Was sind die Stile von Zeichenkünstlern? Richtungen in der Kunst. Akademische Malerei und Realismus

Stil ist die allgemeine Richtung der Entwicklung der Kunst, deren repräsentative Muster durch die ideologische Bedeutung, die Übertragungstechnik und die charakteristischen Methoden der kreativen Tätigkeit vereint sind. Stile in der Malerei waren eng miteinander verflochten, entwickelten sich zu verwandten Strömungen, existierten parallel, bereicherten sich gegenseitig.

Malerische Stile und Trends wurden unter dem Einfluss der Ideologie, der politischen und wirtschaftlichen Entwicklung der Gesellschaft, der Religion und der Traditionen geformt.

Entwicklungsgeschichte

Die Geschichte der Stilentwicklung zeigt die komplexe kulturelle Evolution der Gesellschaft.

gotisch

Es entstand in Frankreich im XI-XII Jahrhundert. Der Stil entwickelte sich auf dem Territorium Westeuropas und vom XIII - XIV Jahrhundert - in Mitteleuropa. Der Ursprung und die Entwicklung dieser Richtung standen unter dem maßgeblichen Einfluss der Kirche. Das Mittelalter ist eine Zeit der Dominanz der kirchlichen Macht über die weltliche Macht, daher arbeiteten gotische Künstler mit biblischen Themen. Besonderheiten des Stils sind: Helligkeit, Prätentiösität, Dynamik, Emotionalität, Pomposität, Perspektivlosigkeit. Das Bild wirkt nicht monolithisch - es sieht aus wie ein Mosaik aus mehreren auf Leinwand dargestellten Aktionen.

Renaissance oder Wiederbelebung

Kam im XIV Jahrhundert aus Italien. Etwa 200 Jahre lang war diese Richtung vorherrschend und wurde zur Grundlage für die Entwicklung des Rokoko und der nördlichen Renaissance. Charakteristische künstlerische Merkmale der Gemälde: Rückbesinnung auf die Traditionen der Antike, Kult des menschlichen Körpers, Interesse am Detail, humanistische Vorstellungen. Diese Richtung konzentrierte sich nicht auf die Religion, sondern auf die weltliche Seite des Lebens. Die nördliche Renaissance in Holland und Deutschland war anders – hier wurde die Renaissance als eine Erneuerung der Spiritualität und des christlichen Glaubens wahrgenommen, die der Reformation vorausging. Vertreter: Leonardo da Vinci, Raphael Santi, Michelangelo Buonarroti.

Manierismus

Richtung in der Entwicklung der Malerei des XVI Jahrhunderts. Ideologisch entgegengesetzt zur Renaissance. Künstler bewegten sich weg von der Idee der menschlichen Perfektion und des Humanismus hin zur Subjektivierung der Kunst und konzentrierten sich auf die innere Bedeutung von Phänomenen und Objekten. Der Name des Stils kommt vom italienischen Wort "Manier", das die Essenz des Manierismus vollständig widerspiegelt. Vertreter: J. Pontormo, J. Vasari, Brozino, J. Duve.

Barock

Ein üppiger, dynamischer, luxuriöser Mal- und Kulturstil, der im 16. Jahrhundert in Italien entstand. Seit 200 Jahren hat sich die Richtung in Frankreich, Deutschland, Spanien entwickelt. Die Barockmalerei ist voller leuchtender Farben, besonderes Augenmerk wird auf Details und Dekorationen gelegt. Das Bild ist nicht statisch, emotional, daher gilt der Barock als die intensivste und ausdrucksstärkste Phase in der Entwicklung der Malerei.

Klassizismus

Sie entstand im 17. Jahrhundert in westeuropäischen Ländern, nach 100 Jahren erreichte sie die Länder Osteuropas. Die Hauptidee ist eine Rückkehr zur Tradition der Antike. Porträts, Landschaften, Stillleben sind dank der dogmatischen Wiedergabe, der Umsetzung klarer Stilregeln, leicht zu erkennen. Der Klassizismus wurde zum Akademismus wiedergeboren – ein Stil, der die auffälligsten Merkmale der Antike und der Renaissance aufnahm. N. Poussin, J. L. David, Russian Wanderers arbeiteten in diesem Stil.

Romantik

Ersetzte den Klassizismus im zweiten Viertel des 19. Jahrhunderts. Künstlerische Merkmale: der Wunsch, Individualität zu vermitteln, auch wenn sie unvollkommen ist, Emotionalität, Ausdruckskraft von Gefühlen, fantastische Bilder. Die Kunst romantischer Künstler leugnet die Normen und Regeln der klassischen Stufe in der Entwicklung der Malerei. Das Interesse an Volkstraditionen, Legenden und nationaler Geschichte wird wiederbelebt. Vertreter: F. Goya, T. Gericault, K. Bryullov, E. Delacroix.

Symbolismus

Die kulturelle Richtung des späten XIX - XX Jahrhunderts, die ideologische Basis wurde aus der Romantik gezogen. In erster Linie war Kreativität ein Symbol, und der Künstler war ein Vermittler zwischen der Realität und der fantastischen Welt der Kreativität.

Realismus

Künstlerische Forschung, die die Genauigkeit der Übertragung von Formen, Parametern, Farbtönen in den Vordergrund stellt. Geprägt von Natürlichkeit, der Genauigkeit der Verkörperung des inneren Wesens und der äußeren Hülle. Dieser Stil ist der umfangreichste, beliebteste und facettenreichste. Seine Zweige sind moderne Trends - Fotografie und Hyperrealismus. Vertreter: G. Courbet, T. Rousseau, Wanderers, J. Breton.

Impressionismus

Es entstand Ende des 19. bis Anfang des 20. Jahrhunderts. Heimat - Frankreich. Die Essenz des Stils ist die Verkörperung der Magie des ersten Eindrucks im Bild. Dieser kurze Moment wurde von den Künstlern mit Hilfe von kurzen Farbstrichen auf der Leinwand vermittelt. Solche Bilder werden am besten nicht aus nächster Nähe wahrgenommen. Die Werke der Künstler sind voller Farben und Licht. Der Postimpressionismus wurde zu einer Phase in der Stilentwicklung - er zeichnet sich durch eine stärkere Aufmerksamkeit für Form und Kontur aus. Künstler: O. Renoir, K. Pissarro, K. Monet, P. Cezanne.

Modern

Ein origineller, heller Stil, der zur Grundlage für die Bildung vieler Bildtrends des 20. Jahrhunderts wurde. Die Richtung hat die Merkmale der Kunst aller Epochen gesammelt - Emotionalität, Interesse an Ornamenten, Plastizität, das Vorherrschen glatter, krummliniger Umrisse. Der Symbolismus wurde zur Grundlage der Entwicklung. Modern ist zweideutig - es hat sich in den europäischen Ländern auf unterschiedliche Weise und unter verschiedenen Namen entwickelt.

Avantgarde

Künstlerische Stilrichtungen, die sich durch die Absage an Realismus, die Symbolik der Informationsvermittlung, die Leuchtkraft der Farben, Individualisierung und kreative Gestaltungsfreiheit auszeichnen. Die Kategorie Avantgarde umfasst: Surrealismus, Kubismus, Fauvismus, Futurismus, Expressionismus, Abstraktionismus. Vertreter: V. Kandinsky, P. Picasso, S. Dali.

Primitivismus oder naiver Stil

Eine Richtung, die sich durch eine vereinfachte Darstellung der Realität auszeichnet.

Die aufgeführten Stile sind zu den wichtigsten Meilensteinen in der Entwicklung der Malerei geworden - sie verwandeln sich immer wieder in neue Formen des kreativen Selbstausdrucks von Künstlern.

Malstile – das Thema ist sehr umfangreich, man könnte sagen ewig. Menschen verwenden oft Begriffe, die sie nicht ganz richtig verstehen, deshalb gibt es Verwirrung und Verwirrung. Deshalb möchte ich kurz und klar alles erzählen, was ich über die Tendenzen in der Malerei weiß. Um den Artikel nicht zu einer langweiligen Geschichtsstunde zu machen, werde ich heute kurz auf die beliebtesten und relevantesten Bereiche eingehen. Malstile mit Illustrationen - bequem und schnell die wichtigsten Strömungen der bildenden Kunst kennenlernen.

gotisch

"Altar der Familie Merode". Robert Campin. 1430er.

gotisch- das ist ein Trend in der Kunst, der alle Länder West- und Mitteleuropas erfasst hat. Dann war die Gotik in allem - in Skulptur, Malerei, Glasmalerei usw. es wurde wo immer möglich genutzt, es gab einen "Kulturboom". Diese Popularität ist auf den letzten Schritt in der Entwicklung der mittelalterlichen Kunst zurückzuführen. Das Zentrum und die Hauptfigur im gotischen Stil war die Architektur - hohe Bögen, farbige Buntglasfenster, viele Details. Die Romanik konnte einem solchen Ansturm nicht standhalten und blieb am Rande der Geschichte.

Jahre: 1150 - 1450.
Bartolo di Fredi, Giotto, Jan Polak, Jan van Eyck.

Renaissance (Renaissance)

„Büßende Maria Magdalena“. Tizian. 1560er.

Renaissance entstand auf der Grundlage des Untergangs des Byzantinischen Reiches und der kulturellen Umwälzungen, die bei dieser Gelegenheit in Europa stattfanden. Die zur Flucht gezwungenen Byzantiner brachten neben kulturellen Bindungen Kunstwerke und Bibliotheken in die Länder Europas. So fand eine Art Wiederbelebung antiker Ansichten statt, allerdings auf moderne Art und Weise. Im Laufe der Jahre wurden viele Punkte überarbeitet und hinterfragt. Im Allgemeinen herrschten säkularer Humanismus und Wohlstandsvorstellungen.

Jahre: 1400 - 1600.
Hieronymus Bosch, Leonardo da Vinci, Tizian.

Barock

„Judith und Holofernes“. Caravaggio. 1599.

Barock- Europäisches Kulturerbe kommt aus Italien. Es charakterisiert ironische, bösartige Schönheit, unnatürlichen Elitismus und Anmaßung. Die charakteristischen Merkmale solcher Gemälde sind hoher Kontrast, die Spannung der Handlung, die bis an die Grenzen gespannte Dynamik der Charaktere. Als Inbegriff des Barock gilt die Kirche Santa Maria della Vittoria, sie befindet sich in Rom.

Jahre: 1600-1740.
Caravaggio, Rembrandt, Rubens, Jan Vermeer.

Klassizismus

"Die Barmherzigkeit von Scipio Africanus". Pompeo Batoni. 1772.

Klassizismus spielte als grundlegender Trend in der Malerei des 18. Jahrhunderts eine große Rolle in der Kunst. Aus dem Namen selbst wird alles klar (lat. classicus bedeutet vorbildlich, vorbildlich).
Die Künstler setzten sich zum Ziel, den Betrachter an die Höhe zu fesseln, und ihre Bilder waren ein Leitstern. Hohe Moral, zurückhaltende Kultur und traditionelle antike Werte wurden zur Grundlage des Klassizismus. In der Epoche des Klassizismus in Europa gab es ein kulturelles Wachstum und eine Neubewertung der Werte, die Kunst erreichte ein ganz anderes Niveau.

Jahre: 1700 - 1800.
Karl Bryullov, Jean-Baptiste Greuze, Nicolas Poussin.

Realismus

"Wandernde Akrobaten". Gustav Dore. 1874

Realismus versucht mit größter Sicherheit die Stimmung des Augenblicks, einen Moment der Realität auf die Leinwand zu bringen. Aber wiederum sind ihm keine klaren Grenzen gesetzt, die einzigen Regeln lauten, dass im Bild kein Platz für Dinge sein sollte, die den Realismus ausschließen. Im Laufe von Experimenten wurde dieser Stil Ende des 18. Jahrhunderts in Naturalismus und Impressionismus unterteilt. Aber der Realismus konnte überleben und ist sogar in der modernen Malerei beliebt.

Jahre: 1800 - 1880.
William Bouguereau, Gustave Courbet, Jean-François Millet.

Impressionismus

"Eindruck. Aufgehende Sonne". Claude Monet. 1872

Impressionismus Dieses aus Frankreich stammende Konzept wurde von Louis Leroy eingeführt. Die Impressionisten, die in diesem Stil arbeiteten, wollten von jedem Objekt oder Moment einen zweiten Eindruck einfangen, sie malten genau hier und jetzt, unabhängig von Form und Bedeutung. Die Bilder zeigten außergewöhnlich positive und helle Momente und Momente. Aber später begannen auf dieser Grundlage Meinungsverschiedenheiten unter den Impressionisten, und im Laufe der Zeit tauchten Meister auf, die von sozialen Problemen, Hunger und Krankheiten beeindruckt werden konnten. Der Impressionismus ist jedoch ein freundlicher und positiver Malstil, der gute und helle Momente zeigt.

Jahre: 1860 - 1920.
Claude Monet, Edouard Manet, Edgar Degas.

Post-Impressionismus

"Selbstbildnis in einem grauen Filzhut III". Vincent van Gogh. 1887

Post-Impressionismus viele verschiedene Stile und Techniken integriert. Europäische Meister mit frischen Ansichten zur Malerei gaben neue Trends und versuchten aktiv, sich vom damals langweiligen Impressionismus und Realismus zu entfernen.

Jahre: 1880 - 1920.
Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Roderick O'Conor.

Pointillismus

Rio San Trovaso. Venedig". Henri Edmond Cross. 1904

Pointillismus(Punkt - Punkt) - Eine Stilrichtung in der Malerei, die derselbe Impressionismus ist, nur in einer anderen Hülle. Anstelle von gezackten Strichen wurden gepunktete oder rechteckige Formen verwendet. Außerdem weigerten sich die Künstler, Farben auf der Palette zu mischen, stattdessen wurden reine Farben auf der Leinwand überlagert und direkt auf der Leinwand selbst gemischt, ohne sich zu berühren.

Jahre: 1885 - 1930.
Henri Edmond Cross, Georges Seurat, Paul Signac.

Modernismus

"Schmetterlinge in der Nähe". Odilon Redon. 1910

Die Moderne ist ein gemeinsames Merkmal aller Genres und Stile in der Malerei der 1850er-1950er Jahre. Es umfasst solche Strömungen in der Malerei wie Impressionismus, Expressionismus, Neo- und Postimpressionismus, Fauvismus, Kubismus, Futurismus, abstrakte Kunst, Dadaismus, Surrealismus und viele andere. Die Existenz dieser Stile markiert die vollständige Abkehr der bildenden Kunst vom Akademismus. Nach dem Ausscheiden aus der Wissenschaft wurde es fast unmöglich, alle Trends und Stile zu verfolgen, die sich gebildet haben und noch bilden.

Jahre: 1850 - 1950.
Salvador Dali, Kasimir Malewitsch, Auguste Renoir und viele andere.

Akademismus

Akademismus- eine Kunstrichtung, die den Regeln und Gebräuchen der Antike und der Renaissance folgt. Akademismus will klare Grundlagen und Grenzen setzen, schließt Fantasie und kreative Flucht aus. Stattdessen liegt die Betonung darauf, die Mängel, die „Rauheit“ der Natur zu verbessern – zu kaschieren oder zu beseitigen. Die Verbesserung der Realität in Richtung schöner Wahrnehmung ist das Wesen des Akademismus. Plots werden oft der antiken Mythologie entnommen, auch biblische und historische Motive werden verwendet.

Jahre: 1500 - heute.
Karl Bryullov, William Bouguereau, Fedor Bruni.

Primitivismus

"In der Küche" Epiphanius Drovnyak. 1940 ~ Jahr.

Primitivismus- die absichtliche Vereinfachung des Bildes so weit, dass es aussieht, als wäre es das Werk eines Kindes. Verschiedene Volkszeichnungen und Illustrationen können dem Primitivismus zugeschrieben werden. Nur auf den ersten Blick wirken die Bilder simpel und lächerlich. Doch wer genau hinschaut, erkennt die richtigen Proportionen und die Einhaltung der Horizont- und Kompositionsregeln. Die meisten der berühmten Meister des Primitivismus und der naiven Kunst waren große Fans der Geschichte ihres Volkes und ihrer Kultur. Deshalb sind alle ihre Bilder mit der Farbe der Gegend, in der sie lebten, gesättigt. Heute hat sich dieses Genre in naive Kunst verwandelt, oft mit einer Beimischung von Symbolik. Dies liegt daran, dass der moderne Betrachter nicht bereit ist, den Primitivismus in seiner reinsten Form wahrzunehmen.

Jahre: 1900 - heute.
Epiphany Drovnyak, Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili.

Kubismus

"Sitzende Frau in blauem Kleid." Pablo Picasso. 1939

Kubismus ist eine Richtung der Moderne, die oft in Bezug auf Malerei und bildende Kunst verwendet wird. Meister zerlegten ihre Plots in geometrische Formen und gaben jedem einzigartigen Element einen eigenen dichten Sektor.

Jahre: 1906 - 1925.
Pablo Picasso, Fernand Leger, Robert Delaunay.

Surrealismus

"Die Beständigkeit der Erinnerung". Salvador Dalí. 1931

Surrealismus - Traum mit Wirklichkeit vermischen. In diesem Stil entließen Künstler ihre Träume nach außen, mischten Bilder aus dem wirklichen Leben miteinander, kombinierten das Unvereinbare. Auch persönliche Traumthemen wurden angesprochen - Ängste, geheime Wünsche, unbewusste Phantasien, Komplexe. Alles, was ein Mensch in seinen Träumen sehen kann. Heute kopieren die Surrealisten die äußere Hülle und verwenden nur schöne Formen, ohne ihnen die Bedeutung zu verleihen, die für die Meister der Vergangenheit charakteristisch war.

Jahre: 1920 - heute.
Salvador Dalí, Max Ernst, René Magritte.

Abstraktionismus

"Gelb Rot Blau" Wassily Kandinsky. 1925

Abstraktionismus- eine Richtung in der Kunst, in der das Bild der Realität und die Korrektheit der Formen abgelehnt wurden. Das Hauptziel ist es, viele bunte Formen darzustellen, die zusammen die Geschichte des Bildes erzählen können. Als Heimat der abstrakten Kunst gelten Russland und Amerika.

Jahre: 1910 - heute.
Wassily Kandinsky, Kasimir Malewitsch, Piet Mondrian.

Expressionismus

"Schrei". Edward Munch. 1893

Expressionismus stellt sich eine einzige Aufgabe, zu vermitteln, was der Autor des Bildes zum Zeitpunkt seiner Entstehung empfand. Künstler dieser Stilrichtung wollen sich und ihre Gefühle ausdrücken, weshalb der Expressionismus das Gegenteil des Impressionismus ist, bei dem die Betonung auf dem Ausdruck einer rein äußeren Hülle liegt. Expressionisten zeichnen sich durch einen Hang zu Mystik, Pessimismus und Niedergeschlagenheit aus.

Jahre: 1890 - heute.
Egon Schiele, Karl Eugen Kael, Jerzy Hulewicz.

Pop-Art

"Grüne Flaschen Coca-Cola". Andy Warhole. 1962

Pop-Art— Moderner Stil in der Kunst unter Verwendung der Symbole der Massenkultur und Konsumgüter. Moderne Technologien halfen, Objekte zu manipulieren und zu kombinieren, weshalb die Pop-Art oft von den Wächtern der alten Schule kritisiert wurde. Im Laufe der Zeit nahm die Pop-Art viele Trends in der Malerei auf.

Jahre: 1950 - 1980.
Andy Warhol, David Hockney, Robert Rauschenberg.

Minimalismus

Gran Kairo. Frank Stella. 1962

Minimalismus muss die Eingriffe des Urhebers in die Umwelt minimieren. Minimalismus bezeichnet nur die wichtigsten Punkte. Die Ursprünge liegen im Konstruktivismus, Suprematismus, Dadaismus. Es ist ein sehr umstrittenes Genre der Malerei, aufgrund der übermäßig minimalistischen Ansichten einiger Autoren dieses Stils. Heute verändern sich minimalistische Trends in der Malerei extrem schnell.

Jahre: 1960 - heute.
Frank Stella, Carl André, Saul LeWitt.

Hyperrealismus

"Früchte". Jacques Boden. 2016

Hyperrealismus im Zusammenhang mit der Popularisierung der Fotografie auftauchte, war es für Künstler interessant, mit Fotografen zu konkurrieren. Hyperrealisten erschaffen eine alternative Realität, eine realistische Illusion.

Jahre: 1970 - heute.
Gnoli, Gerhard Richter, Delkol.

Das sind alle Richtungen in der Malerei

Das war alles, was ich zu diesem Thema sagen konnte und wollte 😉 Tatsächlich gibt es noch viel mehr Trends in der Malerei, und sie werden buchstäblich jeden Tag ungewollt weiterentwickelt. In diesem Artikel wollte ich über die beliebtesten und einflussreichsten sprechen. Wenn Ihnen das Material gefallen hat, teilen Sie es in sozialen Netzwerken, lassen Sie uns gemeinsam Kunst entwickeln. Ich danke euch allen für eure Unterstützung!

Richtungen in der Kunst sind ein System künstlerischer Techniken, Ausdrucksmittel, die dazu bestimmt sind, eine bestimmte Idee, eine Weltanschauung auszudrücken, die zu einem bestimmten Zeitpunkt in einer bestimmten Gemeinschaft vorherrscht. Stile haben sich im vergangenen Jahrtausend entwickelt und sich sukzessive gegenseitig abgelöst. Manchmal entstand ein neuer Stil als Fortsetzung und Weiterentwicklung des vorherigen, manchmal war er das Ergebnis einer Auseinandersetzung mit den Ideen des Vorgängers.

Teilweise ist es so schwierig, einen Stil herauszugreifen, dass er eher als Richtung eingeordnet wird. Der Symbolik, dem Kubismus kann also ein eigenständig geformter Stil zugeschrieben werden, und sie können als Richtungen einer umfassenden Moderne betrachtet werden.

Jede Epoche brachte mehr als einen künstlerischen Stil hervor. Durch das Studium von Kunstwerken können Sie die Zeit besser kennenlernen, in der diese oder jene künstlerische Stilrichtung geformt und dominiert wurde.

Die Hauptrichtungen in der Kunst des 10. - 19. Jahrhunderts

Romanischer Stil (X - XIII Jahrhundert)

Gotischer Stil (XIII - XVI Jahrhundert)

Barock (XVI - XVIII Jahrhundert)

Klassizismus (XVII - XIX Jahrhundert)

Sentimentalismus (XVIII Jahrhundert)

Romantik (XVIII - XIX Jahrhundert)

Realismus (XIX Jahrhundert)

Die wichtigsten Trends in der Kunst des 20. Jahrhunderts

Modernismus

Symbolismus

Impressionismus

Surrealismus

In den 1920er Jahren des letzten Jahrhunderts entstanden, ist es ein Stil paradoxer Formen und Anspielungen, der die Kombination von Traum und Realität widerspiegelt. In der Malerei spiegelt sich der Surrealismus deutlich in den Gemälden von Magritte, Ernst, Dali, Matta...

Dieser Artikel enthält eine kurze Beschreibung der wichtigsten Kunststile des 20. Jahrhunderts. Es wird nützlich sein, sowohl Künstler als auch Designer zu kennen.

Moderne (von Französisch moderne Moderne)

in der Kunst der Sammelbegriff für künstlerische Strömungen, die sich in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts in Form neuer Schaffensformen etablierten, bei denen nicht so sehr das Festhalten an Naturgeist und Tradition, sondern der freie Blick des Meisters vorherrschte , frei, die sichtbare Welt nach eigenem Ermessen zu verändern, nach persönlichem Eindruck, innerer Idee oder mystischem Traum (diese Strömungen setzten weitgehend die Linie der Romantik fort). Impressionismus, Symbolismus und Moderne stellten ihre bedeutendsten, oft aktiv interagierenden Richtungen dar. In der sowjetischen Kritik wurde der Begriff „Moderne“ antihistorisch auf alle Kunstströmungen des 20. Jahrhunderts angewandt, die nicht den Kanons des sozialistischen Realismus entsprachen .

Abstraktionismus(Kunst im Zeichen der „Nullformen“, gegenstandslose Kunst) – eine künstlerische Richtung, die sich in der Kunst der ersten Hälfte des 20. Als Begründer des Abstraktionismus gelten V. Kandinsky, P. Mondrian und K. Malewitsch. W. Kandinsky schuf seine eigene Art der abstrakten Malerei, befreite die impressionistischen und „wilden“ Flecken von jeglicher Objektivität. Zu seiner Sinnlosigkeit kam Piet Mondrian durch die von Cezanne und den Kubisten begonnene geometrische Stilisierung der Natur. Die modernistischen Tendenzen des 20. Jahrhunderts, die sich auf den Abstraktionismus konzentrieren, weichen vollständig von den traditionellen Prinzipien ab und leugnen den Realismus, bleiben aber gleichzeitig im Rahmen der Kunst. Die Kunstgeschichte erlebte mit dem Aufkommen des Abstraktionismus eine Revolution. Aber diese Revolution entstand nicht zufällig, sondern ganz natürlich und wurde von Platon vorhergesagt! In seinem Spätwerk Philebus schrieb er über die Schönheit von Linien, Flächen und Raumformen an sich, unabhängig von jeder Nachahmung sichtbarer Gegenstände, von jeder Mimesis. Diese Art von geometrischer Schönheit ist im Gegensatz zur Schönheit natürlicher „unregelmäßiger“ Formen laut Platon nicht relativ, sondern unbedingt, absolut.

Futurismus- literarische und künstlerische Richtung in der Kunst der 1910er Jahre. Oтвoдя ceбe poль пpooбpaзa иcкyccтвa бyдyщeгo, фyтypизм в кaчecтвe ocнoвнoй пpoгpaммы выдвигaл идeю paзpyшeния кyльтypныx cтepeoтипoв и пpeдлaгaл взaмeн aпoлoгию тexники и ypбaнизмa кaк глaвныx пpизнaкoв нacтoящeгo и гpядyщeгo. Eine wichtige künstlerische Idee des Futurismus war die Suche nach einem plastischen Ausdruck der Schnelligkeit der Bewegung als Hauptzeichen des Tempos des modernen Lebens. Die russische Version des Futurismus hieß Kybofuturismus und basierte auf einer Kombination der plastischen Prinzipien des französischen Kubismus und europäischer allgemeiner ästhetischer Installationen des Futurismus. Durch Überschneidungen, Verschiebungen, Kollisionen und Formzuflüsse versuchten die Künstler, die erdrückende Vielfalt an Eindrücken eines zeitgenössischen Menschen, eines Städters, auszudrücken.

Kubismus- "die vollständigste und radikalste künstlerische Revolution seit der Renaissance" (J. Golding). Künstler: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kubismus - (Französisch Kubismus, von Würfel - Kubus) eine Richtung in der Kunst des ersten Viertels des 20. Jahrhunderts. Die plastische Sprache des Kubismus basierte auf der Deformation und Zerlegung von Objekten in geometrische Flächen, der plastischen Formverschiebung. Viele russische Künstler haben eine Faszination für den Kubismus durchgemacht und seine Prinzipien oft mit den Techniken anderer moderner künstlerischer Strömungen kombiniert - Futurismus und Primitivismus. Der Kubo-Futurismus wurde zu einer spezifischen Variante der Interpretation des Kubismus auf russischem Boden.

Purismus- (französisch purisme, von lateinisch purus - sauber) ein Trend in der französischen Malerei der späten 1910er und 20er Jahre. Die Hauptvertreter sind die Künstler A. Ozanfan und Architekt C. E. Jeanneret (Le Corbusier). In Abkehr von den dekorativen Tendenzen des Kubismus und anderer Avantgardebewegungen der 1910er Jahre, der von ihnen übernommenen Deformation der Natur, strebten die Puristen nach einer rationalistisch geordneten Übertragung von stabilen und prägnanten Objektformen, wie von Details „befreit“, auf das Bild von „primäre“ Elemente. Die Werke der Puristen zeichnen sich durch Flachheit, sanften Rhythmus von Lichtsilhouetten und Konturen gleichartiger Gegenstände (Krüge, Gläser usw.) aus. Die grundlegend neu gedachten künstlerischen Prinzipien des Purismus, die keine Entwicklung in Staffeleiformen erfahren hatten, spiegelten sich teilweise in der modernen Architektur wider, hauptsächlich in den Gebäuden von Le Corbusier.

Serrealismus- eine kosmopolitische Bewegung in Literatur, Malerei und Kino, die 1924 in Frankreich entstand und 1969 offiziell ihre Existenz beendete. Es hat wesentlich zur Bildung des Bewusstseins des modernen Menschen beigetragen. Die Hauptfiguren der Bewegung André Breton- Schriftsteller, Führer und ideologischer Inspirator der Bewegung, Ludwig Aragón- einer der Begründer des Surrealismus, der sich später auf bizarre Weise in einen Sänger des Kommunismus verwandelte, Salvador Dalí- Künstler, Theoretiker, Dichter, Drehbuchautor, der die Essenz der Bewegung mit den Worten definierte: "Surrealismus bin ich!", ein hochgradig surrealistischer Kameramann Luis Bunuel, Künstler Juan Miro- "die schönste Feder am Hut des Surrealismus", wie Breton es nannte, und viele andere Künstler auf der ganzen Welt.

Fauvismus(von französisch les fauves - wild (Tiere)) Lokale Richtung in der Malerei früh. 20. Jahrhundert Der Name F. wurde einer Gruppe junger Pariser Künstler zum Hohn gegeben ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marquet, E.O. Friesz, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), die nach ihrer ersten Ausstellung 1905 1905-1907 gemeinsam an mehreren Ausstellungen teilnahmen. Der Name wurde von der Gruppe selbst übernommen und fest dahinter verankert. Die Richtung hatte kein klar formuliertes Programm, Manifest oder eine eigene Theorie und hielt sich nicht lange, hinterließ jedoch deutliche Spuren in der Kunstgeschichte. Seine Teilnehmer verband in jenen Jahren der Wunsch, künstlerische Bilder ausschließlich mit Hilfe einer extrem hellen offenen Farbe zu schaffen. Entwicklung der künstlerischen Errungenschaften der Post-Impressionisten ( Cézanne, Gauguin, Van Gogh), die sich auf einige formale Techniken der mittelalterlichen Kunst (Glasmalerei, romanische Kunst) und den japanischen Stich stützte, der in den Künstlerkreisen Frankreichs seit der Zeit der Impressionisten beliebt war, versuchten die Fauvisten, die koloristischen Möglichkeiten der Malerei optimal zu nutzen.

Expressionismus(vom französischen Ausdruck - Ausdruckskraft) - ein modernistischer Trend in der westeuropäischen Kunst, hauptsächlich in Deutschland, im ersten Drittel des 20. Jahrhunderts, der sich in einer bestimmten historischen Periode entwickelte - am Vorabend des Ersten Weltkriegs. Die ideologische Grundlage des Expressionismus war ein individualistischer Protest gegen die hässliche Welt, die wachsende Entfremdung des Menschen von der Welt, das Gefühl der Heimatlosigkeit, den Zusammenbruch und die Auflösung jener Prinzipien, auf denen die europäische Kultur so fest zu beruhen schien. Expressionisten tendieren zu Mystik und Pessimismus. Künstlerische Techniken, die für den Expressionismus charakteristisch sind: die Ablehnung des illusorischen Raums, der Wunsch nach einer flächigen Interpretation von Objekten, die Deformation von Objekten, die Liebe zu scharfen farbigen Dissonanzen, eine besondere Farbe, die apokalyptisches Drama verkörpert. Künstler sahen Kreativität als eine Möglichkeit, Emotionen auszudrücken.

Suprematismus(von lat. supremus - höchste, höchste; erste; letzte, extreme, anscheinend durch das polnische supremacja - Überlegenheit, Überlegenheit) Die Richtung der Avantgarde-Kunst des ersten Drittels des 20. Jahrhunderts, der Schöpfer, Hauptvertreter und Theoretiker davon war ein russischer Künstler Kasimir Malewitsch. Der Begriff selbst spiegelt nicht das Wesen des Suprematismus wider. Tatsächlich ist dies nach dem Verständnis von Malewitsch eine geschätzte Eigenschaft. Der Suprematismus ist die höchste Stufe in der Entwicklung der Kunst auf dem Weg der Befreiung von allem Nicht-Künstlerischen, auf dem Weg zur letzten Offenbarung des Nicht-Gegenständlichen als Wesen jeder Kunst. In diesem Sinne betrachtete Malewitsch auch die primitive Ornamentik als suprematistisch (oder „supreme-like“). Er wandte diesen Begriff erstmals auf eine große Gruppe seiner Gemälde (39 oder mehr) an, die geometrische Abstraktionen darstellten, darunter das berühmte "Schwarze Quadrat" auf weißem Hintergrund, "Schwarzes Kreuz" usw., die auf der Petrograder Futuristenausstellung "Null- zehn" im Jahr 1915. Hinter diesen und ähnlichen geometrischen Abstraktionen wurde der Name Suprematismus angebracht, obwohl Malewitsch selbst viele seiner Werke der 20er Jahre darauf bezog, die äußerlich einige Formen konkreter Objekte, insbesondere Menschenfiguren, enthielten, aber die „Suprematistischer Geist“. Und tatsächlich geben die späteren theoretischen Entwicklungen von Malewitsch keinen Anlass, den Suprematismus (zumindest Malewitsch selbst) nur auf geometrische Abstraktionen zu reduzieren, obwohl sie natürlich seinen Kern, seine Essenz und sogar (schwarz und weiß und weiß und weiß) ausmachen Suprematismus) bringen die Malerei an die Grenze ihrer Existenz überhaupt als Kunstform, d.h. an den bildnerischen Nullpunkt, jenseits dessen es keine eigentliche Malerei mehr gibt. Dieser Weg wurde in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts von zahlreichen künstlerischen Richtungen fortgesetzt, die Pinsel, Farbe und Leinwand aufgegeben haben.

Russisch Avantgarde Die 1910er Jahre bieten ein ziemlich komplexes Bild. Sie ist geprägt von einem schnellen Stil- und Trendwechsel, einer Fülle von Künstlergruppen und Künstlervereinigungen, die jeweils ihre eigene Vorstellung von Kreativität proklamierten. Ähnliches geschah zu Beginn des Jahrhunderts in der europäischen Malerei. Das Mischen von Stilen, das "Durcheinander" von Strömungen und Richtungen waren jedoch im Westen unbekannt, wo die Bewegung zu neuen Formen konsequenter war. Viele Meister der jüngeren Generation bewegten sich mit außergewöhnlicher Schnelligkeit von Stil zu Stil, von Stufe zu Stufe, vom Impressionismus zur Moderne, dann zum Primitivismus, Kubismus oder Expressionismus und durchliefen viele Schritte, was für die Meister der französischen oder deutschen Malerei völlig untypisch war . Die Situation, die sich in der russischen Malerei entwickelte, war größtenteils auf die vorrevolutionäre Atmosphäre im Land zurückzuführen. Sie verschärfte viele der Widersprüche, die der gesamten europäischen Kunst innewohnten, denn. Russische Künstler studierten nach europäischen Vorbildern, waren mit verschiedenen Schulen und Bildströmungen bestens vertraut. Eine Art russische „Explosion“ im künstlerischen Leben spielte also eine historische Rolle. 1913 war es die russische Kunst, die neue Grenzen und Horizonte erreichte. Ein völlig neues Phänomen der Nichtobjektivität tauchte auf - eine Grenze, über die die französischen Kubisten nicht hinauszugehen wagten. Einer nach dem anderen überschreiten sie diese Linie: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.

Kubofuturismus Lokaler Trend in der russischen Avantgarde (in Malerei und Poesie) des frühen 20. Jahrhunderts. In der bildenden Kunst entstand der Kubo-Futurismus aus einem Umdenken von Bildfunden, Kubismus, Futurismus und russischem Neo-Primitivismus. Die Hauptwerke entstanden im Zeitraum 1911-1915. Die charakteristischsten Gemälde des Kubo-Futurismus entstanden unter der Feder von K. Malevich und wurden auch von Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Exter geschrieben. Die ersten kubo-futuristischen Werke von Malewitsch wurden auf der berühmten Ausstellung von 1913 ausgestellt. "Target", auf dem auch Larionovs Luchism debütierte. Die kubo-futuristischen Werke haben äußerlich etwas mit den zeitgleich entstandenen Kompositionen von F. Leger gemeinsam und sind halbgegenständliche Kompositionen aus zylinder-, kegel-, kolben-, schalenförmigen hohlen volumetrischen farbigen Formen, oft mit metallischem Glanz. Bereits in den ersten derartigen Werken von Malewitsch ist eine Tendenz erkennbar, von natürlichen Rhythmen zu rein mechanischen Rhythmen der Maschinenwelt überzugehen (Plotnik, 1912, Grinder, 1912, Portrait of Klyun, 1913).

Neoplastizismus- eine der frühesten Spielarten der abstrakten Kunst. Es wurde 1917 von dem niederländischen Maler P. Mondrian und anderen Künstlern geschaffen, die Teil der Stilvereinigung waren. Der Neoplastizismus zeichnet sich laut seinen Schöpfern durch den Wunsch nach "universeller Harmonie" aus, der sich in streng ausgewogenen Kombinationen großer rechteckiger Figuren ausdrückt, die durch senkrechte schwarze Linien klar voneinander getrennt und in lokalen Farben des Hauptspektrums (mit dem Zusatz von Weiß und Weiß) bemalt sind Grautöne). Neoplastisme (Nouvelle plastique) Dieser Begriff tauchte im 20. Jahrhundert in Holland auf. Piet Mondrian er definierte seine plastischen Konzepte, systematisiert und verteidigt von der Gruppe und der 1917 in Leiden gegründeten Zeitschrift "Style" ("De Stiji"). Das Hauptmerkmal des Neoplastizismus war die strikte Verwendung expressiver Mittel. Der Neoplastizismus erlaubt nur horizontale und vertikale Linien, um Form zu bilden. Das Kreuzen von Linien im rechten Winkel ist das erste Prinzip. Um 1920 kam ein zweiter hinzu, der den Strich entfernt und die Fläche betonte und die Farben auf Rot, Blau und Gelb beschränkte, d.h. drei reine Primärfarben, denen nur Weiß und Schwarz hinzugefügt werden können. Mit Hilfe dieser Strenge wollte der Neoplastizismus über die Individualität hinaus zum Universalismus gelangen und so ein neues Weltbild schaffen.

Offizielle "Taufe" Orphismus geschah im Salon des Indépendants im Jahr 1913. So schrieb der Kritiker Roger Allard in seinem Bericht über den Salon: „… wir merken für zukünftige Historiker an, dass 1913 eine neue Schule des Orphismus geboren wurde …“ („La Cote“ Paris 19. März 1913). Er wurde von einem anderen Kritiker, Andre Varno, wiederholt: "Der Salon von 1913 war geprägt von der Geburt einer neuen Schule der Orphischen Schule" ("Comoedia" Paris, 18. März 1913). Endlich Guillaume Apollinaire bekräftigte diese Aussage, indem er nicht ohne Stolz ausrief: „Das ist Orphismus. Hier zeigte sich zum ersten Mal diese von mir vorhergesagte Tendenz“ („Montjoie!“ Pariser Beilage zum 18. März 1913). Tatsächlich wurde der Begriff erfunden Apollinaire(Orphismus als Kult des Orpheus) und wurde im Oktober 1912 während eines Vortrags über moderne Malerei erstmals öffentlich verkündet und verlesen. Was meinte er damit? Er selbst scheint es nicht zu wissen. Außerdem wusste er nicht, wie er die Grenzen dieser neuen Richtung definieren sollte. Tatsächlich war die bis heute vorherrschende Verwirrung darauf zurückzuführen, dass Apollinaire unbewusst zwei Probleme verwechselte, die natürlich miteinander verbunden sind, aber bevor er versuchte, sie zu verbinden, hätte er ihre Unterschiede betonen sollen. Einerseits die Schöpfung Delaunay bildnerische Ausdrucksmittel, die ganz auf Farbe beruhen und andererseits die Erweiterung des Kubismus durch das Aufkommen verschiedener Richtungen. Nach einem Bruch mit Marie Laurencin Ende des Sommers 1912 suchte Apollinaire Zuflucht bei der Familie Delaunay, die ihn in ihrer Werkstatt in der Rue Grand-Augustin mit freundlichem Verständnis empfing. Erst in diesem Sommer erlebten Robert Delaunay und seine Frau eine tiefgreifende ästhetische Entwicklung, die zu dem führte, was er später die "destruktive Periode" der Malerei nannte, die ausschließlich auf den konstruktiven und räumlich-zeitlichen Qualitäten von Farbkontrasten beruhte.

Postmoderne (Postmoderne, Postavantgarde) -

(von lat. post „nach“ und Moderne), der Sammelbegriff für künstlerische Strömungen, die besonders in den 1960er Jahren deutlich wurden und sich durch eine radikale Revision der Positionen der Moderne und der Avantgarde auszeichnen.

Abstrakter Expressionismus Nachkriegsstadium (Ende der 40er - 50er Jahre des 20. Jahrhunderts) in der Entwicklung der abstrakten Kunst. Der Begriff selbst wurde in den 1920er Jahren von einem deutschen Kunstkritiker eingeführt E. von Sydow (E. von Sydow), um auf bestimmte Aspekte der expressionistischen Kunst hinzuweisen. 1929 charakterisierte der Amerikaner Barr damit das Frühwerk Kandinskys, 1947 nannte er die Werke „abstrakt-expressionistisch“. Willem de Kooning Und Pollock. Seitdem hat sich der Begriff des abstrakten Expressionismus hinter einem ziemlich breiten, stilistisch und technisch vielfältigen Feld der abstrakten Malerei (und später der Skulptur) verfestigt, das sich in den 50er Jahren rasant entwickelte. in den USA, in Europa und dann auf der ganzen Welt. Als direkte Vorfahren des abstrakten Expressionismus gelten die frühen Kandinsky, Expressionisten, Orphisten, teilweise Dadaisten und Surrealisten mit ihrem Prinzip des mentalen Automatismus. Die philosophische und ästhetische Grundlage des abstrakten Expressionismus war weitgehend die Philosophie des Existentialismus, der in der Nachkriegszeit populär war.

Fertig(engl. ready-made – fertig) Der Begriff wurde erstmals von der Künstlerin in das Lexikon der Kunstgeschichte eingeführt Marcel Duchamp ihre Werke, die Gebrauchsgegenstände sind, aus ihrer normalen Funktionsumgebung herausgelöst und unverändert auf einer Kunstausstellung als Kunstwerke ausgestellt werden. Ready-Made forderte einen neuen Blick auf das Ding und die Dinghaftigkeit. Ein Objekt, das seine utilitaristischen Funktionen nicht mehr erfüllte und in den Kontext des Kunstraums einbezogen wurde, d. h. zu einem Objekt nicht-utilitaristischer Betrachtung wurde, begann einige neue Bedeutungen und assoziative Bewegungen zu offenbaren, die weder der traditionellen Kunst noch unbekannt waren die alltags-utilitaristische Sphäre des Seins. Das Problem der Relativität des Ästhetischen und des Nützlichen trat scharf hervor. Erstes Fertigprodukt Duchamp 1913 in New York ausgestellt. Das berüchtigtste seiner Ready-Made. Stahl "Rad vom Fahrrad" (1913), "Flaschentrockner" (1914), "Brunnen" (1917) - so wurde ein gewöhnliches Urinal bezeichnet.

Pop-Art. Nach dem Zweiten Weltkrieg bildete sich in Amerika eine große soziale Schicht von Menschen, die genug Geld verdienten, um sich Waren zu kaufen, die ihnen nicht besonders wichtig waren. Zum Beispiel der Warenkonsum: Coca Cola oder Levi's Jeans werden zu einem wichtigen Attribut dieser Gesellschaft. Eine Person, die dieses oder jenes Produkt verwendet, zeigt ihre Zugehörigkeit zu einer bestimmten sozialen Schicht. Es entstand eine aktuelle Massenkultur. Dinge wurden zu Symbolen, Stereotypen. Pop Art verwendet notwendigerweise Stereotypen und Symbole. Pop-Art(Pop Art) verkörperte die kreative Suche der neuen Amerikaner, die sich auf die kreativen Prinzipien von Duchamp stützten. Das: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, und andere. Die Pop-Art nimmt die Bedeutung der Massenkultur an, daher ist es nicht verwunderlich, dass sie in Amerika Gestalt annahm und zu einer Kunstbewegung wurde. Ihre Verbündeten: Hamelton R, Ton China als Autorität gewählt Kurt Schwieters. Pop-Art zeichnet sich durch ein Werk aus - eine Illusion eines Spiels, das die Essenz des Objekts erklärt. Beispiel: Torte K. Oldenburg auf verschiedene Weise dargestellt. Ein Künstler darf keinen Kuchen darstellen, sondern Illusionen zerstreuen, zeigen, dass eine Person wirklich sieht. Auch R. Rauschenberg ist originell: Er klebte verschiedene Fotografien auf die Leinwand, skizzierte sie und befestigte ein Stofftier an der Arbeit. Eines seiner berühmten Werke ist ein ausgestopfter Igel. Bekannt ist auch seine Malerei, in der er Fotografien von Kenedy verwendete.

Primitivismus (Naive Kunst). Dieses Konzept wird in mehreren Bedeutungen verwendet und ist tatsächlich identisch mit dem Konzept "Primitive Kunst". In verschiedenen Sprachen und von verschiedenen Wissenschaftlern werden diese Konzepte am häufigsten verwendet, um sich auf die gleiche Bandbreite von Phänomenen in der künstlerischen Kultur zu beziehen. Im Russischen (wie auch in einigen anderen) hat der Begriff „primitiv“ eine etwas negative Bedeutung. Daher ist es angemessener, sich auf das Konzept zu konzentrieren naive Kunst. Im weitesten Sinne ist damit die bildende Kunst gemeint, die sich durch Einfachheit (bzw. Vereinfachung), Klarheit und formale Unmittelbarkeit der Bild- und Ausdruckssprache auszeichnet, mit deren Hilfe eine besondere, von zivilisatorischen Konventionen nicht belastete Weltanschauung zum Ausdruck kommt . Das Konzept tauchte in der neuen europäischen Kultur der letzten Jahrhunderte auf und spiegelt daher die beruflichen Positionen und Ideen dieser Kultur wider, die sich als höchste Entwicklungsstufe betrachtete. Von diesen Positionen aus bedeutet naive Kunst auch die archaische Kunst der alten Völker (vorägyptische oder vorgriechische Zivilisationen), zum Beispiel primitive Kunst; die Kunst von Völkern, die in ihrer kulturellen und zivilisatorischen Entwicklung zurückgeblieben sind (die indigene Bevölkerung Afrikas, Ozeaniens, die Indianer Amerikas); Laien- und Laienkunst im weitesten Sinne (zum Beispiel die berühmten mittelalterlichen Fresken Kataloniens oder die Laienkunst der ersten amerikanischen Einwanderer aus Europa); viele Werke der sogenannten "internationalen Gotik"; Volkskunst; und schließlich die Kunst begabter primitivistischer Künstler des 20. Jahrhunderts, die keine professionelle Kunstausbildung erhielten, sondern die Gabe der künstlerischen Kreativität in sich spürten und sich ihrer eigenständigen Umsetzung in der Kunst widmeten. Einige von ihnen (frz A. Russo, K. Bombois, georgisch N. Pirosmanishvili, kroatisch I. Generalich, amerikanisch BIN. Robertson und andere) haben wahre künstlerische Meisterwerke geschaffen, die in die Schatzkammer der Weltkunst eingegangen sind: Die naive Kunst steht einerseits in ihrer Weltanschauung und den Methoden ihrer künstlerischen Darstellung der Kunst der Kinder in gewisser Weise nahe einerseits und der Arbeit psychisch Kranker andererseits. Im Wesentlichen unterscheidet es sich jedoch von beiden. Der Kinderkunst weltanschaulich am nächsten kommt die naive Kunst der archaischen Völker und Ureinwohner Ozeaniens und Afrikas. Ihr grundlegender Unterschied zur Kinderkunst liegt in ihrer tiefen Heiligkeit, Traditionalität und Kanonizität.

keine Kunst(Net Art - aus dem englischen net - network, art - art) Die neueste Kunstform, moderne Kunstpraktiken, die sich in Computernetzwerken, insbesondere im Internet, entwickeln. Ihre Forscher in Russland, die zu ihrer Entwicklung beitragen, O. Lyalina, A. Shulgin, glauben, dass die Essenz der Netzkunst in der Schaffung von Kommunikations- und Kreativräumen im Web besteht, die jedem die vollständige Freiheit des Netzwerkwesens bieten. Daher ist die Essenz der Netzkunst. nicht Repräsentation, sondern Kommunikation, und ihre ursprüngliche künstlerische Einheit ist eine elektronische Nachricht. Es gibt mindestens drei Stufen in der Entwicklung der Netzkunst, die in den 80er und 90er Jahren entstand. 20. Jahrhundert Die erste war, als aufstrebende Webkünstler Bilder aus Buchstaben und Symbolen erstellten, die auf einer Computertastatur gefunden wurden. Die zweite begann, als Underground-Künstler und einfach alle, die etwas von ihrer Arbeit zeigen wollten, ins Internet kamen.

OP-ART(eng. Op-Art - eine abgekürzte Version der optischen Kunst - optische Kunst) - eine künstlerische Bewegung der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die verschiedene visuelle Illusionen verwendet, die auf den Merkmalen der Wahrnehmung von flachen und räumlichen Figuren basieren. Die Strömung setzt die rationalistische Linie des Technizismus (Modernismus) fort. Sie geht auf den sogenannten „geometrischen“ Abstraktionismus zurück, dessen Vertreter war V. Vasarely(von 1930 bis 1997 arbeitete er in Frankreich) - der Begründer der Op-Art. Die Möglichkeiten der Op-Art haben einige Anwendung in Industriegrafiken, Plakaten und Designkunst gefunden. Die Richtung der Op-Art (optische Kunst) entstand in den 50er Jahren innerhalb des Abstraktionismus, obwohl sie diesmal von einer anderen Art war - der geometrischen Abstraktion. Seine Verbreitung als Strom reicht bis in die 60er Jahre zurück. 20. Jahrhundert

Graffiti(Graffiti - in der Archäologie alle Zeichnungen oder Buchstaben, die auf eine beliebige Oberfläche gekratzt sind, aus dem Italienischen graffiare - Kratzer) Dies ist die Bezeichnung für Werke der Subkultur, bei denen es sich hauptsächlich um großformatige Bilder an den Wänden öffentlicher Gebäude, Bauwerke und Verkehrsmittel handelt, die mit verschiedenen Mitteln hergestellt wurden Arten von Spritzpistolen, Aerosol-Farbdosen. Daher auch der andere Name „Spray-Art“ – Spray-art. Sein Ursprung ist mit dem Massenauftreten von Graffiti verbunden. in den 70er Jahren. an New Yorker U-Bahnwagen und dann an den Wänden öffentlicher Gebäude, speichern Sie Jalousien. Die ersten Autoren von Graffiti. Es waren hauptsächlich junge arbeitslose Künstler ethnischer Minderheiten, hauptsächlich Puertoricaner, daher tauchten in den ersten Graffiti einige Stilmerkmale der lateinamerikanischen Volkskunst auf, und die Tatsache, dass sie auf nicht dafür vorgesehenen Oberflächen auftauchten, protestierten ihre Autoren gegen ihre machtlose Stellung. Bis Anfang der 80er. Es bildete sich ein ganzer Trend von fast professionellen Meistern G. Ihre echten Namen, die zuvor unter Pseudonymen verborgen waren, wurden bekannt ( CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, GESEHEN, DAZE). Einige von ihnen übertrugen ihre Technik auf Leinwand und begannen, in Galerien in New York auszustellen, und bald tauchten Graffiti in Europa auf.

HYPERREALISMUS(Hyperrealismus - Englisch) oder Fotorealismus (Fotorealismus - Englisch) - Künstler. Bewegung in Malerei und Skulptur, basierend auf Fotografie, Reproduktion der Realität. Sowohl in seiner Praxis als auch in seiner ästhetischen Ausrichtung auf Naturalismus und Pragmatismus steht der Hyperrealismus der Pop Art nahe. sie eint vor allem die Rückkehr zur Gegenständlichkeit. Sie wirkt als Antithese zum Konzeptualismus, der nicht nur mit der Repräsentation brach, sondern auch das Prinzip der materiellen Verwirklichung von Kunst in Frage stellte. Konzept.

Land Kunst(aus dem Englischen land art - earthen art), eine Richtung in der Kunst des letzten DrittelsXXJahrhundert, basierend auf der Verwendung einer realen Landschaft als künstlerisches Hauptmaterial und Objekt. Künstler heben Gräben aus, legen bizarre Steinhaufen an, bemalen Felsen, wählen für ihre Aktionen meist menschenleere Orte - unberührte und wilde Landschaften und streben damit gleichsam danach, die Kunst der Natur zurückzugeben. Dank seiner<первобытному>Viele Aktionen und Objekte dieser Art stehen optisch der Archäologie, aber auch der Fotokunst nahe, da die Mehrheit der Öffentlichkeit sie nur in Fotoserien betrachten kann. Es sieht so aus, als müssten wir uns mit einer weiteren Barbarei in der russischen Sprache abfinden. Ich weiß nicht, ob es ein Zufall ist, dass der Begriff<лэнд-арт>erschien am Ende 60er zu einer Zeit, als in entwickelten Gesellschaften der rebellische Geist der Studentenschaft seine Kräfte darauf richtete, etablierte Werte zu stürzen.

MINIMALISMUS(minimal art - englisch: minimal art) - Künstler. Fluss, der von der minimalen Transformation der Materialien ausgeht, die im Prozess der Kreativität verwendet werden, Einfachheit und Einheitlichkeit der Formen, monochrom, kreativ. Selbstbeherrschung des Künstlers. Der Minimalismus zeichnet sich durch die Ablehnung von Subjektivität, Repräsentation, Illusionismus aus. Ablehnung des Klassikers Kreativität und Tradition. künstlerisch Materialien, Minimalisten verwenden industrielle und natürliche Materialien mit einfacher Geometrie. Formen und neutrale Farben (schwarz, grau), kleine Mengen, Serien, Fördermethoden der industriellen Produktion werden verwendet. Ein Artefakt im minimalistischen Konzept der Kreativität ist ein vorbestimmtes Ergebnis des Prozesses seiner Produktion. Der Minimalismus, der die vollständigste Entwicklung in Malerei und Skulptur erhalten hat, wird im weitesten Sinne als Ökonomie des Künstlers interpretiert. fand Anwendung in anderen Kunstformen, vor allem Theater und Kino.

Der Minimalismus entstand in den USA in der Trans. Boden. 60er Seine Ursprünge liegen im Konstruktivismus, Suprematismus, Dadaismus, Abstraktionismus, formalistischen Amer. Malerei der 1950er Jahre, Pop-Art. Direkte Vorläufer des Minimalismus. ist ein Amer. Künstler F.Stella, der 1959-60 eine Serie von "Black Paintings" vorstellte, in denen geordnete gerade Linien vorherrschten. Die ersten minimalistischen Werke erscheinen 1962-63 Der Begriff „Minimalismus“. gehört R. Walheim, der es in Bezug auf die Analyse von Kreativität einführt M. Duchamp und Pop-Künstler, wodurch der Eingriff des Künstlers in die Umgebung minimiert wird. Seine Synonyme sind „Cool Art“, „ABC Art“, „Serial Art“, „Primary Structures“, „Art as a Process“, „Systematic Art“. malen". Zu den repräsentativsten Minimalisten gehören − C. André, M. Bochner, W. De Maria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Marden, R. Morris, R. Ryman. Sie eint der Wunsch, das Artefakt in die Umgebung einzupassen und die natürliche Textur von Materialien zu übertreffen. D. Jade definiert es als "spezifisch. Objekt“, anders als das klassische. plastische Werke. Künste. Unabhängige Beleuchtung spielt eine Rolle, um minimalistische Kunst zu schaffen. Situationen, originelle räumliche Lösungen; Computermethoden zur Erstellung von Werken werden verwendet.

Die Hauptfrage, die alle unerfahrenen Künstler quält, ist, woher kommt der Stil des Autors und wie entwickelt man ihn?
Die meisten etablierten Künstler beantworten diese Frage so:

Der Stil des Autors ist eine Angelegenheit, über die Sie nicht nachdenken sollten. Sie müssen nur zeichnen und es wird von selbst kommen.
Tatsächlich passte eine solche Antwort nie zu mir und ich beschloss, mich selbst mit diesem Thema zu befassen.
Wie soll man seinen eigenen Stil entwickeln?

Es scheint mir, dass Sie zunächst herausfinden müssen, was der Illustrationsstil im Allgemeinen ist. Was sind sie und was sind ihre Eigenschaften.
Es gibt unglaublich viele Stile in der Illustration! Sie sind alle sehr eng miteinander verflochten. Aber unter ihnen gibt es fünf Hauptsächliche:

• Realismus
• dekorativer Stil
• Grotesk
• Minimalismus

Realismus

• An alle Liebhaber des Akademismus
• Konzert für Künstler

• akademisches Zeichnen
• Malen
• Anatomie
• Chiaroscuro
• Realistische Texturen

dekorativer Stil

• An alle Rebellen, die eine gute Schule des akademischen Zeichnens hinter sich haben
• Zeitschriftenillustrator
• Künstler, die super konzeptionelle und herausfordernde Werke schaffen wollen

• Anatomie
• Ornament und andere dekorative Elemente.

Grotesk

• Die meisten Illustratoren
• Für Animateure
• Designer von Charakterkonzepten

• Komposition
• plastische Anatomie
• Die Fantasie des Autors

naiv

• Die meisten Illustratoren
• Illustratoren für Kinder
• Animationskünstler
• Konzertdesigner von Charakteren und Umgebungen für Zeichentrickfilme

• Gestaltung
• Funktioniert mit einer Silhouette
• Weichheit der Textur
• Verschiedene Möglichkeiten der dekorativen Schattierung

Minimalismus

• Infografiken
• Bewegungsdesign
• Magazin-Illustration

• Komposition
• Gestaltung

Wie formt man seinen Illustrationsstil?