Stili classici all'interno. Barocco e classicismo in architettura

classicismo architettonico urbanistica barocca

Caratteristiche di ciascuno stile sviluppato non presenta particolari difficoltà metodologiche. Un'altra cosa è l'analisi del punto di svolta tra due stili specifici, che è contraddittorio nella sua essenza. Come si verifica una tale frattura? Non siamo tanto interessati alla domanda: cosa lo causa in senso generale, ma a chiarire i modelli di base nel cambio di stile. Alla ricerca di tali regolarità, consentiremo consapevolmente un certo acuimento polemico delle formulazioni per far emergere più nettamente il punto di vista proposto. Il passaggio dal barocco al classicismo è stato uno dei più rapidi nel cambiamento degli stili dell'architettura domestica. La fine del 1750 è ancora il periodo di massimo splendore del barocco. La metà degli anni Sessanta del Settecento era già l'epoca dell'ampia diffusione del classicismo. Per un periodo estremamente breve, da cinque a sette anni, avviene un completo cambiamento nei gusti estetici. Architettura russa barocco XVIII in. era un fenomeno storicamente determinato, complesso e peculiare, che ha assorbito molte tradizioni dell'architettura russa XVII secolo, e una serie di caratteristiche dell'architettura domestica del periodo immediatamente precedente, cioè l'inizio del XVIII secolo, e l'influenza dell'architettura dei principali paesi europei ad essa contemporanei. Questi componenti molto diversi, tuttavia, formavano una lega forte, che possedeva caratteristiche di singolare originalità. Entrambe le direzioni allora non conoscevano ancora i loro nomi futuri, ma l'essenza delle differenze stilistiche, i loro confini sono chiaramente visibili negli esempi dei migliori edifici creati o progettati quasi negli stessi anni. La decorazione enfaticamente succosa e il dinamismo delle forme barocche si contrappongono all'architettura razionalista leggermente secca del primo classicismo. Gli edifici più importanti del barocco russo - il Palazzo d'Inverno di B. F. Rastrelli e la Cattedrale Navale di San Nicola di S. I. Chevakinskrgo, così tipici nella loro traboccante bravura, furono completati nel 1762. Allo stesso tempo, già nel 1760 A. F. Kokorinov progetta la Pleasure House vicino a Oranienbaum, un'opera in cui dominano i principi di una nuova direzione nell'architettura. La pianta, la sagoma, l'intero volume dell'edificio sono molto compatti, con il predominio delle linee orizzontali enfatizzato. I dettagli sono realizzati in forme e proporzioni classiche. Nello stesso anno, A.F. Kokorinov, insieme a Zh.B. M. Wallen Delamotte crea la prima versione del progetto del Great Gostiny Dvor a San Pietroburgo. In questa versione, che divenne la base per la decisione finale presa due anni dopo, era già dettata l'idea di un maestoso edificio commerciale nella sua semplicità con un ritmo misurato di arcate a due piani sezionate da modeste lesene di ordine toscano . Nel 1763-1764. sono in fase di sviluppo progetti per l'Accademia delle arti (A. F. Kokorinov e J.-B. Vallin Delamotte), gli orfanotrofi di Mosca (K. I. Blank) e San Pietroburgo (Yu. M. Felten) - le prime strutture appositamente progettate per scopi educativi. Di questi, l'edificio dell'Accademia delle arti è il miglior lavoro il periodo iniziale del classicismo russo. Essendo situato in un sito responsabile, con la sua facciata principale rivolta verso il corso d'acqua principale della capitale, il fiume Neva, contribuisce all'organizzazione architettonica di un segmento significativo dell'argine. Il piano dell'edificio si basa su un processo di formazione funzionale ben congegnato per gli artisti: le principali aree di lavoro si trovano lungo il perimetro esterno dell'edificio e attorno a un enorme cortile circolare, che fornisce loro una buona illuminazione. La superficie delle pareti è abbondantemente sezionata, ma le articolazioni con proporzioni d'ordine ben definite sono di natura prevalentemente planare. Un periodo di declino, un graduale degrado non ha preceduto il cambio di stile. Al contrario, proprio nel momento della sua massima fioritura, il barocco si rivelò insostenibile per risolvere nuovi problemi, e gli edifici in stile classicista apparvero subito con sorprendente rapidità. Tale velocità nel cambiare gli stili non è tipica. È, come già accennato, un tratto distintivo proprio di questa svolta - dal barocco al classicismo - ed è stata causata dalla situazione generale in cui lo sviluppo storico artificialmente rallentato ha cominciato a recuperare faticosamente il tempo perduto. Il concetto di barocco come stile integrale cessò non solo di dominare l'architettura, ma in generale di avere un'influenza significativa sul suo ulteriore sviluppo. Le caratteristiche separate del vecchio sistema, sebbene siano apparse per qualche tempo in alcuni elementi delle strutture del primo classicismo, erano solo resti gradualmente obsoleti. Solo nelle province le forme barocche continuarono ad esistere per inerzia quasi fino al tardo XVII 1° secolo I prerequisiti storici per un cambiamento di stile includono fattori materiali e ideologici. Come il più importante, va notato il significativo aumento del potere militare e politico della Russia, accompagnato dalla rapida crescita del suo potenziale economico.

Prerequisiti non meno importanti per un cambiamento di stile erano le idee di illuminazione, umanesimo, ideali uomo naturale caratteristica di tutto il pensiero avanzato del XVIII secolo. Il richiamo alla ragione come criterio e misura principale di tutti i risultati è stato sentito sempre più forte. Le idee del razionalismo sono state ampiamente sviluppate a partire dalla seconda metà del secolo.

In architettura, tutti questi fattori hanno portato a grandi cambiamenti. La prosperità economica del paese ha causato una rapida crescita delle costruzioni in tutte le aree. I cambiamenti nell'ordine ideologico hanno richiesto una significativa espansione dei temi architettonici, un diverso contenuto figurativo. Temi e compiti mai visti prima sono emersi continuamente.

Nel frattempo, l'architettura barocca si distingueva per la ristrettezza tematica. La sfera dell'architettura come arte era limitata principalmente al palazzo e alla costruzione religiosa. Se era necessario creare strutture per uno scopo diverso, allora sono state sviluppate nelle stesse forme cerimoniali, molto solenni, vicine al palazzo, un esempio delle quali è il progetto del Gostiny Dvor a San Pietroburgo, proposto da F. B. Rastrelli nel 1757.

Lo sviluppo delle forme barocche lungo il percorso della loro ulteriore complicazione potrebbe continuare per un tempo piuttosto lungo, ma il campo stesso di applicazione di tali forme non potrebbe essere ampliato in alcun modo. Le possibilità dello stile entrarono in conflitto con la realtà. Questo ha determinato il suo destino.

Entro la metà del XVIII secolo, era necessario creare vari tipi di nuovi edifici pubblici o edifici simili che non avevano alcun significato artistico durante il periodo barocco, ad esempio edifici industriali, magazzini, commerciali. Nuovi compiti sono sorti anche nella costruzione di alloggi. Infine, la città nel suo insieme come unità sociale ha ricevuto una caratteristica significativamente diversa rispetto a prima e, a questo proposito, ha richiesto una diversa soluzione urbanistica e volumetrica.

Tutta questa crescita di richieste ha avuto luogo sulla scala di un paese gigantesco.

I metodi creativi tradizionali non potevano far fronte a tali compiti. Ma questo tipo di compiti, sebbene più semplici, sorgeva già prima degli architetti all'inizio del XVIII secolo. L'architettura del tempo di Pietro il Grande è caratterizzata da decisioni chiare e praticabili basate su chiari principi razionalistici. Le tradizioni del razionalismo sono apparse nell'architettura russa all'inizio del XVIII secolo, ovviamente, non per la prima volta. Queste tradizioni sono vissute a lungo, ma ci sono state epoche particolarmente favorevoli al loro sviluppo, e periodi in cui il razionalismo esisteva latentemente nell'architettura come fenomeno residuale del periodo precedente. Barocco russo del secondo quarto del XVIII secolo. inoltre non sfugge all'influenza dell'architettura petrina che l'ha preceduta, e il razionalismo di quest'ultima ha inserito alcuni elementi distinti negli stilemi di una direzione che le era sostanzialmente opposta.

Anche nell'opera del principale maestro barocco Rastrelli si possono vedere elementi di razionalismo. Quindi, ad esempio, la decorazione di forma straordinariamente ricca e complessa degli edifici del palazzo di questo architetto non viola la semplicità e la chiarezza dei piani.

Nelle opere di D. V. Ukhtomsky e S. I. Chevakinsky, le tendenze razionalistiche sono ancora più evidenti. Vale la pena ricordare il progetto di Uchtomsky per la Casa per invalidi a Mosca, o il campanile della cattedrale navale di San Nicola a San Pietroburgo, la cui nitida chiarezza architettonica è così diversa dall'esuberante allegria della cattedrale stessa che alcuni studiosi non hanno nemmeno voluto riconoscerlo come opera di Chevakinsky. Entrambi gli architetti erano studenti di IK Korobov, le cui attività coincisero in parte con il periodo barocco. Tuttavia, tra i maestri di questo tempo, Korobov, uno dei gloriosi pensionati di Pietro il Grande, mantenne l'orientamento più razionalistico del suo lavoro. Fu attraverso Korobov che le tradizioni del razionalismo furono continuate nelle opere dei suoi numerosi studenti e nel lavoro del più giovane di loro, A.F. Kokorinov, furono rianimate in una diversa qualità artistica, ripensate nello spirito dei compiti del nuovo direzione architettonica.

Il razionalismo come ricerca di chiarezza, comprensibilità, logica dell'immagine architettonica - tutto nel suo insieme e le sue singole componenti - è diventato il fattore principale nella formazione di un nuovo stile. I suoi principi richiedevano un concetto artistico particolarmente armonioso e logicamente integrale. Tale concetto era già stato creato in precedenza nelle scuole classiche di architettura dell'antichità e del Rinascimento. Gli architetti iniziarono a studiare attentamente il patrimonio dell'antichità (nella sua interpretazione romana, l'unica disponibile a quel tempo) e del Rinascimento. La grande attenzione ai classici divenne, per così dire, un fattore secondario nella formazione dell'architettura del primo classicismo russo.

Naturalmente, nelle condizioni russe di quegli anni, lo studio delle tradizioni classiche della foggiatura non poteva che avvenire attraverso la conoscenza delle opere teoriche di Vitruvio, Andrea Palladio, Vignola, e con uvrazh, in cui venivano misurati disegni o schizzi di monumenti architettonici collocato. L'insufficienza di questo metodo di conoscenza si è presto resa conto. È caratteristico che se il giovane B. F. Rastrelli un tempo viaggiò all'estero non oltre la Germania, dove conobbe solo l'esperienza dell'architettura tedesca contemporanea, allora già nella prima metà del 1750 nacque l'idea di inviare il promettente gezel Kokorinov in Italia per lo studio dell'architettura dell'antichità e del Rinascimento. Dal 1760 la neonata Accademia delle Arti iniziò a inviare regolarmente all'estero i suoi migliori allievi, affidando loro il compito di familiarizzare con i monumenti dell'architettura classica.

Infine, un altro fattore che ha influenzato la formazione di un nuovo stile in Russia è stato il collegamento dell'architettura russa con l'architettura contemporanea di altri paesi, tra i quali la Francia era a quel tempo il paese leader in tutte le aree dell'ideologia.

Per l'architettura russa, i collegamenti con l'architettura francese divennero molto significativi già nel primo quarto del XVIII secolo, quando J.-BA Leblon, invitato in Russia, creò qui non solo uno dei progetti di pianificazione fondamentali per St. determinato la fisionomia di la giovane capitale russa.

Le tendenze del razionalismo, caratteristiche di quel ramo dell'architettura francese, di cui Leblon era un rappresentante, coincidevano con la direzione principale dell'architettura russa all'inizio del XVIII secolo. Il cambiamento nell'orientamento dell'architettura nel periodo post-petrino ha portato anche a un cambiamento nella natura dei legami con l'architettura francese. Cominciarono a riscuotere successo i trucchi rococò, che a quel tempo nella stessa Francia avevano subito una grave sconfitta. Concorso per il progetto della facciata principale della Chiesa di S. Sulpicia a Parigi ha annunciato una svolta nello sviluppo delle idee architettoniche. Fu in questa competizione che i principi del decoro rococò, portati da J. O. Meissonier al più alto grado di raffinatezza, furono respinti e fu data preferenza alla composizione rigorosa e classicamente chiara di J. N. Servandoni, che fu poi, sostanzialmente, implementata nel 1733 -- 1745

Sviluppo vita pubblica nel 1750 ha portato l'architettura russa a concentrarsi sui risultati avanzati degli architetti francesi. Una tappa importante nella vittoria del classicismo in Francia fu il concorso per la creazione di Place Louis XV a Parigi. Come risultato di diversi round consecutivi del concorso (fine 1740 - inizio 1750), vinse il progetto di J.A. Gabriel, che segnò l'approvazione di nuove visioni sui principi urbanistici. Per la prima volta nella storia del mondo, la piazza della città è stata decisa in relazione e connessione con l'intero spazio della città.

Il successo di J.-J. Soufflet al St. Genevieve a Parigi e la costruzione da parte di Gabriel dell'intima dimora del palazzo Petit Trianon a Versailles significavano già la vittoria finale della nuova tendenza dell'architettura francese.

In Russia, le opere dei teorici dell'architettura M. A. Laugier, J. F. Blondel e altri sono state studiate con interesse e attenzione. L'idea di Blondel aveva un sapore nazionale francese troppo evidente ed era ancora lontana dall'attuazione coerente delle forme classiche, che, tra le altre ragioni, ebbero un ruolo nel rifiuto del progetto. Ma questo era già un incidente nel corso generale della storia. Dalla fine del 1750, fu l'architettura francese avanzata che si avvicinò di più all'architettura russa in termini di obiettivi e aspirazioni.

Utilizzando l'esempio del passaggio dal barocco al classicismo, si può provare a dedurre alcuni modelli generali nel cambiamento degli stili architettonici.

Lo stile emergente risponde a nuove esigenze, e in questo senso il suo percorso è sempre originale e inesplorato. Quanto più innovativo è questo neofita, tanto più ampie devono essere le tradizioni alle quali si appoggia. Ma allo stesso tempo, la direzione emergente si relaziona con comprensibile antagonismo ai metodi del suo predecessore, che a un certo momento hanno rivelato la loro incoerenza. Pertanto, ciascuno nuovo stile cerca sostegno nelle tradizioni dell'arte non del periodo immediatamente precedente, ma di un passato più lontano, e soprattutto nelle tradizioni dei "nonni". Dopotutto, lo stile precedente negava anche la direzione che esisteva prima, motivo per cui ogni volta le tradizioni del "nonno" diventano la principale fonte di prestito.

In effetti, l'architettura barocca russa del secondo terzo del XVIII secolo è molto più vicina nello spirito agli edifici della Rus' alla fine del XVII secolo che all'architettura dell'era di Pietro I.

Per lo stesso motivo, il desiderio di illuminismo, utilitarismo e razionalismo onnicomprensivo, caratteristico dell'architettura petrina, ha trovato la sua continuazione indipendente nell'architettura del classicismo. Un edificio così originale per un complesso di istituzioni scientifiche come la Kunstkamera, concepita sotto Pietro il Grande, non ha avuto ulteriore sviluppo durante il periodo barocco come un nuovo tipo di edificio, o addirittura ripetizione, anche se semplificato. Nel frattempo, l'architettura del classicismo iniziò proprio con la creazione di una struttura di questo tipo: l'edificio dell'Accademia delle Arti univa le più alte centro artistico, un museo, un'istituzione educativa delle "tre nobilissime arti" con annesso un convitto e persino un teatro, studi di artisti e appartamenti residenziali per il personale docente.

L'era petrina non prestava molta attenzione agli edifici del palazzo, ma attribuiva grande importanza alla costruzione utilitaristica, elevandola al livello di vera architettura. L'Ammiragliato a San Pietroburgo è stato deciso non semplicemente come impresa industriale, combinato con una struttura difensiva, ma come monumento alla potenza navale della Russia. L'edificio era molto basso e il materiale - a graticcio - non era affatto monumentale, ma l'idea stessa di una struttura larga 400 metri, segnata al centro da una torre con cuspide, era l'idea di grande architettura.

Uno dei grandi maestri del barocco russo, S. I. Chevakinsky, nella sua posizione di architetto dei Collegi dell'Ammiragliato, progettò e costruì molte strutture utilitarie per la flotta domestica. Ma tra queste sue opere non ci sono edifici simili all'Ammiragliato, significativi nel loro progetto architettonico. Dopo aver costruito la cattedrale navale di San Nicola, Chevakinsky ha creato un inno gioioso e giubilante per mezzo dell'architettura. Tuttavia, negli edifici utilitaristici, l'epoca non gli richiedeva altro che forza e utilità.

È caratteristico che all'inizio del 1760, dopo aver avviato il progetto di un magazzino di legname sull'isola di New Holland a San Pietroburgo, Chevakinsky sviluppò una nuova tecnologia per lo stoccaggio del legname e creò anche un piano di costruzione, ma non riuscì a far fronte la soluzione figurativa delle facciate, e questa parte del lavoro è stata affidata all'architetto della nuova direzione - Wallen Delamotte.

Il razionalismo, che costituisce la base del concetto di classicismo, trovò anche un'eco nelle tradizioni dell'architettura dell'inizio del XVIII secolo, sebbene, come notato in precedenza, la stessa architettura barocca russa usasse in una certa misura queste tradizioni.

Qui vorrei sottolineare che le tradizioni più importanti non muoiono mai. Si sviluppano in una spirale ascendente. Ad ogni turno successivo, parte del movimento, relativamente parlando, passa nell'ombra. Lo stile prevalente in quel momento tollera solo una tale tradizione "ombreggiata", e spesso la usa anche in senso opposto.

Se l'ideale del Rinascimento era una persona armoniosamente perfetta, una persona per la quale non ci sono contraddizioni tra personale e pubblico, allora l'uomo del XVII secolo è caratterizzato da uno scontro senza fine di questi principi; se l'eroe delle opere d'arte del Rinascimento fosse caratterizzato dall'unità con mondo esterno, natura, quindi l'eroe della New Age è consapevole della sua dipendenza dall'ambiente e dalle circostanze esterne. Il dramma della realtà, il crollo dell'ideale del Rinascimento ha portato a nuove forme di percezione del mondo. Il realismo ottimista del Rinascimento è sostituito da un senso della posizione instabile di una persona, che è caratterizzata dall'uno o dall'altro conflitto interno: uno scontro tra diritti individuali e doveri pubblici, una ribellione contro la cieca obbedienza alle autorità secolari o ecclesiastiche autorità, consapevolezza dell'incoerenza dell'essere. È sempre più difficile per una persona trovare il proprio posto nei nuovi rapporti della società, che ha sempre meno bisogno dell'uomo a tutto tondo del Rinascimento e sempre più di una funzione-persona. Questa tragica collisione trova espressione in due direzioni di pensiero, in due modi di rapportarsi al mondo e, infine, in due stili artistici. - barocco e classicismo.

L'origine del termine "barocco" non è chiara, se ne conosce solo la traduzione dall'italiano: strano, pretenzioso. Si può presumere che barocco rappresenta non solo stile artistico(il barocco è spesso considerato solo una direzione dell'arte), ma anche un modo speciale di relazionarsi con il mondo e con il mondo. È associato alla crisi degli ideali dell'umanesimo, gli sconvolgimenti socio-politici caratteristici del XVII secolo. La mentalità di una persona barocca è caratterizzata da un sentimento di confusione e confusione, un senso della natura contraddittoria del mondo, l'impermanenza della felicità, l'onnipotenza del destino e del caso. L'ideale ottimistico del Rinascimento “è sostituito da una valutazione pessimistica della realtà e da un'ammirazione entusiastica per una persona e le sue capacità - sottolineando la sua dualità, incoerenza e depravazione”; “la discrepanza tra l'apparenza delle cose e la loro essenza è costantemente compresa, si avverte la frammentazione dell'essere, lo scontro tra i principi corporei e spirituali, tra l'attaccamento alla bellezza sensuale del mondo e la consapevolezza della fragilità dell'esistenza terrena”.

L'emergere del barocco è spesso associato alla Controriforma. Il fatto è che dopo i turbolenti eventi del passato, feroci guerre di religione, l'Europa è stata devastata e distrutta. Nel bel mezzo dell'Europa dilaniata dalla guerra, solo Roma è sfuggita a tempeste e sconvolgimenti religiosi. Rimase la roccaforte della Chiesa cattolica, sebbene pressata nella sua influenza, ma ancora molto forte, soprattutto dopo il Concilio di Trento, quindi è qui che nasce il desiderio di affermare il trionfo della chiesa ufficiale. Secondo il moderno teorico francese E. Mal, le idee principali della chiesa di quel tempo erano: martirio, visione, estasi, morte. Questi temi religiosi nella mente delle persone erano collegati al significato e al buon fine di un'esistenza retta. Non potevano esistere solo su base razionale, dovevano certamente essere mescolate con una forte emozione che impressionasse il credente e avesse un forte effetto su qualsiasi altra persona. In questa potente carica emotiva doveva essere impresso non solo lo stato mistico di comunione con il sacramento religioso, ma anche il sentimento trionfante della vittoria della Chiesa sui suoi riformatori. Pertanto, il barocco appare inizialmente in arte religiosa soprattutto in architettura. Sia lo stile romanico che il gotico avevano regole ben definite ed elevate al livello di regolarità per la creazione di strutture. Le linee di questi edifici erano chiare e definite. Il barocco è “un tripudio di masse lapidee curve, intersecantisi, iridescenti che hanno perso la loro “pietrazza” e sembrano aver acquisito le proprietà di una materia plastica viscosa”. A poco a poco, il barocco passò dall'architettura alla scultura, alla pittura e ad altre forme di vita spirituale.

Potrebbe sorgere la domanda: in che modo uno stile così impetuoso e dinamico (inizialmente solo artistico), come il barocco, era connesso con la crisi dello spirito, come poteva compensare il tumulto spirituale e la sensazione di confusione che abbiamo appena menzionato all'interno del quadro dell'arte sacra? Va notato che la Controriforma non poteva superare le differenze religiose: i riformatori chiedevano solo un'elevata moralità nei sentimenti religiosi. La Chiesa in questo caso ha combattuto per il potere, terreno e spirituale. Aveva bisogno di apologeti, portavoce e solo parrocchiani. Doveva regnare sul mondo interiore di una persona che aveva già assaporato i pericoli del razionalismo, per determinare la portata del peccato e della pietà, nonché il destino di tutte le categorie della popolazione, dai cittadini ai re. Era possibile attrarre nel proprio seno opponendo alla dura vita di un protestante il brillante divertimento del cattolicesimo. Pertanto, “nell'arte barocca, anche quando serviva direttamente la chiesa, non c'è molto di quella che viene chiamata pietà, nonostante siano costantemente raffigurati miracoli, visioni, estasi mistiche. In queste estasi, la sensualità, la “carnalità” e persino l'erotismo totale emergono troppo chiaramente” [ibid., p. 97].

Uno dei più famosi teorici del barocco Emanuele Tesauro(1592-1675) nominato come principio fondamentale del "pensiero barocco" - "il principio della ragione rapida". La mente veloce vive di leggi diverse dalle leggi del pensiero, è piena di fantasie, metafore, combinando l'importante e il casuale, il serio e il divertente, il divertente e il triste. Intreccia la natura e l'uomo, il divino e il creato dal genio umano. Geni dalla mente pronta, “dall'inesistente danno origine all'esistente. L'intelligenza dall'immateriale crea l'esistente, e ora il leone diventa un uomo, l'aquila una città. Unisce una donna con l'aspetto di un pesce e crea una sirena come simbolo di carezza, collega il corpo di una capra con un serpente e forma una chimera - un geroglifico che denota follia. In un tale sistema di pensiero, i confini dei fenomeni più diversi scompaiono gradualmente e nell'arte appare un certo disprezzo per l'opportunità, per quello che viene chiamato "buon senso".

Queste caratteristiche del barocco si riflettono nella loro interezza nelle opere di Caravaggio, Bernini in Italia, Velazquez in Spagna, Van Dyck e Rubens nelle Fiandre.

Creazione Paolo Rubens(1577-1640) dimostra particolarmente chiaramente la penetrazione del barocco in vita sociale, la sua liberazione dai temi religiosi e la sua esistenza come mentalità speciale nel contesto della cultura del XVII secolo. Nei suoi dipinti regnano il moto perpetuo, la tensione, la lotta delle persone con gli animali, spesso fantastici, l'eccitazione e il trionfo della vita. Egli “mi ha fatto ammirare la salute naturale e la forza naturale. E tutto questo si è fuso con successo con le esigenze di magnifici decori, sfarzo, lodi ai monarchi ... ". Nelle opere degli artisti di questo tempo, "lo spirito religioso è scivolato via impercettibilmente" dall'arte. “Quelli erano i tempi dell'opera, della cantata e dell'oratorio, ma anche delle cerimonie teatrali, delle odi magniloquenti, dei discorsi ornati, dei titoli lunghi, delle lunghe parrucche, delle allegorie e delle iperboli in poesia, dello spirito ponderoso e intricato, degli emblemi e delle metafore” [ibid, p. 97].

In letteratura ciò si esprime nel desiderio di liberare l'immaginazione, di stupire e stordire il lettore, nella predilezione per immagini inaspettate che riuniscono concetti, accostano oggetti lontani tra loro. Qui si intrecciano le più diverse forme di vita, si realizza il principio - dal grande al ridicolo un passo, perché nel barocco esistono insieme, come altri opposti: bello e brutto (ad esempio, nei sonetti dedicati alle belle dame, si possono descrivere con uguale ammirazione i loro bei capelli e gli insetti che vi strisciano sopra), l'entusiasmo e la maleducazione, e così via. A un polo dell'arte barocca c'è l'immagine di un ribelle, libero e sfrenato, che non si adatta ai soliti confini del comportamento, come, ad esempio, Don Giovanni, che calpesta la fedeltà innamorata, ama ogni volta come la prima volta, uccide senza pietà rivali, o eroe lirico lavori Cirano di Bergerac(1619-1655). Dall'altro - un ribelle puritano, ascetico e severo, come l'eroe del poema " Paradiso perduto" grande poeta inglese Giovanni Milton(1608-1674). Per il barocco e i suoi teorici, l'arguzia è obbligatoria come capacità di riunire concetti (che era considerata una delle manifestazioni della mente), e le qualità principali di tale capacità sono Versatilità e Preveggenza. Tesauro ritiene che la chiaroveggenza penetri “... nella sostanza, nella materia, nella forma, nel caso, nella qualità, nella causa, nell'effetto, nello scopo, nella simpatia, come, opposto, uguale, superiore, inferiore, e anche negli emblemi, nomi appropriati e pseudonimi. La versatilità, invece, abbraccia rapidamente tutti questi esseri e le loro relazioni, “li collega e li separa, li accresce o li riduce, toglie l'uno dall'altro e con sorprendente destrezza mette l'uno al posto dell'altro”.

Il barocco come stile di vita era più tipico della corte, dei circoli aristocratici, ma anche la gente comune era caratterizzata da alcune manifestazioni di questo stile, espresse in forme di comportamento comiche, parodistiche o asceticamente corrette vicine all'etica protestante.

Classicismo sviluppato e più chiaramente espresso nelle condizioni della monarchia assoluta in Francia. Ciò non significa che non abbia avuto luogo in altri paesi. Il classicismo, come il barocco, era immanente nell'intera cultura del XVII secolo. Se il barocco, con la sua ricchezza e varietà di sensazioni, gravita verso il sensazionalismo come modo di conoscenza sensoriale del mondo, allora il classicismo richiede chiarezza razionalistica, un metodo ordinato per dividere il tutto in parti e considerare in sequenza ciascuna di esse. Ciò richiede armonia interiore, senso delle proporzioni e pace della mente. La mentalità di una persona che esprime un orientamento classicista è caratterizzata dal desiderio di unificazione attorno al monarca, ordine. memoria di guerre di religione il secolo precedente e il desiderio di stabilità lo costrinsero ad accettare una rigida gerarchia di assolutismo, una rigida regolamentazione del potere regio.

I classicisti nell'arte sono caratterizzati dalla creazione di opere monumentali, l'immagine di eroi attivi, pieni di energia vitale e capaci - grazie alla capacità di domare le passioni che le travolgono - di assurgere alla risoluzione di complessi, tragici conflitti. Pertanto, il teatro gravita verso tragedie basate su trame storiche, in cui lo scontro tra dovere e sentimento finisce sempre con la vittoria del dovere. Grandi persone hanno lavorato in questa direzione. drammaturghi francesi - Corneille(1606-1684) e Racina(1639-1699). Ma c'era anche una commedia del classicismo, che esponeva le contraddizioni del mondo circostante, come dimostra l'opera che fino ad ora non ha perso la sua rilevanza. Molière(1622-1673).

La teoria del classicismo è caratterizzata dal culto della ragione, che collega questo stile al razionalismo filosofico. La ragione nel classicismo è la fonte e la misura della bellezza; per un classicista coerente, il valore opera d'arteè in gran parte determinato dal grado della sua logica armonia e chiarezza, dall'ordine della sua composizione. Ciò spiega la tendenza dei classicisti a raffigurare come eroi persone capaci di pensare con sobrietà, ragionare e subordinare le proprie azioni ai dettami della ragione anche nei momenti delle esperienze più difficili e burrascose. Lo stesso desiderio di ordinare ha dettato diversi tipi di arte, a seconda della loro specificità e certe regole su cui queste opere dovrebbero essere create. Queste regole riguardavano non solo il tema o la trama dell'opera, ma ne razionalizzavano anche la struttura interna. Ad esempio, nella drammaturgia c'erano le famose “tre unità”: l'unità di luogo, l'unità di tempo e l'unità di azione. L'unità del luogo ha fatto sì che tutti gli eventi si svolgessero in un solo luogo, uno scenario sul palcoscenico; l'unità di tempo esigeva che l'azione iniziasse e finisse entro un giorno; l'unità d'azione richiedeva che il conflitto centrale fosse chiaramente definito e unico. Ha delineato in modo più completo il lato normativo dell'arte del classicismo Nicola Boileau(1636-1711) nel trattato poetico "Arte poetica", dove esigeva che l'ispirazione artistica fosse subordinata alla ragione:

Devi pensare all'idea e solo allora scrivere.

Anche se non ti è chiaro cosa vuoi dire,

Non cercare invano parole semplici e precise...

Il 17 ° secolo ha dato all'umanità alti traguardi cultura in quasi tutti i campi di attività. Ma notiamo ancora una volta che fu un'epoca di contrasti: allo splendore della corte del “Re Sole” Luigi XIV si oppose un popolo povero che non aveva non solo il domani, ma anche l'oggi; alle menti più magnifiche di questo secolo - un nobile che non sa leggere e scrivere e se ne vanta. Questi contrasti danno origine a uno speciale dramma del tempo, che ha preparato sia le idee dell'Illuminismo sia la successiva molteplicità nello sviluppo della cultura dei tempi moderni.

Differenze tra barocco e classicismo.

Nell'era del classicismo, che seguì l'era barocca, il ruolo della polifonia polifonica diminuì e venne alla ribalta polifonia omofonica
( dal greco "homos" - "uno" e "fone" - "suono", "voce")

A differenza di polifonia, dove tutti i voti sono uguali, polifonia omofonica spicca uno, esibendosi argomento principale , e il resto gioca un ruolo accompagnamento(accompagnamento). L'accompagnamento è solitamente un sistema di accordi (armonie). Da qui il nome del nuovo modo di comporre musica - armonico omofonico.

Ci sono meno ornamenti e ornamenti nella musica. Le opere sono diventate più armoniose, chiare nella struttura, soprattutto quelle scritte forma sonata.

Nell'era barocco in un brano musicale, ciascuna delle parti si è concentrata sull'espressione e sulla divulgazione uno disegnato brillantemente i sensi, cosa è stato risolto con l'aiuto della presentazione un argomento che è cambiato (variato) in tutta la parte e nell'era classicismo in una parte dell'opera rivelata tante emozioni, che sono stati espressi con l'aiuto della presentazione e dello sviluppo due o più argomenti di vario contenuto figurativo.

Musica del primo barocco (1600-1654)

Lo sviluppo dell'opera italiana da parte di un compositore italiano può essere considerato un punto di transizione condizionale tra il Rinascimento e il Barocco. Claudio Monteverdi (1567-1643).

Il compositore è nato nella città italiana di Cremona nella famiglia di un medico. Come musicista, Monteverdi si è sviluppato in gioventù. Ha scritto ed eseguito madrigali; suonava l'organo, la viola e altri strumenti. Monteverdi ha studiato composizione musicale con noti compositori dell'epoca. Nel 1590, come cantore e musicista, fu invitato a Mantova, alla corte del duca Vincenzo Gonzaga; in seguito guidò la cappella di corte. Nel 1612 Monteverdi lasciò il servizio a Mantova e dal 1613 si stabilì a Venezia. In gran parte grazie a Monteverdi nel 1637, a Venezia fu aperto il primo teatro dell'opera pubblico al mondo. Lì, il compositore guidò la cappella della Cattedrale di San Marco. Prima della sua morte, Claudio Monteverdi prese gli ordini sacri.

Dopo aver studiato l'opera operistica dei compositori rinascimentali Peri e Caccini, Monteverdi ha creato le proprie opere operistiche. Già nelle prime opere - "Orfeo" (1607) e "Arianna" (1608) - il compositore riuscì a trasmettere sentimenti profondi e appassionati con mezzi musicali, per creare un'azione drammatica tesa. Monteverdi è l'autore di molte opere, ma solo tre sono sopravvissute: "Orfeo", "Ritorno di Ulisse in patria" (1640; basato sulla trama dell'antico poema epico greco "Odissea") e "Incoronazione di Poppea" ( 1642).

Le opere di Monteverdi combinano armoniosamente musica e testo. Al centro dell'opera monologo - recitativo (da esso. recitare - "recitare"), in cui recitato ogni parola e la musica trasmette in modo flessibile e sottile le sfumature dell'umore. Monologhi, dialoghi ed episodi corali fluiscono dolcemente l'uno nell'altro, l'azione si sviluppa lentamente (tre o quattro atti nelle opere di Monteverdi), ma in modo dinamico. Il compositore ha assegnato un ruolo importante all'orchestra. In "Orpheus", ad esempio, ha utilizzato quasi tutti gli strumenti allora conosciuti. musica orchestrale non solo accompagna il canto, ma racconta lei stessa gli eventi che si svolgono sul palco e le esperienze dei personaggi. Apparso per la prima volta in Orfeo ouverture(ouverture francese o apertura latina - "apertura", "inizio")- un'introduzione strumentale a un brano musicale importante. Le opere di Claudio Monteverdi hanno avuto un'influenza significativa sui compositori veneziani e hanno gettato le basi della scuola operistica veneziana. .

Monteverdi ha scritto non solo opere, ma anche musica sacra, religioso e madrigali laici. Divenne il primo compositore che non si oppose ai metodi polifonici e omofonici: gli episodi corali delle sue opere includono tecniche polifoniche.
Nell'opera di Monteverdi, il nuovo si fondeva con il vecchio: le tradizioni del Rinascimento.

Per inizio XVIII in. formato scuola lirica di Napoli. Caratteristiche di questa scuola: maggiore attenzione al canto, ruolo dominante della musica. Fu a Napoli che il stile vocale del bel canto(it. bel canto - "bel canto"). Il bel canto è famoso per la straordinaria bellezza del suono, della melodia e della perfezione tecnica. Un esecutore di bel canto deve essere in grado di riprodurre molte sfumature del timbro vocale, oltre a trasmettere magistralmente numerose sequenze veloci di suoni sovrapposti alla melodia principale. - coloratura (it. coloratura - "decorazione").

A XVIII secolo musica lirica divenne il principale tipo di arte musicale in Italia, facilitato dall'alto livello professionale cantanti addestrati conservatori(It. conservatorio, err lat. conservare - "proteggere") - istituzioni educative che hanno formato musicisti. A quel tempo, quattro conservatori erano stati creati nei centri dell'opera italiana: Venezia e Napoli. La popolarità del genere è stata servita anche dai teatri d'opera aperti in diverse città del paese, accessibili a tutti i segmenti della società. Le opere italiane sono state messe in scena nei teatri delle principali capitali europee e compositori austriaci, tedeschi e di altri paesi hanno scritto opere basate su testi italiani.

Una figura significativa del primo barocco, la cui posizione era dalla parte del cattolicesimo, opponendosi alla crescente influenza ideologica, culturale e sociale del protestantesimo, fu Giovanni Gabrieli (1555-1612). Le sue opere appartengono allo stile dell '"Alto Rinascimento" (il periodo di massimo splendore del Rinascimento). Tuttavia, alcune delle sue innovazioni nel campo della strumentazione (l'assegnazione di compiti specifici a un determinato strumento) indicano chiaramente che fu uno dei compositori che influenzò l'emergere di un nuovo stile.

Uno dei requisiti della chiesa per comporre musica sacra era quello testi nei lavori con la voce c'erano esigente. Ciò ha richiesto un allontanamento dalla polifonia verso tecniche musicali, dove le parole sono venute alla ribalta. La voce è diventata più complessa, ornata rispetto all'accompagnamento.

Un grande contributo alla diffusione di nuove tecniche è stato dato da compositore tedesco Heinrich Schütz (1585-1672), formatosi a Venezia, è il più famoso compositore tedesco prima di Johann Sebastian Bach e uno dei più importanti compositori del primo barocco insieme a D. Gabrieli e C. Monteverdi. Ha usato nuove tecniche nel suo lavoro mentre prestava servizio come maestro di coro a Dresda.

Musica del barocco maturo (1654-1707)

Viene spesso chiamato il periodo di centralizzazione del potere supremo in Europa Assolutismo. L'assolutismo raggiunse il suo apice sotto il re francese Luigi XIV. Per tutta l'Europa, la corte di Luigi era un modello. Compresa la musica eseguita a corte. La maggiore disponibilità di strumenti musicali (soprattutto tastiere) diede impulso allo sviluppo Camera musica (da esso. macchina fotografica - "stanza") eseguito in piccole stanze oa casa.

barocco maturo è diverso dalla prima ubiquità del nuovo stile polifonico ( libera scrittura) e una maggiore separazione forme musicali soprattutto nell'opera. Come in letteratura, la possibilità emergente di grande diffusione stampa le opere musicali hanno portato ad un'espansione del pubblico; si intensificò lo scambio tra i centri di cultura musicale.

Nella teoria musicale, il barocco maturo è definito dall'attenzione dei compositori sull'armonia e dai tentativi di creare sistemi coerenti di apprendimento musicale.
Negli anni successivi, ciò ha portato alla nascita di molti teorico lavori. Un notevole esempio di tale attività è l'opera del periodo tardo barocco - "Gradus ad Parnassum" (russo. Passi per il Parnaso), pubblicata nel 1725 da Johann Joseph Fuchs(tedesco Johann Joseph Fux) (1660-1741), teorico e compositore austriaco. Quest'opera, che ha sistematizzato la teoria del contrappunto, è stata lo strumento più importante per lo studio del contrappunto quasi fino alla fine del XIX secolo.

Un eccezionale rappresentante dei compositori di corte della corte di Luigi XIV era Giovanni Battista Lulli (1632-1687). (Giovanni Battista). Già all'età di 21 anni ricevette il titolo di "compositore di corte musica strumentale". Fin dall'inizio, il lavoro creativo di Lully è stato strettamente connesso al teatro. A seguire l'organizzazione del tribunale musica da camera e componendo "airs de cour" (arie di corte), iniziò a scrivere musica per balletto. Lo stesso Luigi XIV ballava nei balletti, che allora erano l'intrattenimento preferito della nobiltà di corte. Lully era un'ottima ballerina. Gli è capitato di partecipare a produzioni, ballando con il re. È noto per il suo giunto lavorando con Molière, per le cui opere ha scritto musica. Ma la cosa principale nel lavoro di Lully era ancora la scrittura opere. Sorprendentemente, Lully ha creato un tipo completo Opera francese; cosiddetta tragedia lirica in Francia (fr. tragedie lyrique), e raggiunse un indubbio successo maturità creativa nei primissimi anni del suo lavoro nel teatro dell'opera. Lully usava spesso il contrasto tra il suono maestoso della sezione orchestrale ei semplici recitativi e arie. Il linguaggio musicale di Lully non è molto complesso, ma certo nuovo: la chiarezza dell'armonia, l'energia ritmica, la chiarezza dell'articolazione della forma, la purezza della trama parlano della vittoria dei principi del pensiero omofonico. In larga misura, il suo successo è stato anche facilitato dalla sua capacità di selezionare i musicisti per l'orchestra e dal suo lavoro con loro (lui stesso ha diretto le prove). Un elemento integrante del suo lavoro era l'attenzione all'armonia e allo strumento solista.

Compositore e violinista Arcangelo Corelli(1653-1713) noto per il suo lavoro sullo sviluppo del genere concerto grosso (concerto grosso-" grande concerto") . Corelli è stato uno dei primi compositori le cui opere sono state pubblicate ed eseguite in tutta Europa. Come le opere d'opera di J.B. Lully, il genere del concerto grosso è costruito su una giustapposizione contrastante del suono di piccoli gruppi di orchestra solista e del suono di un'intera orchestra. La musica è costruita su transizioni nette da parti rumorose a parti silenziose, i passaggi veloci si oppongono a quelli lenti. Tra i seguaci di Arcangelo Corelli c'era Antonio Vivaldi, che in seguito compose centinaia di opere scritte nelle forme preferite di Corelli: sonate in trio e concerti.

A Inghilterra barocco maturo segnato da un genio brillante Henry Purcell(1659-1695). Morì giovane, all'età di 36 anni, dopo aver scritto un gran numero di opere e diventando molto conosciuto durante la sua vita. Purcell conosceva il lavoro di Corelli e di altri compositori italiani dell'era barocca e durante la sua breve vita Purcell scrisse molte opere vocali, strumentali, musicali e teatrali, la più significativa delle quali è l'opera "Dido ed Enea"(1689). Questo è il primo inglese opera nazionale. È stata commissionata da un'insegnante di danza di un collegio per nobili fanciulle. La natura privata dell'ordine ha influenzato l'aspetto dell'opera: a differenza delle opere monumentali di Monteverdi o Lully, l'opera di Purcell di piccole dimensioni, l'azione si muove velocemente. Il libretto dell'opera (autore Nicholas Tate) è stato scritto sulla base dell'eroica epopea "Eneide" del poeta romano Virgilio.

Virgilio ha uno dei difensori di Troia: Enea, dopo la caduta della città, si mette a vagare. Una tempesta spinge la sua nave verso le coste dell'Africa; qui incontra Didone, regina di Cartagine. Didone si innamorò di Enea e, quando l'eroe la lasciò per volere degli dei, si tolse la vita. Nell'opera di Purcell, l'araldo che ha separato gli eroi non è inviato dagli dei, ma dalle streghe della foresta (personaggi popolari nel folklore inglese). Enea prese l'inganno per un sacro dovere verso gli dei e distrusse la cosa più preziosa: l'amore.

Una caratteristica distintiva del lavoro di Purcell è armonia. Il compositore aveva un dono straordinario per creare melodie perfette: calme, maestose e impeccabili nella forma. Dopo Henry Purcell nella musica inglese fino al XX secolo. difficilmente si possono nominare maestri così brillanti.

A differenza dei compositori di cui sopra Dietrich Buxtehude (1637-1707) non era un compositore di corte. Buxtehude ha funzionato organista, prima a Helsingborg (1657-1658), poi a Elsinore (1660-1668), e poi, a partire dal 1668, nella chiesa di St. Maria a Lubecca. Guadagnava non pubblicando le sue opere, ma eseguendole, e preferiva comporre musica ai testi di chiesa ed eseguire le proprie composizioni per organo al patrocinio della nobiltà.Le sue composizioni per organo si distinguevano per una ricchezza di immaginazione, un'abbondanza di inaspettati e colorati confronti e drammaticità profonda, questo compositore. La musica di Buxtehude è in gran parte costruita sulla scala di idee, ricchezza e libertà di immaginazione, un debole per il pathos, il dramma e un'intonazione in qualche modo oratoria. Il suo lavoro ha fornito forte influenza su compositori come J.S. Bach e G.F.Telemann.

Musica tardo barocca (1707-1760)

Il confine esatto tra barocco maturo e tardo è oggetto di dibattito; lei mente da qualche parte tra 1680 e 1720. Gran parte della complessità della sua definizione è il fatto che in paesi diversi gli stili sono cambiati fuori sincrono; le innovazioni già accettate come regola in un luogo erano nuove scoperte in un altro. Italia grazie Arcangelo Corelli e dei suoi allievi Francesco Geminiani e Pietro Locatelli diventa il primo paese in cui transizioni barocche dal periodo maturo a quello tardo. Un traguardo importante può essere considerato quasi assoluto predominio del tono come principio strutturante della composizione musicale. Ciò è particolarmente evidente nel lavoro teorico di Jean Philippe Rameau, che prese il posto di Lully come principale compositore francese. Allo stesso tempo, la comparsa dell'opera capitale Gradus ad Parnassum (1725) di Johann Joseph Fuchs, dedicata alla polifonia di uno stile rigoroso, testimoniava la presenza in musica di Due stili di scrittura - omofonico-armonico e polifonico.

Le forme, aperto dal periodo precedente, raggiunta la maturità e grande variabilità il concerto, la suite, la sonata, il concerto grosso, l'oratorio, l'opera e il balletto non avevano più caratteristiche nazionali nettamente espresse. Schemi di opere generalmente accettati sono stati stabiliti ovunque: una forma ripetuta in due parti (AABB), una semplice forma in tre parti (ABC) e un rondò.

Antonio Vivaldi (1678-1741)- Compositore italiano, nato a Venezia.
Nel 1703 ricevette il grado di sacerdote cattolico. Il 1° dicembre dello stesso anno diventa maestro di violino presso l'orfanotrofio femminile del Pio Ospedale della Pietà di Venezia. La fama di Vivaldi è stata portata non da concerti o legami a corte, ma dalla pubblicazione delle sue opere, comprese le sonate in trio, le sonate per violino e i concerti. Sono stati pubblicati ad Amsterdam e ampiamente distribuiti in tutta Europa. Fu a questi generi strumentali, allora ancora in via di sviluppo (sonata barocca e concerto barocco), che Vivaldi diede il suo contributo più significativo. Alcune tecniche sono caratteristiche della musica di Vivaldi: una forma ciclica in tre parti per il concerto grosso e l'uso di un ritornello nelle parti veloci. Vivaldi ha composto oltre 500 concerti. Ha anche dato titoli programmatici ad alcune sue opere, come il famoso Le quattro stagioni. La carriera di Vivaldi mostra una maggiore opportunità per il compositore di esistere in modo indipendente: sul reddito da attività concertistica e pubblicare i propri scritti.

Domenico Scarlatti(1685-1757) fu uno dei principali compositori e interpreti di tastiere del suo tempo. Ha iniziato la sua carriera come compositore di corte; prima in Portogallo, e dal 1733 a Madrid, dove trascorse il resto della sua vita. Suo padre Alessandro Scarlatti è considerato il fondatore della scuola lirica napoletana. Domenico compose anche opere e musica sacra, ma la fama (dopo la sua morte) gli fu data dalla sua funziona per le tastiere. Alcune di queste opere le ha scritte per proprio piacere, altre per i suoi nobili clienti.

Il più famoso compositore di corte dell'era barocca era Georg Friedrich Händel(1685-1759). Nacque in Germania, studiò in Italia per tre anni, ma lasciò Londra nel 1711, dove iniziò la sua brillante carriera commerciale. carriera di successo un compositore d'opera indipendente che esegue commissioni per la nobiltà. Possedendo un'energia instancabile, Handel ha elaborato il materiale di altri compositori e costantemente rifatto i propri scritti. Ad esempio, è noto per aver rielaborato così tante volte il famoso oratorio "Messia" che ora non esiste una versione che possa essere definita originale. Sebbene le sue fortune finanziarie aumentassero e diminuissero, la sua fama, basata su opere pubblicate per tastiere, musica cerimoniale, opere, concerti grossi e oratori, continuò a crescere. Dopo la sua morte, è stato riconosciuto come uno dei principali compositori europei ed è stato studiato da musicisti dell'era classica. Durante la sua vita, Handel ha scritto di 50 opere (Almira, Agrippina, Rinaldo, Giulio Cesare, ecc.), 23 oratori ("Messiah", "Samson", "Judas Makovey", "Hercules"), innumerevoli corali della chiesa, concerti d'organo, nonché una serie di opere di intrattenimento ("Music on the Water", "Music for Royal Fireworks") .

Uno dei più grandi compositori dell'era barocca - Johann Sebastian Bach sono nato
21 marzo 1685 a Eisenach, Germania. Durante la sua vita ha composto più di 1000 opere di vari generi, tranne l'opera. Ma durante la sua vita non ha ottenuto alcun successo significativo. Spostandosi molte volte, Bach cambiò una posizione non troppo elevata dopo l'altra: a Weimar fu musicista di corte presso il duca di Weimar Johann Ernst, poi divenne custode dell'organo nella chiesa di St. Bonifacio ad Arnstadt, pochi anni dopo accettò l'incarico di organista nella chiesa di S. Vlasia a Mühlhausen, dove lavorò solo per circa un anno, dopodiché tornò a Weimar, dove prese il posto di organista di corte e organizzatore di concerti. Ha ricoperto questa posizione per nove anni. Nel 1717 Leopoldo, duca di Anhalt-Köthen, assunse Bach come Kapellmeister e Bach iniziò a vivere e lavorare a Köthen. Nel 1723 Bach si trasferì a Lipsia, dove rimase fino alla sua morte nel 1750.

JS Bach era ben noto in Germania durante la sua vita come compositore, interprete, insegnante e padre dei Bach più giovani, principalmente Carl Philipp Emmanuel. Ma in l'anno scorso vita e dopo la morte di Bach, la sua fama di compositore iniziò a declinare: il suo stile era considerato antiquato rispetto al nascente classicismo.

Nel 1802, Johann Nikolai Forkel pubblicò la prima biografia più completa di Johann Sebastian Bach. Nel 1829, 79 anni dopo la morte di J.S. Bach, Felix Mendelssohn eseguì la Passione secondo Matteo di Bach a Berlino. Il successo di questo concerto ha ravvivato l'interesse per il lavoro di J. S. Bach ed è diventato il motivo dell'emergere di un enorme interesse per la musica di Bach in Germania, e poi in tutta Europa.

Ora J.S. Bach è uno dei compositori più popolari di tutti i tempi: ad esempio, nel voto " Miglior compositore Millennium, ospitato da Cultureciosque.com, Bach si è classificato al primo posto.

L'arte dei secoli XVII-XVIII ha formato due stili sorprendenti: il classicismo e il barocco. Questi due principali stili paneuropei sono esistiti fianco a fianco per due secoli. Nonostante le ovvie differenze, hanno interagito strettamente tra loro. Durante il loro sviluppo, il classicismo e il barocco si sono trovati non solo nell'architettura mondiale e russa, ma anche nella scultura, nella letteratura, nell'interior design e nell'arte. Confronto tra classicismo e barocco, due stili, luminosi, oltraggiosi e unici, considereremo ulteriormente.

Storia del classicismo

Classicismo in latino significa "esemplare". Una tendenza memorabile nella cultura europea sorse nel XVII secolo. Era l'era del rafforzamento della monarchia, tutto doveva essere perfetto e allo stesso tempo lussuoso, come si vede nelle figure impeccabili del mondo antico.

La Francia divenne la fondatrice dello stile del classicismo, dove volava lo spirito di libertà e perfezione dell'uomo, sia spirituale che fisico. Sagome rigorose e ideali in complessi architettonici, scene antiche in pittura e scultura, decorazioni interne ricche ma sobrie. Tutte queste sono caratteristiche del classicismo.

In Russia, questo stile è stato fissato sotto Caterina II, il suo desiderio di europeizzare il paese ha giocato un ruolo chiave nella costruzione monumenti famosi architettura di quel tempo.

Il classicismo è un classico, l'armonia tra uomo e natura, semplice e conciso nella sua direzione. Lo stile, in cui devono essere osservate determinate regole, si è trovato molto rapidamente nella cultura del palazzo in Germania, Italia, Inghilterra e Russia.

Storia barocca

Barocco significa: "dissoluto", "incline agli eccessi". L'Italia è diventata la fondatrice di questo stile pomposo. Fine del XVI secolo - il Rinascimento, il rafforzamento del potere cattolico, luminoso, audace e maestoso, avrebbe dovuto impressionare. Tutti gli elementi distintivi del Barocco furono incarnati nelle città cattoliche d'Italia.

Tuttavia, anche i paesi europei hanno assunto alcuni attributi ed elementi dello stile italiano "dissoluto". Inghilterra, Francia, Russia hanno utilizzato la nuova cultura nella loro architettura e negli interni per enfatizzare la loro brillantezza e unicità.

Lo stile, incentrato sulla creazione dell'illusione della ricchezza e del lusso della chiesa, così come della nobiltà italiana, si è successivamente riflesso in tutti i paesi d'Europa, America e Russia. E rimase un compagno immortale della Chiesa cattolica.

Confronto e classicismo

I due stili vanno fianco a fianco da secoli. Tuttavia, hanno evidenti differenze nella storia e nello scopo della creazione, nell'incarnazione nell'arte.

Confronto tra classicismo e barocco

Classicismo e barocco visivamente

Caratteristiche principali barocco e classicismo lusso e discreta ricchezza. Entrambi gli stili si riflettono in opere costose arte e suggestive strutture architettoniche. Considera gli oggetti più famosi di due stili diversi dello stesso periodo di tempo.

Il classicismo è, ovviamente, Place des Revolts e il Pantheon di Parigi. Cattedrali di Sant'Isacco e di Kazan a San Pietroburgo. Teatro Bolshoi di Varsavia. Il famoso dipinto di Jacques-Louis David "Napoleon's Crossing the Alps" riflette perfettamente lo stile del classicismo nella pittura. "Psiche risvegliata dal bacio di Cupido" è la statua più famosa del classicismo. "Apollo e le Ninfe" è un esempio di stile classico, incredibile nella sua bellezza.

Mentre il barocco ci è noto dalla Cattedrale Smolny di San Pietroburgo, dal Teatro dell'Opera di Odessa e, naturalmente, dalla Chiesa cattolica in Vaticano. Rubens e Caravaggio sono i pittori barocchi più riconoscibili. E l'italiano ci rivela tutta l'espressività del barocco nelle sue splendide sculture.

Classicismo e barocco in architettura

Come possiamo vedere dalle descrizioni e dai confronti dei due stili, le differenze tra barocco e classicismo sono evidenti. In quest'ultimo, si tratta principalmente di un appello all'architettura antica, nel barocco, al lusso delle chiese cattoliche.

Classicismo e barocco in architettura, confronto sull'esempio di due monumenti eccezionali

La Basilica del Santa Croce, in Italia, è un tipico esempio del barocco italiano. Caratteristiche distintive: decorazioni lussureggianti e molte statue sulla facciata. Sculture, balconi, colonne, forma complessa costruzione. Il centro è coronato da un'enorme finestra rotonda, che va già oltre gli standard dell'architettura tipica. Cariatidi e Atlanti, forme bizzarre: tutti questi sono i tratti distintivi del barocco.

Il classicismo è il Teatro Bolshoi di Mosca. Nel suo esempio, possiamo vedere i tratti caratteristici nell'architettura di questo stile. Semplicità e concisione. Monumentalità e severità. Moduli chiari, colonne. Piccole finestre standard. Discreto motivo a stucco sulla facciata con motivi tipici del mondo antico. Una chiara forma geometrica della struttura. Piacevole discreto colore uniforme dell'intero edificio.

L'architettura del barocco e del classicismo è molto diversa in confronto. A prima vista si distinguono l'uno dall'altro: colpisce la pretenziosità del barocco, certo, si tratta di opere architettoniche complesse. Mentre gli edifici nello stile del classicismo hanno proporzioni così chiare e un aspetto rigoroso che involontariamente ti fanno pensare alla loro grandezza e monumentalità.

Classicismo e barocco in pittura

Venendo dalla stessa epoca, classicismo e barocco, tuttavia, hanno caratteristiche distintive nell'arte.

Michelangelo è uno degli artisti italiani più famosi che ha stabilito un nuovo stile nella pittura: il barocco. Queste sono trame prevalentemente religiose, immagini vivide, scene emotive della vita persone normali. Il contrasto di colori, luce e crepuscolo, molti oggetti per la casa, realismo delle emozioni. Seguaci di questo stile nell'arte - e Guido Reni.

Il classicismo non è meno pittoresco, ma l'antica Grecia è presa come base. Raffaello, Giulio Romano sulle loro tele raffigurano l'ideale forme fisiche caratteri divini. Le fredde trame mitiche affascinano per la loro concisione, niente di superfluo, composizione ponderata e spazio attorno ai personaggi nei minimi dettagli.

È possibile individuare gli elementi principali nel confrontare le tendenze artistiche del classicismo e del barocco. In primo luogo, questa è la vera emotività del barocco, il potere della trama e la vivacità delle immagini, e in secondo luogo, la bellezza sobria mitologia antica chiaro e conciso nella sua manifestazione.

Confronto tra classicismo e barocco all'interno

Oltre a eccezionali opere d'arte e incredibili monumenti architettonici, il barocco e il classicismo si riflettono all'interno di case e stanze. Avanti - con allineamento del classicismo e barocco nella decorazione dei locali.

Questi due stili hanno portato le loro caratteristiche principali all'interno. Prima di tutto, è costoso. In entrambi i casi, è lusso e ricchezza. E poi possiamo parlare di colori. Il barocco è sempre luminoso, sempre oro, marmo, superfici laccate. Molti oggetti aggiuntivi, forme complesse di mobili e intricati motivi di baldacchini e tappezzerie per sedie. Certo, questa è la bellezza in cui vuoi immergerti, ogni materia che vuoi studiare. Ammirazione e pomposità, ciò che i re amano così tanto.

Il classicismo a questo proposito gioca in contrasto con il barocco. Colori pastello sobri che si armonizzano tra loro. L'interno calmo, ma non per questo meno maestoso, è stato creato, piuttosto, per calmare, non disturbare. Prevalentemente colori chiari, chiarezza delle linee, correttezza degli oggetti. La funzionalità degli attributi interni, tuttavia, non è priva del suo fascino.

Classicismo e barocco in Russia

Questi due stili arrivarono in Russia nel XVIII secolo. La Russia zarista era in stretto contatto con gli stati europei e non voleva essere lasciata indietro nell'opportunità di dimostrare la sua grandezza.

Barocco e incarnato, principalmente, Rastrelli. Fu lui a occuparsi della ricostruzione e della costruzione dei principali edifici di San Pietroburgo in quel momento. Naturalmente, gli stili furono russificati, adottando i principi di base delle due direzioni, l'architettura tradizionale russa fu preservata. Il monastero di Smolny è forse il più brillante rappresentante barocco a San Pietroburgo, mentre il "culmine" del classicismo è, ovviamente, la cattedrale di Kazan. All'origine di questo stile in Russia c'erano gli architetti V. Bazhenov, M. Kazakov, I. Starov, a Mosca si possono vedere chiese e case costruite secondo i loro progetti.

Il barocco e il classicismo giocano un ruolo importante nell'architettura russa. Sia nella manifestazione storica - la fondazione di San Pietroburgo, la nuova Mosca, sia nella lotta per l'uguaglianza degli scrittori classicisti russi.

Ora è impossibile immaginare le nostre città senza l'Hermitage, l'Accademia delle Scienze e il Palazzo Tauride.

Classicismo e barocco nel nostro tempo

Nel mondo moderno, gli architetti si rivolgono spesso al barocco e al classicismo, confrontando e mescolando questi stili. I tempi dei re e degli imperatori sono passati, ma l'amore per il lusso e la grandezza è rimasto. Ora puoi già vedere castelli moderni in stile barocco da qualche parte su Rublyovka o la dacia classicista di un altro oligarca nel villaggio di Nirvana vicino a San Pietroburgo.

All'Hotel Trezzini puoi immergerti nel lusso dei re, e al Ristorante Empire puoi gustare i piatti dei re moderni. Ma questo è già il lusso di oggi, anche se non è ancora alla portata di tutti.

Il XVII secolo si rivelò sorprendentemente favorevole allo sviluppo cultura artistica. Divenne non solo l'età della scienza, ma anche l'età dell'arte. È vero, tenendo conto del fatto che la fioritura della scienza è appena iniziata, mentre l'arte ha già raggiunto il suo apogeo. Tuttavia, il cielo sopra di esso è ancora limpido e senza nuvole. Il suo prestigio nella società è insolitamente alto. In termini di numero di grandi artisti del XVII secolo, a quanto pare, supera tutti gli altri, compreso il Rinascimento. Inoltre, se nel Rinascimento l'Italia nel campo dell'arte non conosce eguali, allora nel XVII secolo. l'arte è in aumento in tutti i paesi europei e la Francia ora sembra preferibile.

Come altre aree della cultura, l'arte è stata influenzata dalla differenziazione. Il suo isolamento diventa sempre più evidente e distinto. Anche il legame con la religione è notevolmente indebolito. Di conseguenza, le trame religiose e mitologiche eliminano il pathos eccessivo, si riempiono di profonda vitalità e naturalezza.

Un'altra conseguenza della differenziazione è che le personalità universali caratteristiche dell'epoca scompaiono tra gli artisti. non era solo un artista geniale, ma anche un grande scienziato, pensatore, inventore. Anche se in misura minore, ma lo stesso si può dire di L. Alberti, F. Brunelleschi. Piero della Francesca, F. Rabelais e altri, ora figure così grandi stanno diventando una rarità. Allo stesso tempo, si accresce il principio soggettivo di cui all'art. Si manifesta in un numero crescente di individui brillanti, in una maggiore libertà creativa e coraggio, in una visione più ampia delle cose.

All'interno dell'arte c'è anche un processo di differenziazione, i generi esistenti stanno cambiando e ne stanno emergendo di nuovi. A la pittura paesaggio e ritratto, in cui si esalta lo psicologismo, diventano generi completamente indipendenti. Ci sono ancora la vita e l'immagine degli animali. Cresce l'importanza di soluzioni compositive originali, colore, pittoricità e colorazione.

A musica nasce l'opera Il creatore di questo genere è un compositore italiano C. Monteverdi (1567-1643), che ha scritto l'opera "Orpheus", che è stata messa in scena 1607 e divenne un vero capolavoro dell'arte operistica. Per la prima volta, la musica in esso non solo integra i versi, ma è il personaggio principale che esprime il significato di tutto ciò che accade sul palco. Oltre all'opera, nella musica compaiono anche cantate e oratori.

I principali stili nell'arte del XVII secolo. barocco e classicismo. Alcuni storici dell'arte ritengono che contemporaneamente sia apparso anche il realismo come stile speciale nell'arte, ma questo punto di vista è contestato, sebbene sia riconosciuta l'esistenza di una tendenza realistica.

Barocco

Barocco appare alla fine del XVI secolo. in Italia. La stessa parola "barocco" significa "strano", "bizzarro". Lo stile barocco è caratterizzato da immagini dinamiche, tensione, luminosità, eleganza, contrasto, desiderio di grandezza, splendore e splendore, per la sintesi delle arti, una combinazione di realtà e illusione, maggiore emotività e sensualità. Il barocco era lo stile dell'élite aristocratica della società feudale uscente, lo stile della cultura cattolica.

Un rappresentante di spicco del barocco italiano è un architetto, scultore e pittore romano. L. Bernini (1598-1680). Tutti i tratti più caratteristici dello stile, sia forti che deboli, sono stati incarnati nel suo lavoro. Molte delle sue opere erano concentrate nel principale monumento della Roma cattolica: la Cattedrale di San Pietro. Peter. Sotto la sua cupola, costruita dal grande Michelangelo, si erge una grandiosa struttura monumentale e decorativa - un baldacchino di trenta metri, e nell'altare - un altrettanto maestoso pulpito marmoreo di Pietro, decorato con oro e figure raffiguranti angeli e amorini, padri della Chiesa e santi.

Una creazione ancora più maestosa del Bernini fu il grandioso colonnato, costituito da 284 colonne, disposte su quattro file e che incorniciano l'enorme piazzale antistante la Cattedrale di San Pietro. Peter. Le opere scultoree più significative del Bernini sono "Apollo e Dafne" e "L'estasi di S. Teresa".

La figura più famosa del barocco europeo è il pittore fiammingo P. Rubens (1577-1640). Può essere giustamente definita una personalità universale, di dimensioni non inferiori ai titani del Rinascimento. Era vicino agli umanisti, amava i classici dell'antichità: Plutarco. Seneca, Orazio, conosceva sei lingue, compreso il latino. Rubens non era uno scienziato e un inventore, ma capiva i problemi dell'astronomia e dell'archeologia, mostrava interesse per gli orologi senza meccanismo, per l'idea del moto perpetuo, seguiva le ultime novità della filosofia, capiva la politica e vi partecipava attivamente. Soprattutto, amava la vita umana stessa.

Rubens ha incarnato un impegno per l'umanesimo nel suo lavoro. Divenne un grande poeta di una vita piena di felicità, piacere e lirismo. Rimane un cantore insuperabile della carne umana - maschile e soprattutto femminile, della bellezza sensuale del corpo umano. Solo Rubens poteva trasmettere con tanto coraggio e amore il fascino della carne stessa, il suo tenero calore, la morbida morbidezza. Riuscì a dimostrare che la carne può essere bella senza essere splendidamente modellata.

Uno dei temi centrali del suo lavoro è una donna, l'amore e un bambino come frutto naturale e bello dell'amore. Questo lato del suo lavoro può essere visto e sentito in dipinti come Venere e Adone. Giunone e Argo, Perseo e Andromeda, Betsabea.

Mentre era in Italia, Rubens ha frequentato una buona scuola d'arte. Tuttavia, il suo temperamento fiammingo non accettava tutto dai grandi italiani. È noto che i maestri italiani preferivano l'equilibrio, la calma e l'armonia, che permettevano loro di creare la bellezza eterna. Rubens rompe tutto questo a favore del movimento. Le figure umane da lui raffigurate assomigliano spesso a una molla compressa, pronta a girarsi all'istante. A questo proposito, è il più vicino a Michelangelo, di cui sono piene le sculture tensione interna e movimento. Le sue opere sono anche piene di dinamismo tempestoso. Queste, in particolare, sono le tele “La battaglia delle Amazzoni”, “Il rapimento delle figlie di Leucippo”, “A caccia di leoni”, “A caccia di un cinghiale”.

Nelle opere di Rubens il colore e il pittoresco prevalgono sul disegno. Qui Tiziano serve da esempio. A Rubens non piacciono i contorni troppo netti. In un certo senso separa la materia dalla forma, rendendola libera, viva e carnale. Per quanto riguarda il colore, l'artista predilige toni luminosi, puliti e ricchi pieni di sana vitalità. Si sforza non tanto per la loro armonia, ma per l'orchestrazione, per la creazione di una sinfonia di colori. Rubens è giustamente chiamato il grande compositore di colori.

Classicismo

Patria classicismo divenne la Francia. Se il barocco preferisce i sentimenti, allora il classicismo riposa sulla mente. La norma più alta e il modello ideale per lui è l'arte antica. I suoi principi fondamentali sono la chiarezza, l'ordine, la sequenza logica, l'armonia e l'armonia.

Secondo il classicismo, il soggetto dell'arte dovrebbe essere sublime e bello, eroico e nobile. L'arte dovrebbe esprimersi in alto ideali morali, per cantare la bellezza e la ricchezza spirituale dell'uomo, per glorificare il trionfo del dovere cosciente sull'elemento dei sentimenti. Il giudice dell'arte non è solo il gusto, ma anche la ragione.

Il classicismo condivide le principali disposizioni del razionalismo e, soprattutto, l'idea di una struttura ragionevole del mondo. Tuttavia, nel comprendere il rapporto tra uomo e natura, non è d'accordo con lui, continuando la linea dell'umanesimo rinascimentale e credendo che questi rapporti dovrebbero essere basati sui principi del consenso e dell'armonia, e non del dominio e della subordinazione. Ciò è particolarmente vero per l'arte, uno dei cui compiti è cantare l'armonia dell'uomo con la bellezza della natura.

Il fondatore e la figura principale del classicismo in la pitturaè un artista francese N. Poussin (1594-1665). Nel suo lavoro si affida interamente al razionalismo di R. Descartes, credendo che la sensazione sia sempre parziale e unilaterale, e solo la mente può coprire l'argomento in modo completo e in tutta la sua complessità. Pertanto, tutto deve essere giudicato dalla mente.

Poussin ha trascorso quasi tutta la sua vita in Italia, ma questo non gli ha impedito di diventare un vero Artista francese, che ha creato una delle tendenze dell'occhio nell'arte che esiste ancora oggi. Da Maestri italiani maggiore influenza Rafael ce l'aveva con lui. le cui opere sono esempi ideali di completa perfezione, così come Tiziano, da cui tutti gli artisti successivi prendono lezioni di pura pittura.

Sebbene Poussin favorisca la ragione, la sua arte non è affatto arida, fredda e razionale. Lui stesso osserva che lo scopo dell'arte è il piacere, che tutti gli sforzi dell'artista sono finalizzati a offrire piacere estetico allo spettatore. Le sue opere contengono già i due elementi principali dell'arte, quando diventa un fenomeno completamente indipendente e autosufficiente.

Uno di questi è associato alla plasticità, creata con mezzi puramente artistici, pittorici, una combinazione di linee e colori, che è fonte di un piacere estetico speciale. Il secondo è associato all'espressione, all'espressività, con l'aiuto del quale l'artista influenza lo spettatore ed evoca in lui lo stato d'animo che lui stesso ha vissuto.

La presenza di questi due principi consente a Poussin di combinare intelletto e sentimento. Il primato della ragione si unisce al suo amore per la carne e alla sensualità. Ciò è dimostrato dai suoi dipinti "Venere e Adone", "Venere dormiente", "Baccanali", ecc., Dove vediamo una persona perfetta nel corpo e nello spirito.

Nel periodo iniziale della creatività, Poussin era dominato da tele su temi storici e religioso-mitologici. Sono dedicati a opere come "Il ratto delle Sabine", "La cattura

Gerusalemme", "I pastori dell'Arcadia". Viene poi in primo piano il tema dell'armonia tra uomo e natura. È rappresentato nei dipinti "Il trionfo di Flora", "Paesaggio con Polifemo", "Paesaggio con Orfeo ed Euridice", ecc. La natura, allo stesso tempo, non è solo un luogo in cui una persona può stare. Tra loro si stabilisce una profonda armonia sensuale, una certa comunità di anime, formano un tutt'uno. Poussin ha creato vere sinfonie di uomo e natura.

Negli ultimi anni della sua vita, l'artista dedica tutta la sua attenzione al canto della natura. Crea la serie poetica "The Seasons".

Classicismo in architettura ha trovato la sua incarnazione ideale in Palazzo di Versailles, costruito per volontà del re francese Luigi XIV. Questo grandioso complesso comprende tre maestosi palazzi e un vasto parco con piscine, fontane e sculture. L'insieme si distingue per una disposizione rigorosa, vicoli geometrici del parco, sculture maestose, alberi e cespugli tagliati.

Realismo

tendenza realistica nell'arte del XVII secolo. rappresenta principalmente Pittore olandeseRembrandt(1606-1669). Le origini di questa tendenza si trovano nella creatività Pittore italiano Caravaggio (1573-1610), che provvide grande influenza su molti artisti.

L'arte di Rembrandt occupa in qualche modo una posizione intermedia tra il barocco e il classicismo. Nelle sue opere si possono trovare le caratteristiche di questi due stili, ma senza gli estremi insiti in ciascuno di essi. In particolare, la sua famosa "Danae" sembra molto sensuale e carnale, ma non nella misura in cui si sarebbe esibita Rubens. Lo stesso con il classicismo. Alcuni dei suoi lineamenti sono presenti nelle opere di Rembrandt, ma non hanno una bellezza pura, idealizzata, non c'è niente di maestoso ed eroico. nessun pathos, ecc. In loro tutto sembra essere più vicino alla terra, tutto è molto più semplice, più naturale, più veritiero, più vitale.

Tuttavia, la principale originalità dell'arte di Rembrandt è ancora qualcos'altro. Consiste nel fatto che grazie a lui in pittura europeaè emersa una nuova tendenza psicologismo. Rembrandt fu il primo a rispondere seriamente al famoso appello di Socrate: "conosci te stesso". Rivolse lo sguardo verso l'interno e gli si aprì un mondo interiore enorme e sconosciuto, commisurato all'Universo infinito. Il soggetto della sua arte è l'inesauribile ricchezza della vita spirituale dell'uomo.

Rembrandt, per così dire, scruta e ascolta gli infiniti trabocchi stati psicologici, manifestazioni inesauribili del carattere umano individuale. Da qui una tale abbondanza non solo di ritratti, ma anche di autoritratti in cui si ritrae periodi diversi la vita - nella giovinezza e nella vecchiaia, in stati diversi - completa vitalità e dopo la malattia. Nelle sue opere il ritratto non solo diventa un genere autonomo, ma raggiunge anche vette senza precedenti. Tutto il suo lavoro può essere chiamato arte ritratto.

Questa svolta è in gran parte dovuta al fatto che Rembrandt - a differenza dei cattolici Rubens e Poussin - era un protestante. Prima dell'avvento del protestantesimo, l'uomo non cercava coscientemente di separarsi dagli altri. Al contrario, non pensava a se stesso al di fuori della comunità collettiva. Nell'antichità, una tale comunità era sostenuta da norme politiche e morali. Nel Medioevo, il cristianesimo ha rafforzato le vecchie fondamenta con una fede comune.

Il protestantesimo ha violato questa tradizione, attribuendo a se stesso la principale responsabilità del destino dell'uomo. Ora l'opera della salvezza è diventata, prima di tutto, affare personale di ciascuno. Un profondo cambiamento ha avuto luogo nella coscienza dell'uomo occidentale e Rembrandt è stato il primo a sentire profondamente i cambiamenti in atto, esprimendoli nella sua arte.

A proposito di una grande attenzione ai propri segreti vita interiore, molte opere del periodo iniziale dell'opera di Rembrandt, e soprattutto i suoi autoritratti, parlano della ricerca della propria verità personale. Lo testimoniano anche i suoi dipinti come "L'apostolo Paolo in carcere", "Cristo in Emmaus", ecc., Dove vengono alla ribalta esperienze psicologiche, riflessioni sul senso della vita e dell'essere. In età adulta, e soprattutto dopo il famoso "Visione notturna" queste tendenze si stanno rafforzando. In modo speciale compaiono nelle tele "Ritratto di un vecchio in rosso", "Ritratto di una vecchia". Il dipinto "Sindiki" diventa l'apice dell'arte del ritratto di gruppo.

Nell'ultimo periodo della creatività, Rembrandt è sempre più immerso nelle profondità della coscienza umana. Invade un problema completamente nuovo per l'arte europea: il problema della solitudine umana. Un esempio di ciò sono i suoi dipinti "Il filosofo", "Il ritorno del figliol prodigo".