Talentierte Künstler schaffen außergewöhnliche Gemälde. Ungewöhnliche Gemälde von Künstlern

Bildende Kunst kann eine ganze Reihe von Emotionen hervorrufen. Manche Gemälde lassen einen stundenlang starren, während andere buchstäblich schockieren, in Erstaunen versetzen und das Weltbild sprengen. Es gibt solche Meisterwerke, die zum Nachdenken und Suchen anregen geheime Bedeutung. Einige Gemälde sind verhüllt mystische Rätsel In anderen Fällen ist die Hauptsache der unerschwinglich hohe Preis.

In der Geschichte der Weltmalerei gibt es viele seltsame Gemälde. In unserer Bewertung verzichten wir bewusst darauf, Salvador Dali zu erwähnen, der ein Meister dieses Genres war und dessen Name uns zuerst einfällt. Und obwohl der Begriff der Fremdheit selbst subjektiv ist, ist es möglich, jene berühmten Werke zu identifizieren, die sich deutlich von der allgemeinen Reihe abheben.

Edvard Munch „Der Schrei“. Das 91 x 73,5 cm große Werk entstand 1893. Munch malte es in Öl, Pastell und Tempera; heute wird das Gemälde in der Osloer Nationalgalerie aufbewahrt. Das Werk des Künstlers ist zu einer Ikone des Impressionismus geworden; es ist heute allgemein eines der berühmtesten Gemälde der Welt. Munch selbst erzählte die Geschichte seiner Entstehung: „Ich ging mit zwei Freunden einen Weg entlang, als die Sonne plötzlich unterging, ich blieb erschöpft stehen und lehnte mich an den Zaun das Blut und die Flammen über dem bläulichen – schwarzen Fjord und der Stadt. Meine Freunde zogen weiter, aber ich stand immer noch da, zitternd vor Aufregung, und spürte, wie die endlosen Schreie die Natur durchdrangen. Es gibt zwei Versionen der Interpretation der gezeichneten Bedeutung. Wir können davon ausgehen, dass die dargestellte Figur von Entsetzen erfasst wird und lautlos mit den Händen an den Ohren schreit. Eine andere Version besagt, dass der Mann seine Ohren vor dem Geschrei um ihn herum bedeckte. Insgesamt schuf Munch bis zu vier Versionen von „The Scream“. Einige Experten glauben, dass dieses Gemälde eine klassische Manifestation der manisch-depressiven Psychose ist, an der der Künstler litt. Als Munch in der Klinik behandelt wurde, kehrte er nie wieder zu diesem Gemälde zurück.

Paul Gauguin „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“ Im Boston Museum of Fine Arts finden Sie dieses impressionistische Werk mit den Maßen 139,1 x 374,6 cm. Es wurde 1897–1898 in Öl auf Leinwand gemalt. Dieses tiefgründige Werk wurde von Gauguin auf Tahiti geschrieben, wo er sich vom Trubel zurückzog Pariser Leben. Das Gemälde wurde für den Künstler so wichtig, dass er nach seiner Fertigstellung sogar Selbstmord begehen wollte. Gauguin glaubte, dass es alles, was er zuvor geschaffen hatte, um Längen übertraf. Der Künstler glaubte, dass er nicht in der Lage sein würde, etwas Besseres oder Ähnliches zu schaffen; er hatte einfach nichts anderes anzustreben. Gauguin lebte noch fünf Jahre und bewies die Wahrheit seiner Urteile. Er selbst sagte, dass sein Hauptbild von rechts nach links betrachtet werden sollte. Es gibt drei Hauptgruppen von Figuren, die die Themen verkörpern, mit denen die Leinwand betitelt ist. Drei Frauen mit Kind zeigen den Beginn des Lebens, in der Mitte symbolisieren die Menschen die Reife und das Alter wird durch eine ältere Frau dargestellt, die auf ihren Tod wartet. Es scheint, dass sie sich damit abgefunden hat und über etwas Eigenes nachdenkt. Liegt zu ihren Füßen weißer Vogel, symbolisiert die Bedeutungslosigkeit von Wörtern.

Pablo Picasso „Guernica“. Picassos Schöpfung wird im Reina Sofia Museum in Madrid aufbewahrt. Großes Bild Maße: 349 x 776 cm, gemalt in Öl auf Leinwand. Dieses Freskogemälde entstand 1937. Der Film erzählt vom Überfall faschistischer freiwilliger Piloten auf die Stadt Guernica. Infolge dieser Ereignisse wurde eine Stadt mit 6.000 Einwohnern vollständig vom Erdboden vernichtet. Der Künstler schuf dieses Gemälde buchstäblich in einem Monat. In den ersten Tagen arbeitete Picasso 10-12 Stunden und in seinen allerersten Skizzen war die Grundidee bereits sichtbar. Dadurch wurde das Bild zu einem von beste Illustrationen all die Schrecken des Faschismus, der Grausamkeit und des menschlichen Leids. In Guernica ist ein Schauplatz der Gräueltaten, der Gewalt, des Todes, des Leids und der Hilflosigkeit zu sehen. Obwohl die Gründe dafür nicht explizit genannt werden, sind sie aus der Geschichte klar ersichtlich. Es heißt, dass Pablo Picasso 1940 sogar zur Gestapo in Paris vorgeladen wurde. Er wurde sofort gefragt: „Hast du es getan?“ Darauf antwortete der Künstler: „Nein, du hast es geschafft.“

Jan van Eyck „Porträt des Ehepaares Arnolfini.“ Dieses Gemälde wurde 1434 in Öl auf Holz gemalt. Die Abmessungen des Meisterwerks betragen 81,8 x 59,7 cm und es wird in der London National Gallery aufbewahrt. Vermutlich zeigt das Gemälde Giovanni di Nicolao Arnolfini zusammen mit seiner Frau. Das Werk ist eines der komplexesten der westlichen Malschule der nördlichen Renaissance. Dieses berühmte Gemälde enthält eine Vielzahl von Symbolen, Allegorien und verschiedenen Hinweisen. Schauen Sie sich einfach die Unterschrift des Künstlers an: „Jan van Eyck war hier.“ Dadurch ist das Gemälde nicht nur ein Kunstwerk, sondern ein echtes historisches Dokument. Schließlich handelt es sich um ein reales Ereignis, das van Eyck eingefangen hat. Dieses Bild in In letzter Zeit ist in Russland sehr beliebt geworden, da Arnolfinis Ähnlichkeit mit Wladimir Putin mit bloßem Auge erkennbar ist.

Mikhail Vrubel „Der sitzende Dämon“. Die Tretjakow-Galerie beherbergt dieses Meisterwerk von Michail Wrubel, das 1890 in Öl gemalt wurde. Die Leinwandgröße beträgt 114x211 cm. Der hier abgebildete Dämon ist überraschend. Er erscheint als trauriger junger Mann mit lange Haare. So stellen sich die Menschen normalerweise keine bösen Geister vor. Vrubel selbst sagte über sein berühmtestes Gemälde, dass der Dämon in seinem Verständnis weniger ein böser als vielmehr ein leidender Geist sei. Gleichzeitig kann man ihm Autorität und Majestät nicht absprechen. Vrubels Dämon ist in erster Linie ein Bild des menschlichen Geistes, des ständigen Kampfes mit sich selbst und der Zweifel, die in uns herrschen. Dieses von Blumen umgebene Geschöpf faltete tragischerweise die Hände und blickte mit seinen großen Augen traurig in die Ferne. Die gesamte Komposition bringt die Zwanghaftigkeit der Dämonenfigur zum Ausdruck. Er scheint in diesem Bild zwischen der Ober- und Unterseite des Bilderrahmens eingeklemmt zu sein.

Wassili Wereschtschagin „Apotheose des Krieges“. Das Bild wurde 1871 gemalt, aber der Autor schien darin die Schrecken zukünftiger Weltkriege vorherzusehen. Die 127 x 197 cm große Leinwand wird in der Tretjakow-Galerie aufbewahrt. Wereschtschagin gilt als einer der besten Schlachtenmaler der Welt Russische Malerei. Allerdings schrieb er Kriege und Schlachten nicht, weil er sie liebte. Der Künstler versuchte durch den Einsatz von bildender Kunst, den Menschen seine negative Einstellung zum Krieg zu vermitteln. Einmal versprach Wereschtschagin sogar, keine Schlachtenbilder mehr zu malen. Schließlich lag dem Künstler die Trauer um jeden verwundeten und getöteten Soldaten zu sehr am Herzen. Das Ergebnis einer solch herzlichen Einstellung zu diesem Thema war „Die Apotheose des Krieges“. Ein gruseliges und bezauberndes Bild zeigt einen Berg menschlicher Schädel auf einem Feld, umgeben von Krähen. Wereschtschagin hat eine emotionale Leinwand geschaffen; hinter jedem Schädel in einem riesigen Haufen kann man die Geschichte und das Schicksal von Einzelpersonen und ihnen nahestehenden Menschen verfolgen. Der Künstler selbst nannte dieses Gemälde sarkastisch ein Stillleben, weil es die tote Natur darstellt. Alle Details von „Apotheosis of War“ schreien nach Tod und Leere, dies ist sogar im gelben Hintergrund der Erde zu erkennen. Und das Blau des Himmels betont nur den Tod. Die Vorstellung von den Schrecken des Krieges wird durch Einschusslöcher und Säbelspuren auf den Schädeln unterstrichen.

Grant Wood „American Gothic“ Dieses kleine Gemälde misst 74 x 62 cm. Es wurde 1930 geschaffen und wird heute im Art Institute of Chicago aufbewahrt. Das Bild ist eines der schönsten berühmte Beispiele Amerikanische Kunst des letzten Jahrhunderts. Schon in unserer Zeit der Name „ Amerikanische Gotik„wird oft in den Medien erwähnt. Das Gemälde zeigt einen eher düsteren Vater und seine Tochter. Zahlreiche Details erzählen von der Strenge, dem Puritanismus und der Verknöcherung dieser Menschen. Sie haben unzufriedene Gesichter, in der Bildmitte steht eine aggressive Heugabel, und die Kleidung des Paares ist selbst nach damaligen Maßstäben altmodisch. Sogar die Naht an der Kleidung des Bauern wiederholt die Form einer Heugabel, was die Bedrohung für diejenigen verdoppelt, die in seine Lebensweise eingreifen würden Es ist interessant, dass das Bild einmal bei einem Wettbewerb am Chicago Art Institute von der Jury als humorvoll angesehen wurde und die Bewohner von Iowa sich darüber beleidigt fühlten Woods Schwester war das Vorbild für die Frau, aber der Zahnarzt des Malers wurde zum Prototyp für den wütenden Mann.

Rene Magritte „Liebhaber“. Das Gemälde wurde 1928 in Öl auf Leinwand gemalt. In diesem Fall gibt es zwei Möglichkeiten. Auf einem davon küssen sich ein Mann und eine Frau, nur ihre Köpfe sind in weißes Tuch gehüllt. In einer anderen Version des Gemäldes schauen die Liebenden den Betrachter an. Das Gezeichnete überrascht und fasziniert zugleich. Figuren ohne Gesicht symbolisieren die Blindheit der Liebe. Es ist bekannt, dass Liebende niemanden in der Nähe sehen, aber wir können sie nicht sehen wahre Gefühle. Selbst füreinander sind diese gefühlsblinden Menschen eigentlich ein Rätsel. Und obwohl die Hauptaussage des Bildes klar zu sein scheint, regt „Lovers“ dennoch zum Betrachten und Nachdenken über die Liebe an. Im Allgemeinen sind fast alle Gemälde von Magritte Rätsel, die völlig unmöglich zu lösen sind. Schließlich werfen diese Gemälde die zentralen Fragen nach dem Sinn unseres Lebens auf. In ihnen spricht der Künstler über die illusorische Natur dessen, was wir sehen, über die Tatsache, dass es um uns herum viele mysteriöse Dinge gibt, die wir versuchen, nicht wahrzunehmen.

Marc Chagall „Spaziergang“. Das Gemälde wurde 1917 in Öl auf Leinwand gemalt und wird heute in der Staatlichen Tretjakow-Galerie aufbewahrt. Marc Chagall ist in seinen Werken meist ernst, doch hier erlaubte er sich, seine Gefühle zu zeigen. Das Gemälde drückt das persönliche Glück des Künstlers aus; es ist voller Liebe und Allegorien. Sein „Walk“ ist ein Selbstporträt, auf dem Chagall seine Frau Bella neben sich darstellt. Sein Auserwählter schwebt in den Himmel, sie ist dabei, den Künstler dorthin zu zerren, der fast schon den Boden verlassen hat und ihn nur mit seinen Schuhspitzen berührt. In der anderen Hand des Mannes befindet sich eine Meise. Wir können sagen, dass Chagall sein Glück so dargestellt hat. Er hat ein Traumobjekt in Form seiner geliebten Frau und einen Vogel in seinen Händen, womit er seine Kreativität meinte.

Hieronymus Bosch„Der Garten der irdischen Freuden“ Diese 389 x 220 cm große Leinwand wird im Spanischen Rechtsmuseum aufbewahrt. Bosch malte das Ölgemälde auf Holz zwischen 1500 und 1510. Dies ist Boschs berühmtestes Triptychon. Obwohl das Gemälde aus drei Teilen besteht, ist es nach dem zentralen Teil benannt, der der Wollust gewidmet ist. Rund um die Bedeutung seltsames Bild Es gibt ständige Debatten; es gibt keine Interpretation, die als die einzig richtige anerkannt würde. Das Interesse am Triptychon entsteht durch die vielen kleinen Details, die die Hauptidee zum Ausdruck bringen. Es gibt durchsichtige Figuren, ungewöhnliche Strukturen, Monster, wahrgewordene Albträume und Visionen sowie höllische Variationen der Realität. Dem Künstler gelang es, dies alles mit einem scharfen und forschenden Blick zu betrachten und es gelang ihm, unterschiedliche Elemente auf einer einzigen Leinwand zu vereinen. Einige Forscher versuchten, in dem Bild ein Spiegelbild des menschlichen Lebens zu sehen, was der Autor als vergeblich ansah. Andere fanden Bilder der Liebe, andere entdeckten den Triumph der Wollust. Es ist jedoch zweifelhaft, dass der Autor versucht hat, fleischliche Freuden zu verherrlichen. Schließlich werden die menschlichen Figuren mit kalter Distanziertheit und Einfachheit dargestellt. Und die kirchlichen Behörden reagierten durchaus positiv auf dieses Gemälde von Bosch.

Gustav Klimt „Die drei Lebensalter der Frau“. In der Nationalgalerie Rom zeitgenössische Kunst Dieses Bild befindet sich. Die quadratische Leinwand mit einer Breite von 180 cm wurde 1905 in Öl auf Leinwand gemalt. Dieses Gemälde drückt gleichzeitig Freude und Trauer aus. Dem Künstler gelang es, das gesamte Leben einer Frau in drei Figuren darzustellen. Der erste, noch ein Kind, ist äußerst sorglos. Eine reife Frau drückt Frieden aus und letztes Alter symbolisiert Verzweiflung. Gleichzeitig ist das mittlere Alter organisch in das Lebensmuster eingebunden und das Alter hebt sich deutlich von seinem Hintergrund ab. Der deutliche Kontrast zwischen der jungen Frau und der älteren Frau ist symbolisch. Wenn das Aufblühen des Lebens von zahlreichen Möglichkeiten und Veränderungen begleitet wird, dann ist die letzte Phase eine tief verwurzelte Beständigkeit und ein Konflikt mit der Realität. Ein solches Bild erregt Aufmerksamkeit und regt zum Nachdenken über die Absicht des Künstlers und deren Tiefe an. Es enthält das gesamte Leben mit seinen Unausweichlichkeiten und Metamorphosen.

Egon Schiele „Familie“. Diese 152,5 x 162,5 cm große Leinwand wurde 1918 in Öl gemalt. Heutzutage wird es im Wiener Belvedere aufbewahrt. Schieles Lehrer war Klimt selbst, aber der Schüler versuchte nicht, ihn fleißig zu kopieren, sondern suchte nach eigenen Ausdrucksmethoden. Wir können mit Sicherheit sagen, dass Schieles Werke noch tragischer, beängstigender und seltsamer sind als die von Klimt. Manche Elemente würde man heute als pornographisch bezeichnen, es gibt viele verschiedene Perversionen, der Naturalismus ist in seiner ganzen Schönheit vorhanden. Gleichzeitig sind die Bilder buchstäblich von einer Art schmerzlicher Verzweiflung durchdrungen. Der Höhepunkt von Schieles und seiner eigenen Kreativität letztes Bild ist „Familie“. In diesem Gemälde wird die Verzweiflung auf ein Maximum gebracht, während sich das Werk selbst für den Autor als am wenigsten seltsam herausstellte. Nachdem Schieles schwangere Frau kurz vor seinem Tod an der Spanischen Grippe starb, entstand dieses Meisterwerk. Zwischen den beiden Todesfällen vergingen nur drei Tage; sie reichten aus, um sich selbst mit seiner Frau darzustellen geborenes Kind. Zu diesem Zeitpunkt war Shila erst 28 Jahre alt.

Frida Kahlo „Zwei Fridas“. Das Bild entstand 1939. Die mexikanische Künstlerin Frida Kahlo wurde durch die Veröffentlichung eines Films über sie mit Salma Hayek berühmt Hauptrolle. Die Arbeit der Künstlerin basierte auf ihren Selbstporträts. Sie selbst erklärte diesen Umstand so: „Ich schreibe selbst, weil ich viel Zeit alleine verbringe und weil ich das Thema bin, das ich am besten kenne.“ Interessant ist, dass Frida auf keinem ihrer Bilder lächelt. Ihr Gesicht ist ernst, sogar etwas traurig. Zusammengewachsene, dichte Augenbrauen und ein kaum wahrnehmbarer Schnurrbart über den zusammengepressten Lippen drücken maximale Ernsthaftigkeit aus. Die Ideen der Bilder liegen in den Figuren, Hintergründen und Details dessen, was Frida umgibt. Die Symbolik der Gemälde basiert auf den nationalen Traditionen Mexikos, die eng mit der alten indianischen Mythologie verknüpft sind. „Two Fridas“ ist eines der beliebtesten beste Gemälde Mexikaner. Es stellt auf originelle Weise die männlichen und weiblichen Prinzipien dar und verfügt über ein einziges Kreislaufsystem. Damit zeigte der Künstler die Einheit und Integrität dieser beiden Gegensätze.

Claude Monet „Waterloo Bridge. Die Wirkung von Nebel.“ In der St. Petersburger Eremitage finden Sie dieses Gemälde von Monet. Es wurde 1899 in Öl auf Leinwand gemalt. Bei näherer Betrachtung des Gemäldes erscheint es als violetter Fleck mit dicken Strichen darauf. Doch wenn man sich von der Leinwand entfernt, erkennt der Betrachter ihre ganze Magie. Zunächst werden vage durch die Bildmitte verlaufende Halbkreise sichtbar und die Umrisse von Booten erscheinen. Und schon aus ein paar Metern Entfernung erkennt man alle Bildelemente, die in einer logischen Kette miteinander verbunden sind.

Jackson Pollock „Nummer 5, 1948“. Pollock ist ein Klassiker des Genres des abstrakten Expressionismus. Sein berühmtestes Gemälde ist mit Abstand das teuerste der Welt. Und der Künstler hat es 1948 einfach gemalt Ölgemälde auf Faserplatte im Format 240x120 cm auf dem Boden. Im Jahr 2006 wurde dieses Gemälde bei Sotheby's für 140 Millionen Dollar verkauft. Der Vorbesitzer, Sammler und Filmproduzent David Giffen, verkaufte es an den mexikanischen Finanzier David Martinez. Pollock sagte, er habe sich entschieden, von so vertrauten Künstlerwerkzeugen wie Staffelei, Farben und Pinseln Abstand zu nehmen. Seine Werkzeuge waren Stöcke, Messer, Schaufeln und fließende Farbe. Er verwendete auch eine Mischung davon mit Sand oder sogar Glasscherben. Ich fange an zu kreieren. Pollock gibt sich der Inspiration hin, ohne überhaupt zu merken, was er tut. Erst dann kommt die Erkenntnis dessen, was perfekt ist. Gleichzeitig hat der Künstler keine Angst davor, das Bild zu zerstören oder versehentlich zu verändern – das Gemälde beginnt ein Eigenleben zu führen. Pollocks Aufgabe ist es, dabei zu helfen, dass es geboren wird und herauskommt. Wenn der Meister jedoch den Kontakt zu seiner Schöpfung verliert, wird das Ergebnis Chaos und Schmutz sein. Im Erfolgsfall verkörpert das Gemälde pure Harmonie und Leichtigkeit, Inspirationen aufzunehmen und umzusetzen.

Joan Miró „Mann und Frau vor einem Kothaufen.“ Dieses Gemälde wird heute in der Stiftung des Künstlers in Spanien aufbewahrt. Es wurde 1935 in nur einer Woche vom 15. bis 22. Oktober in Öl auf Kupferblech gemalt. Die Größe der Kreation beträgt nur 23 x 32 cm. Trotz eines so provokanten Namens spricht das Bild von den Schrecken der Bürgerkriege. Der Autor selbst schilderte somit die Ereignisse dieser Jahre in Spanien. Miro versuchte, eine Phase der Angst darzustellen. Auf dem Bild sieht man einen regungslosen Mann und eine Frau, die sich dennoch zueinander hingezogen fühlen. Die Leinwand ist mit unheilvollen giftigen Blumen übersät, zusammen mit vergrößerten Genitalien sieht sie bewusst ekelhaft und ekelhaft sexy aus.

Jacek Yerka „Erosion“. In den Werken des polnischen Neosurrealisten lassen ineinander verschlungene Bilder der Realität eine neue Realität entstehen. In mancher Hinsicht sind sogar berührende Gemälde äußerst detailliert. Sie enthalten Anklänge an die Surrealisten der Vergangenheit, von Bosch bis Dali. Yerka ist in dieser Atmosphäre aufgewachsen mittelalterliche Architektur, das wie durch ein Wunder die Bombenangriffe des Zweiten Weltkriegs überlebte. Er begann bereits vor seinem Studium mit dem Zeichnen. Sie versuchten, seinen Stil moderner und weniger detailliert zu gestalten, aber Yerka selbst behielt seine Individualität bei. Heute werden seine ungewöhnlichen Gemälde nicht nur in Polen, sondern auch in Deutschland, Frankreich, Monaco und den USA ausgestellt. Sie befinden sich in zahlreichen Sammlungen auf der ganzen Welt.

Bill Stonehams Hände widerstehen ihm. Das 1972 entstandene Gemälde kann kaum als Klassiker der Malerei bezeichnet werden. Es besteht jedoch kein Zweifel daran, dass es sich um eine der seltsamsten Schöpfungen von Künstlern handelt. Das Gemälde zeigt einen Jungen, neben ihm steht eine Puppe und hinter ihm sind zahlreiche Handflächen gegen das Glas gedrückt. Dieses Gemälde ist seltsam, geheimnisvoll und etwas mystisch. Es ist bereits mit Legenden überwuchert. Man sagt, dass wegen dieses Gemäldes jemand gestorben ist, aber die Kinder darin leben. Sie sieht wirklich gruselig aus. Es ist nicht verwunderlich, dass das Bild bei Menschen mit einer kranken Psyche Ängste und schreckliche Fantasien hervorruft. Stoneham selbst versicherte, dass er sich im Alter von 5 Jahren selbst gemalt habe. Die Tür hinter dem Jungen ist eine Barriere zwischen der Realität und der Welt der Träume. Die Puppe ist ein Führer, der ein Kind von einer Welt in eine andere führen kann. Hände sind alternative Leben oder menschliche Fähigkeiten. Das Bild wurde im Februar 2000 berühmt. Es wurde bei eBay zum Verkauf angeboten mit der Behauptung, es spuke darin. Infolgedessen wurde „Hands Resist Him“ von Kim Smith für 1.025 US-Dollar gekauft. Bald wurde der Käufer buchstäblich mit Briefen mit schrecklichen Geschichten über das Gemälde und der Forderung, diese Leinwand zu zerstören, überschwemmt.

Die Welt ist voll kreative Leute und jeden Tag erscheinen Hunderte neuer Gemälde, neue Lieder werden geschrieben. Natürlich gibt es in der Welt der Kunst einige Fehltritte, aber es gibt Meisterwerke echter Meister, die einfach atemberaubend sind! Wir zeigen Ihnen heute ihre Arbeit.

Bleistift Augmented Reality

Der Fotograf Ben Heine arbeitete weiter an seinem Projekt, das eine Mischung ist Bleistiftzeichnungen und Fotos. Zunächst fertigt er mit Bleistift eine Freihandskizze auf Papier an. Anschließend fotografiert er die Zeichnung vor dem Hintergrund eines realen Objekts und verfeinert das resultierende Bild in Photoshop, indem er Kontrast und Sättigung hinzufügt. Das Ergebnis ist magisch!

Illustrationen von Alisa Makarova

Alisa Makarova ist eine talentierte Künstlerin aus St. Petersburg. In einer Zeit, in der die meisten Bilder am Computer erstellt werden, ruft das Interesse unseres Landsmanns an traditionellen Formen der Malerei Respekt hervor. Eines ihrer neuesten Projekte ist das Triptychon „Vulpes Vulpes“, in dem bezaubernde feurige Rotfüchse zu sehen sind. Schönheit, und das ist alles!

Feine Gravur

Die Holzkünstler Paul Rodin und Valeria Lu haben die Schaffung eines neuen Stichs mit dem Titel „The Moth“ angekündigt. Die sorgfältige Arbeit und die exquisite Handwerkskunst der Autoren lassen selbst die hartnäckigsten Skeptiker nicht gleichgültig. Der Druck wird am 7. November auf einer bevorstehenden Ausstellung in Brooklyn gezeigt.

Zeichnungen Kugelschreiber

Wahrscheinlich hat jeder mindestens einmal während der Vorlesungen, anstatt die Worte des Lehrers aufzuschreiben, verschiedene Figuren in ein Notizbuch gezeichnet. Es ist nicht bekannt, ob die Künstlerin Sarah Esteje eine dieser Schülerinnen war. Aber dass ihre Kugelschreiberzeichnungen beeindruckend sind, ist eine unbestreitbare Tatsache! Sarah hat einfach bewiesen, dass man keine besonderen Materialien braucht, um etwas wirklich Interessantes zu schaffen.

Surreale Welten von Artem Chebokha

Der russische Künstler Artem Chebokha kreiert unglaubliche Welten, wo es nur Meer, Himmel und endlose Harmonie gibt. Für seine neuen Werke wählte der Künstler sehr poetische Bilder – ein Wanderer, der durch unbekannte Orte reist, und Wale, die in Wolkenwellen kreisen – der Fantasie dieses Meisters sind einfach keine Grenzen gesetzt.

Spot-Porträts

Manche Leute denken über die Pinselstrichtechnik nach, andere über den Kontrast von Licht und Schatten, aber der Künstler Pablo Jurado Ruiz malt mit Punkten! Der Künstler entwickelte die Ideen des Pointillismus-Genres, die den Autoren der Neoimpressionismus-Ära innewohnen, und schuf seinen eigenen Stil, in dem Details absolut alles entscheiden. Tausende Berührungen des Papiers führen dazu realistische Porträts, das man einfach nur anschauen möchte.

Gemälde von Disketten

In einer Zeit, in der viele Dinge und Technologien mit der Geschwindigkeit eines vorbeifahrenden Schnellzuges veraltet sind, ist es durchaus üblich, unnötigen Müll loszuwerden. Es stellte sich jedoch heraus, dass nicht alles so traurig ist und aus alten Gegenständen sehr viel gemacht werden kann moderne Arbeit Kunst. Der englische Künstler Nick Gentry sammelte quadratische Disketten von Freunden, nahm ein Glas Farbe und malte atemberaubende Porträts darauf. Es ist sehr schön geworden!

An der Grenze zwischen Realismus und Surrealismus

Der Berliner Künstler Harding Meyer liebt es, Porträts zu malen, aber um nicht zu einem weiteren Hyperrealisten zu werden, beschloss er zu experimentieren und schuf eine Reihe von Porträts an der Grenze von Realität und Surrealismus. Diese Werke ermöglichen uns einen Blick menschliches Gesicht als etwas mehr als nur ein „trockenes Porträt“, das seine Grundlage – das Bild – hervorhebt. Als Ergebnis solcher Recherchen wurde Hardings Werk von der Galerie für Moderne Kunst in München entdeckt, die am 7. November das Werk des Künstlers ausstellen wird.

Fingermalerei auf dem iPad

Viele moderne Künstler experimentieren mit Materialien, um Gemälde zu schaffen, aber der japanische Künstler Seikou Yamaoka hat sie alle übertroffen, indem er sein iPad als Leinwand verwendet hat. Er installierte einfach die ArtStudio-Anwendung und begann nicht nur zu zeichnen, sondern vor allem auch zu reproduzieren berühmte Meisterwerke Kunst. Darüber hinaus tut er dies nicht mit irgendwelchen speziellen Pinseln, sondern mit dem Finger, was selbst bei kunstfernen Menschen Bewunderung hervorruft.

Gemälde „Holz“.

Mit allem, von Tinte bis Tee, hat die Holzkünstlerin Mandy Tsung wirklich faszinierende Gemälde voller Leidenschaft und Energie geschaffen. Als Hauptthema wählte sie das geheimnisvolle Bild einer Frau und ihre Stellung in der modernen Welt.

Hyperrealistisch

Jedes Mal, wenn Sie die Arbeit hyperrealistischer Künstler finden, stellen Sie sich unwillkürlich die Frage: „Warum machen sie das alles?“ Jeder von ihnen hat seine eigene Antwort auf diese teilweise recht widersprüchliche Philosophie. Aber der Künstler Dino Tomic sagt es ganz unverblümt: „Ich liebe meine Familie einfach sehr.“ Er malte Tag und Nacht und versuchte, kein Detail aus dem Porträt seiner Verwandten zu übersehen. Eine solche Zeichnung kostete ihn mindestens 70 Arbeitsstunden. Zu sagen, dass die Eltern begeistert waren, bedeutet nichts zu sagen.

Porträts von Soldaten

18. Oktober um Londoner Galerie Die Opera Gallery hat eine Ausstellung mit Werken von Joe Black mit dem Titel „Ways of Seeing“ eröffnet. Für seine Gemälde verwendete der Künstler nicht nur Farben, sondern auch die ungewöhnlichsten Materialien – Bolzen, Brustabzeichen und vieles mehr. Das Hauptmaterial waren jedoch... Spielzeugsoldaten! Die interessantesten Exponate der Ausstellung sind Porträts von Barack Obama, Margaret Thatcher und Mao Zedong.

Sinnliche Ölporträts

Die koreanische Künstlerin Lee Rim war vor ein paar Tagen noch nicht so berühmt, aber ihre neuen Gemälde „Girls in Paint“ sorgten für große Resonanz und Resonanz in der Kunstwelt. Lee sagt: „Das Hauptthema meiner Arbeit ist menschliche Emotionen Und psychischer Zustand. Auch wenn wir in unterschiedlichen Umgebungen leben, empfinden wir zu einem bestimmten Zeitpunkt das Gleiche, wenn wir einen Gegenstand betrachten.“ Vielleicht möchte ich deshalb dieses Mädchen verstehen und in ihre Gedanken eintauchen, wenn ich mir ihre Arbeit ansehe.

Manche Kunstwerke scheinen den Betrachter überwältigend und verblüffend zu treffen. Manche ziehen Sie ins Nachdenken und auf die Suche nach Bedeutungsebenen, geheimer Symbolik. Manche Gemälde sind voller Geheimnisse und mystischer Mysterien, andere überraschen mit exorbitanten Preisen.

Edvard Munch „Der Schrei“

1893, Karton, Öl, Tempera, Pastell. 91×73,5 cm

Nationalgalerie, Oslo

„Der Schrei“ gilt als Meilenstein des Expressionismus und als eines der bedeutendsten Berühmte Gemälde in der Welt.
„Ich ging mit zwei Freunden einen Weg entlang – die Sonne ging unter – plötzlich wurde der Himmel blutrot, ich blieb erschöpft stehen und lehnte mich an den Zaun – ich betrachtete das Blut und die Flammen über dem bläulich-schwarzen Fjord und dem Stadt – meine Freunde zogen weiter, und ich stand zitternd vor Aufregung da und spürte, wie die endlosen Schreie die Natur durchdrangen“, sagte Edvard Munch über die Geschichte des Gemäldes.
Es gibt zwei Interpretationen des Dargestellten: Es ist der Held selbst, der von Entsetzen erfasst wird und lautlos schreit und die Hände an die Ohren presst; oder der Held verschließt seine Ohren vor dem Schrei der Welt und der Natur, der um ihn herum erklingt. Munch hat vier Versionen von „Der Schrei“ geschrieben, und es gibt eine Version, die besagt, dass dieses Gemälde die Frucht einer manisch-depressiven Psychose ist, unter der der Künstler litt. Nach einer Behandlung in der Klinik kehrte Munch nicht mehr zur Arbeit an der Leinwand zurück.

Paul Gauguin „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?"

1897-1898, Öl auf Leinwand. 139,1×374,6 cm

Museum der Schönen Künste, Boston

Das zutiefst philosophische Gemälde des Postimpressionisten Paul Gauguin wurde von ihm auf Tahiti gemalt, wohin er aus Paris floh. Nach Abschluss des Werkes wollte er sogar Selbstmord begehen, denn „ich glaube, dass dieses Gemälde nicht nur alle meine bisherigen übertrifft, und dass ich nie etwas Besseres oder auch nur Ähnliches schaffen werde.“ Er lebte noch 5 Jahre und genau das geschah.
Laut Gauguin selbst sollte das Gemälde von rechts nach links gelesen werden – drei Hauptfigurengruppen veranschaulichen die im Titel gestellten Fragen. Drei Frauen mit einem Kind stellen den Beginn des Lebens dar; die mittlere Gruppe symbolisiert die tägliche Existenz der Reife; in der letzten Gruppe, nach dem Plan des Künstlers, „ alte Frau„Sie nähert sich dem Tod, scheint versöhnt und ihren Gedanken ergeben zu sein“, zu ihren Füßen „ein seltsamer weißer Vogel ... stellt die Sinnlosigkeit von Worten dar.“

Pablo Picasso „Guernica“

1937, Öl auf Leinwand. 349×776 cm

Reina Sofia Museum, Madrid

Das riesige Fresko „Guernica“, 1937 von Picasso gemalt, erzählt die Geschichte eines Überfalls einer Freiwilligeneinheit der Luftwaffe auf die Stadt Guernica, bei dem die Stadt mit ihren sechstausend Einwohnern völlig zerstört wurde. Das Gemälde wurde buchstäblich in einem Monat gemalt – in den ersten Tagen der Arbeit an dem Gemälde arbeitete Picasso 10-12 Stunden und schon in den ersten Skizzen konnte man es sehen Hauptidee. Dies ist eines der besten Beispiele für den Albtraum des Faschismus sowie für die menschliche Grausamkeit und Trauer.
Guernica präsentiert Szenen von Tod, Gewalt, Brutalität, Leid und Hilflosigkeit, ohne ihre unmittelbaren Ursachen zu benennen, aber sie sind offensichtlich. Es heißt, dass Pablo Picasso 1940 von der Gestapo nach Paris vorgeladen wurde. Das Gespräch kam sofort auf das Gemälde. "Hast du das gemacht?" - „Nein, du hast es geschafft.“

Jan van Eyck „Porträt des Ehepaares Arnolfini“

1434, Holz, Öl. 81,8×59,7 cm

London Nationalgallerie, London

Das Porträt, angeblich von Giovanni di Nicolao Arnolfini und seiner Frau, ist eines der komplexesten Werke der westlichen Schule der Malerei der nördlichen Renaissance.
Das berühmte Gemälde ist vollständig mit Symbolen, Allegorien und verschiedenen Bezügen gefüllt – bis hin zur Bildunterschrift „Jan van Eyck war hier“, die es nicht nur zu einem Kunstwerk, sondern zu einem historischen Dokument machte, das ein reales Ereignis bestätigt, bei dem das Künstler war anwesend.
In Russland den letzten Jahren Das Gemälde erlangte große Popularität aufgrund der Ähnlichkeit des Porträts Arnolfinis mit Wladimir Putin.

Mikhail Vrubel „Der sitzende Dämon“

1890, Öl auf Leinwand. 114×211 cm

Tretjakow-Galerie, Moskau

Das Gemälde von Mikhail Vrubel überrascht mit dem Bild eines Dämons. Der traurige, langhaarige Kerl entspricht überhaupt nicht der gängigen menschlichen Vorstellung davon, wie ein böser Geist aussehen sollte. Der Künstler selbst sagte über sein berühmtestes Gemälde: „Der Dämon ist weniger ein böser Geist als vielmehr ein leidender und trauriger Geist, gleichzeitig ein mächtiger, majestätischer Geist.“ Dies ist ein Bild der Stärke des menschlichen Geistes, des inneren Kampfes und des Zweifels. Tragischerweise die Hände gefaltet, sitzt der Dämon mit traurigen, großen Augen in die Ferne gerichtet, umgeben von Blumen. Die Komposition betont die Zwanghaftigkeit der Figur des Dämons, als ob er zwischen den oberen und unteren Querstangen des Rahmens eingeklemmt wäre.

Wassili Wereschtschagin „Apotheose des Krieges“

1871, Öl auf Leinwand. 127×197 cm

Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau

Wereschtschagin ist einer der bedeutendsten russischen Schlachtenmaler, aber er malte keine Kriege und Schlachten, weil er sie liebte. Im Gegenteil, er versuchte, den Menschen seine negative Einstellung zum Krieg zu vermitteln. Eines Tages rief Wereschtschagin voller Emotionen aus: „Ich werde keine Schlachtenbilder mehr malen – das ist alles!“ Ich nehme mir das, was ich schreibe, zu sehr zu Herzen, ich weine (im wahrsten Sinne des Wortes) um die Trauer aller Verwundeten und Getöteten.“ Das Ergebnis dieses Ausrufs war wahrscheinlich das schreckliche und bezaubernde Gemälde „Die Apotheose des Krieges“, das ein Feld, Krähen und einen Berg menschlicher Schädel darstellt.
Das Bild ist so tiefgründig und emotional geschrieben, dass man hinter jedem Schädel, der auf diesem Haufen liegt, Menschen zu sehen beginnt, ihr Schicksal und das Schicksal derer, die diese Menschen nie wieder sehen werden. Wereschtschagin selbst nannte die Leinwand mit traurigem Sarkasmus ein „Stillleben“ – sie zeige „tote Natur“.
Alle Details des Bildes, einschließlich der gelben Farbe, symbolisieren Tod und Verwüstung. Der klare blaue Himmel betont die Leblosigkeit des Bildes. Die Idee der „Apotheose des Krieges“ kommt auch durch Narben von Säbeln und Einschusslöchern auf Schädeln zum Ausdruck.

Grant Wood „American Gothic“

1930, Öl. 74×62 cm

Art Institute of Chicago, Chicago

„American Gothic“ ist eines der bekanntesten Bilder in Amerikanische Kunst 20. Jahrhundert, das berühmteste künstlerische Meme des 20. und 21. Jahrhunderts.
Das Bild mit dem düsteren Vater und der Tochter ist voller Details, die auf die Strenge, den Puritanismus und die Rückschrittlichkeit der dargestellten Menschen hinweisen. Wütende Gesichter, eine Mistgabel mitten im Bild, selbst für die Verhältnisse von 1930 altmodische Kleidung, ein freiliegender Ellbogen, Nähte an der Kleidung eines Bauern, die die Form einer Mistgabel wiederholen, und damit eine Drohung, die an alle gerichtet ist der eingreift. Sie können all diese Details endlos betrachten und vor Unbehagen zusammenzucken.
Interessanterweise empfanden die Juroren des Wettbewerbs am Art Institute of Chicago „Gothic“ als „humorvollen Valentinstag“, und die Menschen in Iowa waren von Wood furchtbar beleidigt, weil er sie in einem so unangenehmen Licht darstellte.

Rene Magritte „Liebhaber“

1928, Öl auf Leinwand

Das Gemälde „Lovers“ („Lovers“) existiert in zwei Versionen. Auf dem einen küssen sich ein Mann und eine Frau, deren Köpfe in ein weißes Tuch gehüllt sind, und auf dem anderen „blicken“ sie den Betrachter an. Das Bild überrascht und fasziniert. Mit zwei Figuren ohne Gesichter vermittelte Magritte die Idee der Blindheit der Liebe. Über Blindheit in jeder Hinsicht: Liebende sehen niemanden, wir sehen ihr wahres Gesicht nicht, und außerdem sind Liebende selbst füreinander ein Rätsel. Doch trotz dieser scheinbaren Klarheit schauen wir weiterhin auf Magrittes Liebhaber und denken an sie.
Fast alle Gemälde von Magritte sind Rätsel, die nicht vollständig gelöst werden können, da sie Fragen nach dem Wesen der Existenz aufwerfen. Magritte spricht immer von der Täuschung des Sichtbaren, von seinem verborgenen Geheimnis, das wir normalerweise nicht bemerken.

Marc Chagall „Spaziergang“

1917, Öl auf Leinwand

Staatliche Tretjakow-Galerie

Marc Chagall, der in seiner Malerei normalerweise äußerst ernst ist, schrieb ein entzückendes Manifest seines eigenen Glücks voller Allegorien und Liebe. „Walk“ ist ein Selbstporträt mit seiner Frau Bella. Seine Geliebte schwebt in den Himmel und wird Chagall, der unsicher am Boden steht, bald in die Flucht reißen, als würde er sie nur mit den Schuhspitzen berühren. Chagall hat eine Meise in der anderen Hand – er ist glücklich, er hat sowohl eine Meise in seinen Händen (wahrscheinlich sein Gemälde) als auch ein Kuchen im Himmel.

Hieronymus Bosch „Der Garten der Lüste“

1500-1510, Holz, Öl. 389×220 cm

Prado, Spanien

„Der Garten der Lüste“ ist das berühmteste Triptychon von Hieronymus Bosch, das seinen Namen vom Thema des Mittelteils erhielt, das der Sünde der Wollust gewidmet ist. Bisher wurde keine der verfügbaren Interpretationen des Gemäldes als die einzig richtige anerkannt.
Der bleibende Reiz und zugleich die Fremdartigkeit des Triptychons liegt in der Art und Weise, wie der Künstler die Hauptidee durch viele Details zum Ausdruck bringt. Das Bild ist gefüllt mit durchsichtigen Figuren, phantastischen Gebilden, Monstern, fleischgewordenen Halluzinationen, höllischen Karikaturen der Realität, die er mit forschendem, äußerst scharfem Blick betrachtet. Einige Wissenschaftler wollten in dem Triptychon eine Darstellung des menschlichen Lebens durch das Prisma seiner Eitelkeit und Bilder sehen irdische Liebe, andere - ein Triumph der Wollust. Allerdings lassen die Einfachheit und gewisse Distanziertheit, mit der einzelne Figuren interpretiert werden, sowie die wohlwollende Einstellung der kirchlichen Autoritäten zu diesem Werk zweifeln, dass es sich dabei um eine Verherrlichung körperlicher Freuden handeln könnte.

Gustav Klimt „Die drei Lebensalter der Frau“

1905, Öl auf Leinwand. 180×180 cm

Nationalgalerie für moderne Kunst, Rom

„Die drei Lebensalter einer Frau“ ist sowohl freudig als auch traurig. Darin wird die Lebensgeschichte einer Frau in drei Figuren geschrieben: Sorglosigkeit, Frieden und Verzweiflung. Die junge Frau ist organisch in das Lebensmuster eingebunden, die alte Frau hebt sich davon ab. Der Kontrast zwischen dem stilisierten Bild einer jungen Frau und dem naturalistischen Bild einer alten Frau wird deutlich symbolische Bedeutung: Die erste Lebensphase bringt endlose Möglichkeiten und Metamorphosen mit sich, die letzte - unveränderliche Konstanz und Konflikt mit der Realität.
Die Leinwand lässt nicht los, sie dringt in die Seele ein und lässt einen über die Tiefe der Botschaft des Künstlers sowie über die Tiefe und Unvermeidlichkeit des Lebens nachdenken.

Egon Schiele „Familie“

1918, Öl auf Leinwand. 152,5×162,5 cm

Galerie Belvedere, Wien

Schiele war ein Schüler von Klimt, aber wie alle anderen auch Ausgezeichneter Schüler Er kopierte seinen Lehrer nicht, sondern suchte nach etwas Neuem. Schiele ist viel tragischer, seltsamer und beängstigender als Gustav Klimt. In seinen Werken gibt es viel von dem, was man Pornografie nennen könnte, verschiedene Perversionen, Naturalismus und gleichzeitig schmerzliche Verzweiflung.
„Family“ ist sein neuestes Werk, in dem die Verzweiflung auf die Spitze getrieben wird, obwohl es sein am wenigsten seltsam aussehendes Bild ist. Er malte es kurz vor seinem Tod, nachdem seine schwangere Frau Edith an der Spanischen Grippe gestorben war. Er starb im Alter von 28 Jahren, nur drei Tage nach Edith, nachdem er sie, sich selbst und ihr ungeborenes Kind gemalt hatte.

Frida Kahlo „Zwei Fridas“

Geschichte schweres Leben Mexikanischer Künstler Frida Kahlo wurde nach der Veröffentlichung des Films „Frida“ mit Salma Hayek in der Hauptrolle weithin bekannt. Kahlo malte hauptsächlich Selbstporträts und erklärte es einfach: „Ich male mich selbst, weil ich viel Zeit alleine verbringe und weil ich das Motiv bin, das ich am besten kenne.“
In keinem einzigen Selbstporträt lächelt Frida Kahlo: ein ernstes, sogar trauriges Gesicht, zusammengewachsene dicke Augenbrauen, ein kaum wahrnehmbarer Schnurrbart über fest zusammengepressten Lippen. Die Ideen ihrer Bilder sind in den Details, dem Hintergrund und den Figuren, die neben Frida erscheinen, verschlüsselt. Kahlos Symbolik basiert auf nationalen Traditionen und ist eng mit der indischen Mythologie der vorspanischen Zeit verbunden.
In einem der besten Gemälde – „Zwei Fridas“ – brachte sie die männlichen und weiblichen Prinzipien zum Ausdruck, die in ihr durch ein einziges Kreislaufsystem verbunden waren, und demonstrierte so ihre Integrität.

Claude Monet „Waterloo-Brücke. Nebeleffekt"

1899, Öl auf Leinwand

Staatliche Eremitage, St. Petersburg

Beim Betrachten des Gemäldes aus nächster Nähe sieht der Betrachter nichts als die Leinwand, auf die häufig dicke Ölstriche aufgetragen sind. Der ganze Zauber des Werkes offenbart sich, wenn wir uns allmählich von der Leinwand entfernen. Zuerst tauchen vor uns unverständliche Halbkreise auf, die durch die Mitte des Bildes gehen, dann sehen wir die klaren Umrisse von Booten und als wir uns auf eine Entfernung von etwa zwei Metern entfernen, sind alle Verbindungswerke scharf vor uns gezeichnet uns und in einer logischen Kette aufgereiht.

Jackson Pollock „Nummer 5, 1948“

1948, Hartfaserplatte, Öl. 240×120 cm

Das Seltsame an diesem Bild ist, dass die Leinwand des amerikanischen Führers des abstrakten Expressionismus, die er bemalte, indem er Farbe auf ein auf dem Boden ausgelegtes Stück Faserplatte verschüttete, das Seltsamste ist teures Gemälde in der Welt. Im Jahr 2006 zahlten sie bei einer Sotheby's-Auktion 140 Millionen Dollar dafür. David Giffen, ein Filmproduzent und Sammler, verkaufte es an den mexikanischen Finanzier David Martinez.
„Ich entferne mich weiterhin von den üblichen Werkzeugen eines Künstlers wie Staffelei, Palette und Pinsel. Ich bevorzuge Stöcke, Schaufeln, Messer und fließende Farbe oder eine Mischung aus Farbe mit Sand, Glasscherben oder etwas anderem. Wenn ich mich in einem Gemälde befinde, ist mir nicht bewusst, was ich tue. Das Verständnis kommt später. Ich habe keine Angst vor Veränderungen oder Zerstörung des Bildes, da das Gemälde ein Eigenleben führt. Ich helfe ihr nur. Aber wenn ich den Kontakt zum Gemälde verliere, wird es schmutzig und unordentlich. Wenn nicht, dann ist es pure Harmonie, die Leichtigkeit, mit der man nimmt und gibt.“

Joan Miró „Mann und Frau vor einem Haufen Kot“

1935, Kupfer, Öl, 23×32 cm

Joan Miró Stiftung, Spanien

Guter Name. Und wer hätte gedacht, dass dieses Bild uns von den Schrecken der Bürgerkriege erzählt.
Das Gemälde entstand in der Woche vom 15. bis 22. Oktober 1935 auf Kupferblech. Laut Miro ist dies das Ergebnis eines Versuchs, eine Tragödie darzustellen Bürgerkrieg in Spanien. Miro sagte, dass dies ein Bild über eine Zeit der Angst sei. Das Gemälde zeigt einen Mann und eine Frau, die einander ausstrecken, um sich zu umarmen, sich aber nicht bewegen. Die vergrößerten Genitalien und die unheimlichen Farben wurden als „voller Ekel und widerlicher Sexualität“ beschrieben.

Jacek Yerka „Erosion“

Der polnische Neosurrealist ist auf der ganzen Welt für seine erstaunlichen Gemälde bekannt, in denen sich Realitäten zu neuen verbinden. Es ist schwierig, seine äußerst detaillierten und teilweise berührenden Werke einzeln zu betrachten, aber das ist das Format unseres Materials, und wir mussten eines auswählen, um seine Fantasie und sein Können zu veranschaulichen. Wir empfehlen Ihnen, es zu lesen.

Bill Stoneham „Hände widerstehen ihm“

Dieses Werk kann natürlich nicht zu den Meisterwerken der Weltmalerei gezählt werden, aber die Tatsache, dass es seltsam ist, ist eine Tatsache.
Es gibt Legenden um das Gemälde mit einem Jungen, einer Puppe und seinen an das Glas gepressten Händen. Von „Menschen sterben wegen dieses Bildes“ bis „Die Kinder darin leben.“ Das Bild sieht wirklich gruselig aus, was bei Menschen mit schwacher Psyche viele Ängste und Spekulationen hervorruft.
Der Künstler versicherte, dass das Bild ihn selbst im Alter von fünf Jahren zeige, dass die Tür eine Darstellung der Trennlinie dazwischen sei echte Welt und die Welt der Träume, und die Puppe ist ein Führer, der den Jungen durch diese Welt führen kann. Die Hände repräsentieren alternative Leben oder Möglichkeiten.
Das Gemälde erlangte im Februar 2000 Berühmtheit, als es bei eBay zum Verkauf angeboten wurde, mit der Hintergrundgeschichte, dass das Gemälde „heimgesucht“ sei. „Hands Resist Him“ wurde für 1.025 Dollar von Kim Smith gekauft, die daraufhin einfach mit Briefen von ihr überschwemmt wurde gruselige Geschichten und verlangt, das Gemälde zu verbrennen.

Beim Malen neigt die Fantasie dazu, pastorale Szenen und majestätische Porträts zu zeichnen. Aber in Wirklichkeit Kunst vielfältig. Es kam vor, dass selbst aus dem Pinsel großer Künstler sehr viel herauskam kontroverse Bilder, die wohl kaum jemand zu Hause aufhängen möchte. In unserem Testbericht die 10 am meisten gruselige Bilder berühmte Künstler.

1. Der Große Rote Drache und das Biest aus dem Meer. William Blake

William Blake Heute ist er für seine Drucke und romantischen Gedichte bekannt, doch zu seinen Lebzeiten wurde er kaum gewürdigt. Blakes Drucke und Illustrationen sind Klassiker des romantischen Stils, aber heute schauen wir uns eine Reihe von Blakes Aquarellgemälden an, die den großen roten Drachen aus dem Buch der Offenbarung darstellen. Dieses Gemälde zeigt einen großen roten Drachen, die Verkörperung des Teufels, der auf einem siebenköpfigen Tier im Meer steht.

2. Studie zum Porträt von Innozenz X. von Velazquez. Francis Bacon

Francis Bacon war einer der einflussreichsten Künstler des 20. Jahrhunderts. Seine Gemälde bestechen durch ihre Kühnheit und Dunkelheit und werden für Millionen von Dollar verkauft. Zu seinen Lebzeiten malte Bacon oft seine eigenen Interpretationen des Porträts von Papst Innozenz X. Im Originalwerk von Velazquez blickt Papst Innozenz

3. Dante und Virgil in der Hölle. Adolphe William Bouguereau

Dantes Inferno mit seinen Darstellungen schrecklicher Folter inspiriert seit der Veröffentlichung dieses Werkes Künstler. Bouguereau ist vor allem für seine realistischen Darstellungen bekannt klassische Szenen, aber dieses Gemälde stellte den Kreis der Hölle dar, in dem Betrüger ständig kämpfen und sich durch Beißen gegenseitig die Identität stehlen.

4. Tod von Marat. Edward Munch

Edvard Munch ist der Beste berühmter Künstler Norwegen. Sein berühmtes Gemälde„Der Schrei“, der die Melancholie verkörpert, ist fest im Bewusstsein jedes Menschen verankert, der sich für Kunst interessiert. Marat war einer der führenden politische Führer Französische Revolution. Da Marat an einer Hautkrankheit litt, verbrachte er am meisten Tage im Badezimmer, wo er an seinen Werken arbeitete. Dort wurde Marat von Charlotte Corday getötet. Mehr als ein Künstler hat den Tod von Marat dargestellt, aber Munchs Gemälde ist besonders realistisch und grausam.

5. Abgetrennte Köpfe. Theodore Gericault

Am meisten berühmtes Werk Géricault ist „Das Floß der Medusa“ – ein riesiges Gemälde romantischer Stil. Bevor Sie erstellen große Werke Géricault malte „Aufwärmbilder“ wie „Abgetrennte Köpfe“, für die er echte Gliedmaßen und abgetrennte Köpfe verwendete. Ähnliches Material entnahm der Künstler Leichenschauhäusern.

6. Versuchung des Heiligen Antonius. Matthias Grunewald

Grunewald malte oft religiöse Bilder im mittelalterlichen Stil, obwohl er in der Renaissance lebte. Der heilige Antonius durchlief während seines Aufenthalts in der Wüste mehrere Glaubensprüfungen. Einer Legende zufolge wurde der Heilige Antonius von in einer Höhle lebenden Dämonen getötet, später aber wiedergeboren und vernichtet. Dieses Bild stellt den Heiligen Antonius dar, der von Dämonen angegriffen wurde.

7. Stillleben mit Masken. Emil Nolde

Emil Nolde war einer der ersten expressionistischen Künstler, obwohl sein Ruhm bald von einer Reihe anderer Expressionisten wie Munch in den Schatten gestellt wurde. Der Kern dieser Bewegung ist die Verzerrung der Realität, um einen subjektiven Standpunkt darzustellen. Dieses Gemälde wurde vom Künstler nach Recherchen zu Masken im Berliner Museum angefertigt.

8. Saturn verschlingt seinen Sohn. Francisco Goya

In römischen Mythen, die größtenteils darauf basieren griechische Mythologie, verschlang der Göttervater seine eigenen Kinder, damit sie ihn nie vom Thron stürzen konnten. Es war dieser Akt des Tötens von Kindern, den Goya darstellte. Das Gemälde war nicht für die Öffentlichkeit bestimmt, sondern wurde zusammen mit mehreren anderen sogenannten dunklen Gemälden an die Wand im Haus des Künstlers gemalt gemeinsamen Namen„Schwarze Malerei“.

9. Judith und Holofernes. Caravaggio

Im Alten Testament gibt es eine Geschichte über die tapfere Witwe Judith. Judäa wurde von einer Armee unter der Führung des Generals Holofernes angegriffen. Judith verließ die Stadtmauern und machte sich auf den Weg zum Lager der Armee, die die Stadt belagerte. Dort verführte sie Holofernes mit Hilfe ihrer Schönheit. Als der Kommandant nachts betrunken schlief, schnitt Judith ihm den Kopf ab. Diese Szene ist bei Künstlern sehr beliebt, aber Caravaggios Version ist besonders gruselig.

10. Garten der irdischen Freuden. Hieronymus Bosch

Normalerweise wird Hieronymus Bosch mit fantastischen und religiösen Gemälden in Verbindung gebracht. „Der Garten der Lüste“ ist ein Triptychon. Die drei Tafeln des Gemäldes stellen jeweils den Garten Eden und die Erschaffung der Menschheit, den Garten der irdischen Freuden und die Strafe für Sünden dar, die im irdischen Garten begangen werden. Boschs Werke gehören zu den schrecklichsten, aber auch zu den meisten schöne Werke in der Geschichte der westlichen Kunst.

Kunst kann alles sein. Manche Menschen sehen die Schönheit der Natur und vermitteln sie mit einem Pinsel oder einem Meißel, andere machen atemberaubende Fotos des menschlichen Körpers und wieder andere finden Schönheit im Schrecklichen – das ist der Stil, in dem Caravaggio und Edvard Munch arbeiteten. Zeitgenössische Künstler Sie bleiben nicht hinter den Gründervätern zurück.

1. Dado

Der jugoslawische Dado wurde 1933 geboren und starb 2010. Auf den ersten Blick mögen seine Arbeiten völlig gewöhnlich oder sogar angenehm erscheinen – das liegt an der Wahl Farbspektrum: Viele Horrorkünstler wählen Schwarz oder Rot, aber Dado liebte Pastelltöne.

Aber wenn Sie sich Gemälde wie „The Big Farm“ von 1963 oder „The Football Player“ von 1964 genauer ansehen, werden Sie darin groteske Kreaturen entdecken. Ihre Gesichter sind voller Schmerz oder Leid, ihre Körper weisen Tumore oder zusätzliche Organe auf oder ihre Körper haben einfach eine unregelmäßige Form. Tatsächlich sind Bilder wie „The Big Farm“ viel erschreckender als der pure Horror – gerade weil man ihnen auf den ersten Blick nichts Schreckliches auffällt.

2. Keith Thompson

Keith Thompson ist eher ein kommerzieller Künstler als ein Künstler. Er schuf die Monster für Guillermo Del Toros „Pacific Rim“ und Scott Westerfields „Leviathan“. Seine Arbeit erfolgt in einer Technik, die man eher auf Magic: The Gathering-Karten als in einem Museum erwarten würde.

Schauen Sie sich sein Gemälde „Die Kreatur aus Pripyat“ an: Das Monster besteht aus mehreren Tieren und ist furchtbar hässlich, vermittelt aber einen hervorragenden Eindruck von Thompsons Technik. Das Monster hat sogar eine Geschichte – es soll ein Produkt der Katastrophe von Tschernobyl sein. Natürlich ist das Monster etwas konstruiert, als käme es direkt aus den 1950er Jahren, aber das macht es nicht weniger gruselig.

Die SCP Foundation hat diese Kreatur als ihr Maskottchen übernommen und nennt sie SCP-682. Aber Thompson hat immer noch viele ähnliche Monster in seinem Arsenal, und es gibt noch schlimmere.

3. Junji Ito

Apropos Werbekünstler: Einige von ihnen zeichnen Comics. Wenn es um Horrorcomics geht, ist Junji Ito ein Champion. Seine Monster sind nicht nur grotesk: Der Künstler zeichnet jede Falte, jede Falte auf den Körpern der Kreaturen sorgfältig nach. Das ist es, was den Menschen Angst macht, und nicht die Irrationalität von Monstern.

In seinem Comic „Das Rätsel von Amigara Folt“ zum Beispiel zieht er Menschen aus und schickt sie in ein menschenförmiges Loch in festem Fels – je näher wir dieses Loch sehen, desto gruseliger ist es, aber auch „aus der Ferne“. scheint beängstigend.

In seiner Comic-Reihe Uzumaki (Spiral) gibt es einen Kerl, der von Spiralen besessen ist. Zuerst erscheint seine Besessenheit lustig, dann ist sie beängstigend. Darüber hinaus wird es gruselig, noch bevor die Besessenheit des Helden zu Magie wird, mit deren Hilfe er einen Menschen in etwas Unmenschliches, aber gleichzeitig Lebendiges verwandelt.

Itos Arbeit sticht unter allen heraus Japanischer Manga- Seine „normalen“ Charaktere sehen ungewöhnlich realistisch und sogar süß aus, und die Monster wirken vor ihrem Hintergrund noch gruseliger.

4. Zdzislaw Beksinski

Wenn ein Künstler sagt: „Ich kann mir nicht vorstellen, was Rationalität in der Malerei bedeutet“, malt er wahrscheinlich keine Kätzchen.

Der polnische Maler Zdzislaw Beksinski wurde 1929 geboren. Jahrzehntelang schuf er albtraumhafte Bilder im Genre des fantastischen Realismus, bis zu seinem schrecklichen Tod im Jahr 2005 (er wurde 17 Mal erstochen). Die fruchtbarste Zeit seines Schaffens war zwischen 1960 und 1980: Damals entstanden detailreiche Bilder, die er selbst „Fotografien seiner Träume“ nannte.

Laut Beksiński war ihm die Bedeutung eines bestimmten Gemäldes egal, aber einige seiner Werke symbolisieren eindeutig etwas. Beispielsweise schuf er 1985 das Gemälde „Trollforgatok“. Der Künstler wuchs in einem vom Zweiten Weltkrieg verwüsteten Land auf, sodass die schwarzen Figuren auf dem Bild polnische Bürger darstellen können und der Kopf eine Art rücksichtslose Autorität darstellt.

Der Künstler selbst behauptete, er habe nichts dergleichen im Sinn. Tatsächlich sagte Beksinski zu diesem Bild, dass es als Witz verstanden werden sollte – das ist es, was wirklich schwarzen Humor bedeutet.

5. Wayne Barlow

Tausende Künstler haben versucht, die Hölle darzustellen, aber Wayne Barlow ist es eindeutig gelungen. Auch wenn Sie seinen Namen noch nicht gehört haben, haben Sie wahrscheinlich seine Arbeit gesehen. Er beteiligte sich an der Arbeit an Filmen wie „Avatar“ von James Cameron (der Regisseur lobte ihn persönlich), „Pacific Rim“, „Harry Potter und der Gefangene von Askaban“ und „Harry Potter und der Feuerkelch“. Eines seiner herausragendsten Werke kann jedoch als 1998 veröffentlichtes Buch mit dem Titel „Inferno“ bezeichnet werden.

Seine Hölle besteht nicht nur aus Kerkern mit dämonischen Herrschern und Armeen. Barlow sagte: „Die Hölle ist völlige Gleichgültigkeit gegenüber menschlichem Leid.“ Seine Dämonen zeigen oft Interesse an menschliche Körper und Seelen und verhalten sich eher wie Experimentatoren – sie ignorieren den Schmerz anderer Menschen. Für seine Dämonen sind Menschen überhaupt keine Objekte des Hasses, sondern lediglich ein Mittel zur müßigen Unterhaltung, mehr nicht.

6. Tetsuya Ishida

An Acrylgemälde Isis-Menschen verwandeln sich oft in Objekte wie Verpackungen, Förderbänder, Urinale oder sogar Hämorrhoidenkissen. Er hat auch visuell ansprechende Gemälde von Menschen, die mit der Natur verschmelzen oder in sie flüchten magisches Land Ihre Phantasie. Aber solche Arbeiten sind viel düsterer als Gemälde, auf denen sich Restaurantangestellte in Schaufensterpuppen verwandeln, die Essen an Kunden pumpen, als ob sie Autos an einer Tankstelle warten würden.

Unabhängig davon, wie man die Präzision und Einsicht des Künstlers oder die Lebendigkeit seiner Metaphern beurteilt, lässt sich nicht leugnen, dass der Stil seiner Arbeit unheimlich ist. Jeder Humor bei Isis geht mit Ekel und Angst einher. Seine Karriere endete 2005, als der 31-jährige Ishida von einem Zug angefahren wurde, was mit ziemlicher Sicherheit Selbstmord bedeutete. Die von ihm hinterlassenen Werke haben einen Wert von Hunderttausenden Dollar.

7. Dariusz Zawadzki

Sawadski wurde 1958 geboren. Wie Beksinski arbeitet er im Stil des unheimlich-phantastischen Realismus. Seine Lehrer an der Kunstschule sagten Zavadsky, dass er kein sehr gutes Sehvermögen und ein schlechtes Auge habe und daher kein Künstler werden würde. Nun, sie haben eindeutig voreilige Schlussfolgerungen gezogen.

Zavadskys Werke enthalten Elemente des Steampunk: Er zeichnet oft roboterähnliche Kreaturen, deren Arbeitsmechanismen unter ihrer künstlichen Haut sichtbar sind. Schauen Sie sich zum Beispiel das Ölgemälde „Nest“ von 2007 an. Die Posen der Vögel sind die gleichen wie bei lebenden Vögeln, aber der Rahmen ist eindeutig aus Metall und kaum mit Hautfetzen bedeckt. Das Bild kann Ekel hervorrufen, aber gleichzeitig zieht es die Blicke auf sich – man möchte alle Details betrachten.

8. Joshua Hoffin

Joshua Hoffin wurde 1973 in Emporia, Kansas, geboren. Er macht erschreckende Fotos, in denen aus der Kindheit bekannte Märchen schreckliche Züge annehmen – die Geschichte ist zwar wiederzuerkennen, gleichzeitig wird ihre Bedeutung jedoch stark verzerrt.

Viele seiner Werke wirken zu inszeniert und unnatürlich, um wirklich beängstigend zu sein. Es gibt aber auch Fotoserien wie „Pickman’s Masterpieces“ – eine Hommage an eine von Lovecrafts Figuren, den Künstler Pickman.

Auf den Fotos aus dem Jahr 2008, die Sie hier sehen können, ist seine Tochter Chloe zu sehen. Das Gesicht des Mädchens zeigt fast keine Emotionen und sie blickt kaum in Richtung des Publikums. Der Kontrast ist erschreckend: Familienfoto Auf dem Nachttisch ein Mädchen im rosa Pyjama – und riesige Kakerlaken.

9. Patrizia Piccinini

Piccininis Skulpturen unterscheiden sich manchmal stark voneinander: Einige Skulpturen sind unregelmäßig geformte Motorräder, andere sind seltsame Heißluftballons. Meistens schafft sie aber Skulpturen, mit denen es sehr, sehr unbequem ist, im selben Raum zu stehen. Auf Fotos sehen sie sogar gruselig aus.

In der Arbeit „Indivisible“ von 2004 wird ein Humanoider gegen den Rücken eines normalen Menschenkindes gedrückt. Am beunruhigendsten ist das Element von Vertrauen und Zuneigung – als ob die Unschuld des Kindes grausam zu seinem Nachteil ausgenutzt würde.

Natürlich wird Piccininis Arbeit kritisiert. Über „Indivisible“ sagten sie sogar, es sei keine Skulptur, sondern eine Art echtes Tier. Aber nein – es ist nur ein Produkt ihrer Fantasie, und die Künstlerin kreiert weiterhin ihre Werke aus Glasfaser, Silikon und Haaren.

10. Mark Powell

Die Werke des Australiers Mark Powell sind wirklich schockierend. Seine Ausstellung 2012 zeigte eine Reihe von Kompositionen, in denen fantastische Kreaturen sich entwickeln, sich gegenseitig verschlingen und aus ihren eigenen Körpern ausscheiden, sich vermehren und auflösen. Die Texturen der Kreaturen und Umgebungen sind äußerst überzeugend und die Körpersprache der Figuren ist präzise gewählt, um die Situationen so gewöhnlich – und damit überzeugend – wie möglich erscheinen zu lassen.

Natürlich konnte das Internet nicht anders, als dem Künstler die Ehre zu erweisen. Die oben erwähnte „SCP Foundation“ hat das ekelhafte Monster aus dem Bild oben genommen und es zu einem Teil einer Geschichte namens „The Flesh That Hates“ gemacht. Mit seiner Arbeit sind auch viele Horrorgeschichten verbunden.