Картини за интериора - видове, предназначение, правила за нанасяне. Жанрове на живописта. Стилове на рисуване. Примери Предметна живопис

Рисуването е може би най-древната форма на изкуство. Още в първобитната епоха нашите предци са правили изображения на хора и животни по стените на пещерите. Това са първите образци на живопис. Оттогава този вид изкуство неизменно остава спътник на човешкия живот. Примерите за рисуване днес са многобройни и разнообразни. Ще се опитаме да обхванем максимално този вид изкуство, да говорим за основните жанрове, стилове, направления и техники в него.

Техники на рисуване

Нека първо да разгледаме основните техники за рисуване. Един от най-разпространените е масло. Това е техника, която използва бои на маслена основа. Тези бои се нанасят на щрихи. С тяхна помощ можете да създадете разнообразие от различни нюанси, както и да предадете необходимите изображения с максимален реализъм.

Темпера- друга популярна техника. Говорим за това, когато се използват емулсионни бои. Свързващото вещество в тези бои е яйце или вода.

гваш- техника, широко използвана в графиката. Гваш боята се изработва с лепилна основа. Може да се използва за работа върху картон, хартия, кост или коприна. Изображението е издръжливо и линиите са ясни. Пастел- Това е техника на рисуване със сухи моливи, като повърхността трябва да е грапава. И, разбира се, си струва да споменем акварелите. Тази боя обикновено се разрежда с вода. С тази техника се получава мек и тънък слой боя. Особено популярни Разбира се, изброихме само основните техники, които се използват най-често в рисуването. Има и други.

Върху какво обикновено се рисуват картини? Най-популярната картина е върху платно. Опъва се върху рамка или се залепва за картон. Имайте предвид, че в миналото дървените дъски са били използвани доста често. Днес не само рисуването върху платно е популярно, но и всякакви други плоски материали могат да се използват за създаване на изображения.

Видове живопис

Има 2 основни вида й: стативна и монументална живопис. Последното е свързано с архитектурата. Този тип включва боядисване на тавани и стени на сгради, декорирането им с изображения от мозайки или други материали, витражи и др. Станковата живопис не е свързана с конкретна сграда. Може да се мести от място на място. Има много разновидности на стативната живопис (наричани още жанрове). Нека ги разгледаме по-подробно.

Жанрове на живописта

Думата "жанр" е френска по произход. Превежда се като „род“, „вид“. Тоест под името на жанра има някакво съдържание и като произнесем името му, разбираме за какво става дума в картината, какво ще намерим в нея: хора, природа, животни, предмети и т.н.

Портрет

Най-древният жанр в живописта е портретът. Това е образ на човек, който прилича само на себе си и на никой друг. С други думи, портретът е изображение в живописта на индивидуален външен вид, тъй като всеки от нас има индивидуално лице. Този жанр на живописта има свои разновидности. Портретът може да бъде в цял ръст, бюст или само едно лице. Нека отбележим, че не всяко изображение на човек е портрет, тъй като художникът може да създаде например „човек като цяло“, без да го копира от някой друг. Когато обаче изобразява конкретен представител на човешкия род, той работи конкретно върху портрет. Излишно е да казвам, че има многобройни примери за живопис в този жанр. Но представеният по-долу портрет е известен на почти всеки жител на нашата страна. Говорим за образа на А. С. Пушкин, създаден през 1827 г. от Кипренски.

Към този жанр можете да добавите и автопортрет. В този случай художникът изобразява себе си. Има двоен портрет, когато картината показва хора по двойки; и групов портрет, когато е изобразена група хора. Може да се отбележи и парадният портрет, чийто тип е конният, един от най-тържествените. В миналото беше много популярен, но сега такива произведения са рядкост. Въпреки това, следващият жанр, за който ще говорим, е актуален по всяко време. За какво говорим? За това може да се досетим, като преминем през жанровете, които още не сме назовали, характеризирайки живописта. Натюрмортът е един от тях. За това ще говорим сега, продължавайки да разглеждаме живописта.

Натюрморт

Тази дума също е от френски произход, означава „мъртва природа“, въпреки че значението би било по-точно „нежива природа“. Натюрмортът е изображение на неодушевени предмети. Много са разнообразни. Нека отбележим, че натюрмортите могат да изобразяват и „жива природа“: тихи пеперуди върху венчелистчетата, красиви цветя, птици, а понякога можете да видите и човек сред даровете на природата. Това обаче все пак ще бъде натюрморт, тъй като изображението на живо същество не е най-важното нещо за художника в този случай.

Пейзажи

Пейзаж е друга френска дума, която означава „гледка към страната“. Подобно е на немското понятие „пейзаж“. Пейзажът е образ на природата в нейното многообразие. Към този жанр се присъединяват следните разновидности: архитектурен пейзаж и много популярният морски пейзаж, който често се нарича с една дума „марина“, а художниците, които работят в него, се наричат ​​маринисти. Многобройни примери за живопис в жанра на морския пейзаж могат да бъдат намерени в произведенията на И. К. Айвазовски. Една от тях е "Дъга" от 1873г.

Тази картина е направена с маслени бои и е трудна за изпълнение. Но създаването на пейзажи в акварел изобщо не е трудно, така че в уроците по рисуване тази задача беше дадена на всеки от нас.

Анималистичен жанр

Следващият жанр е анималистичен. Тук всичко е просто - това е изображение на птици и животни в природата, в естествената им среда.

Всекидневен жанр

Ежедневният жанр е изобразяване на сцени от живота, ежедневието, забавни „случки“, домашен живот и истории на обикновени хора в обикновена среда. Или можете да правите без истории - просто заснемате ежедневните дейности и дела. Такива картини понякога се наричат ​​жанрова живопис. Като пример, нека вземем горната работа на Ван Гог (1885).

Исторически жанр

Темите на живописта са разнообразни, но историческият жанр се откроява отделно. Това е изобразяване на исторически герои и събития. Бойният жанр е съседен на него, той представя епизоди на война и битка.

Религиозно-митологичен жанр

В митологичния жанр произведенията на живописта са написани по теми от древни и древни приказки за богове и герои. Трябва да се отбележи, че изображението е със светски характер и по този начин се отличава от изображенията на божествата, представени върху иконата. Между другото, религиозната живопис не е само за икони. Той обединява различни произведения, написани на религиозни теми.

Сблъсък на жанрове

Колкото по-богато е съдържанието на един жанр, толкова повече се появяват неговите „придружители“. Жанровете могат да се сливат, така че има живопис, която не може да бъде поставена в рамките на нито един от тях. В изкуството има както общо (техники, жанрове, стилове), така и индивидуално (конкретно произведение, взето отделно). Отделна снимка също съдържа нещо общо. Следователно много художници могат да имат един и същи жанр, но картините, рисувани в него, никога не са подобни. Културата на живописта има такива особености.

стил

Стилът е аспект на визуалното възприятие на картините. Може да комбинира произведения на един художник или произведения на художници от определен период, движение, школа или местност.

Академична живопис и реализъм

Академичната живопис е специално направление, чието формиране е свързано с дейността на европейските художествени академии. Появява се през 16 век в Болонската академия, от която хората се стремят да подражават на майсторите на Ренесанса. От 16-ти век методите на преподаване на рисуване започват да се основават на стриктно спазване на правила и разпоредби, следвайки формални модели. изкуството в Париж се смяташе за едно от най-влиятелните в Европа. Тя насърчава естетиката на класицизма, която доминира във Франция през 17 век. Парижката академия? След като допринесе за систематизирането на образованието, той постепенно превърна правилата на класическата посока в догма. Така академичната живопис се превърна в специално направление. През 19 век някои от най-видните прояви на академизма са произведенията на Ж. Л. Джером, Александър Кабанел и Ж. Енгр. Класическите канони са заменени от реалистични едва в края на 19-ти и 20-ти век. Именно реализмът става основен метод на обучение в академиите в началото на 20 век и се превръща в догматична система.

Барок

Барокът е стил и епоха в изкуството, характеризиращи се с аристократизъм, контраст, динамични образи, прости детайли при изобразяване на изобилие, напрежение, драматизъм, лукс, сливане на реалност и илюзия. Този стил се появява в Италия през 1600 г. и се разпространява в цяла Европа. Караваджо и Рубенс са нейните най-ярки представители. Барокът често се сравнява с експресионизма, но за разлика от последния, той няма твърде отблъскващи ефекти. Картините в този стил днес се характеризират със сложността на линиите и изобилието от орнаменти.

Кубизъм

Кубизмът е авангардно течение в изкуството, което се появява през 20 век. Негов създател е Пабло Пикасо. Кубизмът прави истинска революция в скулптурата и живописта в Европа, вдъхновявайки създаването на подобни движения в архитектурата, литературата и музиката. Художествената живопис в този стил се характеризира с рекомбинирани, разчупени предмети, които имат абстрактна форма. При изобразяването им се използват много гледни точки.

Експресионизъм

Експресионизмът е друго важно движение на модерното изкуство, което се появява в Германия през първата половина на 20 век. Отначало обхваща само поезията и живописта, а след това се разпространява и в други области на изкуството.

Експресионистите изобразяват света субективно, изкривявайки реалността, за да създадат по-голям емоционален ефект. Целта им е да накарат зрителя да се замисли. Експресията в експресионизма преобладава над изображението. Може да се отбележи, че много произведения се характеризират с мотиви на мъчение, болка, страдание, писък (работата на Едвард Мунк, представена по-горе, се нарича „Писъкът“). Художниците експресионисти изобщо не се интересуват от материалната реалност, техните картини са изпълнени с дълбок смисъл и емоционални преживявания.

Импресионизъм

Импресионизмът е стил на рисуване, насочен предимно към работа в пленера (на открито), а не в ателието. Дължи името си на картината „Импресия, изгрев“ на Клод Моне, която е показана на снимката по-долу.

Думата "импресия" на английски е впечатление. Импресионистичните картини предават предимно усещането на художника за светлина. Основните характеристики на рисуването в този стил са следните: едва видими, тънки удари; промени в осветлението, точно предадени (вниманието често се фокусира върху ефекта от изтичането на времето); отворена композиция; проста обща цел; движението като ключов елемент от човешкия опит и възприятие. Най-видните представители на такова движение като импресионизма са Едгар Дега, Клод Моне, Пиер Реноар.

Модернизъм

Следващата посока е модернизмът, възникнал като набор от тенденции в различни области на изкуството в края на 19-ти и началото на 20-ти век. Парижкият "Салон на отхвърлените" е открит през 1863 г. Тук излагаха художници, чиито картини не бяха допуснати в официалния салон. Тази дата може да се счита за датата на появата на модернизма като отделно движение в изкуството. Иначе модернизмът понякога се нарича „друго изкуство“. Целта му е да създава уникални картини, за разлика от другите. Основната характеристика на произведенията е специалната визия на автора за света.

Художниците в своята работа се бунтуваха срещу ценностите на реализма. Самосъзнанието е поразителна характеристика на тази посока. Това често води до експериментиране с формата, както и склонност към абстракция. Представителите на модернизма обръщат специално внимание на използваните материали и процеса на работа. Едни от най-ярките му представители се считат за Хенри Матис (неговата работа „Червената стая” от 1908 г. е представена по-горе) и Пабло Пикасо.

Неокласицизъм

Неокласицизмът е основното направление в живописта в Северна Европа от средата на 18 век до края на 19 век. Характеризира се с връщане към чертите на древния Ренесанс и дори времената на класицизма. В архитектурно, художествено и културно отношение неокласицизмът възниква като отговор на рококо, което се възприема като плитък и претенциозен стил в изкуството. Неокласическите художници, благодарение на доброто си познаване на църковните закони, се опитаха да въведат канони в своите произведения. Те обаче избягват просто да възпроизвеждат класически мотиви и теми. Неокласическите художници се опитват да поставят своите картини в рамките на традицията и по този начин да демонстрират своето майсторство в жанра. Неокласицизмът в това отношение е пряко противопоставен на модернизма, където импровизацията и себеизразяването се считат за добродетели. Сред най-известните му представители са Никола Пусен и Рафаело.

Поп изкуство

Последната посока, която ще разгледаме, е поп изкуството. Във Великобритания се появява в средата на 50-те години на миналия век, а в края на 50-те години в Америка. Смята се, че поп артът е възникнал като реакция на идеите на абстрактния експресионизъм, които са доминиращи по това време. Говорейки за тази посока, е невъзможно да не споменем. През 2009 г. една от картините му "Осем Елвиси" беше продадена за 100 милиона долара.

2.1 Сюрреализъм
Сюрреализмът, модернистично (модернистично) движение в литературата, изобразителното изкуство и киното, възниква във Франция през 20-те години на миналия век. и има голямо влияние върху западната култура. Сюрреализмът се характеризира с пристрастност към всичко странно, ирационално и неотговарящо на общоприетите стандарти. Самото движение е разнородно, но основната му цел е еманципацията на творческите сили на подсъзнанието и тяхното надмощие над ума. До известна степен предшественици на сюрреалистите са дадаистите (дадаизмът). Теоретикът и основателят С. Андре Бретон твърди, че тази посока трябва да разреши противоречието между мечтата и реалността и да създаде някакъв вид абсолютна реалност, свръхреалност. Въпреки всички опити на Бретон да обедини сюрреалистите, им липсваше единодушие: те постоянно спореха, отправяха взаимни обвинения и изключваха несъгласните от редиците си. Сюрреализмът се основава на теорията на Фройд за подсъзнанието и неговия метод за „свободни асоциации“ за преход от съзнание към подсъзнание. Но формите на изразяване на тези идеи са много различни сред сюрреалистите. Например, Дали със скрупулозна прецизност, „правдоподобност“ изписва всеки детайл в своите нелогични, кошмарни картини, утежнявайки впечатлението за халюцинация или делириум, докато Макс Ернст работи върху платната си сякаш автоматично, „изключвайки“ ум, предпочитайки произволни образи, често се превръща в абстракция. Жан Миро обаче се отличава от другите сюрреалистични художници по разнообразието и веселостта на своите картини. В периода между двете световни войни сюрреализмът става най-разпространеното, но и най-противоречивото течение. Неговите последователи се появяват не само в Европа, но и в САЩ, където много писатели и художници емигрират по време на войната. Отличаващ се с широтата на подхода и богатството на формите, сюрреализмът улесни възприемането на кубизма и абстрактното изкуство, а неговите методи и техники повлияха на творчеството на писатели и художници в много страни по света.

2.2 Кубизъм
Кубизъм, модернистично движение в живописта от 1-вата четвърт на 20 век. Появата му датира от 1907 г. и се свързва с творчеството на Пикасо и Брак, по-специално с картината на Пикасо „Les Demoiselles d’Avignon“, която изобразява деформирани, грапави фигури и няма перспектива или светлосенка. Кубизмът означава пълно прекъсване на реалистичното изобразяване на природата, което доминира в европейската живопис след Ренесанса. Целта на Пикасо и Брак е да построят триизмерна форма върху равнина, като я разделят на геометрични елементи. И двамата художници гравитираха към прости, осезаеми форми, неусложнени сюжети, което е особено характерно за ранния период на кубизма, така наречения "Сезан" (1907-1909), който се развива под влиянието на африканската скулптура и творчеството на Сезан. Мощни обеми изглеждат изложени върху платното, цветът засилва обема (Пикасо „Три жени“, 1909 г.). Следващият период (1910-1912) се нарича "аналитичен": обектът е смачкан на малки ръбове, които са ясно отделени един от друг, формата на обекта изглежда размазана върху платното, практически няма цвят като такъв (Брак " В чест на Й. С. Бах“, 1912). В последния, известен като „синтетичен“ кубизъм, картините се трансформират в цветни, плоски панели (Пикасо „Механата“, 1913-1914), формите стават по-декоративни, в рисунката се въвеждат буквени шаблони и различни стикери, образувайки колажи. Хуан Грис пише по този начин, заедно с Брак и Пикасо. Първата световна война слага край на сътрудничеството между Брак и Пикасо, но работата им оказва голямо влияние върху други движения, включително футуризъм, орфизъм, пуризъм и вортицизм. Влиянието на кубизма във визуалните изкуства продължава до 60-те години.

2.3 Абстрактно изкуство
Абстракционизмът е най-крайната школа на модернизма. Абстрактното изкуство, наричано още нефигуративно изкуство, възниква като движение през 10-те години на ХХ век. Тъй като художниците от това движение отричат ​​всякакво представяне в изкуството и отказват да изобразяват обективния свят, абстракционизмът се нарича още необективност. Теоретиците на абстракционизма го извеждат от Сезан чрез кубизма. Именно по този път – от репрезентацията през „идеалната реалност” на т. нар. синтетичен кубизъм до пълната нерепрезентация – един от основоположниците на „неопластиката”, холандският художник Пит (Питър Корнелис) Мондриан (1872-1944 г.) ), взе, който вярваше, че „чистата пластичност създава чиста реалност“. През 10-те години обаче Мондриан е свързан с кубизма, пренасяйки неговите принципи в простото рисуване върху равнина. У дома, в Холандия, Мондриан имаше група последователи, обединени около списание "Стил". Програмата на списанието провъзгласява създаването на универсален образ на света чрез правоъгълници с различни цветове, разделени един от друг с дебела черна линия. Така се появиха безброй композиции без име, под цифри и букви. Мондриан беше буквално обсебен от култа към баланса между вертикали и хоризонтали и скъса със списание Style, когато то въведе ъгъла от 45 градуса като компонент на експресивния език през 1924 г. Идеите на Мондриан са възприети от италианските „конкретнисти“ през 40-те години на миналия век. Въз основа на изявлението на Мондриан, че „няма нищо по-конкретно от линия, цвят, равнина“, те започнаха да създават „нова реалност“ от линии и равнини с отворени жълти, червени и сини цветове. Друг основоположник на абстрактното изкуство, Василий Кандински (1866-1944), създава първите си „безпредметни“ творби още преди кубистите. Московчанин по рождение, Кандински първо се подготвя за юридическа кариера, през 1896 г. идва в Мюнхен, където учи в училището на А. Ажбе (1897-1898) и в Академията на изкуствата (1900) с Ф. фон Щук, и започва да се интересува от Гоген и фовистите, популярната популярна печатна книга. През 1911 г., заедно с Ф. Марк, създава сдружението "Син ездач". В своя труд „За духовното в изкуството” той провъзгласява отклонение от природата, от природата към „трансценденталните” същности на явленията и предметите; той активно се занимава с проблемите на сближаването на цвета с музиката. Кандински също е силно повлиян от символизма. Несъмнено от символиката е разбирането му за черното, например, като символ на смъртта, бялото - като раждане, червеното - като смелост. Хоризонталната линия олицетворява пасивното начало, вертикалната линия - активното начало. Изследователите с право смятат, че Кандински е последният представител на литературно-психологическия символизъм, подобно на Моро във Франция и Чюрльонис в Литва, и в същото време първият абстрактен художник. „Обективността е вредна за моите картини“, пише той в работата си „Текстът на художника“. Произведенията на Кандински от този период са цветни платна, в които безформени петна с интензивен цвят в красиви комбинации са пресечени от извити или криволичещи линии, понякога напомнящи йероглифи. Това само по себе си вече беше голямо престъпление; от гледна точка на Мондриан те са доста близки до детската спонтанност на картините на Клее. Творбите на Кандински донякъде напомнят фотографски ефекти от светлина, уловена в боя. През 1914 г. Кандински се завръща в Русия, той е един от организаторите на Музея на изобразителната култура в Петроград и Инхук в Москва. От края на 1921 г. живее в Германия. В началото на 20-те години Кандински се увлича от така наречения геометричен абстракционизъм (за разлика от живописния абстракционизъм от предишния период). През 1933 г., с идването на фашизма в Германия, Кандински емигрира във Франция, където живее до края на дните си. Късните творби на Кандински изглежда съчетават принципите на живописния и геометричния абстракционизъм. Третият основоположник на абстрактната живопис е Казимир Малевич (1878-1935). Той съчетава импресионизма на Кандински и геометричния абстракционизъм на Мондриан на Сезан в създадения от него супрематизъм (от френското supreme - най-високо). Студент в Киевското художествено училище, след това в Московското училище по живопис, скулптура и архитектура, Малевич преминава през страстта към импресионизма, след това към кубизма, а през 10-те години е повлиян от футуристите Кар и Бочони. От 1913 г. той създава своя собствена система за абстрактна живопис, излагайки на публиката картината "Черен квадрат", обикновен черен квадрат, нарисуван на бял фон, и нарича тази система "динамичен супрематизъм". В своите теоретични трудове той казва, че в супрематизма „не може да се говори за живопис, живописта отдавна е остаряла, а самият художник е предразсъдък от миналото“. В началото на 30-те години той се връща към фигуративната живопис в реалистичната традиция, със съветска тема („Момиче с червена палка“). „Черният квадрат“ на Малевич е останал в историята като най-висшият израз на крайностите на модернистичното изкуство. Специално направление в абстрактното изкуство - районизъм - беше ръководено от Михаил Ларионов и Наталия Гончарова. Според Ларионов всички обекти се виждат като сбор от лъчи. Задачата на художника е да намери пресечната точка на лъчи, събиращи се в определени точки, т.е. цветни линии, които ги представят в живописта. С идването на власт на фашистите центровете на абстрактното изкуство се преместват в Америка. През 1937 г. в Ню Йорк е създаден музей на необективната живопис, основан от семейството на милионера Гугенхайм, а през 1939 г. - Музеят на модерното изкуство, създаден със средства на Рокфелер. По време на Втората световна война и след нейния край всички ултралеви сили на света на изкуството се събират в Америка. В следвоенния период нова вълна на абстрактното изкуство беше подкрепена от огромния мащаб на рекламата и организирания успех. Капиталът се инвестира в произведения на абстрактната живопис. Джаксън Полок (1912-1956) се смята за „звездата“ на американското абстрактно изкуство от следвоенния период. Полок измисли термина "капене" - пръскане на боя върху платното без използване на четка. Това се нарича още абстрактен експресионизъм в Америка, във Франция - ташизъм (от думата tache - петно), в Англия - екшън живопис, в Италия - ядрена живопис (pittura nuklearnе). Във Франция през първата половина на 40-те години настъпи известно затишие в областта на абстрактното изкуство. Това се дължи на укрепването на позициите на реалистичното изкуство след войната, след движенията на Народния фронт и Съпротивата. От края на 40-те години абстракционистите се обединяват отново в „Salon des realites nouvelles“ и издават специално списание „Aujourd“ hui art et architecture.“ Неговите теоретици са Леон Деган и Мишел Сейфорт. През 50-те години страстта към абстракционизма е широко разпространена във Франция Съперникът Американският Полок е представен от Жорж Матийо, който придружава своите „творчески сесии“ в присъствието на публиката с маскарадни маскировки и музика и нарича огромните си творения доста сюжетно (например „Битката при Бувин“ ), което обаче не ги прави по-малко абстрактни. Както пише теоретикът на абстракционизма Л. Вентули, „... изкуството се нарича абстрактно, когато се абстрахира не от личността на художника, а от обектите на външния свят. ..”.

2.4 Фовизъм
Фовизъм - (фр. fauvisme, от fauve - див), движение във френската живопис от началото на ХХ век. Ироничното прозвище "les fauves" (дивите) е дадено от критиците на група художници, изявили се през 1905 г. в парижкия "Салон на независимите" (Анри Матис, Андре Дерен, Морис Вламинк, Албер Марке и др.). Фовизмът въплъщава естетически протест срещу художествените традиции на 19 век. За кратък период от време (1905-1907 г.) майстори с различни индивидуалности са обединени от влечението към образните формули, колористичните контрасти и острите композиционни ритми, търсенето на свежи импулси в примитивното творчество, средновековното и ориенталското изкуство. Моделирането на обема, пресъздаването на пространството и въздушната линейна перспектива са изтласкани настрана сред фовистите от пряката емоционална изразителност на интензивно цветно петно, декоративни структури, които служат предимно като израз на ярките емоции на художника.

2.5 Футуризъм
Футуризъм - (от латински futurum - бъдеще), общото наименование на авангардните художествени движения от 1910-те - началото на 20-те години в някои европейски страни (предимно Италия и Русия), близки в далечни декларации (прокламиране на идеите за създаване на "изкуство" на бъдещето“, отричане на художествените традиции и др.) и избрани теми. В Италия футуристите възприемат бъдещето с възвишен оптимизъм и абсолютизират външните признаци на техническата цивилизация като нови естетически ценности, маркирайки модел на бъдещия световен ред, нов тип масово съзнание. Във футуризма има комбинация от гледни точки и умножаване на контури, сякаш причинени от бързо движение, деформация на фигури, резки контрасти в цветовата структура, хаотично навлизане в композицията на фрагменти от текст и др. Представители: лидер и теоретик F.T. Маринети, У. Бочони, К. Кара и др. В Русия футуризмът е по-ясно изразен в литературата (Д. Д. Бурлюк, В. В. Маяковски и др.) И се характеризира с нихилистични лозунги, проповядващи индивидуалистичен бунт, естетизация на технологиите и градската култура, искания за демократизация на изкуството.

2.6 Маниеризъм
Маниеризъм (маниеризъм, италиански maniera - стил, маниер), термин, използван в теорията на изобразителното изкуство. Става популярен благодарение на художника и биограф от 16-ти век Вазари, който го характеризира като притежаващ висока степен на изящество, уравновесеност и изтънченост в изкуството. Въпреки това, от 17-ти век, повечето критици, вярващи, че италианското изкуство от втората половина на 16-ти век е в упадък в сравнение с върховете, постигнати по време на Високия Ренесанс (Ренесанс) от Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаело, терминът "маниеризъм" “ се прилага към изкуството, което се характеризира с метафорично богатство, склонност към хипербола и гротеска. В резултат на това маниеризмът започва да се нарича стилът, възприет от школите на италианското изкуство, предимно римското, през периода между високия ренесанс и бароковата епоха (около 1520-около 1600 г.). Прието е да се говори за маниеризъм, като се започне от Рафаело, когато той изоставя изключително ясните и балансирани изразни средства, характерни за Високия Ренесанс, и започва да работи по по-изтънчен начин. Маниеризмът се характеризира с издължени фигури, напрегнати пози (contrapposto), необичайни или странни ефекти, свързани с размер, осветление или перспектива, и ярки цветове. В скулптурата вестителят на маниеризма беше Джамболоня, чието изкуство, оказало огромно влияние върху неговите съвременници, съчетава причудливи пози с изящна гладкост и елегантност на формите. Водещите маниеристични скулптури включват Бенвенуто Челини. Маниеризмът в архитектурата е толкова труден за дефиниране, колкото и в живописта и скулптурата, но често предполага съзнателно презрение към установените правила и класическите традиции. Извън Италия, представители на школата Фонтенбло във Франция, холандски художници от 16-ти век (много от тях възприемат идеите на маниеризма след посещение в Италия) и Ел Греко в Испания понякога се наричат ​​маниеристи. В литературата и музиката терминът "маниеризъм" се използва дори по-широко, отколкото в изобразителното изкуство и архитектурата. Така литературните произведения, които се характеризират с богато украсени срички, сложен синтаксис и използването на измислени и фантастични образи, се наричат ​​„маниерни“. Най-известният пример е двутомният роман Euphues (1578-1580) от Джон Лили, който дава началото на термина "Euphuism", което означава силно изкуствен и претенциозен стил. В музиката, например, творчеството на италианския композитор, автор на мадригали Карло Джезуалдо ди Веноза, чиито произведения се отличават с необичайна хармония, внезапни промени в темпото и ярък израз, се счита за "маниеристично".

2.7 Възраждане
Ренесанс (Ренесанс), епоха на интелектуален и артистичен разцвет, която започва в Италия през 14 век, достига своя връх през 16 век и оказва значително влияние върху европейската култура. Терминът "Ренесанс", който означава връщане към ценностите на античния свят (въпреки че интересът към римската класика възниква през 12 век), се появява през 15 век и получава теоретична обосновка през 16 век в произведенията на Вазари , посветен на творчеството на известни художници, скулптори и архитекти. По това време се формира идеята за хармонията, царяща в природата, и за човека като венец на нейното сътворение. Сред изключителните представители на тази епоха са художникът Алберти; архитект, художник, учен, поет и математик Леонардо да Винчи. Архитектът Брунелески, новаторски използвайки елинистичните традиции, създава няколко сгради, които не са по-ниски по красота от най-добрите антични образци. Много интересни са произведенията на Браманте, когото неговите съвременници смятат за най-талантливия архитект на Високия Ренесанс, и Паладио, който създава големи архитектурни ансамбли, които се отличават с целостта на своята художествена концепция и разнообразието от композиционни решения. Театралните сгради и декори са построени въз основа на архитектурното произведение на Витрувий (около 15 г. пр.н.е.) в съответствие с принципите на римския театър. Драматурзите следват строги класически канони. Аудиторията по правило имаше формата на конска подкова, пред нея имаше повдигната платформа с просцениум, отделена от основното пространство с арка. Това беше прието като модел за сграда на театър за целия западен свят за следващите пет века. Ренесансовите художници създават последователна концепция за света с вътрешно единство и изпълват традиционни религиозни сюжети със земно съдържание (Никола Пизано, края на 14 век; Донатело, началото на 15 век). Реалистичното изобразяване на човека става основна цел на художниците от Ранния Ренесанс, както свидетелстват произведенията на Джото и Мазачио. Изобретяването на начин за предаване на перспектива допринесе за по-правдивото отразяване на реалността. Една от основните теми на картините на Ренесанса (Гилбърт, Микеланджело) е трагичната непримиримост на конфликтите, борбата и смъртта на героя. Около 1425 г. Флоренция става център на Ренесанса (флорентинско изкуство), но до началото на 16 век – Високия Ренесанс – водещо място заемат Венеция (венецианско изкуство) и Рим. Културните центрове са били дворовете на херцозите на Мантуа, Урбино и Ферада. Основните покровители на изкуствата са Медичите и папите, особено Юлий II и Лъв X. Най-големите представители на "северния Ренесанс" са Дюрер, Кранах Стари и Холбейн. Северните художници имитират предимно най-добрите италиански образци и само няколко, като Ян ван Скорел, успяват да създадат свой собствен стил, който се отличава с особена елегантност и изящество - маниеризъм. Ренесансови художници: Алберти, Леонардо да Винчи, Ботичели, Тициан, Микеланджело, Рафаело.

2.8 Авангард
Авангардизмът (на френски avant-gardisme - напред и стража) е общото наименование на художествените течения от 20 век, които се характеризират с търсенето на нови, непознати, често частни форми и средства за художествено показване, подценяване или пълно отричане на традициите и абсолютизиране на новаторството. Роден от духовната атмосфера на 20 век с неговите грандиозни катаклизми, той илюстрира не само противоречията между различните системи и техники на композиция, но и борбата на идеологически позиции. Някои теоретици и практици на авангарда декларират създаването на елитарно изкуство, чуждо на социалните задачи, докато други, напротив, търсят принципно нови изразни средства за предаване на чувства на социален протест и революционно съдържание. Той се откроява главно не в завършени форми, а в тенденции към изместване на традиционни теми, сюжети и принципи на композиция, хипертрофия на конвенцията, силна (звукова, цветова, пластична и др.) изразителност. Характеризира се и с разрушаването на обективно определени граници между видовете и жанровете (проникването на поезията и музиката в прозата и „прозаизацията“ на поезията, прехвърлянето на принципите на музикалната композиция към литературата и визуалните изкуства). Противоречивостта на авангардизма проличава в тенденцията на някои негови направления към формализъм (победата на словесната образност и символика над съдържанието в поезията и прозата, акцентът върху цвета, композиционната структура и безсюжетността в живописта, атоналността и какофонията в музика), а други, напротив, към отричането на естетическата същност на изкуството и утилитаризма (сливането на изкуството с производството, ежедневието и политическата журналистика). В екстремните си форми се слива с декаданса, модернизма и абстрактното изкуство. Талантливи представители на ранния авангардизъм. 20-ти век (футуризъм, имажизъм, конструктивизъм и др.), които последователно се придържаха към прогресивен светоглед, успяха да преодолеят тесните граници на тези тенденции и обогатиха културата с нови художествени ценности

2.9 Барок
Барок (бароково изкуство), стил на европейското изкуство и архитектура от 17-ти и 18-ти век. В различни времена терминът "барок" е имал различни значения. Отначало имаше обидна конотация, внушаваща абсурдност, абсурд (може би се връща към португалската дума, означаваща грозна перла). Понастоящем се използва в произведения за история на изкуството, за да се определи стилът, който доминира в европейското изкуство между маниеризма и рококо, тоест приблизително от 1600 г. до началото на 18 век. От бароковия маниеризъм изкуството наследява динамика и дълбока емоционалност, а от Ренесанса - солидност и великолепие: характеристиките на двата стила хармонично се сливат в едно цяло. Най-характерните черти на барока - крещяща цветистост и динамика - съответстват на самочувствието и апломба на новомогъщата Римокатолическа църква. Извън Италия бароковият стил пуска най-дълбоки корени в католическите страни, а например във Великобритания влиянието му е незначително. В началото на традицията на бароковото изкуство в живописта стоят двама велики италиански художници - Караваджо и Анибале Карачи, които създават най-значимите произведения през последното десетилетие на 16 век - първото десетилетие на 17 век. Италианската живопис от края на 16 век се характеризира с неестественост и стилистична несигурност. Караваджо и Карачи със своето изкуство възстановяват неговата цялост и изразителност. В италианската архитектура най-видният представител на бароковото изкуство е Карло Мадерна (1556-1629), който скъсва с маниеризма и създава свой собствен стил. Основното му творение е фасадата на римската църква Санта Сузана (1603 г.). Основната фигура в развитието на бароковата скулптура е Лоренцо Бернини, чиито първи шедьоври, изпълнени в новия стил, датират от приблизително 1620 г. Параклисът Коранаро в църквата Санта Мария дела Виктория (1645-1652) се счита за квинтесенцията на барока , впечатляващо съчетание на живопис, скулптура и архитектура. Най-видните италиански съвременници на Бернини през този зрял бароков период са архитектът Боромини и художникът, както и архитектът Пиетро да Кортона. Малко по-късно Андреа дел Поцо (1642-1709) работи; неговият рисуван таван в църквата Сант Игнацио в Рим (Апотеоз на Св. Игнатий от Лойола) е кулминацията на бароковата тенденция към помпозен блясък. През 17-ти век Рим е столицата на изкуството на света, привличайки художници от цяла Европа, а бароковото изкуство скоро се разпространява извън „вечния град“. Във всяка барокова страна изкуството се подхранва от местните традиции. В някои страни стана по-екстравагантен, като например в Испания и Латинска Америка, където се разви стил на архитектурна декорация, наречен чуригереско; в други беше приглушено в полза на по-консервативните вкусове. В католическа Фландрия бароковото изкуство процъфтява в творчеството на Рубенс; в протестантска Холандия има по-малко забележимо влияние. Наистина, зрелите произведения на Рембранд, изключително живи и динамични, са ясно белязани от влиянието на бароковото изкуство. Във Франция тя се изразява най-ясно в служба на монархията, а не на църквата. Луи XIV разбира значението на изкуството като средство за прослава на кралската власт. Негов съветник в тази област беше Чарлз Лебрен, който ръководеше художниците и декораторите, работещи в двореца на Луи във Версай. Версай, със своята грандиозна комбинация от пищна архитектура, скулптура, живопис, декоративно и ландшафтно изкуство, беше един от най-впечатляващите примери за сливането на изкуствата. Бароковото изкуство допринася за създаването на театрални ефекти, постигнати чрез осветление, фалшива перспектива и ефектни сценични декорации. Това обаче не отговаряше много на сдържания британски вкус. В английската архитектура влиянието на барока се забелязва едва в началото на 18 век в уникалното творчество на Ванбру и Хоуксмор. Някои от по-късните творби на Рен се доближават до този стил. Желанието на бароковото изкуство за мащаб се усеща във величествените дизайни на катедралата "Св. Павел" (1675-1710) и болницата "Гринуич" (началото на 1696 г.). Барокът отстъпи място на по-спокойния паладианизъм. Във всички видове изкуства барокът се слива с по-лекия стил рококо. Това сливане беше много плодотворно в Централна Европа, особено в Дрезден, Виена и Прага.

ЖАНРОВЕ В ЖИВОПИСТА(фр. genre - род, тип) - исторически установено разделение на произведенията на изкуството в съответствие с темите и обектите на изображението. В съвременната живопис има следните жанрове: портрет, исторически, митологичен, битка, бит, пейзаж, натюрморт, анималистичен жанр.

Въпреки че понятието „жанр“ се появи в живописта сравнително наскоро, някои жанрови различия съществуват от древни времена: изображения на животни в пещери от палеолита, портрети на Древен Египет и Месопотамия от 3 хил. пр. н. е., пейзажи и натюрморти в елинистическия и Римски мозайки и фрески. Формирането на жанра като система в стативната живопис започва в Европа през 15-16 век. и завършва основно през 17 век, когато освен разделянето на изобразителното изкуство на жанрове се появява и понятието т.нар. “високи” и “ниски” жанрове в зависимост от предмета на изображението, темата, сюжета. „Високият“ жанр включваше исторически и митологични жанрове, а „ниският“ жанр включваше портрет, пейзаж и натюрморт. Тази градация на жанровете продължава до 19 век. макар и с изключения.

И така, през 17 век. в Холандия „ниските“ жанрове станаха водещи в живописта (пейзаж, ежедневие, натюрморт), но церемониалният портрет, който формално принадлежеше към „ниския“ жанр на портрета, не принадлежеше към него. Превърнали се във форма на показване на живота, жанровете на живописта, въпреки стабилността на общите им характеристики, не са неизменни, те се развиват заедно с живота, променяйки се с развитието на изкуството. Някои жанрове умират или придобиват ново значение (например митологичният жанр), възникват нови, обикновено в рамките на съществуващи преди това (например в пейзажния жанр архитектурен пейзажИ яхтено пристанище). Появяват се произведения, които съчетават различни жанрове (например комбинация от битов жанр с пейзаж, групов портрет с исторически жанр).

Нарича се жанр на изобразителното изкуство, който отразява външния и вътрешния облик на човек или група хора портрет. Този жанр е широко разпространен не само в живописта, но и в скулптурата, графиката и др. Основните изисквания към портрета са предаването на външна прилика и разкриването на вътрешния свят, същността на характера на човека. Въз основа на характера на изображението се разграничават две основни групи: парадни и камерни портрети. Церемониален портрет показва човек в цял ръст (на кон, изправен или седнал), на фона на архитектурен или пейзажен фон. Камерният портрет използва изображение с половин дължина или дължина на гърдите на неутрален фон. Има двойни и групови портрети. Портрети, рисувани върху различни платна, но съгласувани помежду си по композиция, формат и цвят, се наричат ​​сдвоени. Портретите могат да образуват ансамбли - портретни галерии, обединени по професионални, семейни и други характеристики (галерии с портрети на членове на корпорация, гилдия, офицери от полка и др.). Автопортретът е специална група - изобразяването на себе си от художника.

Портретът е един от най-старите жанрове на изобразителното изкуство, първоначално е имал култово предназначение и се е идентифицирал с душата на починалия. В древния свят портретът се развива повече в скулптурата, както и в рисуваните портрети - фаюмски портрети от 1-3 век. През Средновековието концепцията за портрет е заменена от обобщени изображения, въпреки че във фрески, мозайки, икони и миниатюри има някои индивидуални черти в изобразяването на исторически личности. Късната готика и Ренесансът са бурен период в развитието на портрета, когато се осъществява формирането на портретния жанр, достигащ върховете на хуманистичната вяра в човека и разбиране на неговия духовен живот. През 16 век появяват се следните типове портрет: традиционен (в полуръст или цял ръст), алегоричен (с атрибути на божественото), символичен (базиран на литературно произведение), автопортрет и групов портрет: Джото Енрико Скровени(ок. 1305, Падуа), Ян ван Ейк Портрет на двойката Арнолфини(1434, Лондон, Национална галерия), Леонардо да Винчи Джоконда(ок. 1508, Париж, Лувър), Рафаел Дама с воал(ок. 1516, Флоренция, Галерия Пити), Тициан Портрет на млад мъж с ръкавица(1515–1520, Париж, Лувър), А. Дюрер Портрет на млад мъж човек(1500, Мюнхен, Старата пинакотека), Х. Холбайн Пратеници(Лондон, Национална галерия), Рембранд Нощната стража(1642, Амстердам, Rijksmuseum), Автопортрет с Саския на колене(ок. 1636 г., Дрезден, картинна галерия). Благодарение на Ван Дайк, Рубенс и Веласкес се появява тип кралски, придворен портрет: моделът е показан в цял ръст на фона на драперия, пейзаж, архитектурен мотив (Ван Дайк Портрет на Чарлз I, ДОБРЕ. 1653, Париж, Лувър).

Успоредно с това има линия на психологически портрет, портрет на характер, групов портрет: Ф. Халс Групов портрет на компанията на Св. Адриана(1633 г., Харлем, музей на Франс Халс), Рембранд Синдици(1662, Амстердам, Rijksmuseum), Ел Греко Портрет на Ниньо де Гевара(1601, Ню Йорк, Метрополитен музей на изкуствата), Д. Веласкес Портрет на Филип IV(1628, Мадрид, Прадо), Ф. Гоя Млечница от Бордо(1827, Мадрид, Прадо), Т. Гейнсбъро Портрет на актрисата Сара Сидънс(1784–1785, Лондон, Национална галерия), F.S. Рокотов Портрет на Майков(ок. 1765, Москва, Третяковска галерия), Д. Г. Левицки Портрет на М.А. Дякова(1778, Москва, Третяковска галерия). Интересен и разнообразен портрет на 19-20 век: Д. Енгр Портрет на мадам Рекамие(1800, Париж, Лувър), Е. Мане Флейтист(1866, Париж, Лувър), О. Реноар Портрет на Жана Самари(1877, Москва, Държавен музей за изящни изкуства Пушкин), В. Ван Гог Автопортрет с превързано ухо(1889, Чикаго, колекция Блок), О. А. Кипренски Портрет на поет Пушкин(1827, Москва, Третяковска галерия), I.N. Kramskoy Портрет на писателя Лев Толстой(1873, Москва, Третяковска галерия), I.E. Репин Мусоргски(1881, Москва, Третяковска галерия).

Нарича се жанр на изобразителното изкуство, посветен на исторически събития и герои исторически жанр.Историческият жанр, който се характеризира с монументалност, се развива дълго време в стенописта. От Ренесанса до 19 век. художниците са използвали сюжети от древната митология и християнски легенди. Често реални исторически събития, изобразени в картината, са наситени с митологични или библейски алегорични герои. Историческият жанр се преплита с други - битов жанр (исторически и битови сцени), портрет (изображения на исторически личности от миналото, портретно-исторически композиции), пейзаж ("исторически пейзаж"), и се слива с баталния жанр.

Историческият жанр е въплътен в стативи и монументални форми, миниатюри и илюстрации. Възникнал в древни времена, историческият жанр съчетава реални исторически събития с митове. В страните от Древния Изток имаше дори видове символични композиции (апотеозът на военните победи на монарха, прехвърлянето на властта към него от божество) и наративни цикли от картини и релефи.

В Древна Гърция имаше скулптурни изображения на исторически герои ( Тираноубийци, 477 пр.н.е.), в Древен Рим са създадени релефи със сцени на военни кампании и триумфи ( Колоната на Траянв Рим, ок. 111–114). През Средновековието в Европа историческите събития са отразени в миниатюрни хроники и икони. Историческият жанр в стативната живопис започва да се оформя в Европа през Ренесанса, през 17-18 век. той се смяташе за "висок" жанр, подчертаващ (религиозни, митологични, алегорични, исторически теми). Една от първите реалистични стативни картини беше Предаването на БредаВеласкес (1629–1631, Мадрид, Прадо). Картините от историческия жанр са изпълнени с драматично съдържание, високи естетически идеали и дълбочина на човешките взаимоотношения: Тинторето Битката при Зара(ок. 1585 г., Венеция, Дворецът на дожите), Н. Пусен Щедростта на Сципион(1643, Москва, Държавен музей за изящни изкуства Пушкин), J.L. David Клетвата на Хорации(1784, Париж, Лувър), Е. Мане Екзекуция Император Максимилиан(1871, Будапеща, Музей на изящните изкуства). Началото на 19 век – нов етап в развитието на историческия жанр, започнал с появата на романтизма и възхода на утопичните очаквания: Е. Делакроа Превземането на Константинопол от кръстоносците(1840, Париж, Лувър), К. Брюлов Последният ден на Помпей(1830–1833, Санкт Петербург, Руски музей), А.А.Иванов Явяването на Христос пред хората(1837–1857, Москва, Третяковска галерия). Реализъм от втората половина на 19 век. се обръща към разбирането на историческите трагедии на народи и личности: I.E. Repin Иван Грозни и неговият син Иван(1885, Москва, Третяковска галерия), V.I.Surikov Меншиков в Березов(1883, Москва, Третяковска галерия). В изкуството на 20в. има интерес към античността като източник на красота и поезия: В. А. Серов Петър I(1907, Москва, Третяковска галерия), художници на асоциацията "Светът на изкуството". В съветското изкуство водещо място заема историческата и революционна композиция: Б. М. Кустодиев Болшевик(1920, Москва, Третяковска галерия).

Нарича се жанр на изобразителното изкуство, посветен на героите и събитията, за които разказват митовете на древните народи митологичен жанр(от гръцки mythos - легенда). Митологичният жанр влиза в контакт с историческия и се оформя през Ренесанса, когато древните легенди предоставят богати възможности за въплъщение на истории и герои със сложни етични, често алегорични нюанси: С. Ботичели Раждането на Венера(ок. 1484, Флоренция, Уфици), А. Мантеня Парнас(1497, Париж, Лувър), Джорджоне Спяща Венера(ок. 1508–1510, Дрезден, картинна галерия), Рафаел Атинско училище(1509–1510, Рим, Ватикана). През 17 век – начало 19 век в произведенията на митологичния жанр се разширява кръгът от морални и естетически проблеми, които са въплътени във високи художествени идеали и или се доближават до живота, или създават празничен спектакъл: Н. Пусен Спяща Венера(1620-те, Дрезден, картинна галерия), П. П. Рубенс вакханалия(1619–1620, Москва, Държавен музей за изящни изкуства Пушкин), Д. Веласкес Бакхус (Пияници) (1628–1629, Мадрид, Прадо), Рембранд Даная(1636, Санкт Петербург, Ермитаж), Г. Б. Тиеполо Триумф на Амфитрита(ок. 1740 г., Дрезден, картинна галерия). От 19–20 век. Популярни стават теми от германски, келтски, индийски и славянски митове.

Боен жанр(от френски bataille - битка) е жанр на живописта, който е част от историческия, митологичен жанр и е специализиран в изобразяването на битки, военни подвизи, военни действия, прославяне на военната доблест, яростта на битката и триумфа на победата. Баталната живопис може да включва елементи от други жанрове - битови, портретни, пейзажни, анималистични, натюрморти. Художниците редовно се обръщат към баталния жанр: Леонардо да Винчи Битката при Ангиари(не е запазен), Микеланджело Битката при Кашин(не е запазен), Тинторето Битката при Зара(ок. 1585 г., Венеция, Дворецът на дожите), Н. Пусен, А. Вато Трудностите на войната(ок. 1716, Санкт Петербург, Ермитаж), Ф. Гоя Бедствия на войната(1810–1820), Т. Жерико Ранен кирасир(1814, Париж, Лувър), Е. Делакроа Хиоско клане(1824, Париж, Лувър), В. М. Васнецов След клането на Игор Святославович с половци(1880, Москва, Третяковска галерия).

Жанр на изобразителното изкуство, който показва сцени от ежедневието, личния живот на човек, ежедневието от селския и градския живот, се нарича битов жанр. Апелите към живота и морала на хората вече се намират в картините и релефите на Древния Изток, в древната вазова живопис и скулптура, в средновековните икони и часовници. Но битовият жанр се откроява и придобива характерни форми само като явление на светското стативно изкуство. Основните му характеристики започват да се оформят през 14-15 век. в олтарни картини, релефи, гоблени, миниатюри в Холандия, Германия, Франция. През 16 век В Холандия ежедневният жанр започва да се развива бързо и се изолира. Един от основателите му е И. Бош ( Седем смъртни гряха, Мадрид, Прадо). Развитието на ежедневния жанр в Европа беше силно повлияно от творчеството на П. Брьогел: той преминава към чист ежедневен жанр, показва, че ежедневието може да бъде обект на изследване и източник на красота ( Селско хоро, Селска сватба- ДОБРЕ. 1568 г., Виена, Художествено-исторически музей). 17-ти век може да се нарече век на „жанра“ във всички живописни школи в Европа: Микеланджело и Караваджо Гадателка(Париж, Лувър), П. П. Рубенс Селянин танцувам(1636–1640, Мадрид, Прадо), Й. Йорданс Фестивал на краля на боба(ок. 1638, Санкт Петербург, Ермитаж), А. ван Остаде Флейтист(ок. 1660 г., Москва, Държавен музей за изящни изкуства Пушкин), Ян Стеен Пациент и лекар(ок. 1660, Амстердам, Rijksmuseum), Ф. Халс циганин(ок. 1630 г., Париж, Лувър), Джон Вермеер от Делфт Момиче с писмо(края на 1650-те, Дрезден, картинна галерия). През 18 век във Франция жанровата живопис се свързва с изобразяването на галантни сцени, „пасторали“, става изискана и грациозна, иронична: А. Вато Бивак(ок. 1710 г., Москва, Държавен музей за изящни изкуства Пушкин), Ж. Б. Шарден Молитва преди обяд(ок. 1737 г., Санкт Петербург, Ермитаж). Произведенията от ежедневния жанр бяха разнообразни: те показаха топлината на домашния живот и екзотиката на далечни страни, сантиментални преживявания и романтични страсти. Домакински жанр през 19 век. в живописта той утвърждава демократични идеали, често с критични оттенъци: О. Домие перачка(1863, Париж, Лувър), Г. Курбе Работилница на художника(1855 г., Париж, музей Орсе). Битовият жанр, фокусиран върху показването на селския живот и живота на градския жител, се развива ярко в руската живопис от 19 век: А. Г. Венецианов На обработваемата земя. Пролет(1820-те, Москва, Третяковска галерия), П. А. Федотов Сватовство на Майор(1848, Москва, Третяковска галерия), В. Г. Перов Последната механа на заставата(1868, Москва, Третяковска галерия), I.E. Репин Не дочакахме(1884, Москва, Третяковска галерия).

Жанрът на изобразителното изкуство, където основното е изображението на природата, околната среда, гледките към провинцията, градовете, историческите паметници, се нарича пейзаж (на френски paysage). Има селски, градски пейзажи (включително ведута), архитектурни, индустриални, изображения на водната стихия - морски (яхтено пристанище) и речни пейзажи

През античността и средновековието пейзажите се появяват в рисунки на храмове, дворци, икони и миниатюри. В европейското изкуство венецианските художници от Ренесанса (А. Каналето) са първите, които се обръщат към изобразяването на природата. От 16 век пейзажът става самостоятелен жанр, формират се неговите разновидности и направления: лиричен, героичен, документален пейзаж: П. Брьогел Това е гаден ден (Пролетна нощ) (1565, Виена, Художествено-исторически музей), П. П. Рубенс Лов на лъвове(ок. 1615 г., Мюнхен, Старата пинакотека), Рембранд Пейзаж с езерце и сводест мост(1638, Берлин – Далем), Й. ван Руисдал горско блато(1660-те, Дрезден, Художествена галерия), Н. Пусен Пейзаж с Полифем(1649, Москва, Държавен музей за изящни изкуства Пушкин), К. Лорен По обяд(1651, Санкт Петербург, Ермитаж), Ф. Гуарди Пиаца Сан Марко, изглед към базиликата(ок. 1760–1765, Лондон, Национална галерия). През 19 век творческите открития на майсторите на пейзажа, насищането му със социални въпроси, развитието на пленера (изобразяване на природната среда) завършиха с постиженията на импресионизма, които дадоха нови възможности за изобразително предаване на пространствена дълбочина, променливост на светло-въздушната среда , сложност на цветовете: Барбизоните, К. Коро Сутрин във Венеция(ок. 1834 г., Москва, Държавен музей за изящни изкуства Пушкин), А. К. Саврасов Топовете пристигнаха(1871, Москва, Третяковска галерия), И. И. Шишкин ръжВ. Д. Поленов Московски двор(1878, Москва, Третяковска галерия), И. И. Левитан Златна есен(1895, Москва, Третяковска галерия), Е. Мане Закуска на тревата(1863 г., Париж, Лувър), булевард К. Моне Момичета капуцин в Париж(1873, Москва, Държавен музей за изящни изкуства Пушкин), О. Реноар Басейн за гребане(1869, Стокхолм, Национален музей).

Марина(ит. марина, от лат. marinus - море) - един от видовете ландшафт, чийто обект е морето. Марината става самостоятелен жанр в Холандия в началото на 17 век: Й. Порселис, С. де Влигер, В. ван де Веле, Й. Верне, В. Търнър Погребение в морето(1842, Лондон, галерия Тейт), К. Моне Впечатление, изгрев слънце(1873 г., Париж, Музей на Мармотан), С. Ф. Шчедрин Малко пристанище в Соренто(1826, Москва, Третяковска галерия).

Архитектурен пейзаж- вид пейзаж, един от видовете перспективна живопис, изображение на реална или въображаема архитектура в естествена среда. Основна роля в архитектурния пейзаж играят линейната и въздушна перспектива, свързващи природата и архитектурата. В архитектурния пейзаж се отличават градски перспективни изгледи, наречени през 18 век. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi във Венеция), изгледи на имоти, паркови ансамбли със сгради, пейзажи с антични или средновековни руини (Y. Robert; K. D. Friedrich Абатство в Оук горичка, 1809–1810, Берлин, Държавен музей; S.F. Щедрин), пейзажи с въображаеми структури и руини (D.B. Piranesi, D. Pannini).

Ведута(ит. veduta, букв. - видян) - пейзаж, който точно документира облика на дадена област, град, един от източниците на изкуството на панорамата. Терминът се появява през 18 век, когато се използва камера обскура за възпроизвеждане на изгледи. Водещият художник, работещ в този жанр, беше А. Каналето: Пиаца Сан Марко(1727–1728, Вашингтон, Национална галерия).

Жанр на изобразителното изкуство, който показва битови предмети, труд, творчество, цветя, плодове, мъртъв дивеч, уловена риба, поставени в реална ежедневна среда, се нарича натюрморт (фр. nature morte - мъртва природа). Натюрмортът може да бъде надарен със сложно символично значение, да играе ролята на декоративен панел или да бъде т.нар. „трик“, който дава илюзорно възпроизвеждане на реални обекти или фигури, които предизвикват ефекта на присъствието на истинска природа.

Изобразяването на предмети е известно в изкуството на античността и средновековието. Но първият натюрморт в стативната живопис се счита за картина на художника от Венеция Якопо де Барбари Яребица със стрела и ръкавици(1504 г., Мюнхен, Старата пинакотека). Още през 16в. натюрмортът е разделен на много видове: кухненски интериор с или без хора, подредена маса в селска обстановка, „ванита“ със символични предмети (ваза с цветя, угасена свещ, музикални инструменти). През 17 век жанрът на натюрморта процъфтява: монументалността на картините на Ф. Снайдерс ( Натюрморт с лебед, Москва, Държавен музей за изящни изкуства Пушкин), Ф. Сурбаран, който съставя прости композиции от няколко предмета ( Натюрморт с четири съда, 1632–1634, Мадрид, Прадо). Холандският натюрморт беше особено богат, скромен по цвят и в изобразените неща, но изящен в изразителната текстура на предметите, в играта на цвят и светлина (P. Klas, V. Heda, V. Kalf, A. Beyeren) . През 18 век в лаконичните натюрморти на Ж. Б. Шарден се утвърждава ценността и достойнството, скрито в ежедневието: Атрибути на изкуството(1766 г., Санкт Петербург, Ермитаж). Натюрмортите от 19 век са разнообразни: социални последици в картините на О. Домие; прозрачност, ефирност в картините на Е. Мане; монументалност, конструктивност, прецизно моделиране на формата с цвят от П. Сезан. През 20 век разкриват се нови възможности за натюрморт: П. Пикасо, Ж. Брак направиха обекта основен обект на художествен експеримент, изучавайки и разчленявайки неговата геометрична структура.

Жанр на изобразителното изкуство, показващ животни, се нарича анималистичен жанр(от лат. животно - животно). Анималистът обръща внимание на художествено-образните характеристики на животното, неговите навици, декоративната изразителност на фигурата и силуета. Често животните са надарени с черти, действия и преживявания, присъщи на хората. Изображенията на животни често се срещат в древната скулптура и вазопис.

Нина Байор

Литература:

Суздалев П. За жанровете на живописта.– сп. “Творчество”, 1964, бр. 2, 3
История на чуждестранното изкуство.М., Изящни изкуства, 1984
Whipper B.R. Въведение в историческото изследване на изкуството.М., Изящни изкуства, 1985
История на световното изкуство.БММ АД, М., 1998 г

Живописта е една от най-разпространените форми на изкуство, с помощта на която художниците предават на зрителите своята визия за света.

По този начин живописта е отделен и много популярен вид изобразително изкуство, при което визуалните образи се предават от майстора чрез нанасяне на бои върху повърхността на картината.

Всички съществуващи днес картини могат да бъдат разделени на няколко отделни жанра, които имат свои собствени характеристики в темата и техниката на изображението. Нека разгледаме основните, за да имаме правилна представа за структурата на картините.

И така, сред съвременните жанрове на живописта можем да назовем следното:

• Портрет
• Пейзажи
• Марина
• Историческа живопис
• Батална живопис
• Натюрморт
• Жанрова живопис
• Архитектурна живопис
• Религиозна живопис
• Живопис с животни
• Декоративна живопис

Схематично разделението на жанровете на живописта ще изглежда така:

Портрет

Много от нас са запознати с жанра на живописта, известен като портрет. Това е един от най-древните видове изящна живопис, среща се и в скулптурата и графиката. Преди това нямаше снимки, така че всеки богат или известен човек смяташе за необходимо да увековечи лицето и фигурата си за потомството - и в това портретистите му се притекоха на помощ.

Освен това портретът може да изобразява както реални хора, така и литературни или митични герои. Освен това може да се създаде както портрет на човек, живял в миналото, така и на наш съвременник, който съществува днес.

Жанрът на портрета няма ясни граници, така че в една работа портретът може да се комбинира с елементи от други жанрове на живописта - пейзаж, натюрморт и др.

Видове портрети

Сред най-често срещаните видове портрети са следните:

• Исторически портрет
• Ретроспективен портрет
• Портрет - живопис
• Типичен портрет
• Автопортрет
• Портрет на дарителя
• Церемониален портрет
• Портрет в полу рокля
• Камерен портрет
• Интимен портрет
• Малък формат портрет
• Портрет – миниатюра

Всеки тип портрет има свои характерни черти и различия в техниката на изпълнение. Нека ги разгледаме по-подробно.

• Исторически портрет- съдържа изображение на всяка историческа фигура, политическа фигура или творческа личност. Такъв портрет може да бъде създаден от спомените на съвременници или роден във въображението на художника.

• Ретроспективен портрет- посмъртно изображение на човек, живял в миналото, което е създадено според описания на очевидци или от интравитално изображение. Възможно е обаче да има и случаи, в които портретът е изцяло композиран от майстора.

• Живопис - портрет- човек е изобразен в сюжетна връзка с околния свят, природата, на фона на архитектурни сгради или дейността на други хора. В портретните картини най-ясно се вижда размиването на границите и комбинацията от различни жанрове - пейзаж, историческа и батална живопис и др.

• Типичен портрет- художник - художник изобразява сборен образ, съставен от характерните черти на външния вид на много хора, обединени от общи идеи, видове дейности, социално положение или начин на живот.

• Портрет в костюм- изобразеното лице се представя на зрителя под формата на литературен или театрален герой, историческа личност или митологичен герой. Такива портрети са от особен интерес за изучаване на костюми от други епохи.

• Автопортрет- особен вид портретна живопис, в която художникът изобразява себе си. Тоест, той иска да предаде и предаде на публиката своята вътрешна същност.

• Портрет на дарителя- една от остарелите форми на портрета. Такава картина с религиозна тема изобразява човек, който прави големи дарения на църквата. Той се появява пред публиката, заобиколен от светци, до Мадоната или на една от вратите на олтара, коленичил. Богатите хора в онези дни виждаха специален смисъл в създаването на портрет на донор, защото такива картини винаги се възприемаха положително и бяха почитани наравно с тях.

По характер и начин на изобразяванечовешки фигури, всички портрети са разделени на следните видове:

• Церемониален портрет- показва мъж в изправено положение в цял ръст. В същото време всички детайли на външния вид и фигурата са изписани много ясно.

• Портрет в полу рокля- човек е изобразен от кръста нагоре, до коленете или в седнало положение, когато долната част на краката не се вижда. В такова портретно произведение огромна роля играе изображението на околната среда или аксесоарите.

• Камерен портрет- човешката фигура се изпълнява на неутрален фон и се използва съкратена версия на изображението на човешката фигура - до кръста, до гърдите или дори до нивото на раменете. В този случай майсторът изчертава особено ясно и внимателно чертите на лицето на човека.

• Интимен портрет- се използва изключително рядко и представлява една от разновидностите на интимни портрети поради изпълнението му на неутрален фон. Основата за създаване на интимен портрет са дълбоките чувства на художника към изобразения човек или доверителната връзка между тях.

• Малък формат портрет- малка картина. обикновено се прави с мастило, молив, пастел или акварел.

• Портрет – миниатюра- един от най-разпознаваемите и сложни в техническо отношение типове портрет. Миниатюрата се характеризира с малък формат на изображението (от 1,5 до 20 см), както и с изключителна финес на писане и внимателно, почти бижутерско изчертаване на всички линии. Миниатюрни портрети се вмъкват в медальони и се използват за украса на часовници, гривни, брошки, пръстени и кутии за емфие.

Пейзажи

Пейзажът е отделен жанр на живописта, чийто основен обект е природата в оригиналния й вид или леко променена в процеса на човешка дейност.

Жанрът на пейзажната живопис е известен от древни времена. През Средновековието обаче той донякъде губи своята релевантност. Но още през Ренесанса пейзажът се възражда и придобива значението на един от най-важните жанрове в изобразителното изкуство.

Марина

Марина (от латинската дума "marinus" - "море") е специален жанр на живописта, в който всички изобразени събития, видове човешка дейност и картини на природата са посветени на морето. Често платната изобразяват морски пейзажи в различни периоди от годината и при различно осветление.

Художниците, които рисуват морето в различните му проявления, се наричат ​​„маринисти“. Един от най-известните маринисти е Иван Айвазовски, създал над 6 хиляди картини на морска тема.

Историческа живопис

Жанрът на историческата живопис възниква през Ренесанса, когато художниците се стремят да отразяват в своите платна сцени от живота на обществото в различни периоди от историята.

Историческите картини обаче могат да изобразяват не само картини от живота на реални хора, но и митологични сюжети, както и илюстрирани претълкувания на библейски и евангелски истории.

Историческата живопис служи за показване на събития от миналото, които са най-важни за определен народ или за цялото човечество като цяло.

Батална живопис

Една от разновидностите на историческия жанр е бойната живопис, темата на изображенията на която е посветена главно на военни събития, известни битки по суша и море, както и военни кампании. Бойният жанр обхваща историята на военните сблъсъци през цялата история на човешката цивилизация.

В същото време бойните картини се отличават с голям брой и разнообразие от изобразени фигури, както и доста точни снимки на терена и особеностите на определен регион.

Художникът на битки е изправен пред няколко трудни задачи:

1. Покажете героизма на войната и покажете поведението на най-смелите воини.
2. Уловете особено важна или повратна точка в битка.
3. Разкрийте в работата си пълния исторически смисъл на военните събития.
4. Точно и ясно изразяват поведението и преживяванията на всеки от участниците в битката - както известни командири, така и обикновени войници.

Трябва да се отбележи, че жанрът на бойната живопис се счита за един от най-трудните, така че такива картини се създават от майстори дълго време - понякога десет години. От художника се изисква не само отлично познаване на детайлната история на изобразяваната битка, но и да може да създава многофигурни платна с голям брой спомагателни детайли. Те включват снимки на природата, елементи от архитектурата и изображения на оръжия или военни механизми. Следователно баталният жанр заема специално място и стои отделно от историческата живопис.

Натюрморт

Натюрмортът е създаване върху платно на композиции от неодушевени предмети в различни комбинации. Най-популярни са изображения на ястия, саксии с букети цветя и плодове в поднос.

Първоначално темата за изображенията в жанра на натюрморта възниква в началото на 15-16 век, но окончателното формиране на жанра в отделна посока на живописта се случва през 17 век. Първите създатели на натюрморти са холандски и фламандски художници. По-късно натюрмортът заема важно място в творчеството на руските художници.

Темата на изображенията в натюрмортите може да бъде много богата и разнообразна и не се ограничава само до ежедневни предмети. Това могат да бъдат книги, списания и вестници, бутилки, фигурки, глобус и много други предмети.

Основната идея на композициите в жанра Vanitas е идеята за крайността на земното съществуване и смирението пред неизбежността на прехода към друг свят. Натюрмортите с череп в центъра на композицията придобиват най-голяма популярност през 16-17 век във Фландрия и Холандия. Малко по-късно френски и испански художници започват да се свързват с него.

Жанрова живопис

В изобразителното изкуство жанровата живопис се счита за част от битовия жанр. От древни времена художниците са изобразявали сцени от ежедневието на обикновените хора - селяни, занаятчии, търговци, както и слуги на знатни придворни в процеса на работа или в ежедневието на техните семейства.

Първите примери за жанрова живопис в съвременния смисъл се появяват през Средновековието и впоследствие стават широко разпространени и популярни. Темите на жанровата живопис се отличават със завидно разнообразие, което предизвиква интереса на зрителите.

Архитектурна живопис

Архитектурната живопис е специален живописен жанр, чиято тема е посветена на изобразяването на сгради, конструкции и различни архитектурни паметници, както и на най-интересните решения в исторически аспект. Това се отнася до образа на интериорния дизайн на дворци, театрални и концертни зали и т.н.

Благодарение на такива картини зрителят има възможност лично да види архитектурни паметници в оригиналната им форма през очите на самия художник. Произведенията на архитектурната живопис също помагат при изучаването на архитектурния пейзаж на градовете от минали времена.

Живопис с животни

Анималистичният жанр е отделен жанр на живописта, който е специализиран главно в изобразяването на животинския свят на нашата планета. В картини от този жанр можем да видим животни, птици, риби, както и представители на много други видове в естествената им среда.

Това обаче не означава, че темата на животинския жанр е само диви животни. Напротив, художниците много често рисуват картини, посветени на домашни любимци - котки, кучета, коне и т.н.

Декоративна живопис

Жанрът на декоративната живопис може да бъде разделен на няколко вида, които имат свои собствени различия:

• Монументална живопис
• Рисуване на театрални декори
• Декоративна живопис

Разнообразието на декоративния жанр се обяснява с факта, че художниците по всяко време са се опитвали да украсят всеки предмет в околния свят.

• Монументална живопис- жанр на монументалното изкуство, чиито произведения са доста мащабни по своя характер и се използват като декоративна украса за сгради и структури от светски и религиозен характер за различни цели (включително църкви, офис сгради и културни сгради, архитектурни паметници и жилищни сгради).

• Театрална декорация- това е много популярен вид декоративен жанр, който включва създаването на декорации и скици на костюми за герои в театрални постановки и филмови герои, както и скици на отделни мизансцени. Декораторите в театъра и на снимачната площадка понякога създават истински шедьоври, които по-късно са сред най-добрите театрални и филмови декори.

• Декоративна живопис- представлява сюжетни композиции или орнаментален декор, създаден върху различни части на сгради и конструкции, както и върху образци на декоративно-приложното изкуство, които водят началото си от народните изкуства и занаяти. Основните видове рисувани предмети са съдове, предмети от бита, мебели и др.

Живописта се отличава с разнообразие от жанрове и видове. Всеки жанр е ограничен до своя набор от теми: образ на човек (портрет), околния свят (пейзаж) и др.
Разновидностите (видовете) боядисване се различават по предназначение.

В тази връзка има няколко вида боядисване, за които ще говорим днес.

Станкова живопис

Най-популярният и известен вид живопис е стативната живопис. Нарича се така, защото се изпълнява на машина - статив. Основата е дърво, картон, хартия, но най-често платно, опънато на носилка. Станковата картина е самостоятелно произведение, направено в определен жанр. Има богатство на цветовете.

Маслени бои

Най-често стативната живопис се извършва с маслени бои. Можете да използвате маслени бои върху платно, дърво, картон, хартия и метал.

Маслени бои
Маслените бои са суспензии на неорганични пигменти и пълнители в изсъхващи растителни масла или изсушаващи масла или на базата на алкидни смоли, понякога с добавяне на спомагателни вещества. Използва се при боядисване или за боядисване на дървени, метални и други повърхности.

В. Перов „Портрет на Достоевски” (1872). Платно, масло
Но живописна картина може да се създаде и с помощта на темпера, гваш, пастели и акварели.

Акварел

Акварелни бои

Акварел (фр. Aquarelle - воден; италиански acquarello) е живописна техника, при която се използват специални акварелни бои. Когато се разтварят във вода, те образуват прозрачна суспензия от фин пигмент, който създава ефект на лекота, ефирност и фини цветови преходи.

Дж. Търнър „Firvaldstät Lake“ (1802). Акварел. Тейт Британия (Лондон)

гваш

Гвашът (на френски Gouache, на италиански guazzo water paint, splash) е вид лепилна водоразтворима боя, по-плътна и по-матова от акварела.

Гваш бои
Гваш боите са направени от пигменти и лепило с добавяне на бяло. Добавката на бяло придава на гваша матово кадифено качество, но при изсъхване цветовете донякъде избеляват (изсветляват), което художникът трябва да вземе предвид в процеса на рисуване. С помощта на гваш бои можете да покриете тъмните тонове със светли.

Винсент Ван Гог "Коридор в Асулум" (черен тебешир и гваш върху розова хартия)

Пастел [e]

Пастел (от лат. pasta - тесто) е художествен материал, използван в графиката и живописта. Най-често се предлага под формата на пастели или моливи без рамка, оформени като пръчки с кръгло или квадратно напречно сечение. Има три вида пастел: сух, маслен и восък.

И. Левитан “Речна долина” (пастел)

Темпера

Темпера (италиански tempera, от латинското temperare - смесване на бои) - бои на водна основа, приготвени на базата на сухи прахообразни пигменти. Свързващото вещество за темперни бои е жълтъкът на пилешко яйце, разреден с вода или цяло яйце.
Темперните бои са едни от най-старите. Преди изобретяването и разпространението на маслените бои до 15-17в. темперните бои са основният материал за стативно рисуване. Те се използват повече от 3 хиляди години. Известните рисунки на саркофазите на древните египетски фараони са правени с темперни бои. Темперната живопис е правена главно от византийски майстори. В Русия техниката на темперна живопис е доминираща до края на 17 век.

Р. Стрелцов “Лайки и теменужки” (темпера)

Енкаустика

Енкаустиката (от старогръцки ἐγκαυστική – изкуството на изгаряне) е живописна техника, при която восъкът е свързващо вещество на боите. Боядисването се извършва с разтопени бои. Много раннохристиянски икони са рисувани с тази техника. Произхожда от Древна Гърция.

"Ангел". Енкаустична техника

Обръщаме внимание на факта, че можете да намерите друга класификация, според която акварел, гваш и други техники, използващи хартия и бои на водна основа, се класифицират като графика. Те съчетават характеристиките на живописта (богатство на тона, изграждане на формата и пространството с цвят) и графиката (активната роля на хартията в изграждането на изображението, липсата на специфичния релеф на мазка, характерен за живописната повърхност).

Монументална живопис

Монументалната живопис е рисуване върху архитектурни конструкции или други основи. Това е най-старият вид живопис, известен още от палеолита. Благодарение на своята неподвижност и издръжливост са останали многобройни образци от почти всички култури, създали развита архитектура. Основните техники на монументалната живопис са фреско, секо, мозайка, стъклопис.

Стенопис

Фреско (от италиански fresco - свеж) - рисуване върху мокра мазилка с водни бои, една от стенописните техники. Когато изсъхне, съдържащата се в мазилката вар образува тънък прозрачен калциев филм, което прави фреската издръжлива.
Фреската е с приятна матова повърхност и е издръжлива на вътрешни условия.

Манастирът Гелати (Грузия). Църква на Пресвета Богородица. Фреска от горната и южната страна на Триумфалната арка

A secco

А секо (от италиански a secco - сух) е стенопис, изпълняван, за разлика от стенописите, върху твърда, изсъхнала мазилка, навлажнена отново. Използват се бои, смлени на растителен клей, яйце или смесени с вар. Secco ви позволява да рисувате по-голяма повърхност в рамките на един работен ден, отколкото с фресковата живопис, но не е толкова издръжлива техника.
Техниката a secco се развива в средновековната живопис заедно със стенописа и е особено разпространена в Европа през 17-18 век.

Леонардо да Винчи "Тайната вечеря" (1498). Техника a secco

Мозайка

Мозайката (фр. mosaïque, италиан. mosaico от лат. (opus) musivum – (творба), посветена на музите) е декоративно, приложно и монументално изкуство от различни жанрове. Изображенията в мозайката се оформят чрез подреждане, поставяне и фиксиране на повърхността на разноцветни камъчета, смалта, керамични плочки и други материали.

Мозаечно пано "Котка"

Витражи

Витражът (фр. vitre - прозоречно стъкло, от лат. vitrum - стъкло) е произведение от цветно стъкло. Витражите се използват в църквите от дълго време. През Ренесанса стъклописът съществува като рисуване върху стъкло.

Витраж на Межсоюзния дворец на културата (Мурманск)
Видовете живопис също включват диорама и панорама.

Диорама

Сградата на диорамата „Бурята на планината Сапун на 7 май 1944 г.“ в Севастопол
Диорамата е лентовидна, полукръгово извита живописна картина с обект на преден план. Създава се илюзията за присъствието на зрителя в естественото пространство, което се постига чрез синтез на художествени и технически средства.
Диорамите са предназначени за изкуствено осветление и са разположени предимно в специални павилиони. Повечето диорами са посветени на исторически битки.
Най-известните диорами: „Щурмът на планината Сапун“ (Севастопол), „Отбраната на Севастопол“ (Севастопол), „Битките за Ржев“ (Ржев), „Разбиване на обсадата на Ленинград“ (Санкт Петербург), „Бурята на Берлин“ ” (Москва) и др.

Панорама

В живописта панорамата е картина с кръгъл изглед, в която плосък картинен фон е съчетан с триизмерен предметен преден план. Панорамата създава илюзията за реално пространство, заобикалящо зрителя в пълен кръг на хоризонта. Панорамите се използват главно за изобразяване на събития, които обхващат голяма територия и голям брой участници.

Панорамен музей "Битката при Бородино" (сграда на музей)
В Русия най-известните панорами са Музеят-панорама „Битката при Бородино“, „Битката при Волочаев“, „Поражението на нацистките войски при Сталинград“ в Музея-панорама „Битката при Сталинград“, „Отбраната на Севастопол“, панорама на Транссибирската железница.

Франц Рубо. Панорамно платно „Битката при Бородино“

Театрално-декоративна живопис

Сценография, костюми, грим, реквизит помагат за по-нататъшното разкриване на съдържанието на представлението (филма). Сценографията дава представа за мястото и времето на действието и активизира възприятието на зрителя за случващото се на сцената. Театралният художник се стреми да изрази остро индивидуалния характер на героите, техния социален статус, стила на епохата и много повече в скици на костюми и грим.
В Русия разцветът на театралното и декоративно изкуство се случи в началото на 19-ти и 20-ти век. По това време в театъра започват да работят изключителни артисти М.А. Врубел, В.М. Васнецов, А.Я. Головин, Л.С. Бакст, Н.К. Рьорих.

М. Врубел „Градът на близалката“. Сценография за операта от Н.А. „Приказката за цар Салтан“ от Римски-Корсаков за Руската частна опера в Москва. (1900)

Миниатюрен

Миниатюрата е изобразително произведение на малки форми. Особено популярна беше портретната миниатюра - портрет с малък формат (от 1,5 до 20 см), отличаващ се със специална финес на писане, уникална техника на изпълнение и използване на средства, присъщи само на тази живописна форма.
Видовете и форматите на миниатюрите са много разнообразни: те са рисувани върху пергамент, хартия, картон, слонова кост, метал и порцелан, използвайки акварел, гваш, специални художествени емайли или маслени бои. Авторът може да впише изображението по негово решение или по желание на клиента в кръг, овал, ромб, осмоъгълник и др. За класическа портретна миниатюра се счита миниатюра, изработена върху тънка плоча от слонова кост.

Император Николай I. Фрагмент от миниатюра от Г. Морсели
Има няколко миниатюрни техники.

Лакова миниатюра (Федоскино)

Миниатюра с портрет на княгиня Зинаида Николаевна (бижута Юсупов)