Характеристики и разлики на монументалната, стативната, миниатюрната живопис. Станковата живопис като културно наследство на планетата Станкова живопис

„Изкуството е същата потребност за човек като яденето и пиенето. Потребността от красота и творчеството, което я въплъщава, е неотделима от човека”, пише Ф. М. Достоевски.

Наистина историята показва, че човекът винаги е бил неотделим от изкуството. В планините, в пещерите по света, древни скални рисунки. Тези изразителни рисунки на животни и ловци са направени още във времената, когато хората не са можели да пишат.

Паметниците на изкуството ни казват какво огромно значение е имало в човешкия живот и човешкото общество. Древните гърци създават прекрасен мит за музите - вечно млади сестри, които олицетворяват изкуствата и науките. Мелпомена е музата на трагедията, Талия - комедията, Терпсихора - танците, Клио - музата на историята... Митът разказва, че когато бог Аполон - покровител на изкуството, поезията и музиката - се появил придружен от музите, всички природата слушаше тяхното пеене... Музика, музей - тези думи произлизат от думата Муза.

Поетичният мит за музите-сестри не е загубил значението си. Всеки вид изкуство има своето изразни средства: в музиката е звук, в изобразителното изкуство е цвят, линия и т.н., в литературата е дума. Но свързаната същност на всички видове е, че изкуството е една от формите на общественото съзнание, което се основава на образно отразяване на явленията от реалността.

Изобразителните изкуства, свързани със зрителното възприятие включват: живопис, графика и скулптура. Тези изкуства създават образ в плоскост (живопис и графика) и в пространството (скулптура).

Картина, рисунка, печат, скулптура, която има самостоятелно значение, тоест не е свързана с никое артистичен ансамбълили за чисто практически цели, ние наричаме стативни произведения. Това определение идва от думата „машина“ (в случая статив), върху която се поставя платното, когато се рисува картина. И дори фактът, че картината трябва да бъде поставена в рамка, подчертава независимостта, тоест изолацията на стативната живопис от заобикаляща среда. Рамката разделя картината и създава възможност тя да се възприема като самостоятелно художествено цяло. В книгата са репродуцирани някои стативи.

За разлика от статива монументална живописпо своето предназначение и естество е свързано с архитектурен ансамбъл. Фрески, мозайки, пана, витражи са органично включени в архитектурата, допълвайки и обогатявайки художествения замисъл на интериора или на цялата сграда. Отлични мостри монументална живописса фреските на Рафаело във Ватиканския дворец, картините на Микеланджело Сикстинска капела. Монументалната живопис достига най-високо ниво във Византия и древно руско изкуство.

Днес монументалната живопис се използва широко в дворци на културата, клубове, театри, метростанции, гари и др. Много от вас са виждали мозайки в метрото, създадени по скици на П. Корин, А. Дейнека и др. Съветски майстори. Интериорни картини на автогарата и Музея на въоръжените сили в Москва (художник Ю. Корольов), картини на музея Циолковски в Калуга (група художници, ръководени от А. Васнецов), витражи от литовски майстори и релефни пана от грузински художници украсиха много нови сгради в нашите градове.

Спечели международна слава монументално изкуствосъвременно Мексико. Мозайки на Сикейрос и др големи художнициотразяват героичната борба на мексиканския народ за своята независимост.

Не винаги е възможно да се направи рязка граница между статив и монументално произведение на изкуството. Това се обяснява с факта, че стативната живопис често има монументално качество. А монументалните произведения понякога имат самостоятелно значение, като се възприемат като завършени стативи.

Има и много голяма област на декоративно-приложните изкуства. Това са художествено изработени мебели, съдове, облекла, тъкани, килими, шевици, бижутаи др. Някои видове декоративно-приложно изкуство (гоблен, релеф, декоративна скулптура) обаче могат да се считат и за самостоятелни произведения. Картина, която има за цел да украси или разкрие дизайна и предназначението на даден предмет и няма ясно самостоятелно значение, се нарича декоративна.

Така живописта се разделя на стативна, монументална и декоративна.

Монументалната живопис е големи картинивърху вътрешни или външни стени на сгради (фрески, пана и др.). Едно произведение на монументалната живопис не може да бъде отделено от основата си (стена, опора, таван и др.). Темите за монументалната живопис също са избрани значими: исторически събития, героични дела, народни предания и др. Пряко свързани с монументалната живопис са мозайките и витражите, които също могат да бъдат класифицирани като декоративни изкуства. Важното тук е постигането на стилово и образно единство на монументалната живопис и архитектурата, синтез на изкуствата. Монументалната живопис, освен връзката си с архитектурата (стилистична, композиционна и тематична), трябва да има обобщение на образите, стилизация, подходяща за ситуацията цветова схемаи мащаб с околните обекти.

Станковата живопис е вид живопис, която, за разлика от монументалната живопис, не е свързана с архитектурата, има самостоятелен характер, независимо значение и се възприема независимо от околната среда. Произведенията на стативната живопис (картини) могат да се прехвърлят от един интериор в друг и показани в други страни. Терминът „станкова живопис“ произлиза от машината (стабилна), на която се създават картините.

Миниатюра (от лат. minium - червени бои, използвани в дизайна на ръкописни книги) - в изобразителното изкуство, живописта, скулптурата и графични произведениямалки форми, както и изкуството на тяхното създаване.

Портретната миниатюра е портрет с малък формат (от 1,5 до 20 см), който се отличава със специална финес на писане, уникална техника на изпълнение и използване на средства, присъщи само на тази живописна форма.

Видовете и форматите на миниатюрите са много разнообразни: те са рисувани върху пергамент, хартия, картон, слонова кост, метал и порцелан, използвайки акварел, гваш, специални художествени емайли или маслени бои. Изображението, в съответствие с композиционното решение на автора (или желанието на клиента), може да бъде вписано в кръг, овал, ромб, осмоъгълник и др. За класическа портретна миниатюра се счита миниатюра, направена върху тънка плоча от слонова кост.

Също като живописното миниатюрен портретможе да бъде камерна или церемониална; едно-, дву- или многофигурни; имат сюжетна основа или нямат такава. Както в голям, „възрастен“ портрет, изобразеното лице може да бъде поставено на неутрален пейзажен фон или в интериор. И въпреки че миниатюрният портрет е подчинен на същите основни закони на развитие и същите естетически канони като целия портретен жанр като цяло, той все пак се различава от него както по същността на художественото решение, така и по своята област на приложение - миниатюрата е винаги по-интимен характер.

Илюминация (от латински illumino - осветявам, правя светъл, украсявам) е процес на изработване на цветни миниатюри (илюминации) и орнаментация в средновековните ръкописни книги.

Илюминираните ръкописи са ръкописни средновековни книги, украсени с цветни миниатюри и орнаменти. В руската традиция, освен термина „осветени“, често се използва терминът лицеви ръкописи за ръкописни книги с миниатюри. С изобретяването на печата ръкописни книгипостепенно излязоха от употреба.

За създаването на книги са използвани бои от естествени пигменти, което води до червени, сини, зелени, жълти и други цветове, които са невероятни по наситеност и дълбочина. В допълнение, сребро и злато са използвани за създаване на миниатюри.

Основното предимство на станковата маслена живопис е, че лесно се премества от място на място.

Всяко художествено произведение изисква основа, върху която зографите са рисували първоначално дърво – топола, ясен, орех, върба. След това в древността дървото заменя платното. Първо, платното се залепва и след това се грундира с плътен слой от специална смес. Върху грундирано платно се рисува изображение. От втория половина XVIвекове се появяват медни дъски. Предимството им било, че не позволявали проникването на въздух, което било вредно за маслените бои.

Всяка основа изисква специален грунд. Грундът има за цел да изравни и изглади повърхността на основата, за да не попиват свързващи вещества в основата, а освен това да участва с тона си в цвета на картината.

Маслената живопис е една от живописни техники, използвайки бои с растително масло като основно свързващо вещество. Маслени боиСъстои се от сухи пигменти и изсушаващо масло. Използвайте ленено масло, маково масло или орехово масло. Основата може да бъде дърво, шперплат, картон, хартия, платно. Не разреждайте и не отмивайте с вода. отнема много време, за да изсъхне, слоевете изсъхват с на различни скорости. цветовете се смесват лесно, възможност за създаване на сложни цветови преходи и развити цветове.

Билет номер 12. Станкова живопис. Пастел

Станковата картина е самостоятелно произведение на живописта, освободено от всякакви декоративни функции и изпълнено на статив или машина.

Станковата живопис е вид живопис, която за разлика от монументалната,

не е свързано с архитектурата, има самостоятелен характер.

Терминът „станкова живопис“ произлиза от машината (стабилна), на която се създават картините.

Пастел

Малко свързващи вещества ( Свързващи вещества:

вещество, което е част от боята и определя нейните основни свойства, с изключение на цветовия тон, който се дължи на пигмента.

Основната цел е да се свържат частици от пигмент и грунд заедно, за да се създаде стабилен и кохезивен слой боя, като по този начин се гарантира безопасността на боята.)

Висока покривност

Свобода на работа

АЛГОРИТЪМ ЗА СЪЗДАВАНЕ НА СТАФТОВА ЖИВОПИС

Характеристики на работата на стари майстори и художници от ново време.

1. Рисуване с туш

2. Подрисуване

3. Глазура

Билет номер 13. Станкова живопис. Акварел и гваш

Станковата живопис е вид живопис, която за разлика от монументалната не е свързана с архитектурата и има самостоятелен характер. Терминът „станкова живопис“ произлиза от машината (стабилна), на която се създават картините.

АЛГОРИТЪМ ЗА СЪЗДАВАНЕ НА СТАФТОВА ЖИВОПИС

Стари майстори – работа на три етапа:

· Рисуване с туш

· Подбоядисване

· Глазура

Художници от ново време (от 17 век) – неделимостта на процеса на рисуване (импасто).

гваш
Гвашът е живопис, направена с непрозрачни, плътни и покриващи залепващи бои, смесени с бяло. Думата гваш е от италианската guazzo, което означава "мокър".

Източници от 16 век споменават рисуване с гваш. По време на Ренесанса гвашът е използван за създаване на илюстрации, подчертаване на рисунки, рисуване на ветрила, кутии за емфие и др.

От 18 век рисуването с гваш се усъвършенства и става широко разпространен вид живопис. Използва се за писане на подготвителни картони, декоративни скици, илюстрации и стативи. За разлика от акварелите, гвашът е непрозрачен, тъй като боите съдържат бял цвят.

Акварел
Акварелът е бил известен още в древността, но до 17 век не е имал самостоятелно значение; използван е за оцветяване на рисунки, груби скици и др.

Акварелът придобива самостоятелно значение в живописта от 17 век. Картините, направени в акварел, са напълно завършени произведения на изобразителното изкуство с доста дълбоко развит начин и техника на рисуване. Сред руските акварелисти са известни К. Брюлов, Соколов, Беноа, Врубел, Савински и др.

Билет номер 14. Станкова живопис. Темпера

От линейно-равнинния стил до илюзията за пространство. Ролята на пряката и светла перспектива
Лесен за преместване от място на място. Първоначално основата беше дърво - топола, ясен, орех, върба. Тогава дървото замества платното. Първо, платното се залепва и след това се грундира с плътен слой от специална смес. Върху грундирано платно се рисува изображение
Станковата живопис има много жанрове. Най-важните от тях са сюжетна живопис, портрет, пейзаж и натюрморт.
Те ще бъдат разделени на линейно-плоскостни и обемно-пространствени, но между тях няма ясни граници. Линейно-плоската живопис се характеризира с плоски петна от локален цвят, очертани от изразителни контури, ясни и ритмични линии; В живописта от този тип пространствените отношения могат да бъдат възпроизведени с цвят, създавайки илюзията за дълбоко триизмерно пространство, изобразителната равнина е визуално разрушена с помощта на тонални градации, ефирни и линейна перспектива, чрез разпределяне на топли и студени цветове; обемни формимоделиран с цвят и светлотен.
В обемно-пространствени и линейно-плоскостни изображения се използва изразителността на линията и цвета, а ефектът на обем, дори скулптура, се постига чрез градиране на светли и тъмни тонове, разпределени в ясно ограничено цветно петно; В същото време оцветяването често е пъстро, фигурите и предметите не се сливат с околното пространство в едно цяло.
Светлинната перспектива се определя от разстоянието до източника на светлина и позицията на обекта спрямо него.
Директна перспектива - предназначена за фиксирана гледна точка и приемане на една изчезваща точка на линията на хоризонта (обектите намаляват пропорционално, когато се отдалечават от предния план).
Светлинната перспектива характеризира разстоянието на обектите от източника на светлина. Възниква в условия на неравномерно осветление.

Билет номер 15. Цвят в рисуването

Цвят- качествена субективна характеристика на електромагнитното излъчване в оптичния диапазон, определена въз основа на възникващото физиологично зрително усещане и в зависимост от редица физически, физиологични и психологически фактори.

Вижда се електромагнитно излъчване, вълна с определена дължина.

Цветови опции:

1. Тон (наименование на цвета – червено, синьо, жълто и др.)

Насищане

3. Лекота

4.Температура: топли и студени цветове

Цветен кръг:

Включва всичко видими цветовеспектър и е изграден като система за непрекъснат преход на цветовете.

Основни цветове- червено, жълто, синьо.
Композитни цветове - цветове от втори ред: зелен, лилав, оранжев. Те се получават чрез смесване на двойки основни цветове: червено, жълто и синьо.
Сложни цветовесе получават чрез смесване на три съставни цвята със съседни основни цветове. Например: оранжево + жълто = жълто-оранжево. Има шест такива цвята.
Сложната цветова триада може да бъде една от следните комбинации:
червено-оранжево, жълто-зелено и синьо-виолетово;
синьо-зелено, жълто-оранжево и червено-виолетово.
На цветно колеловсички те са на еднакво разстояние един от друг, заемайки междинна позиция между компонентните цветове.

Свързани цветове- принадлежат на която и да е една четвърт от кръга.

Контрастни (допълващи се) цветове- са разположени на диаметрално противоположни страни на кръга.

Hue- градация на тона; разликата в цвета при преход от студено към топло и обратно.

Нюанс- много фин нюанс на цвета или много лек преход от светлина към сянка и т.н.

Наситеност (интензитет) – характеризира степента на чистота цветен тон. Концепцията работи в разделянето на един тон, където степента на насищане се измерва със степента на разлика от сивото. Тази концепция също е свързана с яркостта, тъй като най-наситеният тон в неговата линия ще бъде най-ярък.

Живо, силно, дълбоко богатство.

Ненаситените цветове са матови, слаби, измити.

Степента на цветова разлика от бяло и черно. Ако разликата между открития цвят и черното е по-голяма, отколкото между него и бялото, тогава цветът е светъл. Ако е обратното, значи е тъмно. Ако разликата между черно и бяло е еднаква, тогава цветът е среден по светлота.

Билет номер 16. Перспектива

о. перспектива от лат. perspicere - поглед през - техника за изобразяване на пространствени обекти върху равнина или всякаква повърхност в съответствие с тези видими намаления на техните размери, промени във формата и светлинно-сенчестите отношения, които се наблюдават в околния (реален) свят.

Видове перспектива

1. Директна перспектива - вид перспектива, предназначена за фиксирана гледна точка и предполагаща една изчезваща точка на линията на хоризонта (обектите намаляват пропорционално, докато се отдалечават от предния план).

Точка на изчезване - точка на перспективно изображение, в която се пресичат проекциите на успоредни линии в предметното пространство.

2. Обратна перспектива – вид перспектива, използвана във византийската и староруската живопис, при която изобразяваните обекти сякаш увеличават размерите си с отдалечаването си от зрителя, картината има няколко хоризонта и гледни точки и други особености – като ако центърът на сближаване на линиите не е на хоризонта, а вътре в самия зрител.

3. Панорамна перспектива - изображение, изградено върху вътрешна цилиндрична (понякога сферична) повърхност.

4. Въздушна перспектива- характеризира се с изчезването на яснотата и яснотата на очертанията на обектите, когато се отдалечават от очите на наблюдателя (ефект на сфумато-мъгла). В същото време фонът се характеризира с намаляване на наситеността на цветовете (цветът губи своята яркост, светлотеничните контрасти се смекчават), поради което дълбочината изглежда по-тъмна от преден план. Въздушната перспектива е свързана с промени в тоновете, поради което може да се нарече и тонална перспектива.

5. Сферичната перспектива е вид перспектива, при която очите на зрителя винаги са сякаш в центъра на „отражението“ върху топката. Това е позицията на основната точка, която всъщност не е обвързана нито с нивото на хоризонта, нито с главния вертикал. Когато изобразявате обекти в сферична перспектива, всички линии на дълбочина ще имат точка на изчезване в основната точка и ще останат строго прави. Основният вертикал и линията на хоризонта също ще бъдат строго прави. Всички останали линии ще се огъват все повече и повече, докато се отдалечават от основната точка, превръщайки се в кръг. Всяка линия, която не минава през центъра, като е удължена, е полуелипса.

- това е един от основните видове изобразително изкуство; е художествено изображение обективен святцветни бои по повърхността. Живописта се дели на: стативна, монументална и декоративна.

- представени предимно от произведения, изпълнени с маслени бои върху платно (картон, дървени дъски или голо). Представлява най масово появяванеживопис. Този тип обикновено се прилага към термина " живопис".

е техника за рисуване върху стени при декориране на сгради и архитектурни елементив сгради. Особено разпространено в Европа фреска - монументална живопис върху мокра мазилка с водоразтворими бои. Тази техника на рисуване е добре позната от древността. По-късно тази техника е използвана при проектирането на много християнски религиозни църкви и техните сводове.

Декоративна живопис - (от латинска думаот decoro - за украса) е начин за рисуване и прилагане на изображения върху предмети и интериорни детайли, стени, мебели и други декоративни предмети. Отнася се за декоративно-приложните изкуства.

Възможности изобразително изкуствоОсобено ясно се разкрива стативната живопис от 15 век, от момента на масовото използване на маслени бои. Именно в него има специално разнообразие от съдържание и дълбоко развита форма. Основата на изобразителните художествени средства са цветовете (възможностите на боите), в неразривно единство с chiaroscuro и линията; цветът и светлотеницата се развиват и развиват от живописни техники с пълнота и яркост, недостъпни за други видове изкуство. Това определя съвършенството на обемното и пространствено моделиране, присъщо на реалистичната живопис, яркото и точно предаване на реалността, възможността за реализиране на сюжетите, замислени от художника (и методите за изграждане на композиции) и други визуални предимства.

Друга разлика в разликите между видовете боядисване е техниката на изпълнение според видовете бои. Не винаги достатъчно Общи чертиза определяне. Границата между живописта и графиката във всеки отделен случай: например произведенията, направени в акварел или пастел, могат да принадлежат към двете области, в зависимост от подхода на художника и задачите, които поставя. Въпреки че рисунките върху хартия са свързани с графиките, използването различни техникиЖивописта понякога заличава разликите между живописта и графиката.

Трябва да се има предвид, че самият семантичен термин „живопис“ е дума на руски език. Използва се като термин по време на формирането на изобразителното изкуство в Русия през епохата на барока. Използването на думата "живопис" по това време се отнася само за определен тип реалистична живопис. Но първоначално идва от църковната техника за рисуване на икони, която използва думата „пиша“ (свързана с писане), защото тази дума е превод на значението в гръцките текстове (те са „изгубени в превода“). Собствено развитие в Русия художествено училищеи наследството на европейското академично знание в областта на изкуството, разработиха обхвата на руската дума „живопис“, като я включиха в образователната терминология и книжовен език. Но в руския език се формира особеност на значението на глагола „да пиша“ във връзка с писането и рисуването на картини.

Жанрове на живописта

В хода на развитието на изобразителното изкуство се формират няколко класически жанра живопис, които придобиват свои собствени характеристики и правила.

Портрете реалистично изображение на човек, в което художникът се опитва да постигне прилика с оригинала. Един от най-популярните жанрове в живописта. Повечето клиенти използват таланта на художниците, за да увековечат собствения си образ или, като искат да получат изображение обичан, роднина и др. Клиентите се стремят да получат портретна прилика (или дори да я украсят), оставяйки визуално въплъщение в историята. Портрети различни стиловеса най-масовата част от експозицията на повечето художествени музеи и частни колекции. Този жанр включва и такъв тип портрет като Автопортрет - изображение на самия художник, нарисувано от самия него.

Пейзажи- един от популярните живописни жанрове, в който художникът се стреми да изобрази природата, нейната красота или особеност. Различни видовеприродата (настроението на сезона и времето) имат ярък емоционално въздействиеза всеки зрител - това психологическа особеностчовек. Желанието да се получи емоционално впечатление от пейзажите направи този жанр един от най-популярните в художественото творчество.

- този жанр е в много отношения подобен на пейзажа, но има ключова характеристика: картините изобразяват пейзажи с архитектурни обекти, сгради или градове. Специално направление - улични гледкиградове, които предават атмосферата на мястото. Друга посока на този жанр е изобразяването на красотата на архитектурата на определена сграда - нейния външен вид или изображения на нейния интериор.

- жанр, в който е основната тема на картините историческо събитиеили неговата интерпретация от художника. Интересното е, че огромен брой картини принадлежат към този жанр. библейска тема. Тъй като през Средновековието библейски историисе считат за „исторически“ събития и основните клиенти на тези картини са църквата. „Исторически“ библейски сюжети присъстват в творчеството на повечето художници. Второ раждане историческа живописвъзниква през времената на неокласицизма, когато художниците се обръщат към известни исторически сюжети, събития от древността или народни легенди.

- отразява сцени от войни и битки. Особеността е не само желанието да се отрази историческо събитие, но и да се предаде на зрителя емоционалното възвишение на подвига и героизма. Впоследствие този жанр става и политически, позволявайки на художника да предаде на зрителя своята гледна точка (своето отношение) към случващото се. Подобен ефект от политическия акцент и силата на таланта на художника можем да видим в творчеството на В. Верешчагин.

е жанр в живописта с композиции от неодушевени предмети, използвайки цветя, продукти, съдове. Този жанр е един от най-новите и се формира в холандската школа по живопис. Може би появата му е причинена от особеностите на холандското училище. Икономическият бум от 17-ти век в Холандия доведе до желание за достъпен лукс (картини) сред значителна част от населението. Тази ситуация привлече голям бройхудожници, предизвиквайки силна конкуренция между тях. Моделите и работилниците (хора в подходящи дрехи) не бяха достъпни за бедните художници. Когато рисуваха картини за продажба, те използваха импровизирани средства (предмети) за композиране на картините. Тази ситуация в историята на холандското училище е причината за развитието на жанровата живопис.

Жанрова живопис - темата на картините са ежедневни сцени Ежедневиетоили празници, обикновено с участието на обикновени хора. Също като натюрморта, той става широко разпространен сред холандските художници през 17 век. През периода на романтизма и неокласицизма този жанр придобива ново раждане; ежедневиетоколко да го романтизирате, да го въведете в сюжета определено значениеили морал.

Марина- вид пейзаж, в който се изобразяват образи морски видове, крайбрежни пейзажи с изглед към морето, изгреви и залези в морето, кораби или дори морски битки. Въпреки че има и отделен боен жанр, но морските битки все още принадлежат към жанра „Марина“. Развитието и популяризирането на този жанр може да се отдаде и на холандската школа от 17 век. Той беше популярен в Русия благодарение на работата на Айвазовски.

— особеност на този жанр е сътвор реалистични картини, изобразяващи красотата на животните и птиците. Един от интересни функцииТози жанр е наличието на картини, изобразяващи несъществуващи или митични животни. Наричат се художници, които се специализират в изображения на животни анималисти.

История на живописта

Необходимостта от реалистични изображения е съществувала от древни времена, но е имала редица недостатъци поради липсата на технологии, систематични училища и образование. В древни времена по-често могат да се намерят примери за приложна и монументална живопис с техниката на рисуване върху гипс. В древни времена по-голямо значение се придаваше на таланта на изпълнителя; художниците бяха ограничени в технологията на правене на бои и възможността да получат системно образование. Но още в древността се формират специализирани знания и трудове (Витрувий), които ще бъдат основа за нов разцвет европейско изкуствопрез Ренесанса. Декоративната живопис получава значително развитие през гръцката и римската античност (школата е загубена през Средновековието), чието ниво е достигнато едва след 15 век.

Рисуване на римска фреска (Помпей, 1 век пр. н. е.), пример за нивото на технологията на древната живопис:

„Тъмните векове“ на Средновековието, войнственото християнство и инквизицията водят до забрани за изучаване художествено наследствоантичност. Огромният опит на древните майстори, знанията в областта на пропорциите, композицията, архитектурата и скулптурата са забранени и мн. художествени ценностиунищожени поради посвещението им на древни божества. Връщане към ценностите на изкуството и науката в Европа се случва едва през Ренесанса (прераждане).

Художниците от ранния Ренесанс (възраждане) трябваше да наваксат и възродят постиженията и нивото на античните художници. На какво се възхищаваме в произведенията на художниците ранен Ренесанс, беше нивото на господарите на Рим. Ярък пример за загубата на няколко века развитие на европейското изкуство (и цивилизация) през „тъмните векове“ на Средновековието, войнственото християнство и инквизицията - разликата между тези картини от 14 век!

Появата и разпространението на технологията за изработване на маслени бои и техниката на рисуване с тях през 15 век дава началото на развитието на станковата живопис и специален видпроизведения на художници - цветни маслени картини върху грундирано платно или дърво.

Живописта получава огромен скок в качественото развитие през Ренесанса, до голяма степен благодарение на работата на Леон Батиста Алберти (1404-1472). Той е първият, който излага основите на перспективата в живописта (трактатът „За живописта“ от 1436 г.). Към него (трудовете му по систематизация научно познание) Европейската художествена школа е длъжна на появата (възраждането) на реалистична перспектива и естествени пропорции в картините на художниците. Известна и позната рисунка на Леонардо да Винчи "Витрувиански човек"(човешки пропорции) от 1493 г., посветен на систематизирането на древните знания на Витрувий за пропорциите и композицията, е създаден от Леонардо половин век по-късно от трактата на Алберти „За живописта“. И работата на Леонардо е продължение на развитието на европейската (италианска) художествена школа на Ренесанса.

Но ярки и масово развитиеживописта е получена от 16-17 век, когато техниката става широко разпространена живопис с маслени бои, се появяват различни технологии за производство на бои и се формират школи за рисуване. Това е системата от знания и художествено образование(техника на рисуване), съчетано с търсенето на произведения на изкуството сред аристокрацията и монарсите, води до бърз разцвет на изобразителното изкуство в Европа (Бароков период).

Неограничените финансови възможности на европейските монархии, аристокрации и предприемачи станаха отлична основа за по-нататъчно развитиеживопис през 17-19 век. И отслабването на влиянието на църквата и светския начин на живот (умножено от развитието на протестантството) позволи раждането на много теми, стилове и движения в живописта (барок и рококо).

В хода на развитието на изобразителното изкуство художниците са формирали много стилове и техники, които водят до до най-високо нивореализъм в произведенията. До края на 19 век (с появата на модернистични движения) в живописта започват интересни трансформации. Наличието на художествено образование, масовата конкуренция и високите изисквания към уменията на творците от публиката (и купувачите) пораждат нови насоки в методите на изразяване. Изобразителното изкуство вече не е ограничено само от нивото на техниката, художниците се стремят да внасят специални значения, начини на „гледане“ и философия в произведенията. Това, което често идва за сметка на нивото на изпълнение, се превръща в спекулация или метод за шокиране. Разнообразието от възникващи стилове, оживени дискусии и дори скандали пораждат интерес към нови форми на рисуване.

Съвременните компютърни (цифрови) технологии за рисуване принадлежат към графиката и не могат да бъдат наречени живопис, въпреки че много компютърни програмии оборудването ви позволяват напълно да повторите всяка техника на рисуване с бои.

Станковата живопис е техника, при която боята се нанася върху подвижна повърхност, за да се твори самостоятелно рисуване. Името на този вид идва от думата „стан“, която най-често е статив на художник. Днес станковата живопис е най-разпространеното изкуство.

Благодарение на мобилността на произведенията, картините станаха достъпни за широка публика. Също така, благодарение на възможността за преместване на платна, реставрацията на стативни картини е значително улеснена, особено в сравнение с произведения на монументалното изкуство.

Видове живопис

Рисуването е един от най-древните начини за себеизразяване и предаване собствена визияреалност. Тя учи как да изобразява Светътс помощта на визуални образи, техники и похвати, съставляващи езика на изобразителното изкуство. Тя е създавана и развивана от художници и теоретици в продължение на хиляди години, а днес позволява съвременни художницисъздайте свой собствен „разказ“.

Традиционно се разграничават следните видове боядисване:

Декоративен – създаден за украса на повърхности и предмети, които служат за друга цел. Тази картина се използва в интериора, върху мебели, аксесоари, дрехи и др.
Театър - създаване на декори и костюми за постановки.
Монументален - изпълнява се върху неподвижни повърхности на сгради, както фасадни, така и вътрешни. Това е най-древният вид изкуство, традиционно наричано стенопис. Монументалната живопис включва също мозайки, витражи и пана.
Станковото изкуство съществува независимо къде е създадено. Това е най-разпространеният, развит и жанрово богат вид живопис.

Определение и характеристики на станковата живопис

Станковата творба е самостоятелен предмет на изкуството. Може да се движи в космоса и дори да пресича държавни граници. Това е, което е основна характеристикастанковата живопис е, че не трябва да се обвързва с мястото на създаване.

Картината е предмет и резултат от такова изкуство. Днес няма единно мнение кои техники и материали се смятат за стативна живопис и кои за графика. Ще се придържаме към мнението, че стативното рисуване е нанасяне на всякакъв вид боя върху всяка подвижна повърхност, независимо от материала и размера. Така произведения, създадени в акварел, гваш и дори пастел, са примери за тази техника.

История

Историята на стативната живопис започва с използването на каменни плочи и дървени панели. Произведенията, поставили основата на съвременното разбиране за такова изкуство, са иконите. Най-старото неподвижно изображение на Христос датира от 6 век и е изработено върху дървена плоскост, покрита със специално обработен плат.

Първите рисунки върху дърво са били с религиозен характер, но не са били икони. Новаторът на стативната живопис е представителят на проторенесансовата епоха Джото ди Бондоне. Създава няколко творби – всички те са изпълнени с темпера върху тънки плоскости от тополово дърво, покрити с платно, обработено със смес от гипс и животинско лепило. Тази технология е използвана за създаване на икони във Византия.

Видове стативна живопис

В зависимост от материалите, използвани за създаване на картината, стативната живопис се разделя на няколко вида:

Според вида на повърхността се разграничават картини върху платно, картон, хартия, дърво, коприна, пергамент, метални плоскости и камък. Почти всяка подвижна повърхност, която не изпълнява никакви допълнителни функции, е подходяща като основа за стативна картина.
В зависимост от използваните бои, стативната живопис бива маслена, акварелна, темперна, акрилна и пастелна. По-рядко се използват композиции като гваш и мастило.

В допълнение, стативното рисуване позволява използването на редица помощни материали, като четки, гъби, ролки, картонени ленти, палетни ножове и аерозолни кутии.

Характеристики на техниката на изпълнение

С развитието на изкуството се променя и технологията на станковата живопис. Модерен святразширява достъпа до знания и материали, предоставяйки плодородна почва за експериментиране и търсене на нови възможности. Днес стативните картини могат да бъдат създадени с помощта на шаблони и шаблони. Цветовете се извличат от нови материали и пигменти. Трудно е да не се изгубите в такъв водовъртеж от средства и ресурси.

Въпреки това, маслената живопис, както и станковата темперна живопис, са преминали през векове на развитие. Ето защо днес съществува традиционна или академична техника на стативно рисуване, която включва спазване на редица правила и традиции. Маслените бои са най-популярни поради лекотата на нанасяне и способността да задържат цветовете за дълго време. Температа от своя страна е по-сложна. Техниката за създаване на станкова темперна живопис има редица специфични правила - например потъмняването на тона на пигмента се постига най-добре чрез засенчване или нанасяне на един слой върху друг.

Жанрове на стативната живопис

Жанровото богатство на стативната живопис се дължи на нейната подвижност. В крайна сметка е по-лесно да преместите статив в гората, отколкото дървета на закрито. Така станковата живопис разширява възможностите за рисуване на платна от живота. Това е особено важно за жанрове като пейзаж, портрет и натюрморт.

Сред тези, които предоставиха най-голямо влияниеза формирането и развитието на стативната живопис е необходимо да се подчертаят религиозни и митологични жанрове, както и исторически, портретни и сюжетни. За съвременната стативна живопис портретите, пейзажите и натюрмортите са от особено значение.

Портрет

Този жанр е много динамичен, понякога границите му се размиват и се сливат с жанрове като митологичен, алегоричен и религиозен. Същността на портрета е да използва художествени средства, за да изобрази върху платно човек с неговите характерни форми, черти на лицето и черти на характера.

В станковата живопис външен видмодел, неговите осезаеми и видими характеристики се сливат с вътрешните характеристики, които го характеризират. Всичко това е в пряка зависимост от авторско възприятие, както и връзката между художника и модела и портрета.

Пейзажи

Произведенията, направени в този жанр, изобразяват природата. Точно като портрет, пейзажът често размива границите на строгостта жанрови определенияи характеристики. Вероятно поради факта, че в продължение на много векове той е бил използван само като запълващ пространство в картината, сега, когато е самостоятелен жанр, той все още се използва за създаване на фон в произведения от други жанрове.

Пейзажът изобразява природата в няколко нейни облика – недокосната от човека, преобразена от човека и взаимодействаща с него. Сред поджанрите си струва да се отбележат морски, градски и селски пейзажи.

Натюрморт

От френски това име се превежда като "мъртва природа". Този жанр на стативната живопис се фокусира върху изобразяването на неодушевени предмети. как независима техникаНатюрмортът се оформя през 17 век благодарение на усилията на майстори от Северна Европа. По време на Ренесанса е популярен в декоративната живопис и често се превръща в украса за мебели и сервизи.

Други популярни жанрове на стативната живопис включват ежедневието, илюстрацията, алегорията и живописта с животни.