Pittura a olio di paesaggio. Dipinto moderno ad olio su tela: come scegliere un dipinto per i tuoi interni in base allo stile, alla combinazione di colori e al prezzo. Paesaggi – Alexey Savchenko

Prima di tutto, differisce nei colori utilizzati dagli artisti moderni. È improbabile che utilizzino i cristalli, che sono stati ampiamente utilizzati da tutti gli artisti sin dal Rinascimento. Tuttavia, la natura nelle opere dei paesaggisti moderni è ancora altrettanto bella. Il paesaggio moderno differisce dai suoi predecessori per un'espressione più vivida di sentimenti, stati d'animo e pensieri. Molto spesso gli artisti moderni dipinti, come i loro predecessori, utilizzano questo materiale in modo che il risultato soddisfi lo spettatore più a lungo.

L'artista Yuri Obukhovsky

Il paesaggio romantico della "Costa Bravo" ("marina") è pieno di artisti. In realtà si tratta della costa “selvaggia” della Spagna, lunga poco meno di duecento chilometri.

Il dipinto mostra una baia stretta con una costa rocciosa. L'azzurro del calmo Mar Mediterraneo compete con l'azzurro del cielo, come se fosse sbiadito dal sole splendente. Le nuvole bianche come la neve, sottolineandone l'azzurro, riecheggiano le bianche barche a vela triangolari in alto mare, le onde che si infrangono contro le rocce con schiuma bianca. Il blu del mare è eterogeneo. Vicino allo spettatore si schiarisce leggermente, mentre da lontano diventa blu intenso, come se fosse pieno della forza dell'imprevedibile elemento acqua. L'immagine è così piena di romanticismo che non lascia indifferente lo spettatore. Le rocce che incorniciano la baia sono visibili in leggere sfumature lilla in lontananza e brillano d'oro da vicino. Erano dorati in diverse tonalità dal sole splendente, che non è visibile allo spettatore, ma i suoi raggi caldi si fanno sentire in ogni cosa. Nel nostro clima grigio, è bello vedere i toni intensi del blu e dell’oro, ed è una gioia avere a casa un’immagine del genere che in qualsiasi momento dell’anno parli dell’estate scintillante di tutti i colori. Questa immagine è bella non solo a casa, ma anche in ufficio, quando puoi distogliere lo sguardo dal computer e trasferirlo nel mare vivo e rilassante.

L'artista non si limita a un genere marino. Gli interessa tutto: i paesaggi di Mosca, della Carelia e della Crimea. Angoli meravigliosi di Mosca appaiono davanti allo spettatore nei paesaggi “Primavera sui patriarchi” e “Cortile sul viale Tverskoy”, che ci riscoprono ciò che ci è familiare. Questi dipinti ad olio suscitano costante ammirazione. Gli artisti moderni vedono e riflettono nei loro dipinti un mondo diverso e delizioso.

L'artista Kandybin

Il pittore ha dato il suo amore al paesaggio della Russia. Le sue tele raffigurano fiumi stretti, trasparenti e puliti con sponde ricoperte di erba verde. Ponti e barche dimostrano che da qualche parte nelle vicinanze le persone vivono in tanta bellezza. Alberi potenti, scendendo dai pendii, si avvicinano alle rive, riflettendosi nella tranquilla superficie dell'acqua. Su una delle tele c'è una chiesa a cinque cupole con un campanile bianco e lungo la riva fioriscono ninfee bianche.

I dipinti ad olio di artisti contemporanei (paesaggi) sono realistici. Tutte le tele di Kandybin sono piene di pace. E solo i punti traccia ci dicono che qui vivono e lavorano persone che si prendono cura del mondo che le circonda. Nel paesaggio all'inizio dell'autunno, quando l'erba lungo il fiume è ancora verde, come è ancora verde l'intera foresta, spicca un brillante acero arancio dorato, che preannunciava l'avvicinarsi delle giornate autunnali. Anche diversi cespugli rosso bordeaux lungo il fiume sono segnali dell'autunno. Lo sguardo dell’artista si ferma amorevolmente sul paesaggio invernale. Le sagome chiare dei vecchi alberi ramificati sono particolarmente belle sullo sfondo della neve. E le betulle dal tronco bianco brillano d'argento accanto al verde dei pini e degli abeti.

Paesaggi – Alexey Savchenko

L'esperto paesaggista, che ha compiuto quarant'anni nel 2015, non si stanca mai di ammirare il mutare delle stagioni. È membro dell'Unione creativa degli artisti russi. Villaggi abbandonati e semidimenticati prendono vita sulle sue tele. Quasi lo stesso paesaggio, dipinto sia in estate che in autunno, trasmette per la sua colorazione uno stato d'animo diverso, ma gioiosamente pensieroso. La strada di campagna è secca d'estate, ma in autunno i suoi solchi diventano viola scuro, fangosi per le frequenti piogge.

Artista onorato della Federazione Russa Alexander Afonin

Nato a Kursk e iniziato a disegnare all'età di 12 anni, ha studiato alla Zheleznogorsk Art School, che considera una delle migliori in Russia. L'artista dipinge tutti i paesaggi dalla natura, senza copiare fotografie. E il risultato è davanti a noi: vivere la natura russa in tutto il suo fascino discreto e poetico. (i dipinti di artisti contemporanei in particolare) sono pieni di alta estetica. E le opere di Afonin sono molto romantiche.

In uno dei dipinti si apre davanti allo spettatore una piccola isola verde con una minuscola chiesa al centro. E intorno, nella foschia, il lago e l'enorme cielo infinito si fondono. Il pittore trovò un angolo appartato e bellissimo e lo mostrò a chi, per qualche motivo, non può uscire di casa. Lo sguardo dell'artista ci svela un vasto mondo sconosciuto.

Viktor Bykov scopre la bellezza della foresta

Il pittore è rimasto affascinato dai boschetti e dai bordi delle foreste, che gli abitanti delle città non visitano così spesso come vorrebbe. I raggi del sole, rifrangendosi e giocando con i colori, penetrano nelle sue tele. Cambiano la solita illuminazione cupa della foresta. Diventa semplicemente magico.

E la foresta invernale, piegata sotto il peso della nevicata appena passata, sembra inespugnabile, ma invita comunque a farsi strada tra i profondi cumuli di neve e scrollarsi di dosso la neve dai rami cadenti, inondando con essa tutti i propri compagni. La mattina nel dipinto è soleggiata e lo colora di toni rosa-lilla.

Sergej Peredereev

È membro dell'Unione degli artisti della Federazione Russa. Le sue opere sono piene di costante ammirazione per il nostro mondo materiale. Non si riferisce alla natura come Bazàrov, il quale diceva che la natura non è un tempio, ma un laboratorio. No, questo è un tempio che va apprezzato e amato, perché le risorse della natura non sono infinite. Per aver bisogno di dipinti ad olio. Gli artisti moderni ammirano non solo campi, foreste e boschi cedui. A volte un piccolo villaggio, magari un antico paese, adagiato su una collina in salita può essere molto interessante. L'immagine mostra la periferia e poi inizia la foresta. (dipinti) di artisti contemporanei portano lo spettatore lontano dal mondo urbano, dagli enormi condomini, dal flusso delle automobili, fino ad angoli tranquilli dove tutto è pieno di armonia.

Molte persone dipingono dipinti ad olio. Gli artisti contemporanei spesso li riempiono di silenzio e calma. Le persone nei piccoli villaggi vivono lentamente, cercando solo di piantare, innaffiare, diserbare, raccogliere e prepararsi in tempo per l'inverno. E quando escono in veranda al mattino, respirano profondamente l'aria fresca piena degli aromi di erbe e fiori.

Guardando gli artisti paesaggisti contemporanei, si vede che in cui è importante la rappresentazione accurata della natura, che ha le sue origini nel XIX secolo, il lavoro degli artisti moderni continua. Se gli artisti precedenti si ponevano non solo obiettivi di genere, ma per molti era importante mostrare l'oppressione delle persone, ora l'indubbia abilità si traduce nei dipinti ad olio su tela di artisti contemporanei, prendono vita sulle tele e non lasciano indifferente lo spettatore.

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Gli artisti europei iniziarono a utilizzare la pittura ad olio nel XV secolo e da allora è stata utilizzata per creare i dipinti più famosi di tutti i tempi. Ma in questi tempi high-tech, il petrolio conserva ancora il suo fascino e il suo mistero, e gli artisti continuano a inventare nuove tecniche, facendo a pezzi lo stampo e ampliando i confini dell’arte moderna.

sito web ha scelto opere che ci hanno deliziato e ci hanno fatto ricordare che la bellezza può nascere in ogni epoca.

Proprietaria di incredibile abilità, l'artista polacca Justyna Kopania, nelle sue opere espressive e ampie, è riuscita a preservare la trasparenza della nebbia, la leggerezza della vela e il dolce dondolio della nave sulle onde.
I suoi dipinti stupiscono per la loro profondità, volume, ricchezza e la trama è tale che è impossibile distogliere lo sguardo da essi.

Artista primitivista di Minsk Valentin Gubarev non insegue la fama e fa solo ciò che ama. Il suo lavoro è incredibilmente popolare all'estero, ma quasi sconosciuto ai suoi connazionali. A metà degli anni '90, i francesi si innamorarono dei suoi schizzi quotidiani e firmarono un contratto con l'artista per 16 anni. I dipinti, che, a quanto pare, dovrebbero essere comprensibili solo per noi, portatori del “modesto fascino del socialismo sottosviluppato”, attirarono il pubblico europeo e iniziarono mostre in Svizzera, Germania, Gran Bretagna e altri paesi.

Nell'era moderna delle immagini ad alta risoluzione e dell'ascesa dell'iperrealismo, il lavoro di Philip Barlow attira immediatamente l'attenzione. Tuttavia, è richiesto un certo sforzo da parte dello spettatore per costringersi a guardare le sagome sfocate e i punti luminosi sulle tele dell’autore. Probabilmente è così che le persone miopi vedono il mondo senza occhiali e lenti a contatto.

L'artista americano Jeremy Mann dipinge ritratti dinamici di una metropoli moderna in olio su pannelli di legno. "Forme astratte, linee, contrasto di punti chiari e scuri: tutto crea un'immagine che evoca la sensazione che una persona prova nella folla e nel trambusto della città, ma può anche esprimere la calma che si trova quando si contempla la quieta bellezza." dice l'artista.

Nei dipinti dell'artista britannico Neil Simone nulla è come sembra a prima vista. "Per me, il mondo che mi circonda è una serie di forme, ombre e confini fragili e in continua evoluzione", afferma Simon. E nei suoi dipinti tutto è veramente illusorio e interconnesso. I confini sono sfumati e le storie confluiscono l'una nell'altra.

Italiano di nascita, l'artista americano contemporaneo Joseph Lorusso trasferisce su tela soggetti osservati nella vita quotidiana della gente comune. Abbracci e baci, esplosioni appassionate, momenti di tenerezza e desiderio riempiono le sue immagini emotive.

La pittura a olio è una delle tecniche pittoriche più interessanti, sfaccettate e durevoli.

Vernici

La principale caratteristica distintiva di questo tipo di pittura è la vernice. Sono prodotti mescolando olio vegetale (semi di lino o di papavero) con pigmenti colorati. Il periodo di essiccazione delle vernici è molto lungo (da 3 a 30 giorni). Questa proprietà di questo materiale artistico ha i suoi vantaggi e svantaggi.

Solvente

Solvente per colori ad olio: trementina o acqua ragia minerale. Poiché queste sostanze hanno un odore molto forte, nei negozi d'arte sono ora disponibili solventi purificati e inodori. Spesso per diluire i colori ad olio viene utilizzato un tee (una miscela di olio di lino, trementina e vernice).

Tela

I colori ad olio sono molto resistenti e durevoli. Molto spesso dipingono ad olio su tele tese su barelle di legno. Come tela viene utilizzato un tessuto di lino o cotone rivestito con diversi strati di primer speciale. Imparerai le caratteristiche e le regole per la selezione delle tele sulle barelle dalla pubblicazione. Possono anche dipingere con olio su una base appositamente preparata in legno, fibra di legno, compensato, seta, pietra, carta e persino gesso.

Cavalletto

Avrai anche bisogno di un cavalletto: questo è un dispositivo molto conveniente per lavorare su tela. Sono disponibili in vari tipi, da quelli grandi, ingombranti e stabili, a quelli piccoli, pieghevoli e leggeri con cui è facile viaggiare. Per l'hobbista alle prime armi è sufficiente un treppiede pieghevole.

Tavolozza

I colori vengono mescolati su una tavolozza, che può essere una tavola di legno verniciata, una superficie di vetro, una piccola tela o una superficie di plastica liscia. Sulla tavolozza puoi mescolare diversi colori e ottenere i colori e le sfumature necessari. Imparerai come farlo dalla pubblicazione. Per garantire che la tavolozza ti serva a lungo, mantienila pulita nelle brevi istruzioni che ti spiegheranno come farlo.

Utensili

Per dipingere un quadro con colori ad olio, utilizzano vari strumenti artistici: pennelli, spatole, stracci, dita o altri dispositivi sperimentali (lame, cellophane, rullo, ecc.).

I dipinti ad olio sono dipinti in una sessione - alla prima o in diversi approcci.

Vernice

Per proteggere lo strato pittorico, tali opere sono rivestite con una vernice speciale. Poiché l'olio impiega molto tempo ad asciugarsi, è meglio farlo 2-3 mesi dopo la verniciatura, a seconda dello spessore dello strato di vernice.

La maggior parte delle persone sceglie il ricamo o altre attività artistiche come hobby. Inoltre, a causa degli stessi beni prodotti in serie, aumenta la domanda di oggetti fatti a mano. Le foto o le immagini del computer vengono stampate più volte. Puoi creare qualcosa di unico imparando a dipingere dipinti ad olio. Se guardi lezioni video di artisti famosi, anche un principiante può comprendere questa tecnica pittorica.

Anche se provi a ripetere perfettamente la trama due volte, non riuscirai comunque a crearne una copia esatta. Questo è ciò che crea l'unicità delle opere d'arte. Come iniziare e imparare a creare dipinti?

Materiali necessari per il lavoro:

• Ospite.
• Colori differenti.
• Spazzole.
• Solvente e un piccolo contenitore per esso.
• Tavolozza speciale per la miscelazione.

Anche i maestri usano spatole- speciali pale elastiche in metallo con manici in legno, che servono per applicare la vernice sulla base. È importante per un principiante padroneggiare i pennelli.

Inoltre, i maestri dipingono dipinti cavalletto o un album da disegno di alta qualità se vanno a lavorare nella natura per rappresentare dipinti ad olio dalla vita.

I paesaggi per principianti sono un argomento complesso. È meglio creare immagini usando la tua immaginazione o usando fotografie. Ciò renderà più semplice rappresentare il paesaggio.

Secondo i professionisti, lavorare su un cavalletto è più facile, poiché è più facile allontanarsi e ispezionare il risultato del lavoro. All'inizio puoi provare a esercitarti sulla superficie del tavolo, ma è meglio prendere una specie di tavola e posizionarla sulla sedia con una certa angolazione. Avrai una visione d'insieme del tuo lavoro e potrai valutarne bene la qualità e notare per tempo le tue mancanze.

Ricordati che le vernici si consumano rapidamente, quindi è necessario acquistarli separatamente e in grandi quantità. Il modulo di liberatoria è disponibile in diverse dimensioni. La vernice bianca scompare più velocemente, ma la vernice nera viene consumata in quantità molto piccole. Per prima cosa devi decidere complotto, quindi acquista vernici di colori e sfumature appropriati.

Per disegnare un bouquet autunnale avrai bisogno di un set, e per un bouquet estivo ne avrai bisogno uno completamente diverso. Per non sprecare il budget con colori non necessari, è meglio prendere solo quelli necessari approssimativamente nella quantità richiesta. Tutti i colori e le sfumature possono essere ottenuti solo con tre colori principali(giallo, rosso, blu), nonché bianco e nero.

Galleria: immagini di dipinti ad olio (25 foto)

Creare e scegliere un fondotinta passo dopo passo

Se vuoi semplificarti il ​​disegno, acquista da negozi specializzati basi già pronte per lavori su cui è possibile applicare immediatamente la vernice. Costano una discreta quantità di denaro, ma sono perfetti per un principiante, poiché semplificano notevolmente il lavoro.

Un'altra ottima opzione è uso del pannello di fibra. Nella casa di ogni uomo sono presenti scarti di questo materiale, che rimangono dopo le riparazioni. È facile trovarlo chiedendo ad amici, parenti o ad una persona cara. Sicuramente qualcuno l'ha usato e ha degli avanzi di questa roba nel garage.

La forma dei lati in fibra di legno è diversa, uno sembra molto liscio e l'altro è piuttosto ruvido, vagamente simile ad una struttura intrecciata. È possibile utilizzare entrambe le forme, ma su una superficie ruvida vale la pena applicare più parti e strati di primer, altrimenti il ​​colore potrebbe diventare opaco, poiché la vernice affonderà leggermente nella struttura di un tale prodotto.

Se decidi di provare a dipingere un paesaggio ad olio per la prima volta, puoi prendere una base in fibra di legno già pronta con un primer già applicato. Devi prendere un piccolo foglio, non più grande di quello orizzontale.

Se vuoi creare una base DPV con le tue mani, c'è un modo semplice ed economico uso di gelatina semplice, puoi aggiungere colla vinilica per rendere il colore bianco. Questo primer deve essere applicato in più strati, lasciandolo prima asciugare. Tre volte saranno sufficienti. Dovresti sentire che la superficie è cambiata. Dopo aver preparato la base, puoi procedere alla creazione dell'immagine.

Pittura a olio del corso di perfezionamento

Dopo aver creato le fondamenta e preparato i materiali, iniziamo a lavorare in più fasi:

• Realizza un disegno a tratteggio sulla tela utilizzando una semplice matita o un colore.
• Concentrati sulla distribuzione delle ombre e delle luci (dove ci saranno aree chiare e scure).
• Crea lo sfondo e tutti gli oggetti di grandi dimensioni.
• Inizia a disegnare piccole forme e dettagli.

A volte vai via dalla foto per valutare i risultati delle vostre attività. Mentre disegni, mescola diverse sfumature di colori sulla tavolozza. L'ultimo passo è incorniciare il dipinto.

Master class sulla pittura ad olio per principianti

In questa master class disegneremo il mare!

Descrizione del disegno passo dopo passo:

Prima di tutto, devi preparare il quadro con cui dipingerai il mare. Posiziona la tela sul cavalletto. Crea i primi tratti sulla tela, creando lo sfondo principale. Aspetta un po 'finché non si asciuga completamente. Se segui i consigli della master class, sarai in grado di dipingere un quadro con colori ad olio del mare. Dopo aver finito di disegnare, devi decidere un nome e, soprattutto, non dimenticare di lasciare le tue iniziali sul lavoro. La paternità è molto importante perché fa risaltare il tuo lavoro.

Conclusione

Se capisci il disegno, capirai che non è affatto difficile rappresentare un paesaggio o dedicarsi alla pittura. Puoi anche dipingere usando tele già pronte, perché questa è la cosa più semplice da fare.

Dipinti ad olio: foto

Nella pittura di generi diversi - natura morta, paesaggio, ritratto - la composizione è costituita da piani diversi. Anche se si tratta di un semplice ritratto, l'immagine sarà comunque composta da almeno due piani: lo sfondo e la figura umana. Ma se parliamo di piani spaziali in un paesaggio, allora bisogna dire che molto dipende da essi, perché il paesaggio è, prima di tutto, spazio. Anche se si tratta di un boschetto di foresta, in esso saranno visibili anche piani diversi: tronchi d'albero davanti, dietro, in lontananza, ecc. Pertanto, in questa lezione di pittura discuteremo dei mezzi con cui i piani spaziali possono essere trasmessi in un paesaggio. Dipingerò betulle sulla riva del lago. Tecnica: pittura ad olio. Utilizzando questo lavoro come esempio, puoi vedere quali tecniche utilizzano gli artisti per trasmettere lo spazio. Quindi, cominciamo.

1. Suddivisione in piani.

Dividiamo la vista raffigurata in piani condizionali: primo, secondo, terzo... ad esempio, gli alberi di fronte sono il primo piano. La radura più lontana è la seconda. Una striscia di foresta vicino all'orizzonte è la terza, ecc. Il numero di piani spaziali può essere arbitrario. Tuttavia, non dovresti farne troppi.

2. Prospettiva lineare.

Secondo le leggi della prospettiva lineare, tutti gli oggetti diminuiscono di dimensioni man mano che si allontanano. Ciò significa che i tronchi delle betulle in primo piano saranno più grandi dei tronchi delle stesse betulle, ma sullo sfondo. Nel terzo piano tutta la moltitudine degli alberi si fonde in un'unica striscia di foresta: i singoli alberi sono generalizzati in un'unica massa di foresta.

Le singole foglie degli alberi in primo piano sono più evidenti del fogliame sullo sfondo. Sugli alberi situati di fronte puoi persino scrivere singole foglie. Ma non bisogna lasciarsi trasportare da tali dettagli, poiché visivamente tutte le foglie sono riunite in gruppi, anche in primo piano. Ma da lontano una tale generalizzazione si manifesterà in modo più forte e più si va avanti, tanto più. Pertanto, generalizzo coraggiosamente il verde delle betulle sullo sfondo e scrivo attraverso i punti.

3. Prospettiva aerea.

Man mano che si allontanano dallo spettatore, gli oggetti del paesaggio non solo diminuiscono di dimensioni, ma diventano anche meno chiari e meno contrastanti. Questa si chiama prospettiva aerea. C'è una massa d'aria tra lo spettatore e l'oggetto distante. Cambia l'aspetto di un oggetto. Le sagome sembrano diventare più nuvolose. A una distanza di 30 metri non si nota molto. Ma a una distanza di 3-5 chilometri, questo effetto immerge così tanto gli oggetti nell'aria che possono scomparire come nella nebbia. La prospettiva aerea rende le sagome scure un po' più chiare e quelle chiare un po' più scure. È meglio ricordare questo schema, poiché quando lavori sui paesaggi devi incontrarlo costantemente. E, naturalmente, in condizioni meteorologiche diverse questo fenomeno si manifesta in modo diverso. In una giornata limpida e soleggiata e in una giornata umida e nuvolosa, la vista sarà diversa. Ma la prospettiva aerea sarà evidente in entrambi i casi, solo con intensità diversa.

Oltre alle leggi fisiche della natura, l'effetto sopra menzionato è necessario anche per ragioni artistiche. Per avvicinare gli oggetti, vengono resi più contrastanti, saturi di colore e più chiari. Per “affondare” le sagome, per renderle meno evidenti, gli artisti rimuovono la chiarezza dei contorni, riducono il contrasto delle sagome e riducono la saturazione del colore. Ad esempio, il verde dell’erba, man mano che si allontana verso l’orizzonte, sarà meno “succoso”. Le sagome degli alberi sono meno contrastanti e i loro contorni sono più sfumati e indistinti.

4. Tecniche di pittura ad olio per trasmettere la prospettiva lineare e aerea.

Questo è un argomento molto interessante Per creare l'illusione della realtà, inclusa l'illusione dello spazio, gli artisti utilizzano una varietà di metodi. Non ci sono cliché qui, perché ogni autore può inventare intuitivamente la propria tecnica di esecuzione. Pertanto, è meglio evitare i cliché qui. Ma alcune soluzioni tecniche sono diventate così diffuse da acquisire lo status di soluzioni tradizionali.

• Ad esempio, per avvicinare il tronco di una betulla in primo piano, dipingo con grandi pennellate di colore impastato. Questa “rugosità” di esecuzione rende la superficie della corteccia più materica, “tangibile”. Sembra di vedere l'oggetto nel dettaglio, come se fosse vicino, proprio di fronte a noi. È un'illusione. Ed è con l'aiuto dell'illusione che nella pittura si crea l'effetto della realtà. Per questo stile di scrittura, puoi usare una spatola. Con il suo aiuto, lo strato di vernice diventa in rilievo e questo conferisce ulteriore materialità alla superficie raffigurata. Il rilievo della vernice può essere ottenuto anche con un pennello, l'importante è che la vernice sia pastosa e in quantità sufficientemente grande.

• Per far sì che gli oggetti sullo sfondo “vadano in lontananza”, li generalizziamo. E quindi lo stile di scrittura risulterà più fluido, forse anche più sfocato. Cioè, in lontananza possiamo evitare i dettagli e lo strato di vernice sarà più liscio e meno prominente. Ciò può essere ottenuto strofinando la massa di vernice con un pennello e meno applicando la vernice con tratti netti.

• La terza tecnica riguarda la trasparenza e l'opacità dello strato pittorico. Il fatto è che quando si aggiunge il bianco a un colore, diventa, per così dire, “sbiancato”, cioè il colore perde la sua saturazione e acquisisce una “fumosità”. E poiché la prospettiva aerea è l’immersione della silhouette nella foschia dell’aria, è incoraggiato l’uso del bianco nelle miscele di colori. In altre parole, in primo piano è meglio combinare strati di vernice traslucidi con strati di impasto, e sullo sfondo è meglio usare strati più opachi con l'aggiunta di bianco.

• La quarta tecnica riguarda l'elaborazione dei dettagli e la generalizzazione. Ne ho scritto sopra. Ma come si possono tecnicamente scrivere i dettagli del primo piano e generalizzare gli oggetti di piani lontani? Innanzitutto, utilizzando diverse dimensioni di pennello. Con un pennello grande è conveniente scrivere in modo ampio e generalizzare. E con i pennelli piccoli è più conveniente dipingere piccoli dettagli. In secondo luogo, puoi combinare il lavoro con il bordo di una spazzola piatta e il suo piano. Nel primo caso i tratti diventano “niti” e chiari e possono essere utilizzati per scrivere i dettagli dei primi piani. Nel secondo caso, l'ampio piano del pennello consente di stendere la vernice “in modo ampio e audace”, oltre a generalizzarla strofinando la vernice. Cioè, il pennello può, per così dire, "scivolare" lungo lo strato di vernice, sfregando e generalizzando i contorni non necessari. In terzo luogo, puoi utilizzare la punta di una spatola o il suo bordo per scrivere dettagli fini in modo nitido e chiaro. Il piano della lama della spatola, al contrario, stende ampiamente la vernice. Può essere utilizzato anche per generalizzare, lubrificare e strofinare. Pertanto, ruotando magistralmente la spatola, gli artisti ottengono effetti molto interessanti. Ad esempio, alternando linee chiare e nette a punti larghi e sfocati.

5. Applicazione della teoria alla pratica. Avanzamento passo passo del lavoro sulla tela “Betulle sul lago”.

In questo esempio puoi vedere chiaramente come implementare nella pratica la teoria di cui sopra. Questo lavoro non dovrebbe essere percepito come un modello. Ogni artista ha il suo stile, le sue soluzioni creative. Infine, ci sono eccezioni a ogni regola. Pertanto, i modelli descritti in questo articolo devono essere presi saggiamente in considerazione nel proprio lavoro, basandosi sull'intuizione, su un'idea creativa e sulla comprensione dell'essenza.

1) Quindi, come al solito, faccio un disegno semplice e approssimativo del paesaggio futuro con un pennello.

2) Dipingo la verniciatura di fondo con vernici traslucide.

3) Introduco calce e pittura ad impasto sullo sfondo. Come accennato in precedenza, il campo lungo deve essere immerso nella foschia della massa d'aria. Il bianco nella miscela di vernice aiuta in questo. La tonalità della striscia di foresta in lontananza sarà più chiara rispetto agli alberi vicini.

4) Inizio a lavorare con una spatola.

5) Il primo piano è elaborato in modo strutturato. Lo strato di vernice è in rilievo. Questo enfatizza le irregolarità del terreno e dell'erba, quindi la superficie diventa materica.

6) I tronchi degli alberi variano di tono. Alcuni saranno più chiari, avanzando verso la luce del sole. Alcuni saranno più scuri, andando nell'ombra. Con questo creiamo, per così dire, un tunnel di alberi. Si forma uno spazio all'interno della foresta.

7) Scriviamo piccoli dettagli. Più gli oggetti sono vicini, più verranno descritti in modo dettagliato. Appariranno anche più nitidi e avranno più contrasto.

8) Portiamo il dipinto allo stato finito.