Dipinti per interni: tipologie, scopi, regole di applicazione. Generi di pittura. Stili di pittura. Esempi Soggetto dipinto

La pittura è forse la forma d'arte più antica. Anche nell'era primitiva, i nostri antenati realizzavano immagini di persone e animali sulle pareti delle caverne. Questi sono i primi esempi di pittura. Da allora, questo tipo di arte è rimasto invariabilmente compagno della vita umana. Gli esempi di pittura oggi sono numerosi e vari. Cercheremo di coprire il più possibile questo tipo di arte, parleremo dei principali generi, stili, tendenze e tecniche in esso contenute.

Tecniche pittoriche

Diamo prima un'occhiata alle tecniche di pittura di base. Uno dei più comuni è olio. Questa è una tecnica in cui vengono utilizzate vernici a base di olio. Queste vernici vengono applicate a tratti. Con il loro aiuto, puoi creare una varietà di sfumature diverse e trasmettere le immagini necessarie con il massimo realismo.

Temperaè un'altra tecnica popolare. Ne parliamo quando si utilizzano vernici a emulsione. Il legante in queste vernici è l'uovo o l'acqua.

Guazzo- una tecnica ampiamente utilizzata nella grafica. La pittura a guazzo è realizzata con una base adesiva. Può essere utilizzato per lavorare su cartone, carta, osso o seta. L'immagine è durevole e le linee sono nitide. Pastello- Questa è una tecnica di disegno con matite asciutte e la superficie deve essere ruvida. E, naturalmente, vale la pena menzionare gli acquerelli. Questa vernice viene solitamente diluita con acqua. Con questa tecnica si ottiene uno strato di vernice morbido e sottile. Particolarmente popolare Naturalmente, abbiamo elencato solo le principali tecniche utilizzate più spesso nella pittura. Ce ne sono anche altri.

Su cosa vengono solitamente dipinti i dipinti? Il dipinto più popolare è su tela. È teso su un telaio o incollato su cartone. Si noti che in passato le assi di legno venivano utilizzate abbastanza spesso. Oggi non solo la pittura su tela è popolare; qualsiasi altro materiale piatto può essere utilizzato per creare immagini.

Tipi di pittura

Ne esistono 2 tipi principali: pittura da cavalletto e pittura monumentale. Quest'ultimo è legato all'architettura. Questo tipo include dipingere i soffitti e le pareti degli edifici, decorarli con immagini realizzate con mosaici o altri materiali, vetrate colorate, ecc. La pittura da cavalletto non è associata a un edificio specifico. Può essere spostato da un posto all'altro. Esistono molte varietà di pittura da cavalletto (altrimenti chiamate generi). Soffermiamoci su di loro in modo più dettagliato.

Generi di pittura

La parola "genere" è di origine francese. Si traduce come "genere", "specie". Cioè, sotto il nome del genere c'è un contenuto di qualche tipo e, pronunciandone il nome, capiamo di cosa tratta l'immagine, cosa troveremo in essa: esseri umani, natura, animali, oggetti, ecc.

Ritratto

Il genere pittorico più antico è il ritratto. Questa è l'immagine di una persona che assomiglia solo a se stessa e a nessun altro. In altre parole, un ritratto è un'immagine pittorica di un aspetto individuale, poiché ognuno di noi ha un volto individuale. Questo genere di pittura ha le sue varietà. Il ritratto può essere a figura intera, a busto oppure può essere dipinto solo un volto. Notiamo che non tutte le immagini di una persona sono un ritratto, poiché l'artista può creare, ad esempio, “una persona in generale” senza copiarla da nessun altro. Tuttavia, quando raffigura un rappresentante specifico della razza umana, lavora specificamente su un ritratto. Inutile dire che gli esempi di pittura di questo genere sono numerosi. Ma il ritratto presentato di seguito è noto a quasi tutti i residenti del nostro Paese. Stiamo parlando dell'immagine di A. S. Pushkin, creata nel 1827 da Kiprensky.

Puoi anche aggiungere un autoritratto a questo genere. In questo caso l'artista raffigura se stesso. C'è un ritratto di coppia, quando l'immagine mostra persone in coppia; e un ritratto di gruppo, quando viene raffigurato un gruppo di persone. Si nota anche il ritratto cerimoniale, la cui tipologia è equestre, uno dei più solenni. Era molto popolare in passato, ma oggi tali opere sono rare. Tuttavia, il prossimo genere di cui parleremo è rilevante in qualsiasi momento. Di cosa stiamo parlando? Questo lo si può intuire percorrendo i generi che non abbiamo ancora nominato nel caratterizzare la pittura. La natura morta è una di queste. È di lui che parleremo ora, continuando a considerare la pittura.

Natura morta

Anche questa parola è di origine francese, significa “natura morta”, anche se il significato sarebbe più esatto “natura inanimata”. Natura morta: l'immagine di oggetti inanimati. Sono di grande varietà. Notiamo che le nature morte possono anche raffigurare la “natura vivente”: farfalle tranquille sui petali, bellissimi fiori, uccelli e talvolta puoi vedere una persona tra i doni della natura. Tuttavia, questa sarà comunque una natura morta, poiché in questo caso l'immagine di un essere vivente non è la cosa più importante per l'artista.

Scenario

Paesaggio è un'altra parola francese che significa "vista del paese" nella traduzione. È analogo al concetto tedesco di "paesaggio". Il paesaggio è una rappresentazione della natura nella sua diversità. Le seguenti varietà si uniscono a questo genere: il paesaggio architettonico e il paesaggio marino molto popolare, che spesso viene chiamato con la parola "marina", e gli artisti che vi lavorano sono chiamati pittori marini. Numerosi esempi di pittura nel genere dei paesaggi marini si possono trovare nelle opere di I.K. Aivazovsky. Uno di questi è "Arcobaleno" del 1873.

Questa immagine è dipinta a olio ed è difficile da eseguire. Ma creare paesaggi ad acquerello non è affatto difficile, quindi nelle lezioni di disegno a scuola questo compito è stato affidato a ciascuno di noi.

Genere animalesco

Il genere successivo è animalesco. Qui tutto è semplice: questa è un'immagine di uccelli e animali nella natura, nel loro ambiente naturale.

Genere quotidiano

Il genere quotidiano è una rappresentazione di scene di vita, vita quotidiana, "incidenti" divertenti, vita domestica e storie di persone comuni in un ambiente normale. Oppure puoi fare a meno delle storie: cattura semplicemente le attività e gli affari quotidiani. Tali dipinti sono talvolta chiamati pittura di genere. Ad esempio, prendiamo l'opera sopra di Van Gogh (1885).

Genere storico

I temi della pittura sono vari, ma il genere storico si distingue a parte. Questa è una rappresentazione di eroi ed eventi storici. Ad esso adiacente è il genere della battaglia, che presenta episodi di guerra e battaglia.

Genere religioso e mitologico

Nel genere mitologico, le opere di pittura sono scritte sui temi di racconti antichi e antichi su dei ed eroi. Va notato che l'immagine è di natura secolare, e in questo modo differisce dalle immagini delle divinità presentate sull'icona. A proposito, la pittura religiosa non riguarda solo le icone. Riunisce varie opere scritte su argomenti religiosi.

Scontro di generi

Quanto più ricco è il contenuto di un genere, tanto più appaiono i suoi “compagni”. I generi possono fondersi, quindi c'è pittura che non può essere collocata nel quadro di nessuno di essi. Nell'arte c'è sia il generale (tecniche, generi, stili) che l'individuale (un'opera specifica presa separatamente). Un'immagine separata contiene anche qualcosa in comune. Pertanto, molti artisti possono appartenere allo stesso genere, ma i dipinti in esso dipinti non sono mai simili. La cultura della pittura ha tali caratteristiche.

Stile

Lo stile è un aspetto della percezione visiva dei dipinti. Può combinare le opere di un artista o le opere di artisti di un determinato periodo, movimento, scuola o località.

Pittura accademica e realismo

La pittura accademica è una direzione speciale, la cui formazione è associata alle attività delle accademie d'arte europee. Apparve nel XVI secolo all'Accademia di Bologna, dalla quale si cercava di imitare i maestri del Rinascimento. A partire dal XVI secolo, i metodi di insegnamento della pittura iniziarono a basarsi sul rigoroso rispetto di norme e regolamenti, seguendo schemi formali. l'arte a Parigi era considerata una delle più influenti d'Europa. Ha promosso l'estetica del classicismo che ha dominato la Francia nel XVII secolo. Accademia di Parigi? Contribuendo alla sistematizzazione dell'educazione, trasformò gradualmente le regole della direzione classica in dogma. Pertanto, la pittura accademica è diventata una direzione speciale. Nel 19° secolo, alcune delle manifestazioni più importanti dell'accademismo furono le opere di J. L. Jerome, Alexandre Cabannel e J. Ingres. I canoni classici furono sostituiti da quelli realistici solo a cavallo tra il XIX e il XX secolo. È stato il realismo a diventare il metodo base di insegnamento nelle accademie all'inizio del XX secolo e a trasformarsi in un sistema dogmatico.

Barocco

Il barocco è uno stile e un'era d'arte caratterizzata da aristocrazia, contrasto, immagini dinamiche, dettagli semplici quando si raffigura l'abbondanza, la tensione, il dramma, il lusso, una fusione di realtà e illusione. Questo stile apparve in Italia nel 1600 e si diffuse in tutta Europa. Caravaggio e Rubens ne sono i rappresentanti più importanti. Il barocco viene spesso paragonato all'espressionismo, tuttavia, a differenza di quest'ultimo, non ha effetti troppo ripugnanti. I dipinti di questo stile oggi sono caratterizzati dalla complessità delle linee e dall'abbondanza di ornamenti.

Cubismo

Il cubismo è un movimento artistico d'avanguardia emerso nel XX secolo. Il suo creatore è Pablo Picasso. Il cubismo ha compiuto una vera rivoluzione nella scultura e nella pittura in Europa, ispirando la creazione di movimenti simili in architettura, letteratura e musica. La pittura artistica in questo stile è caratterizzata da oggetti ricombinati e rotti che hanno una forma astratta. Quando li si descrive, vengono utilizzati molti punti di vista.

Espressionismo

L'espressionismo è un altro importante movimento dell'arte moderna apparso in Germania nella prima metà del XX secolo. All'inizio copriva solo la poesia e la pittura, per poi estendersi ad altri settori dell'arte.

Gli espressionisti descrivono il mondo soggettivamente, distorcendo la realtà per creare un maggiore effetto emotivo. Il loro obiettivo è far riflettere lo spettatore. L'espressione nell'espressionismo prevale sull'immagine. Si può notare che molte opere sono caratterizzate da motivi di tormento, dolore, sofferenza, urla (l'opera di Edvard Munch, presentata sopra, si chiama “L'urlo”). Gli artisti espressionisti non sono affatto interessati alla realtà materiale; i loro dipinti sono pieni di significato profondo ed esperienze emotive.

Impressionismo

L'impressionismo è uno stile di pittura mirato principalmente a lavorare all'aria aperta, piuttosto che in studio. Deve il suo nome al dipinto “Impression, Sunrise” di Claude Monet, mostrato nella foto qui sotto.

La parola "impressione" in inglese è impressione. I dipinti impressionisti trasmettono principalmente il senso della luce dell’artista. Le caratteristiche principali della pittura in questo stile sono le seguenti: tratti appena visibili e sottili; cambiamenti nell'illuminazione, accuratamente restituiti (l'attenzione è spesso focalizzata sull'effetto del passare del tempo); composizione aperta; semplice obiettivo comune; il movimento come elemento chiave dell’esperienza e della percezione umana. I rappresentanti più importanti di un movimento come l'impressionismo sono Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.

Modernismo

La direzione successiva è il modernismo, che ha avuto origine come un insieme di tendenze in vari campi dell'arte tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. Il Salone dei Respinti di Parigi fu inaugurato nel 1863. Qui sono esposti artisti i cui dipinti non erano ammessi nel salone ufficiale. Questa data può essere considerata la data dell'emergere del modernismo come movimento separato nell'arte. Altrimenti, il modernismo è talvolta chiamato "un'altra arte". Il suo obiettivo è creare dipinti unici, a differenza degli altri. La caratteristica principale delle opere è la visione speciale del mondo da parte dell’autore.

Gli artisti nel loro lavoro si ribellarono ai valori del realismo. L'autoconsapevolezza è una caratteristica sorprendente di questa direzione. Ciò porta spesso alla sperimentazione della forma, nonché a una propensione all’astrazione. I rappresentanti del modernismo prestano particolare attenzione ai materiali utilizzati e al processo di lavoro. Alcuni dei suoi rappresentanti più importanti sono Henry Matisse (la sua opera “La Camera Rossa” del 1908 è presentata sopra) e Pablo Picasso.

Neoclassicismo

Il neoclassicismo fu la direzione principale della pittura nel Nord Europa dalla metà del XVIII secolo alla fine del XIX. È caratterizzato da un ritorno alle caratteristiche dell'antico Rinascimento e persino ai tempi del classicismo. In termini architettonici, artistici e culturali, il neoclassicismo emerse come risposta al rococò, percepito come uno stile artistico superficiale e pretenzioso. Gli artisti neoclassici, grazie alla loro buona conoscenza delle leggi ecclesiastiche, cercarono di introdurre i canoni nelle loro opere. Tuttavia, evitarono di riprodurre semplicemente motivi e temi classici. Gli artisti neoclassici cercarono di collocare i loro dipinti nel quadro della tradizione e dimostrare così la loro padronanza del genere. Il neoclassicismo a questo proposito è direttamente opposto al modernismo, dove l'improvvisazione e l'espressione di sé sono considerate virtù. I suoi rappresentanti più famosi includono Nicolas Poussin e Raffaello.

Pop Art

L'ultima direzione che prenderemo in considerazione è la pop art. È apparso in Gran Bretagna a metà degli anni '50 del secolo scorso e alla fine degli anni '50 in America. Si ritiene che la pop art sia nata come reazione alle idee dell’espressionismo astratto dominanti all’epoca. Parlando di questa direzione, è impossibile non menzionare che nel 2009 "Eight Elvises", uno dei suoi dipinti, è stato venduto per 100 milioni di dollari.

2.1 Surrealismo
Il surrealismo, un movimento modernista (modernismo) nella letteratura, nelle belle arti e nel cinema, ebbe origine in Francia negli anni '20. e ha avuto una grande influenza sulla cultura occidentale. Il surrealismo è caratterizzato da una predilezione per tutto ciò che è bizzarro, irrazionale e non soddisfa gli standard generalmente accettati. Il movimento stesso era eterogeneo, ma il suo obiettivo principale era l'emancipazione delle forze creative del subconscio e la loro supremazia sulla mente. In una certa misura, i predecessori dei surrealisti furono i dadaisti (dadaismo). Il teorico e fondatore S. Andre Breton ha sostenuto che questa direzione dovrebbe risolvere la contraddizione tra sogno e realtà e creare una sorta di realtà assoluta, superrealtà. Nonostante tutti i tentativi di Breton di unire i surrealisti, mancavano di unanimità: discutevano costantemente, si accusavano reciprocamente ed escludevano coloro che non erano d'accordo dalle loro fila. Il surrealismo si basa sulla teoria del subconscio di Freud e sul suo metodo di "libera associazione" per il passaggio dalla coscienza al subconscio. Tuttavia, le forme di espressione di queste idee erano molto diverse tra i surrealisti. Ad esempio, Dalì, con scrupolosa precisione, “plausibilità”, ha scritto ogni dettaglio nei suoi dipinti illogici, simili a incubi, aggravando l'impressione di allucinazione o delirio, mentre Max Ernst ha lavorato sulle sue tele come automaticamente, “spegnendo” il mente, preferendo immagini arbitrarie, spesso trasformandosi in astrazione. Jean Miró, tuttavia, si differenziava dagli altri artisti surrealisti per la varietà e l'allegria dei suoi dipinti. Nel periodo tra le due guerre mondiali il Surrealismo divenne il movimento più diffuso, anche se più controverso. I suoi seguaci apparvero non solo in Europa, ma anche negli Stati Uniti, dove durante la guerra emigrarono molti scrittori e artisti. Distinto per l’ampiezza del suo approccio e la ricchezza delle forme, il surrealismo ha facilitato la percezione del cubismo e dell’arte astratta, e i suoi metodi e tecniche hanno influenzato il lavoro di scrittori e artisti in molti paesi del mondo.

2.2 Cubismo
Cubismo, movimento modernista nella pittura del primo quarto del XX secolo. Il suo aspetto risale al 1907 ed è associato al lavoro di Picasso e Braque, in particolare al dipinto di Picasso “Les Demoiselles d’Avignon”, che raffigura figure deformate e ruvide, senza prospettiva o chiaroscuro. Il cubismo significò una rottura completa con la rappresentazione realistica della natura che aveva dominato la pittura europea sin dal Rinascimento. L'obiettivo di Picasso e Braque è costruire una forma tridimensionale su un piano, dividendola in elementi geometrici. Entrambi gli artisti gravitavano verso forme semplici e tangibili, trame semplici, che sono particolarmente caratteristiche del primo periodo del cubismo, il cosiddetto “Cézanne” (1907-1909), che si sviluppò sotto l'influenza della scultura africana e delle opere di Cezanne. Volumi potenti sembrano disposti sulla tela, il colore esalta il volume (Picasso “Tre donne”, 1909). Il periodo successivo (1910-1912) è detto “analitico”: l’oggetto è schiacciato in piccoli bordi, nettamente separati gli uni dagli altri, la forma dell’oggetto sembra confondersi sulla tela, praticamente non c’è colore in quanto tale (Braque “ In onore di J.S. Bach", 1912). In quest'ultimo, noto come cubismo “sintetico”, i dipinti si trasformano in pannelli piatti colorati (Picasso “Taverna”, 1913-1914), le forme diventano più decorative, stencil di lettere e adesivi vari vengono introdotti nel disegno, formando collage. Juan Gris scrive così, insieme a Braque e Picasso. La Prima Guerra Mondiale pose fine alla collaborazione tra Braque e Picasso, ma il loro lavoro ebbe una grande influenza su altri movimenti, tra cui il Futurismo, l'Orfismo, il Purismo e il Vorticismo. L'influenza del cubismo nelle arti visive continuò fino agli anni '60.

2.3 Arte astratta
L’astrattismo è la scuola più estrema del modernismo. L'arte astratta, chiamata anche arte non figurativa, è emersa come movimento negli anni '10 del XX secolo. Poiché gli artisti di questo movimento negano qualsiasi rappresentazione artistica e rifiutano di rappresentare il mondo oggettivo, l'astrattismo è anche chiamato non-oggettività. I teorici dell'astrattismo lo derivano da Cezanne attraverso il cubismo. Fu proprio questo percorso – dalla rappresentazione attraverso la “realtà ideale” del cosiddetto cubismo sintetico alla completa non-rappresentazione – che uno dei fondatori del “neoplasticismo”, il pittore olandese Piet (Peter Cornelis) Mondrian (1872-1944) ), ha preso, il quale credeva che “la pura plasticità crea pura realtà”. Negli anni '10 Mondrian fu associato al cubismo, portandone però i principi al semplice disegno su un piano. In patria, in Olanda, Mondrian aveva un gruppo di seguaci riuniti attorno alla rivista “Style”. Il programma della rivista proclamava la creazione di un'immagine universale del mondo attraverso rettangoli di diversi colori, separati l'uno dall'altro da una spessa linea nera. È così che sono apparse innumerevoli composizioni senza nome, sotto numeri e lettere. Mondrian era letteralmente ossessionato dal culto dell’equilibrio tra verticali e orizzontali e ruppe con la rivista Style quando nel 1924 introdusse l’angolo di 45 gradi come componente del linguaggio espressivo. Le idee di Mondrian furono riprese dai "concretisti" italiani negli anni Quaranta. Basandosi sull’affermazione di Mondrian secondo cui “non c’è niente di più concreto di linea, colore, piano”, hanno iniziato a creare una “nuova realtà” da linee e piani di colori aperti giallo, rosso e blu. Un altro fondatore dell’arte astratta, Wassily Kandinsky (1866-1944), creò le sue prime opere “non oggettive” ancor prima dei cubisti. Moscovita di nascita, Kandinsky si preparò dapprima alla carriera forense, nel 1896 venne a Monaco dove studiò alla scuola di A. Azhbe (1897-1898) e all'Accademia delle Arti (1900) con F. von Stuck, e si interessò a Gauguin e i Fauvisti, la stampa popolare popolare. Nel 1911, insieme a F. Mark, creò l'associazione Blue Rider. Nella sua opera “Sullo spirituale nell'arte”, proclama un allontanamento dalla natura, dalla natura alle essenze “trascendentali” dei fenomeni e degli oggetti; è attivamente impegnato con i problemi di avvicinare il colore alla musica. Anche Kandinsky fu fortemente influenzato dal simbolismo. Indubbiamente, dal simbolismo, la sua comprensione del nero, ad esempio, come simbolo di morte, del bianco come nascita, del rosso come coraggio. La linea orizzontale incarna il principio passivo, la linea verticale il principio attivo. I ricercatori ritengono giustamente che Kandinsky sia l'ultimo rappresentante del simbolismo letterario-psicologico, come Moreau in Francia e Ciurlionis in Lituania, e allo stesso tempo il primo artista astratto. "L'obiettività è dannosa per i miei dipinti", ha scritto nella sua opera "Il testo dell'artista". Le opere di Kandinsky di questo periodo sono tele colorate in cui macchie informi di colore intenso in bellissime combinazioni sono intersecate da linee curve o sinuose, a volte ricordanti i geroglifici. Questo di per sé era già un grande crimine; dal punto di vista di Mondrian, sono piuttosto vicini alla spontaneità infantile dei dipinti di Klee. Le opere di Kandinsky ricordano in qualche modo gli effetti fotografici della luce catturata nella pittura. Nel 1914 Kandinsky tornò in Russia, fu uno degli organizzatori del Museo della cultura pittorica a Pietrogrado e Inkhuk a Mosca. Dalla fine del 1921 visse in Germania. All'inizio degli anni '20 Kandinsky era appassionato del cosiddetto astrattismo geometrico (in contrapposizione all'astrattismo pittorico del periodo precedente). Nel 1933, con l'avvento del fascismo in Germania, Kandinsky emigrò in Francia, dove visse fino alla fine dei suoi giorni. Le ultime opere di Kandinsky sembrano combinare i principi dell'astrattismo pittorico e geometrico. Il terzo fondatore della pittura astratta è Kazimir Malevich (1878-1935). Unì l'impressionismo di Kandinsky e l'astrattismo geometrico di Mondrian di Cézanne nel Suprematismo da lui inventato (dal francese supremo - massimo). Studente della Scuola d'arte di Kiev, poi della Scuola di pittura, scultura e architettura di Mosca, Malevich si appassionò all'impressionismo, poi al cubismo, e negli anni '10 fu influenzato dai futuristi Carr e Boccioni. Dal 1913 creò un proprio sistema di pittura astratta, esponendo al pubblico il dipinto "Black Square", un semplice quadrato nero dipinto su sfondo bianco, e chiamando questo sistema "suprematismo dinamico". Nei suoi lavori teorici afferma che nel Suprematismo “non si può parlare di pittura, la pittura è ormai obsoleta da tempo e l’artista stesso è un pregiudizio del passato”. All'inizio degli anni '30 tornò alla pittura figurativa secondo la tradizione realistica, con un tema sovietico (“Ragazza con l'asta rossa”). Il "Quadrato Nero" di Malevich è passato alla storia come la massima espressione degli estremi dell'arte modernista. Una direzione speciale nell'arte astratta - il raggismo - è stata guidata da Mikhail Larionov e Natalya Goncharova. Secondo Larionov tutti gli oggetti sono visti come una somma di raggi. Il compito dell’artista è trovare l’intersezione dei raggi convergenti in determinati punti, ad es. linee colorate che li rappresentano in pittura. Con l'avvento al potere dei fascisti, i centri dell'arte astratta si trasferirono in America. Nel 1937 fu creato a New York un museo di pittura non oggettiva, fondato dalla famiglia del miliardario Guggenheim, e nel 1939 il Museum of Modern Art, creato con i fondi di Rockefeller. Durante la Seconda Guerra Mondiale e dopo la sua fine, tutte le forze di estrema sinistra del mondo artistico si riunirono in America. Nel dopoguerra, una nuova ondata di arte astratta fu sostenuta dall’enorme portata della pubblicità e del successo organizzato. Il capitale viene investito in opere di pittura astratta. Jackson Pollock (1912-1956) è considerato la “star” dell’arte astratta americana del dopoguerra. Pollock ha coniato il termine "dripping": spruzzare vernice sulla tela senza usare un pennello. Questo è anche chiamato espressionismo astratto in America, in Francia - tachisme (dalla parola tache - macchia), in Inghilterra - action painting, in Italia - pittura nucleare (pittura nucleare). In Francia, nella prima metà degli anni '40, ci fu una certa tregua nel campo dell'arte astratta. Ciò è stato causato dal rafforzamento della posizione dell’arte realistica dopo la guerra, dopo i movimenti del Fronte popolare e della Resistenza. Dalla fine degli anni '40 gli astrattisti si riuniscono nuovamente nel "Salon des realites nouvelles" e pubblicano una rivista speciale "Aujourd" hui art et architecture". I suoi teorici sono Leon Degan e Michel Seyfort. Negli anni '50 la passione per l'astrattismo era diffusa in Francia.Il rivale americano Pollock è rappresentato da Georges Mathieu, che accompagna le sue "sessioni di creatività" in presenza del pubblico con travestimenti in maschera e musica e definisce le sue enormi creazioni piuttosto dal punto di vista della trama (ad esempio, "La battaglia di Bouvines" ), il che non li rende però meno astratti. Come scrive il teorico astrattista L. Ventuli, “...l'arte si dice astratta quando è astratta non dalla personalità dell'artista, ma dagli oggetti del mondo esterno. ..”.

2.4 Fauvismo
Fauvismo - (francese fauvisme, da fauve - selvaggio), un movimento della pittura francese dell'inizio del XX secolo. Il soprannome ironico “les fauves” (i selvaggi) fu dato dalla critica ad un gruppo di pittori che si esibirono nel 1905 al “Salon of Independents” di Parigi (Henri Matisse, Andre Derain, Maurice Vlaminck, Albert Marquet, ecc.). Il fauvismo incarnava una protesta estetica contro le tradizioni artistiche del XIX secolo. Per un breve periodo (1905-1907), maestri dalle diverse personalità furono accomunati dall'attrazione per le formule figurative, i contrasti coloristici e i ritmi compositivi taglienti, e la ricerca di nuovi impulsi nella creatività primitiva, nell'arte medievale e orientale. La modellazione del volume, la ricreazione dello spazio e la prospettiva lineare aerea vengono messi da parte tra i Fauvisti dall’espressività emotiva diretta di un punto colorato intenso, strutture decorative che servono principalmente come espressione delle vivide emozioni dell’artista.

2.5 Futurismo
Futurismo - (dal latino futurum - futuro), il nome generale dei movimenti artistici d'avanguardia degli anni '10 - primi anni '20 in alcuni paesi europei (principalmente Italia e Russia), chiusi in lontane dichiarazioni (proclamazione delle idee di creazione di "arte del futuro", negazione delle tradizioni artistiche, ecc.) e argomenti selezionati. In Italia, i futuristi percepivano il futuro con esaltato ottimismo e assolutizzavano i segni esterni della civiltà tecnica come nuovi valori estetici, segnando un modello del futuro ordine mondiale, un nuovo tipo di coscienza di massa. Nel futurismo c'è una combinazione di punti di vista e una moltiplicazione dei contorni, come se fossero causati da rapidi movimenti, deformazione delle figure, netti contrasti nella struttura del colore, intrusione caotica nella composizione di frammenti di testo, ecc. Rappresentanti: leader e teorico F.T. Marinetti, U. Boccioni, C. Carra, ecc. In Russia, il futurismo era espresso più chiaramente nella letteratura (D.D. Burliuk, V.V. Mayakovsky, ecc.) ed era caratterizzato da slogan nichilisti, predicando la ribellione individualistica, l'estetizzazione della tecnologia e della cultura urbana, richieste di democratizzazione dell’arte.

2.6 Manierismo
Manierismo (Manierismo, maniera italiana - stile, maniera), un termine usato nella teoria delle belle arti. Divenne popolare grazie all'artista e biografo del XVI secolo Vasari, che lo caratterizzò per un alto grado di grazia, compostezza e raffinatezza nell'arte. Tuttavia, a partire dal XVII secolo, la maggior parte dei critici, ritenendo che l'arte italiana della seconda metà del XVI secolo fosse in declino rispetto ai picchi raggiunti durante l'Alto Rinascimento (Rinascimento) da Leonardo da Vinci, Michelangelo e Raffaello, il termine "Manierismo " è stato applicato all'arte caratterizzata dalla ricchezza metaforica, dalla predilezione per l'iperbole e il grottesco. Di conseguenza, Manierismo cominciò a essere chiamato lo stile adottato dalle scuole d'arte italiane, principalmente romane, durante il periodo tra l'Alto Rinascimento e il Barocco (circa 1520-circa 1600). È consuetudine parlare di Manierismo a partire da Raffaello, quando abbandonò i mezzi espressivi estremamente chiari ed equilibrati caratteristici dell'Alto Rinascimento e iniziò a lavorare in modo più sofisticato. Il Manierismo è caratterizzato da figure allungate, pose tese (contrapposto), effetti insoliti o bizzarri legati alle dimensioni, all'illuminazione o alla prospettiva e colori vivaci. Nella scultura, l'araldo del Manierismo fu Giambologna, la cui arte, che ebbe un'enorme influenza sui suoi contemporanei, combina pose stravaganti con squisita morbidezza ed eleganza delle forme. Le principali sculture manieriste includono Benvenuto Cellini. Il manierismo in architettura è difficile da definire come in pittura e scultura, ma spesso implica un consapevole disprezzo per le regole stabilite e le tradizioni classiche. Fuori dall'Italia, i rappresentanti della scuola di Fontainebleau in Francia, gli artisti olandesi del XVI secolo (molti di loro adottarono le idee del Manierismo dopo aver visitato l'Italia) ed El Greco in Spagna sono talvolta chiamati manieristi. Nella letteratura e nella musica, il termine "manierismo" è usato ancora più ampiamente che nelle belle arti e nell'architettura. Pertanto, le opere letterarie caratterizzate da sillabe elaborate, sintassi complicata e uso di immagini fantasiose e fantastiche sono chiamate “manieriste”. L'esempio più famoso è il romanzo in due volumi Euphues (1578-1580) di John Lyly, che ha dato origine al termine "Eufhuismo", indicando uno stile altamente artificiale e pretenzioso. Nella musica, ad esempio, l'opera del compositore italiano, autore di madrigali Carlo Gesualdo di Venosa, le cui opere si distinguono per un'armonia insolita, improvvisi cambi di tempo e vivida espressione, è considerata “manierista”.

2.7 Rinascimento
Rinascimento (Rinascimento), un'era di fioritura intellettuale e artistica iniziata in Italia nel XIV secolo, con un picco nel XVI secolo e con un impatto significativo sulla cultura europea. Il termine "Rinascimento", che significava un ritorno ai valori del mondo antico (anche se l'interesse per i classici romani sorse nel XII secolo), apparve nel XV secolo e ricevette una giustificazione teorica nel XVI secolo nelle opere di Vasari. , dedicato al lavoro di famosi artisti, scultori e architetti. In questo momento si formò un'idea dell'armonia che regna nella natura e dell'uomo come corona della sua creazione. Tra i rappresentanti di spicco di quest'epoca ci sono l'artista Alberti; architetto, artista, scienziato, poeta e matematico Leonardo da Vinci. L'architetto Brunelleschi, utilizzando in modo innovativo le tradizioni ellenistiche, creò diversi edifici che non erano inferiori in bellezza ai migliori esempi antichi. Molto interessanti sono le opere di Bramante, che i suoi contemporanei consideravano l'architetto più talentuoso dell'Alto Rinascimento, e Palladio, che creò grandi complessi architettonici che si distinguevano per l'integrità del loro concetto artistico e la varietà delle soluzioni compositive. Gli edifici e le scenografie del teatro furono costruiti sulla base dell'opera architettonica di Vitruvio (circa 15 aC) secondo i principi del teatro romano. I drammaturghi seguivano rigidi canoni classici. L'auditorium, di regola, aveva la forma di un ferro di cavallo; davanti ad esso c'era una piattaforma rialzata con proscenio, separata dallo spazio principale da un arco. Questo fu adottato come modello per l'edificio teatrale dell'intero mondo occidentale per i successivi cinque secoli. I pittori del Rinascimento crearono un concetto coerente del mondo con unità interna e riempirono i soggetti religiosi tradizionali con contenuti terreni (Nicola Pisano, fine XIV secolo; Donatello, inizio XV secolo). La rappresentazione realistica dell'uomo divenne l'obiettivo principale degli artisti del primo Rinascimento, come testimoniano le opere di Giotto e Masaccio. L'invenzione di un modo per trasmettere la prospettiva ha contribuito a una riflessione più veritiera della realtà. Uno dei temi principali dei dipinti del Rinascimento (Gilbert, Michelangelo) era la tragica inconciliabilità dei conflitti, la lotta e la morte dell'eroe. Intorno al 1425 Firenze divenne il centro del Rinascimento (arte fiorentina), ma all'inizio del XVI secolo - l'Alto Rinascimento - Venezia (arte veneziana) e Roma presero il posto principale. I centri culturali erano le corti dei duchi di Mantova, Urbino e Ferrada. I principali mecenati delle arti furono i Medici e i papi, soprattutto Giulio II e Leone X. I maggiori rappresentanti del “Rinascimento settentrionale” furono Dürer, Cranach il Vecchio e Holbein. Gli artisti del nord imitarono per lo più i migliori esempi italiani e solo pochi, come Jan van Scorel, riuscirono a creare il proprio stile, che si distingueva per la sua particolare eleganza e grazia: il manierismo. Artisti del Rinascimento: Alberti, Leonardo da Vinci, Botticelli, Tiziano, Michelangelo, Raffaello.

2.8 Avanguardia
Avantgardismo (francese avant-gardisme - avanti e guardia) è il nome generale dei movimenti artistici del 20 ° secolo, che sono caratterizzati dalla ricerca di forme e mezzi nuovi, sconosciuti, spesso unici di esibizione artistica, sottovalutazione o completa negazione di tradizioni e l’assolutizzazione dell’innovazione. Nato dall'atmosfera spirituale del XX secolo con i suoi grandiosi cataclismi, illustra non solo le contraddizioni tra diversi sistemi e tecniche di composizione, ma anche la lotta delle posizioni ideologiche. Alcuni teorici e professionisti dell'avanguardia dichiarano la creazione di un'arte d'élite estranea ai compiti sociali, mentre altri, al contrario, cercano mezzi di espressione fondamentalmente nuovi per trasmettere sentimenti di protesta sociale e contenuto rivoluzionario. Si è distinto principalmente non per le forme finite, ma per le tendenze allo spostamento di temi tradizionali, trame e principi compositivi, ipertrofia delle convenzioni, forte espressività (suono, colore, plastica e altro). È anche caratterizzato dalla distruzione dei confini oggettivamente determinati tra tipi e generi (la penetrazione della poesia e della musica nella prosa e la “proseizzazione” della poesia, il trasferimento dei principi della composizione musicale alla letteratura e alle arti visive). La natura contraddittoria dell'avanguardia è evidente nella tendenza di alcune delle sue direzioni verso il formalismo (la vittoria delle immagini verbali e del simbolismo sul contenuto nella poesia e nella prosa, l'enfasi sul colore, sulla struttura compositiva e sull'assenza di trama nella pittura, l'atonalità e la cacofonia in musica), e altri, al contrario, verso la negazione dell'essenza estetica dell'arte e dell'utilitarismo (la fusione dell'arte con la produzione, la vita quotidiana e il giornalismo politico). Nelle sue forme estreme si fonde con la decadenza, il modernismo e l'arte astratta. Rappresentanti di talento dell'avanguardia presto. Il XX secolo (futurismo, immaginismo, costruttivismo, ecc.), che ha aderito costantemente a una visione del mondo progressista, è stato in grado di superare gli angusti confini di queste tendenze e ha arricchito la cultura con nuovi valori artistici

2.9 Barocco
Barocco (arte barocca), stile dell'arte e dell'architettura europea dei secoli XVII e XVIII. In tempi diversi, il termine "barocco" aveva significati diversi. All'inizio aveva una connotazione offensiva, che implicava assurdità, assurdità (forse risale alla parola portoghese che significa perla brutta). Attualmente viene utilizzato nelle opere storico-artistiche per definire lo stile che dominò l'arte europea tra il Manierismo e il Rococò, cioè dal 1600 circa all'inizio del XVIII secolo. Dal manierismo barocco, l'arte ereditò dinamismo e profonda emotività, e dal Rinascimento - solidità e splendore: le caratteristiche di entrambi gli stili si fondevano armoniosamente in un unico insieme. I tratti più caratteristici del barocco - vistosa fioritura e dinamismo - corrispondevano alla fiducia in se stessi e all'aplomb della nuova potente Chiesa cattolica romana. Al di fuori dell’Italia, lo stile barocco ha messo le sue radici più profonde nei paesi cattolici e, ad esempio, in Gran Bretagna la sua influenza è stata insignificante. Alle origini della tradizione dell'arte barocca nella pittura ci sono due grandi artisti italiani: Caravaggio e Annibale Carracci, che realizzarono le opere più significative nell'ultimo decennio del XVI secolo - il primo decennio del XVII secolo. La pittura italiana della fine del XVI secolo è caratterizzata da innaturalità e incertezza stilistica. Caravaggio e Carracci, con la loro arte, ne hanno ripristinato l'integrità e l'espressività. Nell'architettura italiana, il rappresentante più importante dell'arte barocca fu Carlo Maderna (1556-1629), che ruppe con il Manierismo e creò un proprio stile. La sua realizzazione principale è la facciata della chiesa romanica di Santa Susanna (1603). La figura principale nello sviluppo della scultura barocca fu Lorenzo Bernini, i cui primi capolavori eseguiti nel nuovo stile risalgono al 1620 circa. La Cappella Coranaro nella Chiesa di Santa Maria della Vittoria (1645-1652) è considerata la quintessenza del Barocco , un'impressionante fusione di pittura, scultura e architettura. . I contemporanei italiani più importanti di Bernini durante questo periodo barocco maturo furono l'architetto Borromini e l'artista, e l'architetto Pietro da Cortona. Poco dopo lavorò Andrea del Pozzo (1642-1709); il suo soffitto dipinto nella chiesa di Sant'Ignazio a Roma (Apoteosi di Sant'Ignazio di Loyola) è il culmine della tendenza barocca verso lo splendore pomposo. Nel XVII secolo, Roma era la capitale artistica del mondo, attirando artisti da tutta Europa, e l'arte barocca si diffuse presto oltre la "città eterna". In ogni paese barocco l'arte si nutriva delle tradizioni locali. In alcuni paesi divenne più stravagante, come in Spagna e in America Latina, dove si sviluppò uno stile di decorazione architettonica chiamato churrigueresco; in altri è stato attenuato a favore di gusti più conservatori. Nelle Fiandre cattoliche l'arte barocca fiorì grazie all'opera di Rubens; nell'Olanda protestante ebbe un'influenza meno evidente. È vero, le opere mature di Rembrandt, estremamente vivaci e dinamiche, sono chiaramente segnate dall'influenza dell'arte barocca. In Francia esso si espresse nel modo più chiaro al servizio della monarchia e non della Chiesa. Luigi XIV capì l'importanza dell'arte come mezzo per glorificare il potere reale. Il suo consigliere in quest'area fu Charles Lebrun, che supervisionò gli artisti e i decoratori che lavoravano al palazzo di Luigi a Versailles. Versailles, con la sua grandiosa combinazione di sontuosa architettura, scultura, pittura, arte decorativa e paesaggistica, fu uno degli esempi più impressionanti della fusione delle arti. L'arte barocca contribuì alla creazione di effetti teatrali ottenuti attraverso l'illuminazione, la falsa prospettiva e le spettacolari decorazioni sceniche. Tuttavia, non soddisfaceva molto il gusto britannico riservato. Nell'architettura inglese, l'influenza del barocco fu evidente solo all'inizio del XVIII secolo nell'opera unica di Vanbrugh e Hawksmore. Alcuni dei lavori successivi di Wren si avvicinano a questo stile. Il desiderio di scala dell'arte barocca si avverte nei maestosi progetti della Cattedrale di St. Paul (1675-1710) e del Greenwich Hospital (inizio 1696). Il barocco lasciò il posto a un palladianesimo più calmo. In tutti i tipi di arte, il barocco si fonde con lo stile più leggero del rococò. Questa fusione fu molto fruttuosa nell'Europa centrale, soprattutto a Dresda, Vienna e Praga.

GENERI DELLA PITTURA(Genere francese - genere, tipo) - una divisione storicamente stabilita delle opere d'arte in conformità con i temi e gli oggetti dell'immagine. Nella pittura moderna ci sono i seguenti generi: ritratto, storico, mitologico, battaglia, quotidiano, paesaggio, natura morta, genere animalesco.

Sebbene il concetto di "genere" sia apparso nella pittura relativamente di recente, alcune differenze di genere esistono fin dall'antichità: immagini di animali nelle caverne del Paleolitico, ritratti dell'antico Egitto e della Mesopotamia del 3mila a.C., paesaggi e nature morte in epoca ellenistica e Mosaici e affreschi romani. La formazione del genere come sistema nella pittura da cavalletto iniziò in Europa nei secoli XV-XVI. e terminò principalmente nel XVII secolo, quando, oltre alla divisione delle belle arti in generi, apparve il concetto di cosiddetto. Generi “alti” e “bassi” a seconda del soggetto dell'immagine, del tema, della trama. Il genere “alto” comprendeva generi storici e mitologici, mentre il genere “basso” comprendeva ritratto, paesaggio e natura morta. Questa gradazione di generi durò fino al XIX secolo. anche se con eccezioni.

Quindi, nel 17 ° secolo. in Olanda furono i generi “bassi” a diventare protagonisti della pittura (paesaggio, vita quotidiana, natura morta), ma il ritratto cerimoniale, che formalmente apparteneva al genere ritrattistico “basso”, non vi apparteneva. Essendo diventati una forma di rappresentazione della vita, i generi pittorici, nonostante la stabilità delle loro caratteristiche generali, non sono immutabili, si sviluppano insieme alla vita, cambiando con lo sviluppo dell'arte. Alcuni generi muoiono o acquisiscono un nuovo significato (ad esempio, il genere mitologico), ne sorgono di nuovi, di solito all'interno di quelli già esistenti (ad esempio, all'interno del genere paesaggistico paesaggio architettonico E marina). Appaiono opere che combinano vari generi (ad esempio, una combinazione di un genere quotidiano con un paesaggio, un ritratto di gruppo con un genere storico).

Viene chiamato un genere di belle arti che riflette l'aspetto esterno ed interno di una persona o di un gruppo di persone ritratto. Questo genere è diffuso non solo nella pittura, ma anche nella scultura, nella grafica, ecc. I requisiti principali per un ritratto sono la trasmissione della somiglianza esterna e la rivelazione del mondo interiore, l’essenza del carattere di una persona. In base alla natura dell'immagine, si distinguono due gruppi principali: ritratti cerimoniali e da camera. Un ritratto cerimoniale mostra una persona in piena crescita (a cavallo, in piedi o seduta), su uno sfondo architettonico o paesaggistico. Un ritratto da camera utilizza un'immagine a mezzo busto o all'altezza del petto su uno sfondo neutro. Ci sono ritratti doppi e di gruppo. I ritratti dipinti su tele diverse, ma coordinati tra loro per composizione, formato e colore, sono detti accoppiati. I ritratti possono formare insiemi: gallerie di ritratti, unite secondo caratteristiche professionali, familiari e di altro tipo (gallerie di ritratti di membri di una corporazione, gilda, ufficiali di reggimento, ecc.). L'autoritratto è un gruppo speciale: la rappresentazione di se stesso da parte dell'artista.

Il ritratto è uno dei generi più antichi delle belle arti; inizialmente aveva uno scopo di culto e veniva identificato con l'anima del defunto. Nel mondo antico, la ritrattistica si sviluppò maggiormente nella scultura, così come nei ritratti dipinti: i ritratti Fayyum dei secoli I-III. Nel Medioevo, il concetto di ritratto fu sostituito da immagini generalizzate, sebbene negli affreschi, nei mosaici, nelle icone e nelle miniature esistessero alcune caratteristiche individuali nella rappresentazione di personaggi storici. Il tardo gotico e il rinascimento sono un periodo turbolento nello sviluppo della ritrattistica, quando avviene la formazione del genere del ritratto, raggiungendo le vette della fede umanistica nell'uomo e della comprensione della sua vita spirituale. Nel XVI secolo compaiono le seguenti tipologie di ritratto: tradizionale (a mezzo busto o a figura intera), allegorico (con attributi del divino), simbolico (basato su un'opera letteraria), autoritratto e ritratto di gruppo: Giotto Enrico Scrovegni(1305 circa, Padova), Jan van Eyck Ritratto dei coniugi Arnolfini(1434, Londra, National Gallery), Leonardo da Vinci Gioconda(1508 circa, Parigi, Louvre), Raffaello Signora con un velo(1516 circa, Firenze, Galleria Pitti), Tiziano Ritratto di un giovane con un guanto(1515–1520, Parigi, Louvre), A. Dürer Ritratto di un giovane umano(1500, Monaco, Alte Pinakothek), H. Holbein Messaggeri(Londra, Galleria Nazionale), Rembrandt La Guardia notturna(1642, Amsterdam, Rijksmuseum), Autoritratto con Saskia in ginocchio(1636 circa, Dresda, Pinacoteca). Grazie a Van Dyck, Rubens e Velazquez appare una sorta di ritratto di corte reale: il modello è mostrato a figura intera sullo sfondo di panneggi, paesaggi, motivi architettonici (Van Dyck Ritratto di Carlo I, OK. 1653, Parigi, Louvre).

Parallelamente, c'è una linea di ritratto psicologico, ritratto di personaggio, ritratto di gruppo: F. Hals Ritratto di gruppo della Compagnia di S. Adriana(1633, Haarlem, Museo Frans Hals), Rembrandt Sindaci(1662, Amsterdam, Rijksmuseum), El Greco Ritratto di Niño de Guevara(1601, New York, Metropolitan Museum of Art), D. Velazquez Ritratto di Filippo IV(1628, Madrid, Prado), F. Goya Tordo di Bordeaux(1827, Madrid, Prado), T. Gainsborough Ritratto dell'attrice Sarah Siddons(1784–1785, Londra, National Gallery), F.S. Rokotov Ritratto di Maykov(1765 circa, Mosca, Galleria Tretyakov), D. G. Levitsky Ritratto di M.A. Dyakova(1778, Mosca, Galleria Tretyakov). Ritratto interessante e vario dei secoli XIX-XX: D. Ingres Ritratto di signora Récamier(1800, Parigi, Louvre), E. Manet Flautista(1866, Parigi, Louvre), O. Renoir Ritratto di Jeanne Samari(1877, Mosca, Museo statale di belle arti Puskin), V. Van Gogh Autoritratto con orecchio bendato(1889, Chicago, collezione Blok), O.A. Kiprensky Ritratto di un poeta Puškin(1827, Mosca, Galleria Tretyakov), I.N. Kramskoy Ritratto dello scrittore Leone Tolstoj(1873, Mosca, Galleria Tretyakov), I.E. Repin Musorgskij(1881, Mosca, Galleria Tretyakov).

Si chiama un genere di belle arti dedicato a eventi e personaggi storici genere storico. Il genere storico, caratterizzato dalla monumentalità, si è sviluppato da molto tempo nella pittura murale. Dal Rinascimento al XIX secolo. gli artisti utilizzavano soggetti tratti dalla mitologia antica e dalle leggende cristiane. Spesso gli eventi storici reali rappresentati nella foto erano saturi di personaggi allegorici mitologici o biblici. Il genere storico è intrecciato con altri: il genere quotidiano (scene storiche e quotidiane), il ritratto (raffigurazioni di personaggi storici del passato, composizioni storico-ritratto), il paesaggio ("paesaggio storico") e si fonde con il genere della battaglia.

Il genere storico si incarna in forme da cavalletto e monumentali, in miniature e illustrazioni. Originario dei tempi antichi, il genere storico combinava eventi storici reali con miti. Nei paesi dell'Antico Oriente esistevano anche tipologie di composizioni simboliche (l'apoteosi delle vittorie militari del monarca, il trasferimento del potere a lui da parte di una divinità) e cicli narrativi di dipinti e rilievi.

Nell'antica Grecia c'erano immagini scultoree di eroi storici ( Tirannicidi, 477 a.C.), nell'Antica Roma furono realizzati rilievi con scene di campagne militari e trionfi ( Colonna Traiana a Roma, ca. 111–114). Nel Medioevo in Europa, gli eventi storici si riflettevano in cronache e icone in miniatura. Il genere storico nella pittura da cavalletto cominciò a prendere forma in Europa durante il Rinascimento, nei secoli XVII-XVIII. era considerato un genere “alto”, evidenziando (soggetti religiosi, mitologici, allegorici, storici). Uno dei primi dipinti realistici da cavalletto fu Resa di Breda Velazquez (1629–1631, Madrid, Prado). I dipinti del genere storico erano pieni di contenuti drammatici, alti ideali estetici e profondità delle relazioni umane: Tintoretto Battaglia di Zara(1585 circa, Venezia, Palazzo Ducale), N. Poussin La generosità di Scipione(1643, Mosca, Museo statale di belle arti Puskin), J.L. David Giuramento degli Orazi(1784, Parigi, Louvre), E. Manet Esecuzione L'imperatore Massimiliano(1871, Budapest, Museo delle Belle Arti). Inizio del XIX secolo – una nuova fase nello sviluppo del genere storico, iniziata con l’emergere del romanticismo e l’ascesa delle aspettative utopistiche: E. Delacroix Presa di Costantinopoli da parte dei crociati(1840, Parigi, Louvre), K. Bryullov L'ultimo giorno di Pompei(1830–1833, San Pietroburgo, Museo Russo), A.A.Ivanov L'apparizione di Cristo al popolo(1837–1857, Mosca, Galleria Tretyakov). Realismo della seconda metà del XIX secolo. si rivolge alla comprensione delle tragedie storiche di popoli e individui: I.E. Repin Ivan Grozny e suo figlio Ivan(1885, Mosca, Galleria Tretyakov), V.I.Surikov Menshikov dentro Berezov(1883, Mosca, Galleria Tretyakov). Nell'arte del 20° secolo. c'è un interesse per l'antichità come fonte di bellezza e poesia: V.A. Serov Pietro I(1907, Mosca, Galleria Tretyakov), artisti dell'associazione World of Art. Nell'arte sovietica, la composizione storica e rivoluzionaria occupava il posto di primo piano: B.M. Kustodiev bolscevico(1920, Mosca, Galleria Tretyakov).

Si chiama un genere di belle arti dedicato agli eroi e agli eventi raccontati dai miti dei popoli antichi genere mitologico(dal mito greco - leggenda). Il genere mitologico entra in contatto con quello storico e prende forma durante il Rinascimento, quando antiche leggende offrivano ricche occasioni per incarnare storie e personaggi dai complessi connotati etici, spesso allegorici: S. Botticelli Nascita di Venere(1484 circa, Firenze, Uffizi), A. Mantegna Parnaso(1497, Parigi, Louvre), Giorgione Dormire Venere(1508–1510 circa, Dresda, Pinacoteca), Raffaello Scuola di Atene(1509–1510, Roma, Vaticano). Nel XVII secolo - inizio 19esimo secolo nelle opere del genere mitologico si espande la gamma di problemi morali ed estetici, che si incarnano in alti ideali artistici e si avvicinano alla vita o creano uno spettacolo festoso: N. Poussin Venere dormiente(1620, Dresda, Pinacoteca), P.P. Rubens Baccanali(1619–1620, Mosca, Museo statale di belle arti Puskin), D. Velasquez Bacco (Ubriachi) (1628–1629, Madrid, Prado), Rembrandt Danae(1636, San Pietroburgo, Ermitage), G. B. Tiepolo Trionfo di Anfitrite(1740 circa, Dresda, Pinacoteca). Dal XIX al XX secolo. I temi dei miti germanici, celtici, indiani e slavi divennero popolari.

Genere battaglia(dal francese bataille - battaglia) è un genere di pittura che fa parte del genere storico, mitologico ed è specializzato nel rappresentare battaglie, imprese militari, operazioni militari, glorificare il valore militare, la furia della battaglia e il trionfo della vittoria. La pittura di battaglia può includere elementi di altri generi: domestico, ritratto, paesaggio, animalesco, natura morta. Gli artisti si rivolgevano regolarmente al genere della battaglia: Leonardo da Vinci Battaglia di Anghiari(non conservato), Michelangelo Battaglia di Kashin(non conservato), Tintoretto Battaglia di Zara(1585 circa, Venezia, Palazzo Ducale), N. Poussin, A. Watteau Le difficoltà della guerra(1716 circa, San Pietroburgo, Hermitage), F. Goya Disastri della guerra(1810–1820), T. Gericault Corazziere ferito(1814, Parigi, Louvre), E. Delacroix Massacro di Chio(1824, Parigi, Louvre), V.M. Vasnetsov Dopo il massacro di Igor Svyatoslavovich con Polovtsiani(1880, Mosca, Galleria Tretyakov).

Si chiama un genere di belle arti che mostra scene della vita quotidiana, personale, quotidiana della vita contadina e urbana di una persona genere quotidiano. Gli appelli alla vita e alla morale delle persone si trovano già nei dipinti e nei rilievi dell'Antico Oriente, nella pittura e nella scultura di vasi antichi, nelle icone medievali e nei libri d'ore. Ma il genere quotidiano si è distinto e ha acquisito forme caratteristiche solo come fenomeno dell'arte secolare da cavalletto. Le sue caratteristiche principali iniziarono a prendere forma nei secoli XIV-XV. in pale d'altare, rilievi, arazzi, miniature nei Paesi Bassi, Germania, Francia. Nel XVI secolo Nei Paesi Bassi, il genere quotidiano iniziò a svilupparsi rapidamente e si isolò. Uno dei suoi fondatori fu I. Bosch ( I sette peccati capitali, Madrid, Prado). Lo sviluppo del genere quotidiano in Europa è stato fortemente influenzato dal lavoro di P. Bruegel: si sposta verso un genere puramente quotidiano, mostra che la vita quotidiana può essere oggetto di studio e fonte di bellezza ( Ballo contadino, Matrimonio contadino- OK. 1568, Vienna, Kunsthistorisches Museum). 17 ° secolo può essere definito il secolo del “genere” in tutte le scuole di pittura d’Europa: Michelangelo e Caravaggio Chiromante(Parigi, Louvre), P.P. Rubens Contadino danza(1636–1640, Madrid, Prado), J. Jordans Festa del Re dei Fagioli(1638 circa, San Pietroburgo, Hermitage), A. van Ostade Flautista(1660 circa, Mosca, Museo statale di belle arti Pushkin), Jan Steen Paziente e medico(1660 circa, Amsterdam, Rijksmuseum), F. Hals Zingaro(1630 circa, Parigi, Louvre), John Vermeer di Delft Ragazza con una lettera(fine 1650, Dresda, Pinacoteca). Nel XVIII secolo in Francia la pittura di genere si associa alla raffigurazione di scene galanti, “pastorali”, diventa raffinata e aggraziata, ironica: A. Watteau Bivacco(1710 circa, Mosca, Museo statale di belle arti Puskin), J.B. Chardin Preghiera prima del pranzo(1737 circa, San Pietroburgo, Hermitage). Le opere del genere quotidiano erano varie: mostravano il calore della vita domestica e l'esotismo di paesi lontani, esperienze sentimentali e passioni romantiche. Genere domestico nel XIX secolo. in pittura afferma ideali democratici, spesso con toni critici: O. Daumier Lavandaia(1863, Parigi, Louvre), G. Courbet Laboratorio dell'artista(1855, Parigi, Museo d'Orsay). Il genere quotidiano, incentrato sulla rappresentazione della vita contadina e di un abitante della città, si sviluppò vividamente nella pittura russa del XIX secolo: A.G. Venetsianov Sui seminativi. Primavera(1820, Mosca, Galleria Tretyakov), P.A. Fedotov Il matchmaking del Maggiore(1848, Mosca, Galleria Tretyakov), V.G. Perov L'ultima taverna all'avamposto(1868, Mosca, Galleria Tretyakov), I.E. Repin Non abbiamo aspettato(1884, Mosca, Galleria Tretyakov).

Il genere delle belle arti, dove la cosa principale è l'immagine della natura, dell'ambiente, delle vedute della campagna, delle città, dei monumenti storici, si chiama paesaggio (paesaggio francese). Sono presenti paesaggi rurali, urbani (compresa la veduta), architettonici, industriali, immagini dell'elemento acqua - mare (marina) e paesaggi fluviali

Nell'antichità e nel Medioevo i paesaggi compaiono nei dipinti di templi, palazzi, icone e miniature. Nell'arte europea, i pittori veneziani del Rinascimento (A. Canaletto) furono i primi a dedicarsi alla rappresentazione della natura. Dal XVI secolo il paesaggio diventa un genere indipendente, si formano le sue varietà e direzioni: paesaggio lirico, eroico, documentaristico: P. Bruegel È una brutta giornata (Vigilia di primavera) (1565, Vienna, Kunsthistorisches Museum), P.P. Rubens Caccia al leone(1615 circa, Monaco, Alte Pinakothek), Rembrandt Paesaggio con laghetto e ponte ad arco(1638, Berlino – Dahlem), J. van Ruisdael palude della foresta(1660, Dresda, Pinacoteca), N. Poussin Paesaggio con Polifemo(1649, Mosca, Museo statale di belle arti Pushkin), K. Lorrain Mezzogiorno(1651, San Pietroburgo, Ermitage), F. Guardi Piazza San Marco, veduta della Basilica(1760–1765 circa, Londra, National Gallery). Nel 19 ° secolo scoperte creative di maestri del paesaggio, saturazione di esso con questioni sociali, sviluppo del plein air (rappresentazione dell'ambiente naturale) culminato nelle conquiste dell'impressionismo, che ha dato nuove opportunità nella trasmissione pittorica della profondità spaziale, variabilità dell'ambiente luce-aria , complessità dei colori: i Barbizoni, C. Corot Mattina a Venezia(1834 circa, Mosca, Museo statale di belle arti Pushkin), A.K. Savrasov I Rook sono arrivati(1871, Mosca, Galleria Tretyakov), I.I. Shishkin Segale V. D. Polenov Cortile di Mosca(1878, Mosca, Galleria Tretyakov), I.I. Levitan Autunno dorato(1895, Mosca, Galleria Tretyakov), E. Manet Colazione sull'erba(1863, Parigi, Louvre), Boulevard C. Monet Ragazze cappuccine a Parigi(1873, Mosca, Museo statale di belle arti Puskin), O. Renoir Piscina per bambini(1869, Stoccolma, Museo Nazionale).

Marina(Marina italiana, dal latino marinus - mare) - uno dei tipi di paesaggio, il cui oggetto è il mare. La marina divenne un genere indipendente in Olanda all'inizio del XVII secolo: J. Porcellis, S. de Vlieger, W. van de Velle, J. Vernet, W. Turner Funerali in mare(1842, Londra, Tate Gallery), C. Monet Impressione, alba sole(1873, Parigi, Museo Marmottan), S.F. Shchedrin Piccolo porto di Sorrento(1826, Mosca, Galleria Tretyakov).

Paesaggio architettonico- un tipo di paesaggio, uno dei tipi di pittura prospettica, un'immagine di un'architettura reale o immaginaria in un ambiente naturale. Un ruolo importante nel paesaggio architettonico è giocato dalla prospettiva lineare e aerea, che collega natura e architettura. Nel paesaggio architettonico si distinguono le vedute prospettiche urbane, chiamate nel XVIII secolo. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi a Venezia), vedute di tenute, insiemi di parchi con edifici, paesaggi con rovine antiche o medievali (Y. Robert; K. D. Friedrich Abbazia di Quercia boschetto, 1809–1810, Berlino, Museo statale; S.F. Shchedrin), paesaggi con strutture immaginarie e rovine (D.B. Piranesi, D. Pannini).

Veduta(veduta italiana, lett. - visto) - un paesaggio che documenta accuratamente l'aspetto di un territorio, di una città, una delle fonti dell'arte del panorama. Il termine apparve nel XVIII secolo, quando veniva utilizzata una camera oscura per riprodurre le vedute. L'artista di punta di questo genere fu A. Canaletto: Piazza San Marco(1727–1728, Washington, Galleria Nazionale).

Un genere di belle arti che mostra oggetti domestici, lavoro, creatività, fiori, frutti, selvaggina morta, pesce pescato, collocati in un ambiente quotidiano reale, è chiamato natura morta (fr. nature morte - natura morta). Una natura morta può essere dotata di un significato simbolico complesso, svolgere il ruolo di un pannello decorativo o essere un cosiddetto “trucco”, che regala una riproduzione illusoria di oggetti o figure reali che evocano l'effetto della presenza di una natura genuina.

La raffigurazione di oggetti è nota nell'arte dell'antichità e del Medioevo. Ma la prima natura morta su cavalletto è considerata un dipinto dell'artista veneziano Jacopo de Barbari Pernice con freccia e guanti(1504, Monaco, Alte Pinakothek). Già nel XVI secolo. la natura morta si divide in tante tipologie: un interno di cucina con o senza persone, una tavola imbandita in ambiente rurale, “vanitas” con oggetti simbolici (un vaso di fiori, una candela spenta, strumenti musicali). Nel XVII secolo fiorente il genere della natura morta: la monumentalità dei dipinti di F. Snyders ( Natura morta con un cigno, Mosca, Museo Statale di Belle Arti Pushkin), F. Zurbaran, che compose semplici composizioni a partire da pochi oggetti ( Natura morta con quattro vasi, 1632–1634, Madrid, Prado). La natura morta olandese era particolarmente ricca, modesta nei colori e nelle cose raffigurate, ma squisita nella trama espressiva degli oggetti, nel gioco del colore e della luce (P. Klas, V. Heda, V. Kalf, A. Beyeren) . Nel XVIII secolo nelle laconiche nature morte di J.B. Chardin si afferma il valore e la dignità nascosti nella vita quotidiana: Attributi dell'art(1766, San Pietroburgo, Hermitage). Le nature morte del XIX secolo sono diverse: implicazioni sociali nei dipinti di O. Daumier; trasparenza, ariosità nei dipinti di E. Manet; monumentalità, costruttività, modellazione precisa della forma con colore di P. Cezanne. Nel 20 ° secolo nuove possibilità per la natura morta si aprono: P. Picasso, J. Braque hanno fatto del soggetto l'oggetto principale della sperimentazione artistica, studiandone e sezionandone la struttura geometrica.

Si chiama un genere di belle arti che mostra animali genere animalesco(dal lat. animale - animale). L'artista animale presta attenzione alle caratteristiche artistiche e figurative dell'animale, alle sue abitudini, all'espressività decorativa della figura e della silhouette. Spesso gli animali sono dotati di tratti, azioni ed esperienze inerenti all'uomo. Immagini di animali si trovano spesso nella scultura antica e nella pittura vascolare.

Nina Bayor

Letteratura:

Suzdalev P. Sui generi di pittura.– Rivista “Creatività”, 1964, n. 2, 3
Storia dell'arte straniera. M., Belle Arti, 1984
Whipper B.R. Introduzione allo studio storico dell’arte. M., Belle Arti, 1985
Storia dell'arte mondiale. BMM JSC, M., 1998

La pittura è una delle forme d'arte più comuni, con l'aiuto della quale gli artisti trasmettono agli spettatori la loro visione del mondo.

Pertanto, la pittura è un tipo di belle arti separato e molto popolare, in cui le immagini visive vengono trasmesse dal maestro attraverso l'applicazione di vernici sulla superficie dell'immagine.

Tutti i dipinti esistenti oggi possono essere suddivisi in diversi generi separati, che hanno le proprie caratteristiche nell'argomento e nella tecnica dell'immagine. Consideriamo quelli principali per avere un'idea corretta della struttura dei dipinti.

Quindi, tra i generi moderni di pittura possiamo citare quanto segue:

• Ritratto
• Scenario
• Marina
• Pittura storica
• Pittura di battaglia
• Natura morta
• Pittura di genere
• Pittura architettonica
• Pittura religiosa
• Pittura di animali
• Pittura decorativa

Schematicamente, la divisione dei generi di pittura sarà simile a questa:

Ritratto

Molti di noi hanno familiarità con il genere di pittura noto come ritrattistica. Questo è uno dei tipi più antichi di pittura raffinata e può essere trovato anche nella scultura e nella grafica. In precedenza, non c'erano fotografie, quindi ogni persona ricca o famosa riteneva necessario perpetuare il suo volto e la sua figura per i posteri - e in questo i ritrattisti vennero in suo aiuto.

Inoltre, il ritratto può raffigurare sia persone reali che eroi letterari o mitici. Inoltre, è possibile creare sia il ritratto di una persona vissuta nei tempi passati sia del nostro contemporaneo che esiste oggi.

Il genere del ritratto non ha confini chiari, quindi in un'opera un ritratto può essere combinato con elementi di altri generi di pittura: paesaggio, natura morta e così via.

Tipi di ritratti

Tra i tipi più comuni di ritrattistica ci sono i seguenti:

• Ritratto storico
• Ritratto retrospettivo
• Ritratto - pittura
• Ritratto tipico
• Auto ritratto
• Ritratto del donatore
• Ritratto cerimoniale
• Ritratto a mezzo vestito
• Ritratto da camera
• Ritratto intimo
• Ritratto di piccolo formato
• Ritratto - miniatura

Ogni tipo di ritrattistica ha le sue caratteristiche e differenze nella tecnica di esecuzione. Diamo un'occhiata a loro in modo più dettagliato.

• Ritratto storico- contiene un'immagine di qualsiasi personaggio storico, personaggio politico o persona creativa. Un tale ritratto può essere creato dai ricordi dei contemporanei o nato nell'immaginazione del pittore.

• Ritratto retrospettivo- un'immagine postuma di una persona vissuta nel passato, creata secondo le descrizioni di testimoni oculari o da un'immagine intravitale. Tuttavia, potrebbero esserci anche casi in cui il ritratto è stato interamente composto dal maestro.

• Pittura - ritratto- una persona è raffigurata in una relazione trama con il mondo circostante, la natura, sullo sfondo di edifici architettonici o delle attività di altre persone. Nei ritratti, la sfocatura dei confini e la combinazione di vari generi - pittura di paesaggio, storica e di battaglia e così via - sono più chiaramente visibili.

• Ritratto tipico- artista - pittore raffigura un'immagine collettiva composta dai tratti caratteristici dell'aspetto di molte persone, unite da idee, tipi di attività, status sociale o stile di vita comuni.

• Ritratto in costume- la persona raffigurata si presenta allo spettatore sotto forma di personaggio letterario o teatrale, figura storica o eroe mitologico. Tali ritratti sono di particolare interesse per lo studio dei costumi di altre epoche.

• Auto ritratto- un tipo speciale di ritratto in cui l'artista raffigura se stesso. Cioè, vuole trasmettere e trasmettere al pubblico la sua essenza interiore.

• Ritratto del donatore- una delle forme obsolete di ritrattistica. Un dipinto del genere con un tema religioso raffigurava una persona che faceva grandi donazioni alla chiesa. Si presentava davanti al pubblico circondato dai santi, accanto alla Madonna o su una delle porte dell'altare, in ginocchio. Le persone ricche a quei tempi vedevano un significato speciale nel creare un ritratto di un donatore, perché tali dipinti erano sempre percepiti positivamente e venerati alla pari.

Per natura e metodo di rappresentazione figure umane, tutti i ritratti sono suddivisi nelle seguenti tipologie:

• Ritratto cerimoniale- mostra un uomo in posizione eretta a tutta altezza. Allo stesso tempo, tutti i dettagli dell'aspetto e della figura sono scritti in modo molto chiaro.

• Ritratto a mezzo vestito- una persona è raffigurata dalla vita in su, alle ginocchia o in posizione seduta quando la parte inferiore delle gambe non è visibile. In un simile lavoro di ritrattistica, l'immagine dell'ambiente circostante o degli accessori gioca un ruolo enorme.

• Ritratto da camera- la figura umana viene eseguita su uno sfondo neutro e viene utilizzata una versione abbreviata dell'immagine della figura umana - alla vita, al petto o anche all'altezza delle spalle. In questo caso, il maestro disegna i tratti del viso della persona in modo particolarmente chiaro e attento.

• Ritratto intimo- è usato molto raramente e rappresenta una delle varietà di ritratti intimi grazie alla sua esecuzione su uno sfondo neutro. La creazione di un ritratto intimo si basa sui sentimenti profondi dell’artista per la persona raffigurata o su un rapporto di fiducia tra di loro.

• Ritratto di piccolo formato- un piccolo dipinto. solitamente fatto con inchiostro, matita, pastello o acquerelli.

• Ritratto - miniatura- uno dei tipi di ritrattistica più riconoscibili e complessi in termini di tecnica. La miniatura è caratterizzata da un piccolo formato dell'immagine (da 1,5 a 20 cm), nonché da una straordinaria sottigliezza di scrittura e da un disegno accurato, quasi gioielliere, di tutte le linee. I ritratti in miniatura venivano inseriti nei medaglioni e usati per decorare orologi, braccialetti, spille, anelli e tabacchiere.

Scenario

Il paesaggio è un genere di pittura separato, il cui oggetto principale è la natura nella sua forma originale o leggermente modificata nel processo dell'attività umana.

Il genere della pittura di paesaggio è noto fin dall'antichità. Tuttavia, nel Medioevo perse in qualche modo la sua rilevanza. Ma già nel Rinascimento il paesaggio fu ripreso e acquisì il significato di uno dei generi più importanti dell'arte pittorica.

Marina

Marina (dalla parola latina “marinus” - “mare”) è un genere speciale di pittura in cui tutti gli eventi raffigurati, i tipi di attività umana e le immagini della natura sono dedicati al mare. Spesso le tele raffigurano paesaggi marini in diversi periodi dell'anno e in diverse condizioni di luce.

Gli artisti che dipingono il mare nelle sue varie manifestazioni sono chiamati “pittori marini”. Uno dei pittori marini più famosi è Ivan Aivazovsky, che ha creato oltre 6mila dipinti su temi marini.

Pittura storica

Il genere della pittura storica ha avuto origine nel Rinascimento, quando gli artisti cercavano di riflettere nelle loro tele scene della vita sociale in vari periodi storici.

Tuttavia, i dipinti storici potrebbero rappresentare non solo immagini della vita di persone reali, ma anche soggetti mitologici, nonché reinterpretazioni illustrate di storie bibliche e evangeliche.

La pittura storica serve a mostrare gli eventi del passato che sono più importanti per un particolare popolo o per tutta l'umanità nel suo insieme.

Pittura di battaglia

Una delle varietà del genere storico è la pittura di battaglia, il cui soggetto di immagini è dedicato principalmente a eventi militari, famose battaglie per terra e mare, nonché campagne militari. Il genere della battaglia copre la storia degli scontri militari nel corso della storia della civiltà umana.

Allo stesso tempo, i dipinti di battaglia si distinguono per un gran numero e una varietà di figure raffigurate, nonché per immagini abbastanza accurate del terreno e delle caratteristiche di una particolare regione.

Il pittore di battaglie deve affrontare diversi compiti difficili:

1. Mostra l'eroismo della guerra e mostra il comportamento dei guerrieri più coraggiosi.
2. Cattura un momento particolarmente importante o un punto di svolta in una battaglia.
3. Rivela nel tuo lavoro il pieno significato storico degli eventi militari.
4. Esprimi in modo accurato e chiaro il comportamento e le esperienze di ciascuno dei partecipanti alla battaglia, sia comandanti famosi che soldati ordinari.

Va notato che il genere della pittura di battaglia è considerato uno dei più difficili, quindi tali dipinti vengono creati dai maestri per molto tempo, a volte dieci anni. All'artista è richiesto non solo di avere un'ottima conoscenza della storia dettagliata della battaglia rappresentata, ma anche di essere in grado di creare tele a più figure con un gran numero di dettagli ausiliari. Questi includono immagini della natura, elementi architettonici e immagini di armi o meccanismi militari. Pertanto, il genere della battaglia occupa un posto speciale e si distingue dalla pittura storica.

Natura morta

La natura morta è la creazione su tela di composizioni di oggetti inanimati in varie combinazioni. Le più popolari sono le immagini di piatti, vasi di fiori con mazzi di fiori e frutta su un piatto.

Inizialmente, il tema delle immagini nel genere della natura morta sorse a cavallo tra il XV e il XVI secolo, ma la formazione finale del genere in una direzione pittorica separata avvenne nel XVII secolo. I primi creatori di nature morte furono artisti olandesi e fiamminghi. Successivamente, la natura morta ha preso un posto importante nel lavoro degli artisti russi.

L'argomento delle immagini nelle nature morte può essere molto ricco e vario e non si limita esclusivamente agli oggetti di uso quotidiano. Questi possono essere libri, riviste e giornali, bottiglie, figurine, un globo e molti altri oggetti.

L'idea principale delle composizioni del genere Vanitas è l'idea della finitezza dell'esistenza terrena e dell'umiltà prima dell'inevitabilità della transizione verso un altro mondo. Le nature morte con un teschio al centro della composizione ottennero la massima popolarità nei secoli XVI-XVII nelle Fiandre e nei Paesi Bassi. Poco dopo, artisti francesi e spagnoli iniziarono a contattarlo.

Pittura di genere

Nelle belle arti, la pittura di genere è considerata parte del genere quotidiano. Sin dai tempi antichi, gli artisti hanno raffigurato scene della vita quotidiana della gente comune: contadini, artigiani, commercianti, nonché servitori di nobili cortigiani nel processo di lavoro o nella vita quotidiana delle loro famiglie.

I primi esempi di dipinti di genere in senso moderno apparvero nel Medioevo e successivamente divennero diffusi e popolari. I temi dei dipinti di genere sono caratterizzati da un'invidiabile diversità, che suscita l'interesse degli spettatori.

Pittura architettonica

La pittura architettonica è un genere pittorico speciale, il cui soggetto è dedicato alla raffigurazione di edifici, strutture e vari monumenti architettonici, nonché alle soluzioni più interessanti sotto l'aspetto storico. Questo si riferisce all'immagine dell'interior design di palazzi, teatri, sale da concerto e così via.

Grazie a tali dipinti, lo spettatore ha l'opportunità di vedere personalmente i monumenti architettonici nella loro forma originale attraverso gli occhi dell'artista stesso. Le opere di pittura architettonica aiutano anche a studiare il paesaggio architettonico delle città dei tempi passati.

Pittura di animali

Il genere animalesco è un genere di pittura separato specializzato principalmente nella rappresentazione del mondo animale del nostro pianeta. Nei dipinti di questo genere possiamo vedere animali, uccelli, pesci e rappresentanti di molte altre specie nel loro habitat naturale.

Tuttavia, ciò non significa che il tema del genere animale siano solo gli animali selvatici. Al contrario, gli artisti molto spesso dipingono dipinti dedicati agli animali domestici: gatti, cani, cavalli e così via.

Pittura decorativa

Il genere della pittura decorativa può essere suddiviso in diversi tipi, che presentano le loro differenze:

• Dipinto monumentale
• Pittura di scenografie teatrali
• Pittura decorativa

La diversità del genere decorativo è spiegata dal fatto che gli artisti in ogni momento hanno cercato di decorare ogni oggetto nel mondo circostante.

• Dipinto monumentale- un genere di arte monumentale, le cui opere sono di dimensioni piuttosto grandi e vengono utilizzate come decorazione decorativa per edifici e strutture di carattere secolare e religioso per vari scopi (tra cui chiese, edifici per uffici ed edifici culturali, monumenti architettonici e edifici residenziali).

• Scenario teatrale- questo è un tipo molto popolare di genere decorativo, che comprende la creazione di scene e bozzetti di costumi per personaggi di produzioni teatrali e personaggi cinematografici, nonché schizzi di singole mise-en-scene. I decoratori in teatro e sui set cinematografici a volte creano dei veri e propri capolavori, che vengono poi inseriti tra i migliori set teatrali e cinematografici.

• Pittura decorativa- rappresenta composizioni di trame o decorazioni ornamentali create su varie parti di edifici e strutture, nonché su esempi di arti decorative e applicate, che traggono origine dalle arti e dai mestieri popolari. I principali tipi di oggetti dipinti erano piatti, articoli per la casa, mobili e così via.

La pittura si distingue per una varietà di generi e tipi. Ogni genere è limitato alla propria gamma di soggetti: l'immagine di una persona (ritratto), il mondo circostante (paesaggio), ecc.
Le varietà (tipi) di pittura differiscono nel loro scopo.

A questo proposito, esistono diversi tipi di pittura, di cui parleremo oggi.

Pittura da cavalletto

Il tipo di pittura più popolare e famosa è la pittura da cavalletto. Si chiama così perché viene eseguito su una macchina: un cavalletto. La base è legno, cartone, carta, ma molto spesso tela tesa su un telaio. Un dipinto da cavalletto è un'opera indipendente realizzata in un genere specifico. Ha una ricchezza di colori.

Dipinti ad olio

Molto spesso, la pittura da cavalletto viene eseguita con colori ad olio. Puoi usare colori ad olio su tela, legno, cartone, carta e metallo.

Dipinti ad olio
Le pitture ad olio sono sospensioni di pigmenti e riempitivi inorganici in oli vegetali essiccanti o oli essiccanti o a base di resine alchidiche, talvolta con l'aggiunta di sostanze ausiliarie. Utilizzato nella pittura o per dipingere superfici in legno, metallo e altre.

V. Perov “Ritratto di Dostoevskij” (1872). Tela, olio
Ma un quadro pittoresco può essere realizzato anche utilizzando tempera, tempera, pastelli e acquerelli.

Acquerello

Colori ad acquerello

L'acquerello (francese Aquarelle - acquoso; italiano acquarello) è una tecnica pittorica che utilizza speciali colori ad acquerello. Quando sciolti in acqua, formano una sospensione trasparente di pigmento fine, che crea l'effetto di leggerezza, ariosità e sottili transizioni di colore.

J. Turner “Lago Firvaldstät” (1802). Acquerello. Tate Britain (Londra)

Guazzo

La tempera (guazza francese, pittura ad acqua guazzo italiana, splash) è un tipo di vernice adesiva idrosolubile, più densa e più opaca dell'acquerello.

Colori a guazzo
Le vernici a guazzo sono realizzate con pigmenti e colla con l'aggiunta di bianco. La mescolanza di bianco conferisce alla tempera una qualità opaca e vellutata, ma quando si asciugano i colori diventano leggermente sbiancati (schiariti), di cui l'artista deve tenere conto durante il processo di pittura. Usando le vernici a guazzo puoi coprire i toni scuri con quelli chiari.

Vincent Van Gogh "Corridoio ad Asulum" (gesso nero e tempera su carta rosa)

Pastello [e]

Il pastello (dal latino pasta - pasta) è un materiale artistico utilizzato nella grafica e nella pittura. Molto spesso si presenta sotto forma di pastelli o matite senza montatura, a forma di barre a sezione trasversale rotonda o quadrata. Esistono tre tipi di pastelli: secchi, ad olio e a cera.

I. Levitan “River Valley” (pastello)

Tempera

Tempera (tempera italiana, dal latino temperare - mescolare vernici) - vernici a base d'acqua preparate sulla base di pigmenti in polvere secca. Il legante per i colori a tempera è il tuorlo di un uovo di gallina diluito con acqua o un uovo intero.
Le pitture a tempera sono tra le più antiche. Prima dell'invenzione e della diffusione dei colori ad olio fino ai secoli XV-XVII. le tempere erano il materiale principale per la pittura da cavalletto. Sono utilizzati da più di 3mila anni. I famosi dipinti dei sarcofagi degli antichi faraoni egiziani erano realizzati con colori a tempera. La pittura a tempera fu eseguita principalmente da maestri bizantini. In Russia, la tecnica della pittura a tempera fu dominante fino alla fine del XVII secolo.

R. Streltsov “Camomilla e viole” (tempera)

Encausto

L'encausto (dal greco antico ἐγκαυστική - l'arte di bruciare) è una tecnica pittorica in cui la cera è il legante dei colori. La verniciatura viene eseguita con vernici fuse. Molte icone paleocristiane furono dipinte utilizzando questa tecnica. Ha avuto origine nell'antica Grecia.

"Angelo". Tecnica dell'encausto

Attiriamo la vostra attenzione sul fatto che è possibile trovare un'altra classificazione, secondo la quale l'acquerello, la tempera e altre tecniche che utilizzano carta e vernici a base d'acqua sono classificate come grafica. Combinano le caratteristiche della pittura (ricchezza del tono, costruzione della forma e dello spazio con il colore) e della grafica (il ruolo attivo della carta nella costruzione dell'immagine, l'assenza del rilievo specifico della pennellata caratteristico di una superficie pittorica).

Dipinto monumentale

La pittura monumentale è la pittura su strutture architettoniche o altre fondamenta. Questo è il tipo di pittura più antico, conosciuto fin dal Paleolitico. Grazie alla sua stazionarietà e durabilità, ne rimangono numerosi esempi provenienti da quasi tutte le culture che hanno creato un'architettura sviluppata. Le principali tecniche della pittura monumentale sono l'affresco, il secco, il mosaico, le vetrate.

Affrescare

Affresco (dall'italiano fresco - fresco) - pittura su intonaco bagnato con idropitture, una delle tecniche di pittura murale. La calce contenuta nell'intonaco, una volta essiccata, forma una sottile pellicola calcica trasparente, rendendo l'affresco durevole.
L'affresco ha una piacevole superficie opaca ed è durevole in condizioni interne.

Monastero di Gelati (Georgia). Chiesa della Beata Vergine Maria. Affresco sul lato superiore e meridionale dell'Arco di Trionfo

A secco

E secco (dall'italiano a secco - asciutto) è la pittura murale, eseguita, a differenza degli affreschi, su intonaco duro e essiccato, riumidificato. Si utilizzano vernici macinate su colla vegetale, all'uovo o impastate con calce. Secco consente di dipingere una superficie maggiore in una giornata lavorativa rispetto alla pittura ad affresco, ma non è una tecnica così durevole.
La tecnica a secco si sviluppò nella pittura medievale insieme all'affresco e fu particolarmente diffusa in Europa nei secoli XVII-XVIII.

Leonardo da Vinci "L'Ultima Cena (1498). Tecnica a secco

Mosaico

Il mosaico (francese mosaïque, italiano mosaico dal latino (opus) musivum – (opera) dedicata alle muse) è arte decorativa, applicata e monumentale di vari generi. Le immagini in un mosaico si formano disponendo, incastonando e fissando sulla superficie pietre multicolori, smalto, piastrelle di ceramica e altri materiali.

Pannello mosaico "Gatto"

Vetrata

Il vetro colorato (francese vitre - vetro della finestra, dal latino vitrum - vetro) è un'opera di vetro colorato. Il vetro colorato è stato utilizzato nelle chiese per molto tempo. Durante il Rinascimento, le vetrate esistevano come pittura su vetro.

Vetrata del Palazzo della Cultura Mezhsoyuzny (Murmansk)
I tipi di pittura includono anche diorama e panorama.

Diorama

La costruzione del diorama “Tempesta sul monte Sapun il 7 maggio 1944” a Sebastopoli
Il diorama è un quadro pittorico a forma di nastro, curvato semicircolarmente, con un soggetto in primo piano. Viene creata l’illusione della presenza dello spettatore nello spazio naturale, ottenuta attraverso una sintesi di mezzi artistici e tecnici.
I diorami sono progettati per l'illuminazione artificiale e si trovano principalmente in padiglioni speciali. La maggior parte dei diorami sono dedicati a battaglie storiche.
I diorami più famosi: “Tempesta del monte Sapun” (Sebastopoli), “Difesa di Sebastopoli” (Sebastopoli), “Battaglie per Rzhev” (Rzhev), “Rottura dell’assedio di Leningrado” (San Pietroburgo), “Tempesta di Berlino " (Mosca), ecc.

Panorama

In pittura, un panorama è un'immagine con una visione circolare, in cui uno sfondo pittorico piatto è combinato con un soggetto tridimensionale in primo piano. Panorama crea l'illusione dello spazio reale che circonda lo spettatore in un cerchio completo dell'orizzonte. I panorami vengono utilizzati principalmente per rappresentare eventi che coprono una vasta area e un gran numero di partecipanti.

Museo panoramico "Battaglia di Borodino" (edificio del museo)
In Russia, i panorami più famosi sono il Museo panoramico “Battaglia di Borodino”, “Battaglia di Volochaev”, “La sconfitta delle truppe naziste a Stalingrado” nel Museo panoramico “Battaglia di Stalingrado”, “Difesa di Sebastopoli”, panorama di la Ferrovia Transiberiana.

Franz Roubo. Tela panoramica “Battaglia di Borodino”

Pittura teatrale e decorativa

Scene, costumi, trucco, oggetti di scena aiutano a rivelare ulteriormente il contenuto della performance (film). Lo scenario dà un'idea del luogo e del tempo dell'azione, attiva la percezione dello spettatore di ciò che sta accadendo sul palco. L'artista teatrale si sforza di esprimere in modo acuto il carattere individuale dei personaggi, il loro status sociale, lo stile dell'epoca e molto altro ancora negli schizzi di costumi e trucco.
In Russia, il fiorire dell'arte teatrale e decorativa avvenne a cavallo tra il XIX e il XX secolo. In questo momento, gli artisti eccezionali M.A. iniziarono a lavorare in teatro. Vrubel, V.M. Vasnetsov, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, N.K. Roerich.

M. Vrubel “Città di lecca-lecca”. Scenografia per l'opera di N.A. "La storia dello zar Saltan" di Rimsky-Korsakov per l'Opera privata russa a Mosca. (1900)

Miniatura

Una miniatura è un'opera pittorica di piccole forme. Particolarmente popolare è stato il ritratto in miniatura: un ritratto di piccolo formato (da 1,5 a 20 cm), caratterizzato dalla speciale sottigliezza della scrittura, una tecnica di esecuzione unica e l'uso di mezzi inerenti solo a questa forma pittorica.
Le tipologie e i formati delle miniature sono molto diversi: venivano dipinte su pergamena, carta, cartone, avorio, metallo e porcellana, utilizzando acquerello, tempera, smalti artistici speciali o colori ad olio. L'autore può inscrivere l'immagine, secondo la sua decisione o su richiesta del cliente, in un cerchio, ovale, rombo, ottagono, ecc. Una miniatura del ritratto classico è considerata una miniatura realizzata su un sottile piatto d'avorio.

Imperatore Nicola I. Frammento di miniatura di G. Morselli
Esistono diverse tecniche in miniatura.

Miniatura laccata (Fedoskino)

Miniatura con ritratto della principessa Zinaida Nikolaevna (gioielli Jusupov)