova i izvođenje vlastitih orguljaških kompozicija nego pokroviteljstvo plemstva.Njegove kompozicije za orgulje odlikovale su bogatstvo mašte, obilje neočekivanog i šarolikog poređenja i duboke drame ovog kompozitora. Buxtehudeova muzika je u velikoj mjeri izgrađena na skali ideja, bogatstvu i slobodi mašte, sklonosti patetici, dramatici i pomalo oratorskoj intonaciji. Njegov rad je obezbedio jak uticaj o kompozitorima kao što su J.S. Bach i G.F.Telemann.

kasnobarokna muzika (1707-1760)

Tačna granica između zrelog i kasnog baroka je predmet rasprave; ona laže negde između 1680. i 1720. Velik dio složenosti njegove definicije je činjenica da u različite zemlje stilovi promijenjeni neusklađeno; inovacije koje su već prihvaćene kao pravilo na jednom mjestu bile su nova otkrića na drugom. Italija hvala Arcangelu Corelli i njegovih učenika Francesco Geminiani i Pietro Locatelli postaje prva zemlja u kojoj barokni prijelazi iz zrelog u kasni period. Važna prekretnica se može smatrati gotovo apsolutnom dominacija tona kao strukturalni princip komponovanja muzike. To je posebno vidljivo u teorijskom radu Jean Philippe Rameau, koji je zauzeo Lullyjevo mjesto kao glavni francuski kompozitor. Istovremeno, pojava kapitalnog djela Johanna Josepha Fuchsa Gradus ad Parnassum (1725), posvećenog polifoniji strogog stila, svjedoči o prisustvu u muzici dva stilovi pisanja - homofono-harmonijski i polifoni.

Forms, otvoren u prethodnom periodu, dostigla zrelost i velika varijabilnost koncert, suita, sonata, concerto grosso, oratorij, opera i balet više nisu imali oštro izražena nacionalna obilježja. Svugdje su uspostavljene općeprihvaćene šeme radova: ponavljajući dvodijelni oblik (AABB), jednostavan trodijelni oblik (ABC) i rondo.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- Italijanski kompozitor, rođen u Veneciji.
Godine 1703. dobio je čin katoličkog svećenika. 1. decembra iste godine postaje maestro di violina u sirotištu Pio Ospedale della Pieta u Veneciji za djevojčice. Vivaldijevu slavu nisu donijeli koncertni nastupi ili veze na dvoru, već objavljivanje njegovih djela, uključujući trio sonate, violinske sonate i koncerte. Objavljeni su u Amsterdamu i naširoko distribuirani širom Evrope. Upravo tim instrumentalnim žanrovima, koji su se tada još razvijali (barokna sonata i barokni koncert), Vivaldi je dao svoj najznačajniji doprinos. Određene tehnike su karakteristične za Vivaldijevu muziku: trodelna ciklična forma za concerto grosso i upotreba ritornela u brzim delovima. Vivaldi je komponovao preko 500 koncerata. Takođe je dao programske naslove nekim svojim djelima, poput čuvenih Četiri godišnja doba. Vivaldijeva karijera pokazuje povećanu mogućnost da kompozitor postoji samostalno: na prihodu od koncertna aktivnost i objavljivanje njihovih spisa.

Domenico Scarlatti(1685-1757) bio je jedan od vodećih kompozitora i izvođača na klavijaturama svog vremena. Karijeru je započeo kao dvorski kompozitor; prvo u Portugalu, a od 1733. u Madridu, gdje je proveo ostatak života. Njegov otac Alessandro Scarlatti smatra se osnivačem napuljske operske škole. Domenico je komponovao i opere i crkvenu muziku, ali mu je slavu (nakon smrti) priskrbila njegova radi za tastature. Neka od ovih djela napisao je za svoje zadovoljstvo, neka - za svoje plemenite mušterije.

Najpoznatiji dvorski kompozitor baroknog doba bio je Georg Friedrich Handel(1685-1759). Rođen je u Njemačkoj, studirao je u Italiji tri godine, ali je 1711. napustio London gdje je započeo svoju briljantnu i trgovačku karijeru. uspješna karijera nezavisni operski kompozitor koji izvodi narudžbe za plemstvo. Posjedujući neumornu energiju, Hendl je obrađivao materijal drugih kompozitora, i to neprestano remade sopstvenih spisa. Recimo, poznat je po tome što je toliko puta prerađivao čuveni oratorij "Mesija" da sada ne postoji verzija koja se može nazvati originalnom. Iako je njegovo finansijsko bogatstvo raslo i slabilo, njegova slava, zasnovana na objavljenim djelima za klavijature, ceremonijalnu muziku, opere, concerto grossos i oratorije, nastavila je rasti. Nakon smrti, priznat je kao vodeći evropski kompozitor, a proučavali su ga muzičari klasičnog doba. Tokom svog života, Hendel je pisao o tome 50 opere (Almira, Agripina, Rinaldo, Julije Cezar, itd.), 23 oratorijumi („Mesija“, „Samson“, „Juda Makovej“, „Herkul“), bezbroj crkvenih korala, orguljaški koncerti, kao i brojna zabavna dela („Muzika na vodi“, „Muzika za kraljevski vatromet“) .

Jedan od najvećih kompozitora baroknog doba - Johann Sebastian Bach rođen
21. marta 1685. u Eisenachu, Njemačka. Tokom svog života komponovao je više od 1000 dela u različitim žanrovima, osim opere. Ali za života nije postigao neki značajniji uspjeh. Seleći se mnogo puta, Bah je menjao jednu ne previsoku poziciju za drugom: u Vajmaru je bio dvorski muzičar kod vajmarskog vojvode Johana Ernsta, zatim je postao čuvar orgulja u crkvi Sv. Bonifacija u Arnstadtu, nekoliko godina kasnije prihvatio je mjesto orguljaša u crkvi sv. Vlasija u Milhauzenu, gde je radio samo oko godinu dana, nakon čega se vratio u Vajmar, gde je preuzeo mesto dvorskog orguljaša i organizatora koncerata. Na toj funkciji bio je devet godina. Godine 1717. Leopold, vojvoda od Anhalt-Köthena, unajmio je Bacha kao Kapellmeistera, i Bach je počeo živjeti i raditi u Köthenu. Godine 1723. Bach se preselio u Leipzig, gdje je ostao do svoje smrti 1750. godine.

JS Bah je bio poznat u Nemačkoj još za života kao kompozitor, izvođač, učitelj i otac mlađih Bahova, prvenstveno Karla Filipa Emanuela. Ali unutra poslednjih godinaživota i nakon Bachove smrti, njegova slava kao kompozitora počela je da opada: njegov stil se smatrao staromodnim u poređenju sa rastućim klasicizmom.

Johann Nikolai Forkel je 1802. objavio prvu najpotpuniju biografiju Johanna Sebastiana Bacha. Godine 1829., 79 godina nakon smrti J.S. Bacha, Felix Mendelssohn je izveo Bahovu Pasiju po Mateju u Berlinu. Uspjeh ovog koncerta oživio je interesovanje za stvaralaštvo J. S. Bacha i postao razlogom za pojavu velikog interesovanja za Bahovu muziku u Njemačkoj, a potom i širom Evrope.

Sada je J.S. Bach jedan od najpopularnijih kompozitora svih vremena: na primjer, u glasanju “ Najbolji kompozitor Millennium, čiji je domaćin Cultureciosque.com, Bach je zauzeo prvo mjesto.

Umjetnost 17.-18. stoljeća formirala je dva zadivljujuća stila - klasicizam i barok. Ova dva glavna panevropska stila postojala su jedan pored drugog dva veka. Uprkos očiglednim razlikama, oni su blisko sarađivali jedni s drugima. Tokom svog razvoja, klasicizam i barok našli su se ne samo u svjetskoj i ruskoj arhitekturi, već iu skulpturi, književnosti, uređenju interijera i umjetnosti. Poređenje klasicizma i baroka, dva stila, svijetle, nečuvene i jedinstvene, razmotrit ćemo dalje.

Istorija klasicizma

Klasicizam na latinskom znači "uzoran". Nezaboravan trend u evropskoj kulturi nastao je u 17. veku. Bilo je to doba jačanja monarhije, sve bi trebalo biti savršeno i istovremeno luksuzno, što se može vidjeti na besprijekornim figurama antičkog svijeta.

Francuska je postala osnivač stila klasicizma, gdje je poletio duh slobode i savršenstva čovjeka, duhovnog i fizičkog. Stroge, idealne siluete u arhitektonskim cjelinama, antičke scene u slikarstvu i skulpturi, bogata, ali suzdržana unutrašnja dekoracija. Sve su to odlike klasicizma.

U Rusiji je ovaj stil fiksiran pod Katarinom II, njena želja da evropeizira zemlju odigrala je ključnu ulogu u izgradnji poznati spomenici arhitekture tog vremena.

Klasicizam je klasik, sklad čovjeka i prirode, jednostavan i koncizan u svom pravcu. Stil, u kojem se moraju poštovati određena pravila, vrlo se brzo našao u dvorskoj kulturi Njemačke, Italije, Engleske i Rusije.

Barokna istorija

Barok znači - "raspušten", "sklon ekscesima". Italija je postala osnivač ovog pompeznog stila. Kraj 16. veka - renesansa, jačanje katoličke moći, svijetla, smjela i veličanstvena, trebalo je da zadivi. Svi prepoznatljivi elementi baroka bili su oličeni u katoličkim gradovima Italije.

Međutim, i evropske zemlje su poprimile neke atribute i elemente "raspuštenog" italijanskog stila. Engleska, Francuska, Rusija koristile su novu kulturu u svojoj arhitekturi i interijerima kako bi naglasile njihov sjaj i jedinstvenost.

Stil, fokusiran na stvaranje iluzije bogatstva i luksuza crkve, kao i italijanskog plemstva, kasnije se odrazio u svim zemljama Evrope, Amerike i Rusije. I ostao je besmrtni pratilac Katoličke crkve.

Poređenje i klasicizam

Ova dva stila idu jedan pored drugog vekovima. Međutim, oni imaju očigledne razlike u istoriji i svrsi stvaranja, u oličenju u umetnosti.

Poređenje klasicizma i baroka

Klasicizam i barok vizuelno

Glavne karakteristike baroka i klasicizma luksuz i diskretno bogatstvo. Oba stila se ogledaju u skupi radovi umjetnost i upečatljive arhitektonske strukture. Razmotrite najpoznatije predmete dva različita stila iz istog vremenskog perioda.

Klasicizam je, naravno, Place des Revolts i Panteon u Parizu. Isaka i Kazanske katedrale u Sankt Peterburgu. Boljšoj teatar u Varšavi. Čuvena slika Jacques-Louis Davida "Napoleonov prelaz preko Alpa" savršeno odražava stil klasicizma u slikarstvu. "Psiha probuđena Kupidonovim poljupcem" je najpoznatija statua u klasicizmu. "Apolon i nimfe" je primjer klasičnog stila, nevjerovatnog po svojoj ljepoti.

A barok nam je poznat iz Katedrale Smolni u Sankt Peterburgu, Opere u Odesi i, naravno, Katoličke crkve u Vatikanu. Rubens i Caravaggio su najprepoznatljiviji barokni slikari. A Italijan nam otkriva svu ekspresivnost baroka u svojim zadivljujućim skulpturama.

Klasicizam i barok u arhitekturi

Kao što vidimo iz opisa i poređenja ova dva stila, razlike između baroka i klasicizma su očigledne. U potonjem je to apel prvenstveno na antičku arhitekturu, u baroku - na raskoš katoličkih crkava.

Klasicizam i barok u arhitekturi, poređenje na primjeru dva istaknuta spomenika

Basilica del Santa Croce, Italija je tipičan primjer italijanskog baroka. Prepoznatljive karakteristike - bujni dekor i mnogo statua na fasadi. Skulpture, balkoni, stubovi, složenog oblika zgrada. Centar je okrunjen ogromnim okruglim prozorom - već prevazilazi standarde tipične arhitekture. Karijatide i Atlanti, bizarni oblici - sve su to obilježja baroka.

Klasicizam je Boljšoj teatar u Moskvi. Na njegovom primjeru možemo uočiti karakteristične karakteristike u arhitekturi ovog stila. Jednostavnost i konciznost. Monumentalnost i ozbiljnost. Jasni obrasci, kolone. Mali standardni prozori. Diskretna štukatura na fasadi sa tipičnim šarama iz antičkog svijeta. Jasan geometrijski oblik strukture. Ugodna diskretna ujednačena boja cijelog objekta.

Arhitektura baroka i klasicizma je veoma različita u poređenju. Na prvi pogled možete ih razlikovati jedan od drugog: pretencioznost baroka je upečatljiva, naravno, riječ je o složenim arhitektonskim djelima. Dok zgrade u stilu klasicizma imaju toliko jasne proporcije i strog izgled da vas nehotice tjeraju na razmišljanje o njihovoj veličini i monumentalnosti.

Klasicizam i barok u slikarstvu

Dolazeći iz istog vremenskog perioda, klasicizam i barok, međutim, imaju karakteristične karakteristike u umjetnosti.

Mikelanđelo je jedan od najpoznatijih italijanskih umetnika koji je postavio novi stil u slikarstvu - barok. To su pretežno religiozni zapleti, živopisne slike, emotivni prizori iz života obični ljudi. Kontrast boja, svjetlost i sumrak, mnogi predmeti za domaćinstvo, realizam emocija. Sljedbenici ovog stila u umjetnosti - i Guido Reni.

Klasicizam nije ništa manje slikovit, ali se kao osnova uzima antička Grčka. Raphael, Giulio Romano na svojim platnima prikazuju ideal fizički oblici božanskih likova. Hladne mitske radnje fasciniraju svojom jezgrovitošću, ničim suvišnim, promišljenom kompozicijom i prostorom oko likova do najsitnijih detalja.

Moguće je izdvojiti glavne elemente u poređenju umjetničkih trendova klasicizma i baroka. Prvo, ovo je prava emocionalnost baroka, snaga radnje i šarenilo slika, a drugo, suzdržana ljepota antičke mitologije jasan i koncizan u svojoj manifestaciji.

Usporedba klasicizma i baroka u interijeru

Osim izvanrednih umjetničkih djela i nevjerovatnih arhitektonskih spomenika, barok i klasicizam se ogledaju u unutrašnjosti kuća i soba. Dalje - sa usklađivanje klasicizma i barok u dekoraciji prostorija.

Ova dva stila unijela su svoje glavne karakteristike u unutrašnjost. Prije svega, to je skupo. U oba slučaja radi se o luksuzu i bogatstvu. A onda možemo pričati o bojama. Barok je uvek svetao, uvek zlatne, mermerne, lakirane površine. Mnogo dodatnih predmeta, složeni oblici namještaja i zamršeni uzorci nadstrešnica i presvlaka stolica. Naravno, ovo je lepota u koju želite da se uživite, svaki predmet koji želite da učite. Divljenje i pompoznost, ono što kraljevi toliko vole.

Klasicizam je u tom pogledu u suprotnosti s barokom. Uzdržane pastelne boje koje se međusobno usklađuju. Smiren, ali ne manje veličanstven interijer stvoren je, radije, da umiri, a ne da uznemirava. Pretežno svijetle boje, jasnoća linija, ispravnost objekata. Funkcionalnost atributa interijera, međutim, nije lišena svog šarma.

Klasicizam i barok u Rusiji

Ova dva stila su došla u Rusiju u 18. veku. Carska Rusija je bila u bliskom kontaktu sa evropskim državama i nije želela da bude ostavljena u prilici da pokaže svoju veličinu.

Barokna i oličena, uglavnom, Rastrelija. Upravo je on bio angažovan na rekonstrukciji i izgradnji glavnih zgrada Sankt Peterburga u to vrijeme. Prirodno, stilovi su rusifikovani, usvajajući osnovne principe dva pravca, očuvana je tradicionalna ruska arhitektura. Manastir Smolni je možda i najviše svetao predstavnik barok u Sankt Peterburgu, dok je "vrhunac" klasicizma, naravno, Kazanska katedrala. Počeci ovog stila u Rusiji bili su arhitekti V. Baženov, M. Kazakov, I. Starov, au Moskvi se mogu videti crkve i kuće izgrađene po njihovim nacrtima.

Barok i klasicizam igraju važnu ulogu u ruskoj arhitekturi. Kako u istorijskoj manifestaciji - osnivanju Sankt Peterburga, nove Moskve, tako i u borbi za ravnopravnost ruskih klasicističkih pisaca.

Sada je nemoguće zamisliti naše gradove bez Ermitaža, Akademije nauka i palate Tauride.

Klasicizam i barok u našem vremenu

U modernom svijetu arhitekti se često okreću baroku i klasicizmu, uspoređujući i miješajući ove stilove. Vremena kraljeva i careva su prošla, ali ljubav prema luksuzu i veličini je ostala. Sada već možete vidjeti moderne dvorce u baroknom stilu negdje na Rubljovki ili klasicističku daču drugog oligarha u selu Nirvana u blizini Sankt Peterburga.

U hotelu Trezzini možete uroniti u kraljevski luksuz, au restoranu Empire možete kušati jela modernih kraljeva. Ali to je već današnji luksuz, iako još uvijek nije dostupan svima.

17. vijek se pokazao iznenađujuće povoljnim za razvoj umjetničke kulture. To je postalo ne samo doba nauke, već i doba umetnosti. Istina, uzimajući u obzir činjenicu da je procvat nauke tek počeo, dok je umjetnost već dostigla svoj vrhunac. Ipak, nebo iznad njega je i dalje vedro i bez oblaka. Njegov prestiž u društvu je neobično visok. Po broju velikih umjetnika 17. vijeka, po svemu sudeći, nadmašuje sve ostale, uključujući i renesansu. Štaviše, ako u renesansi Italija na polju umetnosti nema ravnog, onda u 17. veku. umjetnost je u usponu u svim evropskim zemljama, a Francuska sada izgleda bolje.

Kao i druga područja kulture, umjetnost je bila pod utjecajem diferencijacije. Njegova izolacija postaje sve izraženija i izrazitija. Čak je i veza s religijom primjetno oslabljena. Kao rezultat toga, religiozne i mitološke radnje oslobađaju se pretjeranog patosa, ispunjene su dubokom vitalnošću i prirodnošću.

Druga posljedica diferencijacije je da među umjetnicima nestaju univerzalne ličnosti karakteristične za to doba. bio ne samo briljantan umjetnik, već i veliki naučnik, mislilac, pronalazač. Doduše u manjoj mjeri, ali isto se može reći i za L. Albertija, F. Brunelleschija. Piero della Francesca, F. Rabelais i dr. Sada ovako velike figure postaju rijetkost. Istovremeno, dolazi do povećanja subjektivnog principa u umjetnosti. Ona se manifestuje u sve većem broju bistrih pojedinaca, u većoj stvaralačkoj slobodi i hrabrosti, u širem pogledu na stvari.

Unutar umjetnosti također se odvija proces diferencijacije, mijenjaju se postojeći žanrovi i nastaju novi. AT slikarstvo pejzaž i portret, u kojima je pojačan psihologizam, postaju potpuno samostalni žanrovi. Postoje mrtve prirode i slike životinja. Sve je veći značaj originalnih kompozicionih rješenja, kolorita, slikovitosti i kolorita.

AT muzika opera je rođena. Tvorac ovog žanra je italijanski kompozitor C. Monteverdi (1567-1643), koji je napisao operu "Orfej" koja je postavljena u 1607 i postao pravo remek-delo operske umetnosti. Po prvi put muzika u njemu ne samo da upotpunjuje stihove, već je glavni lik koji izražava smisao svega što se dešava na sceni. Pored opere, u muzici se pojavljuju i kantate i oratoriji.

Glavni stilovi u umjetnosti XVII vijeka. baroka i klasicizma. Neki istoričari umjetnosti smatraju da se u isto vrijeme pojavio i realizam kao poseban stil u umjetnosti, ali je ovo gledište sporno, iako se priznaje postojanje realističkog pravca.

Barok

Barok javlja se krajem 16. veka. u Italiji. Sama riječ "barok" znači "čudan", "bizaran". Barokni stil karakteriziraju dinamične slike, napetost, svjetlina, elegancija, kontrast, želja za veličinom, sjajem i sjajem, za sintezom umjetnosti, spoj stvarnosti i iluzije, povećana emocionalnost i senzualnost. Barok je bio stil aristokratske elite odlazećeg feudalnog društva, stil katoličke kulture.

Istaknuti predstavnik italijanskog baroka je rimski arhitekta, vajar i slikar. L. Bernini (1598-1680). Sve najkarakterističnije crte stila, jake i slabe, oličene su u njegovom radu. Mnoga njegova djela bila su koncentrirana u glavnom spomeniku katoličkog Rima - katedrali sv. Peter. Ispod njene kupole, koju je sagradio veliki Mikelanđelo, uzdiže se grandiozna monumentalna i dekorativna građevina - tridesetmetarska nadstrešnica, a u oltaru - jednako veličanstvena Petrova propovjedaonica od mramora, ukrašena zlatom i likovima koji prikazuju anđele i kupidone, crkvene oce i sveci.

Još veličanstvenija Berninijeva kreacija bila je grandiozna kolonada, koja se sastojala od 284 stupa, raspoređenih u četiri reda i uokvirujući ogroman trg ispred katedrale sv. Peter. Najznačajnija Berninijeva skulpturalna djela su "Apolon i Dafna" i "Ekstaza sv. Tereza."

Najpoznatija figura evropskog baroka je flamanski slikar P. Rubens (1577-1640). S pravom se može nazvati univerzalnom osobom, koja nije inferiorna po veličini u odnosu na titanove renesanse. Bio je blizak humanistima, volio je klasike antike - Plutarha. Seneka, Horacije, znao je šest jezika, uključujući latinski. Rubens nije bio naučnik i pronalazač, ali je razumeo probleme astronomije i arheologije, pokazivao interesovanje za satove bez mehanizma, za ideju perpetualnog kretanja, pratio je najnovije u filozofiji, razumeo politiku i aktivno učestvovao u njoj. Najviše od svega volio je sam ljudski život.

Rubens je u svom radu utjelovio posvećenost humanizmu. Postao je veliki pjesnik života ispunjenog srećom, zadovoljstvom i lirizmom. Ostaje neprevaziđeni pjevač ljudskog – muškog i posebno ženskog mesa, čulne ljepote ljudskog tijela. Samo je Rubens mogao s takvom hrabrošću i ljubavlju prenijeti čar samog mesa, njegovu nježnu toplinu, meku gipkost. Uspio je pokazati da meso može biti lijepo, a da nije lijepo oblikovano.

Jedna od centralnih tema njegovog stvaralaštva je žena, ljubav i dijete kao prirodan i lijep plod ljubavi. Ova strana njegovog rada može se vidjeti i osjetiti na slikama kao što su Venera i Adonis. Junona i Argus, Persej i Andromeda, Bat-Šeba.

Dok je bio u Italiji, Rubens je prošao dobru umjetničku školu. Međutim, njegov flamanski temperament nije prihvatio sve od velikih Italijana. Poznato je da su talijanski majstori preferirali ravnotežu, smirenost i harmoniju, što im je omogućilo stvaranje vječne ljepote. Rubens sve to razbija u korist kretanja. Ljudske figure koje je on prikazao često podsjećaju na sabijenu oprugu, spremnu da se odmah okrene. U tom pogledu on je najbliži Mikelanđelu, čije su skulpture prepune unutrašnji stres i kretanje. Njegova djela su također ispunjena burnom dinamikom. To su, posebno, platna "Bitka Amazonki", "Otmica Leukipovih kćeri", "Lov na lavove", "Lov na vepra".

U Rubensovim djelima boja i slikovitost prevladavaju nad crtežom. Ovdje Tizian služi kao primjer. Rubens ne voli previše jasne konture. Ona na neki način odvaja materiju od forme, čineći je slobodnom, živom i tjelesnom. Što se tiče boja, umjetnik preferira svijetle, čiste i bogate tonove ispunjene zdravom vitalnošću. Ne teži toliko njihovoj harmoniji, koliko orkestraciji, stvaranju simfonije boja. Rubensa s pravom nazivaju velikim kompozitorom boja.

Klasicizam

domovina klasicizam postala Francuska. Ako barok daje prednost osjećajima, onda klasicizam počiva na umu. Najviša norma i idealan model za njega je antička umjetnost. Njegovi glavni principi su jasnoća, urednost, logičan slijed, harmonija i harmonija.

Prema klasicizmu, predmet umjetnosti treba biti uzvišen i lijep, herojski i plemenit. Umetnost treba da izražava visoko moralnih ideala, da opeva lepotu i duhovno bogatstvo čoveka, da veliča trijumf svesne dužnosti nad elementom osećanja. Sudac umjetnosti nije samo ukus, već i razum.

Klasicizam dijeli glavne odredbe racionalizma i, prije svega, ideju razumne strukture svijeta. Međutim, u razumijevanju odnosa čovjeka i prirode, on se s njim ne slaže, nastavljajući liniju renesansnog humanizma i smatrajući da ti odnosi trebaju biti zasnovani na principima pristanka i harmonije, a ne dominacije i podređenosti. To se posebno odnosi na umjetnost, čiji je jedan od zadataka da opjeva harmoniju čovjeka sa prekrasnom prirodom.

Osnivač i glavna figura klasicizma u slikarstvo je francuski umetnik N. Poussin (1594-1665). U svom se radu u potpunosti oslanja na racionalizam R. Descartesa, smatrajući da je osjet uvijek parcijalan i jednostran, a samo um može obuhvatiti predmet sveobuhvatno i u svoj njegovoj složenosti. Dakle, sve se mora prosuđivati ​​umom.

Poussin je skoro cijeli život proveo u Italiji, ali to ga nije spriječilo da postane istinit francuski umetnik, koji je stvorio jedan od očnih trendova u umjetnosti koji postoji do danas. Od Italijanski majstori najveći uticaj Rafael je imao to na sebi. čija su djela idealni primjeri potpunog savršenstva, kao i Tizian, od kojeg svi naredni umjetnici uzimaju lekcije čistog slikarstva.

Iako Poussin favorizuje razum, njegova umjetnost nikako nije suha, hladna i racionalna. I sam napominje da je svrha umjetnosti užitak, da su svi napori umjetnika usmjereni na pružanje estetskog zadovoljstva gledaocu. Njegova djela već sadrže dva glavna elementa umjetnosti, kada ona postaje potpuno samostalna i samostalna pojava.

Jedna od njih je povezana sa plastikom, stvorenom čisto likovnim, likovnim sredstvima, kombinacijom linija i boja, što je izvor posebnog, estetskog užitka. Drugi je povezan s ekspresijom, ekspresivnošću, uz pomoć kojih umjetnik utječe na gledatelja i izaziva u njemu stanje duha koje je i sam doživio.

Prisustvo ova dva principa omogućava Poussin-u da spoji intelekt i osjećaj. Primat razuma spojen je s njegovom ljubavlju prema tijelu i senzualnosti. O tome svjedoče njegove slike "Venera i Adonis", "Uspavana Venera", "Bahanalije" itd., gdje vidimo osobu savršenu tijelom i duhom.

U početnom periodu stvaralaštva, Poussinom su dominirala platna na povijesne i vjersko-mitološke teme. Posvećeni su djelima kao što su "Silovanje Sabinki", "Zarobljavanje

Jerusalim“, „Arkadijski pastiri“. Tada u prvi plan dolazi tema harmonije između čovjeka i prirode. Predstavljen je na slikama "Trijumf flore", "Pejzaž sa Polifemom", "Pejzaž sa Orfejem i Euridikom" itd. Priroda, istovremeno, nije samo mesto za boravak čoveka. Među njima se uspostavlja duboka čulna harmonija, određena zajednica duša, čine jedinstvenu celinu. Poussin je stvorio prave simfonije čovjeka i prirode.

Poslednjih godina svog života umetnik svu pažnju posvećuje opevanju prirode. Kreira poetsku seriju "Godišnja doba".

Klasicizam u arhitekturi našla svoje idealno oličenje u Palata Versailles, izgrađen voljom francuskog kralja Luja XIV. Ovaj grandiozni ansambl obuhvata tri veličanstvene palate i ogroman park sa bazenima, fontanama i skulpturama. Ansambl se odlikuje strogim rasporedom, geometrijskim parkovnim alejama, veličanstvenim skulpturama, ošišanim drvećem i grmljem.

Realizam

realan trend u umetnosti 17. veka. predstavlja prvenstveno holandski slikarRembrandt(1606-1669). Poreklo ovog trenda nalazi se u kreativnosti Italijanski slikar Caravaggio (1573-1610), koji je obezbijedio veliki uticaj na mnoge umjetnike.

Rembrandtova umjetnost na neki način zauzima srednju poziciju između baroka i klasicizma. U njegovim radovima mogu se pronaći karakteristike ova dva stila, ali bez ekstrema svojstvenih svakom od njih. Posebno, njegova čuvena "Danae" izgleda vrlo senzualno i tjelesno, ali ne u mjeri u kojoj bi Rubens izveo. Isto je i sa klasicizmom. Neke od njegovih osobina prisutne su u Rembrandtovim djelima, ali nemaju čistu, idealiziranu ljepotu, nema ničeg veličanstvenog i herojskog. bez patetike itd. U njima je sve kao da je bliže zemlji, sve je mnogo jednostavnije, prirodnije, istinitije, vitalnije.

Međutim, glavna originalnost Rembrandtove umjetnosti ipak je nešto drugo. Sastoji se u tome što zahvaljujući njemu u evropsko slikarstvo pojavio se novi trend psihologizam. Rembrant je prvi ozbiljno odgovorio na čuveni Sokratov poziv: "spoznaj samog sebe". Okrenuo je pogled ka unutra i otvorio mu se ogroman i nepoznat unutrašnji svet, srazmeran beskonačnom Univerzumu. Tema njegove umjetnosti je neiscrpno bogatstvo duhovnog života čovjeka.

Rembrandt, takoreći, viri i sluša beskrajne preljeve psihološka stanja, neiscrpne manifestacije individualnog ljudskog karaktera. Otuda takvo obilje ne samo portreta, već i autoportreta na kojima on sebe prikazuje u različiti periodiživot - u mladosti i starosti, u različitim stanjima - potpun vitalnost i nakon bolesti. U njegovim radovima, portret ne samo da postaje samostalan žanr, već i dostiže neviđene visine. Sav njegov rad se može nazvati umjetnošću portret.

Ovaj zaokret je u velikoj mjeri posljedica činjenice da je Rembrandt - za razliku od katolika Rubensa i Poussina - bio protestant. Prije pojave protestantizma, čovjek nije svjesno nastojao da se odvoji od drugih. Naprotiv, nije mislio na sebe izvan kolektivne zajednice. U antici je takva zajednica bila podržana političkim i moralnim normama. U srednjem vijeku kršćanstvo je učvrstilo stare temelje zajedničkom vjerom.

Protestantizam je prekršio ovu tradiciju, stavljajući glavnu odgovornost za sudbinu čovjeka na sebe. Sada je delo spasenja postalo, pre svega, lična stvar svakog pojedinca. U svijesti zapadnog čovjeka dogodio se dubok pomak, a Rembrandt je prvi duboko osjetio promjene koje se dešavaju, izrazio ih u svojoj umjetnosti.

O pomnoj pažnji prema vlastitim tajnama unutrašnji život, mnoga djela početnog perioda Rembrandtovog stvaralaštva, a prije svega njegovi autoportreti, govore o potrazi za vlastitom, ličnom istinom. O tome svjedoče i njegove slike poput "Apostol Pavle u zatvoru", "Hristos u Emausu" itd., gdje do izražaja dolaze psihološka iskustva, razmišljanja o smislu života i bića. U odrasloj dobi, a posebno nakon slavnih "Noćna straža" ovi trendovi postaju sve jači. Na poseban način pojavljuju se na platnima "Portret starca u crvenom", "Portret starice". Slika "Sindiki" postaje vrhunac umjetnosti grupnog portreta.

U posljednjem periodu stvaralaštva, Rembrandt je sve više uronjen u dubine ljudske svijesti. On upada u potpuno novi problem za evropsku umetnost - problem ljudske usamljenosti. Primjer za to su njegove slike "Filozof", "Povratak izgubljenog sina".