Berühmte historische Gemälde russischer Künstler. Meisterwerke der Malerei (33 Meisterwerke der Weltmalerei - Auswahl)

Geheimnisvolle Welt Kunst mag für Laien verwirrend erscheinen, aber es gibt Meisterwerke, die jeder kennen sollte. Talent, Inspiration und sorgfältige Arbeit bei jedem Strich lassen Werke entstehen, die Jahrhunderte später bewundert werden.

Es ist unmöglich, alle herausragenden Werke in einer Auswahl zusammenzufassen, aber wir haben versucht, die berühmtesten Gemälde auszuwählen, die riesige Schlangen vor Museen auf der ganzen Welt anziehen.

Die berühmtesten Gemälde russischer Künstler

„Morgen im Kiefernwald“, Ivan Shishkin und Konstantin Savitsky

Shishkin war ein ausgezeichneter Landschaftsmaler, aber er musste selten Tiere zeichnen, daher wurden die Figuren von Bärenjungen von Savitsky, einem hervorragenden Tierkünstler, gemalt. Am Ende der Arbeit ordnete Tretjakow die Löschung der Unterschrift Sawizkis an, da Shishkin weitaus umfangreichere Arbeiten geleistet hatte.

„Iwan der Schreckliche und sein Sohn Iwan 16. November 1581“, Ilja Repin

Repin wurde zu dem Meisterwerk, besser bekannt als „Iwan der Schreckliche tötet seinen Sohn“, von Rimski-Korsakows „Antar“-Symphonie inspiriert, und zwar vom zweiten Satz, „Die Süße der Rache“. Unter dem Einfluss der Musikklänge stellte der Künstler eine blutige Szene des Mordes und der anschließenden Reue dar, die in den Augen des Herrschers beobachtet wurde.

„Der sitzende Dämon“, Michail Vrubel

Das Gemälde war eine von dreißig Illustrationen, die Vrubel für die Jubiläumsausgabe der Werke von M. Yu. gezeichnet hatte. Lermontow. „Der sitzende Dämon“ verkörpert die dem menschlichen Geist innewohnenden Zweifel, die subtile, schwer fassbare „Stimmung der Seele“. Experten zufolge war der Künstler gewissermaßen von der Darstellung eines Dämons besessen: Auf dieses Gemälde folgten „Der fliegende Dämon“ und „Der besiegte Dämon“.

„Boyaryna Morozova“, Wassili Surikow

Der Film basiert auf der Handlung des Lebens der Altgläubigen „The Tale of Boyarina Morozova“. Der Künstler verstand das Schlüsselbild, als er eine Krähe sah, die ihre schwarzen Flügel wie einen verschwommenen Fleck auf der Schneeoberfläche ausbreitete. Später suchte Surikov lange nach einem Prototyp für das Gesicht der Adligen, konnte aber nichts Passendes finden, bis er eines Tages auf einem Friedhof eine altgläubige Frau mit einem blassen, hektischen Gesicht traf. Die Porträtskizze war in zwei Stunden fertig.

„Bogatyrs“, Viktor Vasnetsov

Das zukünftige epische Meisterwerk wurde klein geboren Bleistiftzeichnung im Jahr 1881; Für die weitere Arbeit an der Leinwand sammelte Vasnetsov viele Jahre lang sorgfältig Informationen über die Helden aus Mythen, Legenden und Traditionen und studierte auch authentische antike russische Munition in Museen.

Analyse von Vasnetsovs Gemälde „Drei Helden“

„Das rote Pferd baden“, Kuzma Petrov-Vodkin

Ursprünglich war das Gemälde als Alltagsskizze aus dem Leben eines russischen Dorfes konzipiert, doch im Laufe der Arbeit wurde die Leinwand des Künstlers mit einer Vielzahl von Symbolen überwuchert. Mit dem roten Pferd meinte Petrov-Wodkin „Das Schicksal Russlands“; nachdem das Land dem Ersten beigetreten war Weltkrieg Er rief aus: „Deshalb habe ich dieses Bild gemalt!“ Nach der Revolution interpretierten prosowjetische Kunstkritiker die Schlüsselfigur des Gemäldes jedoch als „Vorbote revolutionärer Brände“.

„Dreifaltigkeit“, Andrei Rublev

Die Ikone, die den Grundstein für die Tradition der russischen Ikonenmalerei im 15.–16. Jahrhundert legte. Die Leinwand mit der Darstellung der alttestamentlichen Dreifaltigkeit der Engel, die Abraham erschienen, ist ein Symbol für die Einheit der Heiligen Dreifaltigkeit.

„Die neunte Welle“, Ivan Aivazovsky

Eine Perle in der „Kartographie“ des legendären russischen Marinemalers, der ohne Bedenken als einer der berühmtesten Künstler der Welt bezeichnet werden kann. Wir können sehen, wie die Seeleute, die den Sturm auf wundersame Weise überlebten, sich an den Mast klammerten, in Erwartung der „neunten Welle“, dem mythischen Höhepunkt aller Stürme. Doch die warmen Farbtöne, die die Leinwand dominieren, geben Hoffnung auf die Rettung der Opfer.

„Der letzte Tag von Pompeji“, Karl Brjullow

Das 1833 fertiggestellte Gemälde von Bryullov war ursprünglich in ausgestellt größten Städte Italien, wo es für echtes Aufsehen sorgte – der Maler wurde mit Michelangelo, Tizian, Raffael verglichen ... Zu Hause wurde das Meisterwerk mit nicht weniger Begeisterung aufgenommen, was Bryullov den Spitznamen „Karl der Große“ einbrachte. Die Leinwand ist wirklich großartig: Ihre Maße betragen 4,6 mal 6,5 Meter und ist damit eines der größten Gemälde unter den Schöpfungen russischer Künstler.

Die berühmtesten Gemälde von Leonardo da Vinci

"Mona Lisa"

Ein Meisterwerk des florentinischen Genies, das keiner Einführung bedarf. Bemerkenswert ist, dass das Gemälde nach dem Diebstahl aus dem Louvre im Jahr 1911 Kultstatus erlangte. Zwei Jahre später versuchte der Dieb, der sich als Museumsangestellter herausstellte, das Gemälde an die Uffizien zu verkaufen. Über die Ereignisse des aufsehenerregenden Falles wurde in der Weltpresse ausführlich berichtet, woraufhin Hunderttausende Reproduktionen zum Verkauf angeboten wurden und die geheimnisvolle Mona Lisa zum Objekt der Verehrung wurde.

Nach fünf Jahrhunderten gilt das Fresko mit klassischem Motiv an der Wand des Refektoriums des Dominikanerklosters in Mailand als eines der bedeutendsten geheimnisvolle Gemälde in der Geschichte. Nach Da Vincis Idee stellt das Gemälde den Moment dar Osteressen wenn Christus die Jünger über den bevorstehenden Verrat informiert. Die Vielzahl der verborgenen Symbole hat zu einer ebenso großen Anzahl von Studien, Anspielungen, Anleihen und Parodien geführt.

„Madonna Litta“

Auch als „Madonna mit Kind“-Gemälde bekannt lange Zeit befand sich in der Sammlung der Herzöge von Litta und wurde 1864 von der St. Petersburger Eremitage erworben. Viele Experten sind sich einig, dass die Figur des Babys nicht von da Vinci persönlich, sondern von einem seiner Schüler gemalt wurde – eine Pose, die für den Maler zu untypisch ist.

Die berühmtesten Gemälde von Salvador Dali

Paradoxerweise entstand das berühmteste Werk des Genies des Surrealismus aus Gedanken über Camembert-Käse. Eines Abends, nach einem geselligen Abendessen, das mit Käsevorspeisen endete, war der Künstler in Gedanken darüber versunken, wie man „Fruchtfleisch ausbreitet“, und malte in seiner Fantasie das Bild einer schmelzenden Uhr mit einem Olivenzweig im Vordergrund.

Eine traditionelle Handlung, die mithilfe arithmetischer Prinzipien, die von Leonardo da Vinci studiert wurden, eine surreale Wendung erhält. Der Künstler stellte die besondere Magie der Zahl „12“ in den Vordergrund und entfernte sich von der hermeneutischen Interpretation der biblischen Handlung.

Die berühmtesten Gemälde von Pablo Picasso

Das Gemälde wurde zum ersten Zeichen der sogenannten „rosa“ Periode in Picassos Werk. Raue Textur und vereinfachter Stil werden mit einem sensiblen Spiel von Linien und Farben kombiniert, dem Kontrast zwischen der massiven Figur eines Sportlers und einer zerbrechlichen Turnerin. Die Leinwand wurde zusammen mit 29 anderen Werken für insgesamt 2.000 Franken an den Pariser Sammler Vollard verkauft, veränderte mehrere Sammlungen und wurde 1913 vom russischen Philanthropen Ivan Morozov bereits für 13.000 Franken erworben.

Guernica ist der Name einer Stadt im Baskenland, die im April 1937 einem deutschen Bombenangriff ausgesetzt war. Picasso war noch nie in Guernica gewesen, war aber überwältigt vom Ausmaß der Katastrophe, wie „der Schlag eines Stierhorns“. Der Künstler vermittelte die Schrecken des Krieges in abstrakter Form und zeigte das wahre Gesicht des Faschismus, indem er es mit Skurrilität verschleierte geometrische Formen.

Die berühmtesten Gemälde der Renaissance

„Sixtinische Madonna“, Raphael Santi

Wenn Sie sich den Hintergrund, der auf den ersten Blick aus Wolken besteht, genau ansehen, werden Sie feststellen, dass Raffael dort tatsächlich Engelsköpfe dargestellt hat. Die beiden Engel am unteren Bildrand sind aufgrund ihrer weiten Verbreitung in der Massenkunst fast berühmter als das Meisterwerk selbst.

„Geburt der Venus“, Sandro Botticelli

Im Mittelpunkt des Bildes - altgriechischer Mythosüber die Geburt der Aphrodite aus Meeresschaum. Im Gegensatz zu vielen Meisterwerken der Renaissance ist die Leinwand dank der schützenden Schicht aus Eigelb, mit der Botticelli das Werk umsichtig überzog, bis heute in ausgezeichnetem Zustand erhalten geblieben.

„Die Erschaffung Adams“, Michelangelo Buonarotti

Eines der neun Fresken an der Decke Sixtinische Kapelle, illustriert das Kapitel aus Genesis: „Und Gott erschuf den Menschen nach seinem Bild.“ Es war Michelangelo, der Gott als erster als weisen, grauhaarigen alten Mann darstellte, woraufhin dieses Bild zum Archetyp wurde. Moderne Wissenschaftler glauben, dass die Konturen der Figur Gottes und der Engel das menschliche Gehirn darstellen.

„Nachtwache“, Rembrandt

Der vollständige Titel des Gemäldes lautet „Auftritt der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Kok und Leutnant Willem van Ruytenburg“. Moderner Name Das Gemälde wurde im 19. Jahrhundert aufgenommen, als es von Kunstkritikern gefunden wurde, die aufgrund der das Werk bedeckenden Schmutzschicht zu dem Schluss kamen, dass die Handlung auf dem Gemälde im Schutz der Dunkelheit der Nacht stattfand.

„Der Garten der Lüste“, Hieronymus Bosch

Malewitsch schrieb mehrere Monate lang „Schwarzes Quadrat“; Die Legende besagt, dass es unter einer Schicht schwarzer Farbe verborgen ist Malerei– Der Künstler hatte keine Zeit, das Werk rechtzeitig fertigzustellen und verdeckte in einem Wutanfall das Bild. Es gibt mindestens sieben Kopien des „Schwarzen Quadrats“ von Malewitsch sowie eine Art „Fortsetzung“ der suprematistischen Quadrate – „Rotes Quadrat“ (1915) und „ Weißes Quadrat"(1918).

„Der Schrei“, Edvard Munch

Aufgrund seiner unerklärlichen mystischen Wirkung auf den Betrachter wurde das Gemälde 1994 und 2004 gestohlen. Es besteht die Meinung, dass das um die Jahrhundertwende entstandene Bild zahlreiche Katastrophen des kommenden Jahrhunderts vorwegnahm. Die tiefe Symbolik von „The Scream“ inspirierte viele Künstler, darunter Andy Warhol

Dieses Gemälde löst immer noch viele Kontroversen aus. Einige Kunstkritiker glauben, dass die Aufregung um das mit der proprietären Spritztechnik gemalte Gemälde künstlich erzeugt wurde. Die Leinwand wurde erst verkauft, als alle anderen Werke des Künstlers gekauft waren, und dementsprechend schnellte der Preis für ein nicht-figuratives Meisterwerk in die Höhe. „Nummer Fünf“ wurde für 140 Millionen Dollar verkauft und war damit das teuerste Gemälde der Geschichte.

„Marilyn Diptychon“, Andy Warhol

Eine Woche nach dem Tod von Marilyn Monroe Skandalkünstler begann mit der Arbeit an der Leinwand. 50 schablonierte Porträts der Schauspielerin wurden auf die Leinwand aufgebracht, stilisiert im Genre „Pop Art“ nach einer Fotografie aus dem Jahr 1953.
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Fast jedes bedeutende Kunstwerk hat ein Geheimnis, einen „doppelten Boden“ oder eine geheime Geschichte, die Sie aufdecken möchten.

Musik auf dem Gesäß

Hieronymus Bosch, „Der Garten der Lüste“, 1500-1510.

Fragment eines Teils eines Triptychons

Streitigkeiten über Bedeutungen und verborgene Bedeutungen Das berühmteste Werk des niederländischen Künstlers hat seit seinem Erscheinen nicht nachgelassen. Der rechte Flügel des Triptychons mit dem Titel „Musikalische Hölle“ zeigt Sünder, die mit Hilfe von Folter in der Unterwelt gefoltert werden Musikinstrumente. Einer von ihnen hat Musiknoten auf seinem Gesäß eingeprägt. Amelia Hamrick, Studentin der Oklahoma Christian University, die das Gemälde studierte, übersetzte die Notation aus dem 16. Jahrhundert in moderner Stil und nahm „ein 500 Jahre altes Arschlied aus der Hölle“ auf.

Nackte Mona Lisa

Die berühmte „La Gioconda“ existiert in zwei Versionen: Die nackte Version heißt „Monna Vanna“ und wurde von ihr geschrieben wenig bekannter Künstler Salai, der ein Schüler und Vorbild des großen Leonardo da Vinci war. Viele Kunsthistoriker sind sich sicher, dass er das Vorbild für Leonardos Gemälde „Johannes der Täufer“ und „Bacchus“ war. Es gibt auch Versionen, dass Salai, gekleidet in ein Frauenkleid, als Abbild der Mona Lisa selbst diente.

Alter Fischer

Im Jahr 1902 malte der ungarische Künstler Tivadar Kostka Csontvary das Gemälde „Der alte Fischer“. Es scheint, dass das Bild nichts Ungewöhnliches enthält, aber Tivadar hat einen Untertext hineingelegt, der zu Lebzeiten des Künstlers nie enthüllt wurde.

Nur wenige Menschen dachten daran, einen Spiegel in der Mitte des Bildes zu platzieren. In jeder Person kann es sowohl Gott (die rechte Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) als auch den Teufel (die linke Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) geben.

Gab es einen Wal?

Hendrik van Antonissen, Uferszene.

Es scheint so, gewöhnliche Landschaft. Boote, Menschen am Ufer und ein verlassenes Meer. Und erst eine Röntgenuntersuchung zeigte, dass sich Menschen aus einem bestimmten Grund am Ufer versammelten – im Original betrachteten sie den Kadaver eines an Land gespülten Wals.

Der Künstler entschied jedoch, dass niemand einen toten Wal sehen wollte, und schrieb das Gemälde neu.

Zwei „Frühstücke auf der Wiese“

Edouard Manet, „Mittagessen im Gras“, 1863.

Claude Monet, „Mittagessen im Gras“, 1865.

Die Künstler Edouard Manet und Claude Monet werden manchmal verwechselt – schließlich waren sie beide Franzosen, lebten zur gleichen Zeit und arbeiteten im Stil des Impressionismus. Monet übernahm sogar den Titel eines von Manets berühmtesten Gemälden, „Mittagessen im Gras“, und schrieb sein eigenes „Mittagessen im Gras“.

Doppelt beim Letzten Abendmahl

Leonardo da Vinci, „Das letzte Abendmahl“, 1495-1498.

Als Leonardo da Vinci das Abendmahl schrieb, legte er besonderen Wert auf zwei Figuren: Christus und Judas. Er hat sehr lange nach Modellen für sie gesucht. Schließlich gelang es ihm, bei den jungen Sängern ein Vorbild für das Christusbild zu finden. Leonardo konnte drei Jahre lang kein Vorbild für Judas finden. Doch eines Tages traf er auf der Straße auf einen Betrunkenen, der in einer Dachrinne lag. Er war ein junger Mann, der durch starken Alkoholkonsum gealtert war. Leonardo lud ihn in eine Taverne ein, wo er sofort begann, Judas von ihm zu malen. Als der Trunkenbold zur Besinnung kam, erzählte er dem Künstler, dass er bereits einmal für ihn posiert hatte. Vor einigen Jahren, als er im Kirchenchor sang, malte Leonardo Christus von ihm.

„Nachtwache“ oder „Tageswache“?

Rembrandt, „Nachtwache“, 1642.

Eines von Rembrandts berühmtesten Gemälden, „Der Auftritt der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenburg“, hing etwa zweihundert Jahre lang in verschiedenen Räumen und wurde erst im 19. Jahrhundert von Kunsthistorikern entdeckt. Da die Figuren vor einem dunklen Hintergrund zu erscheinen schienen, wurde sie „Nachtwache“ genannt und gelangte unter diesem Namen in die Schatzkammer der Weltkunst.

Und erst bei der Restaurierung im Jahr 1947 stellte sich heraus, dass das Gemälde im Saal mit einer Rußschicht bedeckt war, die seine Farbe verfälschte. Nach der Räumung des Originalgemäldes stellte sich schließlich heraus, dass die von Rembrandt dargestellte Szene tatsächlich tagsüber spielt. Die Position des Schattens von Kapitän Koks linker Hand zeigt, dass die Aktionsdauer nicht mehr als 14 Stunden beträgt.

umgekipptes Boot

Henri Matisse, „Das Boot“, 1937.

Henri Matisses Gemälde „Das Boot“ wurde 1961 im New Yorker Museum of Modern Art ausgestellt. Erst nach 47 Tagen bemerkte jemand, dass das Gemälde verkehrt herum hing. Die Leinwand zeigt 10 violette Linien und zwei blaue Segel auf weißem Hintergrund. Der Künstler hat aus einem bestimmten Grund zwei Segel gemalt; das zweite Segel ist eine Spiegelung des ersten auf der Wasseroberfläche.
Um bei der Aufhängung des Bildes keinen Fehler zu machen, müssen Sie auf die Details achten. Das größere Segel sollte sich oben auf dem Gemälde befinden und die Spitze des Segels des Gemäldes sollte sich in der oberen rechten Ecke befinden.

Täuschung im Selbstporträt

Vincent van Gogh, „Selbstbildnis mit Pfeife“, 1889.

Es gibt Legenden, dass Van Gogh sich angeblich das Ohr selbst abgeschnitten haben soll. Die zuverlässigste Version besagt nun, dass van Gogh sich bei einer kleinen Schlägerei, an der ein anderer Künstler, Paul Gauguin, beteiligt war, sein Ohr verletzte.

Das Selbstporträt ist interessant, weil es die Realität in verzerrter Form widerspiegelt: Der Künstler ist mit verbundenem rechten Ohr dargestellt, weil er bei der Arbeit einen Spiegel benutzte. Tatsächlich war das linke Ohr betroffen.

Außerirdische Bären

Ivan Shishkin, „Morgen im Kiefernwald“, 1889.

Das berühmte Gemälde gehört nicht nur Shishkin. Viele miteinander befreundete Künstler griffen oft auf „die Hilfe eines Freundes“ zurück, und Iwan Iwanowitsch, der sein ganzes Leben lang Landschaften malte, hatte Angst, dass seine berührenden Bären nicht so werden würden, wie er es wollte. Deshalb wandte sich Shishkin an seinen Freund, den Tierkünstler Konstantin Savitsky.

Savitsky malte vielleicht die besten Bären in der Geschichte der russischen Malerei, und Tretjakow befahl, seinen Namen von der Leinwand zu streichen, da alles auf dem Bild „vom Konzept bis zur Ausführung alles von der Art des Malens, von der kreativen Methode spricht.“ eigenartig für Shishkin.“

Die unschuldige Geschichte von „Gothic“

Grant Wood, „ Amerikanische Gotik", 1930.

Grant Woods Werk gilt als eines der seltsamsten und deprimierendsten der Geschichte. Amerikanische Malerei. Das Bild mit dem düsteren Vater und der Tochter ist voller Details, die auf die Strenge, den Puritanismus und die Rückschrittlichkeit der dargestellten Menschen hinweisen.
Tatsächlich hatte der Künstler nicht die Absicht, irgendwelche Schrecken darzustellen: Während einer Reise nach Iowa fiel ihm ein kleines Haus in auf Gothic Style und beschloss, diejenigen Menschen darzustellen, die seiner Meinung nach als Bewohner ideal wären. Grants Schwester und sein Zahnarzt sind als die Charaktere verewigt, die die Iowaner so beleidigten.

Salvador Dalis Rache

Das Gemälde „Figur am Fenster“ entstand 1925, als Dali 21 Jahre alt war. Zu diesem Zeitpunkt war Gala noch nicht in das Leben des Künstlers getreten und seine Muse war seine Schwester Ana Maria. Die Beziehung zwischen Bruder und Schwester verschlechterte sich, als er in einem der Gemälde schrieb: „Manchmal spucke ich auf das Porträt meiner eigenen Mutter, und das macht mir Freude.“ Ana Maria konnte solch ein schockierendes Verhalten nicht verzeihen.

In ihrem 1949 erschienenen Buch Salvador Dali Through the Eyes of a Sister schreibt sie über ihren Bruder, ohne ihn zu loben. Das Buch machte Salvador wütend. Weitere zehn Jahre danach erinnerte er sich bei jeder Gelegenheit wütend an sie. Und so erschien 1954 das Gemälde „Eine junge Jungfrau, die sich mit Hilfe der Hörner ihrer eigenen Keuschheit der Sünde der Sodomie hingibt“. Die Pose der Frau, ihre Locken, die Landschaft vor dem Fenster und die Farbgebung des Gemäldes erinnern deutlich an „Figur am Fenster“. Es gibt eine Version, dass Dali sich für ihr Buch an seiner Schwester gerächt habe.

Zweigesichtige Danae

Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae“, 1636 – 1647.

Viele Geheimnisse eines der berühmtesten Gemälde Rembrandts wurden erst in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts gelüftet, als die Leinwand mit Röntgenstrahlen beleuchtet wurde. Beispielsweise zeigten die Dreharbeiten, dass in einer frühen Fassung das Gesicht der eintretenden Prinzessin zu sehen war Liebesaffäre Bei Zeus ähnelte es dem Gesicht von Saskia, der Frau des Malers, die 1642 starb. In der endgültigen Fassung des Gemäldes begann es dem Gesicht von Gertje Dirks zu ähneln, der Geliebten von Rembrandt, mit der der Künstler nach dem Tod seiner Frau zusammenlebte.

Van Goghs gelbes Schlafzimmer

Vincent van Gogh, „Schlafzimmer in Arles“, 1888 – 1889.

Im Mai 1888 erwarb Van Gogh ein kleines Atelier in Arles in Südfrankreich, wohin er vor Pariser Künstlern und Kritikern floh, die ihn nicht verstanden. In einem der vier Zimmer richtet Vincent ein Schlafzimmer ein. Im Oktober ist alles fertig und er beschließt, Van Goghs Schlafzimmer in Arles zu malen. Für den Künstler waren die Farbe und die Behaglichkeit des Raumes sehr wichtig: Alles musste Gedanken der Entspannung hervorrufen. Gleichzeitig ist das Bild in alarmierenden Gelbtönen gestaltet.

Forscher von Van Goghs Werk erklären dies damit, dass der Künstler Fingerhut einnahm, ein Mittel gegen Epilepsie, das zu gravierenden Veränderungen in der Farbwahrnehmung des Patienten führt: Die gesamte umgebende Realität wird in Grün- und Gelbtönen gemalt.

Zahnlose Perfektion

Leonardo da Vinci, „Porträt der Lady Lisa del Giocondo“, 1503 – 1519.

Die allgemein anerkannte Meinung ist, dass die Mona Lisa Perfektion ist und ihr Lächeln in seinem Geheimnis wunderschön ist. Allerdings glaubt der amerikanische Kunstkritiker (und Teilzeitzahnarzt) Joseph Borkowski, ihrem Gesichtsausdruck nach zu urteilen, dass die Heldin viele Zähne verloren hat. Beim Studium vergrößerter Fotos des Meisterwerks entdeckte Borkowski auch Narben um ihren Mund. „Sie „lächelt“ gerade wegen dem, was ihr passiert ist, so“, glaubt der Experte. „Ihr Gesichtsausdruck ist typisch für Menschen, die ihre Vorderzähne verloren haben.“

Hauptfach Gesichtskontrolle

Pavel Fedotov, „Major's Matchmaking“, 1848.

Das Publikum, das zum ersten Mal das Gemälde „Major's Matchmaking“ sah, lachte herzlich: Der Künstler Fedotov füllte es mit ironischen Details, die für das damalige Publikum verständlich waren. Der Major ist beispielsweise offensichtlich nicht mit den Regeln der edlen Etikette vertraut: Er erschien ohne die erforderlichen Blumensträuße für die Braut und ihre Mutter. Und ihre Kaufmannseltern kleideten die Braut selbst in ein Abendballkleid, obwohl es Tag war (alle Lampen im Raum waren erloschen). Das Mädchen probiert offensichtlich zum ersten Mal ein tief ausgeschnittenes Kleid an, ist verlegen und versucht, in ihr Zimmer zu fliehen.

Warum ist Liberty nackt?

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Freiheit auf den Barrikaden“, 1830.

Laut dem Kunstkritiker Etienne Julie hat Delacroix das Gesicht der Frau an die berühmte Pariser Revolutionärin angelehnt – die Wäscherin Anne-Charlotte, die nach dem Tod ihres Bruders durch königliche Soldaten auf die Barrikaden ging und neun Gardisten tötete. Der Künstler stellte sie mit nackten Brüsten dar. Nach seinem Plan ist dies ein Symbol für Furchtlosigkeit und Selbstlosigkeit sowie für den Triumph der Demokratie: Die nackte Brust zeigt, dass die Freiheit als Bürgerin kein Korsett trägt.

Nicht quadratisches Quadrat

Kasimir Malewitsch, „Schwarzer suprematistischer Platz“, 1915.

Tatsächlich ist „Schwarzes Quadrat“ überhaupt nicht schwarz und überhaupt nicht quadratisch: Keine der Seiten des Vierecks ist parallel zu einer seiner anderen Seiten und zu keiner der Seiten des quadratischen Rahmens, der das Bild umrahmt. Und die dunkle Farbe ist das Ergebnis des Mischens verschiedene Farben, unter denen es keinen Schwarzen gab. Es wird angenommen, dass dies nicht die Nachlässigkeit des Autors war, sondern eine prinzipielle Haltung, der Wunsch, eine dynamische, bewegende Form zu schaffen.

Spezialisten der Tretjakow-Galerie entdeckten die Inschrift des Autors auf dem berühmten Gemälde von Malewitsch. Die Inschrift lautet: „Der Kampf der Schwarzen in der dunklen Höhle.“ Dieser Satz bezieht sich auf den Titel des humorvollen Bildes Französischer Journalist, Schriftsteller und Künstler Alphonse Allais, „Die Schlacht der Neger in einer dunklen Höhle mitten in der Nacht“, das ein komplett schwarzes Rechteck war.

Melodrama der österreichischen Mona Lisa

Gustav Klimt, „Porträt der Adele Bloch-Bauer“, 1907.

Eines der bedeutendsten Gemälde Klimts zeigt die Frau des österreichischen Zuckermagnaten Ferdinad Bloch-Bauer. Ganz Wien diskutierte stürmische Romanze Adele und die berühmte Künstlerin. Der verwundete Ehemann wollte sich an seinen Liebhabern rächen, entschied sich aber dafür Auf ungewöhnliche Art und Weise: Er beschloss, bei Klimt ein Porträt von Adele zu bestellen und ihn zu zwingen, Hunderte von Skizzen anzufertigen, bis der Künstler anfing, sich von ihr zu übergeben.

Bloch-Bauer wollte, dass das Werk mehrere Jahre hält, damit der Dargestellte sehen konnte, wie Klimts Gefühle nachließen. Er machte dem Künstler ein großzügiges Angebot, das er nicht ablehnen konnte, und alles verlief nach dem Szenario des betrogenen Mannes: Die Arbeit war in 4 Jahren abgeschlossen, die Liebenden hatten sich längst abgekühlt. Adele Bloch-Bauer wusste nie, dass ihr Mann sich ihrer Beziehung zu Klimt bewusst war.

Das Gemälde, das Gauguin wieder zum Leben erweckte

Paul Gauguin, „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“, 1897-1898.

Am meisten berühmtes Gemälde Gauguin hat eine Besonderheit: Es wird nicht von links nach rechts „gelesen“, sondern von rechts nach links, wie die kabbalistischen Texte, für die sich der Künstler interessierte. In dieser Reihenfolge entfaltet sich die Allegorie des menschlichen geistigen und körperlichen Lebens: von der Geburt der Seele (ein schlafendes Kind in der unteren rechten Ecke) bis zur Unvermeidlichkeit der Stunde des Todes (ein Vogel mit einer Eidechse in den Klauen). in der unteren linken Ecke).

Das Gemälde wurde von Gauguin auf Tahiti gemalt, wo der Künstler mehrmals der Zivilisation entkam. Doch dieses Mal klappte das Leben auf der Insel nicht: Die völlige Armut führte zu einer Depression. Nachdem er das Gemälde fertiggestellt hatte, das sein geistliches Testament werden sollte, nahm Gauguin eine Schachtel Arsen und ging in die Berge, um zu sterben. Allerdings berechnete er die Dosis nicht und der Selbstmord scheiterte. Am nächsten Morgen schwankte er zu seiner Hütte und schlief ein, und als er aufwachte, verspürte er einen vergessenen Lebensdurst. Und im Jahr 1898 begann sich sein Geschäft zu verbessern und eine bessere Zeit für seine Arbeit begann.

112 Sprichwörter auf einem Bild

Pieter Bruegel der Ältere, „Niederländische Sprichwörter“, 1559

Pieter Bruegel der Ältere stellte die von wörtlichen Bildern bewohnte Erde dar Niederländische Sprichwörter diese Tage. Das Gemälde enthält etwa 112 erkennbare Redewendungen. Einige davon werden heute noch verwendet, zum Beispiel: „Schwimmen Sie gegen den Strom“, „schlagen Sie Ihren Kopf gegen die Wand“, „bis an die Zähne bewaffnet“ und „Große Fische fressen kleine Fische“.

Andere Sprichwörter spiegeln die menschliche Dummheit wider.

Subjektivität der Kunst

Paul Gauguin, „Bretonisches Dorf im Schnee“, 1894

Gauguins Gemälde „Bretonisches Dorf im Schnee“ wurde nach dem Tod des Autors für nur sieben Franken und noch dazu unter dem Namen „Niagarafälle“ verkauft. Der Mann, der die Auktion durchführte, hängte das Gemälde versehentlich verkehrt herum auf, weil er darin einen Wasserfall sah.

Verstecktes Bild

Pablo Picasso, „Blaues Zimmer“, 1901

Im Jahr 2008 enthüllte Infrarotstrahlung, dass sich unter dem Blauen Raum ein weiteres Bild verbarg – das Porträt eines Mannes im Anzug mit Fliege, dessen Kopf auf die Hand gestützt war. „Sobald Picasso eine neue Idee hatte, griff er zum Pinsel und erweckte sie zum Leben. Aber er hatte nicht die Möglichkeit, jedes Mal, wenn eine Muse ihn besuchte, eine neue Leinwand zu kaufen“, nennt Kunsthistorikerin Patricia Favero einen möglichen Grund dafür.

Nicht verfügbare Marokkaner

Zinaida Serebryakova, „Nackt“, 1928

Einmal erhielt Zinaida Serebryakova verführerisches Angebot- gehe zu kreative Reise zur Darstellung nackter Figuren orientalischer Jungfrauen. Es stellte sich jedoch heraus, dass es an diesen Orten einfach unmöglich war, Models zu finden. Zinaidas Übersetzer kam zur Rettung – er brachte seine Schwestern und seine Verlobte zu ihr. Niemand zuvor oder danach war in der Lage, orientalische Frauen in Nahaufnahme nackt einzufangen.

Spontane Einsicht

Valentin Serov, „Porträt von Nikolaus II. in einer Jacke“, 1900

Serow konnte lange Zeit kein Porträt des Zaren malen. Als der Künstler völlig aufgab, entschuldigte er sich bei Nikolai. Nikolai war etwas verärgert, setzte sich an den Tisch und streckte die Arme vor sich aus... Und dann dämmerte es dem Künstler – hier ist das Bild! Ein einfacher Militärmann in einer Offiziersjacke mit klaren und traurigen Augen. Dieses Porträt gilt als die beste Darstellung des letzten Kaisers.

Wieder eine Zwei

© Fedor Reshetnikov

Das berühmte Gemälde „Deuce Again“ ist nur der zweite Teil einer künstlerischen Trilogie.

Der erste Teil lautet „Angekommen im Urlaub“. Offensichtlich eine wohlhabende Familie, Winterferien, ein fröhlicher, ausgezeichneter Student.

Der zweite Teil ist „Deuce Again“. Eine arme Familie aus der Arbeiterklasse, auf dem Höhepunkt des Schuljahres, ein niedergeschlagener Idiot, der wieder eine schlechte Note bekam. In der oberen linken Ecke ist das Gemälde „Arrived for Vacation“ zu sehen.

Der dritte Teil ist „Nachprüfung“. Landhaus, Sommer, alle gehen, ein bösartiger Ignorant, der die jährliche Prüfung nicht bestanden hat, wird gezwungen, in seinen vier Wänden zu sitzen und zu stopfen. In der oberen linken Ecke ist das Gemälde „Deuce Again“ zu sehen.

Wie Meisterwerke entstehen

Joseph Turner, Regen, Dampf und Geschwindigkeit, 1844

Im Jahr 1842 reiste Frau Simon mit dem Zug durch England. Plötzlich setzte ein heftiger Regenguss ein. Der ihr gegenüber sitzende ältere Herr stand auf, öffnete das Fenster, streckte den Kopf hinaus und starrte etwa zehn Minuten lang. Die Frau konnte ihre Neugier nicht zurückhalten, öffnete auch das Fenster und begann nach vorne zu schauen. Ein Jahr später entdeckte sie auf einer Ausstellung in der Royal Academy of Arts das Gemälde „Rain, Steam and Speed“ und konnte darin dieselbe Episode im Zug erkennen.

Anatomie-Lektion von Michelangelo

Michelangelo, „Die Erschaffung Adams“, 1511

Zwei amerikanische Neuroanatomie-Experten glauben, dass Michelangelo tatsächlich einige anatomische Illustrationen in einem seiner größten Werke hinterlassen hat Berühmte Werke. Sie glauben, dass die rechte Seite des Gemäldes ein riesiges Gehirn darstellt. Überraschenderweise lassen sich sogar komplexe Bestandteile finden, etwa das Kleinhirn, die Sehnerven und die Hypophyse. Und das auffällige grüne Band passt perfekt zur Lage der Wirbelarterie.

„Das letzte Abendmahl“ von Van Gogh

Vincent Van Gogh, Caféterrasse bei Nacht, 1888

Der Forscher Jared Baxter glaubt, dass Van Goghs Gemälde „Caféterrasse bei Nacht“ eine verschlüsselte Widmung an Leonardo da Vincis „Letztes Abendmahl“ enthält. In der Bildmitte steht ein Kellner mit lange Haare und in einer weißen Tunika, die an die Kleidung Christi erinnert, und um ihn herum sind genau 12 Cafébesucher. Baxter macht auch auf das Kreuz aufmerksam, das sich direkt hinter dem Kellner in Weiß befindet.

Dalis Bild der Erinnerung

Salvador Dali, „Die Beständigkeit der Erinnerung“, 1931

Es ist kein Geheimnis, dass die Gedanken, die Dali bei der Entstehung seiner Meisterwerke besuchten, stets in Form sehr realistischer Bilder vorlagen, die der Künstler dann auf die Leinwand übertrug. So entstand nach Angaben des Autors selbst das Gemälde „Die Beständigkeit der Erinnerung“ als Ergebnis von Assoziationen, die beim Betrachten entstanden Schmelzkäse.

Worüber schreit Munch?

Edvard Munch, „Der Schrei“, 1893.

Munch sprach über die Idee eines der geheimnisvollsten Gemälde der Weltmalerei: „Ich ging mit zwei Freunden einen Weg entlang – die Sonne ging unter – plötzlich wurde der Himmel blutrot, ich hielt inne, fühlte mich erschöpft und lehnte mich dagegen.“ den Zaun – ich sah Blut und Flammen über dem bläulich-schwarzen Fjord und der Stadt – meine Freunde zogen weiter, und ich stand zitternd vor Aufregung und spürte, wie die endlosen Schreie die Natur durchdrangen.“ Aber welcher Sonnenuntergang könnte den Künstler so sehr erschrecken?

Es gibt eine Version, dass die Idee zu „Der Schrei“ Munch im Jahr 1883 geboren wurde, als es zu mehreren gewaltigen Ausbrüchen des Krakatau-Vulkans kam – so heftig, dass sie die Temperatur der Erdatmosphäre um ein Grad veränderten. Überall verteilen sich große Mengen Staub und Asche zum Globus und erreichte sogar Norwegen. Mehrere Abende hintereinander wirkten die Sonnenuntergänge, als stünde die Apokalypse bevor – einer davon wurde zur Inspirationsquelle für den Künstler.

Ein Schriftsteller unter den Menschen

Alexander Ivanov, „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“, 1837-1857.

Dutzende Models posierten für Alexander Iwanow Hauptbild. Einer von ihnen ist nicht weniger bekannt als der Künstler selbst. Im Hintergrund ist zwischen Reisenden und römischen Reitern, die die Predigt Johannes des Täufers noch nicht gehört haben, eine Figur in einer Gewandtunika zu sehen. Ivanov hat es von Nikolai Gogol geschrieben. Der Schriftsteller stand in Italien in engem Kontakt mit dem Künstler, insbesondere in religiösen Fragen, und gab ihm während des Malprozesses Ratschläge. Gogol glaubte, dass Iwanow „seit langem für die ganze Welt gestorben ist, außer für sein Werk“.

Michelangelos Gicht

Raphael Santi, „Die Schule von Athen“, 1511.

Raffael schuf das berühmte Fresko „Die Schule von Athen“ und verewigte seine Freunde und Bekannten in den Bildern antiker griechischer Philosophen. Einer von ihnen war Michelangelo Buonarotti „in der Rolle“ des Heraklit. Mehrere Jahrhunderte lang bewahrte das Fresko Geheimnisse aus Michelangelos Privatleben, und moderne Forscher vermuten, dass das seltsam eckige Knie des Künstlers darauf hindeutet, dass er an einer Gelenkerkrankung litt.

Dies ist angesichts der Besonderheiten des Lebensstils und der Arbeitsbedingungen von Renaissance-Künstlern und Michelangelos chronischer Arbeitssucht durchaus wahrscheinlich.

Spiegel des Ehepaares Arnolfini

Jan van Eyck, „Bildnis des Ehepaares Arnolfini“, 1434

Im Spiegel hinter dem Ehepaar Arnolfini sieht man das Spiegelbild zweier weiterer Personen im Raum. Höchstwahrscheinlich handelt es sich hierbei um Zeugen, die beim Vertragsabschluss anwesend waren. Einer von ihnen ist van Eyck, wie die entgegen der Tradition über dem Spiegel in der Mitte der Komposition angebrachte lateinische Inschrift beweist: „Jan van Eyck war hier.“ Auf diese Weise wurden üblicherweise Verträge besiegelt.

Wie aus einem Nachteil ein Talent wurde

Rembrandt Harmens van Rijn, Selbstporträt im Alter von 63 Jahren, 1669.

Die Forscherin Margaret Livingston untersuchte alle Selbstporträts von Rembrandt und stellte fest, dass der Künstler an Schielen litt: Auf den Bildern schauen seine Augen in verschiedene Richtungen, was der Meister in den Porträts anderer Menschen nicht beobachtet. Die Krankheit führte dazu, dass der Künstler die Realität zweidimensional besser wahrnehmen konnte als Menschen mit normalem Sehvermögen. Dieses Phänomen wird „Stereoblindheit“ genannt – die Unfähigkeit, die Welt in 3D zu sehen. Da der Maler jedoch mit einem zweidimensionalen Bild arbeiten muss, könnte genau dieser Fehler Rembrandts eine Erklärung für sein phänomenales Talent sein.

Sündenlose Venus

Sandro Botticelli, „Geburt der Venus“, 1482-1486.

Vor dem Erscheinen der „Geburt der Venus“ das Bild einer Nackten Weiblicher Körper in der Malerei symbolisierte es nur die Idee der Erbsünde. Sandro Botticelli war der erste europäische Maler, der nichts Sündhaftes an ihm fand. Darüber hinaus sind sich Kunsthistoriker sicher, dass das Fresko die heidnische Liebesgöttin symbolisiert Christliches Bild: Ihr Aussehen ist eine Allegorie der Wiedergeburt einer Seele, die den Ritus der Taufe durchlaufen hat.

Lautenspieler oder Lautenspieler?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Der Lautenspieler“, 1596.

Das Gemälde wurde lange Zeit in der Eremitage unter dem Titel „Der Lautenspieler“ ausgestellt. Erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren sich Kunsthistoriker einig, dass das Gemälde einen jungen Mann darstellt (wahrscheinlich posierte Caravaggios Bekannter, der Künstler Mario Minniti): Auf den Noten vor dem Musiker ist eine Aufnahme des Basses zu sehen Zeile aus Jacob Arkadelts Madrigal „Du weißt, dass ich dich liebe“. Eine Frau könnte eine solche Wahl kaum treffen – es liegt einfach im Hals. Darüber hinaus galt die Laute, ebenso wie die Geige am äußersten Bildrand, zu Caravaggios Zeit als männliches Instrument.

Die berühmtesten und bedeutendsten Gemälde der Welt für die Kunstgeschichte als Inspiration.

Die unsterblichen Gemälde großer Künstler werden von Millionen Menschen bewundert. Kunst, ob klassisch oder modern, ist eine der wichtigsten Quellen der Inspiration, des Geschmacks und der kulturellen Bildung eines jeden Menschen, und noch mehr eine kreative.

Es gibt sicherlich mehr als 33 weltberühmte Gemälde. Es sind mehrere Hundert davon, und sie würden nicht alle in eine Rezension passen. Aus Gründen der Übersichtlichkeit haben wir daher einige ausgewählt, die für die Weltkultur am bedeutendsten sind und oft kopiert werden. Jedes Werk wird begleitet interessante Tatsache, Erläuterung künstlerische Bedeutung oder die Geschichte seiner Entstehung.

Raffael „Sixtinische Madonna“ 1512

Wird in der Galerie Alte Meister in Dresden aufbewahrt.

Das Gemälde hat kleines Geheimnis: Der Hintergrund, der aus der Ferne wie Wolken aussieht, entpuppt sich bei näherer Betrachtung als Engelsköpfe. Und die beiden im Bild unten dargestellten Engel wurden zum Motiv zahlreicher Postkarten und Plakate.

Rembrandt „Nachtwache“ 1642

Wird im Rijksmuseum in Amsterdam aufbewahrt.

Der wahre Titel von Rembrandts Gemälde lautet „Der Auftritt der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenburg“. Kunsthistoriker, die das Gemälde im 19. Jahrhundert entdeckten, glaubten, dass sich die Figuren von einem dunklen Hintergrund abhoben, und nannten es „Nachtwache“. Später wurde das entdeckt dunkles Bild Es entsteht eine Rußschicht, die eigentliche Aktion findet jedoch tagsüber statt. Unter dem Namen „Nachtwache“ wurde das Gemälde jedoch bereits in die Schatzkammer der Weltkunst aufgenommen.

Leonardo da Vinci „Das letzte Abendmahl“ 1495-1498

Befindet sich im Kloster Santa Maria delle Grazie in Mailand.

Im Laufe der mehr als 500-jährigen Geschichte des Werkes wurde das Fresko mehr als einmal zerstört: Eine Tür wurde durch das Gemälde geschnitten und dann blockiert, das Refektorium des Klosters, in dem sich das Bild befindet, wurde als Waffenkammer, als Gefängnis genutzt und wurde bombardiert. Das berühmte Fresko wurde mindestens fünf Mal restauriert, wobei die letzte Restaurierung 21 Jahre dauerte. Um die Kunst zu besichtigen, müssen Besucher heute Tickets im Voraus reservieren und können nur 15 Minuten im Refektorium verbringen.

Salvador Dali „Die Beständigkeit der Erinnerung“ 1931

Laut dem Autor selbst entstand das Gemälde aufgrund der Assoziationen, die Dali mit dem Anblick von Schmelzkäse hatte. Als sie aus dem Kino zurückkehrte, in das sie an diesem Abend ging, sagte Gala völlig richtig voraus, dass niemand es vergessen würde, wenn er „The Persistence of Memory“ einmal gesehen hätte.

Pieter Bruegel der Ältere „Turm zu Babel“ 1563

Wird im Kunsthistorischen Museum in Wien aufbewahrt.

Laut Bruegel war es das Scheitern des Baus Turm von Babylon, sind nicht des plötzlichen Auftretens schuldig biblische Geschichte Sprachbarrieren und Fehler während des Bauprozesses. Auf den ersten Blick scheint das riesige Bauwerk recht stabil zu sein, doch bei näherer Betrachtung wird deutlich, dass alle Etagen ungleichmäßig verlegt sind, die unteren Stockwerke entweder unfertig sind oder bereits einstürzen, das Gebäude selbst neigt sich zur Stadt hin, und die Aussichten für Das gesamte Projekt ist sehr traurig.

Kasimir Malewitsch „Schwarzes Quadrat“ 1915

Nach Angaben des Künstlers hat er das Bild mehrere Monate lang gemalt. Anschließend fertigte Malewitsch mehrere Kopien des „Schwarzen Quadrats“ an (einigen Quellen zufolge sieben). Einer Version zufolge konnte der Künstler das Gemälde nicht rechtzeitig fertigstellen, sodass er das Werk mit schwarzer Farbe überdecken musste. Anschließend malte Malewitsch nach öffentlicher Anerkennung neue „Schwarze Quadrate“ auf leere Leinwände. Malewitsch malte auch „Rotes Quadrat“ (in zwei Exemplaren) und ein „Weißes Quadrat“.

Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin „Das rote Pferd baden“ 1912

Befindet sich im Staat Tretjakow-Galerie in Moskau.

Das 1912 entstandene Gemälde erwies sich als visionär. Das rote Pferd stellt das Schicksal Russlands oder Russlands selbst dar, das der zerbrechliche und junge Reiter nicht ertragen kann. So sagte der Künstler mit seinem Gemälde symbolisch das „rote“ Schicksal Russlands im 20. Jahrhundert voraus.

Peter Paul Rubens „Der Raub der Töchter des Leukipp“ 1617-1618

Aufbewahrt in der Alten Pinakothek in München.

Das Gemälde „Der Raub der Töchter des Leukipp“ gilt als Verkörperung männlicher Leidenschaft und körperlicher Schönheit. Die starken, muskulösen Arme junger Männer heben junge nackte Frauen hoch, um sie auf Pferde zu setzen. Die Söhne von Zeus und Leda stehlen die Bräute ihrer Cousins.

Paul Gauguin „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“ 1898

Im Museum aufbewahrt Bildende Kunst In Boston.

Laut Gauguin selbst sollte das Gemälde von rechts nach links gelesen werden – drei Hauptfigurengruppen veranschaulichen die im Titel gestellten Fragen. Drei Frauen mit einem Kind stellen den Beginn des Lebens dar; Mittelgruppe symbolisiert die tägliche Existenz der Reife; In der letzten Gruppe, so der Plan des Künstlers, „scheint die alte Frau, die sich dem Tod nähert, versöhnt und ihren Gedanken ergeben“, zu ihren Füßen „ein seltsamer weißer Vogel ... repräsentiert die Nutzlosigkeit von Worten.“

Eugene Delacroix „Die Freiheit führt das Volk“ 1830

Im Louvre in Paris aufbewahrt

Delacroix schuf ein Gemälde basierend auf Julirevolution 1830 in Frankreich. In einem Brief an seinen Bruder vom 12. Oktober 1830 schreibt Delacroix: „Wenn ich nicht für mein Vaterland gekämpft habe, dann werde ich zumindest dafür schreiben.“ Die nackten Brüste einer das Volk führenden Frau symbolisieren die Hingabe des damaligen französischen Volkes, das mit „ mit nacktem Oberkörper„Wir gingen auf den Feind zu.

Claude Monet „Impression. Aufgehende Sonne“ 1872

Wird im Marmottan-Museum in Paris aufbewahrt.

Der Titel des Werks „Impression, soleil levant“ wurde mit der leichten Hand des Journalisten L. Leroy zum Namen der künstlerischen Bewegung „Impressionismus“. Das Gemälde wurde nach dem Leben im alten Hafen von Le Havre in Frankreich gemalt.

Jan Vermeer „Mädchen mit Perlenohrring“ 1665

Wird in der Mauritshuis-Galerie in Den Haag aufbewahrt.

Eines der berühmtesten Gemälde Niederländischer Künstler Johannes Vermeer wird oft als die nordische oder niederländische Mona Lisa bezeichnet. Über das Gemälde ist sehr wenig bekannt: Es ist undatiert und der Name des abgebildeten Mädchens ist unbekannt. In 2003 gleichnamiger Roman Tracy Chevalier wurde gefilmt Spielfilm„Mädchen mit Perlenohrring“, in dem die Entstehungsgeschichte des Gemäldes im Kontext von Biografie und hypothetisch wiederhergestellt wird Familienleben Vermeer.

Ivan Aivazovsky „Die neunte Welle“ 1850

Wird in St. Petersburg im Staatlichen Russischen Museum aufbewahrt.

Ivan Aivazovsky ist ein weltberühmter russischer Marinemaler, der sein Leben der Darstellung des Meeres gewidmet hat. Er schuf etwa sechstausend Werke, von denen jedes zu Lebzeiten des Künstlers Anerkennung fand. Das Gemälde „Die neunte Welle“ ist im Buch „100 Great Paintings“ enthalten.

Andrey Rublev „Dreifaltigkeit“ 1425-1427

Die Ikone der Heiligen Dreifaltigkeit, gemalt von Andrei Rublev im 15. Jahrhundert, ist eine der berühmtesten russischen Ikonen. Das Symbol ist eine Tafel im Hochformat. Die Könige (Iwan der Schreckliche, Boris Godunow, Michail Fedorovich) „überzogen“ die Ikone mit Gold, Silber und Edelsteine. Heute wird das Gehalt im Sergiev Posad State Museum-Reserve aufbewahrt.

Mikhail Vrubel „Sitzender Dämon“ 1890

Wird in der Tretjakow-Galerie in Moskau aufbewahrt.

Die Handlung des Films ist von Lermontovs Gedicht „Der Dämon“ inspiriert. Der Dämon ist ein Bild der Stärke des menschlichen Geistes, des inneren Kampfes und des Zweifels. Tragischerweise die Hände gefaltet, sitzt der Dämon mit traurigen, großen Augen in die Ferne gerichtet, umgeben von beispiellosen Blumen.

William Blake „Der große Architekt“ 1794

Gespeichert in Britisches Museum in London.

Der Titel des Gemäldes „The Ancient of Days“ bedeutet wörtlich aus dem Englischen „Ancient of Days“. Dieser Satz wurde als Name Gottes verwendet. Hauptfigur Die Bilder zeigen Gott im Moment der Schöpfung, der keine Ordnung schafft, sondern die Freiheit einschränkt und die Grenzen der Vorstellungskraft aufzeigt.

Edouard Manet „Bar im Folies Bergere“ 1882

Wird im Courtauld Institute of Art in London aufbewahrt.

Das Folies Bergere ist eine Varieté- und Kabarettshow in Paris. Manet besuchte die Folies Bergère oft und malte schließlich dieses Gemälde, sein letztes vor seinem Tod im Jahr 1883. Hinter der Bar, inmitten einer Menge trinkender, essender, redender und rauchender Menschen, steht eine Barkeeperin in Gedanken versunken und beobachtet den Trapezakrobaten, der in der oberen linken Bildecke zu sehen ist.

Tizian „Irdische Liebe und himmlische Liebe“ 1515-1516

Aufbewahrt in der Galleria Borghese in Rom.

Bemerkenswert ist, dass der moderne Name des Gemäldes nicht vom Künstler selbst gegeben wurde, sondern erst zwei Jahrhunderte später verwendet wurde. Bis zu diesem Zeitpunkt trug das Gemälde verschiedene Titel: „Schönheit, verschönert und schmucklos“ (1613), „Drei Arten von Liebe“ (1650), „Göttliche und weltliche Frauen“ (1700) und schließlich „Irdische und himmlische Liebe“. Liebe“ (1792 und 1833).

Mikhail Nesterov „Vision für den jungen Bartholomäus“ 1889-1890

Wird in der Staatlichen Tretjakow-Galerie in Moskau aufbewahrt.

Das erste und bedeutendste Werk aus dem Sergius von Radonesch gewidmeten Zyklus. Bis an sein Lebensende war der Künstler davon überzeugt, dass „Vision to the Youth Bartholomew“ sein bestes Werk sei. Im Alter wiederholte der Künstler gern: „Der junge Bartholomäus wird nicht leben, wenn er dreißig, fünfzig Jahre nach meinem Tod noch etwas zu den Menschen sagt, dann ist er am Leben.“ Ich lebe auch“

Pieter Bruegel der Ältere „Gleichnis vom Blinden“ 1568

Wird im Capodimonte-Museum in Neapel aufbewahrt.

Weitere Titel des Gemäldes sind „Der Blinde“, „Parabel des Blinden“, „Der Blinde führt den Blinden“. Es wird angenommen, dass die Handlung des Films auf dem biblischen Gleichnis vom Blinden basiert: „Wenn ein Blinder einen Blinden führt, werden beide in eine Grube fallen.“

Viktor Wasnezow „Aljonuschka“ 1881

Wird in der Staatlichen Tretjakow-Galerie aufbewahrt.

Es basiert auf dem Märchen „Über Schwester Aljonuschka und Bruder Iwanuschka“. Ursprünglich hieß Wasnezows Gemälde „Der Narr Aljonuschka“. Damals wurden Waisenkinder „Narren“ genannt. „Alyonushka“, sagte der Künstler selbst später, „ schien schon lange in meinem Kopf zu leben, aber in Wirklichkeit sah ich sie in Achtyrka, als ich ein einfachhaariges Mädchen traf, das meine Fantasie anregte , Einsamkeit und rein russische Traurigkeit in ihren Augen ... Ein besonderer russischer Geist ging von ihr aus.“

Vincent van Gogh „Sternennacht“ 1889

Wird im Museum of Modern Art in New York aufbewahrt.

Im Gegensatz zu den meisten Gemälden des Künstlers „ Sternennacht„wurde aus dem Gedächtnis geschrieben. Van Gogh lag zu dieser Zeit im Krankenhaus Saint-Rémy und wurde von Wahnsinnsanfällen geplagt.

Karl Bryullov „Der letzte Tag von Pompeji“ 1830-1833

Wird im Staatlichen Russischen Museum in St. Petersburg aufbewahrt.

Das Gemälde zeigt den berühmten Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr. e. und die Zerstörung der Stadt Pompeji in der Nähe von Neapel. Das Bild des Künstlers in der linken Ecke des Gemäldes ist ein Selbstporträt des Autors.

Pablo Picasso „Mädchen auf einem Ball“, 1905

Gespeichert in Puschkin-Museum, Moskau

Das Gemälde gelangte dank des Industriellen Iwan Abramowitsch Morosow nach Russland, der es 1913 für 16.000 Franken kaufte. Im Jahr 1918 wurde die persönliche Sammlung von I. A. Morozov verstaatlicht. IN momentan Das Gemälde befindet sich in der Sammlung Landesmuseum Bildende Kunst benannt nach A.S. Puschkin.

Leonardo da Vinci „Madonna Litta“ 1491

In der Eremitage in St. Petersburg aufbewahrt.

Der ursprüngliche Titel des Gemäldes war „Madonna mit Kind“. Der moderne Name des Gemäldes leitet sich vom Namen seines Besitzers ab – Graf Litta, Besitzer der Familienkunstgalerie in Mailand. Es besteht die Vermutung, dass die Figur des Babys nicht von Leonardo da Vinci gemalt wurde, sondern zum Pinsel eines seiner Schüler gehört. Davon zeugt die für den Stil des Autors ungewöhnliche Pose des Babys.

Jean Ingres „Türkische Bäder“ 1862

Im Louvre in Paris aufbewahrt.

Ingres beendete das Malen dieses Bildes, als er bereits über 80 Jahre alt war. Mit diesem Gemälde bringt der Künstler das Bild der Badegäste auf den Punkt, dessen Thema in seinem Werk seit langem präsent ist. Ursprünglich hatte die Leinwand die Form eines Quadrats, doch ein Jahr nach ihrer Fertigstellung verwandelte der Künstler sie in ein rundes Gemälde – ein Tondo.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky „Morgen im Kiefernwald“ 1889

In der Tretjakow-Galerie in Moskau aufbewahrt

„Morgen drin Kiefernwald"- Gemälde der russischen Künstler Ivan Shishkin und Konstantin Savitsky. Savitsky malte die Bären, aber der Sammler Pavel Tretyakov löschte seine Unterschrift, als er das Gemälde erwarb, sodass nun allein Shishkin als Autor des Gemäldes angegeben wird.

Michail Vrubel „Die Schwanenprinzessin“ 1900

In der Staatlichen Tretjakow-Galerie aufbewahrt

Das Bild basiert auf Bühnenbild die Heldin von N. A. Rimsky-Korsakovs Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“, basierend auf der Handlung des gleichnamigen Märchens von A. S. Puschkin. Für die Uraufführung der Oper im Jahr 1900 fertigte Vrubel Skizzen für das Bühnenbild und die Kostüme an, und seine Frau sang die Rolle der Schwanenprinzessin.

Giuseppe Arcimboldo „Bildnis Kaiser Rudolfs II. als Vertumnus“ 1590

Befindet sich im Schloss Skokloster in Stockholm.

Eines der wenigen erhaltenen Werke des Künstlers, der Porträts aus Früchten, Gemüse, Blumen, Krebstieren, Fischen, Perlen, Musik- und anderen Instrumenten, Büchern usw. komponierte. „Vertumnus“ ist ein Porträt des Kaisers, dargestellt als altrömischer Gott der Jahreszeiten, der Vegetation und der Transformation. Auf dem Bild besteht Rudolph ausschließlich aus Früchten, Blumen und Gemüse.

Edgar Degas „Blaue Tänzer“ 1897

Befindet sich im Kunstmuseum. A. S. Puschkin in Moskau.

Degas war ein großer Ballettfan. Er wird der Künstler der Ballerinas genannt. Das Werk „Blue Dancers“ bezieht sich auf späte Periode Degas‘ Werk, als sein Sehvermögen nachließ und er begann, in großen Farbflecken zu arbeiten, wobei er der dekorativen Gestaltung der Bildoberfläche oberste Priorität einräumte.

Leonardo da Vinci „Mona Lisa“ 1503-1505

Im Louvre, Paris aufbewahrt.

Die Mona Lisa hätte möglicherweise keinen weltweiten Ruhm erlangt, wenn sie nicht 1911 von einem Mitarbeiter des Louvre gestohlen worden wäre. Das Gemälde wurde zwei Jahre später in Italien gefunden: Der Dieb antwortete auf eine Anzeige in der Zeitung und bot dem Direktor der Uffizien-Galerie an, „Gioconda“ zu verkaufen. Die ganze Zeit über, während die Ermittlungen liefen, verließ die „Mona Lisa“ nicht die Titelseiten von Zeitungen und Zeitschriften auf der ganzen Welt und wurde zum Objekt des Kopierens und der Verehrung.

Sandro Botticelli „Geburt der Venus“ 1486

Wird in Florenz in den Uffizien aufbewahrt

Das Gemälde illustriert den Mythos von der Geburt der Aphrodite. Eine nackte Göttin schwimmt in einer offenen Muschel, vom Wind getrieben, ans Ufer. Auf der linken Seite des Gemäldes bläst Zephyr (der Westwind) in den Armen seiner Frau Chloris auf eine Muschel und erzeugt so einen mit Blumen gefüllten Wind. Am Ufer wird die Göttin von einer der Grazien empfangen. Die Geburt der Venus ist gut erhalten, da Botticelli das Gemälde mit einer schützenden Schicht Eigelb überzog.

Michelangelo „Erschaffung Adams“ 1511

Befindet sich in der Sixtinischen Kapelle im Vatikan.

Großartige Kunstwerke aus der Hand großer Meister können selbst Menschen überraschen, denen Kunst wenig bedeutet. Deshalb gehören weltberühmte Museen zu den beliebtesten Attraktionen und ziehen jedes Jahr Millionen von Besuchern an.

Um sich von der Vielzahl der im Laufe der Kunstgeschichte geschriebenen Gemälde abzuheben, braucht der Künstler nicht nur Talent, sondern auch die Fähigkeit, eine einzigartige Handlung auf ungewöhnliche und für seine Zeit sehr relevante Weise auszudrücken.

Die unten präsentierten Gemälde verkünden lautstark nicht nur das Talent ihrer Autoren, sondern auch die zahlreichen kulturellen Trends, die gekommen und gegangen sind, und die wichtigsten historische Ereignisse die sich seit jeher in der Kunst widerspiegeln.

„Geburt der Venus“

Dieses Gemälde des großen Renaissance-Meisters Sandro Botticelli zeigt den Moment, in dem die wunderschöne Venus aus dem Meeresschaum auftaucht. Einer der attraktivsten Aspekte des Gemäldes ist die bescheidene Haltung der Göttin und ihr schlichtes, aber schönes Gesicht.

„Hunde spielen Poker“

Die 1903 von Cassius Coolidge gemalte Serie von 16 Gemälden zeigt Hunde, die sich um einen Kaffee- oder Spieltisch versammelt haben und Poker spielen. Viele Kritiker erkennen diese Gemälde als die kanonische Darstellung der Amerikaner dieser Zeit an.

Porträt von Madame Recamier

Dieses von Jacques-Louis David gemalte Porträt zeigt einen brillanten Prominenten in einer kontrastierenden minimalistischen und einfachen Umgebung, einfach gekleidet weißes Kleid ohne Ärmel. Dies ist ein eindrucksvolles Beispiel für den Neoklassizismus in der Porträtkunst.

№5

Dieses berühmte Gemälde von Jackson Pollock ist sein ikonischstes Werk, das das Chaos, das in Pollocks Seele und Geist tobte, anschaulich darstellt. Dies ist eines der meisten teure Arbeit jemals von einem amerikanischen Künstler verkauft.

"Sohn eines Mannes"

„Son of Man“, geschrieben von Rene Magritte, ist eine Art Selbstporträt, das den Künstler selbst im schwarzen Anzug zeigt, aber mit einem Apfel statt einem Gesicht.

„Nummer 1“ („Königliches Rot und Blau“)

Dieses relativ neue Werk, gemalt von Mark Rothko, besteht nichts weiter als Pinselstriche in drei verschiedenen Farbtönen auf Leinwand. selbstgemacht. Das Gemälde ist derzeit im Art Institute of Chicago ausgestellt.

„Massaker an den Unschuldigen“

Basierend auf der biblischen Geschichte der Ermordung unschuldiger Babys in Bethlehem schuf Peter Paul Rubens dieses unheimliche und grausame Gemälde, das die Emotionen jedes Betrachters berührt.

„Sonntagnachmittag auf der Insel La Grande Jatte“

Dieses von Georges Seurat entworfene, einzigartige und sehr beliebtes Gemälde zeigt eine entspannte Wochenendatmosphäre in große Stadt. Dieses Gemälde ist ein hervorragendes Beispiel für den Pointillismus, der viele Punkte zu einem Ganzen vereint.

"Tanzen"

„Der Tanz“ von Henri Matisse ist ein Beispiel für einen Stil namens Fauvismus, der sich durch leuchtende, fast unnatürliche Farben und Formen sowie eine hohe Dynamik auszeichnet.

„Amerikanische Gotik“

„American Gothic“ ist ein Kunstwerk, das das Bild der Amerikaner während der Weltwirtschaftskrise perfekt symbolisiert. In diesem Gemälde stellte Grant Wood ein strenges, wahrscheinlich religiöses Paar dar, das vor ihm stand einfaches Haus mit Fenstern im gotischen Stil.

„Blumenlader“

Dieses Gemälde des berühmtesten mexikanischen Malers des 20. Jahrhunderts, Diego Rivera, zeigt einen Mann, der darum kämpft, einen Korb voller leuchtender tropischer Blumen auf dem Rücken zu tragen.

„Whistlers Mutter“

Auch bekannt als „Ein Arrangement in Grau und Schwarz. Die Mutter des Künstlers“, ist dies eines der berühmtesten Gemälde des amerikanischen Künstlers James Whistler. Auf diesem Gemälde stellte Whistler seine Mutter dar, wie sie auf einem Stuhl vor einer grauen Wand saß. Das Gemälde verwendet ausschließlich Schwarz- und Grautöne.

"Die Beständigkeit der Erinnerung"

Dies ist ein ikonisches Werk des nicht weniger ikonischen Salvador Dali, des weltberühmten spanischen Surrealisten, der diese Bewegung an die Spitze der Kunst brachte.

Porträt von Dora Maar

Pablo Picasso ist einer der beliebtesten und einflussreichsten spanischen Maler. Er ist der Begründer eines zu seiner Zeit aufsehenerregenden Stils, des Kubismus, der versucht, jeden Gegenstand zu fragmentieren und ihn durch klare geometrische Formen darzustellen. Dieses Gemälde ist das erste Porträt im kubistischen Stil.

„Porträt eines Künstlers ohne Bart“

Dieses Gemälde von Van Gogh ist ein Selbstporträt und einzigartig, da es den Künstler ohne den üblichen Bart zeigt. Darüber hinaus ist dies eines der wenigen Gemälde von Van Gogh, die an Privatsammlungen verkauft wurden.

„Nachtcafé-Terrasse“

Dieses von Vincent van Gogh gemalte Gemälde stellt einen vertrauten Anblick auf völlig neue Weise dar und verwendet überraschend lebendige Farben und ungewöhnliche Formen.

„Komposition VIII“

Als Gründer gilt Wassily Kandinsky abstrakte Kunst– ein Stil, der Formen und Symbole anstelle bekannter Objekte und Personen verwendet. „Komposition VIII“ ist eines der ersten ausschließlich in diesem Stil entstandenen Gemälde des Künstlers.

"Kuss"

Dieses Gemälde ist eines der ersten Kunstwerke im Jugendstil und fast ausschließlich in Goldtönen gehalten. Das Gemälde von Gustav Klimt ist eines der markantesten Werke dieses Stils.

„Ball in der Moulin de la Galette“

Das Gemälde von Pierre Auguste Renoir ist eine lebendige und dynamische Darstellung des Stadtlebens. Darüber hinaus ist dies eines der teuersten Gemälde der Welt.

„Olympia“

Mit dem Gemälde „Olympia“ schuf Edouard Manet einen echten Widerspruch, fast einen Skandal, denn eine nackte Frau mit Blick ist eindeutig eine Geliebte, die nicht von Mythen verschleiert wird Klassik. Dies ist einer der frühe Arbeiten im Stil des Realismus.

„Dritter Mai 1808 in Madrid“

In diesem Werk schilderte Francisco Goya den Angriff Napoleons auf die Spanier. Dies ist einer der ersten spanische Gemälde die den Krieg in einem negativen Licht erscheinen lassen.

„Las Meninas“

Das berühmteste Gemälde von Diego Velázquez zeigt die fünfjährige Infantin Margarita vor dem Hintergrund von Velázquez‘ Porträt ihrer Eltern.

„Porträt des Ehepaares Arnolfini“

Dieses Gemälde ist eines der ältesten Werke der Malerei. Es wurde von Jan van Eyck gemalt und zeigt den italienischen Geschäftsmann Giovanni Arnolfini und seine schwangere Frau in ihrem Haus in Brügge.

"Schrei"

Ein Gemälde des norwegischen Künstlers Edvard Munch zeigt das vor Angst verzerrte Gesicht eines Mannes vor einem blutroten Himmel. Die Landschaft im Hintergrund trägt zum dunklen Charme dieses Gemäldes bei. Darüber hinaus ist „Der Schrei“ eines der ersten Gemälde im Stil des Expressionismus, bei dem der Realismus auf ein Minimum reduziert wird, um mehr Freiheit für Emotionen zu ermöglichen.

"Wasserlilien"

„Seerosen“ von Claude Monet ist Teil einer Serie von 250 Gemälden, die Elemente aus dem eigenen Garten des Künstlers darstellen. Diese Gemälde werden in verschiedenen Ausstellungen ausgestellt Kunstmuseen Frieden.

„Sternennacht“

Van Goghs „Sternennacht“ ist eines der berühmtesten Bilder der Welt moderne Kultur. Es ist derzeit im Museum of Modern Art in New York ausgestellt.

„Der Fall des Ikarus“

Dieses Gemälde, gemalt Niederländischer Künstler Pieter Bruegel zeigt die Gleichgültigkeit des Menschen gegenüber dem Leid seiner Nachbarn. Stark soziales Thema hier ganz dargestellt auf einfache Weise, wobei das Bild von Ikarus verwendet wird, der unter Wasser ertrinkt und die Menschen sein Leiden ignorieren.

„Die Erschaffung Adams“

Die Erschaffung Adams ist eines von mehreren prächtigen Fresken von Michelangelo, die die Decke der Sixtinischen Kapelle im Vatikanischen Palast schmücken. Es zeigt die Erschaffung Adams. Neben der idealen Darstellung menschliche Formen Das Fresko ist einer der ersten Versuche der Kunstgeschichte, Gott darzustellen.

"Das letzte Abendmahl"

Dieses Fresko des großen Leonardo zeigt das letzte Abendmahl Jesu vor seinem Verrat, seiner Verhaftung und seinem Tod. Neben Komposition, Formen und Farben gibt es in den Diskussionen zu diesem Fresko auch viele Theorien darüber versteckte Symbole und die Anwesenheit von Maria Magdalena neben Jesus.

„Guernica“

Picassos Guernica schildert die Explosion der gleichnamigen spanischen Stadt während der Spanier Bürgerkrieg. Das - Schwarz-Weiß-Malerei, die Faschismus, Nationalsozialismus und ihre Ideen negativ darstellen.

"Das Mädchen mit dem Perlenohrring"

Dieses Gemälde von Johannes Vermeer wird oft als niederländische Mona Lisa bezeichnet, nicht nur wegen seiner außerordentlichen Beliebtheit, sondern auch, weil der Gesichtsausdruck des Mädchens schwer einzufangen und zu erklären ist.

„Enthauptung Johannes des Täufers“

Caravaggios Gemälde zeigt sehr realistisch den Moment der Ermordung Johannes des Täufers im Gefängnis. Das Halbdunkel des Gemäldes und die Mimik seiner Figuren machen es zu einem wahren klassischen Meisterwerk.

„Die Nachtwache“

„Die Nachtwache“ ist eines der berühmtesten Gemälde Rembrandts. Es zeigt ein Gruppenbild einer von ihren Offizieren geführten Schützenkompanie. Ein einzigartiger Aspekt des Gemäldes ist das Halbdunkel, das den Eindruck einer Nachtszene vermittelt.

„Schule von Athen“

Dieses von Raffael in seiner frühen Römerzeit gemalte Fresko zeigt berühmte griechische Philosophen wie Platon, Aristoteles, Euklid, Sokrates, Pythagoras und andere. Viele Philosophen werden als Zeitgenossen Raffaels dargestellt, zum Beispiel Platon – Leonardo da Vinci, Heraklit – Michelangelo, Euklid – Bramante.

"Mona Lisa"

Das wohl berühmteste Gemälde der Welt ist Leonardo da Vincis La Gioconda, besser bekannt als Mona Lisa. Diese Leinwand ist ein Porträt von Frau Gherardini, die mit einem geheimnisvollen Gesichtsausdruck die Aufmerksamkeit auf sich zieht.

Nachrichtenzitat Die berühmtesten und bedeutendsten Gemälde der Welt für die Kunstgeschichte. | 33 Meisterwerke der Weltmalerei.

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Die unsterblichen Gemälde großer Künstler werden von Millionen Menschen bewundert. Kunst, ob klassisch oder modern, ist eine der wichtigsten Quellen der Inspiration, des Geschmacks und der kulturellen Bildung eines jeden Menschen, und noch mehr eine kreative.
Es gibt sicherlich mehr als 33 weltberühmte Gemälde. Es sind mehrere Hundert davon, und sie würden nicht alle in eine Rezension passen. Um die Betrachtung zu erleichtern, haben wir daher einige Gemälde ausgewählt, die für die Weltkultur von größter Bedeutung sind und häufig in der Werbung kopiert werden. Jedes Werk wird von einer interessanten Tatsache, einer Erläuterung der künstlerischen Bedeutung oder der Entstehungsgeschichte begleitet.

Wird in der Galerie Alte Meister in Dresden aufbewahrt.

Das Gemälde birgt ein kleines Geheimnis: Der Hintergrund, der von weitem wie Wolken aussieht, entpuppt sich bei näherer Betrachtung als Engelsköpfe. Und die beiden im Bild unten dargestellten Engel wurden zum Motiv zahlreicher Postkarten und Plakate.

Rembrandt „Nachtwache“ 1642
Wird im Rijksmuseum in Amsterdam aufbewahrt.

Der wahre Titel von Rembrandts Gemälde lautet „Der Auftritt der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenburg“. Kunsthistoriker, die das Gemälde im 19. Jahrhundert entdeckten, glaubten, dass sich die Figuren von einem dunklen Hintergrund abhoben, und nannten es „Nachtwache“. Später stellte sich heraus, dass eine Rußschicht das Bild dunkel macht, die Handlung aber tatsächlich tagsüber stattfindet. Unter dem Namen „Nachtwache“ wurde das Gemälde jedoch bereits in die Schatzkammer der Weltkunst aufgenommen.

Leonardo da Vinci „Das letzte Abendmahl“ 1495-1498
Befindet sich im Kloster Santa Maria delle Grazie in Mailand.

Im Laufe der mehr als 500-jährigen Geschichte des Werkes wurde das Fresko mehr als einmal zerstört: Eine Tür wurde durch das Gemälde geschnitten und dann blockiert, das Refektorium des Klosters, in dem sich das Bild befindet, wurde als Waffenkammer, als Gefängnis genutzt und wurde bombardiert. Das berühmte Fresko wurde mindestens fünf Mal restauriert, wobei die letzte Restaurierung 21 Jahre dauerte. Um die Kunst zu besichtigen, müssen Besucher heute Tickets im Voraus reservieren und können nur 15 Minuten im Refektorium verbringen.

Salvador Dali „Die Beständigkeit der Erinnerung“ 1931

Laut dem Autor selbst entstand das Gemälde aufgrund der Assoziationen, die Dali mit dem Anblick von Schmelzkäse hatte. Als sie aus dem Kino zurückkehrte, in das sie an diesem Abend ging, sagte Gala völlig richtig voraus, dass niemand es vergessen würde, wenn er „The Persistence of Memory“ einmal gesehen hätte.

Pieter Bruegel der Ältere „Turm zu Babel“ 1563
Wird im Kunsthistorischen Museum in Wien aufbewahrt.

Laut Bruegel war das Scheitern des Turmbaus zu Babel nicht auf plötzlich auftretende Sprachbarrieren zurückzuführen, sondern auf Fehler, die während des Bauprozesses gemacht wurden. Auf den ersten Blick scheint das riesige Bauwerk recht stabil zu sein, doch bei näherer Betrachtung wird deutlich, dass alle Etagen ungleichmäßig verlegt sind, die unteren Stockwerke entweder unfertig sind oder bereits einstürzen, das Gebäude selbst neigt sich zur Stadt hin, und die Aussichten für Das gesamte Projekt ist sehr traurig.

Kasimir Malewitsch „Schwarzes Quadrat“ 1915

Nach Angaben des Künstlers hat er das Bild mehrere Monate lang gemalt. Anschließend fertigte Malewitsch mehrere Kopien des „Schwarzen Quadrats“ an (einigen Quellen zufolge sieben). Einer Version zufolge konnte der Künstler das Gemälde nicht rechtzeitig fertigstellen, sodass er das Werk mit schwarzer Farbe überdecken musste. Anschließend malte Malewitsch nach öffentlicher Anerkennung neue „Schwarze Quadrate“ auf leere Leinwände. Malewitsch malte auch „Rotes Quadrat“ (in zwei Exemplaren) und ein „Weißes Quadrat“.

Kusma Sergejewitsch Petrow-Wodkin „Das rote Pferd baden“ 1912
Befindet sich in der Staatlichen Tretjakow-Galerie in Moskau.

Das 1912 entstandene Gemälde erwies sich als visionär. Das rote Pferd stellt das Schicksal Russlands oder Russlands selbst dar, das der zerbrechliche und junge Reiter nicht ertragen kann. So sagte der Künstler mit seinem Gemälde symbolisch das „rote“ Schicksal Russlands im 20. Jahrhundert voraus.

Peter Paul Rubens „Der Raub der Töchter des Leukipp“ 1617-1618
Aufbewahrt in der Alten Pinakothek in München.

Das Gemälde „Der Raub der Töchter des Leukipp“ gilt als Verkörperung männlicher Leidenschaft und körperlicher Schönheit. Die starken, muskulösen Arme junger Männer heben junge nackte Frauen hoch, um sie auf Pferde zu setzen. Die Söhne von Zeus und Leda stehlen die Bräute ihrer Cousins.

Paul Gauguin „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?" 1898
Wird im Museum of Fine Arts in Boston aufbewahrt.

Laut Gauguin selbst sollte das Gemälde von rechts nach links gelesen werden – drei Hauptfigurengruppen veranschaulichen die im Titel gestellten Fragen. Drei Frauen mit einem Kind stellen den Beginn des Lebens dar; die mittlere Gruppe symbolisiert die tägliche Existenz der Reife; In der letzten Gruppe, so der Plan des Künstlers, „scheint die alte Frau, die sich dem Tod nähert, versöhnt und ihren Gedanken ergeben“, zu ihren Füßen „ein seltsamer weißer Vogel ... repräsentiert die Nutzlosigkeit von Worten.“

Eugene Delacroix „Die Freiheit führt das Volk“ 1830
Im Louvre in Paris aufbewahrt

Delacroix schuf ein Gemälde, das auf der Julirevolution von 1830 in Frankreich basiert. In einem Brief an seinen Bruder vom 12. Oktober 1830 schreibt Delacroix: „Wenn ich nicht für mein Vaterland gekämpft habe, dann werde ich zumindest dafür schreiben.“ Der nackte Oberkörper einer Frau, die das Volk anführt, symbolisiert die Hingabe des damaligen französischen Volkes, das mit nacktem Oberkörper gegen den Feind vorging.

Claude Monet „Impression. Aufgehende Sonne“ 1872
Wird im Marmottan-Museum in Paris aufbewahrt.

Der Titel des Werkes „Impression, soleil levant“ wurde dank der leichten Hand des Journalisten L. Leroy zum Namen der künstlerischen Bewegung „Impressionismus“. Das Gemälde wurde nach dem Leben im alten Hafen von Le Havre in Frankreich gemalt.

Jan Vermeer „Mädchen mit Perlenohrring“ 1665
Wird in der Mauritshuis-Galerie in Den Haag aufbewahrt.

Eines der berühmtesten Gemälde des niederländischen Künstlers Jan Vermeer wird oft als nordische oder niederländische Mona Lisa bezeichnet. Über das Gemälde ist sehr wenig bekannt: Es ist undatiert und der Name des abgebildeten Mädchens ist unbekannt. Im Jahr 2003 wurde nach dem gleichnamigen Roman von Tracy Chevalier der Spielfilm „Das Mädchen mit dem Perlenohrring“ gedreht, in dem die Entstehungsgeschichte des Gemäldes hypothetisch im Kontext von Vermeers Biografie und Familienleben wiederhergestellt wurde .

Ivan Aivazovsky „Die neunte Welle“ 1850
Wird in St. Petersburg im Staatlichen Russischen Museum aufbewahrt.

Ivan Aivazovsky ist ein weltberühmter russischer Marinemaler, der sein Leben der Darstellung des Meeres gewidmet hat. Er schuf etwa sechstausend Werke, von denen jedes zu Lebzeiten des Künstlers Anerkennung fand. Das Gemälde „Die neunte Welle“ ist im Buch „100 Great Paintings“ enthalten.

Andrej Rubljow „Dreifaltigkeit“ 1425-1427

Die Ikone der Heiligen Dreifaltigkeit, gemalt von Andrei Rublev im 15. Jahrhundert, ist eine der berühmtesten russischen Ikonen. Das Symbol ist eine Tafel im Hochformat. Die Könige (Iwan der Schreckliche, Boris Godunow, Michail Fedorowitsch) „bedeckten“ die Ikone mit Gold, Silber und Edelsteinen. Heute wird das Gehalt im Sergiev Posad State Museum-Reserve aufbewahrt.

Michail Vrubel „Sitzender Dämon“ 1890
Wird in der Tretjakow-Galerie in Moskau aufbewahrt.

Die Handlung des Films ist von Lermontovs Gedicht „Der Dämon“ inspiriert. Der Dämon ist ein Bild der Stärke des menschlichen Geistes, des inneren Kampfes und des Zweifels. Tragischerweise die Hände gefaltet, sitzt der Dämon mit traurigen, großen Augen in die Ferne gerichtet, umgeben von beispiellosen Blumen.

William Blake „Der große Architekt“ 1794
Wird im British Museum in London aufbewahrt.

Der Titel des Gemäldes „The Ancient of Days“ bedeutet wörtlich aus dem Englischen „Ancient of Days“. Dieser Satz wurde als Name Gottes verwendet. Die Hauptfigur des Bildes ist Gott im Moment der Schöpfung, der keine Ordnung schafft, sondern die Freiheit einschränkt und die Grenzen der Vorstellungskraft markiert.

Edouard Manet „Bar im Folies Bergere“ 1882
Wird im Courtauld Institute of Art in London aufbewahrt.

Das Folies Bergere ist eine Varieté- und Kabarettshow in Paris. Manet besuchte die Folies Bergère oft und malte schließlich dieses Gemälde, sein letztes vor seinem Tod im Jahr 1883. Hinter der Bar, inmitten einer Menge trinkender, essender, redender und rauchender Menschen, steht eine Barkeeperin in Gedanken versunken und beobachtet den Trapezakrobaten, der in der oberen linken Bildecke zu sehen ist.

Tizian „Irdische Liebe und himmlische Liebe“ 1515-1516
Aufbewahrt in der Galleria Borghese in Rom.

Bemerkenswert ist, dass der moderne Name des Gemäldes nicht vom Künstler selbst gegeben wurde, sondern erst zwei Jahrhunderte später verwendet wurde. Bis zu diesem Zeitpunkt trug das Gemälde verschiedene Titel: „Schönheit, verschönert und schmucklos“ (1613), „Drei Arten von Liebe“ (1650), „Göttliche und weltliche Frauen“ (1700) und schließlich „Irdische und himmlische Liebe“. Liebe“ (1792 und 1833).

Michail Nesterow „Vision für den jungen Bartholomäus“ 1889-1890
Wird in der Staatlichen Tretjakow-Galerie in Moskau aufbewahrt.

Das erste und bedeutendste Werk aus dem Sergius von Radonesch gewidmeten Zyklus. Bis an sein Lebensende war der Künstler davon überzeugt, dass „Vision to the Youth Bartholomew“ sein bestes Werk sei. Im Alter wiederholte der Künstler gern: „Ich bin es nicht, der leben wird.“ „Der junge Bartholomäus“ wird leben. Wenn er dreißig, fünfzig Jahre nach meinem Tod immer noch etwas zu den Menschen sagt, bedeutet das, dass er lebt, und das bedeutet, dass ich auch am Leben bin.“

Pieter Bruegel der Ältere „Gleichnis vom Blinden“ 1568
Wird im Capodimonte-Museum in Neapel aufbewahrt.

Weitere Titel des Gemäldes sind „Der Blinde“, „Parabel des Blinden“, „Der Blinde führt den Blinden“. Es wird angenommen, dass die Handlung des Films auf dem biblischen Gleichnis vom Blinden basiert: „Wenn ein Blinder einen Blinden führt, werden beide in eine Grube fallen.“

Viktor Wasnezow „Aljonuschka“ 1881
Wird in der Staatlichen Tretjakow-Galerie aufbewahrt.

Es basiert auf dem Märchen „Über Schwester Aljonuschka und Bruder Iwanuschka“. Ursprünglich hieß Wasnezows Gemälde „Der Narr Aljonuschka“. Damals wurden Waisenkinder „Narren“ genannt. „Aljonuschka“, sagte der Künstler später selbst, „ schien schon lange in meinem Kopf zu leben, aber in Wirklichkeit sah ich sie in Achtyrka, als ich ein Mädchen mit einfachem Haar traf, das meine Fantasie anregte.“ In ihren Augen lag so viel Melancholie, Einsamkeit und rein russische Traurigkeit ... Ein besonderer russischer Geist wehte von ihr.“

Vincent van Gogh „Sternennacht“ 1889
Wird im Museum of Modern Art in New York aufbewahrt.

Im Gegensatz zu den meisten Gemälden des Künstlers wurde „Sternennacht“ aus dem Gedächtnis gemalt. Van Gogh lag zu dieser Zeit im Krankenhaus Saint-Rémy und wurde von Wahnsinnsanfällen geplagt.

Karl Bryullov „Der letzte Tag von Pompeji“ 1830-1833
Wird im Staatlichen Russischen Museum in St. Petersburg aufbewahrt.

Das Gemälde zeigt den berühmten Ausbruch des Vesuvs im Jahr 79 n. Chr. e. und die Zerstörung der Stadt Pompeji in der Nähe von Neapel. Das Bild des Künstlers in der linken Ecke des Gemäldes ist ein Selbstporträt des Autors.

Pablo Picasso „Mädchen auf einem Ball“, 1905
Im Puschkin-Museum in Moskau aufbewahrt

Das Gemälde gelangte dank des Industriellen Iwan Abramowitsch Morosow nach Russland, der es 1913 für 16.000 Franken kaufte. Im Jahr 1918 wurde die persönliche Sammlung von I. A. Morozov verstaatlicht. Derzeit befindet sich das Gemälde in der Sammlung des nach A.S. benannten Staatlichen Museums der Schönen Künste. Puschkin.

Leonardo da Vinci „Madonna Litta“ 1491

In der Eremitage in St. Petersburg aufbewahrt.

Der ursprüngliche Titel des Gemäldes war „Madonna mit Kind“. Der moderne Name des Gemäldes leitet sich vom Namen seines Besitzers ab – Graf Litta, Besitzer der Familienkunstgalerie in Mailand. Es besteht die Vermutung, dass die Figur des Babys nicht von Leonardo da Vinci gemalt wurde, sondern zum Pinsel eines seiner Schüler gehört. Davon zeugt die für den Stil des Autors ungewöhnliche Pose des Babys.

Jean Ingres „Türkische Bäder“ 1862
Im Louvre in Paris aufbewahrt.

Ingres beendete das Malen dieses Bildes, als er bereits über 80 Jahre alt war. Mit diesem Gemälde bringt der Künstler das Bild der Badegäste auf den Punkt, dessen Thema in seinem Werk seit langem präsent ist. Ursprünglich hatte die Leinwand die Form eines Quadrats, doch ein Jahr nach ihrer Fertigstellung verwandelte der Künstler sie in ein rundes Gemälde – ein Tondo.

Ivan Shishkin, Konstantin Savitsky „Morgen im Kiefernwald“ 1889
In der Tretjakow-Galerie in Moskau aufbewahrt

„Morgen im Kiefernwald“ ist ein Gemälde der russischen Künstler Ivan Shishkin und Konstantin Savitsky. Savitsky malte die Bären, aber der Sammler Pavel Tretyakov löschte seine Unterschrift, als er das Gemälde erwarb, sodass nun allein Shishkin als Autor des Gemäldes angegeben wird.

Michail Vrubel „Die Schwanenprinzessin“ 1900
In der Staatlichen Tretjakow-Galerie aufbewahrt

Das Gemälde basiert auf dem Bühnenbild der Heldin von N. A. Rimsky-Korsakovs Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“, basierend auf der Handlung des gleichnamigen Märchens von A. S. Puschkin. Für die Uraufführung der Oper im Jahr 1900 fertigte Vrubel Skizzen für das Bühnenbild und die Kostüme an, und seine Frau sang die Rolle der Schwanenprinzessin.

Giuseppe Arcimboldo „Bildnis Kaiser Rudolfs II. als Vertumnus“ 1590
Befindet sich im Schloss Skokloster in Stockholm.

Eines der wenigen erhaltenen Werke des Künstlers, der Porträts aus Früchten, Gemüse, Blumen, Krebstieren, Fischen, Perlen, Musik- und anderen Instrumenten, Büchern usw. komponierte. „Vertumnus“ ist ein Porträt des Kaisers, dargestellt als altrömischer Gott der Jahreszeiten, der Vegetation und der Transformation. Auf dem Bild besteht Rudolph ausschließlich aus Früchten, Blumen und Gemüse.

Edgar Degas „Blaue Tänzer“ 1897
Befindet sich im Kunstmuseum. A. S. Puschkin in Moskau.

Sandro Botticelli „Geburt der Venus“ 1486
Wird in Florenz in den Uffizien aufbewahrt

Das Gemälde illustriert den Mythos von der Geburt der Aphrodite. Eine nackte Göttin schwimmt in einer offenen Muschel, vom Wind getrieben, ans Ufer. Auf der linken Seite des Gemäldes bläst Zephyr (der Westwind) in den Armen seiner Frau Chloris auf eine Muschel und erzeugt so einen mit Blumen gefüllten Wind. Am Ufer wird die Göttin von einer der Grazien empfangen. Die Geburt der Venus ist gut erhalten, da Botticelli das Gemälde mit einer schützenden Schicht Eigelb überzog.