Класически стилове в интериора. Барок и класицизъм в архитектурата

архитектурен класицизъм барок градоустройство

Характеристики на всеки развит стилне създава особени методологични трудности. Друго нещо е анализът на прелома между два специфични стила, който е противоречив по своята същност. Как се получава такова счупване? Не се интересуваме толкова от въпроса - какво го причинява в общ смисъл, а от изясняването на основните закономерности в смяната на стиловете. В търсене на подобни закономерности съзнателно ще допуснем известно полемично изостряне на формулировките, за да изведем по-рязко предлаганата гледна точка. Преходът от барок към класицизъм беше един от най-бързите в променящите се стилове на домашната архитектура. Краят на 1750-те години все още е разцветът на барока. Средата на 1760-те вече е времето на широкото разпространение на класицизма. За изключително кратък период от пет до седем години настъпва пълна промяна на естетическите вкусове. Руска архитектура барок XVIIIв. беше исторически обусловено, сложно и своеобразно явление, което погълна много традиции на руската архитектура XVII век, както и редица характеристики на вътрешната архитектура от непосредствено предшестващия период - т.е. началото на 18 век и влиянието на архитектурата на основните европейски страни, съвременни на него. Тези много различни компоненти обаче образуваха здрава сплав, която притежаваше характеристики на уникална оригиналност. И двете посоки тогава все още не знаеха бъдещите си имена, но същността на стилистичните различия, техните граници са ясно видими в примерите за най-добрите сгради, създадени или проектирани почти през едни и същи години. На подчертано сочната декоративност и динамичност на бароковите форми се противопоставя леко сухата рационалистична архитектура на ранния класицизъм. Най-забележителните сгради на руския барок - Зимният дворец на Б. Ф. Растрели и Военноморската катедрала "Свети Никола" на С. И. Чевакинскрго, толкова типични в своята преливаща бравура, са завършени до 1762 г. В същото време, още през 1760 г. А. Ф. Кокоринов проектира Къщата на удоволствията край Ораниенбаум - творба, в която доминират принципите на ново направление в архитектурата. Планът, силуетът, целият обем на сградата са много компактни, като се подчертава доминирането на хоризонталните линии. Детайлите са изпълнени в класически форми и пропорции. През същата година А. Ф. Кокоринов, заедно с Ж.Б. М. Уолън Деламот създава първата версия на проекта на Големия гостинен двор в Санкт Петербург. В тази версия, която стана основа за окончателното решение, взето две години по-късно, вече беше заложена идеята за величествена бизнес сграда в своята простота с премерен ритъм на двуетажни аркади, разчленени от скромни пиластри от тоскански ордер . През 1763-1764г. разработват се проекти за Академията на изкуствата (A. F. Kokorinov и J.-B. Vallin Delamotte), сиропиталищата в Москва (K. I. Blank) и Санкт Петербург (Yu. M. Felten) - първите структури, специално проектирани за образователни цели. От тях е сградата на Художествената академия най-добрата работаначалният период на руския класицизъм. Разположен на отговорно място, с главната си фасада, обърната към главния воден път на столицата - река Нева, той допринася за архитектурната организация на значителен сегмент от насипа. Планът на сградата се основава на добре обмислен процес на функционално обучение на художници: основните работни зони са разположени по външния периметър на сградата и около огромен кръгъл двор, който им осигурява добро осветление. Повърхността на стените е обилно разчленена, но съчлененията с ясно очертани ордерни пропорции имат предимно равнинен характер. Период на упадък, постепенна деградация не предшества промяната в стила. Напротив, точно в момента на най-високия си разцвет барокът се оказва несъстоятелен за решаване на нови проблеми и веднага с изненадваща бързина се появяват сгради в стил класицизъм. Такава скорост в смяната на стиловете не е типична. Това е, както вече беше споменато, отличителна черта на този повратен момент - от барока към класицизма - и се дължи на общата ситуация, когато изкуствено забавеното историческо развитие започна усилено да компенсира изгубеното време. Концепцията за барок като интегрален стил престава не само да доминира в архитектурата, но като цяло да оказва значително влияние върху нейното по-нататъшно развитие. Отделни характеристики на старата система, въпреки че се появяват за известно време в някои елементи на структурите на ранния класицизъм, са само остатъци, които постепенно са остарели. Само в провинциите бароковите форми продължават да съществуват по инерция почти до края на XVII 1 век Историческите предпоставки за промяна на стила включват материални и идеологически фактори. Като най-важното трябва да се отбележи значителното нарастване на военната и политическата мощ на Русия, съпроводено с бързо нарастване на нейния икономически потенциал.

Не по-малко важни предпоставки за промяна в стила бяха идеите на просвещението, хуманизма, идеалите естествен човекхарактерен за цялото напреднало мислене на XVIII век. Все по-силно се чуваше призивът към разума като основен критерий и мерило за всички постижения. Идеите на рационализма са широко развити от втората половина на века.

В архитектурата всички тези фактори доведоха до големи промени. Икономическият просперитет на страната предизвика бърз растеж на строителството във всички области. Промените в идеологическия ред изискват значително разширяване на архитектурните теми, различно фигуративно съдържание. Непрекъснато възникваха невиждани досега теми и задачи.

Междувременно бароковата архитектура се отличава с тематична ограниченост. Сферата на архитектурата като изкуство се ограничаваше главно до дворцово и религиозно строителство. Ако беше необходимо да се създадат структури с различна цел, тогава те бяха разработени в същите, близки до двореца, церемониални, силно тържествени форми, пример за които е проектът на Гостинния двор в Санкт Петербург, предложен от Ф. Б. Растрели през 1757 г.

Развитието на бароковите форми по пътя на тяхното по-нататъшно усложняване може да продължи доста дълго време, но самият обхват на приложение на такива форми не може да бъде разширен по никакъв начин. Възможностите на стила влязоха в конфликт с реалността. Това предопредели съдбата му.

До средата на 18 век възниква необходимостта от създаване на различни видове нови обществени сгради или такива, които нямат художествено значение през периода на барока - например промишлени, складови, търговски сгради. Нови задачи възникнаха и в жилищното строителство. И накрая, градът като цяло като социална единица получава значително по-различна характеристика от преди и в тази връзка изисква различно планово и обемно решение.

Цялото това нарастване на исканията се случи в мащаба на гигантска държава.

Традиционните творчески методи не могат да се справят с подобни задачи. Но този вид, макар и по-прости, задачи възникват пред архитектите още в началото на 18 век. Архитектурата от времето на Петър Велики се характеризира с ясни и практични решения, основани на ясни рационалистични принципи. Традициите на рационализма се появяват в руската архитектура в началото на 18 век, разбира се, не за първи път. Тези традиции са живели дълго време, но е имало епохи, които са били особено благоприятни за тяхното развитие, и такива времена, когато рационализмът е съществувал латентно в архитектурата като остатъчно явление от предишния период. Руски барок от втората четвърт на 18 век. също не избяга от влиянието на предшестващата го Петрова архитектура, а рационализмът на последната въведе отделни елементи в стилистичните характеристики на посока, която по същество беше противоположна на нея.

Дори в работата на водещия бароков майстор Растрели се забелязват елементи на рационализъм. Така например фантастично богатата и сложна по форма декорация на дворцовите сгради на този архитект не нарушава простотата и яснотата на плановете.

В произведенията на Д. В. Ухтомски и С. И. Чевакински рационалистичните тенденции са още по-забележими. Струва си да си припомним проекта на Ухтомски за Инвалидния дом в Москва или камбанарията на Военноморската катедрала "Св. Никола" в Санкт Петербург, чиято ясна чистота на архитектурата е толкова различна от кипящото веселие на самата катедрала, че някои учени дори не искаха да го признае за дело на Чевакински. И двамата архитекти са ученици на И. К. Коробов, чиято дейност частично съвпада с бароковия период. Но сред майсторите на това време Коробов, един от славните пенсионери на Петър Велики, запази най-рационалистичната ориентация на работата си. Чрез Коробов традициите на рационализма бяха продължени в творчеството на неговите многобройни ученици, а в творчеството на най-младия от тях, А. Ф. Кокоринов, те бяха възродени в различно художествено качество, преосмислено в духа на задачите на новия архитектурно направление.

Рационализмът като стремеж към яснота, разбираемост, логичност на архитектурния образ - всичко като цяло и отделните му компоненти - стана основен фактор за формирането на нов стил. Неговите принципи изискват особено хармонична, логично цялостна художествена концепция. Такава концепция вече е била създадена по-рано в класическите школи на архитектурата на античността и Ренесанса. Архитектите започват внимателно да изучават наследството на античността (в нейната римска интерпретация, единствената налична по това време) и Ренесанса. Внимателното внимание към класиката стана като че ли вторичен фактор във формирането на архитектурата на ранния руски класицизъм.

Естествено, в руските условия от онези години изучаването на класическите традиции на оформяне може да се осъществи само чрез запознаване с теоретичните трудове на Витрувий, Андреа Паладио, Виньола и с uvrazh, в които са измерени чертежи или скици на архитектурни паметници поставени. Недостатъчността на този метод на запознаване се разбра много скоро. Характерно е, че ако младият Б. Ф. Растрели по едно време пътува в чужбина не по-далеч от Германия, където само се запознава с опита на съвременната немска архитектура, то още през първата половина на 1750-те години възниква идеята за изпращане на обещаващия гезел Кокоринов в Италия за изучаване на архитектурата на античността и Ренесанса. От 1760 г. новосъздадената Академия на изкуствата започва редовно да изпраща най-добрите си ученици в чужбина и ги натоварва със задължението да се запознаят с паметниците на архитектурната класика.

И накрая, друг фактор, влияещ върху формирането на нов стил в Русия, беше връзката на руската архитектура със съвременната архитектура на други страни, сред които Франция по това време беше водеща страна във всички области на идеологията.

За руската архитектура връзките с френската архитектура стават много значими още през първата четвърт на 18 век, когато J.-BA Leblon, поканен в Русия, създава тук не само един от основните планови проекти за St., определя физиономията на младата руска столица.

Тенденциите на рационализма, характерни за този клон на френската архитектура, чийто представител е Леблон, съвпадат с основната посока на руската архитектура в началото на 18 век. Промяната в ориентацията на архитектурата в следпетровския период също доведе до промяна в характера на връзките с френската архитектура. Триковете на рококо започнаха да се радват на успех, който в самата Франция по това време претърпя сериозно поражение. Конкурс за проект на главната фасада на църквата „Св. Сулпиция в Париж предвещава обрат в развитието на архитектурните идеи. Именно на този конкурс бяха отхвърлени принципите на рококо декоративизма, доведени от J. O. Meissonier до най-висока степен на изтънченост, и се даде предпочитание на строгата и класически ясна композиция на J. N. Servandoni, която след това беше основно реализирана през 1733 г. -- 1745 г

развитие Публичен животпрез 1750-те години накара руската архитектура да се съсредоточи върху напредналите постижения на френските архитекти. Важен етап от победата на класицизма във Франция беше състезанието за създаването на площад Луи XV в Париж. В резултат на няколко последователни кръга на конкурса (края на 1740-те - началото на 1750-те) спечели проектът на JA Gabriel, който бележи одобрението на нови възгледи за принципите на градоустройството. За първи път в световната история градският площад е решен във връзка и връзка с цялото пространство на града.

Успехът на Ж.-Ж. Суфле в Св. Женевиев в Париж и изграждането на Габриел на интимното дворцово имение Petit Trianon във Версай вече означаваше окончателната победа на новото течение във френската архитектура.

В Русия с интерес и внимание се изучават произведенията на теоретиците на архитектурата М. А. Ложие, Ж. Ф. Блондел и др. Идеята на Блондел беше твърде очевиден френски национален вкус и все още беше далеч от последователното прилагане на класическите форми, което, наред с други причини, изигра роля в отхвърлянето на проекта. Но това вече беше инцидент в общия ход на историята. От края на 1750-те години напредналата френска архитектура стана най-близка до руската архитектура по отношение на цели и стремежи.

Използвайки примера на прехода от барок към класицизъм, може да се опитаме да изведем някои общи закономерности в промяната на архитектурните стилове.

Новопоявилият се стил отговаря на нови изисквания и в този смисъл пътят му винаги е оригинален и неизследван. Колкото по-иновативен е този неофит, толкова по-широки трябва да са традициите, на които залага. Но в същото време възникващото направление се отнася с напълно разбираем антагонизъм към методите на своя предшественик, които в определен момент разкриха своята непоследователност. Следователно всеки нов стилтърси опора в традициите на изкуството не от непосредствено предшестващия период, а от по-далечното минало и преди всичко в традициите на "дядовците". В края на краищата предишният стил също отрече посоката, която съществуваше преди него, поради което всеки път традициите на „дядото“ се превръщат в основен източник на заеми.

Всъщност руската барокова архитектура от втората третина на 18 век е много по-близка по дух до сградите на Русия в края на 17 век, отколкото до архитектурата от епохата на Петър I.

По същата причина желанието за просветление, утилитаризъм и всеобхватен рационализъм, характерни за Петровата архитектура, намериха своето независимо продължение в архитектурата на класицизма. Такава оригинална сграда за комплекс от научни институции като Kunstkamera, замислена при Петър Велики, не получи по-нататъшно развитие през бароковия период като нов тип сграда или дори повторение, дори и опростено. Междувременно архитектурата на класицизма започва именно със създаването на структура от този вид: сградата на Академията на изкуствата съчетава най-високите арт център, музей, учебно заведение за "трите най-благородни" изкуства с интернат и дори театър към него, ателиета на художници и жилищни апартаменти за преподавателския състав.

Петровата епоха не обръща много внимание на дворцовите сгради, но отдава голямо значение на утилитарното строителство, издигайки го до нивото на истинската архитектура. Адмиралтейството в Санкт Петербург беше решено не просто като индустриално предприятие, съчетан с отбранителна конструкция, но като паметник на военноморската мощ на Русия. Сградата беше много ниска и материалът - фахверк - изобщо не беше монументален, но самата идея за широка, 400 метра разпространена структура, маркирана в центъра от кула с шпил, беше идеята на страхотна архитектура.

Един от големите майстори на руския барок, С. И. Чевакински, в позицията си на архитект на Адмиралтейските колежи, проектира и построи много утилитарни структури за вътрешния флот. Но сред тези негови произведения няма сгради, подобни на Адмиралтейството, значими по своя архитектурен дизайн. След като построи Военноморската катедрала "Св. Никола", Чевакински създава радостен, ликуващ химн с помощта на архитектурата. Въпреки това, в утилитарните сгради, ерата не изисква нищо от него, освен сила и полезност.

Характерно е, че в началото на 60-те години на 17 век, след като започна проекта за сграда на склад за дървен материал на остров Нова Холандия в Санкт Петербург, Чевакински разработи нова технология за съхранение на дървен материал, а също така създаде план за строителство, но не се справи с фигуративното решение на фасадите, като тази част от работата е поверена на архитекта на новото направление - Уолън Деламот.

Рационализмът, който е в основата на концепцията за класицизма, също намери ехо в традициите на архитектурата от началото на 18 век, въпреки че, както беше отбелязано по-рано, самата руска барокова архитектура до известна степен използва тези традиции.

Тук искам да подчертая, че най-важните традиции никога не умират. Те се развиват по възходяща спирала. При всяко следващо завъртане част от движението, условно казано, минава в сянка. Преобладаващият стил по това време толерира само такава „засенчена“ традиция, а често я използва дори в обратния смисъл.

Ако идеалът на Ренесанса е хармонично съвършена личност, личност, за която няма противоречия между личното и общественото, то човекът на 17 век се характеризира с безкраен сблъсък на тези принципи; ако героят на произведенията на изкуството на Ренесанса се характеризира с единство с външен свят, природата, тогава героят на Новото време осъзнава своята зависимост от средата и външните обстоятелства. Драмата на реалността, разпадането на идеала на Ренесанса доведе до нови форми на възприемане на света. Оптимистичният реализъм на Ренесанса е заменен от усещането за нестабилната позиция на човек, която се характеризира с един или друг вътрешен конфликт: сблъсък на индивидуални права и обществен дълг, бунт срещу сляпото подчинение на авторитетите на светската или църковната власт. авторитети, съзнание за несъстоятелността на битието. Все по-трудно човек намира своето място в новите отношения на обществото, което все по-малко се нуждае от всестранния човек на Ренесанса и все повече – от личност-функция. Този трагичен сблъсък намира израз в две посоки на мисълта, в два начина на отношение към света и накрая в два художествени стила. - барок и класицизъм.

Произходът на термина "барок" е неясен, известен е само преводът от италиански: странен, претенциозен. Може да се предположи, че барок представлява не само арт стил(барокът често се счита само за посока на изкуството), но и за специален начин на отношение към света и със света. Свързва се с кризата на идеалите на хуманизма, социално-политическите катаклизми, характерни за 17 век. Манталитетът на бароковия човек се характеризира с чувство на объркване и объркване, усещане за противоречивата природа на света, непостоянството на щастието, всемогъществото на съдбата и случайността. Оптимистичният идеал на Ренесанса „се заменя с песимистична оценка на реалността и възторжено възхищение от човека и неговите възможности - чрез подчертаване на неговата двойственост, непоследователност и поквара“; „непрекъснато се осмисля несъответствието между външния вид на нещата и тяхната същност, усеща се разпокъсаността на битието, сблъсъкът между телесното и духовното начало, между привързаността към чувствената красота на света и осъзнаването на крехкостта на земното съществуване” .

Появата на барока най-често се свързва с Контрареформацията. Факт е, че след бурните събития от миналото, ожесточените религиозни войни, Европа беше опустошена и унищожена. В разгара на разкъсваната от войни Европа само Рим успя да се спаси от религиозни бури и сътресения. Той остава крепостта на католическата църква, макар и притисната в своето влияние, но все още много силна, особено след Трентския събор, така че именно тук възниква желанието да се утвърди триумфа на официалната църква. Според съвременния френски теоретик Е. Мал основните идеи на църквата от онова време са: мъченичество, видение, екстаз, смърт. Тези религиозни теми в съзнанието на хората бяха свързани със смисъла и добрата цел на праведното съществуване. Те не могат да съществуват само на рационална основа, те със сигурност трябва да бъдат примесени със силна емоция, която да впечатли вярващия и да има силен ефект върху всеки друг човек. В този мощен емоционален заряд трябваше да се запечата не само мистичното състояние на общение с религиозното тайнство, но и триумфалното усещане за победата на църквата над нейните реформатори. Следователно барокът се появява първоначално през религиозно изкуствоособено в архитектурата. Както романският стил, така и готиката са имали съвсем определени и издигнати до нивото на закономерност правила за създаване на структури. Линиите на тези сгради бяха ясни и дефинирани. Барокът е „бунт от извити, пресичащи се, преливащи се каменни маси, които са загубили своята „каменност“ и изглежда са придобили свойствата на вискозен пластичен материал“ . Постепенно барокът преминава от архитектурата към скулптурата, живописта и други форми на духовен живот.

Може да възникне въпросът: как такъв бурен и динамичен (първоначално само артистичен) стил, като барока, е свързан с кризата на духа, как би могъл да компенсира духовния смут и чувството на объркване, които току-що споменахме в рамките на църковното изкуство? Трябва да се отбележи, че Контрареформацията не успя да преодолее религиозните различия - реформаторите просто изискваха висок морал в религиозните чувства. Църквата в случая се е борила за власт – земна и духовна. Имаше нужда от апологети, говорители и просто енориаши. Той трябваше да властва над вътрешния свят на човек, който вече е опитал опасностите на рационализма, да определи обхвата на греха и благочестието, както и съдбата на всички категории от населението - от гражданите до царете. Беше възможно да се привлече в пазвата си, като се противопостави на суровия живот на протестант с яркото забавление на католицизма. Следователно в „бароковото изкуство, дори когато то е служило пряко на църквата, няма много от онова, което се нарича благочестие, въпреки факта, че постоянно се изобразяват чудеса, видения, мистични екстази. В тези екстази твърде ясно прозира чувственост, „плътовост” и дори откровена еротика” [пак там, с. 97].

Един от най-известните теоретици на барока Емануеле Тесауро(1592-1675) назовава като основен принцип на "бароковото мислене" - "принципа на бързия разум". Бързият ум живее по закони, различни от законите на мисленето, той е пълен с фантазии, метафори, съчетавайки важното и непринуденото, сериозното и смешното, смешното и тъжното. В него се преплитат природа и човек, божественото и сътвореното от човешкия гений. Гении с бърз ум, „от несъществуващото поражда съществуващото. Остроумието от нематериалното създава съществуващото и сега лъвът става човек, орелът - град. Той слива жена с външния вид на риба и създава сирена като символ на ласка, свързва тялото на коза със змия и образува химера - йероглиф, обозначаващ лудост. В такава система на мислене постепенно изчезват границите на най-разнообразните явления и в изкуството се появява известно пренебрежение към целесъобразността, тъй като в изкуството се появява това, което се нарича "здрав разум".

Тези характеристики на барока са отразени в своята цялост в произведенията на Караваджо, Бернини в Италия, Веласкес в Испания, Ван Дайк и Рубенс във Фландрия.

Създаване Пол Рубенс(1577-1640) особено ясно демонстрира проникването на барока в социален живот, освобождаването му от религиозни теми и съществуването му като особен манталитет в контекста на културата на 17 век. Вечното движение, напрежението, борбата на хората с животните, често фантастична, вълнението и триумфът на живота царуват в неговите картини. Той „ме накара да се възхищавам на естественото здраве и естествената сила. И всичко това той успешно се слива с изискванията за великолепен декор, помпозност, възхвала на монарсите ... ". В творбите на художниците от това време „религиозният дух неусетно се изплъзва“ от изкуството. „Това бяха времената на опера, кантата и оратория, но също и на театрални церемонии, грандиозни оди, богато украсени речи, дълги заглавия, дълги перуки, алегории и хиперболи в поезията, тежко заплетено остроумие, емблеми и метафори“ [пак там, с. 97].

В литературата това се изразява в желанието да се освободи въображението, да се удиви и зашемети читателят, в пристрастието към неочаквани образи, които сближават понятия, съпоставят обекти, отдалечени един от друг. Тук се преплитат най-разнообразни форми на живот, реализира се принципът - от великото до смешното една стъпка,защото в барока те съществуват заедно, подобно на други противоположности: красиво и грозно (например в сонети, посветени на красиви дами, с еднакво възхищение могат да бъдат описани техните прекрасни коси и насекоми, които пълзят по тях), ентусиазъм и грубост и т.н. На единия полюс на бароковото изкуство е образът на бунтовник, свободен и необуздан, невписващ се в обичайните граници на поведение, като например Дон Жуан, потъпкващ верността в любовта, обичащ всеки път като за първи път, безмилостно убиващ съперници, или лирически геройвърши работа Сирано дьо Бержерак(1619-1655). От друга - пуритански бунтовник, аскетичен и строг, като героя на поемата “ Изгубеното небе" страхотен английски поет Джон Милтън(1608-1674). За барока и неговите теоретици остроумието е задължително като способност за обединяване на понятия (което се смяташе за едно от проявленията на ума), а основните качества на тази способност са многостранност и прозорливост. Тесауро вярва, че ясновидството прониква „... в субстанцията, материята, формата, шанса, качеството, причината, следствието, целта, съчувствието, подобно, противоположно, същото, по-високо, по-ниско, а също и в емблеми, собствени именаи псевдоними. Гъвкавостта обаче бързо обхваща всички тези същества и техните взаимоотношения, тя ги „свързва и разделя, увеличава или намалява, премахва едно от друго и с удивителна сръчност поставя едното на мястото на другото“.

Барокът като начин на живот е по-характерен за придворните, аристократични кръгове, но и за обикновените хора са характерни някои прояви на този стил, изразяващи се в комични, пародийни или аскетично правилни форми на поведение, близки до протестантската етика.

Класицизъмразвити и най-ясно изразени в условията на абсолютна монархия във Франция. Това не означава, че не е имало и в други страни. Класицизмът, подобно на барока, е присъщ на цялата култура на 17 век. Ако барокът, със своето богатство и разнообразие от усещания, гравитира към сензационизма като начин за сетивно познание на света, тогава класицизмът изисква рационалистична яснота, подреден метод за разделяне на цялото на части и последователно разглеждане на всяка от тях. Това изисква вътрешна хармония, чувство за мярка и спокойствие. Манталитетът на човек, изразяващ класическа ориентация, се характеризира с желание за обединение около монарха, подреденост. спомен за религиозни войнипредишния век и желанието за стабилност го принуждават да приеме строгата йерархия на абсолютизма, строга регулация на кралската власт.

Класицистите в изкуството се характеризират със създаването на монументални произведения, образ на активни герои, пълни с жизнена енергияи способни – благодарение на умението да покоряват обзелите ги страсти – се издигат до разрешаването на сложни, трагични конфликти. Затова театърът гравитира към трагедии, основани на исторически сюжети, в които сблъсъкът между дълг и чувство винаги завършва с победа на дълга. Големи хора са работили в тази посока. френски драматурзи - Корней(1606-1684) и Расин(1639-1699). Но имаше и комедия на класицизма, излагаща противоречията на околния свят, както се вижда от работата, която не е загубила своята актуалност досега. Молиер(1622-1673).

Теорията на класицизма се характеризира с култа към разума, който свързва този стил с философския рационализъм. Разумът в класицизма е източник и мярка за красотата; за един последователен класицист стойността произведение на изкуствотодо голяма степен се определя от степента на неговата логическа хармония и яснота, подредеността на неговия състав. Това обяснява склонността на класиците да изобразяват като герои хора, които са способни да мислят трезво, да разсъждават и да подчиняват действията си на повелята на разума дори в моменти на най-трудни и бурни преживявания. Едно и също желание за подреждане диктува различни видове изкуство, в зависимост от тяхната специфика и определени правилавърху които трябва да бъдат създадени тези произведения. Тези правила засягат не само темата или сюжета на произведението, но и рационализират вътрешната му структура. Например в драматургията имаше известните „три единства“: единството на мястото, единството на времето и единството на действието. Единството на мястото означава, че всички събития се случват само на едно място, една сцена на сцената; единството на времето изискваше действието да започне и завърши в рамките на един ден; единството на действие изисква централния конфликт да бъде ясно дефиниран и уникален. Той най-пълно очерта нормативната страна на изкуството на класицизма Никола Боало(1636-1711) в поетичния трактат "Поетично изкуство", където изисква художественото вдъхновение да бъде подчинено на разума:

Трябва да обмислите идеята и едва тогава да пишете.

Докато не ви е ясно какво искате да кажете,

Не търсете напразно прости и точни думи...

17 век даде на човечеството високи постижениякултура в почти всички сфери на дейност. Но още веднъж отбелязваме, че това беше време на контрасти: на блясъка на двора на „краля слънце“ Луи XIV се противопоставиха бедни хора, които нямаха не само утре, но и днес; на най-великолепните умове на този век - благородник, който не знае да чете и пише и се хвали с това. Тези контрасти пораждат особена драма на времето, подготвила както идеите на Просвещението, така и последвалата многообразност в развитието на културата на новото време.

Разлики между барок и класицизъм.

В ерата на класицизма, последвала епохата на барока, ролята на полифоничната полифония намалява и излиза на преден план хомофонична полифония
(от гръцки "homos" - "един" и "fone" - "звук", "глас")

За разлика от полифония,където всички гласове са равни, хомофонична полифонияоткроява едно,изпълняващ основна тема , а останалите играят роля акомпанимент(акомпанимент). Акомпаниментът обикновено е система от акорди (хармонии). Оттук и името на новия начин за композиране на музика - хомофоничен хармоник.

В музиката има по-малко орнаментика и орнаментика. Творбите са станали по-хармонични, ясни по структура, особено написаните в сонатна форма.

В епохата барокв музикално произведение всяка от частите се концентрира върху изразяването и разкриването единярко нарисувани чувствата,какво беше решено с помощта на презентацията една тема, която се промени (разнообразна)в цялата част и в епохата класицизъмв една част от работата разкрита много емоции, които бяха изразени с помощта на презентация и развитие две или повечетеми с различно образно съдържание.

Ранна барокова музика (1600-1654)

Развитието на италианската опера от италиански композитор може да се счита за условна преходна точка между епохата на Ренесанса и Барока. Клаудио Монтеверди (1567-1643).

Композиторът е роден в италианския град Кремона в семейството на лекар. Като музикант Монтеверди се развива в младостта си. Пише и изпълнява мадригали; свири на орган, виола и други инструменти. Монтеверди учи композиция при известни композитори от онова време. През 1590 г. като певец и музикант е поканен в Мантуа, в двора на херцог Винченцо Гонзага; по-късно ръководи придворния параклис. През 1612 г. Монтеверди напуска службата в Мантуа и от 1613 г. се установява във Венеция. До голяма степен благодарение на Монтеверди през 1637 г. във Венеция е открита първата публична опера в света. Там композиторът ръководи параклиса на катедралата Сан Марко. Преди смъртта си Клаудио Монтеверди приема свещенослужение.

Изучавайки оперното творчество на ренесансовите композитори Пери и Качини, Монтеверди създава свои собствени оперни произведения. Още в първите опери - "Орфей" (1607) и "Ариадна" (1608) - композиторът успява да предаде с музикални средства дълбоки и страстни чувства, да създаде напрегнато драматично действие. Монтеверди е автор на много опери, но само три са оцелели - "Орфей", "Завръщането на Одисей в родината му" (1640; по сюжета на древногръцката епична поема "Одисея") и "Коронацията на Попея" ( 1642).

Оперите на Монтеверди хармонично съчетават музика и текст. В основата на операта монолог - речитатив (от нем. recitare - "рецитирам"),при което рецитиралвсяка дума, а музиката гъвкаво и фино предава нюансите на настроението. Монолози, диалози и хорови епизоди плавно преливат един в друг, действието се развива бавно (три-четири действия в оперите на Монтеверди), но динамично. Композиторът отрежда важна роля на оркестъра. В „Орфей” например той използва почти всички познати по онова време инструменти. оркестрова музикане само съпровожда пеенето, но самата тя разказва за събитията на сцената и преживяванията на героите. За първи път се появява в Орфей увертюра(Френска увертюра или латинска апертура - "отваряне", "начало")- инструментално въведение към основно музикално произведение. Оперите на Клаудио Монтеверди оказват значително влияние върху венецианските композитори и поставят основите на венецианската оперна школа. .

Монтеверди пише не само опери, но и духовна музика, религиозени светски мадригали. Той става първият композитор, който не се противопоставя на полифоничните и хомофоничните методи - хоровите епизоди на неговите опери включват полифонични техники.
В творчеството на Монтеверди новото се съчетава със старото - традициите на Ренесанса.

Да се началото на XVIIIв. образувани оперно училище в Неапол. Характеристики на това училище - повишено внимание към пеенето, доминиращата роля на музиката. Именно в Неапол вокален стил белканто(ит. bel canto - "красиво пеене"). Белкантото е известно с изключителната си красота на звука, мелодията и техническото си съвършенство. Изпълнителят на белканто трябва да може да възпроизвежда много нюанси на гласов тембър, както и майсторски да предава множество бързи поредици от звуци, насложени върху основната мелодия. - колоратура (ит. coloratura - "декорация").

AT XVIII век операстава основен вид музикално изкуство в Италия, което е улеснено от вис професионално нивообучавани певци в зимни градини(ит. conservatorio, err лат. консервирам - "защитавам") - учебни заведения, които обучават музиканти. По това време в центровете на италианската опера - Венеция и Неапол - са създадени четири консерватории. Популярността на жанра се обслужва и от оперните театри, открити в различни градове на страната, достъпни за всички слоеве на обществото. Италиански опери се поставят в театрите на големите европейски столици, а композитори от Австрия, Германия и други страни пишат опери по италиански текстове.

Значителна фигура от ранния бароков период, чиято позиция е на страната на католицизма, противопоставяйки се на нарастващото идеологическо, културно и социално влияние на протестантството, е Джовани Габриели (1555-1612).Неговите творби принадлежат към стила на "Високия Ренесанс" (разцвета на Ренесанса). Въпреки това, някои от неговите иновации в областта на инструментацията (възлагането на специфични задачи на определен инструмент) ясно показват, че той е един от композиторите, които са повлияли за появата на нов стил.

Едно от изискванията на църквата за композиране на свещена музика беше това текстовев творби с вокали бяха придирчив. Това налага преминаване от полифонията към музикални техники, където думите излизат на преден план. Вокалите станаха по-сложни, богато украсени в сравнение с акомпанимента.

Голям принос за разпространението на нови техники направиха немски композитор Хайнрих Шютц (1585-1672),обучаван във Венеция.Това е най-известният немски композитор преди Йохан Себастиан Бах и един от най-значимите композитори от ранния бароков период заедно с Д. Габриели и К. Монтеверди. Той използва нови техники в работата си, докато служи като хормайстор в Дрезден.

Музика на зрелия барок (1654-1707)

Периодът на централизация на върховната власт в Европа често се нарича Абсолютизъм. Абсолютизмът достига своя зенит при френския крал Луи XIV. За цяла Европа дворът на Луи беше пример за подражание. Включително музиката, изпълнявана в съда. Увеличеното наличие на музикални инструменти (особено клавишни) дава тласък на развитието камерамузика (от нем. камера - "стая")изпълнявани в малки стаи или у дома.

зрял барок е различенот ранното повсеместно разпространение на новия полифоничен стил ( свободно писане) и увеличено разделяне музикални формиособено в операта. Както и в литературата, възникващата възможност за голям тираж печатмузикалните произведения доведоха до разширяване на публиката; засилва се обменът между центровете на музикалната култура.

В музикалната теория зрелият барок се определя от фокуса на композиторите върху хармонията и опитите за създаване на последователни системи за музикално обучение.
В следващите години това доведе до появата на мн теоретиченвърши работа. Забележителен пример за такава дейност е произведението от късния бароков период - "Gradus ad Parnassum" (рус. Стъпки към Парнас), публикувано през 1725 г. от Йохан Йосиф Фукс(нем. Йохан Йозеф Фукс) (1660-1741), австрийски теоретик и композитор. Тази работа, която систематизира теорията на контрапункта, беше най-важният инструмент за изучаване на контрапункта почти до края на 19 век.

Изключителен представител на придворните композитори от двора на Луи XIV беше Джовани Батиста Лули (1632-1687). (Жан-Батист). Още на 21-годишна възраст той получава званието „придворен композитор инструментална музика". От самото начало творчеството на Лули е тясно свързано с театъра. Следва организацията на съда камерна музикаи като композира "airs de cour" (придворни арии), той започва да пише балетна музика. Самият Луи XIV танцува в балети, които тогава са били любимото забавление на дворцовото благородство. Лули беше отличен танцьор. Той случайно участва в продукции, танцувайки с краля. Той е известен със своите ставаработи с Молиер, за чиито пиеси пише музика. Но основното нещо в работата на Лули все още беше писането опери. Изненадващо Лули създаде завършен тип френска опера; така наречената лирическа трагедия във Франция (фр. tragedie lyrique) и достигна несъмнено творческа зрялостоще в първите години от работата си в операта. Лули често използва контраста между величественото звучене на оркестровата част и простите речитативи и арии. Музикалният език на Lully не е много сложен, но определено ново:яснотата на хармонията, ритмичната енергия, яснотата на артикулацията на формата, чистотата на текстурата говорят за победата на принципите на хомофоничното мислене. До голяма степен успехът му се улеснява и от умението му да подбира музиканти за оркестъра и работата му с тях (самият той дирижира репетиции). Неразделна част от работата му е вниманието към хармонията и соло инструмента.

Композитор и цигулар Арканджело Корели(1653-1713), известен с работата си върху развитието на жанра концерто гросо (концерто гросо-" голям концерт") . Корели е един от първите композитори, чиито произведения са публикувани и изпълнявани в цяла Европа. Подобно на оперните произведения на J. B. Lully, жанрът на концерто гросо е изграден върху контрастно съпоставяне на звука на малки солови оркестрови групи и звука на пълен оркестър. Музиката е изградена върху резки преходи от силни към тихи части, бързите пасажи са противопоставени на бавните. Сред последователите на Арканджело Корели е Антонио Вивалди, който по-късно композира стотици произведения, написани в любимите форми на Корели: трио сонати и концерти.

AT Англиязрял барок, белязан от брилянтен ген Хенри Пърсел(1659-1695). Умира млад, на 36-годишна възраст, след като е написал голям брой произведения и е станал широко известен през живота си. Пърсел е бил запознат с творчеството на Корели и други италиански композитори от епохата на барока.По време на краткия си живот Пърсел е написал много вокални, инструментални, музикални и театрални произведения, най-значимото от които е операта "Дидона и Еней"(1689). Това е първият английски национална опера. Тя е поръчана от учител по танци от интернат за благородни девойки. Частният характер на поръчката повлия на външния вид на произведението: за разлика от монументалните опери на Монтеверди или Лули, работата на Пърсел малки по размер, действието се развива бързо. Либретото на операта (автор Никълъс Тейт) е написано по героичния епос "Енеида" на римския поет Вергилий.

Вергилий има един от защитниците на Троя – Еней, след падането на града тръгва да скита. Буря тласка кораба му към бреговете на Африка; тук той среща Дидона, кралицата на Картаген. Дидона се влюби в Еней и когато героят я напусна по заповед на боговете, посегна на живота си. В операта на Пърсел вестителят, разделил героите, е изпратен не от боговете, а от горски вещици (популярни герои в английския фолклор). Еней прие измамата за свещен дълг към боговете и унищожи най-ценното – любовта.

Отличителна черта на работата на Пърсел е хармония. Композиторът имаше удивителна дарба да създава съвършени мелодии – спокойни, величествени и безупречни по форма. След Хенри Пърсел в английската музика до 20 век. едва ли може да се назоват такива блестящи майстори.

За разлика от горните композитори Дитрих Букстехуде (1637-1707) не е бил придворен композитор. Букстехуде проработи органист, първо в Хелсингборг (1657-1658), след това в Елсинор (1660-1668), а след това, започвайки от 1668 г., в църквата Св. Мария в Любек. Той печелеше не от публикуването на произведенията си, а от изпълнението им и предпочиташе да композира музика пред църковни текстове и да изпълнява свои собствени композиции за орган пред покровителството на благородството.Неговите композиции за орган се отличаваха с богатство на въображението, изобилие от неочаквани и колоритни сравнения и дълбока драма този композитор. Музиката на Букстехуде до голяма степен е изградена върху мащаба на идеите, богатството и свободата на въображението, склонността към патос, драматизъм и донякъде ораторска интонация. Работата му е осигурила силно влияниена такива композитори като Й. С. Бах и Г. Ф. Телеман.

Късна барокова музика (1707-1760)

Точната граница между зрелия и късния барок е въпрос на дебат; тя лъже някъде между 1680 и 1720. Голяма част от сложността на неговото определение е фактът, че в различни странинесинхронизирани стилове; иновациите, вече приети като правило на едно място, бяха свежи открития на друго. Италияблагодарение на Арканджело Корелии неговите ученици Франческо Джеминиани и Пиетро Локатели става първата страна, в която барокови преходи от зрял към късен период. Важен крайъгълен камък може да се счита за почти абсолютен доминиране на тонакато структуриращ принцип на музикалното композиране. Това е особено очевидно в теоретичната работа на Жан Филип Рамо, който заема мястото на Люли като главен френски композитор. В същото време появата на капиталното произведение на Йохан Йозеф Фукс Gradus ad Parnassum (1725), посветено на полифонията на строг стил, свидетелства за присъствието в музиката на двестилове на писане - хомофонно-хармоничен и полифоничен.

Форми, отворени от предишния период, достигнал зрялости голяма променливост концертът, сюитата, сонатата, концерто гросо, ораторията, операта и балетът вече нямат рязко изразени национални характеристики. Навсякъде са установени общоприети схеми на произведения: повтаряща се форма от две части (AABB), проста форма от три части (ABC) и рондо.

Антонио Вивалди (1678-1741)- италиански композитор, роден във Венеция.
През 1703 г. получава сан католически свещеник. На 1 декември същата година той става маестро на виолино в сиропиталището за момичета Pio Ospedale della Pieta във Венеция. Славата на Вивалди е донесена не от концертни изпълнения или връзки в двора, а от публикуването на неговите произведения, включително неговите трио сонати, сонати за цигулка и концерти. Те бяха публикувани в Амстердам и широко разпространени в цяла Европа. Именно към тези инструментални жанрове, все още развиващи се по това време (барокова соната и бароков концерт), Вивалди има най-значимия си принос. Някои техники са характерни за музиката на Вивалди: тричастна циклична форма за концерто гросо и използването на риторнело в бързи части. Вивалди е композирал над 500 концерта. Той също така дава програмни заглавия на някои от творбите си, като известните Четирите сезона. Кариерата на Вивалди показва повишена възможност за независимо съществуване на композитора: с доходи от концертна дейности публикуване на техните писания.

Доменико Скарлати(1685-1757) е един от водещите клавишни композитори и изпълнители на своето време. Започва кариерата си като придворен композитор; първо в Португалия, а от 1733 г. в Мадрид, където прекарва остатъка от живота си. Баща му Алесандро Скарлати се счита за основател на неаполитанската оперна школа. Доменико също композира опери и църковна музика, но славата (след смъртта му) му е осигурена от работи за клавиатури. Някои от тези произведения той е написал за собствено удоволствие, други - за своите знатни клиенти.

Най-известният придворен композитор от епохата на барока беше Георг Фридрих Хендел(1685-1759). Той е роден в Германия, учи в Италия три години, но напуска Лондон през 1711 г., където започва своята блестяща и търговска кариера. успешна кариеранезависим оперен композитор, изпълняващ поръчки за благородството. Притежавайки неуморна енергия, Хендел обработва материала на други композитори и то постоянно преправентехните собствени писания. Например, той е известен с преработването на известната оратория "Месия" толкова много пъти, че сега няма версия, която да може да се нарече оригинал. Въпреки че финансовото му състояние расте и намалява, славата му, базирана на публикувани произведения за клавишни инструменти, церемониална музика, опери, концерто гросо и оратории, продължава да расте. След смъртта му той е признат за водещ европейски композитор и е изучаван от музиканти от класическата епоха. Приживе Хендел пише за 50 опери (Алмира, Агрипина, Риналдо, Юлий Цезар и др.), 23 оратории (“Месия”, “Самсон”, “Юда Маковей”, “Херкулес”), безброй църковни хорали, концерти за орган, както и редица развлекателни произведения (“Музика на водата”, “Музика за кралски фойерверки”) .

Един от най-великите композитори на бароковата епоха - Йохан Себастиан Бахе роден
21 март 1685 г. в Айзенах, Германия. През живота си той композира повече от 1000 произведения в различни жанрове, освен операта. Но през живота си той не постигна значителни успехи. Премествайки се много пъти, Бах сменя една не много висока позиция след друга: във Ваймар той е придворен музикант при ваймарския херцог Йохан Ернст, след това става пазач на органа в църквата Св. Бонифаций в Арнщат, няколко години по-късно приема длъжността органист в църквата Св. Власия в Мюлхаузен, където работи само около година, след което се завръща във Ваймар, където заема мястото на придворен органист и организатор на концерти. Той заемаше тази длъжност девет години. През 1717 г. Леополд, херцог на Анхалт-Кьотен, наема Бах като капелмайстор и Бах започва да живее и работи в Кьотен. През 1723 г. Бах се премества в Лайпциг, където остава до смъртта си през 1750 г.

Й. С. Бах е добре известен в Германия през живота си като композитор, изпълнител, учител и баща на по-младите Бахове, предимно Карл Филип Емануел. Но в последните годиниживота и след смъртта на Бах, славата му като композитор започва да намалява: стилът му се смята за старомоден в сравнение с процъфтяващия класицизъм.

През 1802 г. Йохан Николай Форкел публикува първата най-пълна биография на Йохан Себастиан Бах. През 1829 г., 79 години след смъртта на Й. С. Бах, Феликс Менделсон изпълнява „Страстите по Матей“ от Бах в Берлин. Успехът на този концерт съживи интереса към творчеството на Й. С. Бах и стана причина за възникването на огромен интерес към музиката на Бах в Германия, а след това и в цяла Европа.

Сега Й. С. Бах е един от най-популярните композитори на всички времена: например в гласуването " Най-добър композиторМилениум, организиран от Cultureciosque.com, Бах заема първо място.

Изкуството от 17-18 век формира два невероятни стила - класицизъм и барок. Тези два основни общоевропейски стила съществуват един до друг в продължение на два века. Въпреки очевидните различия, те тясно взаимодействаха помежду си. По време на своето развитие класицизмът и барокът се оказаха не само в световната и руската архитектура, но и в скулптурата, литературата, интериорния дизайн и изкуството. Сравнението на класицизма и барока, два стила, ярки, скандални и уникални, ще разгледаме по-нататък.

История на класицизма

Класицизмът на латински означава "образцов". Запомнящо се течение в европейската култура възниква през 17 век. Това беше епохата на укрепване на монархията, всичко трябваше да бъде перфектно и в същото време луксозно, което може да се види в безупречните фигури на древния свят.

Франция стана основоположник на стила на класицизма, където летеше духът на свободата и съвършенството на човека, както духовно, така и физическо. Строги, идеални силуети в архитектурни ансамбли, древни сцени в живописта и скулптурата, богата, но сдържана вътрешна украса. Всичко това са характеристики на класицизма.

В Русия този стил е фиксиран при Екатерина II, нейното желание да европеизира страната изигра ключова роля в строителството известни паметнициархитектура от онова време.

Класицизмът е класика, хармонията на човека и природата, проста и кратка в своята посока. Стилът, при който трябва да се спазват определени правила, много бързо се озовава в дворцовата култура в Германия, Италия, Англия и Русия.

Барокова история

Барок означава - "разпуснат", "склонен към ексцесии". Италия стана основател на този помпозен стил. Краят на 16 век - Ренесансът, укрепването на католическата власт, ярък, смел и величествен, трябваше да впечатли. Всички отличителни елементи на барока са въплътени в католическите градове на Италия.

Европейските страни обаче също поеха някои атрибути и елементи на "разпуснатия" италиански стил. Англия, Франция, Русия използваха новата култура в своята архитектура и интериор, за да подчертаят своя блясък и уникалност.

Стилът, фокусиран върху създаването на илюзията за богатство и лукс на църквата, както и на италианското благородство, впоследствие се отразява във всички страни на Европа, Америка и Русия. И той остана безсмъртен спътник на католическата църква.

Сравнение и класицизъм

Двата стила вървят един до друг от векове. Те обаче имат очевидни различия в историята и целта на създаването, във въплъщението в изкуството.

Сравнение на класицизма и барока

Визуално класицизъм и барок

Основните функции барок и класицизъмлукс и дискретно богатство. И двата стила са отразени в скъпи работиизкуство и впечатляващи архитектурни структури. Помислете за най-известните предмети от два различни стила от един и същи период от време.

Класицизмът е, разбира се, площадът на бунтовете и Пантеонът в Париж. Исаак и Казанската катедрала в Санкт Петербург. Болшой театър във Варшава. Известната картина на Жак-Луи Давид "Преминаването на Наполеон през Алпите" перфектно отразява стила на класицизма в живописта. „Психея, пробудена от целувката на Купидон“ е най-известната статуя в класицизма. "Аполон и нимфите" е пример за класически стил, невероятен по своята красота.

Докато барокът ни е познат от катедралата Смолни в Санкт Петербург, Операта в Одеса и, разбира се, католическата църква във Ватикана. Рубенс и Караваджо са най-разпознаваемите барокови художници. И италианецът ни разкрива цялата изразителност на барока в своите зашеметяващи скулптури.

Класицизъм и барок в архитектурата

Както виждаме от описанията и сравненията на двата стила, разликите между барок и класицизъм са очевидни. В последния това е обжалване предимно към античната архитектура, в барока - към лукса на католическите църкви.

Класицизъм и барок в архитектурата, сравнение на примера на два изключителни паметника

Базиликата Санта Кроче, Италия е типичен пример за италианския барок. Отличителни черти - пищен декор и много статуи на фасадата. Скулптури, балкони, колони, сложна формасграда. Центърът е увенчан с огромен кръгъл прозорец - вече надхвърлящ стандартите на типичната архитектура. Кариатиди и атланти, причудливи форми - всичко това са отличителните белези на барока.

Класицизмът е Болшой театър в Москва. На неговия пример можем да видим характерните черти в архитектурата на този стил. Простота и лаконичност. Монументалност и строгост. Изчистени форми, колони. Малки стандартни прозорци. Дискретна мазилка на фасадата с характерни шарки от античния свят. Ясна геометрична форма на конструкцията. Приятен дискретен еднообразен цвят на цялата сграда.

Архитектурата на барока и класицизма е много различна в сравнение. На пръв поглед можете да ги различите един от друг: претенциозността на барока е поразителна, разбира се, това са сложни архитектурни произведения. Докато сградите в стила на класицизма имат толкова ясни пропорции и строг външен вид, че неволно ви карат да мислите за тяхното величие и монументалност.

Класицизъм и барок в живописта

Идвайки от един и същ период, класицизмът и барокът обаче имат отличителни черти в изкуството.

Микеланджело е един от най-известните италиански художници, поставил нов стил в живописта – барок. Това са предимно религиозни сюжети, ярки образи, емоционални сцени от живота обикновените хора. Контрастът на цветовете, светлината и здрача, много битови предмети, реализъм на емоциите. Последователи на този стил в изкуството - и Гуидо Рени.

Класицизмът е не по-малко живописен, но за основа е взета древна Гърция. Рафаел, Джулио Романо на своите платна изобразяват идеал физически формибожествени знаци. Студените митични сюжети очароват със своята сбитост, нищо излишно, обмислена композиция и пространство около героите до най-малкия детайл.

Възможно е да се откроят основните елементи при сравняване на направленията в изкуството на класицизма и барока. Първо, това е истинската емоционалност на барока, силата на сюжета и колоритността на образите, и второ, сдържаната красота антична митологияясен и кратък в проявлението си.

Сравнение на класицизма и барока в интериора

В допълнение към изключителните произведения на изкуството и невероятните архитектурни паметници, барокът и класицизмът са отразени в интериора на къщите и стаите. Следва - с подреждане на класицизмаи барок в декорацията на помещенията.

Тези два стила внасят основните си черти в интериора. На първо място, това е скъпо. И в двата случая това е лукс и богатство. И тогава можем да говорим за цветове. Барокът винаги е ярък, винаги златни, мраморни, лакирани повърхности. Много допълнителни елементи, сложни форми на мебели и сложни модели на сенници и тапицерия на столове. Разбира се, това е красотата, в която искате да се потопите, всеки предмет, който искате да изучавате. Възхищение и помпозност, това, което кралете толкова обичат.

Класицизмът в това отношение играе в контраст с барока. Сдържани пастелни цветове, които се хармонизират един с друг. Спокоен, но не по-малко величествен интериор е създаден, по-скоро за успокояване, а не за безпокойство. Преобладаващо светли цветове, яснота на линиите, коректност на обектите. Функционалността на интериорните атрибути обаче не е лишена от своя чар.

Класицизъм и барок в Русия

Тези два стила идват в Русия през 18 век. Царска Русия беше в тясна връзка с европейските държави и не искаше да изостави възможността да демонстрира своето величие.

Барок и въплътен, главно, Растрели. Той беше този, който се занимаваше с реконструкцията и изграждането на основните сгради на Санкт Петербург по това време. Естествено, стиловете бяха русифицирани, възприемайки основните принципи на двете посоки, традиционната руска архитектура беше запазена. Смолният манастир е може би най-много ярък представителбарок в Санкт Петербург, докато "връхната точка" на класицизма е, разбира се, Казанската катедрала. В началото на този стил в Русия са архитектите В. Баженов, М. Казаков, И. Старов, църкви и къщи, построени по техни проекти, могат да се видят в Москва.

Барокът и класицизмът играят важна роля в руската архитектура. И в историческото проявление - основаването на Санкт Петербург, новата Москва, и в борбата за равноправие на руските писатели класицисти.

Сега е невъзможно да си представим нашите градове без Ермитажа, Академията на науките и Таврическия дворец.

Класицизъм и барок в нашето време

В съвременния свят архитектите често се обръщат към барока и класицизма, сравнявайки и смесвайки тези стилове. Времената на крале и императори отминаха, но любовта към лукса и величието остана. Сега вече можете да видите модерни замъци в бароков стил някъде на Рубльовка или класическата дача на друг олигарх в село Нирвана близо до Санкт Петербург.

В хотел Trezzini можете да се потопите в лукса на кралете, а в ресторант Empire можете да опитате ястията на съвременните крале. Но това вече е съвременен лукс, въпреки че все още не е достъпен за всеки.

XVII век се оказва изненадващо благоприятен за развитието художествена култура.Стана не само векът на науката, но и векът на изкуството. Вярно, като се вземе предвид фактът, че разцветът на науката едва сега е започнал, докато изкуството вече е достигнало своя апогей. Въпреки това небето над него все още е ясно и безоблачно. Престижът му в обществото е необичайно висок. По отношение на броя на великите художници от 17-ти век, очевидно, той надминава всички останали, включително Ренесанса. Освен това, ако в ренесансовата Италия в областта на изкуството не познава равни, то през 17в. изкуството е във възход във всички европейски страни и Франция вече изглежда за предпочитане.

Подобно на други области на културата, изкуството е засегнато от диференциация. Неговата изолация става все по-видна и отчетлива. Дори връзката с религията е осезаемо отслабена. В резултат на това религиозните и митологичните сюжети се освобождават от прекомерния патос, изпълнени са с дълбока жизненост и естественост.

Друга последица от диференциацията е, че сред творците изчезват характерните за епохата универсални личности. беше не само брилянтен художник, но и велик учен, мислител, изобретател. Макар и в по-малка степен, но същото може да се каже за Л. Алберти, Ф. Брунелески. Пиеро дела Франческа, Ф. Рабле и др. Сега такива мащабни фигури стават рядкост. Същевременно се наблюдава засилване на субективното начало в изкуството. Проявява се във все повече ярки личности, в по-голяма творческа свобода и смелост, в по-широк поглед върху нещата.

В рамките на изкуството също има процес на диференциация, съществуващите жанрове се променят и се появяват нови. AT живописпейзажът и портретът, в които е засилен психологизмът, стават напълно самостоятелни жанрове. Има натюрморт и изображение на животни. Нараства значението на оригиналните композиционни решения, цвета, живописността и колорита.

AT музикасе ражда операта. Създателят на този жанр е италиански композитор К. Монтеверди (1567-1643),който написа операта "Орфей", поставена в 1607 и се превърна в истински шедьовър на оперното изкуство. За първи път музиката в него не само допълва стиховете, но е и главен герой, изразяващ смисъла на всичко, което се случва на сцената. Освен операта в музиката се появяват кантатите и ораториите.

Основните стилове в изкуството на XVII век. барок и класицизъм. Някои историци на изкуството смятат, че реализмът като специален стил в изкуството също се появява по същото време, но тази гледна точка се оспорва, въпреки че се признава съществуването на реалистично направление.

Барок

Бароксе появява в края на 16 век. в Италия. Самата дума "барок" означава "странен", "причудлив". Бароковият стил се характеризира с динамични образи, напрежение, яркост, елегантност, контраст, желание за величие, пищност и пищност, за синтез на изкуствата, комбинация от реалност и илюзия, повишена емоционалност и чувственост. Барокът е стилът на аристократичния елит на заминаващото феодално общество, стилът на католическата култура.

Виден представител на италианския барок е римски архитект, скулптор и художник. Л. Бернини (1598-1680).Всички най-характерни черти на стила, силни и слаби, бяха въплътени в неговата работа. Много от неговите творби са концентрирани в главния паметник на католически Рим - катедралата Св. Петър. Под купола му, построен от великия Микеланджело, се издига грандиозна монументална и декоративна конструкция - тридесетметров балдахин, а в олтара - също толкова величествен мраморен амвон на Петър, украсен със злато и фигури, изобразяващи ангели и купидони, отци на Църквата и светци.

Още по-величествено творение на Бернини е грандиозната колонада, състояща се от 284 колони, разположени в четири реда и оформящи огромния площад пред катедралата Св. Петър. Най-значимите скулптурни творби на Бернини са „Аполон и Дафна“ и „Екстазът на Св. Тереза."

Най-известната фигура на европейския барок е фламандският художник П. Рубенс (1577-1640).С право може да се нарече универсална личност, не по-малка по мащаб от титаните на Ренесанса. Той беше близо до хуманистите, обичаше класиците на Античността - Плутарх. Сенека, Хорас, знаеше шест езика, включително латински. Рубенс не е учен и изобретател, но разбира проблемите на астрономията и археологията, проявява интерес към часовниците без механизъм, към идеята за вечното движение, следи новостите във философията, разбира политиката и активно участва в нея. Най-вече обичаше самия човешки живот.

Рубенс въплъщава ангажимента към хуманизма в работата си. Той стана велик поет на живот, изпълнен с щастие, удоволствие и лиризъм. Той остава ненадминат певец на човешката - мъжка и особено женска плът, на чувствената красота на човешкото тяло. Само Рубенс можеше с такава смелост и любов да предаде очарованието на самата плът, нейната нежна топлина, мека гъвкавост. Той успя да покаже, че плътта може да бъде красива и без да е красиво оформена.

Една от централните теми в творчеството му е жената, любовта и детето като естествен и красив плод на любовта. Тази страна на творчеството му може да се види и почувства в такива картини като Венера и Адонис. Юнона и Аргус, Персей и Андромеда, Витсавея.

Докато е в Италия, Рубенс преминава през добро художествено училище. Неговият фламандски темперамент обаче не приемаше всичко от великите италианци. Известно е, че италианските майстори предпочитат баланса, спокойствието и хармонията, което им позволява да създават вечна красота. Рубенс нарушава всичко това в полза на движението. Изобразените от него човешки фигури често приличат на свита пружина, готова мигновено да се завърти. В това отношение той е най-близо до Микеланджело, чиито скулптури са пълни с вътрешен стреси движение. Творбите му също са изпълнени с бурна динамика. Това по-специално са платната „Битката на амазонките“, „Отвличането на дъщерите на Левкип“, „Лов за лъвове“, „Лов за глиган“.

В произведенията на Рубенс цветът и живописността преобладават над рисунката. Тук Тициан служи като пример. Рубенс не обича твърде ясни контури. Някак си разделя материята от формата, правейки я свободна, жива и плътска. Що се отнася до цвета, художникът предпочита ярки, чисти и богати тонове, изпълнени със здравословна жизненост. Той се стреми не толкова към тяхната хармония, колкото към оркестрация, към създаване на цветна симфония. Рубенс с право е наричан великият композитор на цвета.

Класицизъм

Родина класицизъмстана Франция. Ако барокът дава предпочитание на чувствата, тогава класицизмът почива на ума. Висша норма и идеален модел за него е античното изкуство. Основните му принципи са яснота, подреденост, логическа последователност, хармония и хармония.

Според класицизма предметът на изкуството трябва да бъде възвишен и красив, героичен и благороден. Изкуството трябва да изразява високо морални идеали, да възпява красотата и духовното богатство на човека, да прославя тържеството на съзнателния дълг над стихията на чувствата. Съдникът на изкуството е не само вкусът, но и разумът.

Класицизмът споделя основните положения на рационализма и преди всичко идеята за разумна структура на света. Но в разбирането на връзката между човека и природата той не е съгласен с него, продължавайки линията на ренесансовия хуманизъм и вярвайки, че тези взаимоотношения трябва да се основават на принципите на съгласие и хармония, а не на господство и подчинение. Това важи особено за изкуството, една от задачите на което е да възпява хармонията на човека с красивата природа.

Основоположник и основна фигура на класицизма в живописе френски художник Н. Пусен (1594-1665).В творчеството си той изцяло се опира на рационализма на Р. Декарт, вярвайки, че усещането винаги е частично и едностранчиво и само умът може да обхване предмета изчерпателно и в цялата му сложност. Следователно всичко трябва да се преценява с ума.

Пусен прекара почти целия си живот в Италия, но това не му попречи да стане истински френски художник, създал едно от очните направления в изкуството, което съществува и до днес. от италиански майстори най-голямо влияниеРафаел го имаше върху себе си. чиито произведения са идеални образци на пълно съвършенство, както и Тициан, от когото всички следващи художници вземат уроци по чиста живопис.

Въпреки че Пусен предпочита разума, неговото изкуство в никакъв случай не е сухо, студено и рационално. Самият той отбелязва, че целта на изкуството е удоволствието, че всички усилия на художника са насочени към доставяне на естетическа наслада на зрителя. Неговите творби вече съдържат двата основни елемента на изкуството, когато то се превръща в напълно самостоятелно и самодостатъчно явление.

Една от тях е свързана с пластиката, създадена с чисто художествени, изобразителни средства, комбинация от линии и цветове, която е източник на специална, естетическа наслада. Вторият е свързан с експресията, изразителността, с помощта на която художникът въздейства на зрителя и предизвиква в него душевното състояние, което самият той е изпитал.

Наличието на тези два принципа позволява на Пусен да комбинира интелект и чувство. Първичността на разума е съчетана с любовта му към плътта и чувствеността. За това свидетелстват картините му „Венера и Адонис“, „Спящата Венера“, „Вакханалия“ и др., където виждаме перфектен телом и духом човек.

В началния период на творчество Пусен е доминиран от платна на исторически и религиозно-митологични теми. Те са посветени на произведения като „Изнасилването на сабинянките“, „Залавянето

Йерусалим“, „Аркадските овчари“. Тогава на преден план излиза темата за хармонията между човека и природата. Тя е представена в картините "Триумфът на Флора", "Пейзаж с Полифем", "Пейзаж с Орфей и Евридика" и др. Природата в същото време не е просто място за престой на човек. Между тях се установява дълбока чувствена хармония, определена общност от души, те образуват едно цяло. Пусен създава истински симфонии на човека и природата.

През последните години от живота си художникът посвещава цялото си внимание на възпяването на природата. Създава поетичната поредица „Годишните времена”.

Класицизъм в архитектуратанамери своето идеално въплъщение в Версайският дворец, построена по волята на френския крал Луи XIV. Този грандиозен ансамбъл включва три величествени двореца и огромен парк с басейни, фонтани и скулптури. Ансамбълът се отличава със строго оформление, геометрични паркови алеи, величествени скулптури, подрязани дървета и храсти.

Реализъм

реалистична тенденцияв изкуството на 17 век. представлява предимно холандски художникРембранд(1606-1669). Произходът на тази тенденция се намира в творчеството италиански художникКараваджо (1573-1610), който предоставя голямо влияниена много артисти.

Изкуството на Рембранд по някакъв начин заема средно положение между барока и класицизма. В творбите му се откриват черти на тези два стила, но без крайностите, присъщи на всеки от тях. По-специално, неговата известна "Danae" изглежда много чувствена и плътска, но не до степента, която Рубенс би изпълнил. Същото е и с класицизма. Някои от неговите черти присъстват в творбите на Рембранд, но те нямат чиста, идеализирана красота, няма нищо величествено и героично. без патос и т.н. В тях всичко изглежда по-близо до земята, всичко е много по-просто, по-естествено, по-правдиво, по-жизнено.

Основната оригиналност на изкуството на Рембранд обаче е нещо друго. Състои се в това, че благодарение на него в Европейска живописсе появи нова тенденция психологизъм.Рембранд е първият, който сериозно откликва на известния призив на Сократ: „опознай себе си“. Той обърна поглед навътре и пред него се разкри огромен и непознат вътрешен свят, съизмерим с безкрайната Вселена. Предмет на неговото изкуство е неизчерпаемото богатство на духовния живот на човека.

Рембранд сякаш наднича и се вслушва в безкрайните преливания психологически състояния, неизчерпаеми прояви на индивидуалния човешки характер. Оттук и такова изобилие от не само портрети, но и автопортрети, в които той се изобразява в различни периодиживот - в младост и старост, в различни състояния - пълноценен жизнености след боледуване. В неговите творби портретът не само се превръща в независим жанр, но и достига невиждани висоти. Цялото му творчество може да се нарече изкуство портрет.

Този обрат до голяма степен се дължи на факта, че Рембранд – за разлика от католиците Рубенс и Пусен – е бил протестант. Преди появата на протестантството човекът не се е стремял съзнателно да се отдели от другите. Напротив, той не се е мислил извън колективната общност. В Античността такава общност се подкрепя от политически и морални норми. През Средновековието християнството укрепва старите основи с обща вяра.

Протестантството наруши тази традиция, възлагайки основната отговорност за съдбата на човека върху себе си. Сега делото на спасението стана преди всичко лична работа на всеки човек. В съзнанието на западния човек настъпи дълбока промяна и Рембранд беше първият, който дълбоко усети настъпващите промени, изрази ги в своето изкуство.

За внимателното внимание към собствените тайни вътрешен живот, много произведения от началния период на творчеството на Рембранд и преди всичко неговите автопортрети говорят за търсенето на собствената, лична истина. За това свидетелстват и картините му като „Апостол Павел в затвора“, „Христос в Емаус“ и др., където на преден план излизат психологическите преживявания, размислите за смисъла на живота и битието. В зряла възраст и особено след известните "Нощна стража"тези тенденции се засилват. По особен начин те се появяват в платната "Портрет на старец в червено", "Портрет на стара жена". Картината "Синдики" се превръща във връх в изкуството на груповия портрет.

В последния период на творчество Рембранд все повече се потапя в дълбините на човешкото съзнание. Той нахлува в един съвсем нов за европейското изкуство проблем – проблемът за човешката самота. Пример за това са картините му "Философът", "Завръщането на блудния син".