Die berühmtesten Meister der amerikanischen Malerei. Moderne amerikanische Malerei ist das Interessanteste in den Blogs. zeitgenössische amerikanische Künstler

Original entnommen aus vanatik05 in AMERICAN PAINTING - 5 (Realistische Traditionen im 20. Jahrhundert)

1913 organisierte die Association of American Painters and Sculptors die erste große internationale Ausstellung für moderne Kunst, die Armory Show, in der Waffenkammer der Nationalgarde in der Lexington Avenue. Es wurde zu einem wichtigen Ereignis in der Geschichte der amerikanischen Kunst, löste verschiedene Emotionen aus: Überraschung, Bewunderung, Empörung, Anbetung und völlige Ablehnung der amerikanischen Öffentlichkeit, die an Realismus gewöhnt war, teilweise an Impressionismus, aber nicht an die europäische Avantgarde-Kunst die sie auf dieser Ausstellung gesehen hat. 1300 Gemälde, Skulpturen und dekorative Arbeiten von mehr als 300 zeitgenössischen europäischen und amerikanischen Künstlern besuchten nicht nur New York, sondern auch Chicago und Washington.

In Rezensionen der Ausstellung hagelte es Vorwürfe der Unmoral, Unprofessionalität, Wahnsinn, Scharlatanerie, viele Werke wurden als Karikaturen und Parodien der Malerei bezeichnet, und Theodore Roosevelt sagte: „Das ist überhaupt keine Kunst!“

Die Zivilbehörden griffen jedoch nicht ein und versuchten nicht, die Ausstellung zu schließen, und die Skandale um sie herum trugen nur zum erfolgreichen Verkauf vieler Werke bei, die heute in amerikanischen Museen und im MoMA (The Museum of Modern Art) zu sehen sind. kann allgemein als Erbe und Nachfolger dieser ersten zeitgenössischen Kunstausstellungen angesehen werden.

Es beeinflusste indirekt die Künstler der realistischen Richtung, und realistische Traditionen starben in Amerika nie, es trug nicht nur zu Veränderungen in der Zeichentechnik, im Thema Plots bei, sondern führte sogar zu so neuen Tendenzen in der Malerei wie dem „magischen Realismus“. *

Und sein Ableger - "Präzisionismus" **, charakteristisch für amerikanische Künstler,

Und die in Amerika geborene künstlerische Bewegung „Regionalismus“ *** (oder Regionalismus).

Hier sprechen wir über Künstler, Vertreter verschiedener Bereiche der realistischen Kunst im Amerika des 20. Jahrhunderts.

Karl Burchfeld(1893-1967), einer der prominentesten Aquarellmaler Amerikas, der seine Bilder an der Staffelei in der "Trockenpinsel"-Technik malte, entwickelte früh (um 1915) seinen eigenen neorealistischen Stil, der modernistische Tendenzen, traditionelle chinesische Malerei und Elemente kombinierte des Fauvismus.

Während seines kreativen Lebens änderte er Richtungen und Techniken, malte Landschaften und Gemälde zu historischen Themen, Szenen, die er aus dem Fenster seines Hauses beobachtete, und Blumen, „halluzinatorisch“, im Geiste des magischen Realismus, Ansichten der Natur und ihrer göttlichen Kraft.

Ihm zu Ehren wurde 1966 das Buffalo Nature and Arts Center, genannt Birchfield Penny Art Center, gegründet, das auch die weltweit größte Sammlung von Werken des Künstlers umfasst.

Reginald Marsch(1898-1954), geboren in Paris, in einer wohlhabenden Künstlerfamilie, war Schüler von D. Sloan, der vor allem als Maler und Illustrator von Stadtszenen, Straßenleben und New Yorker Stränden bekannt war.

Seine Bilder zeichnen sich durch dokumentarische Gründlichkeit aus, durchdrungen von einer ironischen Liebe zu Charakteren, er malte viel für Burlesque und Vaudeville und betrachtete sie als "das Theater des einfachen Mannes, das den Humor und die Fantasien der Armen, Alten und Hässlichen ausdrückt".

Er arbeitete mit Öl und Tusche, Aquarell, Eitempera und begann sein kreatives Leben mit der Lithographie. Sein Stil kann als "sozialer Realismus" bezeichnet werden, der besonders in den Jahren der Weltwirtschaftskrise ausgeprägt war, und die Hingabe an die alten Meister, deren Werk er verehrte, führte zur Schaffung von Werken mit religiösen Metaphern.

Kurz vor seinem Tod an einem Herzinfarkt erhielt Marsh die Gold Medal of Graphic Arts der American Academy of Arts.

Fairfield-Träger(1907-1975) wurde in die Familie einer Architektin und Dichterin geboren, studierte in Harvard und der League of American Students, hielt sein ganzes Leben an der realistischen Richtung fest, malte hauptsächlich Landschaften und Porträts von Familie und Freunden und versuchte, das hervorzuheben ungewöhnlich im gewöhnlichen Leben, um es schöner zu machen.

In seiner Arbeit ist der Einfluss seines Vaters, eines Architekten, der Arbeit von Velasquez und später der Künstler Bonnard und Vuillard zu spüren, er glaubte, dass "der Impressionismus in der Lage ist, die Präsenz der Realität malerisch nachzubilden".

Vielleicht hilft der Mangel an guten Lehrern für Ölmalerei, die vorsichtige Haltung gegenüber Sinnlichkeit und Naturalismus, die vielen Amerikanern dieser Jahre innewohnt, die etwas primitive Natur von Porters Werk, die Unbeholfenheit, Steifheit seiner Figuren, ihre statische Natur zu erklären.

Und erst in seinen späteren Arbeiten beginnt er, die Grenze zwischen Impressionismus und Fauvismus zu überschreiten, seine Zeichnung wird freier, die Farben leuchtender, mehr Licht in seinen Werken.

Eduard Hopper(1882-1967) wurde in Nyack, im Zentrum des Yachtbaus am Hudson River, in eine wohlhabende Familie niederländischer Herkunft geboren. Hopper zeigte sein künstlerisches Talent bereits im Alter von 5 Jahren, seine Eltern vermittelten ihm die Liebe zur französischen und russischen Kunst, förderten seine Leidenschaft für die Malerei und verschiedene Interessen.

Hopper arbeitete mit Feder und Tinte, Kohle, Aquarell, Öl und Lithographie, malte Porträts und Seestücke, politische Karikaturen und Zeichnungen aus dem Leben. In der Arbeit von Hopper kann man den Einfluss von Robert Henry, einem seiner Lehrer, und Manet mit Degas erahnen,

William Chase und Rembrandt, insbesondere seine „Nachtwache“, und lebte in Paris, zeichnete Szenen auf der Straße, in Cafés und Theatern und blieb in den Traditionen der realistischen Kunst, obwohl einige Forscher seine Arbeit wegen der klaren Geometrie dem Präzisionismus zuschreiben Formen, Mechanik, Sterilität und Raumleere.

Er sagte, dass seine "Lieblingssache beim Malen Sonnenlicht auf der Hauswand ist". Während der Weltwirtschaftskrise hatte Hopper mehr Glück als viele andere Künstler – er stellte weiterhin jährlich aus und verkaufte sich sein ganzes späteres Leben lang gut.

Sein Werk hatte nicht nur großen Einfluss auf die bildende Kunst, sondern auch auf das Kino mit seinen filmischen Kompositionen und dramatischen Einsätzen von Hell und Dunkel.

Paul Kadmus(1904-1999), ein Vertreter der Bewegung des „Magischen Realismus“, verband in seinem Werk Elemente der Erotik und Gesellschaftskritik,

erlangte Berühmtheit durch explizit homosexuelle Motive in seinen Gemälden und Darstellungen nackter männlicher Figuren.

Er wurde in eine arme Künstlerfamilie hineingeboren, sein Vater ermutigte den Jungen zum Zeichnen, im Alter von 14 Jahren schrieb er sich für Kurse an der National Academy of Design und dann an der Academy ein. Er reiste viel mit seinen Freunden, malte große Leinwände, die seine Eindrücke von Europa widerspiegelten, malte vielfigurige Bilder aus dem Leben der Fischer, Seeleute, Szenen des städtischen Lebens,

Und nachdem er die Impresario und Ballettomane Kirsten kennengelernt hatte, bekam Cadmus viele Arbeiten zu Ballettthemen, die meistens Tänzer darstellen.

Paul Cadmus lebte ein langes Leben und starb im Alter von 95 Jahren in den Armen seines Freundes und ständigen Vorbilds, der die letzten 35 Jahre seines Lebens an seiner Seite war. Cadmus wiederholte gerne die Worte von Ingres: „Die Leute sagen, dass meine Bilder nicht für diese Zeit geeignet sind. Vielleicht irren sie sich, und ich bin der Einzige, der mit der Zeit geht.

Ivan (Ivan) Albright(1897-1983), einer der berühmtesten Vertreter des magischen Realismus, wurde mit seinem Zwillingsbruder in der Familie des Künstlers geboren.

Die Brüder waren die meiste Zeit ihres Lebens unzertrennlich, beide studierten am Art Institute of Chicago, Bruder Malvin wurde Bildhauer und Ivan wurde Künstler, begann aber als Architekt und führte während des Ersten Weltkriegs medizinische Zeichnungen für ein Krankenhaus durch in Nantes. Er war immer sehr anspruchsvoll in seiner Arbeit, schrieb alle Details sorgfältig aus und widmete viele seiner Werke so komplexen Themen wie Leben und Tod, Materialität und Geist, dem Einfluss der Zeit auf das Aussehen und die innere Welt eines Menschen.

Solche Arbeiten erforderten viel Zeit und daher waren Verkäufe selten, viele Gemälde blieben in seinem Besitz. Albright stellte seine eigenen Farben und Holzkohlen her, war so besessen von Beleuchtung, dass er schwarze Kleidung trug und sein Studio schwarz strich, um Blendung zu vermeiden.

Er malte realistisch, aber übertrieben detailliert, er liebte es, den Lauf der Zeit zu beobachten und malte allein in den letzten 3 Jahren seines Lebens über 20 Selbstporträts, um die Veränderungen eines Menschen widerzuspiegeln.

George Clare Taker Jr. (1920-2011), dessen Werke die Strömungen des sozialistischen Realismus und des magischen Realismus repräsentieren, wurde in eine Familie mit anglo-französisch-spanisch-kubanischen und amerikanischen Wurzeln hineingeboren, studierte auf Drängen seiner Eltern aber englische Literatur in Harvard widmete sich den größten Teil seiner Zeit der Malerei.

Nach seinem Dienst im Marine Corps, aus dem er aus gesundheitlichen Gründen entlassen wurde, besuchte er Kurse der League of Art Students, arbeitete viel in der Eitempera-Technik und bewunderte die Kunst der italienischen Renaissance.

Takers Gemälde zeigen Szenen des amerikanischen Alltagslebens, die menschlichen Figuren darin sind oft rassistisch und sexuell unbestimmt und drücken Einsamkeit, Isolation und Anonymität aus.

Er achtete sehr auf die Einhaltung geometrischer Proportionen und Symmetrien, deshalb malte er sehr langsam - nicht mehr als zwei Bilder pro Jahr. Seit seiner ersten großen Ausstellung im Jahr 1951 hat Tooker konsequent erfolgreich ausgestellt und seine Arbeiten in großen Museen in Amerika ausgestellt.

Peter Blume(Peter Blum) - (1906-1992), Maler und Bildhauer, in dessen Werk Elemente des Präzisionismus, Purismus, Kubismus, Surrealismus und der Volkskunst vorkommen. Er wurde in Russland als Sohn einer jüdischen Familie geboren, die 1912 nach Amerika auswanderte und sich in Brooklyn niederließ.

Nach einem Kunststudium an verschiedenen Bildungseinrichtungen eröffnete er sein eigenes Atelier unter der Schirmherrschaft der Familie Rockefeller. Wie viele seiner realistischen Zeitgenossen war er ein Fan der Renaissance, reiste durch Italien, sein erstes Gemälde, das 1934 Anerkennung fand - "Die ewige Stadt", es lässt das Bild Mussolinis erahnen, wie ein Teufel aus einer Kiste, Verlassen des Kolosseums.

Seine oft Zerstörung darstellenden Werke können dennoch als Symbole des Wiederaufbaus und der Erneuerung nach dem Zweiten Weltkrieg interpretiert werden, wie Steine, neue Balken, Figuren arbeitender Menschen.

Blumes künstlerischer Stil war eine interessante Mischung aus amerikanischen und europäischen Kunststilen, er wird als "Künstler des Märchenerzählens" bezeichnet.

Andrew Newell Wyeth(1917-2009), ein Vertreter eines überwiegend regionalistischen Stils im Realismus, wurde in die Familie eines Illustrators hineingeboren, der aufmerksam auf die Entwicklung der Talente seiner fünf Kinder achtete, sie an gute Literatur, Musik und das Studium der Natur gewöhnte . Der Vater selbst unterrichtete seine Kinder zu Hause, und sie waren alle talentiert: Künstler, Musiker, Komponisten, Erfinder.

Ihr Haus war eine kreative Umgebung, die oft von Prominenten wie Scott Fitzgerald und Mary Pickford besucht wurde. Wyeth selbst betrachtete sich seltsamerweise als Abstraktionist, legte großen Wert darauf, die tiefe Bedeutung in einfachen Objekten zu verstehen, die bevorzugten Themen seiner Bilder waren die Erde und die Menschen um ihn herum.

Sein berühmtestes Gemälde, Christinas Welt, zeigt ein Mädchen von einer benachbarten Farm, das durch Kinderlähmung behindert ist und allein auf ein Haus in der Ferne zukriecht.

247 Gemälde und Zeichnungen widmete er einer Frau, Helga Testorff, und er studierte sie in verschiedenen Umgebungen und emotionalen Zuständen, was eine einzigartige Erfahrung in der amerikanischen Kunst ist.

Obwohl Wyeth viele technisch hervorragende Stücke hat und eine große Anhängerschaft hatte, gilt seine Kunst als umstritten, wobei der Kunsthistoriker Rosenblum ihn als "den am meisten überschätzten und unterschätzten" Künstler bezeichnet.

Holz gewähren(1891-1942), einer der bekanntesten Vertreter des Regionalismus, wurde in Iowa geboren, verlor früh seinen Vater, arbeitete in einem Baumarkt, studierte an der Kunstschule und dann am Chicago Art Institute.

Der junge Grant reiste viermal nach Europa, um Malstile zu studieren, wobei er besonderes Augenmerk auf Impressionismus und Postimpressionismus legte, aber er bewunderte die Arbeit von Van Eyck und träumte davon, moderne Methoden und die Klarheit, Klarheit und Tiefe mittelalterlicher Kunst in seiner Arbeit zu kombinieren.

Kein Wunder, dass sein berühmtestes Gemälde "American Gothic" heißt, es spiegelt die traditionelle Sichtweise des 19. Jahrhunderts auf die Rollen von Mann und Frau in Amerika wider, das Bild wurde zwiespältig aufgenommen, manche hielten es für eine Karikatur, und Zeitungen parodierten es unterschiedlich Wege.

Später, als er Malerei an der University of Iowa lehrte, wurde Wood zu einer Schlüsselfigur in der kulturellen Gesellschaft der Universität, aber wegen Gerüchten über seine homosexuelle Affäre mit seiner persönlichen Sekretärin wurde Wood gefeuert und starb bald darauf an Bauchspeicheldrüsenkrebs.

Thomas Hart (Hart) Benton(1889-1975) wurde in eine Politikerfamilie hineingeboren, sein Vater, ein Oberst, Anwalt und Philanthrop, wurde viermal in den Kongress gewählt. Der Vater wollte, dass sein Sohn in seine Fußstapfen tritt, aber der Junge interessierte sich für Kunst, seine Mutter unterstützte seine Wahl, und er trat in das Art Institute of Chicago ein und ging dann nach Paris, um sein Studium an der Julian Academy fortzusetzen.

Als er nach Amerika zurückkehrte und weiter malte, diente er während des Ersten Weltkriegs in der US-Marine und arbeitete an der Erstellung von Tarnbildern von Schiffen und Werften, die ein realistisches dokumentarisches Bild erforderten und später seinen Stil beeinflussten. Anfang der 1920er Jahre erklärte sich Benton zum „Feind der Moderne“, wurde zu einem der führenden Vertreter des Regionalismus und vertrat „linke“ Ansichten.

Er begann sich für El Greco zu interessieren, der Einfluss seiner Arbeit zeigt sich in der Arbeit an riesigen Fresken, die verschiedene Phasen und Ereignisse im Leben des Landes widerspiegeln.

Benton lehrte an der Art Students League in New York, viele seiner Schüler wurden zu bekannten Künstlern (Hopper, Pollack, Marsh), wurden aber gefeuert, weil sie den übermäßigen Einfluss von Homosexuellen in der Kunstwelt anprangerten. Nach dem Zweiten Weltkrieg verlor der Regionalismus als Richtung an Relevanz, Benton malte weiterhin Fresken,

arbeitete etwa 30 Jahre lang aktiv, hatte aber nicht seine frühere Popularität.

John Stewart Curry(1897-1946) wurde auf einer Farm in Kansas geboren, kümmerte sich um Tiere, war sportbegeistert, von Kindesbeinen an umgeben von Reproduktionen von Gemälden von Rubens und Doré, was seine spätere Wahl des künstlerischen Stils beeinflusste.

John studierte am Art Institute of Chicago, arbeitete als Illustrator für Zeitschriften und verbrachte ein Jahr in Paris, um die Werke von Courbet, Daumier, Tizian und Rubens zu studieren. In die USA zurückgekehrt, arbeitete er einige Zeit in seiner Werkstatt, reiste mit dem Zirkus, wurde als erster Künstler an die Universität von Wisconsin-Madison berufen, reiste durch das Land, um die Entwicklung der Kunst in bäuerlichen Gemeinden zu fördern.

Er malte für das Justizministerium in Washington und für das Capitol in Kansas. Carrey war eine der drei Säulen (Benton und Wood) des amerikanischen Regionalismus, der während der Weltwirtschaftskrise besonders relevant war.

Er stellte Szenen von Arbeit, Familie und Land sowie Katastrophenmanagement dar, um der Welt die Ausdauer, harte Arbeit und den Glauben der Menschen zu demonstrieren, die Carrey als die Essenz des amerikanischen Lebens betrachtete.

Um ehrlich zu sein, bin ich im Allgemeinen nicht sehr von realistischen Künstlern inspiriert, ich habe ein gewisses Interesse an der Arbeit nur einzelner Vertreter des magischen Realismus (Cadmus, Bloome, Hopper), aber im Allgemeinen liegt mir diese Periode in der amerikanischen Kunst nicht nahe , was kann ich machen.
Der nächste und letzte Teil widmet sich der zeitgenössischen amerikanischen Kunst. Ende zu sein ...
Wie immer eine Slideshow mit vielen weiteren Bildern und guter Musik:

* magischer Realismus- Als künstlerische Bewegung entwickelte sich der magische Realismus auf amerikanischem Boden und wurde zum Äquivalent des europäischen Surrealismus. Die Werke der Meister des magischen Realismus, die in vielerlei Hinsicht auf den Geschmack und die Bedürfnisse des amerikanischen Publikums eingingen, waren schockierend, schockierend in ihrer Offenheit, während sie sie mit der Anekdote von Situationen und der Karikatur der Charaktere kombinierten und der Realität eher entsprachen ein unruhiger Traum oder ein halluzinatorisches Delirium.
**Präzision, oder Presigismus (englische Präzision - Genauigkeit, Klarheit) - eine Richtung, die für die amerikanische Malerei der 30er Jahre charakteristisch ist, eine Art magischer Realismus. Das Hauptthema für Präzisionisten ist das Bild der Stadt, das Hauptthema ist die mechanistische Ästhetik, der Raum der Bilder ist steril, es scheint, als wäre die Luft aus ihnen herausgepumpt, es ist kein Mensch darin.
***Regionalismus oder Regionalismus (von englisch regional - local) - eine künstlerische Richtung in der Kunst der Vereinigten Staaten von 1920-1940, die auf dem Wunsch beruhte, eine wahrhaft amerikanische Kunst im Gegensatz zu den aus Europa stammenden Avantgardebewegungen zu schaffen. Inspiriert von Ideen nationaler Identität konzentrierten sich regionalistische Künstler darauf, das "authentische" Amerika darzustellen. Die Themen ihrer Werke sind amerikanische Landschaften, Szenen aus dem Leben der Bauern, das Leben in Kleinstädten, Episoden aus der Geschichte, lokale Legenden und Folkloregeschichten.

Amerikanische Malerei
Die ersten überlieferten Werke amerikanischer Malerei stammen aus dem 16. Jahrhundert; Dies sind Skizzen, die von Mitgliedern von Forschungsexpeditionen angefertigt wurden. Professionelle Künstler tauchten in Amerika jedoch erst zu Beginn des 18. Jahrhunderts auf; die einzige stabile Einnahmequelle für sie war ein Porträt; dieses Genre nahm bis Anfang des 19. Jahrhunderts eine führende Position in der amerikanischen Malerei ein.
Kolonialzeit. Die erste Gruppe von Porträts, ausgeführt in der Technik der Ölmalerei, stammt aus der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts; damals verlief das leben der siedler relativ ruhig, das leben stabilisierte sich und es gab gelegenheiten für die kunst. Von diesen Werken ist das berühmteste Porträt von Frau Frick mit ihrer Tochter Mary (1671-1674, Massachusetts Museum of Art in Warster), gemalt von einem unbekannten englischen Künstler. In den 1730er Jahren arbeiteten in den Städten an der Ostküste bereits mehrere Künstler moderner und realistischer: Henrietta Johnston in Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn in Annapolis (1708), Gustav Hesselius in Philadelphia (1712), John Watson in Perth Emboy in New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) und John Smybert (1728) in Boston. Die Malerei der beiden letzteren beeinflusste maßgeblich das Werk von John Singleton Copley (1738-1815), der als erster bedeutender amerikanischer Künstler gilt. Anhand der Stiche aus der Pelham-Sammlung bekam der junge Copley eine Vorstellung vom englischen Formal Portrait und der Malerei von Godfrey Neller, dem führenden englischen Meister, der im frühen 18. Jahrhundert in diesem Genre arbeitete. In dem Gemälde Junge mit Eichhörnchen (1765, Boston, Museum of Fine Arts) schuf Copley ein wunderbar realistisches Porträt, zart und überraschend genau in der Übertragung der Textur von Objekten. Als Copley diese Arbeit 1765 nach London schickte, riet ihm Joshua Reynolds, sein Studium in England fortzusetzen. Copley blieb jedoch bis 1774 in Amerika und malte weiterhin Porträts, wobei er sorgfältig alle Details und Nuancen darin durcharbeitete. Dann unternahm er eine Reise nach Europa und ließ sich 1775 in London nieder; Manierismus und Idealisierungsmerkmale, die für die englische Malerei dieser Zeit charakteristisch sind, tauchen in seinem Stil auf. Zu den schönsten Werken, die Copley in England produziert hat, gehören große formale Porträts, die an die Arbeit von Benjamin West erinnern, darunter Brooke Watson und der Hai (1778, Boston, Museum of Fine Arts). Benjamin West (1738-1820) wurde in Pennsylvania geboren; Nachdem er mehrere Porträts von Philadelphianern gemalt hatte, zog er 1763 nach London. Hier erlangte er als Historienmaler Berühmtheit. Ein Beispiel für seine Arbeit in diesem Genre ist das Gemälde The Death of General Wolfe (1770, Ottawa, National Gallery of Canada). 1792 trat West die Nachfolge von Reynolds als Präsident der britischen Royal Academy of Arts an.
Unabhängigkeitskrieg und Anfang des 19. Jahrhunderts Anders als Copley und West, die für immer in London blieben, kehrte der Porträtmaler Gilbert Stuart (1755-1828) 1792 nach Amerika zurück und machte in London und Dublin Karriere. Er wurde bald zum führenden Meister dieses Genres in der jungen Republik; Stuart malte Porträts fast aller prominenten politischen und öffentlichen Persönlichkeiten in Amerika. Seine Arbeit ist in einer lebendigen, freien, skizzenhaften Weise ausgeführt, die sich stark vom Stil von Copleys amerikanischen Arbeiten unterscheidet. Benjamin West begrüßte junge amerikanische Künstler in seinem Londoner Studio; Zu seinen Schülern gehörten Charles Wilson Peel (1741-1827) und Samuel F. B. Morse (1791-1872). Peel wurde der Gründer einer Malerdynastie und eines Familienunternehmens für Kunst in Philadelphia. Er malte Porträts, beschäftigte sich mit wissenschaftlichen Forschungen und eröffnete das Museum of Natural History and Painting in Philadelphia (1786). Von seinen siebzehn Kindern wurden viele Künstler und Naturforscher. Morse, besser bekannt als Erfinder des Telegraphen, malte einige schöne Porträts und eines der grandiosesten Gemälde der amerikanischen Malerei, die Louvre Gallery. In dieser Arbeit werden etwa 37 Leinwände in Miniatur mit erstaunlicher Genauigkeit reproduziert. Dieses Werk sollte, wie alle Werke von Morse, die junge Nation mit der großen europäischen Kultur bekannt machen. Washington Allston (1779-1843) war einer der ersten amerikanischen Künstler, der der Romantik huldigte; Während seiner langen Reisen in Europa malte er Seestürme, poetische italienische Szenen und sentimentale Porträts. Zu Beginn des 19. Jahrhunderts Die ersten amerikanischen Kunstakademien wurden eröffnet, boten Studenten eine professionelle Ausbildung und beteiligten sich direkt an der Organisation von Ausstellungen: die Pennsylvania Academy of Arts in Philadelphia (1805) und die National Academy of Drawing in New York (1825), deren erster Präsident S. R. Morse war . In den 1820er und 1830er Jahren malten John Trumbull (1756-1843) und John Vanderlyn (1775-1852) riesige Kompositionen auf der Grundlage der amerikanischen Geschichte, die die Wände der Rotunde des Kapitols in Washington schmückten. In den 1830er Jahren wurde die Landschaft zum dominierenden Genre in der amerikanischen Malerei. Thomas Cole (1801-1848) malte die Wildnis des Nordens (Bundesstaat New York). Er argumentierte, dass wettergegerbte Berge und leuchtende Herbstwälder geeignetere Motive für amerikanische Künstler seien als malerische europäische Ruinen. Cole malte auch mehrere Landschaften mit ethischer und religiöser Bedeutung; Darunter befinden sich vier große Gemälde The Way of Life (1842, Washington, National Gallery) – allegorische Kompositionen, die ein Boot darstellen, das den Fluss hinunterfährt, in dem ein Junge sitzt, dann ein junger Mann, dann ein Mann und schließlich ein alter Mann. Viele Landschaftsmaler folgten Coles Beispiel und zeigten in ihren Werken Ansichten der amerikanischen Natur; sie werden oft unter dem Namen "Hudson River School" zusammengefasst (was nicht stimmt, da sie im ganzen Land arbeiteten und in verschiedenen Stilen schrieben). Unter den amerikanischen Genremalern sind William Sidney Mount (1807–1868), der Szenen aus dem Leben der Farmer von Long Island malte, und George Caleb Bingham (1811–1879), dessen Gemälde sich dem Leben der Fischer widmen, die bekanntesten den Ufern des Missouri und Wahlen in kleinen Provinzstädten. Vor dem Bürgerkrieg war Frederick Edwin Church (1826-1900), ein Schüler von Cole, der beliebteste Künstler. Er malte hauptsächlich im Großformat und verwendete manchmal zu naturalistische Motive, um das Publikum zu fesseln und zu verblüffen. Church reiste zu den exotischsten und gefährlichsten Orten und sammelte Material für das Bild von südamerikanischen Vulkanen und Eisbergen der nördlichen Meere; Eines seiner berühmtesten Werke ist das Gemälde Niagara Falls (1857, Washington, Corcoran Gallery). In den 1860er Jahren erregten die riesigen Gemälde von Albert Bierstadt (1830-1902) allgemeine Bewunderung für die Schönheit der darauf abgebildeten Rocky Mountains mit ihren klaren Seen, Wäldern und hoch aufragenden Gipfeln.

Collier Enzyklopädie. - Offene Gesellschaft. 2000 .

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Amerikanische Künstler sind sehr vielfältig. Jemand war ein klarer Kosmopolit wie Sargent. Er ist ursprünglich Amerikaner, hat aber fast sein ganzes Erwachsenenleben in London und Paris gelebt.

Darunter sind auch authentische Amerikaner, die nur das Leben ihrer Landsleute schilderten, wie Rockwell.

Und es gibt Künstler wie Pollock, die nicht von dieser Welt sind. Oder solche, deren Kunst zu einem Produkt der Konsumgesellschaft geworden ist. Hier geht es natürlich um Warhol.

Allerdings sind sie alle Amerikaner. Freiheitsliebend, mutig, strahlend. Lesen Sie unten über sieben davon.

1. James Pfeifer (1834-1903)

Whistler kann kaum als echter Amerikaner bezeichnet werden. Aufgewachsen lebte er in Europa. Und er verbrachte seine Kindheit überhaupt ... in Russland. Sein Vater baute eine Eisenbahn in St. Petersburg.

Dort verliebte sich der Junge James in die Kunst und besuchte dank der Verbindungen seines Vaters die Eremitage und den Peterhof (damals waren sie noch für die Öffentlichkeit geschlossene Paläste).

Warum ist Whistler berühmt? Egal welchen Stil er malt, vom Realismus bis zum Tonalismus*, er ist fast sofort an zwei Merkmalen zu erkennen. Ungewöhnliche Farben und musikalische Namen.

Einige seiner Porträts sind Nachahmungen alter Meister. Wie zum Beispiel sein berühmtes Porträt „Die Mutter des Künstlers“.

Der Künstler hat erstaunliche Arbeiten mit Farben geschaffen, die von hellgrau bis dunkelgrau reichen. Und etwas Gelbes.

Das heißt aber nicht, dass Whistler solche Farben mochte. Er war ein außergewöhnlicher Mensch. Er konnte problemlos in gelben Socken und mit einem bunten Regenschirm in der Gesellschaft auftreten. Und das ist, wenn Männer ausschließlich in Schwarz und Grau gekleidet sind.

Er hat auch viel leichtere Werke als "Mother". Zum Beispiel Symphonie in Weiß. So wurde das Bild von einem der Journalisten auf der Ausstellung aufgerufen. Whistler gefiel die Idee. Seitdem benennt er fast alle seine Werke musikalisch.

Aber dann, 1862, mochte das Publikum die Symphonie nicht. Wieder wegen Whistlers eigenwilliger Farbgebung. Es schien den Leuten seltsam, eine Frau in Weiß auf einen weißen Hintergrund zu schreiben.

Auf dem Bild sehen wir Whistlers rothaarige Geliebte. Ganz im Sinne der Präraffaeliten. Immerhin war der Künstler damals mit einem der Hauptinitiatoren des Präraffaelismus, Gabriel Rossetti, befreundet. Schönheit, Lilien, ungewöhnliche Elemente (Wolfshaut). Alles ist so, wie es sein sollte.

Aber Whistler entfernte sich schnell vom Präraffaelismus. Denn nicht die äußere Schönheit war ihm wichtig, sondern Stimmung und Emotionen. Und er schuf eine neue Richtung - Tonalismus.

Seine Nachtlandschaften im Stil des Tonalismus wirken wirklich wie Musik. Monochrom, viskos.

Whistler selbst sagte, dass musikalische Namen helfen, sich auf das Gemälde selbst, Linien und Farben zu konzentrieren. Gleichzeitig ohne über den Ort und die abgebildeten Personen nachzudenken.

Doch ihrem Stil blieb sie bis zum Schluss treu. Impressionismus. Weiches Pastell. Mütter mit Kindern.

Um der Malerei willen gab Cassatt die Mutterschaft auf. Aber ihre Weiblichkeit manifestierte sich zunehmend gerade in so zarten Werken wie Sleeping Child. Schade, dass eine konservative Gesellschaft sie einmal vor eine solche Wahl gestellt hat.

3. John Sargent (1856-1925)

John Sargent war sich sicher, dass er sein Leben lang Porträtmaler bleiben würde. Die Karriere lief gut. Aristokraten standen Schlange, um ihn zu bestellen.

Aber sobald der Künstler die Grenze in der Meinung der Gesellschaft überschritten hat. Es fällt uns jetzt schwer zu verstehen, was an dem Film „Madame X“ so inakzeptabel ist.

Richtig, in der Originalversion ließ die Heldin einen der Bralettes weg. Sargent „erzog“ sie, aber das half dem Fall nicht. Bestellungen sind im Sande verlaufen.

Was obszön sah die Öffentlichkeit? Und die Tatsache, dass Sargent das Model in einer übermütigen Pose darstellte. Darüber hinaus sind durchscheinende Haut und ein rosa Ohr sehr eloquent.

Das Bild sagt sozusagen, dass diese Frau mit erhöhter Sexualität der Werbung anderer Männer nicht abgeneigt ist. Außerdem verheiratet sein.

Leider haben die Zeitgenossen hinter diesem Skandal das Meisterwerk nicht gesehen. Dunkles Kleid, helle Haut, dynamische Pose - eine einfache Kombination, die nur von den talentiertesten Meistern gefunden werden kann.

Aber es gibt kein Böses ohne Gutes. Sargent erhielt im Gegenzug die Freiheit. Er begann mehr mit dem Impressionismus zu experimentieren. Schreiben Sie Kindern in unmittelbaren Situationen. So entstand das Werk „Nelke, Lilie, Lilie, Rose“.

Sargent wollte einen bestimmten Moment der Dämmerung festhalten. Also habe ich nur 2 Minuten am Tag gearbeitet, wenn die Beleuchtung stimmte. Im Sommer und Herbst gearbeitet. Und als die Blumen verwelkt waren, ersetzte er sie durch künstliche.

In den letzten Jahrzehnten geriet Sargent so in den Geschmack der Freiheit, dass er begann, Porträts ganz aufzugeben. Obwohl sein Ruf bereits wiederhergestellt wurde. Er entließ sogar einen Kunden grob und sagte, dass er ihr Tor mit großer Freude malen würde als ihr Gesicht.

Zeitgenossen behandelten Sargent mit Ironie. In Anbetracht dessen, dass es im Zeitalter der Moderne überholt ist. Aber die Zeit hat alles an seinen Platz gebracht.

Jetzt ist seine Arbeit nicht weniger wert als die Arbeit der berühmtesten Modernisten. Nun, geschweige denn die Liebe der Öffentlichkeit und nichts sagen. Ausstellungen mit seinen Arbeiten sind stets ausverkauft.

4. Norman Rockwell (1894-1978)

Es ist schwer, sich einen populäreren Künstler zu seinen Lebzeiten als Norman Rockwell vorzustellen. Mehrere Generationen von Amerikanern sind mit seinen Illustrationen aufgewachsen. Ich liebe sie von ganzem Herzen.

Schließlich porträtierte Rockwell gewöhnliche Amerikaner. Aber gleichzeitig ihr Leben von der positivsten Seite zeigen. Rockwell wollte weder böse Väter noch gleichgültige Mütter zeigen. Und Sie werden keine unglücklichen Kinder mit ihm treffen.

Seine Werke sind voller Humor, saftiger Farben und sehr gekonnt eingefangener Lebensausdrücke.

Aber es ist eine Illusion, dass Rockwell die Arbeit leicht gegeben wurde. Um ein Gemälde zu schaffen, machte er zunächst bis zu hundert Fotos mit seinen Modellen, um die richtigen Gesten festzuhalten.

Rockwells Arbeit hatte einen enormen Einfluss auf das Bewusstsein von Millionen von Amerikanern. Schließlich sprach er oft mit Hilfe seiner Bilder.

Während des Zweiten Weltkriegs beschloss er, zu zeigen, wofür die Soldaten seines Landes kämpften. Unter anderem hat er das Gemälde "Freedom from Want" geschaffen. In Form von Thanksgiving, an dem alle Familienmitglieder wohlgenährt und zufrieden den Familienurlaub genießen.

Nach 50 Jahren bei der Saturday Evening Post wechselte Rockwell zum demokratischeren Look-Magazin, wo er seine Ansichten zu sozialen Themen zum Ausdruck bringen konnte.

Das hellste Werk dieser Jahre ist „The Problem We Live With“.

Dies ist die wahre Geschichte eines schwarzen Mädchens, das auf eine weiße Schule ging. Seitdem ein Gesetz verabschiedet wurde, sollten Menschen (und damit auch Bildungseinrichtungen) nicht mehr nach Rassen getrennt werden.

Doch die Wut der Einwohner kannte keine Grenzen. Auf dem Schulweg wurde das Mädchen von der Polizei bewacht. Hier ist so ein "Routine"-Moment und Rockwell gezeigt.

Wenn Sie das Leben der Amerikaner in einem leicht verschönerten Licht sehen möchten (wie sie es selbst sehen wollten), sollten Sie sich unbedingt Rockwells Gemälde ansehen.

Vielleicht ist Rockwell von allen in diesem Artikel vorgestellten Malern der amerikanischste Künstler.

5. Andrew Wyeth (1917-2009)

Im Gegensatz zu Rockwell war Wyeth nicht so positiv. Von Natur aus einsam, wollte er nichts verschönern. Im Gegenteil, er stellte die gewöhnlichsten Landschaften und unauffälligen Dinge dar. Nur ein Weizenfeld, nur ein Holzhaus. Aber er schaffte es sogar, etwas Magisches in ihnen zu sehen.

Sein bekanntestes Werk ist „Christina’s World“. Wyeth zeigte das Schicksal einer Frau, seiner Nachbarin. Seit ihrer Kindheit gelähmt, krabbelte sie um ihren Hof herum.

An diesem Bild ist also nichts Romantisches, wie es zunächst scheinen mag. Wenn Sie genau hinsehen, dann hat die Frau schmerzhafte Dünnheit. Und da Sie wissen, dass die Beine der Heldin gelähmt sind, verstehen Sie mit Trauer, wie weit sie noch weit von zu Hause entfernt ist.

Auf den ersten Blick schrieb Wyeth das Alltäglichste. Hier ist das alte Fenster des alten Hauses. Ein schäbiger Vorhang, der bereits begonnen hat, sich in Fetzen zu verwandeln. Draußen vor dem Fenster verdunkelt sich der Wald.

Aber in all dem liegt ein Geheimnis. Ein anderer Blick.

So können Kinder ungetrübt auf die Welt blicken. So auch Wyatt. Und wir sind bei ihm.

Alle Angelegenheiten Wyeths wurden von seiner Frau erledigt. Sie war eine gute Organisatorin. Sie war es, die Museen und Sammler kontaktierte.

Es gab wenig Romantik in ihrer Beziehung. Die Musik musste erscheinen. Und sie wurde eine einfache, aber mit einem außergewöhnlichen Aussehen Helga. Das sehen wir in vielen Werken.

Es scheint, dass wir nur ein fotografisches Bild einer Frau sehen. Aber aus irgendeinem Grund ist es schwer, sich davon zu lösen. Ihre Augen sind zu komplex, ihre Schultern angespannt. Wir spannen sozusagen innerlich mit ihr. Ich kämpfe darum, eine Erklärung für diese Spannung zu finden.

Wyeth stellte die Realität in jedem Detail dar und verlieh ihr auf magische Weise Emotionen, die nicht gleichgültig bleiben können.

Der Künstler wurde lange Zeit nicht erkannt. Mit seinem Realismus, wenn auch magisch, passte er nicht in die modernistischen Strömungen des 20. Jahrhunderts.

Wenn Museumsmitarbeiter seine Werke kauften, versuchten sie es leise zu tun, ohne Aufmerksamkeit zu erregen. Ausstellungen wurden selten organisiert. Aber zum Neid der Modernisten waren sie immer ein durchschlagender Erfolg. Die Leute kamen in Scharen. Und sie kommen immer noch.

6. Jackson Pollock (1912-1956)

Jackson Pollock ist nicht zu übersehen. Er hat in der Kunst eine gewisse Grenze überschritten, nach der Malerei nicht mehr dasselbe sein kann. Er hat gezeigt, dass man in der Kunst generell auf Grenzen verzichten kann. Als ich die Leinwand auf den Boden gelegt und mit Farbe bespritzt habe.

Und dieser amerikanische Künstler begann mit der Abstraktion, in der das Figurative noch zu spüren ist. In seinem Werk „Shorthand Figure“ aus den 1940er Jahren sehen wir sowohl die Umrisse des Gesichts als auch der Hände. Und sogar für uns verständliche Symbole in Form von Kreuzen und Nullen.

Seine Arbeit wurde gelobt, aber sie hatten es nicht eilig zu kaufen. Er war arm wie eine Kirchenmaus. Und er trank schamlos. Trotz glücklicher Ehe. Seine Frau bewunderte sein Talent und tat alles für den Erfolg ihres Mannes.

Aber Pollock war ursprünglich eine gebrochene Persönlichkeit. Von seiner Jugend an war durch sein Handeln klar, dass der frühe Tod sein Schicksal war.

Diese Gebrochenheit wird ihn im Alter von 44 Jahren in den Tod führen. Aber er wird Zeit haben, eine Revolution in der Kunst zu machen und berühmt zu werden.

Und er tat es in einem Zeitraum von zwei Jahren Nüchternheit. In den Jahren 1950-1952 konnte er erfolgreich arbeiten. Er experimentierte lange, bis er zur Tropftechnik kam.

Er breitete eine riesige Leinwand auf dem Boden seines Schuppens aus, ging um sie herum und war sozusagen im Bild selbst. Und Farbe gesprüht oder einfach nur gegossen.

Diese ungewöhnlichen Gemälde wurden wegen ihrer unglaublichen Originalität und Neuheit bereitwillig von ihm gekauft.

Pollock war fassungslos vom Ruhm und fiel in eine Depression, ohne zu verstehen, wohin er als nächstes gehen sollte. Die tödliche Mischung aus Alkohol und Depression ließ ihm keine Überlebenschance. Einmal setzte er sich sehr betrunken hinters Steuer. Nur ein letztes Mal.

7. Andy Warhol (1928-1987)

Nur in einem Land mit einem solchen Konsumkult wie in Amerika konnte die Pop-Art geboren werden. Und sein Hauptinitiator war natürlich Andy Warhol.

Er wurde berühmt dafür, die gewöhnlichsten Dinge zu nehmen und sie in ein Kunstwerk zu verwandeln. Das ist mit Campbells Suppendose passiert.

Die Wahl war kein Zufall. Warhols Mutter fütterte ihren Sohn über 20 Jahre lang jeden Tag mit dieser Suppe. Auch als er nach New York zog und seine Mutter mitnahm.

Nach diesem Experiment interessierte sich Warhol für Siebdruck. Seitdem fotografiert er Popstars und malt sie in verschiedenen Farben.

So erschien seine berühmte gemalte Marilyn Monroe.

Unzählige solcher Marilyn-Säure-Farben wurden hergestellt. Art Warhol in Betrieb genommen. Wie in einer Konsumgesellschaft zu erwarten.

Bemalte Gesichter wurden nicht ohne Grund von Warhol erfunden. Und wieder nicht ohne den Einfluss der Mutter. Als Kind, während einer langwierigen Krankheit ihres Sohnes, schleppte sie ihm Packungen mit Malbüchern hinterher.

Dieses Hobby aus der Kindheit entwickelte sich zu etwas, das zu seiner Visitenkarte wurde und ihn sagenhaft reich machte.

Er malte nicht nur Popstars, sondern auch die Meisterwerke seiner Vorgänger. Habe es und.

Venus hat wie Marilyn viel getan. Die Exklusivität eines Kunstwerks wird von Warhol zu Pulver „ausradiert“. Warum hat der Künstler das getan?

Um alte Meisterwerke bekannt zu machen? Oder umgekehrt versuchen, sie abzuwerten? Popstars verewigen? Oder den Tod mit Ironie aufpeppen?

Seine gemalten Werke von Madonna, Elvis Presley oder Lenin sind manchmal besser erkennbar als die Originalfotos.

Aber die Meisterwerke werden wahrscheinlich nicht überschattet werden. Trotzdem bleibt die Ur-Venus unbezahlbar.

Warhol war ein begeisterter Partygänger und zog viele Ausgestoßene an. Drogenabhängige, gescheiterte Schauspieler oder einfach unausgeglichene Persönlichkeiten. Einer von ihnen hat ihn einmal erschossen.

Warhol hat überlebt. Doch 20 Jahre später starb er allein in seiner Wohnung an den Folgen einer einst erlittenen Wunde.

US-Schmelztiegel

Trotz der kurzen Geschichte der amerikanischen Kunst ist die Bandbreite groß. Unter den amerikanischen Künstlern gibt es Impressionisten (Sargent), magische Realisten (Wyeth), abstrakte Expressionisten (Pollock) und Pioniere der Pop-Art (Warhol).

Nun, die Amerikaner lieben die Wahlfreiheit in allem. Hunderte Konfessionen. Hunderte von Nationen. Hunderte von Kunstrichtungen. Deshalb ist er der Schmelztiegel der Vereinigten Staaten von Amerika.

In Kontakt mit

1776 erklärte Amerika seine Unabhängigkeit, und seit dieser Zeit beginnt tatsächlich die Entwicklung der nationalen bildenden Kunst, die die Geschichte des Landes widerspiegeln sollte.

Künstler des 18. Jahrhunderts Die meisten von ihnen waren Autodidakten und basierten auf dem Stil der britischen Kunst.
Und im XIX Jahrhundert. Die erste Malschule, die Hudson River School, wurde bereits gegründet.

Hudson-River-Schule

Die Hudson River School war der Name einer Gruppe amerikanischer Landschaftsmaler. Ihre Arbeit entwickelte sich im Stil der Romantik. Die Gemälde zeigten das Hudson River Valley und seine Umgebung. Künstler stellten am häufigsten die amerikanische Wildnis dar und stellten die Machbarkeit des technologischen Fortschritts in Frage.

Thomas Cole „Oxbow“ (1836). Metropolitan Museum of Art (New York)
Die Hudson River School war kein homogenes Phänomen in der Malerei der damaligen Zeit: So gab es beispielsweise einen Ableger im Stil des Impressionismus, der so genannt wurde Luminismus. Der Luminismus widmete der Lichtwahrnehmung des Künstlers große Aufmerksamkeit. Der Luminismus unterscheidet sich vom Impressionismus dadurch, dass den Details mehr Aufmerksamkeit geschenkt wird, ein versteckter Pinselstrich gemacht wird. Aber im Allgemeinen sind diese beiden Stile ähnlich.

Fitz Henry Lane „Schiff im Nebel“ (1860)
Der Gründer der Schule war der Künstler Thomas Cole. Er ging im Herbst 1825 an den Hudson River. Dann schloss sich ihm sein enger Freund Asher Brown Duran an. Weitere Künstler der Schule:

Albert Bierstadt
John William Casillier
Friedrich-Edwin-Kirche
Thomas Kohl
Samuel Colmann
Jaspis Francis Cropsey
Thomas Doughty
Robert Scott Duncanson
Sanford RobinsonGifford
James McDougalHart
Wilhelm Hart
William Stanley Haseltine
Martin Johnson HeadeyDr.

Die Malerei der Künstler der Hudson School zeichnete sich durch ihre Einfachheit und Spontaneität aus.

Thomas Kohl (1801-1848)

Thomas Cole wurde in England geboren. 1818 wanderte seine Familie in die Vereinigten Staaten aus. Cole erhielt die Grundlagen des Berufs von dem reisenden Porträtmaler Stein. Aber die Porträtmalerei gelang ihm nicht, und er begann, Landschaften zu malen. Auch allegorische Gemälde sind ihm gelungen, zum Beispiel die Serie Journey of Life, die aus Gemälden über vier Lebensabschnitte eines Menschen besteht: Kindheit, Jugend, Reife und Alter. Dieser Zyklus wird in der National Gallery of Art (Washington, USA) aufbewahrt.

T. Cole "Kindheit"
Auf dem ersten Bild stellte der Künstler ein Kind in einem Boot dar, das auf dem Fluss des Lebens schwimmt. Dieses Boot wird von einem Engel gefahren. Das Kind ist noch nicht selbstständig. Sein Horizont, wie auf dem Bild, ist begrenzt. Die Figur am Bug des Bootes hält eine Sanduhr, die die Zeit symbolisiert.

T. Cole "Jugend"
Das gleiche Boot, aber da ist schon ein junger Mann drin. Er steuert das Boot bereits alleine, aber der Engel verlässt ihn immer noch nicht - er beobachtet ihn vom Ufer aus.

Der Engel beobachtet den Mann weiter, aber er ist in seine Probleme versunken, die ihn überwältigen - dies wird durch die düstere Farbe des Bildes, die vom Sturm gefällten Bäume betont ...

T. Cole "Alter"
Und jetzt geht der Lebensweg eines Menschen zu Ende. Auf dem Boot befindet sich keine Sanduhrfigur mehr – die Zeit des irdischen Lebens ist vorbei. Und das Boot ist ganz heruntergekommen ...
Der Schutzengel kam zu ihm herunter, um seinen weiteren Weg in eine andere Welt zu lenken, und andere Engel sind in der Ferne sichtbar. Cole sagte über dieses Bild: "Die Fesseln der körperlichen Existenz fallen ab, und der Geist kann bereits einen Blick auf das ewige Leben werfen."

Winslow-Homer (1836-1910)

Foto von 1880
US-amerikanischer Maler und Grafiker, Begründer der realistischen Malerei. Er ist vor allem für seine Seestücke bekannt. Er malte in Öl und Aquarell. Sein Werk beeinflusste die gesamte spätere Entwicklung der amerikanischen Malerei.
Homer wurde von verschiedenen künstlerischen Strömungen beeinflusst, orientierte sich aber hauptsächlich an rein amerikanischen Sujets.
Seine Malerei der frühen Periode ist leicht und heiter, während die letztere Periode von dunklen Tönen und tragischen Themen geprägt ist.

W. Homer "Nebelsignal". Boston Museum of Fine Arts (USA)
Das Thema des Bildes ist der Kampf des Menschen mit dem Meer, das Verhältnis von zerbrechlichem menschlichem Leben und ewiger Natur.

Thomas Cowperthwaite Eakins (Aikins) (1844-1916)

Amerikanischer Künstler, Fotograf, Lehrer, der größte Vertreter der amerikanischen realistischen Malerei.

T. Eakins. Selbstporträt (1902)
Er absolvierte die Pennsylvania Academy of Fine Arts und verbesserte seine Fähigkeiten in Europa weiter, hauptsächlich in Paris unter der Anleitung von Jean Leon Gerome. Er lehrte an der Akademie der Bildenden Künste, war deren Direktor.
Er widmete dem Studium und der Darstellung des Aktes große Aufmerksamkeit und zeigte freies Denken, für das er gefeuert wurde. In Eakins Malerei und Fotografien nimmt der nackte und halbnackte Körper einen zentralen Platz ein. Er besitzt viele Bilder von Sportlern. Von besonderem Interesse für Eakins war die Übertragung der Bewegungen des menschlichen Körpers.

T. Eakins „Schwimmen“ (1895)
Er malte Porträts in einer vielfigurigen Umgebung.
Das bekannteste Werk ist die Klinik Gross.

T. Eakins "Grosse Klinik" (1875)
Das Gemälde zeigt den berühmten Chirurgen Samuel Gross aus Philadelphia, der die Operation vor den Augen der Studenten der medizinischen Akademie leitet. Der Künstler stellt Dr. Gross als Genie des menschlichen Denkens dar, aber das Bild schockierte seine Zeitgenossen mit seinem Realismus.
T. Eakins ist auch für eine Reihe bedeutender Porträts bekannt, darunter ein Porträt des amerikanischen Dichters und Publizisten Walt Whitman (1887-1888), das der Dichter selbst für das beste hielt.

T. Eakins. Porträt von Whitman (1887)

James Abt McNeil Whistler (1834-1903)

Anglo-amerikanischer Maler, Porträtmaler, Radierer und Lithograph. Vorläufer des Impressionismus und Symbolismus.

D. Whistler. Selbstportrait. Kunstinstitut (Detroit)
Geboren in Lowell, Massachusetts. Sein Vater, George Washington Whistler, ein bekannter Eisenbahningenieur, wurde 1842 eingeladen, Straßen in Russland zu bauen, er entwarf die Nikolaev-Eisenbahn. In Russland besuchte James die Academy of Arts. In den Vereinigten Staaten studierte er an einer Militärschule, wurde aber wegen schlechter Leistungen ausgewiesen.

D. Whistler „Arrangement in Grau und Schwarz. Die Mutter des Künstlers (1871). Musée d’Orsay (Paris)
Dies ist das berühmteste Werk von James Whistler.
Er studierte Malerei in Paris, dann in Venedig (er beschäftigte sich mit Aquarellskizzen und Radierungen).
In der ersten Schaffensperiode von Whistler stand der Wunsch, den ersten Eindruck eines Objekts – einer Landschaft oder einer Person – einzufangen, dem Impressionismus nahe. Aber in vielen Punkten widersprach er den Impressionisten: Er billigte den Freilichtkult nicht, er dachte im Voraus über die Farbtonalität nach. In späteren Arbeiten verwendet Whistler stark verdünnte, aquarellartige transparente Farben, die ein Gefühl für die unstete Beweglichkeit der atmosphärischen Umgebung vermitteln.

D. Whistler „Symphonie im grauen und grünen Ozean“ (1866-1872)

Haushaltsgenre

Große Entwicklung in der amerikanischen Malerei des 19. Jahrhunderts. bekam ein Haushaltsgenre. Anfangs basierte dieses Genre auf der Darstellung des Provinzlebens mit Karten, Tänzen etc.

Eastman Johnson, Das Glück einer verlassenen Postkutsche (1871)
Aber nachdem die industrielle Revolution und die Urbanisierung in den Vereinigten Staaten begannen, begannen Künstler, das Leben der Bewohner von Großstädten darzustellen.

John Gast "Amerikanischer Fortschritt" (um 1872)
Das Gemälde zeigt ein allegorisches Kolumbien mit einem Lehrbuch in der Hand. Sie führt die Zivilisation zusammen mit den amerikanischen Siedlern nach Westen und streckt die Telegrafenleitung entlang der Straße. Das Bild zeigt verschiedene Arten von wirtschaftlichen Aktivitäten der ersten Siedler, die Geschichte des Transports. Indianer und Wildtiere werden auf der Flucht vor Siedlern dargestellt.

"Mülleimerschule"

An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert. Die Vereinigten Staaten erlebten ein schnelles Wachstum in großen Städten. Die Kameras von damals konnten noch nicht verwendet werden, um Vorfälle schnell festzuhalten, also engagierten Nachrichtenzeitungen Künstler, um sie zu illustrieren. So wurde die "Trash Can School" gegründet, zu der Robert Henry, Glenn Colman, Jerome Myers und George Bellows gehörten. Hauptgegenstand der Atelierskizzen waren die Straßen mit ihren typischen Vertretern: obdachlose Kinder, Prostituierte, Straßenkünstler und Immigranten. Die Herkunft, Bildung und politischen Ansichten dieser Künstler waren unterschiedlich. Aber Robert Henry glaubte, dass das Leben und die Aktivitäten der Armen, des Proletariats und der Mittelschicht es wert seien, in der Malerei verkörpert zu werden - das sind die Realitäten der Zeit.

George Bellows Krankenschwester Edith Cavells Hilfe (1918)
Die „Trash Can School“ revolutionierte die bildende Kunst der Vereinigten Staaten, sie war der Vorläufer davon

Jedes Land hat seine eigenen Helden der zeitgenössischen Kunst, deren Namen bekannt sind, deren Ausstellungen viele Fans und Neugierige anziehen und deren Werke in Privatsammlungen verteilt sind.

In diesem Artikel stellen wir Ihnen die beliebtesten zeitgenössischen Künstler in den Vereinigten Staaten vor.

Iva Morris

Die amerikanische Künstlerin Iva Morris wurde fernab der Kunst in eine kinderreiche Familie hineingeboren und erhielt ihre künstlerische Ausbildung nach der Schule. 1981 erhielt sie ihren Bachelor-Abschluss in Kunst von der University of New Mexico. Heute beschäftigt sich Iva seit mehr als 20 Jahren mit Kunst, ihre Werke sind im In- und Ausland bekannt und haben ihr immer wieder Preise und Auszeichnungen eingebracht. Sie sind in den Galerien von Albuquerque, Sante Fe, New Mexico, Madrid zu finden.

Warren Chang

Der Künstler Urren Cheng wurde 1957 in Kalifornien geboren, erhielt einen Bachelor of Fine Arts in Malerei vom Pasadena College of Design und arbeitete die nächsten 20 Jahre als Illustrator für verschiedene Unternehmen, bevor er seine Karriere als professioneller Künstler erst 2009 begann. Chengs Malstil wurzelt in der Arbeit des Künstlers Jan Vermeer aus dem 16. Jahrhundert – Warren Cheng arbeitet auf realistische Weise und schafft zwei Hauptkategorien: biografische Interieurs und Gemälde, die arbeitende Menschen darstellen. Derzeit unterrichtet er an der Academy of Fine Arts in San Francisco.

Christopher Traedy Ulrich

Der in Los Angeles lebende Künstler Christopher Ulrich ist ein Surrealist mit einer ikonografischen Neigung. Seine Arbeit wurde stark von der antiken Mythologie beeinflusst. Ulrichs erste Einzelausstellung (gemeinsam mit dem Künstler Billy Shire) fand im Juni 2009 statt.

Michael DeVoreMichael DeVore

Michael Devore, ein junger Künstler aus Oklahoma City, arbeitet in der Tradition des klassischen Realismus. Er kam mit der Hilfe und Unterstützung seiner Familie in die Kunst und gewann zahlreiche Preise in seinem Heimatstaat, bevor er ein Studium der bildenden Kunst an der Pepperdine University in Malibu begann. Anschließend setzte der Künstler sein Studium in Italien fort. Derzeit werden seine Arbeiten auf der ganzen Welt ausgestellt und befinden sich in Privatsammlungen. Michael Devore ist Mitglied der Oil Painters of America, der International Guild of Realism, der National Society of Oil and Acrylic Painters und der Portrait Painters of America.

Mary Carol Kenney

Mary Carol Kenny wurde 1953 in Indiana geboren. Von der Ausbildung her ist sie der bildenden Kunst sehr entfernt verwandt, aber seit 2002 begann sie, getrieben von dem Wunsch, Künstlerin zu werden, Bildhauerei und Keramik am Santa Barbara City College zu besuchen und danach bei Ricky Strich zu studieren. Sie ist derzeit Mitglied von The Santa Barbara Art Ass, der Santa Barbara Sculptor's Guild, und Trägerin zahlreicher Auszeichnungen in Bildhauerei und Malerei.

Patricia Watwood

Die realistische Künstlerin Patricia Watwood wurde 1971 in Missouri geboren. Sie schloss ihr Studium an der Academy of Fine Arts mit Auszeichnung ab, studierte bei Jacob Collins und Ted Seth Jacobs. Der Stil des Künstlers ist der moderne Klassizismus: Mythologie, Allegorien und modernes Leben sind in den Gemälden miteinander verwoben. In den letzten Jahren hat Patricia im ganzen Land Vorträge über Klassizismus gehalten und lebt jetzt mit ihrer Familie in Brooklyn.

Paula Rubin

Paula Rubino ist eine zeitgenössische amerikanische Künstlerin und Autorin, die 1968 in New Jersey geboren und in Florida aufgewachsen ist. Er ist promovierter Jurist. In den 90er Jahren zog sie nach Mexiko und konzentrierte sich auf die Malerei. Sie studierte Zeichenkunst in Italien, wo sie ihren ersten Roman fertigstellte. Eine Reihe ihrer Kurzgeschichten wurde ebenfalls veröffentlicht. Lebt derzeit in Florida.

Patssy Valdez

Patssy Valdez wurde 1951 in Los Angeles geboren und studierte Bildende Kunst am Otis Art Institute, wo sie 1980 den Distinguished Alumnus erhielt. 2005 erhielt Valdes die Auszeichnung „Latina of Excellence in the Cultural Arts“ und den Titel des Lateinamerikanischen Forums des US-Kongresses. Sie wurde früh in ihrer Karriere bekannt, als sie mit der Avantgarde-Kunstgruppe ASCO arbeitete. Er hat viele angesehene Auszeichnungen erhalten, darunter die des J. Paul Getty Visual Arts Trust Fund und der National Endowment for the Arts. Erhielt ein Brody-Stipendium in Bildender Kunst. Die Gemälde von Valdes sind Teil mehrerer bedeutender Sammlungen.

Cynthia Grilli

Die Künstlerin Cynthia Grilli erhielt 1992 einen Bachelor of Fine Arts von der Rhode Island School of Design und 1994 einen Master-Abschluss in Malerei von der New York Academy of Art. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen US-Publikationen veröffentlicht, im ganzen Land ausgestellt und sind in Privat- und Unternehmenssammlungen in Amerika und Europa enthalten. Cynthia ist zweifache Empfängerin der Elizabeth Greenshields Foundation.

Erich Fischl

Eric Fischl wurde 1948 in New York geboren. 1972 schloss er das California Institute of the Arts mit einem Bachelor ab. Nach seinem Abschluss arbeitete er einige Zeit als Wachmann im Chicago Museum of Modern Art. Nach seinem Umzug nach Schottland begann Fischl am Nova Scotia College of Art and Design zu unterrichten und begann direkt mit der Malerei. In Schottland fand seine erste Einzelausstellung statt. Die Genres seiner Arbeiten sind sehr vielfältig, aber hauptsächlich figurative Malerei, Episoden aus dem zeitgenössischen amerikanischen Leben.