Beethoven und die Symphonie. Musikalische Werke über die Natur: eine Auswahl guter Musik mit einer Geschichte darüber. Pastoral in der Musik

Vene. Kaiserlich königliches Privileg Wiener Theater. Hier fand am 22. Dezember 1808 eine „Musikakademie“ statt, also ein Autorenkonzert aus den Werken von L. van Beethoven – „völlig neu und bisher nicht öffentlich aufgeführt“. Darunter waren zwei Symphonien, die fast gleichzeitig fertiggestellt wurden – die Fünfte in c-Moll und die Sechste in F-Dur. Beide Symphonien spiegeln unterschiedliche Geisteszustände des großen deutschen Komponisten wider. Die fünfte ist die höchste Spannung des Kampfes, die zu einem schwierigen Sieg führt. Sechster - völlige Harmonie Mensch und Natur. Das sind sozusagen zwei Gesichter von Beethovens Werk, seiner Zeit. Die Fünfte Symphonie ist ein lebendiges Zeugnis der Ideen- und Leistungsnähe Beethovens Französische Revolution 1789. In seiner zunächst düsteren Flamme werden Intonationen geschmiedet, die den Hymnen und Liedern der Revolution ähneln. Das Finale der Symphonie scheint das Bild einer Feier zu Ehren des Sieges wiederzugeben. In der Sechsten Symphonie sind Anklänge an die Ideen von J. Rousseau zu hören, der eine Rückkehr zum „natürlichen Leben“ forderte. Wahre Freude bereitet einem Menschen die Kommunikation mit der Natur und Dorfbewohner. Die einzige Katastrophe – ein Gewitter – wird zum noch größeren Segen: Die erneuerte Natur schenkt dem Menschen eine besondere Fülle des Lebensgefühls.

Beide Symphonien zeichnen sich durch eine außergewöhnliche Konkretheit im Ausdruck der in ihnen verankerten Ideen aus. In der Fünften Symphonie fand Beethoven sein Genie musikalische Verallgemeinerung Themen wie Rock, Schicksal – alles, was einen Menschen in seinem Streben nach Freiheit behindert. Ein äußerst komprimiertes, lakonisches Motiv („so klopft das Schicksal an die Tür“, sagte Beethoven über ihn) durchdringt die Musik der gesamten Symphonie. Es kann aber auch zu einem Aufruf zum Handeln, einem Siegesschrei und einem Ausdruck spiritueller Beklommenheit werden. Das Schicksalsmotiv bildet den gesamten ersten Teil der Symphonie, taucht gelegentlich im zweiten auf, dominiert im dritten und erinnert im vierten Teil daran großes Bild Jubel. Durch den Kampf zum Sieg – diese Hauptthese der Beethovenschen Symphonie – wird hier besonders deutlich verkörpert. Alle seine Teile: voller Dramatik – der erste, ruhige zweite, in dem nach und nach ein heroisches Thema nahe der Marseillaise auftaucht, ein Scherzo, das Dramatik und starke Kontraste aus einer neuen Perspektive zurückbringt, ein feierliches, siegreiches Finale – sind die Essenz aufeinanderfolgender Ausbildungsstufen heroische Idee, Schritte zur Eroberung und Etablierung der Macht des Menschen in Einheit mit der Menschheit.
Beethoven löst die Sechste Symphonie völlig anders. Hier herrscht der Frieden jener höchsten Harmonie, die der Mensch in der Natur findet. Der Komponist baut das Ganze nicht Schritt für Schritt auf, sondern dreht es um verschiedene Gesichter. Die Teile einer Symphonie sind Gemälde oder Szenen. Die Konkretheit der Bilder erscheint durch Assoziationen mit dem Rauschen eines Baches, dem Gesang von Vögeln, dem Grollen des Donners, dem Spiel eines Hirtenhorns und dem Klang einer Dorforchester. Unterstrichen wird dies durch die Programmtitel, die Beethoven für die gesamte Sinfonie und ihre einzelnen Teile einführte. „Pastorale Symphonie oder Erinnerungen an Landleben„Enthält „Freudegefühle bei der Ankunft und vor der Eifersucht“, „Szene am Bach“, „Fröhliche Zusammenkunft der Dorfbewohner“, „Donner, Gewitter“ und „Hirtenlied“. Am Ende der Bachszene notierte Beethoven in der Partitur sogar, welche Vögel die Zeilen hatten, die ihre Stimmen imitierten (Wachtel, Kuckuck, Nachtigall); Hauptthema Dieser Teil entstand seiner Meinung nach aus der Melodie des Pirols.

Allerdings warnt Beethoven im Titel der Symphonie auch davor, dass es „mehr um den Ausdruck von Gefühlen als um die Malerei“ gehe. Malerisches schließt keineswegs die zutiefst poetische Lyrik des zweiten Satzes oder den dynamischen „Ansturm“ aus, der für Beethoven im dritten am charakteristischsten ist. Dies ist eine ganzheitliche Welt, in deren Frieden eine eigene Bewegung und Entwicklung stattfindet, die zu einer majestätischen Hymne an die Natur führt.
Die Fünfte und Sechste Symphonie ebneten den Weg in die Zukunft. Es ist mit der Idee der Fünften Symphonie verbunden. Wir haben das eigentliche Konzept einer dramatischen Symphonie, einer Symphonie über das Wichtigste im Leben eines Menschen – den Kampf um die Verwirklichung seiner Ideale. Beethovens Fünfte Symphonie galt für P. I. Tschaikowsky als Prototyp seiner Vierten Symphonie – der ersten dramatischen Symphonie seines Schaffens. Brahms‘ Erste Symphonie und Tanejews Symphonie in c-Moll, Rachmaninows Zweites Klavierkonzert und Skrjabins Dritte Symphonie, Schostakowitschs Fünfte Symphonie – alles Werke völlig unterschiedlicher Komponisten, verschiedene Epochen vereinen sich in tiefem Vertrauen auf das brillante Werk des großen Klassikers.
Die sechste Symphonie erwies sich als besonders im Einklang mit den romantischen Komponisten: Schubert, Schumann, Berlioz. Symphonieprogramm neue Welt seine farbenfrohen Klänge, subtilen Hell-Dunkel, Liedintonationen, Freiheit in der Interpretation des Zyklus (fünf Sätze statt der üblichen vier für eine klassische Sinfonie) – all dies wurde in der romantischen Sinfonie fortgesetzt. Das Thema Natur erfuhr in den Symphonien von Schubert und Schumann, Brahms, Bruckner und Mahler eine neue Entwicklung und Verkörperung. Im Schaffen Beethovens selbst waren die beiden Symphonien von 1808 die wichtigsten Etappen auf dem Weg zum Höhepunkt seiner Symphonie – der Neunten Symphonie – zugleich die Spannung des Kampfes und die alles verzehrende Freude an der Einheit der Menschheit, ihrer Verschmelzung mit dem gesamten Universum ihren höchsten Ausdruck erreicht.

Die Uraufführungen der Fünften und Sechsten Symphonie brachten ihrem Autor keinen Erfolg, was vor allem auf erfolglose Aufführungen zurückzuführen war. Diese Werke erlangten jedoch bald enorme Popularität. Wir kennen hervorragende Aufnahmen von Sinfonien, interpretiert von den größten Dirigenten der Welt – A. Toscanini und W. Furtwängler, B. Walter und G. Karajan. Im Repertoire vieler Sowjetische Dirigenten Beethovens Fünfte und Sechste Symphonie sind ständig präsent – ​​Begleiter unseres Lebens, in dem die Dramatik und das Heldentum des „ewigen Kampfes“ und die Sehnsucht nach der Schönheit und Weisheit der Natur koexistieren.
E. Tsareva

6 Minuten

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Aktualisierung vorhandener Kenntnisse über Beethoven

Lehrer: In der letzten Lektion wir lernen Dich kennenarbeiten Wiener Klassiker, der in seinem Werk zwei Epochen vereinte. Sag seinen Namen.-

Studierende: L.Vde Beethoven.

Lehrer: Welches Stück haben wir gehört?

Was ist eine Symphonie?

Wie ist der Name?

Hauptidee, Idee?

Studierende: Kampf

An der Tafel befindet sich eine Präsentation mit dem Thema des Unterrichts und einem Porträt Beethovens -

Konversation, Umfragemethode, visuelle Methode.

5

Minuten

Eine Geschichte über die Entstehung von Symphony 5

Lehrer: Wir wissen, dass das Thema des Kampfes Beethovens gesamtes Werk und sein Leben durchdringt.

Heute lernen wir eine weitere Symphonie Nr. 5 kennen.

20 Minuten

Musik hören

Lehrer: Hören wir uns also den ersten Satz der Symphonie ganz am Anfang an. Die Symphonie beginnt mit einem Epigraph-Motiv.(Epigraph ist ein kurzer Spruch, der die Hauptidee vermittelt.)Wenn Sie eine Melodie hören, die Sie wahrscheinlich bereits kennen,Welchen Gedanken vermittelt er uns?

//Das Motiv des Schicksals klingt//

Lehrer: Wie klingt das Motiv? Welche Assoziationen hatten Sie, nachdem Sie dieses Lied gehört hatten?

Studierende: Das Eröffnungsmotiv klingt kurz, entscheidend und stark. Es ist, als würde jemand an die Tür klopfen.

Lehrer: Dieses Motiv wird „Das Motiv des menschlichen Schicksals“ genannt. Und Sie haben richtig bemerkt, dass dieses Motiv einem Klopfen an der Tür ähnelt. „So klopft das Schicksal an die Tür.“Der gesamte 1. Teil der Symphonie ist auf diesem Epigraph-Motiv aufgebaut.

Und hier nochmalThema des Kampfes Mensch und Schicksal.

Schreiben wir das Thema der Lektion auf. Schreiben wir GP, PP, Entwicklung, Reprise, Dramaturgie.

Hören wir uns Teil 1 der 5. Sinfonie an und denken wir darüber nachWer gewinnt in Teil 1?Mensch oder Schicksal ?

//Klingt Teil 1 Allegro con brio - 7 Min. 15 Sek. //

(Kinder schreiben den Titel des Werkes auf, hören sich die Musik an und stellen fest, dass das Motiv des Schicksals bedrohlich und stark klingt, sodass die Person in diesem Kampf verliert.)

Lehrer: - Tatsächlich liegt der Sieg im ersten Teil noch beim bösen Schicksal, aber der Komponist zeigt uns in jedem Teil den unermüdlichen Kampf des menschlichen Willens und Geistes gegen Schicksalsschläge. Das Epigraph-Motiv klingt anders: mal bedrohlich und nah, mal dumpf und fern, als würde es an sich selbst erinnern. Aber mit jedem Teil wird der Kampf intensiver.

Hören Sie sich an, wie das Finale klingt, der letzte 4. Teil. Werden wir den Sieg oder die Niederlage des menschlichen Geistes hören?

//Teil 4 klingt Allegro – 3 min. 38 Sek.//

(Kinder hören sich das Ende an und antworten, dass der menschliche Geist gewinnen wird.)

Lehrer: Völlig zu Recht enthüllt der Komponist seinen Plan Stück für Stück: „Von der Dunkelheit zum Licht, durch heroischen Kampf zum Sieg.“ Und schon der vierte Teil – das Finale – klingt wie ein Siegeszug, der die Lebensfreude und den Glauben an strahlende Ideale verherrlicht.

Audioaufnahme der Arbeit.

Verbal-induktiv (Gespräch, Dialog)

Visuell - deduktiv (Vergleich)

3 Minuten

Verallgemeinerung. Fazit

TaubeFassen wir zusammen:

Beschreiben Sie Beethovens 5. Symphonie, wem ist sie gewidmet?

(Die 5. Symphonie ist eine Art Herausforderung des Komponisten an das Schicksal, es ist ein Kampf des menschlichen Geistes mit dem bösen Schicksal.)

10 Minuten

Ein Lied lernen.

Ein Stück lernen

Ausdrucksstarke Darstellung des Lehrers

Die sechste Pastoralsymphonie (F-Dur, op. 68, 1808) nimmt in Beethovens Schaffen einen besonderen Platz ein. An dieser Symphonie orientierten sich Vertreter der romantischen Programmsymphonie weitgehend. Berlioz war ein begeisterter Fan der Sechsten Symphonie.

Das Thema Natur findet in der Musik Beethovens, einem der größten Naturdichter, eine umfassende philosophische Verkörperung. In der Sechsten Symphonie kamen diese Bilder am vollständigsten zum Ausdruck, denn das eigentliche Thema der Symphonie ist die Natur und Bilder des ländlichen Lebens. Für Beethoven ist die Natur nicht nur ein zu erschaffendes Objekt malerische Gemälde. Sie war für ihn Ausdruck eines umfassenden, lebensspendenden Prinzips. Im Einklang mit der Natur fand Beethoven die Stunden purer Freude, nach denen er sich so sehr sehnte. Aussagen aus Beethovens Tagebüchern und Briefen zeugen von seiner enthusiastischen pantheistischen Einstellung zur Natur (siehe S. II31-133). Mehr als einmal stoßen wir in Beethovens Aufzeichnungen auf Aussagen, sein Ideal sei „frei“, also natürliche Natur.

Das Thema Natur ist in Beethovens Werk mit einem anderen Thema verbunden, in dem er sich als Anhänger Rousseaus zum Ausdruck bringt – der Poesie eines einfachen, natürlichen Lebens in Kommunikation mit der Natur, der geistigen Reinheit des Bauern. In den Anmerkungen zu den Skizzen der Pastorale verweist Beethoven mehrfach auf die „Erinnerung an das Leben auf dem Land“ als Hauptmotiv des Inhalts der Symphonie. Dieser Gedanke blieb im vollständigen Titel der Sinfonie erhalten Titelblatt Manuskripte (siehe unten).

Die rousseauistische Idee der Pastoralsymphonie verbindet Beethoven mit Haydn (Oratorium „Die Jahreszeiten“). Aber bei Beethoven verschwindet der Hauch des Patriarchats, der bei Haydn zu beobachten war. Das Thema Natur und Landleben interpretiert er als eine der Varianten seines Hauptthemas vom „freien Menschen“ – Damit ähnelt er den „Stürmern“, die in Anlehnung an Rousseau in der Natur ein befreiendes Prinzip sahen und ihr gegenüberstellten Die Welt der Gewalt und des Zwanges.

In der Pastoralsinfonie wandte sich Beethoven einer Handlung zu, die in der Musik mehr als einmal vorkam. Unter den programmatischen Werken der Vergangenheit widmen sich viele den Bildern der Natur. Doch Beethoven löst das Prinzip der Programmierung in der Musik auf neue Weise. Von der naiven Illustration gelangt er zur poetischen, spirituellen Verkörperung der Natur. Beethoven drückte seine Auffassung von Programmierung mit den Worten aus: „Mehr Gefühlsausdruck als Malerei.“ Der Autor gab diese Vorankündigung und das Programm im Manuskript der Symphonie bekannt.

Allerdings sollte man nicht meinen, dass Beethoven hier die bildnerisch-visuellen Möglichkeiten der musikalischen Sprache aufgegeben hätte. Beethovens Sechste Symphonie ist ein Beispiel für die Verschmelzung von Ausdrucks- und Bildprinzipien. Ihre Bilder sind stimmungsvoll, poetisch, inspiriert von einem großen inneren Gefühl, durchdrungen von einer Verallgemeinerung philosophischer Gedanke und gleichzeitig malerisch.

Charakteristisch ist der thematische Charakter der Symphonie. Beethoven greift hier auf Volksmelodien zurück (obwohl er nur sehr selten echte Volksmelodien zitierte): In der Sechsten Symphonie finden Forscher Slawisches Volksherkunft. Insbesondere B. Bartok, ein großer Kenner der Volksmusik verschiedener Länder, schreibt, dass der Hauptteil des ersten Teils der Pastorale ein kroatisches Kinderlied sei. Auch andere Forscher (Becker, Schönewolf) weisen auf eine kroatische Melodie aus der Sammlung „Lieder der Südslawen“ von D. K. Kuhach hin, die als Vorbild diente Hauptpartei Ich bin Teil des Pastorals:

Das Erscheinungsbild der Pastoralsinfonie zeichnet sich durch eine breite Umsetzung der Genres der Volksmusik aus – Ländler (extreme Abschnitte des Scherzos), Lied (im Finale). Die Song-Ursprünge sind auch im Scherzo-Trio sichtbar – Nottebohm zitiert Beethovens Skizze des Liedes „Glück der Freundschaft op. 88“, das später in der Sinfonie verwendet wurde:

Die malerische thematische Qualität der Sechsten Symphonie manifestiert sich in der breiten Verwendung ornamentaler Elemente – dem Gruppetto verschiedene Arten, .Figurationen, lange Vorschlagsnoten, Arpeggios; Diese Art von Melodie bildet neben dem Volkslied die Grundlage des thematischen Themas der Sechsten Symphonie. Dies macht sich vor allem im langsamen Teil bemerkbar. Sein Hauptteil erwächst aus dem Gruppetto (Beethoven sagte, er habe hier die Melodie eines Pirols eingefangen).

Die Aufmerksamkeit für die koloristische Seite kommt in der harmonischen Sprache der Symphonie deutlich zum Ausdruck. Bemerkenswert sind die tertianischen Schlüsselvergleiche in den Entwicklungsabschnitten. Sie spielen große Rolle sowohl in der Durchführung des ersten Satzes (H-Dur – D-Dur; G-Dur – E-Dur) als auch in der Durchführung des Andante („Szene am Bach“), das farbenfrohe ornamentale Variationen des Themas darstellt des Hauptteils. In der Musik der Sätze III, IV und V steckt viel helles Malerisches. Somit geht keiner der Teile über den Plan der programmatischen Bildmusik hinaus und behält dabei die ganze Tiefe poetische Idee Sinfonien.

Das Orchester der Sechsten Symphonie zeichnet sich durch eine Fülle solistischer Blasinstrumente (Klarinette, Flöte, Horn) aus. In der „Szene am Bach“ (Andante) nutzt Beethoven den Klangreichtum auf neue Weise Saiteninstrumente. Im Cellopart verwendet er Divisi und Dämpfer und reproduziert so das „Rauschen eines Baches“ (Anmerkung des Autors im Manuskript). Solche Techniken des Orchestersatzes sind charakteristisch für spätere Zeiten. Im Zusammenhang mit ihnen können wir über Beethovens Vorwegnahme der Merkmale des romantischen Orchesters sprechen.

Die Dramaturgie der gesamten Symphonie unterscheidet sich stark von der Dramaturgie der Heldensinfonien. In Sonatenformen (Sätze I, II, V) werden die Kontraste und Grenzen zwischen den Abschnitten geglättet. „Hier gibt es keine Konflikte oder Kämpfe. Dies kommt besonders deutlich in Teil II zum Ausdruck: Der Nebenteil setzt den Hauptteil fort und tritt vor dem gleichen Hintergrund ein, vor dem der Hauptteil erklang.

Becker schreibt in diesem Zusammenhang über die Technik des „Stringing Melodies“. Die Fülle thematischer Elemente und die Dominanz des melodischen Prinzips sind in der Tat die charakteristischsten Merkmale des Stils der Pastoralsymphonie.

Die angedeuteten Merkmale der Sechsten Symphonie manifestieren sich auch in der Art und Weise der Themenentwicklung – die Hauptrolle kommt der Variation zu. Im zweiten Teil und im Finale führt Beethoven Variationsabschnitte in Sonatenform ein (Entwicklung in der „Szene am Bach“, Hauptteil im Finale). Diese Kombination von Sonate und Variation wird zu einem der Grundprinzipien von Schuberts lyrischer Symphonie werden.

Die Logik des Zyklus der Pastoralsymphonie weist zwar typische klassische Kontraste auf, wird jedoch durch das Programm bestimmt (daher seine fünfteilige Struktur und das Fehlen von Zäsuren zwischen den Sätzen III, IV und V). Sein Zyklus zeichnet sich nicht durch eine so effektive und konsequente Entwicklung aus wie in heroischen Sinfonien, wo der erste Teil den Schwerpunkt des Konflikts bildet und das Finale seine Lösung darstellt. In der Abfolge der Teile spielen Faktoren der Programm-Bild-Reihenfolge eine große Rolle, die jedoch der allgemeinen Idee der Einheit des Menschen mit der Natur untergeordnet sind.

„Musik ist höher als jede Weisheit und Philosophie ...“

Beethoven und die Symphonie

Das Wort „Symphonie“ wird sehr oft verwendet, wenn über die Werke Ludwig van Beethovens gesprochen wird. Der Komponist widmete einen bedeutenden Teil seines Lebens der Verbesserung des Genres der Symphonie. Was ist diese Kompositionsform, die den wichtigsten Teil von Beethovens Erbe darstellt und sich heute erfolgreich weiterentwickelt?

Ursprünge

Eine große Symphonie wird aufgerufen musikalische Komposition, geschrieben für Orchester. Daher bezieht sich der Begriff „Symphonie“ nicht auf irgendeine bestimmtes Genre Musik. Viele Sinfonien sind Tonwerke in vier Sätzen, wobei die Sonate als erste Form gilt. Sie werden normalerweise als klassische Symphonien klassifiziert. Allerdings auch die Schriften einiger berühmte Meister Klassik- wie zum Beispiel Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart und Ludwig van Beethoven – passen nicht in dieses Modell.

Das Wort „Symphonie“ kommt aus dem Griechischen und bedeutet „zusammen erklingen“. Isidor von Sevilla war der erste, der die lateinische Form dieses Wortes zur Bezeichnung einer doppelköpfigen Trommel verwendete, und im XII. XIV. Jahrhundert in Frankreich bedeutete dieses Wort „Orgel“. Das Wort bedeutet „zusammen klingen“ und kommt auch in den Titeln einiger Werke von Komponisten des 16. und 17. Jahrhunderts vor, darunter Giovanni Gabriele und Heinrich Schütz.

Im 17. Jahrhundert, während eines Großteils der Barockzeit, wurden die Begriffe „Symphonie“ und „Sinfonie“ auf eine Reihe von Instrumenten angewendet verschiedene Kompositionen, einschließlich Instrumentalwerke, wird in Opern, Sonaten und Konzerten verwendet – meist als Teil eines größeren Werkes. Im 18. Jahrhundert entwickelte die Opernsinfonie oder italienische Ouvertüre eine Standardstruktur aus drei kontrastierenden Teilen: schnell, langsam und schneller Tanz. Diese Form gilt als unmittelbarer Vorläufer der Orchestersymphonie. Während eines Großteils des 18. Jahrhunderts galten die Begriffe „Ouvertüre“, „Symphonie“ und „Sinfonie“ als austauschbar.

Ein weiterer wichtiger Vorläufer der Symphonie war das Ripieno-Konzert, eine relativ wenig untersuchte Form, die an ein Konzert für Streicher und Basso Continuo erinnert, jedoch ohne Soloinstrumente. Die frühesten Konzerte von Ripieno gelten als Werke von Giuseppe Torelli. Auch Antonio Vivaldi schrieb Werke dieser Art. Das vielleicht berühmteste Ripieno-Konzert ist das Brandenburgische Konzert von Johann Sebastian Bach.

Symphonie im 18. Jahrhundert

Frühe Sinfonien wurden in drei Sätzen mit folgendem Tempowechsel geschrieben: schnell – langsam – schnell. Symphonien unterscheiden sich von italienischen Ouvertüren auch dadurch, dass sie für die eigenständige Konzertaufführung und nicht für die Aufführung gedacht sind Opernbühne, obwohl Werke, die ursprünglich als Ouvertüren geschrieben waren, später manchmal als Symphonien verwendet wurden und umgekehrt. Die meisten der frühen Sinfonien wurden in Dur-Tonart geschrieben.

Symphonien, die im 18. Jahrhundert für Konzert-, Opern- oder Kirchenaufführungen entstanden, wurden gemischt mit Werken anderer Genres oder in einer Reihe aus Suiten oder Ouvertüren aufgeführt. Dominiert Vokalmusik, in dem Sinfonien als Präludien, Zwischenspiele und Nachspiele (Schlussteile) dienten.
Damals waren die meisten Sinfonien kurz und dauerten zwischen zehn und zwanzig Minuten.

„Italienische“ Symphonien, die üblicherweise als Ouvertüren und Pausen in Opernproduktionen verwendet werden, hatten traditionell eine dreisätzige Form: einen schnellen Satz (Allegro), einen langsamen Satz und einen weiteren schnellen Satz. Nach diesem Schema wurden alle frühen Sinfonien Mozarts geschrieben. Die frühe dreiteilige Form wurde nach und nach durch die vierteilige Form ersetzt, die am Ende des 18. Jahrhunderts und während des größten Teils des 19. Jahrhunderts vorherrschte. Das symphonische Form, von deutschen Komponisten geschaffen, wurde mit dem „klassischen“ Stil von Haydn und dem späten Mozart in Verbindung gebracht. Es erschien ein zusätzlicher „Tanz“-Teil, und der erste Teil wurde als „Erster unter Gleichen“ anerkannt.

Das standardmäßige vierteilige Formular bestand aus:
1) der schnelle Teil in Binärform oder - in mehr späte Periode - Sonatenform;
2) langsamer Teil;
3) Menuett oder Trio in dreistimmiger Form;
4) ein schneller Satz in Form einer Sonate, eines Rondo oder eines Sonaten-Rondo.

Variationen dieser Struktur, etwa die Änderung der Reihenfolge der beiden Mittelteile oder das Hinzufügen einer langsamen Einleitung zum ersten schnellen Teil, galten als üblich. Die erste uns bekannte Sinfonie, die ein Menuett als dritten Satz enthielt, war ein Werk in D-Dur aus dem Jahr 1740 von Georg Matthias Mann, und der erste Komponist, der das Menuett konsequent als Bestandteil der viersätzigen Form einfügte, war Jan Stamitz.

Die frühen Sinfonien wurden überwiegend von Wiener und Mannheimer Komponisten komponiert. Frühe Vertreter Wiener Schule es waren Georg Christoph Wagenzeil, Wenzel Raymond Birk und Georg Mathias Monn, und Jan Stamitz arbeitete in Mannheim. Das bedeutet zwar nicht, dass Symphonien nur in diesen beiden Städten aufgeführt wurden: Sie wurden in ganz Europa komponiert.

Die berühmtesten Symphoniker spätes XVIII Jahrhunderte waren Joseph Haydn, der in 36 Jahren 108 Sinfonien schrieb, und Wolfgang Amadeus Mozart, der in 24 Jahren 56 Sinfonien schuf.

Symphonie im 19. Jahrhundert

Mit dem Aufkommen ständiger professioneller Orchester in den Jahren 1790–1820 nahm die Symphonie einen immer wichtigeren Platz im Konzertleben ein. Beethovens erstes akademisches Konzert, Christus am Ölberg, wurde berühmter als seine ersten beiden Sinfonien und sein Klavierkonzert.

Beethoven erweiterte die bisherigen Vorstellungen über das Genre der Symphonie erheblich. Seine Dritte („Heroische“) Symphonie zeichnet sich durch Umfang und emotionalen Inhalt aus und übertrifft in dieser Hinsicht alle zuvor geschaffenen Werke bei weitem symphonisches Genre, und in der Neunten Symphonie unternahm der Komponist den beispiellosen Schritt, im letzten Satz Stimmen für Solist und Chor einzubauen und so das Werk in eine Choralsinfonie zu verwandeln.

Hector Berlioz nutzte das gleiche Prinzip, als er seine „dramatische Symphonie“ Romeo und Julia schrieb. Beethoven und Franz Schubert ersetzten das traditionelle Menuett durch ein lebhafteres Scherzo. In der „Pastoral Symphony“ fügte Beethoven vor dem Schlusssatz ein Fragment des „Sturms“ ein, und Berlioz verwendete in seiner programmatischen „Symphony Fantastique“ einen Marsch und einen Walzer und schrieb sie auch in Fünfersätzen statt vier Teile, wie es üblich ist.

Robert Schumann und Felix Mendelssohn, Moderatoren Deutsche Komponisten Mit ihren Sinfonien erweiterten sie das harmonische Vokabular der romantischen Musik. Einige Komponisten – wie der Franzose Hector Berlioz und der Ungar Franz Liszt – schrieben klar programmatische Sinfonien. Die Werke von Johannes Brahms, der das Werk Schumanns und Mendelssohns als Ausgangspunkt nahm, zeichneten sich durch besondere strukturelle Strenge aus. Andere prominente Symphoniker der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte lang waren es Anton Bruckner, Antonin Dworak und Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky.

Symphonie im 20. Jahrhundert

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts schrieb Gustav Mahler mehrere große Sinfonien. Die achte davon wurde „Symphonie der Tausend“ genannt: So viele Musiker waren für ihre Aufführung erforderlich.

Im 20. Jahrhundert kam es zu einer stilistischen und semantischen Weiterentwicklung der als Sinfonien bezeichneten Kompositionen. Einige Komponisten, darunter Sergej Rachmaninow und Carl Nielsen, komponierten weiterhin traditionelle Symphonien mit vier Sätzen, während andere Autoren ausgiebig mit der Form experimentierten: Jean Sibelius‘ Siebte Symphonie beispielsweise besteht nur aus einem Satz.

Bestimmte Trends hielten jedoch an: Sinfonien blieben bestehen Orchesterwerke, und Symphonien mit Gesangsstimmen oder mit Solostimmen für einzelne Instrumente waren die Ausnahme, nicht die Regel. Wenn ein Werk als Symphonie bezeichnet wird, dann bedeutet das durchaus hohes Niveau seine Komplexität und die Ernsthaftigkeit der Absichten des Autors. Es tauchte auch der Begriff „Symfonietta“ auf: Dies ist die Bezeichnung für Werke, die etwas leichter sind als die traditionelle Symphonie. Am bekanntesten sind die Symphonietten von Leos Janacek.

Auch im 20. Jahrhundert nahm die Zahl zu Musikalische Kompositionen, in Form typischer Sinfonien, denen die Autoren eine andere Bezeichnung gaben. So betrachten Musikwissenschaftler oft Béla Bartóks Konzert für Orchester und Gustav Mahlers „Lied von der Erde“ als Sinfonien.

Andere Komponisten hingegen bezeichnen zunehmend Werke, die kaum als Sinfonien einzuordnen sind, in diese Gattung. Dies könnte auf den Wunsch der Autoren hindeuten, ihre künstlerischen Absichten hervorzuheben, die nicht direkt mit einer symphonischen Tradition verbunden sind.

Auf dem Plakat: Beethoven bei der Arbeit (Gemälde von William Fassbender (1873-1938))

Beethoven, der eine unheilbare Krankheit überstanden hat, kämpft hier nicht mit einem feindlichen Schicksal, sondern verherrlicht die große Kraft der Natur und die einfachen Freuden des Landlebens. Dieses Thema wurde mehr als einmal in der Musik verkörpert (Die Jahreszeiten von Vivaldi, Haydn). Beethoven, der eine enthusiastische und pantheistische Einstellung zur Natur hatte, offenbarte sie auf seine Weise. Seine Interpretation steht den Ansichten Rousseaus nahe. Für Beethoven ist die Natur nicht nur ein Gegenstand malerischer Gemälde, nicht nur eine Quelle purer Freude, sondern auch ein Symbol für ein freies, freies Leben, spirituelle Emanzipation. Wie in Aurora gibt es auch in der 6. Symphonie eine große Rolle Volksherkunft , denn Naturnähe war für Beethoven gleichbedeutend mit Menschennähe. Deshalb weisen viele Themen der Symphonie eine Verwandtschaft mit Volksmelodien auf.

Die 6. Sinfonie gehört (wie die 2., 4., 8. Sinfonie und die meisten Sonaten) zum Genre der lyrischen Sinfonie. Seine Dramaturgie unterscheidet sich stark von der Dramaturgie heroischer Sinfonien (3, 5, 9):

• statt Konfliktkonflikten der Kampf gegensätzlicher Prinzipien – ein langer Aufenthalt in einem emotionalen Zustand, der durch die Intensivierung des koloristischen Prinzips abwechslungsreicher wird;
• Kontraste und Kanten zwischen den Abschnitten werden geglättet, fließende Übergänge von einem Gedanken zum anderen sind charakteristisch (dies wird besonders deutlich in Teil II, wo ein Nebenthema das Hauptthema fortsetzt und vor demselben Hintergrund einsetzt);
• Der melodische Anfang und die Variation dominieren als Hauptmethode der thematischen Entwicklung, auch in Sonatendurchführungen ( leuchtendes Beispiel- II h);
• die Themen sind homogen aufgebaut;
• in der Orchestrierung gibt es eine Fülle von Soloblasinstrumenten, den Einsatz neuer Aufführungstechniken, die später für die Romantiker charakteristisch wurden (Divizi und Dämpfer im Cellopart, die das Plätschern eines Baches imitieren);
• in tonalen Ebenen - die Dominanz farbenfroher tertianischer Tonvergleiche;
• weit verbreitete Verwendung von Ornamenten; Fülle an Organpunkten;
• breite Umsetzung von Genres der Volksmusik - Ländler (in den Extremabschnitten des Scherzos), Lieder (im Finale).

Die sechste Symphonie ist programmatisch, und als einzige der neun hat sie nicht nur gebräuchlicher Name, aber auch Überschriften für jeden Teil. Es gibt nicht 4 Teile, wie es im klassischen Symphoniezyklus fest verankert war, sondern 5, die genau mit dem Programm verbunden sind: Zwischen dem schlichten Dorftanz und dem friedlichen Finale wird ein dramatisches Gewitterbild platziert. Diese drei Teile (3,4,5) werden ohne Unterbrechung durchgeführt.

Teil 1 – „Freudegefühle bei der Ankunft im Dorf“ (F-dur)

Der Titel betont, dass Musik keine „Beschreibung“ ist. ländliche Landschaft, sondern offenbart die Gefühle, die es hervorruft. Das gesamte Sonate-Allegro ist von Elementen der Volksmusik durchdrungen. Von Anfang an reproduzieren ein Fünftel der Bratschen und Celli den Klang ländlicher Dudelsäcke. Vor diesem Hintergrund erzeugen die Violinen eine einfache, immer wieder wiederholte Melodie, die auf pastoralen Intonationen basiert. Dies ist das Hauptthema der Sonatenform. Die Seite und das Finale stehen nicht im Gegensatz dazu; sie drücken auch eine Stimmung freudiger Ruhe und Klang in C-Dur aus. Alle Themen werden entwickelt, aber nicht aufgrund einer motivischen Entwicklung, wie es beispielsweise in der „Eroischen“ Sinfonie der Fall war, sondern aufgrund der Fülle thematischer Wiederholungen, betont durch klare Kadenzen. Das Gleiche ist in der Durchführung zu beobachten: Der charakteristische Gesang des Hauptteils, der als Entwicklungsgegenstand genommen wird, wird ohne jede Veränderung viele Male wiederholt, wird aber gleichzeitig durch das Spiel der Register, Instrumentalklangfarben usw. gefärbt bunter tertianer Vergleich der Tonalitäten (B - D, C - E).

Teil 2 – „Szene am Bach“ (B-Dur)

Durchdrungen von den gleichen gelassenen Gefühlen gibt es hier jedoch mehr Verträumtheit und darüber hinaus eine Fülle von figurativen und lautmalerischen Momenten. Während des gesamten Satzes bleibt der „murmelnde“ Hintergrund zweier Solocelli mit Dämpfern und Hörnerpedal erhalten (erst ganz am Ende verstummt der „Strom“ und weicht einem Vogelruf: dem Triller einer Nachtigall gespielt von der Flöte, der Ruf einer Wachtel von der Oboe und das Kuckucksgeräusch des Kuckucks von der Klarinette). Auch dieser Teil ist wie der erste Teil in Sonatenform geschrieben, die ähnlich interpretiert wird: Rückgriff auf Liedthematik, Mangel an Kontrasten, Klangfarbenvariation.

Teil 3 – „Eine fröhliche Zusammenkunft der Dorfbewohner“ (F-Dur)

Teil 3 ist eine saftige Genreskizze. Ihre Musik ist die fröhlichste und unbeschwerteste. Es vereint die hinterlistige Einfachheit von Bauerntänzen (Haydn-Tradition) und den scharfen Humor von Beethovens Scherzi. Auch hier gibt es viel visuelle Konkretheit.

Der erste Abschnitt der 3x-Partialform basiert auf einem wiederholten Vergleich zweier Themen – abrupt, mit hartnäckigen Wiederholungen und lyrisch melodisch, aber nicht ohne Humor: Die Fagottbegleitung klingt aus dem Takt, wie von unerfahrenen Dorfmusikanten. Ein weiteres Thema erklingt im transparenten Timbre der von Violinen begleiteten Oboe. Es ist anmutig und elegant, aber gleichzeitig verleihen ihm der synkopierte Rhythmus und der plötzlich einsetzende Fagottbass auch eine komische Note.

In einem geschäftigeren Trio Ein rauer Gesang mit scharfen Akzenten wird mit sehr lautem Ton beharrlich wiederholt, als würden die Dorfmusikanten mit aller Kraft spielen und ohne Mühe den schweren Bauerntanz begleiten.

In Reprise vollständige Umsetzung Alle Themen wurden durch eine kurze Erinnerung an die ersten beiden ersetzt.

Nähe zu Volksmusik manifestiert sich im 3. Teil der Symphonie sowohl in der Verwendung variabler Modi als auch in der für österreichische Bauerntänze charakteristischen Variabilität von drei- und zweiteiligen Größen.

Teil 4 – „Gewitter. Sturm“ (d-moll)

<Бесхитростный деревенский праздник внезапно прерывает гроза - так начинается 4 часть симфонии. Она составляет резкий контраст всему предшествовавшему и является единственным драматическим эпизодом всей симфонии. Рисуя величественную картину разбушевавшейся стихии, композитор прибегает к изобразительным приемам, расширяет состав оркестра, включая, как и финале 5-й симфонии, флейту - пикколо и тромбоны.

Musikalische Gewitter „wüten“ in vielen Werken des 18. – 19. Jahrhunderts verschiedener Genres (Vivaldi, Haydn, Rossini, Verdi, Liszt usw.). Beethovens Interpretation des Sturmbildes steht der von Haydn nahe: Ein Gewitter wird nicht als verheerende Katastrophe, sondern als eine für alles Lebewesen notwendige Gnade wahrgenommen.

Teil 5 – „Shepherd's Melodien. Freudige und dankbare Gefühle nach dem Sturm“ (F-dur)

Die freie Form des 4. Teils hat als Prototyp einen realen Prozess – ein Gewitter, das sich von den ersten zaghaften Tropfen an allmählich verstärkt, einen Höhepunkt erreicht und dann nachlässt. Das letzte schwache Donnergrollen löst sich in den Klängen einer Hirtenpfeife auf, womit der letzte, 5. Teil beginnt. Die gesamte Musik des Finales ist von volkstümlichen Elementen durchdrungen. Die langsam fließende Melodie der Klarinette, beantwortet vom Horn, klingt wie eine echte Volksmelodie. Es ist wie eine Hymne, die die Schönheit der Natur feiert.