Künstler Japans – von der Antike bis zur Gegenwart. Japanische Gemälde: alle Feinheiten der orientalischen Malerei

Das deckt viele Techniken und Stile ab. Im Laufe seiner Geschichte hat es viel erlebt große MengeÄnderungen. Neue Traditionen und Genres kamen hinzu und die ursprünglichen japanischen Prinzipien blieben bestehen. Zusammen mit unglaubliche Geschichte Auch die japanische Malerei ist bereit, viele einzigartige und interessante Fakten zu präsentieren.

Altes Japan

Die ersten Stile tauchen in der ältesten historischen Periode des Landes auf, sogar vor Christus. e. Damals war die Kunst recht primitiv. Zuerst im Jahr 300 v. Chr. Chr. tauchten verschiedene geometrische Formen auf, die mit Stöcken auf Keramik hergestellt wurden. Eine solche Entdeckung durch Archäologen als Verzierung auf Bronzeglocken geht auf eine spätere Zeit zurück.

Etwas später, bereits im Jahr 300 n. Chr. h., erscheinen Höhlenzeichnungen, die viel vielfältiger sind als geometrische Muster. Dabei handelt es sich bereits um vollwertige Bilder mit Bildern. Sie wurden in Krypten gefunden, und wahrscheinlich wurden die Menschen, die darauf gemalt sind, in diesen Grabstätten begraben.

Im 7. Jahrhundert n. Chr e. Japan übernimmt Schriften, die aus China stammen. Etwa zur gleichen Zeit entstanden von dort auch die ersten Gemälde. Dann erscheint die Malerei als eigenständiger Kunstbereich.

Edo

Edo ist bei weitem nicht das erste und nicht das letzte Gemälde, aber es brachte viele neue Dinge in die Kultur. Erstens sind es die Helligkeit und die Farbigkeit, die der üblichen Technik in Schwarz und Weiß hinzugefügt wurden Grautöne. Sotasu gilt als der herausragendste Künstler dieses Stils. Er schuf klassische Gemälde, aber seine Charaktere waren sehr farbenfroh. Später wandte er sich der Natur zu und die meisten seiner Landschaften malte er vor vergoldeten Hintergründen.

Zweitens tauchte während der Edo-Zeit Exotik, das Namban-Genre, auf. Es wurden moderne europäische und chinesische Techniken verwendet, die mit traditionellen japanischen Stilen verknüpft waren.

Und drittens erscheint die Nanga-Schule. Dabei ahmen Künstler zunächst die Werke chinesischer Meister vollständig nach oder kopieren sie sogar. Dann erscheint ein neuer Zweig, der Bunjing genannt wird.

Modernisierungszeit

Die Edo-Zeit weicht der Meiji-Zeit, und nun ist die japanische Malerei dazu gezwungen neue Bühne Entwicklung. Zu dieser Zeit erfreuten sich Genres wie Western und ähnliche Genres auf der ganzen Welt großer Beliebtheit, so dass die Modernisierung der Kunst zu einem alltäglichen Zustand wurde. In Japan, einem Land, in dem alle Menschen Traditionen verehren, war die Situation zu dieser Zeit jedoch deutlich anders als in anderen Ländern. Der Wettbewerb zwischen europäischen und lokalen Technikern ist hier hart.

Die Regierung bevorzugt in dieser Phase junge Künstler, die vielversprechend darin sind, ihre Fähigkeiten zu verbessern westliche Stile. Deshalb schicken sie sie an Schulen in Europa und Amerika.

Dies geschah jedoch erst zu Beginn der Periode. Die Sache ist die berühmte Kritiker Die westliche Kunst wurde recht heftig kritisiert. Um viel Aufregung um dieses Thema zu vermeiden, Europäische Stile und die Techniken begannen, auf Ausstellungen verboten zu werden, ihre Ausstellung hörte auf, ebenso wie ihre Popularität.

Die Entstehung europäischer Stile

Als nächstes kommt die Taisho-Zeit. Zu dieser Zeit verließen junge Künstler das Land, um dort zu studieren ausländische Schulen, kommen zurück in ihre Heimat. Natürlich bringen sie neue Stile japanischer Malerei mit, die den europäischen sehr ähnlich sind. Impressionismus und Postimpressionismus treten auf.

In dieser Phase werden viele Schulen gegründet, in denen alte Japanische Stile. Aber es ist unmöglich, westliche Tendenzen vollständig loszuwerden. Daher müssen wir mehrere Techniken kombinieren, um sowohl Liebhaber der Klassiker als auch Fans der modernen europäischen Malerei zufrieden zu stellen.

Einige Schulen werden vom Staat finanziert, wodurch viele nationale Traditionen bewahrt werden können. Private Eigentümer sind gezwungen, dem Beispiel der Verbraucher zu folgen, die etwas Neues wollten; sie waren der Klassiker überdrüssig.

Gemälde aus dem Zweiten Weltkrieg

Nach Kriegsbeginn blieb die japanische Malerei noch einige Zeit vom Geschehen fern. Es entwickelte sich separat und unabhängig. Aber das konnte nicht ewig so weitergehen.

Mit der Zeit, wenn sich die politische Situation im Land verschlechtert, ziehen hohe und angesehene Persönlichkeiten viele Künstler an. Einige von ihnen begannen bereits zu Beginn des Krieges, im patriotischen Stil zu kreieren. Der Rest beginnt diesen Prozess nur auf Anordnung der Behörden.

Dementsprechend Japanisch Kunst während des Zweiten Weltkriegs war es unmöglich. Daher kann es für die Malerei als stagnierend bezeichnet werden.

Ewiges Suibokuga

Japanische Sumi-e-Malerei oder Suibokuga bedeutet wörtlich „Tuschemalerei“. Dies bestimmt den Stil und die Technik dieser Kunst. Es kam aus China, aber die Japaner beschlossen, es ihr Eigen zu nennen. Und zunächst hatte die Technik keine ästhetische Seite. Es wurde von Mönchen zur Selbstverbesserung während des Zen-Studiums verwendet. Darüber hinaus zeichneten sie zunächst Bilder und trainierten anschließend beim Betrachten ihre Konzentration. Die Mönche glaubten, dass strenge Linien, verschwommene Töne und Schatten – alles, was man Monochrom nennt – zur Verbesserung beitragen.

Die japanische Tuschemalerei ist trotz der großen Vielfalt an Gemälden und Techniken nicht so komplex, wie es auf den ersten Blick erscheinen mag. Es basiert auf nur 4 Diagrammen:

1. Chrysantheme.
2. Orchidee.
3. Pflaumenzweig.
4. Bambus.

Eine kleine Anzahl von Plots macht die Beherrschung der Technik nicht schnell. Manche Meister glauben, dass Lernen ein Leben lang dauert.

Obwohl Sumi-e schon vor langer Zeit auf den Markt kam, ist es immer gefragt. Darüber hinaus kann man heute Meister dieser Schule nicht nur in Japan treffen, sie ist weit über die Grenzen Japans hinaus verbreitet.

Moderne Zeit

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs blühte die Kunst in Japan nur noch auf Großstädte, Dorfbewohner und Dorfbewohner genug Sorgen. Meistens versuchten die Künstler, sich von den Verlusten der Kriegszeit abzuwenden und das moderne Stadtleben mit all seinen Verzierungen und Besonderheiten auf Leinwand darzustellen. Europäische und amerikanische Ideen wurden erfolgreich übernommen, doch dieser Zustand hielt nicht lange an. Viele Meister wandten sich allmählich von ihnen ab und hin zu japanischen Schulen.

Immer in Mode geblieben. Daher kann sich die moderne japanische Malerei nur in der Ausführungstechnik oder den dabei verwendeten Materialien unterscheiden. Aber die meisten Künstler nehmen verschiedene Innovationen nicht gut wahr.

Es ist unmöglich, das Modische nicht zu erwähnen moderne Subkulturen, wie Anime und ähnliche Stile. Viele Künstler versuchen, die Grenze zwischen den Klassikern und dem, was heute gefragt ist, zu verwischen. Dieser Zustand ist größtenteils auf den Handel zurückzuführen. Klassiker und traditionelle Genres werden praktisch nicht gekauft, daher ist es unrentabel, als Künstler in Ihrem Lieblingsgenre zu arbeiten, Sie müssen sich an die Mode anpassen.

Abschluss

Zweifellos ist die japanische Malerei eine Schatzkammer der bildenden Kunst. Vielleicht war das betreffende Land das einzige, das nicht den westlichen Trends folgte und sich nicht an die Mode anpasste. Trotz vieler Rückschläge während der Einführung neuer Techniken konnten sich japanische Künstler immer noch verteidigen nationale Traditionen in vielen Genres. Dies ist wahrscheinlich der Grund, warum Gemälde im klassischen Stil heute auf Ausstellungen einen hohen Stellenwert haben.

Jedes Land hat seine eigenen Helden der zeitgenössischen Kunst, deren Namen bekannt sind, deren Ausstellungen Scharen von Fans und Neugierigen anziehen und deren Werke an Privatsammlungen verkauft werden.

In diesem Artikel stellen wir Ihnen die beliebtesten vor zeitgenössische Künstler Japan.

Keiko Tanabe

Keiko wurde in Kyoto geboren und errang als Kind viele Siege. Kunstwettbewerbe, Aber Hochschulbildung Im Bereich der Kunst habe ich es überhaupt nicht verstanden. Habe in der Abteilung gearbeitet internationale Beziehungen auf Japanisch Handelsorganisation Kommunalverwaltung in Tokio, eine große Anwaltskanzlei in San Francisco und eine Privatkanzlei Beratungsunternehmen in San Diego, viel gereist. Ab 2003 gab sie ihren Job auf und widmete sich nach dem Studium der Grundlagen der Aquarellmalerei in San Diego ausschließlich der Kunst.

Ikenaga Yasunari

Der japanische Künstler Ikenaga Yasunari malt Porträts moderne Frauen in der alten japanischen Maltradition, bei der ein Menso-Pinsel, Mineralpigmente, Ruß, Tinte und Leinen als Basis verwendet werden. Seine Charaktere sind Frauen unserer Zeit, aber dank Nihongas Stil hat man das Gefühl, dass sie seit undenklichen Zeiten zu uns gekommen sind.

Abe Toshiyuki

Abe Toshiyuki ist ein realistischer Künstler, der es beherrscht Aquarelltechnik. Abe kann als Künstler-Philosoph bezeichnet werden: Er malt grundsätzlich keine bekannten Wahrzeichen, sondern bevorzugt subjektive Kompositionen, die die inneren Zustände des Betrachters widerspiegeln.

Hiroko Sakai

Die Karriere der Künstlerin Hiroko Sakai begann Anfang der 90er Jahre in der Stadt Fukuoka. Nach ihrem Abschluss in Design und Visualisierung an der Seinan-Gakuin-Universität und der französischen Nihon School of Interior Design gründete sie Atelier Yume-Tsumugi Ltd. und leitete dieses Studio 5 Jahre lang erfolgreich. Viele ihrer Werke schmücken Krankenhauslobbys und Büros. Große Unternehmen und einige städtische Gebäude in Japan. Nach ihrem Umzug in die Vereinigten Staaten begann Hiroko, in Öl zu malen.

Riusuke Fukahori

Riusuki Fukahoris dreidimensionale Arbeiten ähneln Hologrammen. Sie bestehen aus mehreren Schichten Acrylfarbe und transparenter Harzflüssigkeit – all dies, ohne traditionelle Methoden wie das Zeichnen von Schatten, das Weichzeichnen von Kanten und die Kontrolle der Transparenz auszuschließen, ermöglicht es Riusuki, skulpturale Gemälde zu schaffen und verleiht den Werken Tiefe und Realismus.

Natsuki Otani

Natsuki Otani ist ein talentierter japanischer Illustrator, der in England lebt und arbeitet.

Makoto Muramatsu

Als Grundlage für seine Kreativität wählte Makoto Muramatsu ein Win-Win-Thema – er zeichnet Katzen. Seine Bilder erfreuen sich auf der ganzen Welt großer Beliebtheit, insbesondere in Form von Puzzles.

Tetsuya Mishima

Die meisten Gemälde des zeitgenössischen japanischen Künstlers Mishima sind in Öl gemalt. Sie malt seit den 90er Jahren professionell und hatte mehrere Einzelausstellungen und eine große Anzahl japanischer und ausländischer Gemeinschaftsausstellungen.

Die japanische Malerei ist eine absolut einzigartige Bewegung in der Weltkunst. Es existiert seit der Antike, aber als Tradition hat es nicht an Popularität und Überraschungsfähigkeit verloren.

Aufmerksamkeit für Traditionen

Der Osten besteht nicht nur aus Landschaften, Bergen und aufgehende Sonne. Dies sind auch die Menschen, die seine Geschichte geschaffen haben. Es sind diese Menschen, die seit vielen Jahrhunderten die Tradition der japanischen Malerei unterstützen und ihre Kunst weiterentwickeln und verbessern. Diejenigen, die einen bedeutenden Beitrag zur Geschichte geleistet haben, sind japanische Künstler. Dank ihnen haben die modernen alle Kanons der traditionellen japanischen Malerei bewahrt.

Art der Ausführung von Gemälden

Im Gegensatz zu Europa zogen es japanische Künstler vor, eher an der Grafik als an der Malerei zu malen. In solchen Gemälden findet man nicht die groben, nachlässigen Ölstriche, die für die Impressionisten so charakteristisch sind. Was ist die grafische Natur von Kunstwerken wie japanischen Bäumen, Felsen, Tieren und Vögeln? Alles in diesen Gemälden ist so klar wie möglich gezeichnet, mit soliden und sicheren Tuschelinien. Alle Objekte in der Komposition müssen einen Umriss haben. Das Ausfüllen innerhalb der Kontur erfolgt normalerweise mit Wasserfarben. Die Farbe wird ausgewaschen, andere Farbtöne kommen hinzu und irgendwo bleibt die Farbe des Papiers übrig. Der dekorative Charakter ist genau das, was japanische Gemälde von der Kunst der ganzen Welt unterscheidet.

Kontraste in der Malerei

Kontrast ist eine weitere charakteristische Technik japanischer Künstler. Dies kann ein Unterschied im Ton, in der Farbe oder im Kontrast zwischen warmen und kühlen Farbtönen sein.

Der Künstler greift auf diese Technik zurück, wenn er ein Element des Motivs hervorheben möchte. Dies kann eine Ader einer Pflanze, ein einzelnes Blütenblatt oder ein Baumstamm am Himmel sein. Dann werden der helle, beleuchtete Teil des Objekts und der Schatten darunter dargestellt (oder umgekehrt).

Übergänge und Farblösungen

Beim Malen japanischer Gemälde werden häufig Übergänge verwendet. Sie können unterschiedlich sein: zum Beispiel von einer Farbe zur anderen. Auf den Blütenblättern von Seerosen und Pfingstrosen können Sie einen Übergang von einem hellen Farbton zu einer satten, hellen Farbe erkennen.

Auch im Bild der Wasseroberfläche und des Himmels werden Übergänge verwendet. Der sanfte Übergang vom Sonnenuntergang zur dunklen, immer tiefer werdenden Dämmerung sieht sehr schön aus. Beim Zeichnen von Wolken werden auch Übergänge aus verschiedenen Schattierungen und Reflexen verwendet.

Grundmotive der japanischen Malerei

In der Kunst ist alles miteinander verbunden wahres Leben, mit den Gefühlen und Emotionen der Beteiligten. Wie in der Literatur, der Musik und anderen Ausdrucksformen der Kreativität gibt es auch in der Malerei mehrere ewige Themen. Dabei handelt es sich um historische Sujets, Menschen- und Naturbilder.

Japanische Landschaften gibt es in vielen Variationen. In Gemälden finden sich oft Bilder von Teichen – einem Lieblingsmöbelstück der Japaner. Zierteich, mehrere Seerosen und Bambus in der Nähe – so sieht es aus gewöhnliches Bild 17.-18. Jahrhundert.

Tiere in der japanischen Malerei

Auch in der asiatischen Malerei sind Tiere ein häufig wiederkehrendes Element. Traditionell handelt es sich dabei um einen umherstreifenden Tiger oder eine Hauskatze. Im Allgemeinen sind Asiaten sehr beliebt und daher finden sich ihre Vertreter in allen Formen orientalischer Kunst.

Die Welt der Fauna ist ein weiteres Thema, dem sich die japanische Malerei widmet. Vögel – Kraniche, Zierpapageien, luxuriöse Pfauen, Schwalben, unauffällige Spatzen und sogar Hähne – sie alle finden sich in den Zeichnungen orientalischer Meister.

Fische sind ein ebenso relevantes Thema für japanische Künstler. Koi-Karpfen sind die japanische Version von Goldfischen. Diese Lebewesen leben in Asien in allen Teichen, auch in kleinen Parks und Gärten. Koi-Karpfen sind eine Tradition, die speziell aus Japan stammt. Diese Fische symbolisieren Kampf, Entschlossenheit und das Erreichen Ihres Ziels. Nicht umsonst werden sie mit der Strömung schwebend dargestellt, stets mit dekorativen Wellenkämmen.

Japanische Gemälde: Darstellung von Menschen

Ein besonderes Thema sind Menschen in der japanischen Malerei. Künstler stellten Geishas, ​​Kaiser, Krieger und Älteste dar.

Geishas werden von Blumen umgeben dargestellt und tragen stets aufwendige Gewänder mit vielen Falten und Elementen.

Weise werden dargestellt, wie sie sitzen oder ihren Schülern etwas erklären. Das Bild des alten Wissenschaftlers ist ein Symbol für die Geschichte, Kultur und Philosophie Asiens.

Der Krieger wurde als beeindruckend, manchmal furchteinflößend dargestellt. Die langen waren detailliert gezeichnet und sahen aus wie Draht.

Normalerweise werden alle Details der Rüstung mit Tinte geklärt. Nackte Krieger sind oft mit Tätowierungen geschmückt, die einen östlichen Drachen darstellen. Es ist ein Symbol für Stärke und Militärmacht Japan.

Herrscher wurden für kaiserliche Familien dargestellt. Wunderschöne Roben, Verzierungen im Haar von Männern sind das, wovon solche Kunstwerke wimmeln.

Landschaften

Traditionelle japanische Landschaft - Berge. Asiatischen Malern ist es gelungen, eine Vielzahl von Landschaften darzustellen: Sie können den gleichen Gipfel darstellen verschiedene Farben, mit einer anderen Atmosphäre. Das Einzige, was unverändert bleibt, ist die obligatorische Anwesenheit von Blumen. Normalerweise stellt der Künstler neben Bergen auch eine Art Pflanze dar Vordergrund und zeichnet es im Detail. Die Berge und Kirschblüten. Und wenn sie fallende Blütenblätter malen, weckt das Bild Bewunderung für seine traurige Schönheit. Der Kontrast in der Atmosphäre des Bildes ist eine weitere wunderbare Eigenschaft der japanischen Kultur.

Hieroglyphen

Oftmals wird die Komposition eines Bildes in der japanischen Malerei mit Schrift kombiniert. Die Hieroglyphen sind so angeordnet, dass sie kompositorisch schön aussehen. Sie werden normalerweise links oder rechts vom Gemälde gezeichnet. Hieroglyphen können darstellen, was auf dem Gemälde dargestellt ist, seinen Titel oder den Namen des Künstlers.

Japan ist eines der reichsten Länder an Geschichte und Kultur. Überall auf der Welt gelten die Japaner allgemein als pedantische Menschen, die in absolut allen Erscheinungsformen des Lebens Ästhetik finden. Daher sind japanische Gemälde in Farbe und Ton immer sehr harmonisch: Wenn es helle Farbtupfer gibt, dann nur in den semantischen Zentren. Am Beispiel von Gemälden asiatischer Künstler können Sie Farbtheorie, die richtige Darstellung von Formen durch Grafiken und Komposition studieren. Die Ausführungstechnik japanischer Gemälde ist so hoch, dass sie als Beispiel für die Arbeit mit Aquarellen und das „Waschen“ grafischer Werke dienen kann.

Guten Tag, liebe Leser– Sucher nach Wissen und Wahrheit!

Japanische Künstler haben einen einzigartigen Stil, der von ganzen Generationen von Meistern verfeinert wurde. Heute sprechen wir über die bedeutendsten Vertreter der japanischen Malerei und ihre Gemälde von der Antike bis zur Neuzeit.

Tauchen wir ein in die Kunst des Landes der aufgehenden Sonne.

Die Geburt der Kunst

Die alte Kunst der Malerei in Japan ist in erster Linie mit den Besonderheiten der Schrift verbunden und baut daher auf den Grundlagen der Kalligraphie auf. Zu den ersten Proben gehören Fragmente von Bronzeglocken, Geschirr und Haushaltsgegenständen, die bei Ausgrabungen gefunden wurden. Viele von ihnen wurden mit Naturfarben bemalt und Untersuchungen lassen vermuten, dass die Produkte vor 300 v. Chr. hergestellt wurden.

Mit der Ankunft in Japan begann eine neue Runde der Kunstentwicklung. Bilder von Gottheiten des buddhistischen Pantheons, Szenen aus dem Leben des Lehrers und seiner Anhänger wurden auf Emakimono – spezielle Papierrollen – aufgebracht.

Die Vorherrschaft religiöser Themen in der Malerei ist erkennbar an mittelalterliches Japan, nämlich vom X. bis zum XV. Jahrhundert. Die Namen der Künstler dieser Zeit sind leider bis heute nicht erhalten.

Im Zeitraum des 15.-18. Jahrhunderts begann eine neue Zeit, die durch das Aufkommen von Künstlern mit einem entwickelten individuellen Stil gekennzeichnet war. Sie skizzierten den Vektor für die Weiterentwicklung der bildenden Kunst.

Helle Vertreter der Vergangenheit

Angespanntes Xubun (frühes 15. Jahrhundert)

Um ein herausragender Meister zu werden, studierte Xiubun die Schreibtechniken der chinesischen Song-Künstler und ihre Werke. Anschließend wurde er einer der Begründer der Malerei in Japan und der Schöpfer von Sumi-e.

Sumi-e ist ein Kunststil, der auf dem Zeichnen mit Tinte, also einer Farbe, basiert.

Xubun hat viel dazu beigetragen ein neuer Stil hat in künstlerischen Kreisen Fuß gefasst. Er unterrichtete andere Talente, auch zukünftige berühmte Maler, zum Beispiel Sesshu.

Am meisten beliebtes Gemälde Syubuna wird „Lesen im Bambushain“ genannt.

„Lesen im Bambushain“ von Tense Xubun

Hasegawa Tohaku (1539–1610)

Er wurde der Gründer einer nach ihm benannten Schule – Hasegawa. Zunächst versuchte er, den Kanons der Kano-Schule zu folgen, doch nach und nach zeichnete sich in seinen Werken seine individuelle „Handschrift“ ab. Tohaku wurde von Sesshu-Grafiken geleitet.

Grundlage der Werke waren einfache, lakonische, aber realistische Landschaften mit einfachen Titeln:

• „Kiefern“;
• "Ahorn";
• „Kiefern und blühende Pflanzen.“

„Pines“ von Hasegawa Tohaku

Brüder Ogata Korin (1658–1716) und Ogata Kenzan (1663–1743)

Die Brüder waren hervorragende Handwerker des 18. Jahrhunderts. Der Älteste, Ogata Korin, widmete sich ganz der Malerei und begründete das Rimpa-Genre. Er vermied stereotype Bilder und bevorzugte das impressionistische Genre.

Ogata Korin malte die Natur im Allgemeinen und Blumen im Besonderen in Form leuchtender Abstraktionen. Seine Pinsel gehören zu den Gemälden:

• „Pflaumenblüte rot und weiß“;
• „Wellen von Matsushima“;
• „Chrysanthemen“.

„Wellen von Matsushima“ von Ogata Korin

Der jüngere Bruder, Ogata Kenzan, hatte viele Pseudonyme. Obwohl er sich mit der Malerei beschäftigte, war er eher als wunderbarer Keramiker bekannt.

Ogata Kenzan beherrschte viele Techniken zur Herstellung von Keramik. Er zeichnete sich durch einen ungewöhnlichen Ansatz aus, beispielsweise schuf er Teller in Form eines Quadrats.

Seine eigene Malerei zeichnete sich nicht durch Pracht aus – das war auch seine Besonderheit. Er liebte es, auf seinen Gegenständen rollenartige Kalligraphien oder Auszüge aus Gedichten anzubringen. Manchmal arbeiteten sie mit ihrem Bruder zusammen.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Er schuf im Stil von Ukiyo-e – einer Art Holzschnitt, also Gravurmalerei. Im Laufe seiner gesamten Karriere änderte er etwa 30 Namen. Berühmtes Werk – « Eine große Welle in Kanagawa“, wodurch er außerhalb seines Heimatlandes berühmt wurde.

„Die große Welle vor Kanagawa“ von Hokusai Katsushika

Hokusai begann nach seinem 60. Lebensjahr besonders hart zu arbeiten, was gute Ergebnisse brachte. Van Gogh, Monet und Renoir waren mit seinem Werk vertraut und es beeinflusste in gewissem Maße die Arbeit europäischer Meister.

Ando Hiroshige (1791-1858)

Ein von größten Künstler 19. Jahrhundert. Er wurde in Edo geboren, lebte und arbeitete, führte die Arbeit von Hokusai fort und ließ sich von seinen Werken inspirieren. Die Art und Weise, wie er die Natur darstellte, ist fast ebenso beeindruckend wie die Anzahl der Werke selbst.

Edo ist der frühere Name von Tokio.

Hier einige Zahlen zu seinem Werk, die durch eine Reihe von Gemälden dargestellt werden:

• 5,5 Tausend – die Anzahl aller Gravuren;
• „100 Ansichten von Edo;
• „36 Ansichten von Fuji“;
• „69 Stationen von Kisokaido“;
• „53 Stationen des Tokaido.“

Gemälde von Ando Hiroshige

Interessanterweise malte der berühmte Van Gogh einige Kopien seiner Stiche.

Modernität

Takashi Murakami

Als Künstler, Bildhauer und Bekleidungsdesigner machte er sich bereits Ende des 20. Jahrhunderts einen Namen. In der Kreativität hält er an Modetrends mit klassischen Elementen und lässt sich von Anime- und Manga-Cartoons inspirieren.

Gemälde von Takashi Murakami

Die Werke von Takashi Murakami gelten als Subkultur, sind aber gleichzeitig unglaublich beliebt. Beispielsweise wurde 2008 eines seiner Werke für mehr als 15 Millionen Dollar versteigert. Der moderne Schöpfer arbeitete einst mit den Modehäusern Marc Jacobs und Louis Vuitton zusammen.

Ruhiges Ashima

Als Kollegin des vorherigen Künstlers schafft sie moderne surreale Gemälde. Sie zeigen Ansichten von Städten, Straßen von Großstädten und Kreaturen wie aus einem anderen Universum – Geister, böse Geister, außerirdische Mädchen. Im Hintergrund von Gemälden erkennt man oft die unberührte, manchmal sogar beängstigende Natur.

Ihre Gemälde erreichen große Formate und beschränken sich selten auf Papiermedien. Sie werden auf Leder und Kunststoffmaterialien übertragen.

Im Jahr 2006 schuf eine Frau im Rahmen einer Ausstellung in der britischen Hauptstadt etwa 20 Bogenkonstruktionen, die Tag und Nacht die Schönheit der Natur des Dorfes und der Stadt widerspiegelten. Einer von ihnen schmückte eine U-Bahn-Station.

Hallo Arakawa

Der junge Mann kann nicht nur als Künstler im klassischen Sinne des Wortes bezeichnet werden – er schafft Installationen, die in der Kunst des 21. Jahrhunderts so beliebt sind. Die Themen seiner Ausstellungen sind wahrhaft japanisch und berühren freundschaftliche Beziehungen sowie die Arbeit des gesamten Teams.

Hei Arakawa nimmt häufig an verschiedenen Biennalen teil, beispielsweise in Venedig, und stellt im Museum aus zeitgenössische Kunst erhält in seiner Heimat zu Recht diverse Auszeichnungen.

Ikenaga Yasunari

Dem zeitgenössischen Maler Ikenaga Yasunari gelang es, zwei scheinbar unvereinbare Dinge zu verbinden: das Leben moderner Mädchen in Porträtform und traditionelle japanische Techniken aus der Antike. Bei seiner Arbeit verwendet der Maler spezielle Pinsel, natürlich pigmentierte Farben, Tinte und Kohle. Anstelle des üblichen Leinenstoffs - Leinenstoff.

Gemälde von Ikenaga Yasunari

Eine ähnliche Technik der Gegenüberstellung der dargestellten Epoche und Aussehen Die Heldinnen erwecken den Eindruck, als wären sie aus der Vergangenheit zu uns zurückgekehrt.

Beliebt in In letzter Zeit In der Online-Community wurde auch eine Reihe von Gemälden über die Komplexität des Lebens eines Krokodils vom japanischen Cartoonisten Keigo geschaffen.

Abschluss

Die japanische Malerei begann also etwa im 3. Jahrhundert v. Chr. und hat sich seitdem stark verändert. Die ersten Bilder wurden auf Keramik aufgebracht, dann dominierten buddhistische Motive in der Kunst, doch die Namen der Autoren sind bis heute nicht erhalten.

In der Neuzeit erlangten die Meister des Pinsels immer mehr Individualität, schufen verschiedene Richtungen, Schulen. Die heutige bildende Kunst beschränkt sich nicht nur auf die traditionelle Malerei – es kommen Installationen, Karikaturen, künstlerische Skulpturen und besondere Strukturen zum Einsatz.

Vielen Dank für Ihre Aufmerksamkeit, liebe Leser! Wir hoffen, dass Sie unseren Artikel mit Geschichten über Leben und Kreativität hilfreich fanden die klügsten Vertreter Durch die Kunst konnten wir sie besser kennenlernen.

Natürlich ist es schwierig, in einem Artikel über alle Künstler von der Antike bis zur Gegenwart zu sprechen. Lassen Sie dies daher den ersten Schritt zum Verständnis der japanischen Malerei sein.

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mögen Sie Japanische Malerei? Wie viel wissen Sie über berühmte Persönlichkeiten? Japanische Künstler? Lassen Sie uns in diesem Artikel am meisten darüber nachdenken berühmte Künstler Japan, das seine Werke im Ukiyo-e-Stil (浮世絵) schuf. Dieser Malstil entwickelte sich ab der Edo-Zeit. Die zum Schreiben dieses Stils verwendeten Hieroglyphen 浮世絵 bedeuten wörtlich „Bilder (Bilder) einer sich verändernden Welt“, Sie können mehr über diese Richtung der Malerei lesen

Hishikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Gilt als Begründer des Ukiyo-e-Genres, obwohl er tatsächlich nur der erste Meister ist, dessen Leben erhalten geblieben ist biografische Informationen. Moronobu wurde in eine Familie von Meistern im Färben von Stoffen und im Sticken mit Gold- und Silberfäden hineingeboren lange Zeit beschäftigte sich mit dem Familienhandwerk, daher ist ein besonderes Merkmal seiner Arbeit die wunderschön verzierte Kleidung von Schönheiten, die einen wunderbaren künstlerischen Effekt ergibt.

Nach seinem Umzug nach Edo studierte er zunächst selbständig Maltechniken und setzte sein Studium dann beim Künstler Kambun fort.

Überwiegend sind uns Moronobus Alben überliefert, in denen er historische und historische Darstellungen darstellt literarische Themen und Bücher mit Kimonomustern. Der Meister arbeitete auch im Shunga-Genre, und unter einzelnen Werken sind mehrere mit der Darstellung schöner Frauen erhalten.

(鳥居清長, 1752-1815). Der Ende des 18. Jahrhunderts anerkannte Meister Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei) trug das Pseudonym Torii Kiyonaga, das er annahm, als er nach dessen Tod Toriis Ukiyo-e-Schule von Torii Kiyomitsu erbte.

Kiyonaga wurde in die Familie der Buchhändlerin Shirakoya Ishibei hineingeboren. Das Bijinga-Genre brachte ihm den größten Ruhm, obwohl er mit Yakusha-e begann. Es wurden Motive für Stiche im Bijinga-Genre übernommen Alltagsleben: Spaziergänge, festliche Umzüge, Ausflüge in die Natur. Unter den zahlreichen Werken des Künstlers stechen die Serie „Wettbewerbe modischer Schönheiten aus fröhlichen Vierteln“, die Minami, eines der „lustigen Viertel“ im Süden von Edo, darstellt, und „12 Porträts“ hervor Südliche Schönheiten„, „10 Arten von Teeläden.“ Besonderheit Der Meister war eine detaillierte Studie der Hintergrundansicht und der Verwendung von Techniken, die aus dem Westen kamen, um Licht und Raum darzustellen.

Kiyonaga erlangte ersten Ruhm mit der Wiederaufnahme der Serie „Fashion Samples: Models New as Spring Leaves“ im Jahr 1782, die Koryusai in den 1770er Jahren für den Verleger Nishimarai Yohachi begonnen hatte.

(喜多川歌麿, 1753-1806). Dieser herausragende Ukiyo-e-Meister wurde maßgeblich von Torii Kiyonaga und dem Verleger Tsutaya Juzaburo beeinflusst. Als Ergebnis der langjährigen Zusammenarbeit mit letzterem wurden zahlreiche Alben, Bücher mit Illustrationen und Stichserien veröffentlicht.

Trotz der Tatsache, dass Utamaro Themen aus dem Leben einfacher Handwerker aufgriff und versuchte, die Natur darzustellen („Das Buch der Insekten“), erlangte er Berühmtheit als Künstler von Werken, die den Geishas des Yoshiwara-Viertels gewidmet waren („Yoshiwara Green Houses Yearbook“) “).

Utamaro erreicht hohes Level beim Ausdrücken mentaler Zustände auf Papier. Zum ersten Mal in japanischen Holzschnitten begann er, Büstenkompositionen zu verwenden.

Es war Utamaros Kreativität, die ihn beeinflusste Französische Impressionisten und trug zum europäischen Interesse an japanischen Drucken bei.

(葛飾北斎, 1760-1849). Hokusais richtiger Name ist Tokitaro. Wahrscheinlich der bekannteste Ukiyo-e-Meister der Welt. Im Laufe seiner Karriere nutzte er über dreißig Pseudonyme. Historiker verwenden häufig Pseudonyme, um sein Werk zu periodisieren.

Zunächst arbeitete Hokusai als Schnitzer, dessen Arbeit durch die Absichten des Künstlers begrenzt war. Diese Tatsache belastete Hokusai schwer und er begann, sich als unabhängiger Künstler zu profilieren.

1778 wurde er Lehrling im Atelier Katsukawa Shunsho, das sich auf Yakusha-e-Drucke spezialisierte. Hokusai war sowohl ein talentierter als auch sehr fleißiger Schüler, der seinem Lehrer stets Respekt entgegenbrachte und daher die besondere Gunst von Shunsho genoss. So entstanden Hokusais erste unabhängige Werke im Yakusha-e-Genre in Form von Diptychen und Triptychen, und die Popularität des Schülers entsprach der Popularität des Lehrers. Zu diesem Zeitpunkt hatte der junge Meister sein Talent bereits so weit entwickelt, dass er sich innerhalb einer Schule eingeengt fühlte, und nach dem Tod seines Lehrers verließ Hokusai das Studio und studierte die Richtungen anderer Schulen: Kano, Sotatsu (sonst Koetsu), Rimpa, Tosa.

In dieser Zeit geriet der Künstler in erhebliche finanzielle Schwierigkeiten. Doch gleichzeitig vollzieht sich seine Ausbildung zum Meister, der sich vom gewohnten Bild der Gesellschaft ablehnt und nach einem eigenen Stil sucht.

Im Jahr 1795 erblickten Illustrationen für die poetische Anthologie „Keka Edo Murasaki“ das Licht der Welt. Dann malte Hokusai Surimono-Gemälde, die sofort populär wurden und viele Künstler begannen, sie nachzuahmen.

Ab dieser Zeit begann Tokitaro, seine Werke mit dem Namen Hokusai zu signieren, obwohl einige seiner Werke unter den Pseudonymen Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek veröffentlicht wurden.

Im Jahr 1800 begann der Meister, sich Gakejin Hokusai zu nennen, was „verrückter Hokusai der Malerei“ bedeutete.

Zu den berühmten Illustrationsserien gehören „36 Ansichten des Berges Fuji“, von denen „Victory Wind“ am bemerkenswertesten ist. Clear Day“ oder „Red Fuji“ und „The Great Wave off Kanagawa“, „100 Views of Mount Fuji“, veröffentlicht in drei Alben, „Hokusais Manga“ (北斎漫画), das als „Enzyklopädie des japanischen Volkes“ bezeichnet wird. " Der Künstler hat in „Manga“ all seine Ansichten zu Kreativität und Philosophie eingebracht. „Manga“ ist die wichtigste Quelle das Leben Japans zu dieser Zeit zu studieren, da es viele Menschen umfasst kulturelle Aspekte. Zu Lebzeiten des Künstlers erschienen insgesamt zwölf Ausgaben, nach seinem Tod drei weitere:

* 1815 - II, III

* 1817 - VI, VII

* 1849 - XIII (nach dem Tod des Künstlers)

Hokusais Kunst beeinflusste solche Europäische Reiseziele, wie Jugendstil und französischer Impressionismus.

(河鍋暁斎, 1831 -1889). Benutzte die Pseudonyme Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin und studierte an der Kano-Schule.

Im Gegensatz zu Hokusai war Kyosai ziemlich frech, was zu seinem Streit mit dem Künstler Tsuboyama Tozan führte. Nach der Schule wurde er selbständiger Meister, obwohl er zeitweise noch weitere fünf Jahre die Schule besuchte. Damals malte er Kyoga, die sogenannten „verrückten Gemälde“.

Zu den herausragenden Gravurwerken zählen die Hundert Gemälde von Kyosai. Als Illustrator erstellt Kyosai in Zusammenarbeit mit anderen Künstlern Bilder für Kurzgeschichten und Romane.

Ende des 19. Jahrhunderts besuchten Europäer häufig Japan. Der Künstler kannte einige davon und mehrere seiner Werke befinden sich heute im British Museum.

(歌川広重, 1797-1858). Er arbeitete unter dem Pseudonym Ando Hiroshige (安藤広重) und ist bekannt für seine subtile Darstellung natürlicher Motive und Naturphänomene. Im Alter von zehn Jahren malte er sein erstes Gemälde „Der Fuji im Schnee“, das heute im Suntory Museum in Tokio aufbewahrt wird. Fächer frühe Arbeiten basierend auf realen Ereignissen auf der Straße. Seine berühmten Zyklen: „100 Ansichten von Edo“, „36 Ansichten des Berges Fuji“, „53 Tokaido-Stationen“, „69 Kimokaido-Stationen“, „100 bekannte Arten Edo. Monet und der russische Künstler Bilibin wurden beeinflusst großer Einfluss„Die 53 Stationen der Tokaido-Straße“, geschrieben nach einer Reise entlang der Ostküstenstraße, sowie „100 Ansichten von Edo“. Aus der Serie im Kate-ga-Genre mit 25 Stichen ist das Blatt „Spatzen über einer schneebedeckten Kamelie“ das bekannteste.

(歌川国貞, auch bekannt als Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Einer der meisten herausragende Künstler ukiyo-e.

Besonderes Augenmerk legte er auf Kabuki-Schauspieler und das Theater selbst – das sind etwa 60 % aller Werke. Bekannt sind auch Werke des Bijinga-Genres und Porträts von Sumo-Ringern. Es ist bekannt, dass er 20 bis 25.000 Parzellen erstellt hat, darunter 35.000 bis 40.000 Blätter. Er wandte sich selten Landschaften und Kriegern zu. Utagawa Kuniyoshi (歌川 国芳, 1798 – 1861). Geboren in die Familie eines Seidenfärbers. Kuniyoshi begann im Alter von zehn Jahren das Zeichnen zu lernen, als er bei der Künstlerfamilie Kuninao lebte. Anschließend setzte er sein Studium bei Katsukawa Shun'ei fort und trat im Alter von 13 Jahren zum Lernen in die Tokuyoni-Werkstatt ein. Die ersten Jahre junger Künstler Es läuft nicht gut. Doch nachdem der Verleger Kagaya Kichibei einen Auftrag über fünf Drucke für die Serie „108 Suikoden Heroes“ erhielt, ging es los. Er erschafft die restlichen Charaktere der Serie und geht dann zu verschiedenen anderen Werken über, und nach fünfzehn Jahren steht er auf Augenhöhe mit Utagawa Hiroshige und Utagawa Kunisada.

Nach dem Bilderverbot von 1842 Theaterszenen, Schauspieler, Geishas und Kurtisanen, Kuniyoshi schreibt seine „Katzen“-Serie, fertigt Stiche aus einer pädagogischen Serie für Hausfrauen und Kinder an, schildert Nationalhelden In der Serie „Traditionen, Moral und Anstand“ kehrte der Künstler in den späten 1840er und frühen 1850er Jahren nach der Lockerung der Verbote zum Thema Kabuki zurück.

(渓斎英泉, 1790-1848). Bekannt für seine Werke im Bijinga-Genre. In seinem beste Werke enthält Porträts vom Okubi-e-Typ („ größe Köpfe"), die als Beispiele der Handwerkskunst der Bunsei-Ära (1818-1830) gelten, als das Ukiyo-e-Genre im Niedergang begriffen war. Der Künstler malte viele lyrische und erotische Surimono sowie einen Landschaftszyklus „Neunundsechzig Stationen von Kisokaido“, den er nicht vollenden konnte und der von Hiroshige fertiggestellt wurde.

Die Neuheit in der Darstellung von Bijinga lag in einer Sinnlichkeit, die man zuvor bei anderen Künstlern nicht gesehen hatte. Aus seinen Werken können wir die Mode dieser Zeit verstehen. Er veröffentlichte auch Biografien des „Forty-Seven Ronin“ und schrieb mehrere andere Bücher, darunter „The History of Ukiyo-e Printings“ (Ukiyo-e ruiko), die Biografien von Künstlern enthielten. Und in „Notizen eines namenlosen Ältesten“ beschrieb er sich selbst als verdorbenen Trunkenbold und vorheriger Besitzer ein Bordell in Nedzu, das in den 1830er Jahren bis auf die Grundmauern niederbrannte.

Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Der wirkliche Name des Künstlers ist Hozumi Jirobei. Er ist der Entdecker des Ukiyo-e-Polychromdrucks. Er besuchte die Kano-Schule und studierte Malerei. Dann, unter dem Einfluss von Shigenaga Nishimura und Torii Kiyomitsu, wurde der Holzschnitt zu seinem Hobby. Seit Beginn des 18. Jahrhunderts wurden Drucke in zwei oder drei Farben angefertigt, und Harunobu begann, in zehn Farben zu malen, wobei er drei Bretter verwendete und drei Farben kombinierte – Gelb, Blau und Rot.

Er zeichnete sich durch die Darstellung von Straßenszenen und Gemälden im Shunga-Genre aus. Und ab den 1760er Jahren war er einer der ersten, der Kabuki-Schauspieler porträtierte. Seine Werke beeinflussten E. Manet und E. Degas.

(小原古邨, 1877 - 1945). Sein richtiger Name ist Matao Ohara. Dargestellte Szenen aus dem Russisch-Japanischen und Chinesisch-Japanischen Krieg. Nachdem das Foto jedoch erschien, verkauften sich seine Arbeiten schlecht und er begann, seinen Lebensunterhalt mit dem Unterrichten in der Schule zu verdienen Bildende Kunst in Tokio. Im Jahr 1926 wurde Ernest Felloza, Kurator der Abteilung Japanische Kunst Im Boston Museum überredete Ohara, zur Malerei zurückzukehren, und der Künstler begann, Vögel und Blumen darzustellen, und seine Werke verkauften sich gut im Ausland.

(伊藤若冲, 1716 - 1800). Er zeichnete sich unter anderen Künstlern durch seine Exzentrizität und seinen Lebensstil aus, der aus Freundschaften mit vielen Kultur- und Kulturschaffenden bestand religiöse Figuren diese Zeit. Er stellte Tiere, Blumen und Vögel in einer sehr exotischen Form dar. Er war sehr berühmt und nahm Aufträge zum Malen von Paravents und Tempelgemälden an.

(鳥居清信, 1664-1729). Einer der wichtigsten Vertreter frühe Periode ukiyo-e. Trotz des großen Einflusses seines Lehrers Hishikawa Monorobu wurde er zum Begründer des Yakusha-e-Genres in der Darstellung von Plakaten und Postern und erfand seinen eigenen Stil. Die Schauspieler wurden in der Rolle in besonderen Posen dargestellt tapfere Helden und wurden eingemalt
edel orange Farbe, und die Bösewichte wurden hereingezogen blaue Farben. Um Leidenschaft darzustellen, erfand der Künstler eine besondere Art der Mimizugaki-Zeichnung – das sind gewundene Linien mit abwechselnd dünnen und dicken Strichen, kombiniert mit einem grotesken Bild der Muskeln der Gliedmaßen.

Torii Kiyonobu ist der Gründer der Torii-Künstlerdynastie. Seine Schüler waren Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I und Torii Kiyomitsu.

Wer ist Ihr Lieblings-Ukiyo-e-Künstler?

Die japanische Sprache unterscheidet sich in ihrer Struktur von jeder europäischen Sprache, was zu gewissen Lernschwierigkeiten führen kann. Aber keine Sorge! Speziell für Sie haben Sie einen Kurs „“ entwickelt, für den Sie sich jetzt anmelden können!