Gemälde für den Innenraum – Arten, Zwecke, Anwendungsregeln. Genres der Malerei. Malstile. Beispiele Motivmalerei

Malerei ist vielleicht die älteste Kunstform. Auch in Urzeit Unsere Vorfahren haben Bilder von Menschen und Tieren an die Wände von Höhlen gemalt. Dies sind die ersten Beispiele der Malerei. Seitdem dieser Typ Kunst ist immer ein Begleiter geblieben Menschenleben. Beispiele für Malerei sind heute zahlreich und vielfältig. Wir werden versuchen, diese Art von Kunst so weit wie möglich abzudecken und über die wichtigsten Genres, Stile, Trends und Techniken darin zu sprechen.

Maltechniken

Schauen wir uns zunächst die grundlegenden Maltechniken an. Eine der häufigsten ist Öl. Hierbei handelt es sich um eine Technik, bei der Farben auf Ölbasis verwendet werden. Diese Farben werden in Strichen aufgetragen. Mit ihrer Hilfe können Sie eine Vielzahl unterschiedlicher Farbtöne erzeugen und die gewünschten Bilder mit maximalem Realismus vermitteln.

Tempera- eine weitere beliebte Technik. Über sie wir reden über bei Verwendung von Dispersionsfarben. Das Bindemittel dieser Farben ist Ei oder Wasser.

Gouache- eine in der Grafik weit verbreitete Technik. Gouachefarbe wird auf Klebebasis hergestellt. Es kann auf Karton, Papier, Knochen oder Seide bearbeitet werden. Das Bild ist langlebig und die Linien sind klar. Pastell- Dies ist eine Technik zum Zeichnen mit trockenen Stiften, und die Oberfläche sollte rau sein. Und natürlich sind auch die Aquarelle erwähnenswert. Diese Farbe wird normalerweise mit Wasser verdünnt. Mit dieser Technik erhält man eine weiche und dünne Farbschicht. Besonders beliebt sind natürlich nur die Haupttechniken, die in der Malerei am häufigsten zum Einsatz kommen. Es gibt auch andere.

Worauf werden Gemälde normalerweise gemalt? Das beliebteste Gemälde ist auf Leinwand. Es wird auf einen Rahmen gespannt oder auf Karton geklebt. Beachten Sie, dass in der Vergangenheit häufig Holzbretter verwendet wurden. Heutzutage ist nicht nur das Malen auf Leinwand beliebt; auch alle anderen flachen Materialien können zum Erstellen von Bildern verwendet werden.

Arten der Malerei

Es gibt zwei Haupttypen davon: Staffelei und Monumentalmalerei. Letzteres hängt mit der Architektur zusammen. Diese Art umfasst das Bemalen von Decken und Wänden von Gebäuden, das Verzieren mit Bildern aus Mosaiken oder anderen Materialien, Buntglasfenstern usw. Staffeleimalerei ist nicht an ein bestimmtes Gebäude gebunden. Es kann von Ort zu Ort bewegt werden. Es gibt viele Arten der Staffeleimalerei (auch Genres genannt). Schauen wir sie uns genauer an.

Genres der Malerei

Das Wort „Genre“ ist französischen Ursprungs. Es wird mit „Gattung“, „Art“ übersetzt. Das heißt, unter dem Namen des Genres gibt es einen Inhalt, und indem wir seinen Namen aussprechen, verstehen wir, worum es in dem Bild geht, was wir darin finden werden: Menschen, Natur, Tiere, Objekte usw.

Porträt

Das älteste Genre der Malerei ist die Porträtmalerei. Dies ist das Bild einer Person, die nur sich selbst und niemandem sonst ähnelt. Mit anderen Worten, ein Porträt ist ein malerisches Abbild einer individuellen Erscheinung, da jeder von uns ein individuelles Gesicht hat. Dieses Genre der Malerei hat seine eigenen Varianten. Das Porträt kann in voller Länge oder in Brusthöhe sein oder es kann nur ein Gesicht gemalt werden. Beachten wir, dass nicht jedes Bild einer Person ein Porträt ist, da der Künstler beispielsweise „eine Person im Allgemeinen“ schaffen kann, ohne sie von jemand anderem zu kopieren. Wenn er jedoch einen bestimmten Vertreter der Menschheit darstellt, arbeitet er gezielt an einem Porträt. Es erübrigt sich zu erwähnen, dass es in diesem Genre zahlreiche Beispiele für Malerei gibt. Aber das unten dargestellte Porträt ist fast jedem Einwohner unseres Landes bekannt. Wir sprechen über das Bild von A. S. Puschkin, das 1827 von Kiprensky geschaffen wurde.

Sie können diesem Genre auch ein Selbstporträt hinzufügen. In diesem Fall stellt der Künstler sich selbst dar. Es gibt ein Paarporträt, bei dem das Bild Menschen paarweise zeigt; und ein Gruppenporträt, wenn eine Gruppe von Menschen abgebildet ist. Bemerkenswert ist auch das zeremonielle Porträt, von dem das Reiterbild zu den feierlichsten zählt. Früher war es sehr beliebt, heute sind solche Werke jedoch selten. Das nächste Genre, über das wir sprechen werden, ist jedoch jederzeit relevant. Worüber reden wir? Dies lässt sich erahnen, wenn man die Gattungen durchgeht, die wir bei der Charakterisierung der Malerei noch nicht benannt haben. Stillleben ist eines davon. Darüber werden wir jetzt sprechen und uns weiterhin mit der Malerei befassen.

Stillleben

Dieses Wort ist ebenfalls französischen Ursprungs und bedeutet „tote Natur“, obwohl die Bedeutung genauer „unbelebte Natur“ wäre. Stillleben - Bild leblose Gegenstände. Sie sind sehr vielfältig. Beachten wir, dass Stillleben auch „lebendige Natur“ darstellen können: Schmetterlinge, die ruhig auf den Blütenblättern sitzen, wunderschöne Blumen, Vögel und manchmal kann man zwischen den Geschenken der Natur einen Menschen sehen. Allerdings handelt es sich hierbei immer noch um ein Stillleben, da das Bild eines Lebewesens für den Künstler in diesem Fall nicht das Wichtigste ist.

Landschaft

Landschaft ist ein weiteres französisches Wort, das „Blick auf das Land“ bedeutet. Es ähnelt dem deutschen Begriff „Landschaft“. Landschaft ist ein Abbild der Natur in ihrer Vielfalt. Zu diesem Genre gesellen sich folgende Spielarten: Architekturlandschaft und die sehr beliebte Meereslandschaft, die oft mit einem Wort „Marina“ genannt wird und deren Künstler, die darin arbeiten, Meeresmaler genannt werden. Zahlreiche Beispiele für Malerei im Genre der Seelandschaft finden sich in den Werken von I.K. Aivazovsky. Eines davon ist „Rainbow“ aus dem Jahr 1873.

Dieses Gemälde ist in Öl gemalt und schwierig auszuführen. Das Erstellen von Landschaften mit Aquarellfarben ist jedoch überhaupt nicht schwierig, daher wurde diese Aufgabe im Zeichenunterricht in der Schule jedem von uns gestellt.

Animalistisches Genre

Das nächste Genre ist animalisch. Hier ist alles einfach – dies ist ein Bild von Vögeln und Tieren in der Natur, in ihrer natürlichen Umgebung.

Alltagsgenre

Das Alltagsgenre ist eine Darstellung von Szenen aus dem Leben, dem Alltag, lustigen „Vorfällen“, dem Privatleben und Geschichten von gewöhnlichen Menschen in einer gewöhnlichen Umgebung. Oder Sie verzichten auf Geschichten und halten einfach alltägliche Aktivitäten und Ereignisse fest. Solche Gemälde werden manchmal Genremalerei genannt. Nehmen wir als Beispiel das obige Werk von Van Gogh (1885).

Historisches Genre

Die Themen der Malerei sind vielfältig, das historische Genre sticht jedoch gesondert hervor. Dies ist eine Darstellung historischer Helden und Ereignisse. Daran grenzt das Kampfgenre; es präsentiert Episoden von Krieg und Schlacht.

Religiöses und mythologisches Genre

Im mythologischen Genre werden Gemälde zu den Themen antiker und antiker Geschichten über Götter und Helden geschrieben. Es ist zu beachten, dass das Bild weltlichen Charakter hat und sich dadurch von den auf der Ikone dargestellten Gottheiten unterscheidet. Bei der religiösen Malerei geht es übrigens nicht nur um Ikonen. Sie vereint verschiedene Werkeüber religiöse Themen geschrieben.

Aufeinandertreffen der Genres

Je reichhaltiger der Inhalt eines Genres ist, desto häufiger treten seine „Gefährten“ auf. Genres können ineinander übergehen, daher gibt es Malerei, die sich keinem von ihnen zuordnen lässt. In der Kunst gibt es sowohl allgemeine (Techniken, Genres, Stile) als auch individuelle (ein bestimmtes Werk getrennt betrachtet). Einzelbild hat auch etwas gemeinsam. Daher mögen viele Künstler das gleiche Genre haben, aber die darin gemalten Gemälde sind nie ähnlich. Die Kultur der Malerei weist solche Merkmale auf.

Stil

Stil ist ein Aspekt visuelle Wahrnehmung Gemälde Es kann die Werke eines Künstlers oder die Werke von Künstlern einer bestimmten Epoche, Bewegung, Schule oder eines bestimmten Ortes kombinieren.

Akademische Malerei und Realismus

Die akademische Malerei ist eine Sonderrichtung, deren Entstehung mit den Aktivitäten europäischer Kunstakademien verbunden ist. Es erschien im 16. Jahrhundert an der Bologna-Akademie, von wo aus man versuchte, die Meister der Renaissance nachzuahmen. Seit dem 16. Jahrhundert basierten die Methoden des Malunterrichts auf der strikten Einhaltung von Regeln und Vorschriften und folgten formalen Mustern. Die Kunst in Paris galt als eine der einflussreichsten in Europa. Sie förderte die Ästhetik des Klassizismus, die im 17. Jahrhundert in Frankreich vorherrschte. Pariser Akademie? Nachdem sie zur Systematisierung der Bildung beigetragen hatte, verwandelte sie nach und nach die Regeln der klassischen Richtung in Dogmen. So wurde die akademische Malerei zu einer Sonderrichtung. Im 19. Jahrhundert waren die Werke von J. L. Jerome, Alexandre Cabannel und J. Ingres einige der bedeutendsten Manifestationen des Akademismus. Die klassischen Kanons wurden erst an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert durch realistische ersetzt. Es ist der Realismus, der zu Beginn des 20. Jahrhunderts entsteht grundlegende Methode Die Ausbildung in Akademien wird zum dogmatischen System.

Barock

Barock ist ein Stil und eine Epoche der Kunst, die durch Aristokratie, Kontrast, dynamische Bilder, einfache Details bei der Darstellung von Fülle, Spannung, Dramatik, Luxus und eine Verschmelzung von Realität und Illusion gekennzeichnet ist. Dieser Stil erschien im Jahr 1600 in Italien und verbreitete sich in ganz Europa. Caravaggio und Rubens sind ihre prominentesten Vertreter. Barock wird oft mit Expressionismus verglichen, hat aber im Gegensatz zu letzterem keine allzu abstoßende Wirkung. Gemälde dieses Stils zeichnen sich heute durch die Komplexität der Linien und eine Fülle von Ornamenten aus.

Kubismus

Der Kubismus ist eine avantgardistische Kunstrichtung, die im 20. Jahrhundert entstand. Sein Schöpfer ist Pablo Picasso. Der Kubismus löste eine echte Revolution in der Bildhauerei und Malerei in Europa aus und inspirierte die Entstehung ähnlicher Strömungen in Architektur, Literatur und Musik. Künstlerische Malerei Dieser Stil zeichnet sich durch neu kombinierte, gebrochene Objekte aus, die eine abstrakte Form haben. Bei der Darstellung werden viele Gesichtspunkte verwendet.

Expressionismus

Der Expressionismus ist eine weitere wichtige Strömung der modernen Kunst, die in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts in Deutschland entstand. Zunächst umfasste es nur Poesie und Malerei und breitete sich dann auf andere Bereiche der Kunst aus.

Expressionisten stellen die Welt subjektiv dar und verzerren die Realität, um eine größere emotionale Wirkung zu erzielen. Ihr Ziel ist es, den Betrachter zum Nachdenken anzuregen. Der Ausdruck hat im Expressionismus Vorrang vor dem Bild. Es ist festzustellen, dass viele Werke durch Motive der Qual, des Schmerzes, des Leidens und des Schreiens gekennzeichnet sind (das oben vorgestellte Werk von Edvard Munch heißt „Der Schrei“). Expressionistische Künstler interessieren sich überhaupt nicht für die materielle Realität; ihre Bilder sind voller tiefer Bedeutung und emotionaler Erfahrungen.

Impressionismus

Der Impressionismus ist ein Malstil, der in erster Linie auf das Arbeiten im Freien und nicht auf das Arbeiten im Atelier abzielt. Seinen Namen verdankt es dem Gemälde „Impression, Sonnenaufgang“ von Claude Monet, das im Foto unten zu sehen ist.

Das Wort „Eindruck“ auf Englische Sprache- Eindruck. Impressionistische Gemälde vermitteln vor allem das Lichtgefühl des Künstlers. Die Hauptmerkmale der Malerei in diesem Stil sind folgende: kaum sichtbare, dünne Striche; Veränderungen in der Beleuchtung, präzise vermittelt (die Aufmerksamkeit wird oft auf die Wirkung des Zeitablaufs gerichtet); offene Komposition; einfaches gemeinsames Ziel; Bewegung als Schlüsselelement menschlichen Erlebens und Wahrnehmens. Die prominentesten Vertreter einer solchen Bewegung wie des Impressionismus sind Edgar Degas, Claude Monet und Pierre Renoir.

Modernismus

Die nächste Richtung ist der Modernismus, der als eine Reihe von Trends in verschiedenen Kunstbereichen im späten 19. und frühen 20. Jahrhundert entstand. Der Pariser „Salon der Verstoßenen“ wurde 1863 eröffnet. Hier werden Künstler ausgestellt, deren Gemälde keinen Zutritt zum offiziellen Salon hatten. Dieses Datum kann als das Datum der Entstehung des Modernismus als eigenständige Kunstrichtung angesehen werden. Ansonsten wird der Modernismus manchmal als „eine andere Kunst“ bezeichnet. Sein Ziel ist es, einzigartige Gemälde zu schaffen, die sich von anderen unterscheiden. Hauptmerkmal Werke - eine besondere Vision der Welt des Autors.

Künstler lehnten sich in ihrer Arbeit gegen die Werte des Realismus auf. Selbstbewusstsein ist ein markantes Merkmal dieser Richtung. Dies führt oft zu Formexperimenten und einem Hang zur Abstraktion. Besonderes Augenmerk legen Vertreter der Moderne auf die verwendeten Materialien und den Arbeitsprozess. Zu seinen prominentesten Vertretern zählen Henry Matisse (oben wird sein Werk „Das Rote Zimmer“ von 1908 vorgestellt) und Pablo Picasso.

Neoklassizismus

Der Neoklassizismus war von der Mitte des 18. Jahrhunderts bis zum Ende des 19. Jahrhunderts die Hauptrichtung der Malerei in Nordeuropa. Es zeichnet sich durch eine Rückbesinnung auf die Merkmale der antiken Renaissance und sogar der Zeit des Klassizismus aus. In architektonischer, künstlerischer und kultureller Hinsicht entstand der Neoklassizismus als Reaktion auf das Rokoko, das als oberflächlicher und prätentiöser Kunststil wahrgenommen wurde. Neoklassizistische Künstler versuchten dank ihrer guten Kenntnis der Kirchengesetze, Kanons in ihre Werke einzuführen. Sie vermieden es jedoch, klassische Motive und Themen einfach zu reproduzieren. Neoklassizistische Künstler versuchten, ihre Gemälde in den Rahmen der Tradition zu stellen und so ihre Beherrschung des Genres zu demonstrieren. Der Neoklassizismus steht in dieser Hinsicht in direktem Gegensatz zum Modernismus, wo Improvisation und Selbstdarstellung als Tugenden gelten. Zu seinen bekanntesten Vertretern zählen Nicolas Poussin und Raphael.

Pop-Art

Die letzte Richtung, die wir betrachten werden, ist Pop-Art. Es erschien Mitte der 50er Jahre des letzten Jahrhunderts in Großbritannien und Ende der 50er Jahre in Amerika. Es wird angenommen, dass die Pop-Art als Reaktion auf die damals vorherrschenden Ideen des abstrakten Expressionismus entstand. Wenn man über diese Richtung spricht, ist es unmöglich, nicht zu erwähnen, dass „Eight Elvises“, eines seiner Gemälde, 2009 für 100 Millionen US-Dollar verkauft wurde.

2.1 Surrealismus
Surrealismus, modernistische (Modernismus-)Richtung in der Literatur, Bildende Kunst und Kino, das in den 1920er Jahren in Frankreich entstand. und gerendert großer Einfluss An westliche Kultur. Charakteristisch für den Surrealismus ist eine Vorliebe für alles Bizarre, Irrationale und nicht allgemein anerkannte Standards. Die Bewegung selbst war heterogen, ihr Hauptziel war jedoch die Emanzipation der schöpferischen Kräfte des Unterbewusstseins und deren Vorherrschaft über den Geist. Die Vorläufer der Surrealisten waren gewissermaßen die Dadaisten (Dadaismus). Der Theoretiker und Begründer S. Andre Breton argumentierte, dass diese Richtung den Widerspruch zwischen Traum und Realität auflösen und eine Art absolute Realität, Superrealität, schaffen sollte. Trotz aller Versuche Bretons, die Surrealisten zu vereinen, mangelte es ihnen an Einstimmigkeit: Sie stritten ständig, machten sich gegenseitig Vorwürfe und schlossen diejenigen aus ihren Reihen aus, die anderer Meinung waren. Der Surrealismus basiert auf Freuds Theorie des Unterbewusstseins und seiner Methode der „freien Assoziation“ für den Übergang vom Bewusstsein zum Unterbewusstsein. Allerdings waren die Ausdrucksformen dieser Ideen bei den Surrealisten sehr unterschiedlich. Dali zum Beispiel schrieb in seinen unlogischen, alptraumhaften Gemälden mit peinlicher Präzision und „Glaubwürdigkeit“ jedes Detail auf und verstärkte so den Eindruck von Halluzinationen oder Delirien, während Max Ernst wie automatisch an seinen Leinwänden arbeitete und sie „ausschaltete“. Geist, bevorzugt willkürliche Bilder, die oft in die Abstraktion übergehen. Jean Miró unterschied sich jedoch von anderen surrealistischen Künstlern durch die Vielfalt und Fröhlichkeit seiner Gemälde. In der Zeit zwischen den beiden Weltkriegen entwickelte sich der Surrealismus zur am weitesten verbreiteten, wenn auch umstrittensten Bewegung. Seine Anhänger erschienen nicht nur in Europa, sondern auch in den USA, wohin während des Krieges viele Schriftsteller und Künstler emigrierten. Der Surrealismus zeichnete sich durch eine breite Herangehensweise und einen Reichtum an Formen aus und erleichterte die Wahrnehmung des Kubismus und der abstrakten Kunst. Seine Methoden und Techniken beeinflussten die Arbeit von Schriftstellern und Künstlern in vielen Ländern der Welt.

2.2 Kubismus
Kubismus, eine modernistische Strömung in der Malerei des 1. Viertels des 20. Jahrhunderts. Sein Aussehen geht auf das Jahr 1907 zurück und wird mit den Werken von Picasso und Braque in Verbindung gebracht, insbesondere mit Picassos Gemälde „Les Demoiselles d’Avignon“, das deformierte, aufgeraute Figuren zeigt und keine Perspektive oder Helldunkel aufweist. Der Kubismus bedeutete einen völligen Bruch mit der realistischen Naturdarstellung, die seit der Renaissance die europäische Malerei dominiert hatte. Das Ziel von Picasso und Braque ist Design volumetrische Form auf einer Ebene und teilt sie in geometrische Elemente. Beide Künstler tendierten zu einfachen, greifbaren Formen und unkomplizierten Handlungen, was besonders charakteristisch für die frühe Periode des Kubismus, den sogenannten „Cézanne“ (1907-1909), ist, der sich unter dem Einfluss der afrikanischen Skulptur und der Werke von Cezanne entwickelte. Auf der Leinwand scheinen kraftvolle Volumen angelegt zu sein, die Farbe verstärkt das Volumen (Picasso „Drei Frauen“, 1909). Die nächste Periode (1910-1912) wird als „analytisch“ bezeichnet: Das Objekt wird in kleine Kanten zerkleinert, die klar voneinander getrennt sind, die Objektform scheint auf der Leinwand zu verschwimmen, es gibt praktisch keine Farbe als solche (Braque „ Zu Ehren von J.S. Bach“, 1912). Im letzteren, dem sogenannten „synthetischen“ Kubismus, werden Gemälde in farbige, flache Tafeln umgewandelt (Picasso „Taverne“, 1913–1914), Formen werden dekorativer, Buchstabenschablonen und verschiedene Aufkleber werden in die Zeichnung eingefügt und bilden Collagen. Juan Gris schreibt auf diese Weise zusammen mit Braque und Picasso. Der 1. Weltkrieg beendete die Zusammenarbeit zwischen Braque und Picasso, doch ihr Werk hatte großen Einfluss auf andere Strömungen, darunter Futurismus, Orphismus, Purismus und Vortizismus. Der Einfluss des Kubismus auf die bildende Kunst hielt bis in die 1960er Jahre an.

2.3 Abstrakte Kunst
Der Abstraktionismus ist die extremste Schule der Moderne. Die abstrakte Kunst, auch nichtfigurative Kunst genannt, entstand in den 10er Jahren des 20. Jahrhunderts als Bewegung. Da die Künstler dieser Bewegung jede Darstellung in der Kunst verneinen, verweigern sie die Darstellung objektive Welt Abstraktionismus wird auch Unobjektivität genannt. Theoretiker des Abstraktionismus leiten es von Cezanne durch den Kubismus ab. Genau diesen Weg – von der Repräsentation über die „ideale Realität“ des sogenannten synthetischen Kubismus bis zur völligen Nicht-Repräsentation – ging einer der Begründer des „Neoplastizismus“, der niederländische Maler Piet (Peter Cornelis) Mondrian (1872-1944). ), der glaubte, dass „reine Plastizität reine Realität schafft“. In den 10er Jahren wurde Mondrian jedoch mit dem Kubismus in Verbindung gebracht und übertrug dessen Prinzipien auf das einfache Zeichnen auf einer Ebene. Zu Hause, in Holland, hatte Mondrian eine Gruppe von Anhängern, die sich um das Magazin „Style“ versammelten. Das Programm des Magazins verkündete die Schaffung eines universellen Bildes der Welt durch Rechtecke unterschiedlicher Farbe, die durch eine dicke schwarze Linie voneinander getrennt waren. So entstanden unzählige Kompositionen ohne Namen, unter Zahlen und Buchstaben. Mondrian war buchstäblich besessen vom Kult des Gleichgewichts zwischen Vertikalen und Horizontalen und brach mit der Zeitschrift Style, als sie 1924 den 45-Grad-Winkel als Bestandteil der Ausdruckssprache einführte. Mondrians Ideen wurden in den 1940er Jahren von italienischen „Konkretisten“ aufgegriffen. Basierend auf Mondrians Aussage, dass „es nichts Konkreteres gibt als Linie, Farbe, Fläche“, begannen sie, eine „neue Realität“ aus Linien und Flächen in den offenen Farben Gelb, Rot und Blau zu schaffen. Ein weiterer Begründer der abstrakten Kunst, Wassily Kandinsky (1866-1944), schuf bereits vor den Kubisten seine ersten „gegenstandslosen“ Werke. Als gebürtiger Moskauer bereitete sich Kandinsky zunächst auf eine juristische Laufbahn vor. 1896 kam er nach München, wo er an der Schule von A. Azhbe (1897-1898) und an der Akademie der Künste (1900) bei F. von Stuck studierte interessierte sich für Gauguin und die Fauvisten, einen beliebten Druck. 1911 gründete er zusammen mit F. Mark den Verein Blauer Reiter. In seinem Werk „Über das Geistige in der Kunst“ verkündet er eine Abkehr von der Natur, von der Natur hin zu den „transzendentalen“ Essenzen von Phänomenen und Objekten; Er beschäftigt sich aktiv mit den Problemen, Farbe näher an die Musik heranzuführen. Auch Kandinsky wurde stark vom Symbolismus beeinflusst. Zweifellos stammt aus der Symbolik sein Verständnis von Schwarz, zum Beispiel als Symbol des Todes, Weiß – als Geburt, Rot – als Mut. Die horizontale Linie verkörpert das passive Prinzip, die vertikale Linie das aktive Prinzip. Forscher glauben zu Recht, dass Kandinsky der letzte Vertreter des literarisch-psychologischen Symbolismus ist, wie Moreau in Frankreich und Ciurlionis in Litauen, und zugleich der erste abstrakte Künstler. „Objektivität schadet meinen Bildern“, schrieb er in seinem Werk „The Artist’s Text“. Kandinskys Werke aus dieser Zeit sind farbenfrohe Leinwände, auf denen formlose Flecken intensiver Farbe in wunderschönen Kombinationen von geschwungenen oder gewundenen Linien durchschnitten werden, die manchmal an Hieroglyphen erinnern. Das war an sich schon ein großes Verbrechen; aus Mondrians Sicht kommen sie der kindlichen Spontaneität von Klees Gemälden eher nahe. Kandinskys Werke erinnern ein wenig an fotografische Lichteffekte, die in Farbe eingefangen werden. 1914 kehrte Kandinsky nach Russland zurück, er war einer der Organisatoren des Museums für Bildkultur in Petrograd und des Inkhuk in Moskau. Ab Ende 1921 lebte er in Deutschland. In den frühen 20er Jahren liebte Kandinsky den sogenannten geometrischen Abstraktionismus (im Gegensatz zum bildnerischen Abstraktionismus der Vorperiode). 1933, mit dem Aufkommen des Faschismus in Deutschland, emigrierte Kandinsky nach Frankreich, wo er bis an sein Lebensende lebte. Kandinskys Spätwerke scheinen die Prinzipien des malerischen und geometrischen Abstraktionismus zu vereinen. Der dritte Begründer der abstrakten Malerei ist Kasimir Malewitsch (1878-1935). Er kombinierte den Impressionismus von Kandinsky und Cézannes geometrischen Abstraktionismus von Mondrian in dem von ihm erfundenen Suprematismus (aus dem Französischen supreme – höchst). Student aus Kiew Kunstschule, dann die Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur, erlebte Malewitsch eine Leidenschaft für den Impressionismus, dann für den Kubismus und wurde in den 10er Jahren von den Futuristen Carr und Boccioni beeinflusst. Ab 1913 schuf er sein eigenes System der abstrakten Malerei, indem er der Öffentlichkeit das Gemälde „Schwarzes Quadrat“, ein einfaches schwarzes Quadrat auf weißem Hintergrund, ausstellte und dieses System „dynamischen Suprematismus“ nannte. In ihrem theoretische Arbeiten Er sagt, dass im Suprematismus „von Malerei keine Rede sein kann, die Malerei ist längst überholt und der Künstler selbst ein Vorurteil der Vergangenheit.“ In den frühen 30er Jahren kehrte er zur figurativen Malerei in der realistischen Tradition mit einem sowjetischen Thema („Mädchen mit rotem Schaft“) zurück. Malewitschs „Schwarzes Quadrat“ ging als höchster Ausdruck der Extreme der modernistischen Kunst in die Geschichte ein. Eine besondere Richtung in der abstrakten Kunst – der Rayonismus – wurde von Mikhail Larionov und Natalya Goncharova geleitet. Laut Larionov werden alle Objekte als Summe von Strahlen gesehen. Die Aufgabe des Künstlers besteht darin, den Schnittpunkt der Strahlen zu finden, die an bestimmten Punkten zusammenlaufen, d. h. bunte Linien, die sie in der Malerei darstellen. Mit der Machtübernahme der Faschisten verlagerten sich die Zentren der abstrakten Kunst nach Amerika. 1937 wurde in New York ein Museum für gegenstandslose Malerei gegründet, das von der Familie des Millionärs Guggenheim gegründet wurde, und 1939 das Museum of Modern Art, das mit Mitteln von Rockefeller gegründet wurde. Während des Zweiten Weltkriegs und nach seinem Ende versammelten sich alle ultralinken Kräfte der Kunstwelt in Amerika. In der Nachkriegszeit neue Welle Die abstrakte Kunst wurde durch umfangreiche Werbung und organisierten Erfolg unterstützt. Kapital wird in Werke der abstrakten Malerei investiert. Jackson Pollock (1912-1956) gilt als „Star“ der amerikanischen abstrakten Kunst der Nachkriegszeit. Pollock prägte den Begriff „Tropfen“ – das Spritzen von Farbe auf die Leinwand ohne Verwendung eines Pinsels. Dies wird in Amerika auch abstrakter Expressionismus genannt, in Frankreich - Tachisme (vom Wort Tache - Fleck), in England - Action Painting, in Italien - Nuklearmalerei (Pittura Nukleare). In Frankreich herrschte in der ersten Hälfte der 40er Jahre eine gewisse Flaute im Bereich der abstrakten Kunst. Dies wurde durch die Stärkung der Position der realistischen Kunst nach dem Krieg, nach der Volksfront- und Widerstandsbewegung, verursacht. Seit Ende der 40er-Jahre schließen sich Abstraktionisten erneut im „Salon des realites nouvelles“ zusammen und geben eine Sonderzeitschrift „Aujourd“ hui art et Architecture heraus.“ Ihre Theoretiker sind Leon Degan und Michel Seyfort. In den 50er-Jahren war die Leidenschaft für den Abstraktionismus weit verbreitet In Frankreich wird der Rivale American Pollock von Georges Mathieu vertreten, der seine „Kreativitätssitzungen“ in Anwesenheit des Publikums mit Maskerade-Verkleidungen und Musik begleitet und seine riesigen Kreationen recht handlungstechnisch nennt (z. B. „Die Schlacht von Bouvines“). , was sie jedoch nicht weniger abstrakt macht, wie der abstraktionistische Theoretiker schrieb: „...Kunst wird abstrakt genannt, wenn sie nicht von der Persönlichkeit des Künstlers, sondern von Objekten der Außenwelt abstrahiert wird.“ ..“.

2.4 Fauvismus
Fauvismus – (französisch fauvisme, von fauve – wild), eine Bewegung während Französische Malerei Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts. Der ironische Spitzname „les fauves“ (die Wilden) wurde von Kritikern einer Gruppe von Malern gegeben, die 1905 im Pariser „Salon der Unabhängigen“ auftraten (Henri Matisse, Andre Derain, Maurice Vlaminck, Albert Marquet usw.). Der Fauvismus verkörperte einen ästhetischen Protest gegen die künstlerischen Traditionen des 19. Jahrhunderts. Handwerker mit unterschiedlichen individuellen Fähigkeiten bei kurzfristig(1905-1907) vereinte eine Vorliebe für figurative Formeln, koloristische Kontraste und scharfe kompositorische Rhythmen, eine Suche nach neuen Impulsen in der primitiven Kreativität sowie in der mittelalterlichen und orientalischen Kunst. Volumenmodellierung, Raumerneuerung, luftig Geradlinige Perspektive Bei den Fauvisten wird die direkte emotionale Ausdruckskraft eines intensiven Farbflecks, dekorativer Strukturen, die in erster Linie als Ausdruck der lebhaften Emotionen des Künstlers dienen, verdrängt.

2.5 Futurismus
Futurismus – (von lateinisch futurum – Zukunft), gemeinsamen Namen avantgardistische künstlerische Bewegungen der 1910er - frühen 20er Jahre in einigen europäischen Ländern (hauptsächlich Italien und Russland), nahe bei entfernten Erklärungen (Verkündigung der Ideen, „die Kunst der Zukunft“ zu schaffen, Ablehnung künstlerischer Traditionen usw.) und ausgewählte Themen. In Italien sahen die Futuristen die Zukunft mit erhabenem Optimismus und Verabsolutierung äußere Zeichen technische Zivilisation als neue ästhetische Werte, die ein Modell der zukünftigen Weltordnung markieren, eine neue Art von Massenbewusstsein. Im Futurismus kommt es zu einer Kombination von Standpunkten und einer Vervielfachung von Konturen, als ob sie durch schnelle Bewegung, Verformung von Figuren, scharfe Kontraste in der Farbstruktur, chaotisches Eindringen von Textfetzen in die Komposition usw. verursacht würden. Vertreter: Leiter und Theoretiker F.T. Marinetti, U. Boccioni, C. Carra und andere. In Russland kam der Futurismus deutlicher in der Literatur zum Ausdruck (D. D. Burliuk, V. V. Mayakovsky usw.) und war geprägt von nihilistischen Parolen, der individualistischen Rebellion, der Ästhetisierung von Technologie und urbaner Kultur. Forderungen nach einer Demokratisierung der Kunst.

2.6 Manierismus
Manierismus (Manierismus, italienisch maniera – Stil, Manier), ein Begriff aus der Theorie der bildenden Künste. Bekannt wurde es durch den Künstler und Biographen Vasari aus dem 16. Jahrhundert, der ihm ein hohes Maß an Anmut, Gelassenheit und Raffinesse in der Kunst zuschrieb. Seit dem 17. Jahrhundert verwenden die meisten Kritiker jedoch den Begriff „Manierismus“, da sie davon ausgehen, dass die italienische Kunst in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts im Vergleich zu den Höhepunkten, die Leonardo da Vinci, Michelangelo und Raffael während der Hochrenaissance (Renaissance) erreichten, im Niedergang begriffen war " wurde auf die Kunst angewendet, die sich durch metaphorischen Reichtum, eine Vorliebe für Übertreibungen und Grotesken auszeichnete. Infolgedessen wurde Manierismus als der Stil bezeichnet, den die italienischen Kunstschulen, vor allem die römische, in der Zeit zwischen der Hochrenaissance und dem Barock (ca. 1520–ca. 1600) übernahmen. Es ist üblich, vom Manierismus zu sprechen, der mit Raffael beginnt, als er die äußerst klaren und ausgewogenen Ausdrucksmittel der Hochrenaissance aufgab und begann, anspruchsvoller zu arbeiten. Der Manierismus zeichnet sich durch langgestreckte Figuren, angespannte Posen (Contrapposto), ungewöhnliche oder bizarre Effekte in Bezug auf Größe, Beleuchtung oder Perspektive sowie leuchtende Farben aus. In der Bildhauerei war Giambologna der Vorbote des Manierismus, dessen Kunst, die einen großen Einfluss auf seine Zeitgenossen hatte, skurrile Posen mit exquisiter Glätte und Eleganz der Formen verbindet. Zu den führenden manieristischen Skulpturen gehört Benvenuto Cellini. Manierismus ist in der Architektur ebenso schwer zu definieren wie in der Malerei und Bildhauerei, impliziert jedoch oft eine bewusste Missachtung etablierter Regeln und klassischer Traditionen. Außerhalb Italiens werden manchmal Vertreter der Fontainebleau-Schule in Frankreich, niederländische Künstler des 16. Jahrhunderts (viele von ihnen übernahmen die Ideen des Manierismus nach einem Besuch in Italien) und El Greco in Spanien manchmal als Manieristen bezeichnet. In Literatur und Musik wird der Begriff „Manierismus“ noch häufiger verwendet als in der bildenden Kunst und der Architektur. Daher werden literarische Werke, die sich durch kunstvolle Silben, komplizierte Syntax und die Verwendung fantasievoller und fantastischer Bilder auszeichnen, als „manieristisch“ bezeichnet. Das bekannteste Beispiel ist der zweibändige Roman Euphues (1578-1580) von John Lyly, der den Begriff „Euphuismus“ hervorbrachte, der einen höchst künstlichen und prätentiösen Stil bedeutet. In der Musik gilt Kreativität beispielsweise als „manieristisch“. Italienischer Komponist, der Autor der Madrigale Carlo Gesualdo di Venosa, dessen Werke sich durch ungewöhnliche Harmonie, plötzliche Tempowechsel und lebendigen Ausdruck auszeichnen.

2.7 Renaissance
Renaissance (Renaissance) (Renaissance), eine Ära der intellektuellen und künstlerischen Blüte, die in Italien im 14. Jahrhundert begann, im 16. Jahrhundert ihren Höhepunkt erreichte und einen erheblichen Einfluss auf Europäische Kultur. Der Begriff „Renaissance“, der eine Rückkehr zu den Werten der Antike bedeutete (obwohl das Interesse an römischen Klassikern im 12. Jahrhundert entstand), tauchte im 15. Jahrhundert auf und erhielt im 16. Jahrhundert in den Werken von Vasari eine theoretische Begründung , dem Werk berühmter Künstler, Bildhauer und Architekten gewidmet. Zu dieser Zeit entstand eine Vorstellung von der in der Natur herrschenden Harmonie und vom Menschen als Krone ihrer Schöpfung. Zu den herausragenden Vertretern dieser Epoche zählen der Künstler Alberti; Architekt, Künstler, Wissenschaftler, Dichter und Mathematiker Leonardo da Vinci. Der Architekt Brunelleschi schuf unter innovativer Nutzung hellenistischer Traditionen mehrere Gebäude, deren Schönheit den besten antiken Beispielen in nichts nachstand. Sehr interessant sind die Werke von Bramante, den seine Zeitgenossen als den talentiertesten Architekten der Hochrenaissance betrachteten, und Palladio, der große Architekturensembles schuf, die sich durch die Integrität ihres künstlerischen Konzepts und die Vielfalt kompositorischer Lösungen auszeichneten. Die Theatergebäude und Bühnenbilder wurden nach den architektonischen Werken von Vitruv (ca. 15 v. Chr.) nach den Prinzipien des römischen Theaters errichtet. Dramatiker folgten strengen klassischen Regeln. Der Zuschauerraum hatte in der Regel die Form eines Pferdehufeisens; davor befand sich eine erhöhte Plattform mit einem Proszenium, das durch einen Bogen vom Hauptraum getrennt war. Dies wurde als Vorbild für einen Theaterbau für alles genommen westliche Welt für die nächsten fünf Jahrhunderte. Maler der Renaissance schufen ein kohärentes Weltbild mit innerer Einheit und füllten traditionelle religiöse Themen mit irdischen Inhalten (Nicola Pisano, Ende des 14. Jahrhunderts; Donatello, Anfang des 15. Jahrhunderts). Die realistische Darstellung des Menschen wurde zum Hauptziel der Künstler der Frührenaissance, wie die Werke von Giotto und Masaccio belegen. Die Erfindung einer Möglichkeit, Perspektiven zu vermitteln, trug zu einer wahrheitsgetreueren Wiedergabe der Realität bei. Eines der Hauptthemen der Gemälde der Renaissance (Gilbert, Michelangelo) war die tragische Unversöhnlichkeit von Konflikten, der Kampf und der Tod des Helden. Um 1425 wurde Florenz zum Zentrum der Renaissance (Florentiner Kunst), doch zu Beginn des 16. Jahrhunderts – der Hochrenaissance – Spitzenplatz besetzt von Venedig (venezianische Kunst) und Rom. Die kulturellen Zentren waren die Höfe der Herzöge von Mantua, Urbino und Ferrada. Die wichtigsten Förderer der Künste waren die Medici und die Päpste, insbesondere Julius II. und Leo X. Die größten Vertreter der „nördlichen Renaissance“ waren Dürer, Cranach der Ältere und Holbein. Nordische Künstler ahmten meist die besten italienischen Vorbilder nach, und nur wenigen, wie Jan van Scorel, gelang es, einen eigenen Stil zu schaffen, der sich durch besondere Eleganz und Anmut auszeichnete – den Manierismus. Künstler der Renaissance: Alberti, Leonardo da Vinci, Botticelli, Tizian, Michelangelo, Raffael.

2.8 Avantgarde
Avantgardismus (französischer Avantgardismus – voraus und Wächter) – gebräuchlicher Name künstlerische Richtungen Das 20. Jahrhundert ist geprägt von der Suche nach neuen, unbekannten, oft einzigartigen Formen und Mitteln der künstlerischen Darstellung, der Unterschätzung oder völligen Verleugnung von Traditionen und der Verabsolutierung von Innovationen. Entstanden aus der spirituellen Atmosphäre des 20. Jahrhunderts mit seinen grandiosen Umwälzungen, veranschaulicht es nicht nur die Widersprüche zwischen verschiedenen Kompositionssystemen und -techniken, sondern auch den Kampf ideologischer Positionen. Einige Theoretiker und Praktiker des Avantgardismus erklären die Schaffung elitärer Kunst für gesellschaftliche Aufgaben fremd, während andere im Gegenteil nach grundlegend neuen Ausdrucksmitteln suchen, um Gefühle des sozialen Protests und revolutionären Inhalts zu vermitteln. Er zeichnete sich vor allem nicht durch fertige Formen aus, sondern durch Tendenzen zur Verdrängung traditioneller Themen, Handlungen und Kompositionsprinzipien, Hypertrophie der Konvention, starke Ausdruckskraft (Klang, Farbe, Plastik und andere). Sie ist auch durch die Zerstörung objektiv festgelegter Grenzen zwischen Typen und Gattungen gekennzeichnet (das Eindringen von Poesie und Musik in die Prosa und die „Prosaisierung“ der Poesie, die Übertragung von Prinzipien). musikalische Komposition für Literatur und Bildende Kunst). Der widersprüchliche Charakter des Avantgardismus zeigt sich in der Tendenz einiger seiner Richtungen zum Formalismus (der Sieg der verbalen Bildsprache und Symbolik über den Inhalt in Poesie und Prosa, die Betonung von Farbe, kompositorischer Struktur und Handlungslosigkeit in der Malerei, Atonalität und Kakophonie in Musik) und andere im Gegenteil zur Leugnung des ästhetischen Wesens der Kunst und zum Utilitarismus (der Verschmelzung von Kunst mit Produktion, Alltag und politischem Journalismus). In seinen extremen Formen verschmilzt es mit Dekadenz, Moderne und abstrakter Kunst. Talentierte Vertreter des frühen Avantgardeismus. 20. Jahrhundert (Futurismus, Imagismus, Konstruktivismus usw.), die konsequent an einer fortschrittlichen Weltanschauung festhielten, konnten die engen Grenzen dieser Strömungen überwinden und die Kultur mit neuen künstlerischen Werten bereicherten

2.9 Barock
Barock (Barockkunst), Stil der europäischen Kunst und Architektur des 17. und 18. Jahrhunderts. Zu verschiedenen Zeiten hatte der Begriff „Barock“ unterschiedliche Bedeutungen. Anfangs hatte es eine beleidigende Konnotation und implizierte Absurdität, Absurdität (vielleicht geht es auf das portugiesische Wort zurück, das eine hässliche Perle bedeutet). Derzeit wird es in kunsthistorischen Werken verwendet, um den vorherrschenden Stil zu bestimmen Europäische Kunst zwischen Manierismus und Rokoko, also von etwa 1600 bis zum Beginn des 18. Jahrhunderts. Vom barocken Manierismus erbte die Kunst Dynamik und tiefe Emotionalität, von der Renaissance Solidität und Pracht: Die Merkmale beider Stile verschmolzen harmonisch zu einem Ganzen. Die charakteristischsten Merkmale des Barock – auffällige Blumigkeit und Dynamik – entsprachen dem Selbstbewusstsein und der Souveränität der neu mächtigen römisch-katholischen Kirche. Außerhalb Italiens hatte der Barockstil seine tiefsten Wurzeln in katholischen Ländern, und beispielsweise in Großbritannien war sein Einfluss unbedeutend. Am Ursprung der Tradition der Barockkunst in der Malerei stehen zwei große italienische Künstler – Caravaggio und Annibale Carracci, die am meisten geschaffen haben bedeutende Arbeit im letzten Jahrzehnt des 16. Jahrhunderts – dem ersten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts. Die italienische Malerei des späten 16. Jahrhunderts ist geprägt von Unnatürlichkeit und stilistischer Unsicherheit. Caravaggio und Carracci stellten mit ihrer Kunst ihre Integrität und Ausdruckskraft wieder her. Der bedeutendste Vertreter der Barockkunst in der italienischen Architektur war Carlo Maderna (1556-1629), der mit dem Manierismus brach und einen eigenen Stil schuf. Sein Hauptwerk ist die Fassade der romanischen Kirche Santa Susanna (1603). Die Hauptfigur in der Entwicklung der barocken Bildhauerei war Lorenzo Bernini, dessen erste Meisterwerke im neuen Stil um 1620 entstanden. Die Coranaro-Kapelle in der Kirche Santa Maria della Victoria (1645-1652) gilt als Inbegriff des Barock , eine beeindruckende Verschmelzung von Malerei, Skulptur und Architektur. Berninis bedeutendste italienische Zeitgenossen während dieser reifen Barockperiode waren der Architekt Borromini und der Künstler sowie der Architekt Pietro da Cortona. Etwas später wirkte Andrea del Pozzo (1642-1709); seine bemalte Decke in der Kirche Sant'Ignazio in Rom (Apotheose des heiligen Ignatius von Loyola) ist der Höhepunkt der barocken Tendenz zu pompöser Pracht. Im 17. Jahrhundert war Rom die Kunsthauptstadt der Welt und zog Künstler aus ganz Europa an, und die Barockkunst verbreitete sich bald über die „ewige Stadt“ hinaus. In jedem barocken Land wurde die Kunst von lokalen Traditionen genährt. In einigen Ländern wurde es extravaganter, beispielsweise in Spanien und Lateinamerika, wo sich ein architektonischer Dekorationsstil namens Churrigueresco entwickelte; in anderen wurde es zugunsten eines konservativeren Geschmacks gedämpft. Im katholischen Flandern blühte die Barockkunst im Werk von Rubens auf; im protestantischen Holland hatte sie einen weniger spürbaren Einfluss. Zwar sind Rembrandts reife Werke, äußerst lebendig und dynamisch, deutlich vom Einfluss der Barockkunst geprägt. In Frankreich äußerte es sich am deutlichsten im Dienst der Monarchie, nicht der Kirche. Ludwig XIV. verstand die Bedeutung der Kunst als Mittel zur Verherrlichung der königlichen Macht. Sein Berater auf diesem Gebiet war Charles Lebrun, der die Künstler und Dekorateure beaufsichtigte, die im Schloss Ludwigs in Versailles arbeiteten. Versailles war mit seiner grandiosen Kombination aus üppiger Architektur, Bildhauerei, Malerei, Dekorations- und Landschaftskunst eines der beeindruckendsten Beispiele für die Verschmelzung der Künste. Die Barockkunst trug zur Schaffung theatralischer Effekte bei, die durch Beleuchtung, falsche Perspektiven und spektakuläre Bühnendekorationen erzielt wurden. Dem zurückhaltenden britischen Geschmack entsprach es jedoch wenig. In der englischen Architektur war der Einfluss des Barock erst zu Beginn des 18. Jahrhunderts im einzigartigen Werk von Vanbrugh und Hawksmore spürbar. Einige von Wrens späteren Werken nähern sich diesem Stil. Der Wunsch der barocken Kunst nach Maßstäben ist in den majestätischen Bauten der St. Paul's Cathedral (1675-1710) und des Greenwich Hospital (Anfang 1696) spürbar. Der Barock wich einem ruhigeren Palladianismus. In allen Kunstgattungen verschmolz der Barock mit dem leichteren Rokoko-Stil. Diese Fusion war sehr fruchtbar Zentraleuropa, insbesondere in Dresden, Wien und Prag.

GENRES DER MALEREI(Französisches Genre - Gattung, Typ) - eine historisch etablierte Einteilung von Kunstwerken nach den Themen und Objekten des Bildes. In der modernen Malerei gibt es folgende Genres: Porträt, Historie, Mythologie, Schlacht, Alltag, Landschaft, Stillleben, Tiergenre.

Obwohl der Begriff „Genre“ in der Malerei erst vor relativ kurzer Zeit auftauchte, gibt es seit der Antike gewisse Genreunterschiede: Tierbilder in paläolithischen Höhlen, Porträts des alten Ägypten und Mesopotamiens aus dem 3. Jahrtausend v. Chr., Landschaften und Stillleben in hellenistischen und römischen Mosaiken und Fresken. Die Entstehung des Genres als System in der Staffeleimalerei begann in Europa im 15.–16. Jahrhundert. und endete vor allem im 17. Jahrhundert, als neben der Einteilung der bildenden Kunst in Genres auch der Begriff des sogenannten auftauchte. „hohe“ und „niedrige“ Genres je nach Bildthema, Thema, Handlung. Das „hohe“ Genre umfasste historische und mythologische Genres und das „niedrige“ Genre umfasste Porträt, Landschaft und Stillleben. Diese Abstufung der Genres dauerte bis ins 19. Jahrhundert. wenn auch mit Ausnahmen.

Also im 17. Jahrhundert. In Holland waren es die „niedrigen“ Genres, die in der Malerei führend wurden (Landschaft, Alltag, Stillleben), aber das zeremonielle Porträt, das formal zum „niedrigen“ Genre der Porträtmalerei gehörte, gehörte nicht dazu. Da sie zu einer Form der Darstellung des Lebens geworden sind, sind die Genres der Malerei trotz der Stabilität ihrer allgemeinen Merkmale nicht unveränderlich, sie entwickeln sich mit dem Leben und verändern sich mit der Entwicklung der Kunst. Einige Genres sterben aus oder erhalten eine neue Bedeutung (zum Beispiel das mythologische Genre), neue entstehen, meist innerhalb bereits bestehender (zum Beispiel innerhalb des Landschaftsgenres). Architekturlandschaft Und Yachthafen). Es erscheinen Werke, die verschiedene Genres kombinieren (z. B. eine Kombination). alltägliches Genre mit Landschaft, Gruppenporträt mit historischem Genre).

Als Kunst wird eine Gattung der bildenden Kunst bezeichnet, die das äußere und innere Erscheinungsbild einer Person oder Personengruppe widerspiegelt Porträt. Dieses Genre ist nicht nur in der Malerei, sondern auch in der Skulptur, Grafik usw. weit verbreitet. Die Hauptanforderungen an ein Porträt sind die Vermittlung äußerer Ähnlichkeit und die Offenlegung der inneren Welt, der Essenz des Charakters einer Person. Aufgrund der Art des Bildes werden zwei Hauptgruppen unterschieden: Prunk- und Kammerporträts. Ein zeremonielles Porträt zeigt eine Person in voller Größe (auf einem Pferd, stehend oder sitzend) vor einem architektonischen oder landschaftlichen Hintergrund. Bei einem Kammerporträt wird ein Bild in halber oder Brustlänge vor einem neutralen Hintergrund verwendet. Es gibt Doppel- und Gruppenporträts. Porträts, die auf verschiedenen Leinwänden gemalt, aber in Komposition, Format und Farbe aufeinander abgestimmt sind, werden als gepaart bezeichnet. Porträts können Ensembles bilden – Porträtgalerien, zusammengefasst nach beruflichen, familiären und anderen Merkmalen (Galerien mit Porträts von Mitgliedern einer Korporation, Zunft, Regimentsoffizieren usw.). Selbstporträts sind eine besondere Gruppe – die Selbstdarstellung des Künstlers.

Das Porträt ist eines der ältesten Genres der bildenden Kunst; ursprünglich hatte es einen Kultzweck und wurde mit der Seele des Verstorbenen identifiziert. In der Antike entwickelte sich die Porträtmalerei stärker in der Bildhauerei sowie in gemalten Porträts – Fayyum-Porträts des 1.–3. Jahrhunderts. Im Mittelalter wurde der Begriff des Porträts durch verallgemeinerte Bilder ersetzt, obwohl es in Fresken, Mosaiken, Ikonen und Miniaturen einige individuelle Besonderheiten in der Darstellung historischer Persönlichkeiten gab. Spätgotik und Renaissance sind eine turbulente Zeit in der Entwicklung des Porträts, in der sich das Porträtgenre herausbildet und den Höhepunkt des humanistischen Glaubens an den Menschen und des Verständnisses seines spirituellen Lebens erreicht. Im 16. Jahrhundert Folgende Arten von Porträts kommen vor: traditionell (halbfigurig oder ganzfigurig), allegorisch (mit Attributen des Göttlichen), symbolisch (basierend auf einem literarischen Werk), Selbstporträt und Gruppenporträt: Giotto Enrico Scrovegni(um 1305, Padua), Jan van Eyck Porträt des Ehepaares Arnolfini(1434, London, National Gallery), Leonardo da Vinci Gioconda(um 1508, Paris, Louvre), Raffael Dame mit Schleier(um 1516, Florenz, Pitti-Galerie), Tizian Porträt eines jungen Mannes mit Handschuh(1515–1520, Paris, Louvre), A. Dürer Porträt eines jungen Mannes Person(1500, München, Alte Pinakothek), H. Holbein Boten(London, National Gallery), Rembrandt Die Nachtwache (1642, Amsterdam, Rijksmuseum), Selbstporträt mit Saskia auf den Knien(um 1636, Dresden, Gemäldegalerie). Dank Van Dyck, Rubens und Velazquez entsteht eine Art königliches Hofporträt: Das Modell wird in voller Länge vor dem Hintergrund von Vorhängen, Landschaften und architektonischen Motiven gezeigt (Van Dyck). Porträt von Karl I, OK. 1653, Paris, Louvre).

Parallel dazu gibt es eine Reihe von psychologischen Porträts, Charakterporträts und Gruppenporträts: F. Hals Gruppenporträt der Firma St. Adriana(1633, Haarlem, Frans Hals Museum), Rembrandt Syndiks(1662, Amsterdam, Landesmuseum), El Greco Porträt von Niño de Guevara(1601, New York, Metropolitan Museum of Art), D. Velazquez Porträt von Philipp IV(1628, Madrid, Prado), F. Goya Drossel aus Bordeaux(1827, Madrid, Prado), T. Gainsborough Porträt der Schauspielerin Sarah Siddons(1784–1785, London, National Gallery), F.S. Rokotow Porträt von Maykov(um 1765, Moskau, Tretjakow-Galerie), D. G. Levitsky Porträt von M.A. Djakowa(1778, Moskau, Tretjakow-Galerie). Interessantes und abwechslungsreiches Porträt des 19.–20. Jahrhunderts: D. Ingres Porträt von Madame Recamier(1800, Paris, Louvre), E. Manet Flötist(1866, Paris, Louvre), O. Renoir Porträt von Jeanne Samary(1877, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste), V. Van Gogh Selbstbildnis mit bandagiertem Ohr(1889, Chicago, Sammlung Blok), O.A. Kiprensky Porträt eines Dichters Puschkin(1827, Moskau, Tretjakow-Galerie), I.N. Kramskoy Porträt des Schriftstellers Leo Tolstoi(1873, Moskau, Tretjakow-Galerie), I.E. Repin Mussorgski(1881, Moskau, Tretjakow-Galerie).

Man bezeichnet ein Genre der bildenden Kunst, das sich historischen Ereignissen und Charakteren widmet historisches Genre. Das von Monumentalität geprägte historische Genre hat sich in der Wandmalerei seit langem entwickelt. Von der Renaissance bis zum 19. Jahrhundert. Künstler verwendeten Themen antike Mythologie, christliche Legenden. Oftmals waren die im Bild dargestellten realen historischen Ereignisse mit mythologischen oder biblischen allegorischen Charakteren gesättigt. Das historische Genre ist mit anderen verflochten – dem Alltagsgenre (historische und alltägliche Szenen), dem Porträt (Darstellungen historischer Persönlichkeiten der Vergangenheit, porträthistorische Kompositionen), der Landschaft („historische Landschaft“) und verschmilzt mit dem Kampfgenre.

Das historische Genre wird in Staffelei- und Monumentalformen, in Miniaturen und Illustrationen verkörpert. Das aus der Antike stammende historische Genre verband reale historische Ereignisse mit Mythen. In den Ländern des Alten Ostens gab es sogar Arten symbolischer Kompositionen (die Apotheose der militärischen Siege des Monarchen, die Machtübertragung an ihn durch eine Gottheit) und Erzählzyklen aus Gemälden und Reliefs.

IN Antikes Griechenland es gab skulpturale Bilder historischer Helden ( Tyrannizide, 477 v. Chr.), wurden im antiken Rom Reliefs mit Szenen von Feldzügen und Triumphen geschaffen ( Trajanssäule in Rom, ca. 111–114). Im Mittelalter spiegelten sich in Europa historische Ereignisse in Miniaturchroniken und Ikonen wider. Das historische Genre der Staffeleimalerei nahm in Europa während der Renaissance im 17. und 18. Jahrhundert Gestalt an. Es galt als „hohes“ Genre, das (religiöse, mythologische, allegorische, historische Themen) hervorhob. Eines der ersten realistischen Staffeleigemälde war Übergabe von Breda Velazquez (1629–1631, Madrid, Prado). Gemälde des historischen Genres waren voller dramatischer Inhalte, hoher ästhetischer Ideale und der Tiefe menschlicher Beziehungen: Tintoretto Schlacht von Zara(um 1585, Venedig, Dogenpalast), N. Poussin Die Großzügigkeit von Scipio(1643, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste), J.L. David Eid der Horatii(1784, Paris, Louvre), E. Manet Ausführung Kaiser Maximilian(1871, Budapest, Museum der Schönen Künste). Anfang des 19. Jahrhunderts – eine neue Etappe in der Entwicklung des historischen Genres, die mit dem Aufkommen der Romantik und dem Aufkommen utopischer Erwartungen begann: E. Delacroix Einnahme von Konstantinopel durch die Kreuzfahrer(1840, Paris, Louvre), K. Bryullov Der letzte Tag von Pompeji(1830–1833, St. Petersburg, Russisches Museum), A.A.Ivanov Die Erscheinung Christi vor dem Volk(1837–1857, Moskau, Tretjakow-Galerie). Realismus der 2. Hälfte des 19. Jahrhunderts. wendet sich dem Verständnis der historischen Tragödien von Völkern und Einzelpersonen zu: I.E. Repin Iwan Grosny und sein Sohn Ivan(1885, Moskau, Tretjakow-Galerie), V.I.Surikov Menschikow in Beresow(1883, Moskau, Tretjakow-Galerie). In der Kunst des 20. Jahrhunderts. Es besteht Interesse an der Antike als Quelle der Schönheit und Poesie: V.A. Serov Peter I(1907, Moskau, Tretjakow-Galerie), Künstler des Vereins World of Art. In der sowjetischen Kunst nahm die historische und revolutionäre Komposition den führenden Platz ein: B.M Bolschewik(1920, Moskau, Tretjakow-Galerie).

Es wird ein Genre der bildenden Kunst genannt, das den Helden und Ereignissen gewidmet ist, von denen die Mythen der alten Völker erzählen mythologisches Genre(aus dem griechischen Mythos - Legende). Das mythologische Genre kommt mit dem Historischen in Berührung und nimmt in der Renaissance Gestalt an alte Legenden gab reiche Möglichkeiten für die Verkörperung von Geschichten und Charakteren mit komplexen ethischen, oft allegorischen Untertönen: S. Botticelli Geburt der Venus(um 1484, Florenz, Uffizien), A. Mantegna Parnass(1497, Paris, Louvre), Giorgione Schlafen Venus(um 1508–1510, Dresden, Gemäldegalerie), Raffael Athener Schule(1509–1510, Rom, Vatikan). Im 17. Jahrhundert - Anfang 19. Jahrhundert In Werken des mythologischen Genres erweitert sich das Spektrum moralischer und ästhetischer Probleme, die in hohen künstlerischen Idealen verkörpert werden und entweder dem Leben näher kommen oder ein festliches Spektakel schaffen: N. Poussin Schlafende Venus(1620er Jahre, Dresden, Gemäldegalerie), P.P. Rubens Bacchanal(1619–1620, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste), D. Velasquez Bacchus (Trunkenbolde) (1628–1629, Madrid, Prado), Rembrandt Danae(1636, St. Petersburg, Eremitage), G. B. Tiepolo Triumph von Amphitrite(um 1740, Dresden, Gemäldegalerie). Aus dem 19.–20. Jahrhundert. Themen germanischer, keltischer, indischer und slawischer Mythen wurden populär.

Kampfgenre(aus dem Französischen bataille – Schlacht) ist ein Genre der Malerei, das Teil des historischen, mythologischen Genres ist und sich auf die Darstellung von Schlachten, militärischen Heldentaten, militärischen Operationen, der Verherrlichung militärischer Tapferkeit, der Wut der Schlacht und des Triumphs des Sieges spezialisiert hat. Die Schlachtenmalerei kann Elemente anderer Genres enthalten – häusliche Malerei, Porträt, Landschaft, Tiermalerei, Stillleben. Künstler wandten sich regelmäßig dem Kampfgenre zu: Leonardo da Vinci Schlacht von Anghiari(nicht erhalten), Michelangelo Schlacht von Kashin(nicht erhalten), Tintoretto Schlacht von Zara(um 1585, Venedig, Dogenpalast), N. Poussin, A. Watteau Die Härten des Krieges(um 1716, St. Petersburg, Eremitage), F. Goya Kriegskatastrophen(1810–1820), T. Gericault Verwundeter Kürassier(1814, Paris, Louvre), E. Delacroix Chios-Massaker(1824, Paris, Louvre), V. M. Vasnetsov Nach dem Massaker an Igor Swjatoslawowitsch mit Polowzianer(1880, Moskau, Tretjakow-Galerie).

Ein Genre der bildenden Kunst, das Szenen des Alltags zeigt, persönliches Leben bezeichnet wird eine Alltagsperson aus dem bäuerlichen und städtischen Leben alltägliches Genre. Appelle an das Leben und die Moral der Menschen finden sich bereits in den Gemälden und Reliefs des Alten Ostens, in der antiken Vasenmalerei und Skulptur, in mittelalterlichen Ikonen und Stundenbüchern. Doch erst als Phänomen der weltlichen Staffeleikunst stach das Alltagsgenre hervor und erlangte charakteristische Formen. Seine Hauptmerkmale nahmen im 14.–15. Jahrhundert Gestalt an. in Altargemälden, Reliefs, Wandteppichen, Miniaturen in den Niederlanden, Deutschland, Frankreich. Im 16. Jahrhundert In den Niederlanden begann sich das Alltagsgenre rasch zu entwickeln und wurde isoliert. Einer seiner Gründer war I. Bosch ( Sieben tödliche Sünden, Madrid, Prado). Die Entwicklung des Alltagsgenres in Europa wurde stark von der Arbeit von P. Bruegel beeinflusst: Er geht zu einem reinen Alltagsgenre über, zeigt, dass der Alltag ein Gegenstand des Studiums und eine Quelle der Schönheit sein kann ( Bauerntanz, Bauernhochzeit- OK. 1568, Wien, Kunsthistorisches Museum). 17. Jahrhundert kann als das Jahrhundert des „Genres“ aller Malschulen Europas bezeichnet werden: Michelangelo und Caravaggio Wahrsagerin(Paris, Louvre), P.P. Rubens Bauer tanzen(1636–1640, Madrid, Prado), J. Jordans Bohnenkönigfest(um 1638, St. Petersburg, Eremitage), A. van Ostade Flötist(um 1660, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste), Jan Steen Patient und Arzt(um 1660, Amsterdam, Rijksmuseum), F. Hals Zigeuner(um 1630, Paris, Louvre), John Vermeer aus Delft Mädchen mit einem Brief(Ende 1650er Jahre, Dresden, Gemäldegalerie). Im 18. Jahrhundert In Frankreich wird die Genremalerei mit der Darstellung galanter Szenen, „Pastorale“, in Verbindung gebracht, sie wird raffiniert und anmutig, ironisch: A. Watteau Biwak(um 1710, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste), J.B. Chardin Gebet vor dem Mittagessen(um 1737, St. Petersburg, Eremitage). Werke des alltäglichen Genres waren vielfältig: Sie zeigten die Wärme des häuslichen Lebens und die Exotik ferner Länder, sentimentale Erlebnisse und romantische Leidenschaften. Haushaltsgenre im 19. Jahrhundert. in der Malerei bekräftigte er demokratische Ideale, oft mit kritischen Untertönen: O. Daumier Wäscherin(1863, Paris, Louvre), G. Courbet Künstlerwerkstatt(1855, Paris, Musée d’Orsay). Das alltägliche Genre, das sich auf die Darstellung des bäuerlichen Lebens und des Lebens eines Stadtbewohners konzentriert, entwickelte sich in der russischen Malerei des 19. Jahrhunderts lebhaft: A.G. Venetsianov Auf dem Ackerland. Frühling(1820er Jahre, Moskau, Tretjakow-Galerie), P.A. Fedotov Majors Matchmaking(1848, Moskau, Tretjakow-Galerie), V.G. Perov Die letzte Taverne am Außenposten(1868, Moskau, Tretjakow-Galerie), I.E. Repin Wir haben nicht gewartet(1884, Moskau, Tretjakow-Galerie).

Eine Gattung der bildenden Kunst, bei der die Darstellung der Natur im Vordergrund steht. Umfeld, Ansichten von Landschaften, Städten, historischen Denkmälern, nennt man Landschaft (französisch paysage). Es gibt ländliche, städtische Landschaften (einschließlich Veduten), architektonische, industrielle, Bilder des Wasserelements – Meer (Yachthafen) und Flusslandschaften

In der Antike und im Mittelalter erscheinen Landschaften in Gemälden von Tempeln, Palästen, Ikonen und Miniaturen. In der europäischen Kunst waren die venezianischen Maler der Renaissance (A. Canaletto) die ersten, die sich der Darstellung der Natur zuwandten. Aus dem 16. Jahrhundert Landschaft wird zu einem eigenständigen Genre, ihre Spielarten und Richtungen werden geformt: lyrische, heroische, dokumentarische Landschaft: P. Bruegel Was für ein unangenehmer Tag (Frühlingsabend) (1565, Wien, Kunsthistorisches Museum), P.P. Rubens Löwenjagd(um 1615, München, Alte Pinakothek), Rembrandt Landschaft mit Teich und Bogenbrücke(1638, Berlin – Dahlem), J. van Ruisdael Waldsumpf(1660er Jahre, Dresden, Kunsthalle), N. Poussin Landschaft mit Polyphem(1649, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste), K. Lorrain Mittag(1651, St. Petersburg, Eremitage), F. Guardi Markusplatz, Blick auf die Basilika(ca. 1760–1765, London, National Gallery). Im 19. Jahrhundert Die kreativen Entdeckungen der Landschaftsmeister, ihre Sättigung mit sozialen Themen, die Entwicklung des Pleinairs (Darstellung der natürlichen Umgebung) gipfelten in den Errungenschaften des Impressionismus, der neue Möglichkeiten in der bildlichen Übertragung räumlicher Tiefe und der Variabilität der Licht-Luft-Umgebung eröffnete , Komplexität der Farben: die Barbizons, C. Corot Morgen in Venedig(um 1834, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste), A.K Die Rooks sind angekommen(1871, Moskau, Tretjakow-Galerie), I.I Roggen V.D. Polenov Moskauer Innenhof(1878, Moskau, Tretjakow-Galerie), I.I der goldene Herbst(1895, Moskau, Tretjakow-Galerie), E. Manet Frühstück auf der Wiese(1863, Paris, Louvre), C. Monet Boulevard Kapuzinermädchen in Paris(1873, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste), O. Renoir Planschbecken(1869, Stockholm, Nationalmuseum).

Yachthafen(italienisch Marina, von lateinisch marinus – Meer) – eine der Landschaftstypen, deren Gegenstand das Meer ist. Der Yachthafen wurde zu Beginn des 17. Jahrhunderts in Holland zu einem eigenständigen Genre: J. Porcellis, S. de Vlieger, W. van de Velle, J. Vernet, W. Turner Beerdigung auf See(1842, London, Tate Gallery), C. Monet Eindruck, Sonnenaufgang Sonne(1873, Paris, Marmottan Museum), S.F. Shchedrin Kleiner Hafen in Sorrent(1826, Moskau, Tretjakow-Galerie).

Architekturlandschaft- eine Art Landschaft, eine der Arten der perspektivischen Malerei, ein Bild realer oder imaginärer Architektur in einer natürlichen Umgebung. Linear und Aerial Perspektive, die Natur und Architektur verbindet. In der Architekturlandschaft werden urbane perspektivische Ansichten unterschieden, die im 18. Jahrhundert genannt wurden. Vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi in Venedig), Ansichten von Landgütern, Parkensembles mit Gebäuden, Landschaften mit antiken oder mittelalterlichen Ruinen (Y. Robert; K. D. Friedrich Abtei in Oak Hain, 1809–1810, Berlin, Staatliches Museum; S.F. Shchedrin), Landschaften mit imaginären Strukturen und Ruinen (D.B. Piranesi, D. Pannini).

Vedute(italienische Vedute, wörtlich – gesehen) – eine Landschaft, die das Erscheinungsbild eines Gebiets, einer Stadt, eine der Quellen der Panoramakunst, genau dokumentiert. Der Begriff tauchte im 18. Jahrhundert auf, als eine Camera Obscura zur Wiedergabe von Ansichten verwendet wurde. Der führende Künstler dieses Genres war A. Canaletto: Markusplatz(1727–1728, Washington, National Gallery).

Ein Genre der bildenden Kunst, das Haushaltsgegenstände, Arbeit, Kreativität, Blumen, Früchte, totes Wild, gefangene Fische in einer realen Alltagsumgebung zeigt, wird Stillleben (fr. Nature morte – tote Natur) genannt. Stillleben können komplex sein symbolische Bedeutung, die Rolle einer dekorativen Platte spielen, die sogenannte sein. ein „Trick“, der eine illusorische Reproduktion liefert echte Objekte oder Figuren, die die Wirkung der Anwesenheit einer echten Natur hervorrufen.

Die Darstellung von Gegenständen ist in der Kunst der Antike und des Mittelalters bekannt. Als erstes Stillleben in Staffeleimalerei gilt jedoch ein Gemälde des venezianischen Künstlers Jacopo de Barbari Rebhuhn mit Pfeil und Handschuhen(1504, München, Alte Pinakothek). Bereits im 16. Jahrhundert. Stillleben lassen sich in viele Arten einteilen: ein Kücheninterieur mit oder ohne Menschen, ein gedeckter Tisch in ländlicher Umgebung, „Vanitas“ mit symbolischen Gegenständen (eine Blumenvase, eine erloschene Kerze, Musikinstrumente). Im 17. Jahrhundert Das Genre des Stilllebens blüht: die Monumentalität der Gemälde von F. Snyders ( Stillleben mit einem Schwan, Moskau, Staatliches Puschkin-Museum der Schönen Künste), F. Zurbaran, der aus wenigen Objekten einfache Kompositionen komponierte ( Stillleben mit vier Gefäßen, 1632–1634, Madrid, Prado). Das niederländische Stillleben war besonders reichhaltig, bescheiden in der Farbe und in den dargestellten Dingen, aber exquisit in der ausdrucksstarken Textur der Objekte, im Spiel von Farbe und Licht (P. Klas, V. Heda, V. Kalf, A. Beyeren) . Im 18. Jahrhundert In den lakonischen Stillleben von J.B. Chardin werden der im Alltag verborgene Wert und die Würde bekräftigt: Attribute der Kunst(1766, St. Petersburg, Eremitage). Stillleben des 19. Jahrhunderts sind vielfältig: soziale Implikationen in den Gemälden von O. Daumier; Transparenz, Luftigkeit in den Gemälden von E. Manet; Monumentalität, Konstruktivität, präzise Modellierung der Form mit Farbe von P. Cezanne. Im 20. Jahrhundert Es eröffnen sich neue Möglichkeiten für Stillleben: P. Picasso, J. Braque machten das Motiv zum Hauptgegenstand des künstlerischen Experiments, indem sie seine geometrische Struktur untersuchten und sezierten.

Ein Genre der bildenden Kunst, das Tiere zeigt, wird genannt animalisches Genre(von lat. Tier - Tier). Der Tierkünstler achtet auf die künstlerischen und figurativen Eigenschaften des Tieres, seine Gewohnheiten, die dekorative Ausdruckskraft von Figur und Silhouette. Tiere sind oft mit Eigenschaften, Handlungen und Erfahrungen ausgestattet, die dem Menschen innewohnen. Tierbilder finden sich häufig in antiken Skulpturen und Vasenmalereien.

Nina Bayor

Literatur:

Suzdalev P. Über Gattungen der Malerei.– Zeitschrift „Creativity“, 1964, Nr. 2, 3
Geschichte der ausländischen Kunst. M., Bildende Kunst, 1984
Whipper B.R. Einführung zu historische Studie Kunst. M., Bildende Kunst, 1985
Geschichte der Weltkunst. BMM JSC, M., 1998

Malerei ist eine der häufigsten Kunstformen, mit deren Hilfe Künstler dem Betrachter ihre Vision der Welt vermitteln.

Somit ist die Malerei eine eigenständige und sehr beliebte Form der bildenden Kunst, bei der der Meister durch das Auftragen von Farben auf die Bildoberfläche visuelle Bilder vermittelt.

Alle heute existierenden Gemälde lassen sich in mehrere separate Genres einteilen, die ihre eigenen Charakteristika in Thematik und Bildtechnik aufweisen. Betrachten wir die wichtigsten, um eine richtige Vorstellung von der Struktur von Gemälden zu bekommen.

Unter den modernen Genres der Malerei können wir also Folgendes nennen:

• Porträt
• Landschaft
• Yachthafen
• Historienmalerei
• Schlachtenmalerei
• Stillleben
• Genremalerei
• Architekturmalerei
• Religiöse Malerei
• Tiermalerei
• Dekorative Malerei

Schematisch sieht die Einteilung der Malereigattungen wie folgt aus:

Porträt

Viele von uns kennen das Genre der Malerei, das als Porträtmalerei bekannt ist. Dabei handelt es sich um eine der ältesten Formen der Feinmalerei, die auch in der Bildhauerei und Grafik zu finden ist. Bisher gab es keine Fotos, also ist jeder reich bzw berühmte Person hielt es für notwendig, sein Gesicht und seine Figur für die Nachwelt zu verewigen – und dabei kamen ihm Porträtmaler zu Hilfe.

Darüber hinaus kann das Porträt sowohl reale Menschen als auch literarische oder mythische Helden darstellen. Darüber hinaus kann sowohl ein Porträt einer Person, die in vergangenen Zeiten gelebt hat, als auch eines unserer heutigen Zeitgenossen erstellt werden.

Das Genre des Porträts hat keine klaren Grenzen, daher kann ein Porträt in einem Werk mit Elementen anderer Genres der Malerei kombiniert werden – Landschaft, Stillleben usw.

Arten von Porträts

Zu den häufigsten Typen Porträtgemälde Folgendes kann unterschieden werden:

• Historisches Porträt
• Retrospektives Porträt
• Porträtgemälde
• Typisches Porträt
• Selbstporträt
• Spenderporträt
• Zeremonielles Porträt
• Halbgekleidetes Porträt
• Kammerporträt
• Intimes Porträt
• Kleinformatiges Porträt
• Porträt - Miniatur

Jede Art von Porträtmalerei hat ihre eigenen charakteristischen Merkmale und Unterschiede in der Ausführungstechnik. Schauen wir sie uns genauer an.

• Historisches Porträt- enthält irgendeine Art von Bild historische Figur, Politiker oder eine kreative Person. Ein solches Porträt kann aus den Erinnerungen von Zeitgenossen entstehen oder in der Fantasie des Malers entstehen.

• Retrospektives Porträt- ein posthumes Bild einer in der Vergangenheit lebenden Person, das nach Beschreibungen von Augenzeugen oder aus einem intravitalen Bild erstellt wurde. Es kann jedoch auch Fälle geben, in denen das Porträt vollständig vom Meister komponiert wurde.

• Malerei - Porträt- Eine Person wird in einer Handlungsbeziehung mit der umgebenden Welt, der Natur, vor dem Hintergrund architektonischer Gebäude oder den Aktivitäten anderer Menschen dargestellt. In der Porträtmalerei sind die Verwischung der Grenzen und die Kombination verschiedener Genres – Landschafts-, Historien- und Schlachtenmalerei usw. – am deutlichsten sichtbar.

• Typisches Porträt- Künstler - Maler stellt ein kollektives Bild dar, das sich aus den charakteristischen Merkmalen des Aussehens vieler Menschen zusammensetzt, die durch gemeinsame Vorstellungen, Arten von Aktivitäten, sozialen Status oder Lebensstil verbunden sind.

• Porträt im Kostüm- Die dargestellte Person wird dem Betrachter in Form einer literarischen oder theatralischen Figur, einer historischen Figur oder eines mythologischen Helden präsentiert. Solche Porträts sind für die Untersuchung von Kostümen aus anderen Epochen von besonderem Interesse.

• Selbstporträt- eine besondere Art der Porträtmalerei, in der der Künstler sich selbst darstellt. Das heißt, er möchte dem Publikum sein inneres Wesen vermitteln und vermitteln.

• Spenderporträt- eine der veralteten Formen der Porträtmalerei. Ein solches Gemälde mit religiösem Thema zeigte eine Person, die große Spenden an die Kirche leistete. Er erschien vor dem Publikum, umgeben von Heiligen, neben der Madonna oder auf einer der Türen des Altars, kniend. Wohlhabende Leute Damals sah man in der Schaffung eines Stifterporträts eine besondere Bedeutung, da solche Gemälde stets positiv wahrgenommen und gleichberechtigt verehrt wurden.

Nach Art und Art der Darstellung Menschliche Figuren, alle Porträts sind in folgende Typen unterteilt:

• Zeremonielles Porträt- zeigt einen Mann im Stehen in voller Körpergröße. Gleichzeitig sind alle Details des Aussehens und der Figur sehr klar ausgeschrieben.

• Halbgekleidetes Porträt- Eine Person wird von der Taille aufwärts bis zu den Knien oder in sitzender Position dargestellt, wenn der untere Teil der Beine nicht sichtbar ist. Bei einer solchen Porträtarbeit spielt die Darstellung der Umgebung oder der Accessoires eine große Rolle.

• Kammerporträt- Die menschliche Figur wird auf einem neutralen Hintergrund dargestellt und es wird eine verkürzte Version des Bildes der menschlichen Figur verwendet – bis zur Taille, bis zur Brust oder sogar bis zur Schulterhöhe. In diesem Fall zeichnet der Meister die Gesichtszüge der Person besonders deutlich und sorgfältig nach.

• Intimes Porträt- äußerst selten verwendet und ist eine der Sorten Kammerporträt dank Ausführung auf neutralem Hintergrund. Die Entstehung eines intimen Porträts basiert auf den tiefen Gefühlen des Künstlers für die abgebildete Person oder auf einer vertrauensvollen Beziehung zwischen ihnen.

• Kleinformatiges Porträt- ein kleines Gemälde. normalerweise mit Tinte, Bleistift, Pastell oder Wasserfarben.

• Porträt - Miniatur- eine der bekanntesten und technisch komplexesten Arten der Porträtmalerei. Die Miniatur zeichnet sich durch ein kleines Bildformat (von 1,5 bis 20 cm) sowie eine außergewöhnliche Feinheit der Schrift und eine sorgfältige, fast juwelierhafte Zeichnung aller Linien aus. Miniaturporträts wurden in Medaillons eingefügt und zur Verzierung von Uhren, Armbändern, Broschen, Ringen und Schnupftabakdosen verwendet.

Landschaft

Landschaft ist ein eigenständiges Genre der Malerei, dessen Hauptgegenstand die Natur in ihrer ursprünglichen oder im Laufe der menschlichen Tätigkeit leicht veränderten Form ist.

Genre Landschaftsmalerei seit der Antike bekannt. Im Mittelalter verlor es jedoch etwas an Bedeutung. Doch bereits in der Renaissance erlebte die Landschaft eine Wiederbelebung und erlangte die Bedeutung einer der wichtigsten Gattungen der Bildkunst.

Yachthafen

Marina (vom lateinischen Wort „marinus“ – „Meer“) ist eine besondere Gattung der Malerei, in der alle dargestellten Ereignisse, Arten menschlicher Aktivitäten und Naturbilder dem Meer gewidmet sind. Oftmals zeigen die Leinwände Meereslandschaften zu unterschiedlichen Jahreszeiten und unter unterschiedlichen Lichtverhältnissen.

Künstler, die das Meer in seinen verschiedenen Erscheinungsformen malen, werden „Marinemaler“ genannt. Einer der berühmtesten Marinemaler ist Ivan Aivazovsky, der über 6.000 Gemälde zum Thema Marine schuf.

Historienmalerei

Das Genre der Historienmalerei entstand in der Renaissance, als Künstler versuchten, in ihren Gemälden Szenen aus dem Leben der Gesellschaft in verschiedenen Epochen der Geschichte widerzuspiegeln.

Historische Gemälde könnten jedoch nicht nur Bilder aus dem Leben realer Menschen darstellen, sondern auch mythologische Themen sowie illustrierte Neuinterpretationen biblischer und evangelischer Geschichten.

Die historische Malerei dient der Darstellung vergangener Ereignisse, die für ein bestimmtes Volk oder die gesamte Menschheit von größter Bedeutung sind.

Schlachtenmalerei

Eine der Spielarten des historischen Genres ist die Schlachtenmalerei, deren Bilder sich hauptsächlich militärischen Ereignissen, berühmten Land- und Seeschlachten sowie Feldzügen widmen. Das Kampfgenre umfasst die Geschichte militärischer Zusammenstöße in der gesamten Geschichte der menschlichen Zivilisation.

Gleichzeitig zeichnen sich Schlachtengemälde durch eine große Anzahl und Vielfalt der dargestellten Figuren sowie durch recht genaue Darstellungen des Geländes und der Besonderheiten einer bestimmten Region aus.

Der Schlachtenmaler steht vor mehreren schwierigen Aufgaben:

1. Zeigen Sie den Heldenmut des Krieges und das Verhalten der mutigsten Krieger.
2. Erfassen Sie einen besonders wichtigen oder Wendepunkt in einer Schlacht.
3. Entdecken Sie in Ihrer Arbeit die volle historische Bedeutung militärischer Ereignisse.
4. Bringen Sie das Verhalten und die Erfahrungen aller Teilnehmer an der Schlacht – sowohl berühmter Kommandeure als auch gewöhnlicher Soldaten – präzise und klar zum Ausdruck.

Es ist zu beachten, dass das Genre der Schlachtenmalerei als eines der schwierigsten gilt, weshalb solche Gemälde von Meistern über einen langen Zeitraum – manchmal zehn Jahre – geschaffen werden. Der Künstler muss nicht nur über ausgezeichnete Kenntnisse der detaillierten Geschichte der dargestellten Schlacht verfügen, sondern auch in der Lage sein, mehrfigurige Leinwände mit einer Vielzahl von Hilfsdetails zu erstellen. Dazu gehören Bilder der Natur, Elemente der Architektur sowie Bilder von Waffen oder militärischen Vorrichtungen. Daher nimmt das Kampfgenre einen besonderen Platz ein und steht getrennt von der historischen Malerei.

Stillleben

Stillleben ist die Schaffung von Kompositionen aus unbelebten Objekten in verschiedenen Kombinationen auf Leinwand. Am beliebtesten sind Bilder von Gerichten, Blumentöpfen mit Blumensträußen und Früchten auf einer Platte.

Das Thema der Bilder im Genre des Stilllebens entstand zunächst an der Wende vom 15. zum 16. Jahrhundert, die endgültige Herausbildung des Genres in eine eigene Richtung der Malerei erfolgte jedoch im 17. Jahrhundert. Die ersten Schöpfer von Stillleben waren die Niederländer und Flämische Künstler. Später nahm das Stillleben einen wichtigen Platz im Werk russischer Künstler ein.

Die Bildthemen in Stillleben können sehr reichhaltig und vielfältig sein und beschränken sich nicht ausschließlich auf Alltagsgegenstände. Das können Bücher, Zeitschriften und Zeitungen, Flaschen, Figuren, ein Globus und viele andere Gegenstände sein.

Der Grundgedanke von Kompositionen im Vanitas-Genre ist die Idee der Endlichkeit des irdischen Daseins und der Demut vor der Unvermeidlichkeit des Übergangs in eine andere Welt. Stillleben mit einem Totenkopf im Zentrum der Komposition erlangten im 16.-17. Jahrhundert in Flandern und den Niederlanden die größte Popularität. Wenig später begannen französische und spanische Künstler Kontakt zu ihm aufzunehmen.

Genremalerei

In der bildenden Kunst gilt die Genremalerei als Teil des alltäglichen Genres. Seit der Antike haben Künstler Szenen aus dem Alltag der einfachen Leute dargestellt – Bauern, Handwerker, Händler sowie Diener adliger Höflinge bei der Arbeit oder im Alltag ihrer Familien.

Die ersten Beispiele für Genrebilder im modernen Sinne tauchten im Mittelalter auf und erfreuten sich in der Folge großer Beliebtheit. Die Themen der Genrebilder zeichnen sich durch eine beneidenswerte Vielfalt aus, die das Interesse des Betrachters weckt.

Architekturmalerei

Architekturmalerei ist ein besonderes Bildgenre, dessen Gegenstand sich der Darstellung von Gebäuden, Bauwerken und verschiedenen Baudenkmälern sowie den interessantesten Lösungen im historischen Aspekt widmet. Damit ist das Bild der Innenarchitektur von Palästen, Theater- und Konzertsälen usw. gemeint.

Dank solcher Gemälde hat der Betrachter die Möglichkeit, Baudenkmäler in ihrer ursprünglichen Form durch die Augen des Künstlers persönlich zu sehen. Werke der Architekturmalerei helfen auch bei der Erforschung der Architekturlandschaft vergangener Städte.

Tiermalerei

Das animalische Genre ist ein eigenständiges Genre der Malerei, das sich hauptsächlich auf die Darstellung der Tierwelt unseres Planeten spezialisiert hat. In den Gemälden dieses Genres Wir können Tiere, Vögel, Fische sowie Vertreter vieler anderer Arten in ihrem natürlichen Lebensraum beobachten.

Dies bedeutet jedoch nicht, dass das Thema des Tiergenres nur wilde Tiere sind. Im Gegenteil, Künstler malen sehr oft Gemälde, die Haustieren gewidmet sind – Katzen, Hunden, Pferden und so weiter.

Dekorative Malerei

Das Genre der dekorativen Malerei kann in mehrere Typen unterteilt werden, die ihre eigenen Unterschiede aufweisen:

• Monumentale Malerei
• Theaterlandschaftsmalerei
• Dekorative Malerei

Die Vielfalt des dekorativen Genres erklärt sich aus der Tatsache, dass Künstler zu allen Zeiten versuchten, jeden Gegenstand in der umgebenden Welt zu dekorieren.

• Monumentale Malerei- eine Gattung monumentaler Kunst, deren Werke relativ großformatig sind und als dekorative Dekoration für Gebäude und Bauwerke weltlicher und religiöser Natur für verschiedene Zwecke (sowie Kirchen, Bürogebäude und Kulturgebäude) verwendet werden. Baudenkmäler und Wohngebäude).

• Theaterkulisse- Dies ist eine sehr beliebte Art von dekorativem Genre, das die Erstellung von Bühnen- und Kostümskizzen für Charaktere in Theaterproduktionen und Filmfiguren sowie Skizzen einzelner Inszenierungen umfasst. Künstler - Dekorateure im Theater und so weiter Filmset Manchmal schaffen sie echte Meisterwerke, die später zu den besten Theater- und Kinokulissen zählen.

• Dekorative Malerei- Stellt Handlungskompositionen oder ornamentale Dekorationen dar, die darauf erstellt wurden verschiedene Teile Gebäude und Bauwerke sowie Beispiele dekorativer und angewandter Kunst, die ihren Ursprung im Volkskunsthandwerk haben. Die wichtigsten Arten bemalter Gegenstände waren Geschirr, Haushaltsgegenstände, Möbel usw.

Die Malerei zeichnet sich durch eine Vielzahl von Genres und Typen aus. Jedes Genre ist auf sein eigenes Themenspektrum beschränkt: das Bild einer Person (Porträt), die umgebende Welt (Landschaft) usw.
Die Arten (Arten) der Malerei unterscheiden sich in ihrem Zweck.

In diesem Zusammenhang gibt es mehrere Arten der Malerei, über die wir heute sprechen werden.

Staffelei-Malerei

Die beliebteste und bekannteste Art der Malerei ist Staffelei-Malerei. Es wird so genannt, weil es auf einer Maschine – einer Staffelei – ausgeführt wird. Die Basis ist Holz, Pappe, Papier, meistens jedoch Leinwand, die auf einen Keilrahmen gespannt ist. Staffelei-Malerei ist ein eigenständiges Werk aus bestimmtes Genre. Es hat eine Fülle an Farben.

Ölfarben

Am häufigsten wird die Staffeleimalerei mit Ölfarben ausgeführt. Sie können Ölfarben auf Leinwand, Holz, Pappe, Papier und Metall verwenden.

Ölfarben
Ölfarben sind Suspensionen anorganischer Pigmente und Füllstoffe in trocknenden Pflanzenölen oder trocknenden Ölen oder auf Basis von Alkydharzen, teilweise unter Zusatz von Hilfsstoffen. Wird beim Malen oder zum Lackieren von Holz-, Metall- und anderen Oberflächen verwendet.

V. Perov „Porträt von Dostojewski“ (1872). Leinwand, Öl
Aber auch mit Tempera, Gouache, Pastell und Aquarell kann ein malerisches Bild entstehen.

Aquarell

Aquarellfarben

Aquarell (französisch Aquarelle – wässrig; italienisch Acquarello) – Maltechnik, mit Spezial Aquarellfarben. In Wasser gelöst bilden sie eine transparente Suspension feiner Pigmente, die den Effekt von Leichtigkeit, Luftigkeit und subtilen Farbübergängen erzeugt.

J. Turner „Firvaldstätter See“ (1802). Aquarell. Tate Britain (London)

Gouache

Gouache (französische Gouache, italienisch Guazzo-Wasserfarbe, Spritzer) ist eine Art wasserlösliche Haftfarbe, dichter und matter als Aquarell.

Gouachefarben
Gouachefarben werden aus Pigmenten und Leim unter Zusatz von Weiß hergestellt. Durch die Beimischung von Weiß wirkt die Gouache matt samtig, beim Trocknen werden die Farben jedoch etwas weißlicher (aufgehellt), was der Künstler beim Zeichnen berücksichtigen muss. Mit Gouachefarben können Sie dunkle Töne mit hellen überdecken.

Vincent Van Gogh „Korridor im Asulum“ (schwarze Kreide und Gouache auf rosa Papier)

Pastell [e]

Pastell (von lateinisch Pasta – Teig) – Kunstmaterialien, verwendet in Grafik und Malerei. Am häufigsten handelt es sich um Buntstifte oder randlose Stifte, die die Form von Stäben mit rundem oder quadratischem Querschnitt haben. Es gibt drei Arten von Pastellkreiden: Trocken-, Öl- und Wachspastelle.

I. Levitan „Flusstal“ (Pastell)

Tempera

Tempera (italienisch tempera, vom lateinischen temperare – Farben mischen) – Farben auf Wasserbasis, die auf der Basis trockener Pulverpigmente hergestellt werden. Das Bindemittel für Temperafarben ist das mit Wasser verdünnte Eigelb eines Hühnereis oder eines ganzen Eies.
Temperafarben gehören zu den ältesten. Vor der Erfindung und Verbreitung der Ölfarben bis ins 15.-17. Jahrhundert. Temperafarben waren das Hauptmaterial für die Staffeleimalerei. Sie werden seit mehr als dreitausend Jahren verwendet. Die berühmten Gemälde der Sarkophage der altägyptischen Pharaonen wurden mit Temperafarben angefertigt. Die Temperamalerei wurde hauptsächlich von byzantinischen Meistern angefertigt. In Russland war bis dahin die Technik der Temperamalerei vorherrschend spätes XVII V.

R. Streltsov „Kamille und Veilchen“ (Tempera)

Enkaustik

Enkaustik (von altgriechisch ἐγκαυστική – die Kunst des Brennens) ist eine Maltechnik, bei der Wachs das Bindemittel von Farben ist. Die Bemalung erfolgt mit geschmolzenen Farben. Viele frühchristliche Ikonen wurden mit dieser Technik gemalt. Entstanden im antiken Griechenland.

"Engel". Enkaustische Technik

Wir machen Sie darauf aufmerksam, dass Sie eine weitere Klassifizierung finden, nach der Aquarell, Gouache und andere Techniken mit Papier und Farben auf Wasserbasis als Grafiken eingestuft werden. Sie vereinen die Merkmale der Malerei (Farbreichtum, Konstruktion von Form und Raum mit Farbe) und der Grafik (die aktive Rolle des Papiers bei der Konstruktion des Bildes, das Fehlen des spezifischen Reliefs des Pinselstrichs, das für eine Maloberfläche charakteristisch ist).

Monumentale Malerei

Unter Monumentalmalerei versteht man das Malen auf architektonischen Strukturen oder anderen Untergründen. Das älteste Art Malerei, bekannt aus dem Paläolithikum. Dank seiner Stationarität und Dauerhaftigkeit sind von ihm zahlreiche Beispiele aus fast allen Kulturen erhalten geblieben, die entwickelte Architektur geschaffen haben. Die Haupttechniken der Monumentalmalerei sind Fresko, Secco, Mosaik und Glasmalerei.

Fresko

Fresko (von italienisch fresco – frisch) – Malen auf nassem Putz mit Wasserfarben, eine der Techniken der Wandmalerei. Beim Trocknen bildet der im Putz enthaltene Kalk einen dünnen, transparenten Kalkfilm, der das Fresko haltbar macht.
Das Fresko hat eine angenehm matte Oberfläche und ist im Innenbereich langlebig.

Gelati-Kloster (Georgien). Kirche der Heiligen Jungfrau Maria. Fresko auf der oberen und südlichen Seite des Arc de Triomphe

Ein Secco

Und Secco (aus dem Italienischen a secco – trocken) ist eine Wandmalerei, die im Gegensatz zu Fresken auf hartem, getrocknetem und wieder angefeuchtetem Putz ausgeführt wird. Es werden Farben verwendet, die auf Pflanzenleim, Ei gemahlen oder mit Kalk vermischt sind. Mit Secco können Sie an einem Arbeitstag eine größere Fläche bemalen als mit der Freskomalerei, die Technik ist jedoch nicht so langlebig.
Die A-Secco-Technik entwickelte sich in der mittelalterlichen Malerei zusammen mit dem Fresko und war im 17.-18. Jahrhundert vor allem in Europa weit verbreitet.

Leonardo da Vinci „Das letzte Abendmahl“ (1498). Technik a Secco

Mosaik

Mosaik (französisch mosaïque, italienischmosaiko von lateinisch (opus) musivum – den Musen gewidmetes Werk) ist dekorative, angewandte und monumentale Kunst verschiedener Genres. Bilder in einem Mosaik entstehen durch das Anordnen, Setzen und Befestigen von mehrfarbigen Steinen, Smalt, Keramikfliesen und anderen Materialien auf der Oberfläche.

Mosaikplatte „Katze“

Buntglas

Buntglas (frz. vitre – Fensterglas, vom lateinischen vitrum – Glas) ist eine Arbeit aus farbigem Glas. Buntglas wird seit langem in Kirchen verwendet. Während der Renaissance existierte die Glasmalerei als Malerei auf Glas.

Buntglasfenster des Mezhsoyuzny-Kulturpalastes (Murmansk)
Zu den Malereiarten zählen auch Diorama und Panorama.

Diorama

Der Bau des Dioramas „Sturm auf den Berg Sapun am 7. Mai 1944“ in Sewastopol
Diorama ist ein bandförmiges, halbkreisförmig gebogenes Bildbild mit einem Vordergrundmotiv. Es entsteht die Illusion der Präsenz des Betrachters im Naturraum, die durch eine Synthese künstlerischer und technischer Mittel erreicht wird.
Dioramen sind für künstliche Beleuchtung konzipiert und befinden sich hauptsächlich in speziellen Pavillons. Die meisten Dioramen sind historischen Schlachten gewidmet.
Die berühmtesten Dioramen: „Sturm auf den Berg Sapun“ (Sewastopol), „Verteidigung von Sewastopol“ (Sewastopol), „Schlachten um Rschew“ (Rschew), „Breaking the Siege of Leningrad“ (St. Petersburg), „Sturm auf Berlin“. ” (Moskau) usw.

Panorama

Als Panorama bezeichnet man in der Malerei ein Bild mit kreisförmiger Ansicht, bei dem ein flächiger Bildhintergrund mit einem dreidimensionalen Motivvordergrund kombiniert wird. Panorama erzeugt die Illusion eines realen Raums, der den Betrachter in einem vollständigen Kreis des Horizonts umgibt. Panoramen dienen vor allem der großflächigen Darstellung von Ereignissen große Nummer Teilnehmer.

Panoramamuseum „Schlacht von Borodino“ (Museumsgebäude)
In Russland sind die berühmtesten Panoramen das Panoramamuseum „Schlacht von Borodino“, „Schlacht von Volochaev“, „Zerstörung“. Nazi-Truppen bei Stalingrad“ im Panoramamuseum „Schlacht von Stalingrad“, „Verteidigung von Sewastopol“, Panorama der Transsibirischen Eisenbahn.

Franz Roubo. Panorama-Leinwand „Schlacht von Borodino“

Theater- und Dekorationsmalerei

Bühnenbild, Kostüme, Make-up und Requisiten tragen dazu bei, den Inhalt der Aufführung (des Films) weiter zu offenbaren. Die Szenerie vermittelt einen Eindruck von Ort und Zeit des Geschehens und aktiviert die Wahrnehmung des Zuschauers für das Bühnengeschehen. Der Theaterkünstler ist bestrebt, den individuellen Charakter der Figuren, ihren sozialen Status, den Stil der Epoche und vieles mehr in Kostüm- und Make-up-Skizzen deutlich zum Ausdruck zu bringen.
In Russland erlebte die Theater- und Kunstgewerbekunst ihren Aufschwung an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Zu dieser Zeit begannen herausragende Künstler M.A. im Theater zu arbeiten. Vrubel, V.M. Vasnetsov, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, N.K. Roerich.

M. Vrubel „Stadt des Lutschers“. Bühnenbildentwurf für die Oper von N.A. Rimsky-Korsakows „Das Märchen vom Zaren Saltan“ für die Russische Privatoper in Moskau. (1900)

Miniatur

Eine Miniatur ist ein Bildwerk aus kleinen Formen. Besonders beliebt war die Porträtminiatur – ein Porträt im Kleinformat (von 1,5 bis 20 cm), das sich durch die besondere Feinheit der Schrift, eine einzigartige Ausführungstechnik und den Einsatz von Mitteln auszeichnet, die nur dieser Bildform eigen sind.
Die Arten und Formate der Miniaturen sind sehr vielfältig: Sie wurden auf Pergament, Papier, Pappe, Elfenbein, Metall und Porzellan gemalt, wobei Aquarell, Gouache, spezielle Kunstlacke oder Ölfarben verwendet wurden. Der Autor kann das Bild nach seiner Entscheidung oder auf Wunsch des Kunden in einen Kreis, ein Oval, eine Raute, ein Achteck usw. eingravieren. Als klassische Porträtminiatur gilt eine Miniatur auf einer dünnen Elfenbeinplatte.

Kaiser Nikolaus I. Fragment einer Miniatur von G. Morselli
Es gibt verschiedene Miniaturtechniken.

Lackminiatur (Fedoskino)

Miniatur mit einem Porträt der Prinzessin Zinaida Nikolaevna (Jusupov-Schmuck)