Schullexikon. Merkmale und Unterschiede von Monumental-, Staffelei- und Miniaturgemälden. Staffelei-Porträt

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Staffelei-Malerei- eine der Arten der Malerei, deren Werke eine eigenständige Bedeutung haben und unabhängig von der Umgebung wahrgenommen werden. Wörtlich: Gemälde auf einer Staffelei.

Ein Werk der Staffeleimalerei – ein Gemälde – entsteht auf einer instationären (im Gegensatz zur Monumentalmalerei) und nicht-utilitaristischen (im Gegensatz zur dekorativen Malerei) Basis (Leinwand, Pappe, Pappe, Papier, Seide) und setzt eine eigenständige, nicht bedingte Wahrnehmung voraus die Umwelt.

Die Hauptmaterialien für die Staffeleimalerei sind Öl-, Tempera- und Aquarellfarben, Gouache, Pastell, Acryl. An Fernost Die Tuschemalerei (hauptsächlich monochrom) verbreitete sich, oft mit integrierter Kalligraphie.

Staffeleimalerei wird in Kunstschulen und Ateliers, in weiterführenden Kunstschulen und Kunstinstituten unterrichtet, von denen sich die größten in Russland in St. Petersburg befinden, der nach ihr benannten Rjasaner Kunstschule. G.K. Wagner in Rjasan und Moskau.

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Ein Auszug, der die Staffeleimalerei charakterisiert

Die Malerei zeichnet sich durch eine Vielzahl von Genres und Typen aus. Jedes Genre ist auf sein eigenes Themenspektrum beschränkt: das Bild einer Person (Porträt), die umgebende Welt (Landschaft) usw.
Die Arten (Arten) der Malerei unterscheiden sich in ihrem Zweck.

In diesem Zusammenhang gibt es mehrere Arten der Malerei, über die wir heute sprechen werden.

Staffelei-Malerei

Das beliebteste und bekannte Arten Malerei - Staffelei-Malerei. Es wird so genannt, weil es auf einer Maschine – einer Staffelei – ausgeführt wird. Die Basis ist Holz, Pappe, Papier, meistens jedoch Leinwand, die auf einen Keilrahmen gespannt ist. Ein Staffeleigemälde ist ein eigenständiges Werk, das in hergestellt wurde bestimmtes Genre. Es hat eine Fülle an Farben.

Ölfarben

Am häufigsten wird Staffeleimalerei ausgeführt Ölfarben. Sie können Ölfarben auf Leinwand, Holz, Pappe, Papier und Metall verwenden.

Ölfarben
Ölfarben sind Suspensionen anorganischer Pigmente und Füllstoffe in trocknenden Pflanzenölen oder trocknenden Ölen oder auf Basis von Alkydharzen, teilweise unter Zusatz von Hilfsstoffen. Wird beim Malen oder zum Lackieren von Holz, Metall und anderen Oberflächen verwendet.

V. Perov „Porträt von Dostojewski“ (1872). Öl auf Leinwand
Aber auch mit Tempera, Gouache, Pastell und Aquarell kann ein malerisches Bild entstehen.

Aquarell

Aquarellfarben

Aquarell (französisch Aquarelle – wässrig; italienisch Acquarello) ist eine Maltechnik, die spezielle Techniken verwendet Aquarellfarben. In Wasser gelöst bilden sie eine transparente Suspension feiner Pigmente, die den Effekt von Leichtigkeit, Luftigkeit und subtilen Farbübergängen erzeugt.

J. Turner „Firvaldstätter See“ (1802). Aquarell. Tate Britain (London)

Gouache

Gouache (französische Gouache, italienisch Guazzo-Wasserfarbe, Spritzer) ist eine Art wasserlösliche Haftfarbe, dichter und matter als Aquarell.

Gouachefarben
Gouachefarben werden aus Pigmenten und Leim unter Zusatz von Weiß hergestellt. Durch die Beimischung von Weiß wirkt die Gouache matt samtig, beim Trocknen werden die Farben jedoch etwas weißlicher (aufgehellt), was der Künstler beim Zeichnen berücksichtigen muss. Mit Gouachefarben können Sie dunkle Töne mit hellen überdecken.

Vincent Van Gogh „Korridor im Asulum“ (schwarze Kreide und Gouache auf rosa Papier)

Pastell [e]

Pastell (von lateinisch Pasta – Teig) – Kunstmaterialien, verwendet in Grafik und Malerei. Am häufigsten handelt es sich um Buntstifte oder randlose Stifte, die die Form von Stäben mit rundem oder quadratischem Querschnitt haben. Pastell passiert drei Typen: „trocken“, ölig und wachsartig.

I. Levitan „Flusstal“ (Pastell)

Tempera

Tempera (italienisch tempera, vom lateinischen temperare – Farben mischen) – Farben auf Wasserbasis, die auf der Basis trockener Pulverpigmente hergestellt werden. Das Bindemittel für Temperafarben ist mit Wasser verdünntes Eigelb. Hühnerei oder ein ganzes Ei.
Temperafarben gehören zu den ältesten. Vor der Erfindung und Verbreitung der Ölfarben bis ins 15.-17. Jahrhundert. Temperafarben waren das Hauptmaterial für die Staffeleimalerei. Sie werden seit mehr als dreitausend Jahren verwendet. Die berühmten Gemälde der Sarkophage der altägyptischen Pharaonen wurden mit Temperafarben angefertigt. Die Temperamalerei wurde hauptsächlich von byzantinischen Meistern angefertigt. In Russland war bis dahin die Technik der Temperamalerei vorherrschend spätes XVII V.

R. Streltsov „Kamille und Veilchen“ (Tempera)

Enkaustik

Enkaustik (von altgriechisch ἐγκαυστική – die Kunst des Brennens) ist eine Maltechnik, bei der Wachs das Bindemittel von Farben ist. Die Bemalung erfolgt mit geschmolzenen Farben. Viele frühchristliche Ikonen wurden mit dieser Technik gemalt. Entstanden im antiken Griechenland.

"Engel". Enkaustische Technik

Wir machen Sie darauf aufmerksam, dass Sie eine weitere Klassifizierung finden, nach der Aquarell, Gouache und andere Techniken mit Papier und Farben auf Wasserbasis als Grafiken eingestuft werden. Sie vereinen die Merkmale der Malerei (Farbreichtum, Konstruktion von Form und Raum mit Farbe) und der Grafik (die aktive Rolle des Papiers bei der Konstruktion des Bildes, das Fehlen des spezifischen Reliefs des Pinselstrichs, das für eine Maloberfläche charakteristisch ist).

Monumentale Malerei

Unter Monumentalmalerei versteht man das Malen auf architektonischen Strukturen oder anderen Untergründen. Das älteste Art Malerei, bekannt aus dem Paläolithikum. Dank seiner Stationarität und Dauerhaftigkeit sind von ihm zahlreiche Beispiele aus fast allen Kulturen erhalten geblieben, die entwickelte Architektur geschaffen haben. Die Haupttechniken der Monumentalmalerei sind Fresko, Secco, Mosaik und Glasmalerei.

Fresko

Fresko (von italienisch fresco – frisch) – Malen auf nassem Putz mit Wasserfarben, eine der Techniken der Wandmalerei. Beim Trocknen bildet der im Putz enthaltene Kalk einen dünnen, transparenten Kalkfilm, der das Fresko haltbar macht.
Das Fresko hat eine angenehm matte Oberfläche und ist im Innenbereich langlebig.

Gelati-Kloster (Georgien). Kirche Heilige Mutter Gottes. Fresko auf der oberen und südlichen Seite des Arc de Triomphe

Ein Secco

Und Secco (aus dem Italienischen a secco – trocken) ist eine Wandmalerei, die im Gegensatz zu Fresken auf hartem, getrocknetem und wieder angefeuchtetem Putz ausgeführt wird. Es werden Farben verwendet, die auf Pflanzenleim, Ei gemahlen oder mit Kalk vermischt sind. Mit Secco können Sie pro Arbeitstag eine größere Fläche streichen als mit Freskomalerei, ist aber keine so langlebige Technik.
Die Technik, in der sich ein Secco entwickelte mittelalterliche Malerei zusammen mit Fresko und war im 17.-18. Jahrhundert vor allem in Europa weit verbreitet.

Leonardo da Vinci“ letztes Abendessen(1498). Technik a Secco

Mosaik

Mosaik (französisch mosaïque, italienischmosaiko von lateinisch (opus) musivum – den Musen gewidmetes Werk) – Kunsthandwerk und monumentale Kunst verschiedene Genres. Bilder in einem Mosaik entstehen durch das Anordnen, Setzen und Befestigen von mehrfarbigen Steinen, Smalt, Keramikfliesen und anderen Materialien auf der Oberfläche.

Mosaikplatte „Katze“

Buntglas

Buntglas (frz. vitre – Fensterglas, vom lateinischen vitrum – Glas) ist eine Arbeit aus farbigem Glas. Buntglas wird seit langem in Kirchen verwendet. Während der Renaissance existierte die Glasmalerei als Malerei auf Glas.

Buntglasfenster des Mezhsoyuzny-Kulturpalastes (Murmansk)
Zu den Malereiarten zählen auch Diorama und Panorama.

Diorama

Der Bau des Dioramas „Sturm auf den Berg Sapun am 7. Mai 1944“ in Sewastopol
Diorama - bandförmig, im Halbkreis gebogen szenische Malerei mit einem Vordergrundmotiv. Es entsteht die Illusion der Präsenz des Betrachters im Naturraum, die durch eine Synthese künstlerischer und technischer Mittel erreicht wird.
Dioramen sind für künstliche Beleuchtung konzipiert und befinden sich hauptsächlich in speziellen Pavillons. Die meisten Dioramen sind historischen Schlachten gewidmet.
Die berühmtesten Dioramen: „Sturm auf den Berg Sapun“ (Sewastopol), „Verteidigung von Sewastopol“ (Sewastopol), „Schlachten um Rschew“ (Rschew), „Breaking the Siege of Leningrad“ (St. Petersburg), „Sturm auf Berlin“. ” (Moskau) usw.

Panorama

Als Panorama bezeichnet man in der Malerei ein Bild mit kreisförmiger Ansicht, bei dem ein flächiger Bildhintergrund mit einem dreidimensionalen Motivvordergrund kombiniert wird. Panorama erzeugt die Illusion eines realen Raums, der den Betrachter in einem vollständigen Kreis des Horizonts umgibt. Panoramen dienen vor allem der großflächigen Darstellung von Ereignissen große Zahl Teilnehmer.

Panoramamuseum „Schlacht von Borodino“ (Museumsgebäude)
In Russland sind die berühmtesten Panoramen das Panoramamuseum „Schlacht von Borodino“, „Schlacht von Volochaev“, „Zerstörung“. Nazi-Truppen bei Stalingrad“ im Panoramamuseum“ Schlacht von Stalingrad", „Verteidigung von Sewastopol", Panorama der Transsibirischen Eisenbahn.

Franz Roubo. Panorama-Leinwand „Schlacht von Borodino“

Theater- und Dekorationsmalerei

Bühnenbild, Kostüme, Make-up und Requisiten tragen dazu bei, den Inhalt der Aufführung (des Films) weiter zu offenbaren. Die Szenerie vermittelt einen Eindruck von Ort und Zeit des Geschehens und aktiviert die Wahrnehmung des Zuschauers für das Bühnengeschehen. Theaterkünstler ist bestrebt, Kostüm- und Make-up-Skizzen präzise auszudrücken individuellen Charakter Charaktere, ihre sozialer Status, Stil der Epoche und vieles mehr.
In Russland erlebte die Theater- und Kunstgewerbekunst ihren Aufschwung an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Zu dieser Zeit begann die Arbeit im Theater herausragende Künstler M.A. Vrubel, V.M. Vasnetsov, A. Ya. Golovin, L.S. Bakst, N.K. Roerich.

M. Vrubel „Stadt des Lutschers“. Bühnenbildentwurf für die Oper von N.A. Rimsky-Korsakows „Das Märchen vom Zaren Saltan“ für die Russische Privatoper in Moskau. (1900)

Miniatur

Eine Miniatur ist ein Bildwerk aus kleinen Formen. Besonders beliebt war die Porträtminiatur – ein Porträt im Kleinformat (von 1,5 bis 20 cm), das sich durch die besondere Feinheit der Schrift, eine einzigartige Ausführungstechnik und den Einsatz von Mitteln auszeichnet, die nur dieser Bildform eigen sind.
Die Arten und Formate von Miniaturen sind sehr vielfältig: Sie wurden auf Pergament, Papier, Pappe geschrieben, Elfenbein, auf Metall und Porzellan, mit Aquarell, Gouache, speziellen Kunstlacken oder Ölfarben. Der Autor kann das Bild nach seiner Entscheidung oder auf Wunsch des Kunden in einen Kreis, ein Oval, eine Raute, ein Achteck usw. eingravieren. Als klassische Porträtminiatur gilt eine Miniatur auf einer dünnen Elfenbeinplatte.

Kaiser Nikolaus I. Fragment einer Miniatur von G. Morselli
Es gibt verschiedene Miniaturtechniken.

Lackminiatur (Fedoskino)

Miniatur mit einem Porträt der Prinzessin Zinaida Nikolaevna (Jusupov-Schmuck)

- Dies ist eine der Hauptarten der bildenden Kunst; ist eine künstlerische Darstellung objektive Welt farbige Farben auf der Oberfläche. Die Malerei ist unterteilt in: Staffelei, monumental und dekorativ.

- hauptsächlich vertreten durch Arbeiten mit Ölfarben auf Leinwand (Karton, Holzbretter oder blank). Stellt das meiste dar Massenauftritt Malerei. Dieser Typus wird üblicherweise auf den Begriff „ Malerei".

ist eine Technik zum Malen von Wänden bei der Dekoration von Gebäuden und architektonische Elemente in Gebäuden. Besonders häufig in Europa Fresko - Monumentalmalerei auf nassem Putz mit wasserlöslichen Farben. Diese Zeichentechnik ist seit der Antike bekannt. Später wurde diese Technik bei der Gestaltung vieler christlicher Kirchen und ihrer Gewölbe verwendet.

Dekorative Malerei - (aus Lateinisches Wort von decoro – dekorieren) ist eine Möglichkeit, Bilder auf Gegenstände und Innendetails, Wände, Möbel und andere Dekorationsgegenstände zu zeichnen und anzuwenden. Bezieht sich auf dekorative und angewandte Kunst.

Möglichkeiten Bildende Kunst Besonders deutlich wird die Staffeleimalerei aus dem 15. Jahrhundert, aus der Zeit des massenhaften Einsatzes von Ölfarben. Darin steht eine besondere inhaltliche Vielfalt und tief ausgearbeitete Form zur Verfügung. Im Herzen des Malerischen künstlerische Mittel Farben (die Möglichkeiten der Farben) liegen in untrennbarer Einheit mit Hell-Dunkel und Linie; Farbe und Hell-Dunkel werden durch Maltechniken mit einer Vollständigkeit und Helligkeit entwickelt und entwickelt, die für andere Kunstarten unzugänglich sind. Dies bestimmt die Perfektion der volumetrischen und räumlichen Modellierung, die der realistischen Malerei innewohnt, die lebendige und genaue Wiedergabe der Realität, die Möglichkeit, die vom Künstler konzipierten Handlungen (und Methoden zur Konstruktion von Kompositionen) umzusetzen und andere visuelle Vorteile.

Ein weiterer Unterschied zwischen den Malarten ist die Ausführungstechnik je nach Farbart. Nicht immer genug Gemeinsamkeiten zur Definition. Die Grenze zwischen Malerei und Grafik in jedem Sonderfall: Beispielsweise können Arbeiten in Aquarell oder Pastell je nach Ansatz und Ziel des Künstlers zu beiden Bereichen gehören. Obwohl Zeichnungen auf Papier mit Grafiken verwandt sind, ist die Verwendung verschiedene Techniken Die Malerei verwischt manchmal die Unterschiede zwischen Malerei und Grafik.

Es muss berücksichtigt werden, dass der semantische Begriff „Malerei“ selbst ein Wort der russischen Sprache ist. Der Begriff wurde während der Entstehung der bildenden Kunst in Russland im Barock verwendet. Die Verwendung des Wortes „Malerei“ bezog sich damals nur auf eine bestimmte Art realistischer Malerei. Aber ursprünglich stammt es aus der kirchlichen Technik des Ikonenmalens, die das Wort „schreiben“ (im Zusammenhang mit dem Schreiben) verwendet, weil dieses Wort eine Übersetzung der Bedeutung in griechischen Texten ist (die „in der Übersetzung verloren gehen“). Eigene Entwicklung in Russland Kunstschule und das Erbe des europäischen akademischen Wissens auf dem Gebiet der Kunst entwickelte den Umfang des russischen Wortes „Malerei“ und integrierte es in die pädagogische Terminologie und literarische Sprache. In der russischen Sprache hat sich jedoch eine Besonderheit in der Bedeutung des Verbs „schreiben“ in Bezug auf das Schreiben und Zeichnen von Bildern herausgebildet.

Genres der Malerei

Im Laufe der Entwicklung der bildenden Kunst bildeten sich mehrere klassische Genres der Malerei heraus, die ihre eigenen Merkmale und Regeln erhielten.

Porträt ist eine realistische Darstellung einer Person, bei der der Künstler versucht, eine Ähnlichkeit mit dem Original herzustellen. Eines der beliebtesten Genres der Malerei. Die meisten Kunden nutzten das Talent von Künstlern, um ihr eigenes Image zu verewigen oder sich ein Bild zu machen geliebter Mensch, Verwandter usw. Die Kunden strebten danach, ein Porträt zu erhalten (oder es sogar zu verschönern) und so eine visuelle Verkörperung in der Geschichte zu hinterlassen. Porträts verschiedene Stile sind der umfangreichste Teil der Ausstellung der meisten Kunstmuseen und Privatsammlungen. Dieses Genre umfasst eine solche Art von Porträt wie Selbstporträt - ein Bild des Künstlers selbst, von ihm selbst gemalt.

Landschaft- eines der beliebten Genres der Malerei, in dem der Künstler die Natur, ihre Schönheit oder Besonderheit darzustellen versucht. Verschiedene Typen Die Natur (die Stimmung der Jahreszeit und des Wetters) wirkt hell emotionale Wirkung für jeden Betrachter - das psychologisches Merkmal Person. Der Wunsch, durch Landschaften einen emotionalen Eindruck zu gewinnen, hat dieses Genre zu einem der beliebtesten im künstlerischen Schaffen gemacht.

- Dieses Genre ähnelt in vielerlei Hinsicht der Landschaft, hat es aber Hauptmerkmal: Die Gemälde zeigen Landschaften mit architektonische Objekte, Gebäude oder Städte. Sonderrichtung - Straßenansichten Städte, die die Atmosphäre des Ortes vermitteln. Eine weitere Richtung dieses Genres ist die Darstellung der Schönheit der Architektur eines bestimmten Gebäudes – seines Aussehen oder Bilder seiner Innenräume.

- ein Genre, in dem das Hauptthema der Gemälde liegt historisches Ereignis oder seine Interpretation durch den Künstler. Interessant ist, dass eine große Anzahl von Gemälden diesem Genre zuzuordnen ist. biblisches Thema. Seit dem Mittelalter biblische Geschichten galten als „historische“ Ereignisse und die Hauptabnehmer dieser Gemälde waren die Kirche. „Historische“ biblische Themen sind in den Werken der meisten Künstler präsent. Zweite Geburt historische Malerei findet in der Zeit des Neoklassizismus statt, wenn sich Künstler bekannten historischen Themen, Ereignissen aus der Antike oder nationalen Legenden zuwenden.

- spiegelt Szenen von Kriegen und Schlachten wider. Die Besonderheit besteht nicht nur darin, ein historisches Ereignis widerzuspiegeln, sondern dem Betrachter auch die emotionale Erhebung von Heldentum und Heldentum zu vermitteln. In der Folge wird dieses Genre auch politisch und ermöglicht es dem Künstler, dem Betrachter seine Sicht (seine Haltung) auf das Geschehen zu vermitteln. Einen ähnlichen Effekt der politischen Betonung und der Stärke des künstlerischen Talents können wir im Werk von V. Wereschtschagin beobachten.

ist ein Genre der Malerei mit Kompositionen aus unbelebte Objekte, mit Blumen, Produkten, Gerichten. Dieses Genre ist eines der neuesten und wurde in der niederländischen Malschule entwickelt. Vielleicht ist sein Aussehen auf die Besonderheit der niederländischen Schule zurückzuführen. Der wirtschaftliche Aufschwung des 17. Jahrhunderts in Holland führte bei einem erheblichen Teil der Bevölkerung zu einem Wunsch nach erschwinglichem Luxus (Gemälde). Diese Situation lockte zahlreiche Künstler nach Holland und führte zu einem intensiven Wettbewerb zwischen ihnen. Modelle und Werkstätten (Personen in angemessener Kleidung) standen armen Künstlern nicht zur Verfügung. Beim Malen von zum Verkauf stehenden Gemälden verwendeten sie improvisierte Mittel (Gegenstände), um die Gemälde zu komponieren. Diese Situation in der Geschichte der niederländischen Schule ist der Grund für die Entwicklung der Genremalerei.

Genremalerei - Gegenstand der Bilder sind Alltagsszenen Alltag oder Feiertage, in der Regel mit der Teilnahme gewöhnliche Menschen. Ebenso wie das Stillleben verbreitete es sich im 17. Jahrhundert unter niederländischen Künstlern. In der Zeit der Romantik und des Neoklassizismus erlebt dieses Genre eine neue Geburt; Gemälde streben nicht so sehr danach, zu reflektieren Alltag wie sehr man es romantisieren kann, es in die Handlung einführen bestimmte Bedeutung oder Moral.

Yachthafen- eine Art Landschaft, in der Bilder dargestellt sind Meeresarten, Küstenlandschaften mit Blick auf das Meer, Sonnenaufgänge und Sonnenuntergänge auf dem Meer, Schiffe oder sogar Seeschlachten. Obwohl es auch eine separate gibt Kampfgenre, aber Seeschlachten gehören immer noch zum Genre „Marina“. Die Entwicklung und Popularisierung dieses Genres kann auch der niederländischen Schule des 17. Jahrhunderts zugeschrieben werden. Dank der Arbeit von Aivazovsky war er in Russland beliebt.

— Ein Merkmal dieses Genres ist die Kreation realistische Gemälde, Darstellung der Schönheit von Tieren und Vögeln. Einer von interessante Funktionen Dieses Genre ist das Vorhandensein von Gemälden, die nicht existierende oder mythische Tiere darstellen. Einberufen werden Künstler, die sich auf Tierbilder spezialisiert haben Animalisten.

Geschichte der Malerei

Der Bedarf an realistischen Bildern besteht seit der Antike, hatte jedoch aufgrund des Mangels an Technologie, systematischer Schule und Bildung eine Reihe von Nachteilen. In der Antike findet man häufiger Beispiele angewandter und monumentaler Malerei mit der Technik des Zeichnens auf Gips. In der Antike wurde dem Talent des Künstlers eine größere Bedeutung beigemessen; Künstler hatten nur begrenzte Möglichkeiten zur Herstellung von Farben und die Möglichkeit, eine systematische Ausbildung zu erhalten. Doch bereits in der Antike bildeten sich Fachwissen und Werke heraus (Vitruv), die die Grundlage für eine neue Blüte bilden werden Europäische Kunst während der Renaissance. Dekorative Bemalung erhalten bedeutende Entwicklung während der griechischen und römischen Antike (die Schule ging im Mittelalter verloren), deren Niveau erst nach dem 15. Jahrhundert erreicht wurde.

Gemälde eines römischen Freskos (Pompeji, 1. Jahrhundert v. Chr.), ein Beispiel für den technischen Stand der antiken Malerei:

Das „dunkle Zeitalter“ des Mittelalters, das militante Christentum und die Inquisition führen zu Studienverboten künstlerisches Erbe Antike. Die große Erfahrung antiker Meister, Kenntnisse auf dem Gebiet der Proportionen, Komposition, Architektur und Bildhauerei sind unerlässlich und vieles mehr künstlerische Werte wegen ihrer Hingabe an alte Gottheiten zerstört. Eine Rückkehr zu den Werten von Kunst und Wissenschaft findet in Europa erst in der Renaissance (Wiedergeburt) statt.

Künstler der Frührenaissance (Revival) mussten die Errungenschaften und das Niveau antiker Künstler aufholen und wiederbeleben. Was wir an den Werken von Künstlern bewundern Frührenaissance, war das Niveau der Herren von Rom. Ein klares Beispiel für den Verlust mehrerer Jahrhunderte der Entwicklung der europäischen Kunst (und Zivilisation) während des „dunklen Zeitalters“ des Mittelalters, des militanten Christentums und der Inquisition – der Unterschied zwischen diesen Gemälden aus dem 14. Jahrhundert!

Die Entstehung und Verbreitung der Technologie zur Herstellung von Ölfarben und der Maltechnik mit ihnen im 15. Jahrhundert führte zur Entwicklung der Staffeleimalerei und besondere Art Künstlerprodukte - farbige Ölgemälde auf grundierter Leinwand oder Holz.

Die Malerei erlebte in der Renaissance einen enormen qualitativen Entwicklungssprung, vor allem dank der Arbeit von Leon Battista Alberti (1404-1472). Er legte als erster die Grundlagen der Perspektive in der Malerei dar (die Abhandlung „Über die Malerei“ von 1436). Zu ihm (seine Arbeiten zur Systematisierung wissenschaftliche Erkenntnisse) Die europäische Kunstschule ist der Entstehung (Wiederbelebung) realistischer Perspektiven und natürlicher Proportionen in den Gemälden von Künstlern verpflichtet. Berühmte und bekannte Zeichnung von Leonardo da Vinci „Vitruvianischer Mann“(Menschliche Proportionen) von 1493, das der Systematisierung des alten Wissens von Vitruv über Proportionen und Komposition gewidmet ist, wurde von Leonardo ein halbes Jahrhundert später als Albertis Abhandlung „Über die Malerei“ verfasst. Und Leonardos Werk ist eine Fortsetzung der Entwicklung der europäischen (italienischen) Kunstschule der Renaissance.

Aber hell und Massenentwicklung Malerei erhielt ab dem 16.-17. Jahrhundert, als sich die Technik verbreitete Ölgemälde Es entstanden verschiedene Technologien zur Farbenherstellung und es wurden Malschulen gegründet. Es ist das System des Wissens und Kunsterziehung(Zeichentechnik), gepaart mit der Nachfrage nach Kunstwerken bei Aristokratie und Monarchen, führt zu einer raschen Blüte der bildenden Kunst in Europa (Barockzeit).

Die unbegrenzten finanziellen Möglichkeiten europäischer Monarchien, Aristokratien und Unternehmer wurden zu einer hervorragenden Grundlage dafür Weiterentwicklung Malerei im 17.-19. Jahrhundert. Und der schwächelnde Einfluss der Kirche und eines säkularen Lebensstils (vervielfacht durch die Entwicklung des Protestantismus) ermöglichte die Entstehung vieler Themen, Stile und Bewegungen in der Malerei (Barock und Rokoko).

Im Laufe der Entwicklung der bildenden Künste haben Künstler viele Stile und Techniken entwickelt, die dazu führen auf höchstem Niveau Realismus in Werken. Ende des 19. Jahrhunderts (mit dem Aufkommen modernistischer Bewegungen) begannen interessante Veränderungen in der Malerei. Die Verfügbarkeit von Kunsterziehung, der Massenwettbewerb und die hohen Anforderungen der Öffentlichkeit (und der Käufer) an die Fähigkeiten der Künstler führen zu neuen Ausdrucksmethoden. Schöne Künste

Künstler beschränken sich nicht mehr nur auf das Niveau der Ausführungstechnik, sondern streben danach, besondere Bedeutungen, Sichtweisen und Philosophien in ihre Werke einzubringen. Was oft auf Kosten des Leistungsniveaus geht, wird zur Spekulation oder zur Methode der Schockierung. Die Vielfalt der aufkommenden Stile, lebhafte Diskussionen und sogar Skandale führen dazu, dass sich das Interesse an neuen Formen der Malerei entwickelt. Moderne computergestützte (digitale) Zeichentechnologien gehören zur Grafik und können nicht als Malerei bezeichnet werden, obwohl es viele gibt

Computerprogramme und Ausrüstung ermöglichen es Ihnen, jede Maltechnik mit Farben vollständig zu wiederholen. Der Name „Staffeleimalerei“ leitet sich von dem Hauptelement oder Werkzeug ab, das bei der Erstellung von Gemälden eine Rolle spielt. Natürlich

wir reden darüber über eine Staffelei, die seltener als Maschine bezeichnet wird. Auf seiner Oberfläche wird eine Leinwand oder ein Blatt Papier befestigt, auf das dann Farbe aufgetragen wird. Unter Staffeleimalerei versteht man alle Gemälde, die derzeit in Museen und Privatsammlungen auf der ganzen Welt erhältlich sind. Daher ist es manchmal schwierig, sich die Anzahl aller Genres und Spielarten vorzustellen, die dieser Art von Kunst zugrunde liegen. Moderne Kunsthistoriker haben beschlossen, die Malerei in verschiedene Untertypen zu unterteilen, die nach der zur Ausführung des Gemäldes verwendeten Technik sowie der Art der verwendeten Farben benannt werden. Dadurch bildete sich eine gewisse Chronologie, denn im Laufe der Zeit erschienen immer mehr Staffeleibilder

Tempera-Staffeleimalerei ist eine komplexe Wissenschaft, die viel Geschick und große Geduld des Meisters erfordert, der das Bild malt. In der Antike wurden Temperafarben mit verschiedenen Naturprodukten gemischt, darunter Eigelb und Eiweiß, Honig, Wein und so weiter. Dieser Komposition wurde sicherlich Wasser zugesetzt, wodurch die Farbe durchnässte und zum Auftragen auf Leinwand geeignet wurde. Nur wenn sie in einzelnen Schichten oder kleinen Strichen aufgetragen würden, könnten schöne und einzigartige Muster entstehen. Daher zeichnet sich die Tempera-Kunst durch klare Linien und Übergänge, klar definierte Grenzen und das Fehlen sanft übergehender Farbtöne aus. Da es sich um Temperafarben handelt, können sie anfangen zu bröckeln. Außerdem sind viele auf Tempera basierende Kunstwerke verblasst und verlieren ihre früheren Farben und Schattierungen.

Die Ölstaffeleimalerei geht auf das 14. Jahrhundert zurück, als Van Jan Eyck zum ersten Mal Öl verwendete, um seine Meisterwerke zu schaffen. werden immer noch von Künstlern aller Welt verwendet, da Sie mit ihrer Hilfe nicht nur Farbübergänge in einem Bild vermitteln, sondern es auch dreidimensional und lebendig machen können. Farben auf Basis natürlicher Öle können in unterschiedlich dicken Schichten aufgetragen, gemischt und für sanfte Farbübergänge verwendet werden. Dadurch kann der Künstler seine Emotionen und Erlebnisse vollständig auf die Leinwand bringen, was das Bild reichhaltig und einzigartig macht.

Aber trotz aller Vorteile verliert Öl mit der Zeit, wie auch Tempera, seine Farbqualitäten. Als Hauptnachteil solcher Farben wird auch das Krakelee angesehen, das auf der Oberfläche der Gemälde auftritt. Beim Übergang von einer Farbe zur anderen können Risse entstehen, die das Bild in ein fragmentiertes „Buntglasfenster“ verwandeln. Deshalb werden in Öl gemalte Staffeleibilder mit Firnis versehen, damit das Gemälde länger in seiner ursprünglichen Form erhalten bleibt.

Die moderne Kunst, die viel vielfältiger und innovativer geworden ist, unterscheidet sich stark von der Kunst vergangener Zeiten. Doch trotz fortschrittlicherer Materialien und Farben wirken die Gemälde unserer Tage nicht so lebendig und voller Emotionen und Erlebnisse wie die Kunstwerke vergangener Jahrhunderte.