Schauforum angewandte Kunstarchitektur. Dekorative und angewandte Kunst. Der Einfluss kykladischer Figuren auf die moderne Kunst Ein mit Halbsäulen geschmücktes Gebäude

Die Kunst der arabischen Länder ist in ihren Ursprüngen komplex. In Südarabien gehen sie auf die Kulturen der sabäischen, minäischen und himyaritischen Staaten (1. Jahrtausend v. Chr. – 6. Jahrhundert n. Chr.) zurück, die mit dem Mittelmeerraum und dem Osten verbunden sind. Afrika. Alte Traditionen lassen sich in der Architektur der turmförmigen Häuser von Hadhramaut und der mehrstöckigen Gebäude im Jemen nachweisen, deren Fassaden mit farbigen Reliefmustern verziert sind. Auch in Syrien, Mesopotamien, Ägypten und im Maghreb entstanden die Stile der mittelalterlichen arabischen Kunst auf lokaler Basis und erfuhren einen gewissen Einfluss iranischer, byzantinischer und anderer Kulturen.

Die Architektur. Das wichtigste religiöse Gebäude des Islam war die Moschee, in der sich die Anhänger des Propheten zum Gebet versammelten. Moscheen bestehend aus einem umzäunten Innenhof und einer Kolonnade (die den Grundstein für den Moscheetyp „Hof“ oder „Säule“ legten) in der 1. Hälfte des 7. Jahrhunderts. entstanden in Basra (635), Kufa (638) und Fustat (40er Jahre des 7. Jahrhunderts). Der Säulentyp blieb lange Zeit der Haupttyp in der monumentalen religiösen Architektur arabischer Länder (Moscheen: Ibn Tulun in Kairo, 9. Jahrhundert; Mutawakkila in Samarra, 9. Jahrhundert; Hassan in Rabat und Koutoubia in Marrakesch, beide 12. Jahrhundert; Große Moschee in Algerien, 11. Jahrhundert usw.) und beeinflusste die muslimische Architektur des Iran, des Kaukasus, Mi. Asien, Indien. Auch in der Architektur entwickelten sich Kuppelbauten, ein frühes Beispiel dafür ist die achteckige Qubbat Al-Sakhra-Moschee in Jerusalem (687-691). Später werden verschiedene religiöse und Gedenkgebäude mit Kuppeln vervollständigt, die meist Mausoleen über den Gräbern berühmter Persönlichkeiten krönen.

Aus dem 13. Jahrhundert bis Anfang des 16. Jahrhunderts. Die Architektur Ägyptens und Syriens war eng miteinander verbunden. Es wurden große Festungsbauten durchgeführt: Zitadellen in Kairo, Aleppo (Aleppo) usw. In der monumentalen Architektur dieser Zeit wich das räumliche Prinzip, das die vorherige Etappe (die Hofmoschee) dominierte, grandiosen architektonischen Volumina: darüber ragen hoch aufragende Türme auf die glatte Oberfläche mächtiger Mauern und großer Portale mit tiefen Nischen. Hohe Trommeln, die Kuppeln tragen. Es entstehen majestätische Vier-Aiwan-Gebäude (siehe. Iwan) Typ (zuvor im Iran bekannt): Maristan (Krankenhaus) von Qalaun (13. Jahrhundert) und die Hassan-Moschee (14. Jahrhundert) in Kairo, Moscheen und Madrassas (theologische Schulen) in Damaskus und anderen Städten Syriens. Zahlreiche Kuppelmausoleen werden gebaut, die manchmal ein malerisches Ensemble bilden (Mamluk-Friedhof in Kairo, 15.-16. Jahrhundert). Zur Dekoration von Wänden außen und innen werden neben Schnitzereien häufig Intarsien mit mehrfarbigen Steinen verwendet. Im Irak im 15.-16. Jahrhundert. Bei der Dekoration werden farbige Glasuren und Vergoldungen verwendet (Moscheen: Musa al-Kadim in Bagdad, Hussein in Karbala, Imam Ali in Nadschaf).

Im 10.-15. Jahrhundert erlebte es großen Wohlstand. Arabische Architektur des Maghreb und Spaniens. In großen Städten (Rabat, Marrakesch, Fes usw.) wurden Kasbahs gebaut – Zitadellen, die durch mächtige Mauern mit Toren und Türmen befestigt waren, und Medinas – Handels- und Handwerksviertel. Die großen Säulenmoscheen des Maghreb mit mehrstufigen, quadratischen Minaretten zeichnen sich durch eine Fülle sich kreuzender Kirchenschiffe, eine Fülle geschnitzter Ornamente (Moscheen in Tlemcen, Taza usw.) aus und sind prächtig mit geschnitztem Holz, Marmor und Mosaiken verziert mehrfarbige Steine, wie zahlreiche Medresen aus dem 13.-14. Jahrhundert in Marokko. In Spanien sind neben der Moschee in Cordoba weitere herausragende Denkmäler arabischer Architektur erhalten geblieben: das Minarett La Giralda, das 1184-96 in Sevilla vom Architekten Jeber errichtet wurde, das Tor nach Toledo, der Palast Alhambra in Granada - ein Meisterwerk arabischer Architektur und dekorativer Kunst des 13.-15. Jahrhunderts. Die arabische Architektur beeinflusste die romanische und gotische Architektur Spaniens (Mudejar-Stil), Siziliens und anderer Mittelmeerländer.

Dekorative, angewandte und bildende Kunst. In der arabischen Kunst wurde das für das künstlerische Denken des Mittelalters charakteristische Prinzip der Dekorativität lebendig verkörpert und führte zu den reichsten Ornamenten, die in jeder Region der arabischen Welt besonders sind, aber durch allgemeine Entwicklungsmuster verbunden sind. Arabeske, die auf antike Motive zurückgeht, ist eine neue Musterart, die von den Arabern geschaffen wurde und bei der mathematische Strenge der Konstruktion mit freier künstlerischer Vorstellungskraft kombiniert wird. Es entwickelten sich auch epigraphische Ornamente – kalligraphisch ausgeführte Inschriften, die in das dekorative Muster einbezogen wurden.

Ornamente und Kalligraphie, die in der Architekturdekoration weit verbreitet waren (Steinschnitzerei, Holzschnitzerei, Klopfen), sind auch charakteristisch für die angewandte Kunst, die ihren Höhepunkt erreichte und vor allem die dekorative Besonderheit des arabischen künstlerischen Schaffens voll zum Ausdruck brachte. Keramik wurde mit farbenfrohen Mustern verziert: glasiertes Haushaltsgeschirr in Mesopotamien (Zentren - Raqqa, Samarra); Mit goldenem Glanz in verschiedenen Farbtönen bemalte Gefäße, hergestellt im fatimidischen Ägypten; Spanisch-maurische Glanzkeramik des 14. und 15. Jahrhunderts, die großen Einfluss auf die europäische angewandte Kunst hatte. Auch arabisch gemusterte Seidenstoffe – syrische, ägyptische, maurische – waren weltberühmt; Die Araber stellten auch Florteppiche her. Bronzeartefakte (Schalen, Krüge, Räuchergefäße und andere Utensilien) sind mit feinsten Prägungen, Gravuren und Intarsien aus Silber und Gold verziert; Produkte aus dem 12. bis 14. Jahrhundert zeichnen sich durch besondere Handwerkskunst aus. Mossul im Irak und einige Handwerkszentren in Syrien. Berühmt waren syrisches Glas, das mit feinster Emailmalerei beschichtet war, und ägyptische Produkte aus Bergkristall, Elfenbein und teurem Holz, verziert mit exquisiten Schnitzmustern.

Kunst in islamischen Ländern entwickelte sich in komplexen Wechselwirkungen mit der Religion. Moscheen sowie das heilige Buch Koran wurden mit geometrischen, floralen und epigraphischen Mustern verziert. Im Gegensatz zum Christentum und Buddhismus weigerte sich der Islam jedoch, die bildende Kunst in großem Umfang zur Förderung religiöser Ideen einzusetzen. Darüber hinaus im sogenannten Zuverlässige Hadithe, die im 9. Jahrhundert legitimiert wurden, enthalten ein Verbot der Darstellung von Lebewesen und insbesondere Menschen. Theologen des 11.-13. Jahrhunderts. (Ghazali und andere) erklärten diese Bilder zur schwersten Sünde. Allerdings stellten Künstler im gesamten Mittelalter Menschen und Tiere sowie reale und mythologische Szenen dar. Während die Theologie in den ersten Jahrhunderten des Islam noch keinen eigenen ästhetischen Kanon entwickelt hatte, zeugte die Fülle realistisch interpretierter Gemälde und Skulpturen in den Palästen der Umayyaden von der Stärke vorislamischer Kunsttraditionen. Anschließend wird die Gegenständlichkeit in der arabischen Kunst durch das Vorhandensein im Wesentlichen antiklerikaler ästhetischer Ansichten erklärt. Beispielsweise wird im „Brief der Brüder der Reinheit“ (10. Jahrhundert) die Kunst von Künstlern „als Nachahmung der Bilder vorhandener Objekte, sowohl künstlicher als auch natürlicher, sowohl von Menschen als auch von Tieren“, definiert.

Moschee in Damaskus. 8. Jahrhundert Innere. Syrische Arabische Republik.

Mausoleen auf dem Mamluk-Friedhof in der Nähe von Kairo. 15 - Anfang 16. Jahrhundert Vereinigte Arabische Republik.

Malerei. Die bildende Kunst erlebte im 10.-12. Jahrhundert in Ägypten eine Hochblüte: Bilder von Menschen und Genreszenen schmückten die Wände von Gebäuden in der Stadt Fustat, Keramikgeschirr und Vasen (Meister Saad und andere) und wurden in die Gemälde eingewebt Muster aus Knochen- und Holzschnitzereien (Tafel 11 aus dem Fatimidenpalast in Kairo usw.) sowie Leinen- und Seidenstoffen; Bronzegefäße wurden in Form von Tier- und Vogelfiguren hergestellt. Ähnliche Phänomene traten in der Kunst Syriens und Mesopotamiens im 10.-14. Jahrhundert auf: Hofszenen und andere Szenen sind in den exquisiten geprägten und eingelegten Ornamenten von Bronzegegenständen sowie in den Mustern von Gemälden auf Glas und Keramik enthalten.

Das visuelle Element war in der Kunst der Länder des arabischen Westens weniger ausgeprägt. Aber auch hier entstanden dekorative Skulpturen in Form von Tieren, Muster mit Motiven von Lebewesen sowie Miniaturen (Manuskript „Geschichte von Bayad und Riad“, 13. Jahrhundert, Vatikanische Bibliothek). Die arabische Kunst als Ganzes war ein leuchtendes, originelles Phänomen in der Geschichte der weltweiten Kunstkultur des Mittelalters. Sein Einfluss erstreckte sich über die gesamte muslimische Welt und ging weit über deren Grenzen hinaus.

4. Architektur als Kunstform

Architektur ist eine der ältesten Kunstformen und drückt in religiösen und öffentlichen Gebäuden die Weltanschauung der Menschen in einer bestimmten historischen Epoche, einem bestimmten künstlerischen Stil aus. ARCHITEKTUR (lateinische Architektur, griechisch architecton – Baumeister), Architektur – Gebäude, andere Bauwerke oder Ihre Komplexe bilden eine materielle, künstlerisch organisierte Umgebung für das menschliche Leben. Auch die Kunst, diese räumliche Umgebung zu gestalten und eine neue Realität zu schaffen, die funktionale Bedeutung hat, bringt dem Menschen Vorteile und bietet ästhetischen Genuss. Der Begriff umfasst die Gestaltung der Außenseite eines Bauwerks; Organisation des Innenraums; Auswahl von Materialien für den Außen- und Innenbereich, Entwurf natürlicher und künstlicher Beleuchtungssysteme sowie technischer Unterstützungssysteme; Strom- und Wasserversorgung; dekorative Gestaltung. Jedes der Gebäude hat einen bestimmten Zweck: zum Leben oder Arbeiten, zur Erholung oder zum Lernen, zum Handel oder zum Transport. Sie alle sind langlebig, komfortabel und für den Menschen notwendig – das sind ihre zwingenden Eigenschaften.

Arten von Architektur

Es gibt drei Haupttypen von Architektur:

Die Architektur dreidimensionaler Strukturen. Dazu gehören religiöse und befestigte Gebäude, Wohngebäude, öffentliche Gebäude (Schulen, Theater, Stadien, Geschäfte usw.), Industriegebäude (Werke, Fabriken usw.);

Landschaftsarchitektur im Zusammenhang mit der Gestaltung von Garten- und Parkflächen (Plätze, Boulevards und Parks mit „kleiner“ Architektur – Pavillons, Brunnen, Brücken, Treppen)

Stadtplanung, die den Bau neuer Städte und Gemeinden sowie den Wiederaufbau alter Stadtgebiete umfasst.

Architekturstile

Architektur ist eng mit dem Leben der Gesellschaft, ihren Ansichten und ihrer Ideologie verbunden. Grundlage der antiken griechischen Architektur ist die Idee eines perfekten, körperlich und geistig entwickelten Menschen. Antike Architekten bauten alle ihre Gebäude nach den Proportionen des menschlichen Körpers und verkörperten Harmonie, Widerstand gegen die Elemente der Natur, majestätische Klarheit und Menschlichkeit. „Der Stil der Epoche“ (romanischer Stil, Gotik usw.) entsteht hauptsächlich in diesen historische Perioden, in denen die Wahrnehmung von Kunstwerken unterschiedlich und vergleichsweise starr ist und sich noch leicht an Stiländerungen anpasst.

Die großen Stile – Romanik, Gotik, Renaissance, Barock, Klassizismus, Empire / Variation des Spätklassizismus / – werden meist als gleichwertig und gleichwertig anerkannt. Die Entwicklung der Stile ist asymmetrisch, was sich äußerlich darin ausdrückt, dass sich jeder Stil allmählich verändert einfach bis komplex; Vom Komplexen zum Einfachen kehrt es jedoch nur durch einen Sprung zurück. Daher erfolgen Stiländerungen auf unterschiedliche Weise: langsam – von einfach zu komplex und abrupt – von komplex zu einfach. Der romanische Stil wurde für mehr als hundert Jahre – ab der Mitte des 12. Jahrhunderts – durch den gotischen Stil ersetzt. bis zur Mitte des 13. Jahrhunderts. einfache Formen der romanischen Architektur verwandeln sich allmählich in einen komplizierten gotischen Stil. Innerhalb des gotischen Stils reift dann die Renaissance heran. Mit dem Aufkommen der Renaissance begann erneut eine Zeit der ideologischen Suche, die Entstehung eines ganzheitlichen Systems der Weltanschauung. Und gleichzeitig beginnt der Prozess der allmählichen Verkomplizierung und Auflösung des Einfachen von neuem: Die Renaissance wird komplexer, und dahinter kommt der Barock. Der immer komplexer werdende Barock geht in einigen Kunstgattungen (Architektur, Malerei, angewandte Kunst) in Rokoko über. Andererseits gibt es eine Rückkehr zum Einfachen, und infolge des Sprungs tritt der Klassizismus an die Stelle des Barock, dessen Entwicklung in einigen Ländern den Empire-Stil abgelöst hat.

Die Gründe für den Wechsel von Stilpaaren sind folgende: Die Realität wählt keinen Stil unter den bestehenden aus, sondern schafft einen neuen Stil und transformiert den alten. Der erstellte Stil ist der primäre Stil und der transformierte Stil ist der sekundäre Stil.

Architektur des Heimatlandes

Architektur der Region Grodno

Borisoglebskaya (Kolozhskaya) Kirche, ein Denkmal der alten russischen Architektur der zweiten Hälfte des 12. Jahrhunderts.

Schloss Mir, in die UNESCO-Liste aufgenommen, Schloss Lida (XIV.–XV. Jahrhundert)

Architektur der Region Minsk

Erzkathedrale der Heiligen Jungfrau Maria (zweite Hälfte des 17. – Anfang des 18. Jahrhunderts)

Kirche der Heiligen Simeon und Helena (Rote Kirche) – ein Denkmal neugotischer Architektur mit Jugendstilelementen (1908 – 1910)

Neswisch-Palast- und Parkkomplex (17.–18. Jahrhundert)

Bernhardinerkirche im Dorf Budslav, Bezirk Myadel, ein Denkmal barocker Architektur (18. Jahrhundert)

Architektur der Region Witebsk

Sophienkathedrale, ein Baudenkmal aus dem 11. – 18. Jahrhundert.

Spaso-Evfrosinevskaya-Kirche, ein Denkmal der alten russischen Architektur (1152 – 1161). An den Wänden und Säulen sind einzigartige Fresken erhalten geblieben.

Literatur:

1. Gerchuk Yu.L. Grundlagen der künstlerischen Bildung. –M., 1998

2. Danilov V.N. Methoden der Vermittlung von Bildender Kunst und künstlerischem Arbeiten. Mn., 2004

3. Kasterin N.P. pädagogisches Zeichnen. –M.: Bildung, 1996

4. Lazuka B. Slouniks Terminologie zur Architektur, offenbarte dekaratinisch-praktische Kunst. – Mn., 2001

5. Nemensky B.M. Pädagogik der Kunst. –M.: Bildung, 2007

Architektur, Design, dekorative und angewandte Kunst sind utilitaristische künstlerische Formen der Kreativität. Das heißt, sie lösen utilitaristische Probleme – Bewegung, Lebensorganisation, Stadt, Zuhause, verschiedene Arten des menschlichen und sozialen Lebens. Im Gegensatz zur künstlerischen Kreativität (Bildende Kunst, Literatur, Theater, Kino, Poesie, Bildhauerei), die nur spirituelle, kulturelle und ästhetische Werte schafft, die keine utilitaristische Bedeutung haben.

Design unterscheidet sich vom Kunsthandwerk durch die technologische Massenproduktion im Gegensatz zum Handwerk im Dezember. angewandte Künste. Architektur und Design sind verwandte Konzepte und unterscheiden sich nur im räumlichen Maßstab. Stadt, Mikrobezirk, Komplex, Gebäude in Architektur und Umwelt, Straßen, Inneneinrichtung, Industriedesign, Kunst. Design in „Design“, aber Innen- und Landschaftsbau ist beispielsweise Gegenstand sowohl von Architektur als auch von Design.

Design und Architektur sind utilitaristische und künstlerische Tätigkeiten zur Schaffung einer thematisch-räumlichen Umwelt. Architektur ist ein älteres Konzept, Design ist moderner, aber die Unterschiede zwischen ihnen sind minimal und oft nicht erkennbar.

Der Designer schafft eine Landschaft, einen Platz, ein Element der städtischen Umgebung – einen Kiosk, einen Brunnen, eine Bushaltestelle, eine Uhrenlampe, eine Lobby, einen Raum, Möbel, ein Büro, einen Innenraum.

Die Innenräume werden vom Architekten gestaltet, und die Sättigung des Designers erfolgt oft durch den einen oder anderen; dies offenbart praktisch die Nähe und oft Ununterscheidbarkeit des Architektenberufs. und Designer.

Architektur und Design hängen zusammen Ausdruckskünste, die die Realität nicht direkt widerspiegeln, sondern erschaffen. Im Gegensatz zu Bildende Kunst(Malerei, Grafik, Literatur, Theater, Bildhauerei), die materielle und spirituelle Realität auf künstlerische Weise reflektieren.

Vorlesung 1. Designmethodik

1. Die Beziehung zwischen dem sozialen und ideologischen Zustand der Gesellschaft und Design.

Zeitgenössische Praxis des „neuen Eklektizismus“

2. Kreative Methode – professionelle Methode – „individuelle Art“.

Zusammenspiel von Methoden in verschiedenen Phasen der Kreativität.

Zusammenspiel von Methode und Phasen der beruflichen Tätigkeit

Diverse Beispiele

3. Subjektiv und objektiv im kreativen Prozess.

1. Jede Aktivität, und in größerem Maße auch kreativ, wie z. B. Design, ist miteinander verbunden und spiegelt auf diese Weise die soziale Organisation der Gesellschaft, die kulturelle Entwicklung, ästhetische Ideale usw. wider. Ägypten spiegelt die vollständige Vergöttlichung der objektiven Welt und Architektur, des Mittelalters, des Mittelalters, des Klassizismus und des Konstruktivismus wider. Im 20. Jahrhundert erlebten wir den Zusammenbruch des Historismus, die Geburt des Modernismus und des Konstruktivismus in der Architektur- und Designkunst. Die Ablehnung traditioneller Formen der Detailkomposition, das Prinzip der freien Planung wurde als Revolution und als Ausdruck einer sozialen Revolution wahrgenommen, aber im Westen gab es keine Revolution, sondern es entstand eine verwandte Bewegung, die moderne Bewegung genannt wurde , es gab eine echte Verbindung zwischen ihnen (der Holland Style Group und dem Führer des Konstruktivismus in Russland). Diese Revolution wurde jedoch durch neue Technologien und Materialien (Stahlbeton), Balkenbinder und neue künstlerische Bewegungen – Kubismus, Futurismus, Expressionismus, aber auch durch soziale Umbrüche (Revolutionen, Erster Weltkrieg), neue philosophische Bewegungen (Sozialismus, Kommunismus, Nationalismus) vorbereitet Sozialismus-Faschismus)…………., Krise der bürgerlichen Moral. Sie sprachen viel über Wahrhaftigkeit im Gegensatz zu bürgerlicher Dekoration und Dekorativismus. Veränderungen im thematischen und räumlichen Umfeld wurden sowohl durch die Entwicklung des philosophischen und wissenschaftlichen Denkens und neuer künstlerischer abstrakter Strömungen als auch durch die Entwicklung der Technik vorbereitet, aber auch durch gesellschaftliche Umbrüche, die ein gewisses ideologisches Pathos verliehen und ein lebensbildendes Prinzip formten und entwickelten - was besagte, dass es möglich ist, die Realität auf der Grundlage künstlerischer und räumlicher Ideen und Konzepte zu verändern, die bereits aus Ideen der modernen Bewegung und des Konstruktivismus entstanden sind

Jugendstil als modische Bewegung des neuen Bürgertums und der Kaufleute (Morozovs Herrenhaus).

Gegenüber dem Haus der Kommune steht die Idee des Sozialen. Städte, die Sozialisierung des Alltags als Manifestation der Ideen des Sozialismus in der objektiven Welt. Die utopische Idee, dass man durch die Veränderung der Umgebung den Menschen selbst verändern kann.

Natürlich spiegelt die objektive Welt von Umwelt und Architektur durch ihre Mittel das Wirtschaftssystem und den Entwicklungsstand der Gesellschaft sowie das in der Gesellschaft vorherrschende Ideologie- und Wertesystem wider, aber diese Abhängigkeit ist nicht direkt, sondern komplex, oft die Ideen der Kunst für die Kunst Sake werden an die objektiven Realitäten angepasst und neu überdacht.

Es wurden mächtige Festungen errichtet: Frederiksborg in Hillered (1602-1625), Kronborg in Helsingör usw., die eine Burg, Büroräume, Lagerhäuser und Kasernen umfassten und von Wällen, Gräben und Bastionen umgeben waren. Der König selbst war mit Architektur bestens vertraut und überwachte den Bau von Bauwerken. Geplante Bebauung im 17. Jahrhundert. veränderte das Erscheinungsbild Kopenhagens völlig und vergrößerte seine Größe erheblich. Unter Christian IV. (1619–1625) wurden ein Palast, ein Militärhafen und eine Renaissance-Börse erbaut bzw. gegründet. Die Architekten L. und X. van Steenwinkel erhielten den Auftrag, es als „Tempel der neuen Wirtschaftspolitik“ zu errichten. Durch die Baubegeisterung entwickelte sich Kopenhagen im 17. Jahrhundert zu einer Stadt. in eine der schönsten Hauptstädte Europas. Hier koexistieren verschiedene Stilrichtungen: Gotik, Manierismus, aufkommender Barock.
In Schweden war dieser Zeitraum auch von der Sanierung alter Gebäude und dem Bau neuer Gebäude geprägt. Die Schlösser von Gripsholm, Vadstena und Uppsala, Paläste, Rathäuser und Privathäuser in den Städten sind im Renaissancestil erbaut. Der Kirchenbau hingegen ist rückläufig.
Den Gebäuden dieser Zeit entsprach eine reiche Innenausstattung, die in Schweden luxuriöser, in Dänemark zurückhaltender war: Truhenbänke, Sekretäre, Schränke. Holzmöbel und -tafeln waren mit komplexen Gemälden oder Schnitzereien biblischer und weltlicher Themen bedeckt und mit Gegenständen aus teuren Steinen und Metallen, Steingut und Holz verziert. An den Wänden hingen originale weltliche Wandteppiche, zahlreiche Porträts und Gemälde. Skulpturen, oft ganze Gruppen, erscheinen in Hallen, Höfen und Gärten, meist in antiker mythologischer Atmosphäre. Eine besondere Mode hat sich für bemalte und gemusterte Ofenkacheln sowie Öfen aus Eisen und Gusseisen mit Gussschnitzereien entwickelt.
Zu den technischen und baulichen Innovationen dieser Zeit gehörte auch die Wasserversorgung: In Burgen und Palästen tauchten Rohre mit Wasserhähnen und komplexe Brunnen auf. Sowohl einzelne Handwerker als auch ganze Werkstätten beschäftigten sich mit der Ausschmückung von Palästen und Burgen. Die Kombination aus westeuropäischem Einfluss, insbesondere aus den Niederlanden und Deutschland, und lokalen Traditionen bildete Beispiele für einen einzigartigen Stil.
In dieser Zeit war die Kunst vor allem angewandter Natur. Als wichtiger Bestandteil der Inneneinrichtung diente es dem Ausdruck und der Festigung des Prestiges. Daher zum Beispiel die außergewöhnliche Verbreitung prächtiger Epitaphe, zeremonieller Porträts (Skulpturen und Gemälde) und allegorischer Bilder zu dieser Zeit.
Die beeindruckendste und prestigeträchtigste Kunstform war die Bildhauerei, die später mit der Etablierung des Barock ihre Blüte erlebte. Die meisten Bildhauer waren Ausländer und führten hauptsächlich Aufträge des Königs aus. Der „Königliche Baumeister“ Hans Steenwinkel überwachte die Schaffung einer Reihe von Skulpturen
348
Positionen für Springbrunnen. Hendrik de Keyser fertigte im Auftrag von Christian IV. Skulpturen in Amsterdam an. Der berühmte Neptunbrunnen in Frederiksborg wurde vom Niederländer Adrian de Vries (1546-1626) geschaffen.
Flachreliefs, hauptsächlich Grabsteine, aber auch dekorative, verbreiteten sich.
Das Interesse an der Darstellung einer Person, insbesondere an Familienporträts, wurde zu einem Merkmal der Malerei dieser Zeit. Oftmals wurden Porträts noch nach alten Vorbildern angefertigt: statisch, bedingt, ohne psychologische Merkmale. Seit dem 17. Jahrhundert sind zeremonielle Bilder von Herrschern und ihren Familienangehörigen in Mode gekommen – feierlich, mit Symbolen der Macht. wurden meist im Stil des Klassizismus gestaltet. Die Zeit ist auch durch eine Fülle von Porträts städtischer Patrizier und Wissenschaftler gekennzeichnet; Sie alle tragen schwarze Gewänder und die Zeichen ihres Berufs. Das vielleicht früheste Porträt eines bürgerlichen Wissenschaftlers ist das Bild des Humanisten Wedel (1578). Ausdrucksstark ist das Porträt der Familie Rodman aus Flensburg (1591), wo er, seine beiden Frauen und 14 Kinder um ein Kruzifix stehen. Rodman selbst, eine seiner Frauen und vier Kinder, die bereits verstorben sind, sind mit einem Kreuz über ihren Köpfen gekennzeichnet. Einige andere Familienporträts und Epitaphien von Bürgern wurden auf die gleiche Weise angefertigt. Die Vereinigung von Toten und Lebenden spiegelt zweifellos die damaligen Vorstellungen von der Einheit von Leben und Tod, von der untrennbaren Verbindung der beiden Welten wider. Die Autoren dieser Porträts sind unbekannt; die meisten Porträts von Bürgern und Provinzadligen wurden anonym angefertigt. Im Gegenteil, die königliche Familie und der Adel griffen auf die Dienste berühmter Meister zurück. Etwa 200 Porträts von königlichen und adligen Persönlichkeiten wurden vom Niederländer Jacob van Doordt gemalt, viele davon vom Niederländer Joost Verheyden.
Allmählich entsteht in Dänemark ein neuer Künstlertypus – ein gebildeter und kultivierter Mensch, recht wohlhabend und eng mit humanistischen Wissenschaftlern verbunden, oft ein erblicher Künstler und Sammler. Dies gilt insbesondere für den produktiven Porträtmaler, den Niederländer Karel van Mander, dessen Selbstporträt mit seiner Frau und seiner Schwiegermutter für die damalige Zeit ein seltenes Bild eines intellektuellen Künstlers darstellt. Ungefähr zur gleichen Zeit war die Künstlerfamilie Isaacs tätig, die einen bedeutenden Beitrag zur Kultur der dänischen Renaissance leistete; Ihr Gründer ist ein Nachkomme eines aus Amsterdam ausgewanderten Kunsthändlers und einer seiner Enkel ist der Humanist und Historiker Johann Pontanus. Unter den Künstlern gab es spezielle Spezialisten für Historienmalerei, Kirchenmalerei usw., die Mehrheit verfügte jedoch über eine breite Spezialisierung.
Eine wichtige Art dekorativer Kunst waren zu dieser Zeit sowohl importierte als auch lokale Wandteppiche, für die prominente Skizzen angefertigt wurden
349

Künstler und die Produktion erfolgte in ausländischen oder dänischen Palastwerkstätten.
Im damaligen Dekor nahm, wie bereits erwähnt, die traditionelle und in Skandinavien entwickelte Holzschnitzerei einen herausragenden Platz ein. In Kirchen wurden Altäre mit Schnitzereien verziert, die Szenen aus der Bibel sowie Szenen klassischer Autoren zeigten, die für die dänische Renaissance charakteristisch waren. Schnitzereien mit gotischen und Renaissance-Ornamenten mit weltlichen Themen schmückten Möbel in Häusern. In Norwegen und Finnland wurden große Erfolge mit volkstümlichen Holzschnitzereien erzielt, die Provinzgebäude und Haushaltsgegenstände schmückten.

Die Vielfalt der Kunstgattungen ermöglicht es uns, die Welt in ihrer ganzen Komplexität und Fülle ästhetisch zu beherrschen. Es gibt keine großen oder kleinen Künste, aber jede Art hat im Vergleich zu anderen Künsten ihre eigenen Stärken und Schwächen.

Die Architektur. Wenn jemand lernte, Werkzeuge herzustellen, war sein Zuhause kein Loch oder Nest mehr, sondern ein zweckmäßiges Gebäude, das nach und nach ein ästhetisches Aussehen erhielt. Aus der Konstruktion wurde Architektur.

Architektur ist die Gestaltung der Realität nach den Gesetzen der Schönheit bei der Schaffung von Gebäuden und Bauwerken, die den menschlichen Bedürfnissen nach Wohnen und öffentlichen Räumen dienen sollen. Architektur schafft eine geschlossene, utilitaristisch-künstlerisch beherrschte Welt, abgegrenzt von der Natur, im Gegensatz zur elementaren Umwelt und ermöglicht es den Menschen, den humanisierten Raum entsprechend ihren materiellen und spirituellen Bedürfnissen zu nutzen. Das architektonische Bild drückt den Zweck des Gebäudes und das künstlerische Weltbild und die Persönlichkeit, das Selbstbild eines Menschen und das Wesen seiner Zeit aus.

Architektur – Kunst und Gebäude haben einen bestimmten Stil. Lomonosov definierte die Merkmale der Architektur und schrieb, dass architektonische Kunst „Gebäude errichten wird, die bequem zum Wohnen, schön zum Sehen und langlebig für eine lange Lebensdauer sind“. Dank der Architektur entsteht ein integraler Bestandteil der „zweiten Natur“ – der materiellen Umgebung, die durch die Arbeit des Menschen geschaffen wird und in der sein Leben und Handeln stattfindet.

Die Formen der Architektur werden bestimmt: 1) natürlich (abhängig von den geografischen und klimatischen Bedingungen, der Beschaffenheit der Landschaft, der Intensität des Sonnenlichts, der Erdbebensicherheit); 2) sozial (je nach Art des sozialen Systems, ästhetischen Idealen, utilitaristischen und künstlerischen Bedürfnissen der Gesellschaft; Architektur ist enger als andere Künste mit der Entwicklung der Produktivkräfte, mit der Entwicklung der Technologie verbunden).

Angewandte Künste. Eine der ältesten und sich noch entwickelnden Formen künstlerischen Schaffens ist die angewandte Kunst. Es wird in Alltagsgegenständen umgesetzt, die nach den Gesetzen der Schönheit geschaffen wurden. Angewandte Kunst sind Dinge, die uns umgeben und uns dienen, unseren Alltag und Komfort schaffen, Dinge, die nicht nur nützlich, sondern auch schön sind, einen Stil und ein künstlerisches Bild haben, das ihren Zweck ausdrückt und allgemeine Informationen über die Art des Lebens enthält die Ära, über die Weltanschauung der Menschen. Die ästhetische Wirkung angewandter Kunst ist täglich, stündlich, jede Minute. Werke der angewandten Kunst können den Höhepunkt der Kunst erreichen.

Angewandte Kunst ist von Natur aus national, sie entsteht aus den Bräuchen, Gewohnheiten und Überzeugungen der Menschen und steht in direkter Nähe zu deren Produktionstätigkeit und Leben. Der Höhepunkt der angewandten Kunst ist die Schmuckherstellung, die ihre eigenständige Bedeutung behält und sich bis heute weiterentwickelt.

Dekorative Künste. Dekorative Kunst ist die ästhetische Entwicklung der einen Menschen umgebenden Umgebung, die künstlerische Gestaltung der vom Menschen geschaffenen „zweiten Natur“: Gebäude, Bauwerke, Räumlichkeiten, Plätze, Straßen, Wege. Diese Kunst dringt in den Alltag ein und schafft Schönheit und Komfort in und um Wohn- und öffentliche Räume. Zu den dekorativen Kunstwerken können ein Türgriff und ein Zaun, Buntglasfenster und eine Lampe gehören, die eine Synthese mit der Architektur eingehen.

Die dekorative Kunst umfasst die Errungenschaften anderer Künste, insbesondere der Malerei und Bildhauerei. Die Malerei existierte zunächst in Form von Fels- und Wandmalereien und entwickelte sich erst später als Staffeleimalerei. Monumentale Wandmalerei – Fresko (der Name kommt von der Technik: „al fresco“ – Malen mit Farben auf nassem Putz) ist ein Genre der dekorativen Kunst.

Kunstarten sind historisch etablierte Formen schöpferischer Tätigkeit, die die Fähigkeit besitzen, den Inhalt des Lebens künstlerisch umzusetzen und sich in der Art und Weise seiner materiellen Verkörperung unterscheiden.

Die Architektur- eine monumentale Kunstform, deren Zweck darin besteht, Strukturen und Gebäude zu schaffen, die für das Leben und die Aktivitäten der Menschheit notwendig sind und den nützlichen und spirituellen Bedürfnissen der Menschen gerecht werden.

Die Formen architektonischer Bauwerke hängen von den geografischen und klimatischen Bedingungen, der Beschaffenheit der Landschaft, der Intensität des Sonnenlichts, der Erdbebensicherheit usw. ab.

Architektur ist enger mit der Entwicklung der Produktivkräfte und der Entwicklung der Technologie verbunden als andere Künste. Architektur kann mit monumentaler Malerei, Skulptur, dekorativen und anderen Kunstformen kombiniert werden. Grundlage der architektonischen Komposition ist die volumetrisch-räumliche Struktur, das organische Verhältnis der Elemente eines Gebäudes oder Gebäudeensembles. Der Maßstab der Struktur bestimmt maßgeblich den Charakter des künstlerischen Bildes, seine Monumentalität oder Intimität.

Architektur gibt die Realität nicht direkt wieder; sie ist nicht bildhafter, sondern ausdrucksstarker Natur.

Skulptur- räumliche visuelle Kunst, die Welt in plastischen Bildern beherrschen.

Die Hauptmaterialien für Skulpturen sind Stein, Bronze, Marmor und Holz. Im gegenwärtigen Stadium der gesellschaftlichen Entwicklung und des technologischen Fortschritts hat sich die Anzahl der zur Herstellung von Skulpturen verwendeten Materialien erweitert: Stahl, Kunststoff, Beton und andere.

Es gibt zwei Haupttypen von Skulpturen: dreidimensionale (kreisförmige) und Reliefskulpturen:

Hochrelief - Hochrelief,

Flachrelief - Flachrelief,

Gegenrelief – Einsteckrelief.

Per Definition kann Skulptur monumental, dekorativ oder Staffelei sein.

Monumental – dient zur Dekoration von Straßen und Plätzen in der Stadt, zur Markierung historisch wichtiger Orte, Ereignisse usw. Zu den monumentalen Skulpturen gehören:

Monumente,

Monumente,

Denkmäler.

Staffelei – für die Inspektion aus nächster Nähe konzipiert und zur Dekoration von Innenräumen bestimmt.

Dekorativ – zur Dekoration des Alltags (kleine Plastikgegenstände).

Die Kultur der primitiven Gesellschaft

Paläolithikum

Während des Spätpaläolithikums bildeten sich in der primitiven Gesellschaft viele wichtige Bestandteile der materiellen Kultur heraus. Die vom Menschen genutzten Werkzeuge werden immer komplexer und umfassender in der Form, die oft ästhetisch anmutet. Zu diesem Zweck organisieren die Menschen Jagden auf Großtiere, bauen Häuser aus Holz, Steinen und Knochen, tragen Kleidung und verarbeiten Häute.

Die spirituelle Kultur wird nicht weniger komplex. Erstens verfügt der primitive Mensch bereits über die wichtigsten menschlichen Eigenschaften: Denken, Willen, Sprache. Die ersten Religionsformen bilden sich in der Gesellschaft: Magie, Totemismus, Fetischismus, Animismus.

Magie liegt am Ursprung jeder Religion und ist der Glaube an die übernatürlichen Fähigkeiten des Menschen, Menschen und Naturphänomene zu beeinflussen. Totemismus verbunden mit dem Glauben an die Verwandtschaft des Stammes mit Totems, bei denen es sich meist um bestimmte Tier- oder Pflanzenarten handelt. Fetischismus - Glaube an die übernatürlichen Eigenschaften bestimmter Objekte – Fetische (Amulette, Amulette, Talismane), die eine Person vor Schaden schützen können. Animismus verbunden mit Vorstellungen über die Existenz von Seelen und Geistern, die das Leben der Menschen beeinflussen.

Im Spätpaläolithikum entwickelte sich die Kunst erfolgreich, insbesondere die bildende Kunst, die durch fast alle Arten repräsentiert wurde: Farbzeichnung, Relief- und Rundskulptur, Gravur. Als Materialien werden verschiedene Steinarten, Ton, Holz, Horn und Knochen verwendet. Als Farbe - Ruß, mehrfarbiger Ocker, Megrel.

Die meisten Geschichten sind Tieren gewidmet, die von Menschen gejagt wurden: Mammut, Hirsch, Stier, Bär, Löwe, Pferd. Die Person wird selten dargestellt. In diesem Fall wird der Frau eindeutig der Vorzug gegeben. Ein prächtiges Denkmal in dieser Hinsicht kann die in Österreich gefundene Frauenskulptur „Venus von Willendorf“ sein. Diese Skulptur weist bemerkenswerte Merkmale auf: einen Kopf ohne Gesicht, die Gliedmaßen sind nur umrissen, während die sexuellen Merkmale stark betont sind.

Im Endstadium des Paläolithikums bleiben Tiere das Hauptthema, sie werden jedoch in Bewegung, in Dynamik und in verschiedenen Posen dargestellt. Nun wird das gesamte Bild mit mehreren Farben in unterschiedlichen Tönen und Intensitäten bemalt. Wahre Meisterwerke dieser Malerei finden sich in den berühmten Höhlen von Altamira (Spanien) und Font-de-Rome (Frankreich), wo einige Tiere in Lebensgröße dargestellt werden.

Mesolithikum

Zusammen mit dem Mesolithikum beginnt das moderne geologische Zeitalter – das Holozän, das nach dem Abschmelzen der Gletscher begann. In diesem Stadium verwenden Naturvölker häufig Pfeil und Bogen mit Feuersteineinsätzen und beginnen, ein Boot zu benutzen. Die Produktion von Utensilien aus Holz und Korbgeflecht nimmt zu, insbesondere werden Körbe und Taschen aller Art aus Bast und Schilfrohr hergestellt. Ein Mann zähmt einen Hund.

Die Kultur entwickelt sich weiter, religiöse Vorstellungen, Kulte und Rituale werden deutlich komplexer. Insbesondere der Jenseitsglaube und der Ahnenkult nehmen zu. Das Bestattungsritual beinhaltet die Bestattung von Dingen und allem, was für das Leben nach dem Tod notwendig ist; es werden komplexe Grabstätten errichtet.

Auch in den Künsten gibt es spürbare Veränderungen. Neben Tieren sind auch Menschen häufig dargestellt, sie beginnen sogar zu dominieren. In seiner Darstellung zeigt sich ein gewisser Schematismus. Gleichzeitig vermitteln Künstler gekonnt den Ausdruck von Bewegungen, den inneren Zustand und die Bedeutung von Ereignissen. Einen bedeutenden Platz nehmen mehrfigurige Szenen der Jagd, des Kreidesammelns, des militärischen Kampfes und der Schlachten ein. Dies belegen insbesondere die Malereien auf den Felsen von Valtorta (Spanien).

Neolithikum

Diese Ära ist durch tiefgreifende und qualitative Veränderungen in der gesamten Kultur und in allen ihren Bereichen gekennzeichnet. Einer davon ist dieser Kultur hört auf, einheitlich und homogen zu sein: es zerfällt in viele ethnische Kulturen, von denen jede einzigartige Merkmale erhält und unverwechselbar wird. Daher unterscheidet sich das Neolithikum Ägyptens vom Neolithikum Mesopotamiens oder Indiens.

Weitere wichtige Veränderungen wurden durch die agrarische oder neolithische Revolution in der Wirtschaft herbeigeführt, d. h. der Übergang von einer aneignenden Wirtschaft (Sammeln, Jagen, Fischen) zu produzierenden und transformativen Technologien (Landwirtschaft, Viehzucht), was die Entstehung neuer Bereiche der materiellen Kultur bedeutete. Darüber hinaus entstanden neue Handwerke – Spinnen, Weben, Töpfern und damit auch die Verwendung von Töpferwaren. Bei der Bearbeitung von Steinwerkzeugen kommen Bohren und Schleifen zum Einsatz. Das Baugewerbe erlebt einen deutlichen Boom.

Der Übergang vom Matriarchat zum Patriarchat hatte auch gravierende Folgen für die Kultur. Dieses Ereignis wird manchmal als historische Niederlage für Frauen bezeichnet. Es brachte eine tiefgreifende Umstrukturierung der gesamten Lebensweise, die Entstehung neuer Traditionen, Normen, Stereotypen, Werte und Wertorientierungen mit sich.

Als Folge dieser und anderer Veränderungen und Transformationen finden tiefgreifende Veränderungen in der gesamten spirituellen Kultur statt. Zusammen mit einer weiteren Komplikation der Religion Mythologie erscheint. Die ersten Mythen waren rituelle Zeremonien mit Tänzen, in denen Szenen aus dem Leben entfernter totemistischer Vorfahren eines bestimmten Stammes oder Clans nachgespielt wurden, die als halb Menschen, halb Tiere dargestellt wurden. Beschreibungen und Erklärungen dieser Rituale wurden von Generation zu Generation weitergegeben.

Später besteht der Inhalt der Mythen nicht nur aus den Taten totemistischer Vorfahren, sondern auch aus den Taten echter Helden, die etwas Außergewöhnliches taten, sowie dem Aufkommen des Glaubens an Dämonen und Geister, zu denen Beispiele von Fuhrmännern, Wassermännern, Kobolden und kleinen Meerjungfrauen gehörten , Elfen, Najaden usw. beginnen erschaffen zu werden religiös Mythen erzählen von den Abenteuern und Taten dieser Gottheiten.

In der Jungsteinzeit verfügten die Menschen neben religiösen Vorstellungen bereits über ein recht umfassendes Wissen über die Welt. Sie kannten sich gut in der Gegend aus, in der sie lebten, und verfügten über gute Kenntnisse der umliegenden Flora und Fauna, was zu ihrem Erfolg bei der Jagd und Nahrungssuche beitrug. Sie hatten sich sicher angesammelt astronomisches Wissen, Dies half ihnen, durch den Himmel zu navigieren und die Sterne und Sternbilder darin hervorzuheben. Astronomische Kenntnisse ermöglichten es ihnen, die ersten Kalender zu erstellen und die Zeit im Auge zu behalten. Das hatten sie auch Medizinisches Wissen und Fähigkeiten: Sie kannten die heilenden Eigenschaften von Pflanzen, wussten, wie man Wunden behandelt, Luxationen und Brüche begradigt. Sie benutzten Bildschrift und konnten zählen.

Auch in der Kunst kam es in der Jungsteinzeit zu tiefgreifenden Veränderungen. Neben Tieren sind auch Himmel, Erde, Feuer und Sonne abgebildet. In der Kunst kommt es zur Verallgemeinerung bis hin zum Schematismus, der sich auch in der Darstellung einer Person manifestiert. Kunststoffe aus Stein, Knochen, Horn und Ton erleben eine regelrechte Blüte. Neben der bildenden Kunst gab es noch andere Arten und Genres: Musik, Lieder, Tänze, Pantomime. Anfangs waren sie eng mit Ritualen verbunden, doch im Laufe der Zeit erlangten sie zunehmend einen eigenständigen Charakter.

Neben Mythen nahm die verbale Kunst auch andere Formen an: Märchen, Geschichten, Sprichwörter und Sprüche. Die angewandte Kunst war weit verbreitet, insbesondere die Herstellung verschiedener Arten von Dekorationen für Dinge und Kleidung.

Kultur des alten Ägypten

Ägypten entwickelte sich, wie jedes andere große Land und zu Beginn seiner Entstehung eine Weltmacht, in mehreren Phasen. Ein so mächtiger und entwickelter Staat hat zum Weltkulturerbe beigetragen, nicht nur in Bezug auf Architektur, sondern auch in Bezug auf Schrift, Literatur und sogar Mathematik, Astronomie und Medizin. Die alten Ägypter hinterließen viele Spuren für Archäologen, dank derer es heute möglich ist, ein ungefähres Bild des Lebens in dieser Zeit zu zeichnen.

Leben der Menschen

Das Alltagsleben spricht sehr beredt über die Kultur eines Volkes in einer bestimmten Zeit. Es ist bekannt, dass die Ägypter großen Wert auf ihr eigenes Aussehen legten. Bis zum Alter von 12 Jahren wurden Kindern die Haare rasiert. In diesem Alter wurden Jungen beschnitten. Männer entfernten jegliche Vegetation auf ihren Körpern und überwachten sorgfältig ihre eigene Sauberkeit. Auch im Alltag trugen Frauen Make-up auf und färbten ihre Augenlider mit Malachitpuder. Sowohl bei Männern als auch bei Frauen waren die Augen schwarz umrandet.
Aufgrund der schwierigen geografischen Lage mussten die Ägypter hart arbeiten, um angemessene Lebensbedingungen zu schaffen. Ihre tägliche Ernährung bestand hauptsächlich aus Obst und Gemüse sowie Brot und Bier.

Architektur und Kunst

Altägyptische Baudenkmäler bergen noch immer viele Geheimnisse, die bis heute unlösbar sind. Weltberühmte Tempel, Skulpturen und Pyramiden machen die Ägypter zu einem der größten Baumeister und Architekten der gesamten Menschheitsgeschichte. Die monumentalen Gräber der Pharaonen oder Pyramiden sind eines der sieben Weltwunder und das einzige, das noch erhalten ist.
Neben den Pyramiden verdienen die altägyptischen Tempel besondere Aufmerksamkeit. Die von ägyptischen Architekten geschaffenen Wohnstätten der Götter sind schlecht erhalten, aber heute haben Archäologen die Möglichkeit, die Ruinen der Tempel von Amun Ra, Hatschepsup und Ramses III. zu untersuchen. Die Tempel sind komplexe Komplexe aus riesigen Räumen und weitläufigen Innenhöfen. Die Größe der Tempel ist beeindruckend. Vor dem Hintergrund riesiger Gebäude erscheinen Palmen wie kleine Schilfrohre, und die für die Tempelanlage vorgesehene Fläche ist mit der Größe großer Siedlungen vergleichbar. Auf eine Säule passen beispielsweise 100 Personen. In den Tempeln befanden sich unzählige Statuen, Figuren von Sphinxen, Göttern, regierenden Pharaonen und anderen Dingen. Sie bestanden sowohl aus Stein als auch aus Bronze.
Ein weiterer Beweis für das Können ägyptischer Architekten sind die Paläste der Pharaonen. Sie waren Pyramiden und Tempeln in ihrer Größe nicht unterlegen. Heute sind noch die Ruinen von Echnatons Palast übrig.

Schreiben und Sprache

Die Sprache und Schrift des alten Ägypten entwickelte sich während der gesamten Existenz des Volkes und des Staates. Die Schrift durchlief eine lange Entwicklungsphase, und dank der Tatsache, dass die Ägypter auf Stein schrieben, kann der Weg der Sprachbildung nachvollzogen werden.
Es wird angenommen, dass die Schrift im 4. Jahrtausend v. Chr. in Ägypten entstand. e. Es entstand auf der Grundlage eines Zeichnungsbriefes. Näher am 2. Jahrhundert v. Chr. e. Die Zeichnungen wurden vereinfacht und als Hieroglyphen bekannt. Zu diesem Zeitpunkt gab es nicht mehr als 700 weit verbreitete Hieroglyphen. Sie wurden nicht nur auf Steinen abgebildet. Weitere Schreibmaterialien waren Papyrus, Tonscherben und Holztafeln.
Nach und nach wurden 21 einfache Zeichen identifiziert. Sie übermittelten Konsonantenlaute und stellten das dem modernen Menschen vertraute Alphabet dar. Basierend auf diesen Zeichen begann sich die Schrift der Nachbarstaaten zu entwickeln. Die ägyptische Schrift selbst änderte sich jedoch nicht. Schriftgelehrte bevorzugten die traditionelle Schreibweise.

Literatur

Die entwickelte Schrift trug zur Erhaltung und Bereicherung der ägyptischen Literatur bei, der ältesten der Welt. Dank der Hieroglyphenschrift konnten Werke einen vielfältigen Kontext haben. Die mündliche Volkskunst ist in Form mehrerer Lieder zu uns gelangt, beispielsweise dem Lied eines Viehtreibers, Gleichnissen oder Sprüchen.
Im 4. Jahrtausend begannen einige literarische Gattungen Gestalt anzunehmen, zum Beispiel Adelsbiographien, Lehrtexte oder poetische Werke. Später, mit der Entwicklung der Literatur, entstanden Werke, die in die Schatzkammer der Weltliteratur aufgenommen wurden, zum Beispiel „Das Märchen von Sinuhet“.
In der ägyptischen Literatur wird dem didaktischen Genre große Aufmerksamkeit geschenkt. Diese Werke ähneln Prophezeiungen. Eines der ältesten Werke der didaktischen Gattung ist „Die Lehren des Ptahhotep“. Auch die Texte der Weisen, die das Volk vor der Nichtbeachtung der von den Göttern vorgeschriebenen Regeln warnten, sind diesem Genre zuzuordnen.

Ruderer auf der Hyères, 1877

Gustave Caillebotte (1848-1894) wurde am 19. August 1848 geboren. Der Name dieses Künstlers ist nicht so bekannt wie die Namen seiner impressionistischen Freunde, von denen er vielen finanziell half. Caillebottes Ruf als Philanthrop war lange Zeit deutlich höher als sein Ruf als Künstler. Erst siebzig Jahre nach seinem Tod begannen Kunsthistoriker, sein künstlerisches Erbe zu überdenken.


Selbstporträt, 1888-89. Privatsammlung

Der französische Künstler und Sammler Gustave Caillebotte erbte im Alter von 25 Jahren ein riesiges Vermögen. Und das gab ihm die Möglichkeit, sich der Malerei zu widmen, seine impressionistischen Freunde finanziell zu unterstützen und ihre Werke zu kaufen. Er absolvierte die Schule der Schönen Künste, wo er sich mit Degas, Monet und Renoir anfreundete, 1874 bei der Organisation der ersten Ausstellung der Impressionisten in Paris half, im folgenden Jahr an der zweiten Ausstellung der Impressionisten teilnahm und an deren Organisation mitarbeitete .

Parkettarbeiter, 1875

Brücke von Europa, 1876

Die Malerei dieses Künstlers zeichnet sich durch einen sehr originellen Realismus aus, der jedoch dennoch den Prinzipien des Impressionismus nahesteht. Darüber hinaus zeichnen sich seine Kompositionen durch ungewöhnliche Perspektiven aus.

Regentag im Viertel Batignolles, 1877. Öl auf Leinwand. Art Institute, Chicago.

Caillebotte malte viele Familienszenen, Innenräume und Landschaften. Normalerweise handelte es sich um eine sehr einfache Handlung und eine tiefgehende Perspektive. Die diesen Gemälden gemeinsame geneigte Oberfläche ist ein charakteristisches Merkmal von Caillebottes Werk.

Schläfrigkeit, 1877. Pastell. Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut, USA

Die Straße hinauf, 1881

Die in Caillebottes Werk vorkommenden Techniken der Kürzung und Vergrößerung könnten eine Folge seines Interesses an der Fotografie sein. In vielen Werken Caillebottes verwendet er einen sehr hohen Blickwinkel.

Dächer unter Schnee, 1872

Blick auf die Alevitenstraße aus der Höhe des sechsten Stockwerks, 1878. Privatsammlung

Boulevard Haussmann. Schnee, 1880

Innenraum, lesende Frau, 1880

Europaplatz, 1877. Art Institute, Chicago

Frau am Frisiertisch, 1873

Junger Mann am Fenster, 1875

1881 kaufte Caillebotte ein Anwesen in Petit-Genvilliers am Ufer der Seine und zog 1888 dorthin, um dort zu leben. Er widmete sich der Gartenarbeit und dem Bau von Rennyachten und verbrachte viel Zeit mit seinem Bruder Martial und seinem Freund Renoir, die oft in Petit-Genvilliers blieben.

Ruderer, 1878

Orangenbäume, 1878. Öl auf Leinwand. Museum der Schönen Künste, Houston

Boote auf der Seine

Im Cafe

Rose und Vergissmeinnicht in einer Vase, 1871-1878. Privatsammlung

Innere. Frau am Fenster, 1880

Mann auf einem Balkon, 1880

Pater Magliore auf der Straße von Saint-Clair nach Etretat, 1884

Am Meer, 1888 - 1894

Am 21. Februar 1894 starb Gustave Caillebotte plötzlich während der Arbeit in seinem Garten. Caillebotte vermachte seine reiche Sammlung von Gemälden seiner Künstlerkollegen (Edouard Manet, Edgar Degas, Claude Monet, Auguste Renoir, Paul Cézanne, Camille Pissarro, Alfred Sisley und Berthe Morisot) – mehr als 60 Gemälde – dem Luxemburger Museum, doch die Regierung lehnte ab dieses Geschenk anzunehmen. Einige Jahre später kaufte der Staat durch die Bemühungen seines Testamentsvollstreckers Auguste Renoir dennoch 39 dieser Gemälde, und heute sind sie der Stolz der französischen Kulturstiftung.

Gemüsegarten in Petite Genneville

Chrysanthemen. Garten im Petite Genneville

Die Architektur (lateinisch architectura, von den griechischen Wurzeln αρχι und τεκτονική – Baumeister, Bau, Architektur, Baukunst), die Kunst, Gebäude und andere Bauwerke zu entwerfen und zu errichten, die eine materiell organisierte Umgebung schaffen, die für Menschen für ihr Leben und ihre Aktivitäten notwendig ist, gemäß ihr Zweck, moderne technische Möglichkeiten und ästhetische Ansichten der Gesellschaft. Zwischen Architektur, Malerei und Skulptur besteht ein wesentlicher Unterschied: Die Architektur verwendet fast ausschließlich geometrische Formen und greift in der Ornamentik nur auf organische Formen zurück; Malerei und Skulptur stellen überwiegend tierische und pflanzliche Formen dar und wenden sich nur in Accessoires architektonischen, also geometrischen Formen zu.

In ihrer Unterordnung unter bekannte mathematische Gesetze im Bereich der Proportionen kommt die Architektur der Musik am nächsten, die auch im Bereich der Klangverhältnisse mathematischen Gesetzen gehorcht; In diesem Sinne wird Architektur sehr treffend als „Stein“ oder „gefrorene“ Musik bezeichnet. Jedes Kunstwerk enthält zwei Hauptelemente – eine abstrakte Idee und ihre materielle Darstellung, also Wesen und Form. Die Kombination dieser Elemente zu einem zusammenhängenden Ganzen stellt den Zweck der Kunst dar; und wenn dieses Ziel erreicht wird, dann kann man das Werk durchaus als elegant bezeichnen. Folglich muss jedes elegante architektonische Werk durch seine äußere Präsentation die innere Bedeutung und den Zweck des Gebäudes vollständig offenbaren. Aufgrund dieses Gesetzes ist es beispielsweise unmöglich, einer Kirche das äußere Erscheinungsbild eines Theaters zu verleihen oder einem einstöckigen Gebäude im Inneren eine zweistöckige Fassade zu verleihen.

Als Kunstform dringt Architektur in den Bereich der spirituellen Kultur ein, gestaltet die menschliche Umwelt ästhetisch und bringt gesellschaftliche Ideen in künstlerischen Bildern zum Ausdruck. Die historische Entwicklung der Gesellschaft bestimmt die Funktionen und Arten von Bauwerken (Gebäude mit organisiertem Innenraum, Bauten, die Freiräume bilden, Ensembles von Gebäuden und anderen Immobilien), technische Bausysteme und die künstlerische Struktur architektonischer Bauwerke. In der Architektur, den dekorativen und angewandten Künsten, dem Design – jenen Formen der bildenden Kunst, bei denen es unmöglich ist, das Bildthema zu identifizieren – wird die Genreklassifizierung durch typologische Unterteilungen nach den Funktionen des Werkes (in der Architektur, Palasttypen, Tempeltypen) ersetzt , Wohngebäude usw. werden unterschieden, wiederum unterteilt in viele Untertypen). Die architektonische Gestaltung des Siedlungsraums, die Schaffung von Städten, vorstädtischen Hüttensiedlungen, die Planung kleinräumiger Architektur, die Regulierung von Siedlungssystemen sind zu einem Sondergebiet geworden – der Stadtplanung.

In der Architektur sind funktionale, technische und ästhetische Prinzipien (Nützlichkeit, Stärke, Schönheit) miteinander verbunden. Der Zweck und die Funktionen eines architektonischen Bauwerks bestimmen seinen Plan und seine volumetrisch-räumliche Struktur, die Bauausrüstung – die Möglichkeit, die wirtschaftliche Machbarkeit und die konkreten Mittel zu seiner Herstellung, die Baukeramik – Materialien und keramische Produkte, die im Bauwesen verwendet werden. Je nach Verwendungszweck werden keramische Materialien und Produkte in folgende Typen unterteilt: Wandprodukte, Dachprodukte, Bodenelemente; Produkte für die Fassadenverkleidung, Produkte für die Innenwandverkleidung, Zuschlagstoffe für Leichtbeton, Wärmedämmprodukte, Sanitärprodukte, Bodenfliesen, Straßensteine.
Reparatur von Haushaltsklimaanlagen

Zu den Wandprodukten zählen Ziegel, Hohlsteine ​​und daraus hergestellte Platten. Dachprodukte – Ziegel. Bodenelemente; Produkte für die Fassadenverkleidung sind Verblendziegel, kleinformatige und andere Fliesen, Satzplatten, architektonische und künstlerische Details. Produkte für die Innenwandverkleidung – glasierte Fliesen und Formteile dafür (Gesimse, Ecken, Figurenfenster, Bänder). Füllstoffe für Leichtbeton – Blähton, Agloporit. Wärmedämmprodukte - Zellularkeramik, Perlitkeramik usw. Das figurative und ästhetische Prinzip der Architektur ist mit ihrer sozialen Funktion verbunden und manifestiert sich in der Gestaltung der volumetrisch-räumlichen und strukturellen Struktur des Bauwerks. Ausdrucksmittel der Architektur – Komposition, Tektonik, Maßstab, Proportionen, Rhythmus, Plastizität von Volumen, Textur und Farbe von Materialien, Gesamtkunstwerk usw. In der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts führten soziale, wissenschaftliche und technische Veränderungen zur Entstehung von neue Funktionen, strukturelle Systeme, künstlerische Mittel der Architektur, industrielle Bauweisen.

(lateinisch sculptura, von sculpo – schneiden, schnitzen), Skulptur, Plastik, eine Art bildender Kunst, deren Werke eine dreidimensionale, dreidimensionale Gestalt haben und aus festen oder plastischen Materialien bestehen. Skulptur, Bildhauerei, plastische Kunst – im weitesten Sinne des Wortes die Kunst, aus Ton, Wachs, Stein, Metall, Holz, Knochen und anderen Materialien ein Bild einer Person, von Tieren und anderen natürlichen Objekten in ihrer taktilen, körperlichen Form zu schaffen Formen. Die Skulptur stellt hauptsächlich Menschen dar, seltener Tiere, ihre Hauptgenres sind Porträts, historische, alltägliche, symbolische, allegorische Bilder, animalische und mythologische Genres. Künstlerische und ausdrucksstarke Mittel der Bildhauerei – Konstruktion einer dreidimensionalen Form, plastische Modellierung (Bildhauerei), Entwicklung von Silhouette, Textur und teilweise auch Farben.

Man unterscheidet zwischen einer runden Skulptur (Statue, Gruppe, Figur, Büste), die von verschiedenen Seiten betrachtet wird, und einem Relief (eine Art Skulptur, bei der das Bild im Verhältnis zur Hintergrundebene konvex oder vertieft ist; die Haupttypen sind Flachrelief und Hochrelief). Monumentale Skulptur (Denkmäler, Denkmäler) ist mit dem architektonischen Umfeld verbunden, zeichnet sich durch die Bedeutung ihrer Ideen, einen hohen Grad an Verallgemeinerung und große Größen aus; Die monumentale und dekorative Skulptur umfasst alle Arten der Dekoration architektonischer Strukturen (Atlantes, Karyatiden, Friese, Park-, Brunnen- und Giebelskulpturen); Die Staffelei-Skulptur hat lebensnahe oder kleinere Abmessungen und einen spezifischen, tiefgründigen Inhalt.

In Bezug auf das Material und die Art der Ausführung des Bildes lässt sich die Skulptur im weitesten Sinne des Wortes in mehrere Zweige unterteilen: Modellieren oder Modellieren – die Kunst, mit einer weichen Substanz wie Wachs und Ton zu arbeiten; Gießerei oder Toreutik – die Kunst, eine Skulptur aus geschmolzenem Metall herzustellen; Glyptik oder Skulptur im engeren Sinne ist die Kunst, ein Bild aus Stein, Metall, Holz und festen Materialien im Allgemeinen zu schnitzen; Zu den Gattungen der Bildhauerei zählen darüber hinaus das Gravieren, das Schnitzen auf Hart- und Edelsteinen sowie die Herstellung von Stempeln für Münzen und Medaillen (Medaillenkunst). Die Materialien der Skulptur sind Metall, Stein, Ton, Holz, Gips usw. Die Methoden ihrer Verarbeitung sind Modellieren, Schnitzen, Gießen, Schmieden, Ziselieren usw.

Städte der Antike befanden sich normalerweise in der Nähe eines hohen Felsens, auf dem eine Zitadelle errichtet wurde, damit man sich verstecken konnte, falls der Feind in die Stadt eindrang. Eine solche Zitadelle wurde Akropolis genannt. Ebenso bildete sich auf einem Felsen, der fast 150 Meter über Athen aufragte und lange Zeit als natürliche Verteidigungsanlage gedient hatte, nach und nach eine Oberstadt in Form einer Festung (Akropolis) mit verschiedenen Verteidigungs-, öffentlichen und religiösen Bauwerken.
Mit dem Bau der Athener Akropolis wurde im 2. Jahrtausend v. Chr. begonnen. Während der Griechisch-Persischen Kriege (480-479 v. Chr.) wurde es völlig zerstört; später begann unter der Leitung des Bildhauers und Architekten Phidias mit der Restaurierung und dem Wiederaufbau.
Die Akropolis sei einer dieser Orte, „von denen alle behaupten, sie seien großartig und einzigartig.“ Aber fragen Sie nicht, warum. Niemand kann dir antworten ...“ Es kann gemessen werden, sogar alle seine Steine ​​können gezählt werden. Es ist keine große Sache, es von Anfang bis Ende durchzuarbeiten – es dauert nur ein paar Minuten. Die Mauern der Akropolis sind steil und steil. Auf diesem felsigen Hügel stehen noch immer vier großartige Kreationen. Eine breite Zickzackstraße verläuft vom Fuß des Hügels bis zum einzigen Eingang. Dies sind die Propyläen – ein monumentales Tor mit Säulen im dorischen Stil und einer breiten Treppe. Sie wurden 437-432 v. Chr. vom Architekten Mnesicles erbaut. Doch bevor sie diese majestätischen Marmortore betraten, wandten sich alle unwillkürlich nach rechts. Dort, auf dem hohen Sockel der Bastion, die einst den Eingang zur Akropolis bewachte, steht der mit ionischen Säulen geschmückte Tempel der Siegesgöttin Nike Apteros. Dies ist das Werk des Architekten Kallikrates (zweite Hälfte des 5. Jahrhunderts v. Chr.). Der Tempel – hell, luftig, ungewöhnlich schön – hob sich durch sein Weiß vom blauen Hintergrund des Himmels ab. Dieses fragile Gebäude, das wie ein elegantes Marmorspielzeug aussieht, scheint selbst zu lächeln und zaubert den Passanten ein liebevolles Lächeln.
Die ruhelosen, leidenschaftlichen und aktiven Götter Griechenlands ähnelten den Griechen selbst. Sie waren zwar größer, konnten durch die Luft fliegen, jede beliebige Form annehmen und sich in Tiere und Pflanzen verwandeln. Aber im Übrigen verhielten sie sich wie gewöhnliche Menschen: Sie heirateten, betrogen einander, stritten sich, schlossen Frieden, bestraft Kinder ...

Demeter-Tempel, Erbauer unbekannt, 6. Jahrhundert. Chr. Olympia

Tempel des Nike Apteros, Architekt Kallikrates, 449-421 v. Chr. Athen

Propyläen, Architekt Mnesical, 437-432 v. Chr. Athen

Die Siegesgöttin Nike wurde als schöne Frau mit großen Flügeln dargestellt: Der Sieg ist wankelmütig und fliegt von einem Gegner zum anderen. Die Athener stellten sie als flügellos dar, damit sie die Stadt, die kürzlich einen großen Sieg über die Perser errungen hatte, nicht verlassen würde. Ohne Flügel konnte die Göttin nicht mehr fliegen und musste für immer in Athen bleiben.
Der Nika-Tempel steht auf einem Felsvorsprung. Es ist leicht den Propyläen zugewandt und fungiert als Leuchtturm für Prozessionen, die den Felsen umrunden.
Unmittelbar hinter den Propyläen stand stolz die Kriegerin Athene, deren Speer den Reisenden schon von weitem begrüßte und als Leuchtfeuer für die Seeleute diente. Die Inschrift auf dem Steinsockel lautete: „Die Athener widmeten sich dem Sieg über die Perser.“ Das bedeutete, dass die Statue aus Bronzewaffen gegossen wurde, die die Perser als Ergebnis ihrer Siege erbeutet hatten.
Auf der Akropolis befand sich auch das Tempelensemble Erechtheion, das (nach Angaben seiner Schöpfer) mehrere auf unterschiedlichen Ebenen liegende Heiligtümer miteinander verbinden sollte – der Felsen ist hier sehr uneben. Der nördliche Portikus des Erechtheion führte zum Heiligtum der Athene, wo eine hölzerne Statue der Göttin aufbewahrt wurde, die angeblich vom Himmel fiel. Die Tür des Heiligtums öffnete sich in einen kleinen Innenhof, in dem der einzige heilige Olivenbaum auf der gesamten Akropolis wuchs, der aufging, als Athene an dieser Stelle den Felsen mit ihrem Schwert berührte. Durch den östlichen Portikus gelangte man in das Heiligtum des Poseidon, wo er, nachdem er mit seinem Dreizack auf den Felsen geschlagen hatte, drei Furchen mit gurgelndem Wasser hinterließ. Hier befand sich auch das Heiligtum des Erechtheus, der ebenso wie Poseidon verehrt wurde.
Der zentrale Teil des Tempels ist ein rechteckiger Raum (24,1 x 13,1 Meter). Der Tempel enthielt auch das Grab und Heiligtum des ersten legendären Königs von Attika, Kekrops. Auf der Südseite des Erechtheions befindet sich der berühmte Karyatidenportikus: Am Rand der Wand stützen sechs aus Marmor geschnitzte Mädchen die Decke. Einige Gelehrte vermuten, dass der Portikus als Tribüne für angesehene Bürger diente oder dass sich hier Priester zu religiösen Zeremonien versammelten. Der genaue Zweck des Portikus ist jedoch noch unklar, denn „Portikus“ bedeutet Vorhalle, und in diesem Fall hatte der Portikus keine Türen und von hier aus ist es unmöglich, in den Tempel zu gelangen. Die Figuren des Portikus der Karyatiden sind im Wesentlichen Stützen, die eine Säule oder Säule ersetzen; sie vermitteln auch perfekt die Leichtigkeit und Flexibilität der Mädchenfiguren. Die Türken, die einst Athen eroberten und aufgrund ihres muslimischen Glaubens keine Menschenbilder erlaubten, zerstörten diese Statuen jedoch nicht. Sie beschränkten sich darauf, den Mädchen nur die Gesichter abzuschneiden.

Erechtheion, Erbauer unbekannt, 421-407 v. Chr. Athen

Parthenon, Architekten Iktinus, Kallikrates, 447-432 v. Chr. Athen

Im Jahr 1803 brach Lord Elgin, der englische Botschafter in Konstantinopel und Sammler, mit Erlaubnis des türkischen Sultans eine der Karyatiden im Tempel aus und brachte sie nach England, wo er sie dem British Museum schenkte. Da er den Firman des türkischen Sultans zu weit auslegte, nahm er auch viele der Skulpturen des Phidias mit und verkaufte sie für 35.000 Pfund Sterling. Firman erklärte, dass „niemand ihn daran hindern sollte, ein paar Steine ​​mit Inschriften oder Figuren von der Akropolis mitzunehmen.“ Elgin füllte 201 Kisten mit solchen „Steinen“. Nach eigenen Angaben nahm er nur bereits gefallene oder vom Einsturz bedrohte Skulpturen mit, angeblich um sie vor der endgültigen Zerstörung zu bewahren. Aber Byron nannte ihn auch einen Dieb. Später (während der Restaurierung des Portikus der Karyatiden in den Jahren 1845–1847) schickte das British Museum einen Gipsabdruck der von Lord Elgin mitgenommenen Statue nach Athen. Der Abguss wurde später durch eine haltbarere Kopie aus Kunststein aus England ersetzt.
Ende des letzten Jahrhunderts verlangte die griechische Regierung von England die Rückgabe seiner Schätze, erhielt jedoch die Antwort, dass das Londoner Klima für sie günstiger sei.
Zu Beginn unseres Jahrtausends, als Griechenland im Zuge der Teilung des Römischen Reiches an Byzanz verlegt wurde, wurde das Erechtheion in einen christlichen Tempel umgewandelt. Später machten die Kreuzfahrer, die Athen eroberten, den Tempel zu einem herzoglichen Palast, und während der türkischen Eroberung Athens im Jahr 1458 wurde im Erechtheion ein Harem des Kommandanten der Festung eingerichtet. Während des Befreiungskrieges von 1821–1827 belagerten Griechen und Türken abwechselnd die Akropolis und bombardierten ihre Bauwerke, darunter das Erechtheion.
Im Jahr 1830 (nach der Proklamation der griechischen Unabhängigkeit) konnten am Standort des Erechtheions lediglich Fundamente sowie auf dem Boden liegende architektonische Dekorationen gefunden werden. Gelder für die Restaurierung dieses Tempelensembles (sowie für die Restaurierung vieler anderer Bauwerke der Akropolis) wurden von Heinrich Schliemann bereitgestellt. Sein engster Mitarbeiter V. Derpfeld vermaß und verglich die antiken Fragmente sorgfältig und plante bereits Ende der 70er Jahre des letzten Jahrhunderts die Restaurierung des Erechtheions. Doch dieser Wiederaufbau stieß auf heftige Kritik und der Tempel wurde abgerissen. Das Gebäude wurde 1906 unter der Leitung des berühmten griechischen Wissenschaftlers P. Kavadias wieder aufgebaut und schließlich 1922 restauriert.

„Venus von Milo“ Agessander(?), 120 v. Chr. Louvre, Paris

„Laokoon“ Agessander, Polydorus, Athenodorus, ca. 40 v. Chr. Griechenland, Olympia

„Herkules von Farnese“, ca. 200 v. Chr h., Nat. Museum, Neapel

„Verwundete Amazone“ Polykleitos, 440 v. Chr. National Museum Rom

Der Parthenon – der Tempel der Göttin Athene – ist das größte Bauwerk auf der Akropolis und die schönste Schöpfung griechischer Architektur. Er steht nicht in der Mitte des Platzes, sondern etwas seitlich, so dass man sofort die Vorder- und Seitenfassaden betrachten und die Schönheit des Tempels als Ganzes verstehen kann. Die alten Griechen glaubten, dass der Tempel mit der Hauptkultstatue in der Mitte das Haus der Gottheit darstellte. Der Parthenon ist der Tempel der Jungfrau Athene (Parthenos), und deshalb befand sich in seiner Mitte eine Chrysoelephantin-Statue (aus Elfenbein und Goldplatten auf einem Holzsockel) der Göttin.
Der Parthenon wurde 447-432 v. Chr. errichtet. Architekten Ictinus und Callicrates aus pentelischem Marmor. Es befand sich auf einer vierstöckigen Terrasse, die Grundfläche betrug 69,5 x 30,9 Meter. Der Parthenon ist auf vier Seiten von schlanken Kolonnaden umgeben; zwischen ihren weißen Marmorstämmen sind Lücken blauen Himmels sichtbar. Völlig lichtdurchflutet wirkt es luftig und leicht. Auf den weißen Säulen gibt es keine leuchtenden Muster, wie man sie in ägyptischen Tempeln findet. Lediglich Längsrillen (Flöten) überziehen sie von oben bis unten und lassen den Bügel dadurch höher und noch schlanker wirken. Ihre Schlankheit und Leichtigkeit verdanken die Säulen der Tatsache, dass sie sich nach oben hin leicht verjüngen. Im mittleren Teil des Stammes, der für das Auge überhaupt nicht sichtbar ist, verdicken sie sich und wirken dadurch elastischer, sodass sie dem Gewicht von Steinblöcken besser standhalten können. Iktin und Callicrates haben jedes kleinste Detail durchdacht und ein Gebäude geschaffen, das durch seine erstaunliche Proportionalität, extreme Einfachheit und Reinheit aller Linien besticht. Der Parthenon befand sich auf der oberen Plattform der Akropolis in einer Höhe von etwa 150 Metern über dem Meeresspiegel und war nicht nur von überall in der Stadt aus sichtbar, sondern auch von zahlreichen Schiffen aus, die nach Athen fuhren. Der Tempel war eine dorische Umfassungsmauer, die von einer Kolonnade aus 46 Säulen umgeben war.

„Aphrodite und Pan“, 100 v. Chr., Delphi, Griechenland

„Diana die Jägerin“ Leochard, ca. 340 v. Chr., Louvre, Paris, Frankreich

„Ruhender Hermes“ Lysippos, IV. Jahrhundert. Chr BC, Nationalmuseum, Neapel

„Herkules im Kampf mit dem Löwen“ Lysippos, ca. 330 v. Chr Eremitage, St. Petersburg

„Atlas Farnese“ ca. 200 v. Chr., Nat. Museum, Neapel

Die berühmtesten Meister waren an der skulpturalen Gestaltung des Parthenon beteiligt. Der künstlerische Leiter des Baus und der Dekoration des Parthenon war Phidias, einer der größten Bildhauer aller Zeiten. Er ist für die Gesamtkomposition und Entwicklung des gesamten skulpturalen Schmucks verantwortlich, von dem er einen Teil selbst ausführte. Die organisatorische Leitung des Baus oblag Perikles, dem größten Staatsmann Athens.
Die gesamte skulpturale Gestaltung des Parthenon sollte die Göttin Athene und ihre Stadt – Athen – verherrlichen. Das Thema des Ostgiebels ist die Geburt der geliebten Tochter des Zeus. Auf dem Westgiebel stellte der Meister eine Szene eines Streits zwischen Athene und Poseidon um die Vorherrschaft über Attika dar. Dem Mythos zufolge gewann Athene den Streit und schenkte den Bewohnern dieses Landes einen Olivenbaum.
Auf den Giebeln des Parthenon versammelten sich die Götter Griechenlands: der Donnerer Zeus, der mächtige Herrscher der Meere Poseidon, die weise Kriegerin Athene, die geflügelte Nike. Die skulpturale Dekoration des Parthenon wurde durch einen Fries vervollständigt, der eine feierliche Prozession während des Festes der Großen Panathenäen darstellte. Dieser Fries gilt als einer der Höhepunkte der klassischen Kunst. Bei aller kompositorischen Geschlossenheit verblüffte es durch seine Vielfältigkeit. Von den mehr als 500 Figuren von jungen Männern, älteren Menschen, Mädchen, zu Fuß und zu Pferd wiederholte sich keine die andere; die Bewegungen von Menschen und Tieren wurden mit erstaunlicher Dynamik dargestellt.
Die Figuren des skulpturalen griechischen Reliefs sind nicht flach, sie haben das Volumen und die Form des menschlichen Körpers. Sie unterscheiden sich von Statuen lediglich dadurch, dass sie nicht allseitig bearbeitet sind, sondern mit dem durch die flache Oberfläche des Steins gebildeten Hintergrund zu verschmelzen scheinen. Helle Farben belebten den Parthenon-Marmor. Der rote Hintergrund betonte das Weiß der Figuren, die schmalen vertikalen Vorsprünge, die eine Platte des Frieses von der anderen trennten, hoben sich deutlich in Blau ab und die Vergoldung glänzte hell. Hinter den Säulen war auf einem Marmorband, das alle vier Fassaden des Gebäudes umgab, ein festlicher Umzug dargestellt. Hier gibt es fast keine Götter, und Menschen, die für immer in Stein gemeißelt waren, zogen entlang der beiden Längsseiten des Gebäudes und versammelten sich an der Ostfassade, wo eine feierliche Zeremonie stattfand, um dem Priester ein von athenischen Mädchen gewebtes Gewand zu überreichen Göttin. Jede Figur zeichnet sich durch ihre einzigartige Schönheit aus und alle zusammen spiegeln das wahre Leben und die Bräuche der antiken Stadt genau wider.

Tatsächlich fand alle fünf Jahre an einem der heißen Tage des Hochsommers in Athen eine landesweite Feier zu Ehren der Geburt der Göttin Athene statt. Es wurde die Große Panathenaia genannt. Daran nahmen nicht nur Bürger des athenischen Staates, sondern auch viele Gäste teil. Die Feier bestand aus einer feierlichen Prozession (Pumpe), der Überführung einer Hekatombe (100 Stück Vieh) und einem gemeinsamen Essen, Sport-, Reit- und Musikwettbewerben. Der Gewinner erhielt eine besondere, mit Öl gefüllte, sogenannte panathenäische Amphore und einen Kranz aus den Blättern des heiligen Olivenbaums, der auf der Akropolis wächst.

Der feierlichste Moment des Feiertags war die Nationalprozession zur Akropolis. Reiter auf Pferden waren in Bewegung, Staatsmänner, Krieger in Rüstungen und junge Sportler gingen spazieren. Priester und Adlige marschierten in langen weißen Gewändern, Herolde priesen lautstark die Göttin, Musiker erfüllten die noch kühle Morgenluft mit freudigen Klängen. Entlang der Zickzack-Panathena-Straße, die von Tausenden von Menschen mit Füßen getreten wurde, erklommen Opfertiere den hohen Hügel der Akropolis. Die Jungen und Mädchen trugen ein Modell des heiligen Panathenäischen Schiffs mit sich, an dessen Mast ein Peplos (Schleier) befestigt war. Eine leichte Brise ließ den leuchtenden Stoff des gelbvioletten Gewandes flattern, das die edlen Mädchen der Stadt als Geschenk an die Göttin Athene trugen. Ein ganzes Jahr lang haben sie es gewebt und bestickt. Andere Mädchen hielten heilige Opfergefäße hoch über ihren Köpfen. Allmählich näherte sich die Prozession dem Parthenon. Der Eingang zum Tempel erfolgte nicht aus den Propyläen, sondern aus anderen, als ob jeder zuerst umhergehen, die Schönheit aller Teile des schönen Gebäudes untersuchen und schätzen würde. Im Gegensatz zu christlichen Kirchen waren die antiken griechischen Kirchen nicht für den Gottesdienst im Innern gedacht; die Menschen blieben während religiöser Aktivitäten außerhalb des Tempels. In den Tiefen des Tempels, der an drei Seiten von zweistufigen Kolonnaden umgeben war, stand stolz die berühmte Statue der Jungfrau Athene, die vom berühmten Phidias geschaffen wurde. Ihre Kleidung, ihr Helm und ihr Schild waren aus reinem, funkelndem Gold, und ihr Gesicht und ihre Hände leuchteten im Weiß von Elfenbein.

Über den Parthenon wurden viele Buchbände geschrieben, darunter Monographien über jede seiner Skulpturen und über jeden Schritt des allmählichen Verfalls seit der Zeit, als er nach dem Erlass von Theodosius I. ein christlicher Tempel wurde. Im 15. Jahrhundert verwandelten die Türken es in eine Moschee und im 17. Jahrhundert in ein Schießpulverlager. Der türkisch-venezianische Krieg von 1687 verwandelte es in eine endgültige Ruine, als eine Artilleriegranate es traf und in einem Moment das vollbrachte, was alles verschlingende Zeit in 2000 Jahren nicht geschafft hätte.