Was ist Belcanto in der Musik? Stile der Gesangsdarbietung. Berühmte Belcanto-Künstler. Komponisten der Belcanto-Ära

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Bedeutung des Wortes Belcanto

Belcanto im Kreuzworträtsel-Wörterbuch

Neues erklärendes Wörterbuch der russischen Sprache, T. F. Efremova.

Belcanto

Heiraten mehrere

1. Ein Gesangsstil, der sich durch Leichtigkeit, Anmut, Melodie und Klangschönheit auszeichnet.

adj. Unismus. Zeichnet sich durch Leichtigkeit, Anmut, Melodie und Klangschönheit aus (über den Stil der Gesangsdarbietung).

Enzyklopädisches Wörterbuch, 1998

Belcanto

BEL CANTO (italienisch Belcanto, wörtlich: schöner Gesang) ist ein Gesangsstil (der im 17. Jahrhundert in Italien entstand), der sich durch Melodie, Leichtigkeit, Klangschönheit, Perfektion der Kantilene, Anmut und Virtuosität der Koloratur auszeichnet.

Belcanto

(italienisch Belcanto, wörtlich ≈ schöner Gesang), ein Gesangsstil, der sich Mitte des 17. Jahrhunderts in Italien entwickelte. und bildete die Grundlage der italienischen Gesangsschule. B. zeichnet sich durch Schönheit und Plastizität der Vokalisierung, extreme Leichtigkeit, Flexibilität und Freiheit des Gesangs, sanfte Übergänge von Ton zu Ton (siehe Legato), Anmut und virtuose Brillanz der Darbietung aus. Diese spezifischen Merkmale, die der italienischen Gesangsschule in allen Phasen ihrer Entwicklung innewohnen, hängen mit Klangfarbe und Strukturmerkmalen zusammen italienische Sprache, und auch mit Volksliedtraditionen. Unter Beibehaltung seiner künstlerischen und ästhetischen Grundlagen wurde B. durch neue Aufführungstechniken bereichert. Die wichtigsten Etappen in der Entwicklung von B. sind: die Geburt der italienischen Oper, das Werk von C. Monteverdi, das Aufblühen der „neapolitanischen Schule“ (A. Scarlatti), die Zeit der schöpferischen Tätigkeit von V. Bellini und G. Donizetti (das sogenannte klassische B.), das Werk von G. Verdi, Verist-Schule.

B. beeinflusste andere nationale Gesangsschulen. Manchmal wird unter B. die italienische Gesangskultur als Ganzes verstanden, die Wohlklang jeder Gesangsdarbietung.

V. V. Timochin.

Wikipedia

Belcanto

Belcanto- eine Technik des virtuosen Gesangs, die sich durch einen sanften Übergang von Klang zu Klang, entspannte Klangerzeugung, schöne und satte Klangfärbung, Gleichmäßigkeit der Stimme in allen Registern, einfache Klangkontrolle auszeichnet, die in technisch flexibler Weise erhalten bleibt und anspruchsvolle Stellen des melodischen Musters. Im Bel Canto ist die Stimme das Instrument des Sängers.

Beispiele für die Verwendung des Wortes Belcanto in der Literatur.

Belcanto

Heideggers Rede wurde als philosophische Arie wahrgenommen Belcanto, und die Ovationen erklärten sich damit, dass er die in den Fünfzigern so beliebten höchsten Töne traf.

Gegen die italienische Schule Belcanto Die von J. angeführte französische Schule rebellierte.

Bellini ging als herausragender Meister in die Geschichte der Musikkultur ein Belcanto, was auf Italienisch schöner Gesang bedeutet.

Im Gegenteil, sie haben mich und meine Romane schon immer inspiriert Belcanto, ganz zu schweigen von der reibungslosen Bewegung, zu der sie immer beigetragen haben!

Melodische Passagen und Anmut, erstaunliche Beherrschung der Stimme und die geschliffene Schönheit virtuosen Gesangs. An der Wende vom 16. zum 17. Jahrhundert entstand in Italien eine Gesangsschule, die der Welt eine Gesangstechnik bescherte, der die Italiener, gierig nach prätentiösen Begriffen, den Namen Belcanto (bel canto) gaben – „schöner Gesang“. ” Übertreiben wir nicht und markieren wir diese Zeit als Beginn der Blütezeit des Theatergesangs und als Ausgangspunkt für die weitere Entwicklung des Operngenres.

Die Geburt der Oper: Florenz

Die ersten Opern, die im beschriebenen Zeitraum entstanden, verdanken ihre Entstehung Mitgliedern kleiner Becher Liebhaber Antike Kunst, in Florenz gegründet und in aufgenommen Musikgeschichte genannt „Florentiner Camerata“. Fans der antiken griechischen Tragödie träumten davon, den früheren Glanz dieses Genres wiederzubeleben, und waren der Meinung, dass die Schauspieler die Worte nicht aussprachen, sondern sangen, indem sie Rezitativ, einen melodischen sanften Klangübergang, verwendeten, um den Text wiederzugeben.

Die ersten Werke, die auf einer antiken griechischen Handlung geschrieben wurden, wurden zum Anstoß für die Geburt eines neuen Musikgenres – der Oper. Und die als Bestandteil dienenden Sologesangsstimmen (Arien) zwangen die Sänger zu einer ernsthaften Stimmbildung, was zum Grund für die Entstehung der Kunst des schönen Gesangs – des Belcanto – wurde. Dies implizierte die Fähigkeit, langgezogene Melodiefragmente in einem langen Atemzug vorzutragen und gleichzeitig während der gesamten musikalischen Phrase eine gleichmäßige Klangerzeugung aufrechtzuerhalten.

Neapolitanische Schule

Ende des 17. Jahrhunderts entstand die neapolitanische Operntradition, die die Kunst des Belcanto endgültig auf der Theaterbühne etablierte. Dies war sowohl eine Weiterentwicklung des Plans der Florentiner als auch eine Änderung desselben. In Neapel waren Musik und Gesang der Hauptbestandteil der Aufführung und nicht die Poesie, der bis dahin eine dominierende Rolle zugemessen wurde. Diese Innovation traf den Geschmack des Publikums und sorgte für große Begeisterung.

Neapolitanische Komponisten haben die Oper strukturell verändert. Sie verzichteten nicht auf die Verwendung von Rezitativen, die in verschiedene Typen unterteilt wurden: begleitet (von einem Orchester begleitet) und trocken, mit Informationen, die auf gesprächige Weise unter seltenen Cembaloakkorden präsentiert werden, um die musikalische Tonalität aufrechtzuerhalten. Die für Interpreten obligatorische Gesangsausbildung steigerte die Beliebtheit von Solonummern, deren Form sich ebenfalls veränderte. Es erschienen Standardarien, in denen die Charaktere ihre Gefühle allgemein und in Bezug auf die Situation zum Ausdruck brachten und nicht auf dem Bild oder der Figur basierten. Trauer-, Possenreißer-, Alltags-, Leidenschafts- und Rachearien – der Innenraum der neapolitanischen Oper war voller lebendiger Inhalte.

Alessandro Scarlatti (1660-1725)

Scarlatti, ein herausragender Komponist und Enthusiast, ging als Gründer der Neapel-Opernschule in die Geschichte ein. Er schuf mehr als 60 Werke. Das von Scarlatti geschaffene Genre der ernsten Oper (Opera seria) erzählte anhand einer mythologischen oder historischen Handlung vom Leben berühmter Helden. Der Operngesang überschattete die dramatische Linie der Aufführung, und Rezitative wichen Arien.

Das breite Spektrum an Gesangsrollen in der ernsten Oper erweiterte die Anforderungen an Opernstimmen. Die Interpreten verbesserten ihre Gesangskunst, obwohl dies manchmal zu Kuriositäten führte – jeder von ihnen wollte, dass der Komponist Arien in die Oper aufnahm, die die Vorzüge der Stimme positiv hervorheben würden. Das Ergebnis war eine Reihe von verwandter Freund mit einem Freund von Solonummern, weshalb man die Opera seria auch als „Konzert in Kostümen“ bezeichnete.

Schönheit und Handwerkskunst

Ein weiterer Beitrag der neapolitanischen Opernschule zur Entwicklung des Belcanto war die Verwendung ornamentaler (Koloratur-)Verzierungen der Musikpalette in Gesangspartien. Koloraturen wurden am Ende der Arien eingesetzt und halfen den Darstellern, den Zuhörern den Grad ihrer Stimmbeherrschung zu demonstrieren. Große Sprünge, Triller, Bereichspassagen, die Verwendung von Sequenzen (Wiederholung einer musikalischen Phrase oder melodischen Wendung in verschiedenen Registern oder Tonarten) – wodurch die Ausdruckspalette der Belcanto-Virtuosen erweitert wird. Dies führte dazu, dass der Grad der Fähigkeiten eines Sängers oft an der Komplexität der von ihm dargebotenen Koloraturen gemessen wurde.

Der Italiener stellte hohe Ansprüche. Abstimmung berühmte Sänger zeichneten sich durch ihre Schönheit und ihren Klangreichtum aus. Stimmtraining trug dazu bei, die Spieltechnik zu verbessern und einen gleichmäßigen und flüssigen Klang in allen Tonlagen zu erreichen.

Die ersten Wintergärten

Die Nachfrage nach Belcanto führte zur Gründung der ersten Bildungseinrichtungen, die Sänger ausbildeten. Waisenhäuser – Wintergärten – waren die ersten Musikschulen mittelalterliches Italien. Die Belcanto-Technik wurde dort auf der Grundlage von Nachahmung und Wiederholung des Lehrers gelehrt. Dies erklärt den hohen Ausbildungsstand der damaligen Sänger. Schließlich studierten sie bei anerkannten Meistern wie Claudio Monteverdi (1567–1643) oder Francesco Cavalli (1602–1676).

Die Schüler erhielten spezielle Übungen zur Entwicklung ihrer Stimme, Solfeggio, die sie wiederholen mussten, um ihre Gesangstechnik zu verbessern und die Atmung zu entwickeln – Fähigkeiten, die für Belcanto so wichtig sind. Dies führte dazu, dass nach Beginn ihrer Ausbildung im Alter von 7 bis 8 Jahren bereits im Alter von 17 Jahren professionelle Künstler aus den Mauern des Konservatoriums auf die Opernbühne traten.

Gioachino Rossini (1792-1868)

Mit seinem Erscheinen bestimmte der italienische Belcanto den Trend in der Entwicklung der Opernmusikkultur für die nächsten drei Jahrhunderte. Das Werk des italienischen Komponisten G. Rossini wurde zu einem Meilenstein seiner Entwicklung. Die rhythmische Energie, Brillanz und Beweglichkeit der Gesangspartien verlangten von den Interpreten reiche Klangvielfalt, Virtuosität und außergewöhnliche Gesangskunst. Sogar die gesungenen Arien und Rezitative in Rossinis Werken erforderten völlige Hingabe.

Rossinis Melodismus ebnete den Weg für den klassischen Belcanto, der sich durch die Vollständigkeit der Phrasen, die zarte und luftige Reinheit, die frei fließende, sanfte Melodie (Kantilene) und die sinnlich erhabene Begeisterung auszeichnet. Bemerkenswert ist, dass der Komponist selbst die Gesangskunst aus erster Hand kannte. In seiner Kindheit sang er in einem Kirchenchor und im Erwachsenenalter widmete er sich neben dem Schreiben mit Begeisterung der Gesangspädagogik und schrieb sogar mehrere Bücher zu diesem Thema.

Pädagogik

Der italienische Operngesang, der zum Symbol der europäischen Musikkultur des 17.-19. Jahrhunderts wurde, entstand dank der Arbeit begabter, innovativer Lehrer, die Gesang studierten, mit der menschlichen Stimme experimentierten und ihren Klang zur Perfektion brachten. Die in ihren Werken beschriebenen Techniken werden noch heute in der Gesangsausbildung eingesetzt.

Kein einziges Detail entging der Aufmerksamkeit der Lehrer. Die Schüler lernten die Geheimnisse der freien und leichten Gesangsatmung kennen. Das Gesangstraining erforderte eine mäßige Lautstärke, kurze melodische Phrasen und enge Intervalle, was den Einsatz ermöglichte Sprachatmung, gekennzeichnet durch ein schnelles und tiefes Einatmen, gefolgt von einem langsamen Ausatmen. Um eine gleichmäßige Klangproduktion in hohen und tiefen Lagen zu trainieren, wurden Übungssätze entwickelt. Sogar das Training vor dem Spiegel gehörte zum Ausbildungskurs für Anfänger – übermäßige Mimik und ein angespannter Gesichtsausdruck verrieten die krampfhafte Arbeit des Stimmapparates. Es wurde empfohlen, sich frei zu halten, gerade zu stehen und mit Hilfe eines Lächelns einen klaren und nahen Klang zu erreichen.

Neue Gesangstechniken

Komplexe Gesangspartien, Dramaturgie und Theatralisierung der Aufführungen stellten die Sänger vor schwierige Aufgaben. Die Musik spiegelte die innere Welt der Charaktere wider und die Stimme wurde zu einem integralen Bestandteil des gesamten Bühnenbildes. Dies zeigte sich deutlich in den Opern von G. Rossini und G. Verdi, deren Werke den Aufstieg des Belcanto-Stils markierten. Die klassische Schule hielt es für akzeptabel, Falsett zu verwenden hohe Töne Oh. Die Dramaturgie lehnte einen solchen Ansatz jedoch ab – in der Heldenszene geriet das männliche Falsett in ästhetische Dissonanz mit der emotionalen Färbung der Handlung. Der erste, der diese Stimmschwelle überwand, war der Franzose Louis Dupre, der begann, eine Art der Tonerzeugung zu verwenden, die physiologische (Verengung des Kehlkopfes) und phonetische (Zunge in „Y-förmiger“ Position) Mechanismen zum Schutz des Stimmapparates etablierte und wurde später „bedeckt“ genannt. Es ermöglichte die Gestaltung des oberen Teils des Tonumfangs ohne Umstellung auf Falsett.

Giuseppe Verdi (1813-1901)

Bei der Betrachtung der Operngesangskunst ist es unmöglich, die Persönlichkeit und das kreative Erbe des großen italienischen Komponisten G. Verdi zu ignorieren. Er veränderte und reformierte die Oper, indem er Handlungskontraste und Gegenüberstellungen einführte. Der erste Komponist, der sich aktiv an der Entwicklung der Handlung, dem Bühnenbild und der Produktion beteiligte. In seinen Opern dominierten These und Antithese, es tobten Gefühle und Gegensätze, das Alltägliche und das Heroische verbanden sich. Dieser Ansatz stellte neue Anforderungen an Sänger.

Der Komponist stand der Koloratur kritisch gegenüber und meinte, dass Triller, Vorschlagsnoten und Gruppetto nicht die Grundlage einer Melodie bilden könnten. In den Werken gibt es fast keine Verzierungen, die nur in den Sopranstimmen vorhanden sind und später aus den Opernpartituren völlig verschwinden. Die männlichen Stimmen wechselten in den Höhepunktmomenten dazu, den zuvor beschriebenen „gedeckten Klang“ zu verwenden. Darsteller von Baritonpartien waren gezwungen, die Arbeit des Stimmapparats aus einer hohen Tessitura (der Anordnung der Klänge in großer Höhe relativ zum Gesangsbereich) neu aufzubauen, die durch eine Widerspiegelung des emotionalen Zustands der Charaktere vorgegeben wurde. Dies führte zur Entstehung eines neuen Begriffs – „Verdi-Bariton“. Das Werk von G. Verdi, 26 wunderschöne Opern, die an der Scala aufgeführt wurden, markierte die zweite Geburt des Belcanto – der Kunst, die Stimme perfekt zu beherrschen.

Weltreise

Der leichte und elegante Gesangsstil lässt sich nicht auf die Grenzen eines Staates beschränken. Nach und nach fielen weite Teile Europas in seinen Bann. Schöner Gesang eroberte die Welt und beeinflusste die Entwicklung der europäischen Musikkultur. Es entstand eine Opernbewegung namens „Belcanto“. Der Stil erweiterte die Grenzen seiner Anwendung und drang in die Instrumentalmusik ein.

Der meisterhafte Melodismus von F. Chopin (1810-1849) synthetisierte polnische Volkspoetik und italienischen Opernbelcanto. Die verträumten und zärtlichen Heldinnen der Opern von J. Masne (1842-1912) sind voller Belcante-Charme. Die Wirkung des Stils erwies sich als so groß, dass sein Einfluss auf die Musik wirklich grandios wurde und vom Klassizismus bis zur Romantik reichte.

Kulturen verbinden

Der Begründer der russischen Klassik war der große Komponist M. I. Glinka (1804-1857). Sein Orchestersatz – erhaben lyrisch und zugleich monumental – ist voller Melodien, in denen sowohl Volksliedtraditionen als auch die Belcanto-Raffinesse italienischer Arien sichtbar sind. Die für sie charakteristische Kantilene ähnelte der Melodie langgezogener russischer Lieder – wahrheitsgetreu und ausdrucksstark. Das Vorherrschen der Melodie gegenüber dem Text, intrasilbische Gesänge (singende Betonung einzelner Silben), Sprachwiederholungen, die eine langgezogene Melodie erzeugen – all dies wurde in den Werken von M. I. Glinka (und anderen russischen Komponisten) auffallend harmonisch mit den Traditionen verbunden der italienischen Oper. Das Zeichnen von Volksliedern verdiente laut Kritikern den Titel „Russischer Belcanto“.

Im Repertoire der Stars

Die glänzende Ära des italienischen Belcanto endete in den 20er Jahren des 20. Jahrhunderts. Die militärischen und revolutionären Umwälzungen des ersten Viertels des Jahrhunderts haben das normative Wesen des romantischen Operndenkens durchgestrichen; es wurde durch Neoklassizismus und Impressionismus, Modernismus, Futurismus und andere, unterteilt in Richtungen, ersetzt. Und doch hörten die berühmten Opernstimmen nie auf, sich den Meisterwerken des klassischen italienischen Gesangs zuzuwenden. Die Kunst des „schönen Gesangs“ wurde von A. V. Nezhdanova und F. I. Chaliapin hervorragend beherrscht. Ein unübertroffener Meister dieses Gesangsstils wurde als Botschafter des Belcanto in Russland bezeichnet. Die große (USA) Joan Sutherland (Australien), von ihren Kollegen, dem lyrischen Tenor Luciano Pavarotti (Italien) und dem unübertroffenen Bass Nikolai Gyaurov (Bulgarien) mit dem Titel „Stimme des Jahrhunderts“ ausgezeichnet – ihre Kunst basierte auf der künstlerischen und ästhetische Grundlage des italienischen Belcanto.

Abschluss

Neue Trends in der Musikkultur haben es nicht geschafft, die Brillanz der klassischen italienischen Belcanto-Oper in den Schatten zu stellen. Junge Künstler suchen nach und nach nach Informationen über die richtige Atmung, Klangerzeugung, Stimmbildung und andere Feinheiten, die in den Notizen früherer Meister festgehalten sind. Das ist kein leeres Interesse. Das anspruchsvolle Publikum hat das Bedürfnis geweckt, keine moderne Interpretation zu hören klassische Werke, sondern in den authentischen temporären Raum makelloser Gesangskunst einzutauchen. Vielleicht ist dies ein Versuch, das Geheimnis des Belcanto-Phänomens zu lüften – wie im Zeitalter des Verbots weiblicher Stimmen und der Bevorzugung einer hohen männlichen Stimmlage eine Gesangsrichtung entstand, die Jahrhunderte überdauerte und sich in ein kohärentes System verwandelte, das legte die Grundlage für die Ausbildung professioneller Sänger über mehrere Jahrhunderte.

Italienisch Belcanto, Belcanto, lit. - wunderbarer Gesang

Brillanter, leichter und anmutiger Gesangsstil, typisch für Italien Gesangskunst Mitte 17. – 1. Hälfte 19. Jahrhundert; im weiteren modernen Sinne - die Melodie der Gesangsdarbietung.

Belcanto erfordert vom Sänger eine perfekte Gesangstechnik: einwandfreie Kantilene, Ausdünnung, virtuose Koloratur, emotionaler Reichtum, schöner Gesangston.

Die Entstehung des Belcanto ist mit der Entwicklung des homophonen Stils der Vokalmusik und der Entstehung der italienischen Oper (frühes 17. Jahrhundert) verbunden. Anschließend entwickelte sich der italienische Belcanto unter Beibehaltung seiner künstlerischen und ästhetischen Basis weiter und wurde um Neues bereichert künstlerische Techniken, malt. Früh, sog Der pathetische Belcanto-Stil (Opern von C. Monteverdi, F. Cavalli, A. Cesti, A. Scarlatti) basiert auf einer ausdrucksstarken Kantilene, einem erhöhten poetischen Text und kleinen Koloraturdekorationen, die zur Verstärkung der dramatischen Wirkung eingeführt wurden. Die Gesangsdarbietung zeichnete sich durch Sensibilität und Pathos aus.

Zu den herausragenden Belcanto-Sängern der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts. - P. Tosi, A. Stradella, F. A. Pistocchi, B. Ferri und andere (die meisten von ihnen waren sowohl Komponisten als auch Gesangslehrer).

Bis zum Ende des 17. Jahrhunderts. Bereits in Scarlattis Opern beginnen Arien auf einer breiten Kantilene mit Bravourcharakter und der Verwendung erweiterter Koloraturen aufzubauen. sogenannt Der Bravourstil des Belcanto (üblich im 18. Jahrhundert, der bis zum ersten Viertel des 19. Jahrhunderts andauerte) ist ein brillanter Virtuosenstil, bei dem die Koloratur vorherrscht.

Die Gesangskunst war in dieser Zeit vor allem der Aufgabe untergeordnet, die hochentwickelten stimmlichen und technischen Fähigkeiten des Sängers zu erkennen – die Atemdauer, die Fähigkeit zum Ausdünnen, die Fähigkeit, die schwierigsten Passagen, Kadenzen, Triller (dort) zu spielen waren 8 Typen); Sänger konkurrierten in der Stärke und Dauer des Klangs mit der Trompete und anderen Instrumenten des Orchesters.

Im „pathetischen Stil“ des Belcanto musste der Sänger den zweiten Teil der Da-Capo-Arie variieren, und die Anzahl und das Können der Variationen dienten als Indikator für sein Können; Die Dekorationen der Arien sollten bei jeder Aufführung geändert werden. Im „Bravura-Stil“ des Belcanto wurde dieses Merkmal dominant. So erforderte die Kunst des Belcanto neben der perfekten Beherrschung der Stimme vom Sänger eine breite musikalische und künstlerische Entwicklung, die Fähigkeit, die Melodie des Komponisten zu variieren und zu improvisieren (dies blieb bis zum Erscheinen der Opern von G. Rossini bestehen). der selbst begann, alle Kadenzen und Koloraturen zu komponieren).

Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts. Die italienische Oper wird zur Oper der „Stars“ und unterliegt völlig der Anforderung, die stimmlichen Fähigkeiten der Sänger unter Beweis zu stellen.

Herausragende Vertreter des Belcanto waren: die Kastratensänger A. M. Bernacchi, G. Crescentini, A. Uberti (Porporino), Caffarelli, Senesino, Farinelli, L. Marchesi, G. Guadagni, G. Paciarotti, G. Velluti; Sänger - F. Bordoni, R. Mingotti, C. Gabrielli, A. Catalani, C. Coltelini; Sänger - D. Gizzi, A. Nozari, J. David und andere.

Die Anforderungen des Belcanto-Stils bestimmten ein bestimmtes System der Sängerausbildung. Wie im 17. Jahrhundert, Komponisten des 18. Jahrhunderts. waren auch Gesangslehrer (A. Scarlatti, L. Vinci, G. Pergolesi, N. Porpora, L. Leo usw.). Der Unterricht fand 6 bis 9 Jahre lang in Konservatorien (die Bildungseinrichtungen und gleichzeitig Wohnheime waren, in denen Lehrer mit Schülern lebten) statt, mit täglichem Unterricht von morgens bis spät abends. Wenn das Kind es getan hätte herausragende Stimme, dann wurde er einer Kastration unterzogen in der Hoffnung, nach der Mutation seine bisherige Stimmqualität beizubehalten; Mit etwas Glück verfügten die daraus resultierenden Sänger über phänomenale Stimmen und Techniken (siehe Castrati Singers).

Die bedeutendste Gesangsschule war die Bologna-Schule von F. Pistocchi (eröffnet 1700). Von den anderen Schulen sind die bekanntesten: römische, florentinische, venezianische, mailändische und insbesondere neapolitanische, in denen A. Scarlatti, N. Porpora und L. Leo arbeiteten.

Eine neue Periode in der Entwicklung des Belcanto beginnt, wenn die Oper ihre verlorene Integrität wiedererlangt und dank der Arbeit von G. Rossini, S. Mercadante, V. Bellini und G. Donizetti eine neue Entwicklung erhält. Obwohl Gesangspartien in Opern immer noch mit Koloraturausschmückungen überladen sind, wird von Sängern bereits verlangt, dass sie die Gefühle lebender Charaktere realistisch wiedergeben; Erhöhung der Tessitura der Teile, b Ö Der größere Reichtum der Orchesterbegleitung stellt höhere dynamische Anforderungen an die Stimme. Bel Canto wird um eine Palette neuer Klangfarben und dynamischer Farben bereichert. Herausragende Sänger dieser Zeit sind G. Pasta, A. Catalani, die Schwestern (Giuditta, Giulia) Grisi, E. Tadolini, G. Rubini, G. Mario, L. Lablache, F. und D. Ronconi.

Das Ende der Ära des klassischen Belcanto ist mit dem Erscheinen der Opern von G. Verdi verbunden. Die für den Belcanto-Stil charakteristische Dominanz der Koloratur verschwindet. Dekorationen in den Gesangspartien von Verdis Opern bleiben nur bei der Sopranistin und in erhalten Neueste Opern der Komponist (wie später bei den Veristen - siehe Verismus) sind überhaupt nicht zu finden. Die Kantilene, die weiterhin den Hauptplatz einnimmt, entwickelt sich, wird stark dramatisiert und mit subtileren psychologischen Nuancen bereichert. Die gesamte dynamische Palette der Gesangsstimmen verändert sich in Richtung zunehmender Klangfülle; Der Sänger muss über einen Tonumfang von zwei Oktaven mit weicher Stimme und kräftigen Obertönen verfügen. Der Begriff „Belcanto“ verliert seine ursprüngliche Bedeutung; er bezeichnet die vollkommene Beherrschung der Stimmmittel und vor allem der Kantilene.

Herausragende Vertreter des Belcanto dieser Zeit sind I. Colbran, L. Giraldoni, B. Marchisio, A. Cotogni, S. Gaillarre, V. Morel, A. Patti, F. Tamagno, M. Battistini, später E. Caruso, L. Bori, A. Bonci, G. Martinelli, T. Schipa, B. Gigli, E. Pinza, G. Lauri-Volpi, E. Stignani, T. Dal Monte, A. Pertile, G. Di Stefano, M. Del Monaco, R. Tebaldi, D. Semionato, F. Barbieri, E. Bastianini, D. Guelfi, P. Siepi, N. Rossi-Lemeni, R. Scotto, M. Freni, F. Cossotto, G. Tucci, F . Corelli, D. Raimondi, S. Bruscantini, P. Capucilli, T. Gobbi.

Der Belcanto-Stil beeinflusste die meisten europäischen nationalen Gesangsschulen, darunter auch. ins Russische. Viele Vertreter der Belcanto-Kunst tourten und lehrten in Russland. Die russische Gesangsschule, die sich auf originelle Weise entwickelte und die Zeit der formalen Begeisterung für den Gesangsklang umging, nutzte die technischen Prinzipien des italienischen Gesangs. Obwohl sie zutiefst nationale Künstler blieben, beherrschten die herausragenden russischen Künstler F. I. Schaljapin, A. V. Nezhdanova, L. V. Sobinov und andere fließend die Kunst des Belcanto.

Der moderne italienische Belcanto ist nach wie vor der Maßstab für klassische Schönheit in Gesangstönen, Kantilenen und anderen Arten von Klangstudien. Die Kunst basiert darauf beste Sänger Frieden (D. Sutherland, M. Callas, B. Nilsson, B. Hristov, N. Gyaurov usw.).

Literatur: Mazurin K., Methodologie des Gesangs, Bd. 1-2, M., 1902-1903; Bagadurov V., Essays zur Geschichte der Gesangsmethodik, Bd. I, M., 1929, Ausgabe. II-III, M., 1932-1956; Nazarenko I., The Art of Singing, M., 1968; Lauri-Volpi J., Gesangsparallelen, trans. aus Italienisch, L., 1972; Laurens J., Belcanto et mission italien, P., 1950; Duey Ph. A., Belcanto in seinem goldenen Zeitalter, N.U., 1951; Maragliano Mori R., I maestri dei belcanto, Rom, 1953; Valdornini U., Belcanto, P., 1956; Merlin A., Le belcanto, P., 1961.

L. B. Dmitriev

Notizbuch eines Lehrer-Sängers: über Sänger, Belcanto-Technik, Probleme der Gesangspädagogik.

AUS DER GESCHICHTE DER GESANGSKUNST

Das erste Lehrbuch über Sologesang wurde 1803 an der Pariser Akademie veröffentlicht. Die Lehrmethode wurde auf der Grundlage der alten Bologneser Schule des 17.-18. Jahrhunderts entwickelt. Ein praktischer Vokal war A. Es wurde angenommen, dass niedrige männliche Vokale und Frauenstimmen- zwei Register: Brust und Kopf; hohe weibliche Exemplare haben drei Register (Brust, Mitte und Kopf).

J. Dupre, Professor für Sologesang am Pariser Konservatorium (1842-1850), fördert eine andere Methode der Sängerausbildung, die auf einem gedeckten Klang basiert. Bequemer Vokal – W. Dupre führt die Idee der Notwendigkeit ein, ein gemischtes Register und ein gedecktes Oberregister zu bilden. Dupre wurde als Reformer bezeichnet. Dupre wies später auf die Absenkung des Kehlkopfes für eine besser klingende Stimme hin; gleichzeitig das Konzept der drei Register und leise Stimmen: männlich und weiblich. Dupre nannte das obere Register das Kopfregister. Der Aufbau der Stimme beginnt in der Mitte. Er führte das Konzept der „Kopfstimme“ ein.

Auch M. Garcia (Sohn), Professor an der Pariser Akademie (1840–1850), unterteilt alle Stimmen in drei Register: Brust, Falsett (unnatürlich) und Kopf. Garcia empfiehlt, Kleinbuchstabenstimmen einzurichten, keine Konversationsstimmen. Die Garcia-Schule ist wissenschaftlich. Garcia stellt seine Methode weder der Dupre-Schule noch der Praxis der italienischen Schule entgegen, sondern versucht, eine wissenschaftliche Erklärung aller Phänomene zu geben, die mit dem Aufbau der Stimme und ihrer Kontrolle zusammenhängen. Als kluger Wissenschaftler schließt Professor Garcia mit seiner Methode nicht Fragen zur Stimme ab, sondern fordert, Probleme durch Physik und Biologie zu lösen.

Es gibt aber auch andere Lehrer, deren Methoden sich von den in Italien allgemein anerkannten unterscheiden.

Die Methoden von I. Corradetti und Masetti haben gemeinsame Richtungen: viele Lautäußerungen und komplexe Übungen. Corradetti sagt, dass die „alte“ Schule sich durch eine richtig trainierte Kehle auszeichnete.“ Die Kehle des Sängers war wie ein Instrument, denn das war die Musik. Es war eine lange Ausbildungszeit erforderlich, beginnend im Alter von 15 Jahren oder sogar danach frühe Kindheit(für Kastraten). Dadurch entstand eine ganz besondere Kehle für Sopranistinnen, Gesangsvirtuosen. Es war eine erstaunliche Kehlkopfgymnastik, aber nach unserem Verständnis gab es wenig Kunst. Dies führte zum Niedergang des Gesangs.

Die Studierenden singen viele Vokalisen, die sich durch ein komplexes Tonsystem und dissonanten Klang auszeichnen. All dies ist sowohl für das Hören als auch für das Singen von Tönen und Klängen viel schwieriger, da sie nicht auf akademische Weise, sondern auf andere Weise gesungen werden müssen. Es gibt hervorragende Schüler, die diese Musik nicht können... Kurze Gesänge oder Vokalisen sind schließlich das eine, wirklich detaillierte Melodien mit Worten das andere. Zwei Jahre Vorbereitung reichen dafür nicht aus.

M. Garcia hat in einem Jahr Sänger für die Bühne ausgebildet!

„Stimmen – benötigtes Material um stimmliche und technische Fähigkeiten zu entwickeln“, schreibt Mazetti über seine Methode. Masetti hielt den Vokallaut A für den bequemsten. Nach A gingen sie zu O und E über. Mazettis Stimmübungen sind komplex und nicht immer logisch. Warum sollten Sie Ihre Stimme bei Vokalisen verwechseln, wenn die Werke einen völlig anderen Klang haben? Es stellt sich also heraus, dass die Methode sowohl von Coradetti als auch von Masetti ein Echo ist alte Schule. Da sich Masettis Thesen von denen Garcias unterschieden, der das Studium der Lautäußerungen ausschloss, waren die Methoden von Masetti und Coradetti eher individuell. Bezeichnend ist die Einstellung der erfahrenen führenden sowjetischen Lehrerin Blagovidova (Odessa) zu Vokalisen. Zuerst hat sie daraus Werke gemacht, dann begann sie, sie immer seltener zu verwenden.

„Die Grundlage des klassischen Gesangs ist der Covergesang“, schrieb Dupre Mitte des 19. Jahrhunderts.

„Der führende Vokal ist U“, stimmte Garcia ihm zu. „So haben wir schon immer gesungen!“, erklärten führende italienische Lehrer.

Diese Richtlinien hatten keinen Einfluss auf Maestro A. Budi (Bologna), Mazettis Lehrer. Vier Jahre lang (!) sang Mazetti Vokalisen und war einer der besten Schüler von A. Budi. Eigentlich Gesangskarriere Das tat er nicht, er war Musiker, Pianist, Komponist ... Er wurde jedoch eingeladen, am Moskauer Konservatorium zu unterrichten. Als Schüler Mazettis gelten die großartigen russischen Sängerinnen A. Nezhdanova und N. Obukhova. Aber Mazettis Verdienst für die Entwicklung ihrer stimmlichen Fähigkeiten ist vor diesem Hintergrund höchst zweifelhaft.

Damals hatten Sänger mehrere Lehrer. Der Lehrer, dessen Methode erfolgreicher war, legte den Grundstein für die Stimme.

Maria Callas eröffnete in Laurettas Arie sowohl G als auch A in der Mitte, aber weiter: Die Noten H und C erklangen nicht. Dafür wurde sie von ihrem Lehrer Hidalgo heftig kritisiert. Wo es dünn ist, bricht es. Sie müssen diese subtilen Orte kennen.

Sendung über Sutherland

Der Sänger wurde schnell als guter Musiker und Regisseur entdeckt, heiratete sie und widmete ihr sein Leben. Er bildete sie zu einer hervorragenden Belcanto-Sängerin aus: dramatische und lyrische Koloraturen.

Oper „Aschenputtel“ von G. Rossini, Italien, Pesaro

Aschenputtel – Sonia Panassi, Mezzosopranistin. Bei der Cavatina im Register bewegt die Sopranistin intensiv ihre Gesichtsmuskeln. (Berganza singt diese Cavatina wie im Scherz.) Clorinda – Ekaterina Morozova, eine russische Sängerin aus der Provinz. In Moskau absolvierte sie das Konservatorium, arbeitete an der Neuen Oper und sang die Königin der Nacht; Am Bolschoi führte sie Violetta auf und ging ins Ausland. Der Prinz in dieser Produktion wurde von Juan Diego Floris, einem lyrischen Tenor, gesungen.

„M. Callas hat im ersten und vierten Akt bewiesen, dass Violetta von einer Stimme gesungen werden kann und nicht von zwei verschiedenen.“ (Musikkritiker)

Es ist schwierig, auf solch absurde Aussagen männlicher Kritiker zu reagieren, denn man kann ihnen nicht vorwerfen, dass sie dies nicht an ihrer eigenen Stimme überprüfen können.

Im 19. Jahrhundert arbeiteten Komponisten in Absprache mit Sängern und Sängerinnen an Opern.

Herbert von Karajan, der Regisseur (Ehemann der Sängerin Elisabeth Schwarzkopf), bewunderte Callas, und Elisabeth wollte die von Callas gespielten Rollen nicht singen. Herbert von Karajan verstand es, „der Stimme zu folgen“, was für Sänger so wichtig ist.

In Italien ist es nicht üblich, über Belcanto-Techniken zu sprechen. Die Belcanto-Technik ist ein nationaler Schatz, ein Geheimnis.

Giocondas erste Aufnahme wurde zu einer Sensation: Es war unmöglich zu glauben, dass eine Sängerin mit einer so tiefen und dramatischen Stimme Lucia singen könnte.

Kritiker sind überrascht, aber Sie und ich, Sänger, wissen, dass es hier keinen Grund zur Überraschung gibt: Das ist normal!

In der Berliner Aufführung singt M. Callas stets mit der Stimme eines „kleinen Mädchens“ mit schwebendem, offenem Klang. Nicht „offen“, sondern leicht klingend und das ist normal!

Doch leider erkannten Kritiker in diesem Klang einen „geschwächten Zustand“ der Stimme des Sängers und nicht die Erfüllung einer schauspielerischen Aufgabe und hörten erste Anzeichen eines Verblassens der Stimme.

Nun, was erlauben sie sich, diese Kritiker? Was verstehen sie über weiblichen Gesang?

Mario del Monaco sang mit Callas in Norma. Er beschwerte sich über M. Callas, dass sie ihn geschlagen und aus der Öffentlichkeit gedrängt habe.

Solche Exzentrizitäten sind bei lyrischen Tenören verzeihlich, aber Mario del Monaco, ein dramatischer Tenor, ist fast ein Bariton. Nicht solide!

Buch von Jürgen Kesting „Maria Callas“

In dem Buch geht es nicht nur um Callas, es geht auch um Musiker, um Sänger.

„Sie bestand darauf, alles zu singen, und das tat sie auch. Heute versucht fast jede Sängerin, in ihre Fußstapfen zu treten, aber leider ohne Erfolg.“ (Renata Tebaldi über Maria Callas.)

„M. Callas war ein Reformator der Gesangskunst“, Lauri-Volpi.

Sie ließ in ihre Technik alle Errungenschaften des 19. Jahrhunderts, des Jahrhunderts des Belcanto, einfließen.

M. Garcia schrieb: „Studieren Sie Biologie und Physiologie, um Stimmen zu verstehen.“

Aber die Menschen fantasieren so sehr und sehen nicht, was offensichtlich ist, und neigen dazu, zu sehen, was nicht existiert und nicht existieren kann. Jeder Sänger hat sein eigenes Schicksal.

Dramatischer Sopran - Nina Fomina, Solistin des Bolschoi-Theaters, sang Norma mit dicker Stimme und Oksana aus Cherevichki - hell, zart, lyrisch,

Puccini interessierte sich für den „immensen Schmerz in kleinen Seelen“.

Schauen Sie hinein und seien Sie entsetzt.

Die Aufführung von Verista-Musik wird (in Italien) nicht so hoch geschätzt wie die Musik und Technik der Aufführung der Musik von Rossini, Donizetti, Bellini und Verdi.

Im oberen Register gibt es (Noten) allmähliche Intonation und es gibt „Take-off“-Noten. Dies muss berücksichtigt werden. Also geht die Mezzosopranistin zu Sol-La und „hebt ab“ zu Do, weil Auch „Bewegung“ in der Stimme ist wichtig (laut Garcia).

Dupre, Barr und Garcia haben „Deckung“. „Wir haben immer so (in U) gesungen“ – die Meinung italienischer Lehrer.

Singen „mit einem Lächeln“ dient dazu, die Quadratusmuskeln des Gesichts aktiv anzuspannen, aber die Hauptposition für die Stimmführung ist vertikal, „wenn horizontal, werden die Muskeln müde“, wie Barra einmal bemerkte. Diese Tatsache findet sich in unserer Literatur nicht.

Covering ist nicht nur eine Technik, sondern eine Art des klassischen Gesangs (nach Dupre). Die Abdeckung ist „acht von den Lippen – 8“ (nach Barra), wenn der vertikale Mund 0 ist, und nicht „eine Kappe oben“, wie ein Hauslehrer glaubte.

Problem: Wie lässt sich die hohe Position der Stimme und die tiefe Position des Kehlkopfes ausgleichen?

Die Antwort ist Mobilität. Und eine hohe Position ist nicht konstant hoch, sie wird sofort korrigiert; und die Position des Kehlkopfes ist nicht immer niedrig – sie verändert sich. Von Lehrern wird es jedoch oft so dargestellt, als ob sich die hohe Position des Tons und die niedrige Position des Kehlkopfes nicht ändern sollten. Die Sprachsteuerung erfolgt im Bruchteil einer Sekunde.

W. Mozart (18. Jahrhundert) war ein Komponist des Instrumentalstils, interessierte sich aber auch sehr für die neue Stilrichtung der Vokalmusik. Er entwickelte sich wie seine Zeitgenossen ein neuer Stil. G. Rossini (im 19. Jahrhundert) schrieb „Cavatina Figaro“ im Stil von „Arie mit Champagner“ von Don Giovanni. So gelangte Mozarts Genie ins 19. Jahrhundert. Wir freuen uns, in Mozarts Opernmusik Arien im Belcanto-Stil zu finden!

Meisterkurs mit Renata Scotto.

Der erste angehende Sänger hatte eine schleichende Intonation. R. Scotto versuchte, ihre Stimme zu begradigen, aber es war nutzlos: Mit der absteigenden Melodie „rutschte“ auch die Stimme der Sängerin nach unten. Die großartige Sängerin Renata Scotto brach ihre Unterrichtsstunde ab und kehrte traurig an ihren Platz zurück. Bald darauf wurde R. Scotto erneut gebeten, vorbeizukommen. Ein Mädchen mit tiefer Stimme sang ein Belcanto-Stück, aber in einem seltsamen Stil. R. Scotto sagte mit traurigem Gesichtsausdruck: „Sie verfügen nicht über die grundlegende Gesangstechnik, um so etwas aufzuführen.“ komplexe Arbeit Belcanto.

Probleme in der Natur werden auf der physischen Ebene gelöst. Das sagen Wissenschaftler. Deshalb brachte M. Garcia das Problem auf den Punkt und erklärte die italienische Gesangsschule aus physikalischer Sicht, denn der Mensch ist ein Teil der Natur.

Aber es ist schwierig, die Garcia-Schule zu verstehen, weil... Viele Sänger mögen nicht: Physik, Biologie, Algebra, fantasieren aber wirklich gerne von Grund auf.

„Die Arien von Farlaf, Gorislava und Lyudmila wurden von Glinka so geschrieben, als wären sie einfach, aber in Wirklichkeit stellte sich heraus, dass es sehr schwierig war, sie frei und natürlich zu singen“, - Irina Arkhipova.

Hier gibt es ein Problem, aber hier ist meine Meinung. Farlafs Arie ist reiner Belcanto („Pattern“ – laut Rossini), Gorislavas Arie ist streng vertikaler italienischer Gesang. Aber Lyudmilas Kavatina (wie auch Antonidas Kavatina) sind im Instrumentalstil der alten Schule geschrieben. Daher können nur helle Koloratursopranistinnen diese Rollen mit dem geringsten Risiko einer Schwächung ihrer Stimme bewältigen.

Auch die Arie der Schneewittchens „Mit Freunden auf Beerensuche“ von N. Rimsky-Korsakov erfordert wie die Arie der Schwanenprinzessin eine streng vertikal gedeckte Aufführung. Junge Sänger wissen mit den Anforderungen einer guten Diktion meist nichts anzufangen und greifen zu einer verzerrten Intonation, d.h. Verschlechterung des Stimmklangs.

„Maria Guleghina – Mezzosopranistin (?) (Konservatorium Odessa) erklärte sich beim Tschaikowsky-Wettbewerb als Sopranistin und sang Arien für Mezzo; und in Cavatina fügte Rosina Soprankadenzen ein, was nach den Wettbewerbsbedingungen nicht zulässig ist.“ (Aus kulturellen Nachrichten.)

Tatsächlich ist Maria Guleghina eine dramatische Sopranistin.

„Woher hast du das alte?“ Venezianische Schule? Woher haben Sie diese neapolitanische Schauspielschule?“ - Sie stellten Irina Arkhipova in Italien Fragen.

In Italien kennt man unsere Kulturgeschichte vielleicht nicht, aber wir müssen uns daran erinnern!

Bei einer Diskussion über die russische Gesangsschule antwortete Sänger P. auf scharfe Kritik: „Ja, wir sind anders.“

P. I. Tschaikowsky schrieb wie andere russische Komponisten im 19. Jahrhundert korrekte Musik für Sänger, wie es in Europa üblich war. Italienische Lehrer arbeiteten an russischen Konservatorien und Sänger wurden in der richtigen Stimmkontrolle geschult.

Italienische Schule in Russland – Lehrer und Sänger des 19. – 20. Jahrhunderts.

Lehrer: K. Everardi (Schüler von M. Garcia), Polina Viardot-Garcia, A. Dodonov, Usatov (Schüler von Everardi), Druzhinina (Schüler von Viardot), Kondaurova, Rebrikov, Shatrova...

Sänger: D. Smirnov, N. Khanaev, S. Lemeshev, F. Shalyapin, I. Tartakov, F. Strawinsky, M. Bocharov, G. Nisson-Saloman, Pavlovsky, Slavina, Deisha-Sionitskaya, Bragina, Zarudnaya, Baturin, Noreika, Preobrazhenskaya.

Dies ist keine vollständige Liste!

Im unteren Register hat ein dramatischer Sopran drei Töne. Auch der dramatische Tenor hat drei Töne, Enrico Caruso schrieb darüber. Über die Farbpalette klassischer Stimmen kann man noch lange reden. Ich rate Ihnen, aufmerksamer zuzuhören und die Aufnahmen großer Sänger zu studieren. Man kann über jedes Thema lange streiten und nicht die Wahrheit finden. Und alle Wahrheiten liegen in der Garcia-Physikschule. Wir haben Materialien zur Theorie, aber keine Beschreibung der Praxis. Zwar gibt es eine Beschreibung der neapolitanischen Schule in den Materialien von L. B. Dmitriev und B. M. Lushin. Das sind sehr nahegelegene Schulen.

Ein leichter Sopran ist die „Stimme eines kleinen Mädchens“ (in Bezug auf die Klangfarbe) und wenn wir von einer Männerstimme sprechen, dann „die Stimme eines Jungen oder jungen Mannes“ (aber wir sprechen nicht von Falsett). Diese jungen Stimmen leben sowohl einzeln als auch innerhalb jeder etablierteren Stimme. Was für ein Trick! Und es ist auch wichtig, diese junge Stimme zu bewahren und zu schätzen, denn die Schönheit und Lautstärke Ihrer dicken Stimme hängt von der Klangfülle der kleinen ab. Die führende sowjetische Lehrerin Blagovidova (Odessa) verfügt nicht einmal über die Methodik zum Aufbau dieser leichten, hohen Stimme.

Der Erfolg eines Sängers, wenn sich aus einer dicken Stimme (Mezzo) ein dramatischer Sopran entwickelt, ist schwieriger, wenn er aus einem Sopran besteht. Historisch gesehen wurden in Russland während der Sowjetzeit viele Sopranrollen von lyrischen Koloraturstimmen gesungen. Daher nehmen viele von uns das Wort „Sopran“ als wahr leichte Frau Stimme. In Italien ist die „Sopran“-Stimme oft ein dramatischer Sopran, man hört sie als hohen Mezzosopran, und alle Rollen in Opern sind seit jeher für diese Stimmen geschrieben.

F. I. Schaljapin sang hervorragend russische Volkslieder. Es ist ein Wunder, wie gut die russischen Lieder von S.Ya. Lemeshev und N.A. Obukhova waren! Und schließlich besaßen sie alle eine italienische Schule!

Junge Sänger wandten sich an N.A. Obukhova: „Wann wirst du uns beibringen, so zu singen, Nadezhda Andreevna?“ „Oh, wie listig! - antwortete sie lachend. „Ich möchte auch selbst singen!“ Und sie sang bis ans Ende ihrer Tage. Sie verstand, dass die Belcanto-Schule sehr schwierig ist und dass man sich, wenn man Lehrtätigkeiten ausübt, ganz in diese Arbeit vertiefen muss. (Aus den Memoiren von E.M. Shatrova.)

Michaelas Arie wurde oft von lyrischen Sopranistinnen gesungen. Für eine dicke Sopranistin gibt es hier ein ernstes Problem: Das hohe C fällt auf den nicht stimmlichen Vokal E. Die Aufführung von Michaelas Arie mit russischem Text kann zu einem vorübergehenden Stimmverlust führen.

Die „Elvira-Szene“ aus G. Verdis „Ernani“ ist für eine große Sopranistin gefährlich, wenn die Sängerin eine spezielle Technik der italienischen Schule nicht beherrscht. Diese Technik wird in La Traviata und anderen Opern verwendet.

Wenn Sie ein komplexes Stimmfragment lösen, müssen Sie eine Lösung für das Problem auswählen. Es gibt nicht immer nur eine Lösung.

Kurt Honolka – „Große Diven“.

Prima Donna war der Name der führenden Solistin des Theaters im frühen 18. Jahrhundert in Neapel.

Diva assoluta – singt alles, in allen Stilrichtungen.

Maria Callas – Diva des 20. Jahrhunderts.

Das Original ist immer wichtiger als die Kopie. Aber in der Gesangskunst gibt es keine reine Kopie und kann es auch nicht geben, daher ist es für einen Sänger sehr nützlich, sich Aufnahmen großer Sänger anzuhören und so Gesang von ihnen zu lernen. Aber nur mit typverwandten Stimmen!

AUS DER GESCHICHTE DER ENTWICKLUNG DER GESANGSKUNST

„Daphne“ von Jacopo Peri – die erste Oper (1597).

Der Vater des berühmten Wissenschaftlers G. Galileo war ein berühmter Musiker. Kurt Honolka schreibt über ihn.

Galileis Credo: Die Sprache ist die absolute Herrin der Harmonie. So entstand die Sologesangskunst. Dies war eine offene Herausforderung für die Hochkultur der Polyphonie in Palestrinas Werk. Das Wort ging in komplexer Polyphonie unter, in der geschickten Verflechtung musikalischer Linien.

Bald erschien in Italien ein Musikdrama neues Genre, wo eine Stimme hervorstach, die in der Lage war, Wörter auszusprechen, die Stimme einer Person (oft einer Frau).

Monteverdis Arien aus dem 17. Jahrhundert sind der Anfang, die Wiege der Oper und des Gesangs. Dies ist ein Instrumentalstil mit Andante und Wellenformationen.

Für uns im 21. Jahrhundert, wo wir seit unserer Kindheit die helle Musik von Rossini und Tschaikowsky hören, ist das Singen von Monteverdis Arien nicht interessant: Der Lebensrhythmus ist nicht derselbe. Aber so entstand die Gesangskunst.

Das 18. Jahrhundert ist das Jahrhundert der Reformen in der Gesangskunst. Gluck, Scarlatti, Mozart und andere sind auf der Suche nach etwas Neuem Gesangsstil. Launenhafte Primadonnen und Primadonnen verlangen von Komponisten, dass sie Vokalmusik schreiben, die für die Stimme angenehm ist.

Castrati – „Gesangsvirtuosen“, den Filmen dieser Zeit nach zu urteilen, verfluchen sowohl ihr Leben als auch die „Musik, die sie singen müssen“.

Der Komponist Gluck wird als Reformator bezeichnet; er erriet als Erster, was Sänger brauchten: korrekte Wellen- und Strahlenformationen der menschlichen Sprache. Komponisten drängen ihre Musik nicht auf, sondern versuchen den Sängern zu gefallen und erarbeiten Vokalwerke in enger Zusammenarbeit mit den Sängern.

Der Barockstil blüht auf. Der Barockstil geht durch Selektion nach und nach in einen neuen richtigen Lieblingsstil der Sänger über, der später Belcanto-Stil genannt wird. Den Sängern selbst ist aufgefallen, dass eine für die Stimme angenehme Melodie mit einem Tempowechsel in Richtung Beschleunigung eleganter und magischer wird. Dieser schnelle Stil wurde Belcanto („Geplapper“ nach Rossini – 19. Jahrhundert) genannt.

Die alte Gesangsschule zur Kultivierung eines „besonderen flexiblen Kehlkopfes“ für Sänger, nämlich Kastraten, die außergewöhnlich virtuose Melodien vortrugen, wurde mit dem Aufkommen des Belcanto einfach unnötig, die Notwendigkeit dafür verschwand zusammen mit der Aufgabe dieser wilden Operation für Straßenjungen . Der Blick der Musiker richtete sich auf italienische Sänger, die aus ihrer Mitte unermüdlich junge, wunderbare Sänger hervorbrachten. Erfahrene Sänger brachten den Kleinen „von der Stimme her“ bei.

Im 19. Jahrhundert gründete der Professor an der Pariser Akademie M. Garcia eine physische Gesangsschule, die auf der neapolitanischen Schule basierte. M. Garcia akzeptiert mit Bedacht alle Reformen von J. Dupre, so dass die „Garcia-Schule“ im 19. Jahrhundert zur stärksten und beliebtesten wird. Aber die Tatsache, dass J. Dupre die Garcia-Schule nicht ernst nahm, spricht für ihre Komplexität, denn die Garcia-Schule erfordert eine besondere Betrachtung der Singstimme unter Einbeziehung von Kenntnissen aus Physik, Biologie, Mathematik und sogar Medizin.

Garcias Schule „baut“ die Stimme nicht „wieder auf“, sondern stimmt sie neu, damit sie richtig funktioniert, wie ein Meister, der ein Klavier stimmt. Richtige Fähigkeiten werden vertieft und gefestigt, während falsche vergessen werden. Die Stimme muss jedes Mal angepasst werden. Professionelle Sänger stimmen ihre Stimmen auf unterschiedliche Weise: manche – durch Übungen, manche – durch Werke und manche – im Prozess des Singens.

Zukünftige Solisten unterscheiden sich stark von zukünftigen Chorsängern durch ihre Unabhängigkeit: Sie lernen nicht nur, sondern versuchen eifrig, alles selbst zu lernen und herauszufinden.

Sowjetische bescheidene Gesangslehrer gingen sorgfältig und vorsichtig mit ihren Stimmen um.

Lehrerin Shatrova (eine Schülerin von Druzhinina) entwickelte aktiv Stimmen und das Repertoire war „fortgeschritten“. Sie analysierte mit der Studentin einzelne Werke und zeigte mit ihrer Stimme...

Klassische Musik ist physiologisch. (Meinung von Wissenschaftlern.)

A. Mozarts Arie „Come scoglio“ ist reiner Belcanto auf dem Niveau von Verdis Arien. Aber das ist nicht Verdi, das ist Mozart!

Anscheinend wurden die Rollen von Antonida und Lyudmila in den Opern von M. Glinka in den ersten Produktionen nicht wie im Westen üblich von dramatischen Sopranistinnen, sondern von leichten Koloratursopranistinnen gesungen. So blieben die Instrumentalarien für die Aufführung durch dramatische Soprane unbearbeitet. Zu Sowjetzeiten wurden diese Rollen immer von leichten Sopranistinnen gespielt. Dies war offenbar der Wunsch des Führers, der das Bolschoi oft besuchte. Im modernen Theater ist diese strenge Auswahl der Sänger für Glinkas Opern in Vergessenheit geraten und die Aufführung, insbesondere der beiden Cavatinen, für Frauenstimmen zum Problem geworden. Der Instrumentalstil der beiden Kavatinen weist nicht auf die russische Musik des 19. Jahrhunderts hin, sondern stellt vielmehr eine bedauerliche Ausnahme dar.

Es gibt noch ein weiteres Problem. Ich denke, es hat sich nicht gelohnt, das Kastratenproblem auf russischen Boden zu übertragen, weil wir dieses Phänomen in Russland nicht hatten. Vanyas Partei und insbesondere die von Ratmir müssen für Männerstimmen umgestaltet werden. Männerparteien zurück zu den Männern zu bringen, ist ein Problem, das im Westen manchmal zugunsten der Männer gelöst wird. N. Rimsky-Korsakov hat auch männliche Rollen, die von Männern gesungen werden können: Lel, Nezhata.

Aus dem Buch von A. Parin „Über Gesang, über Oper, über Ruhm.“

Meinung von Sängerin A.: „Lyubasha, eine Sünderin, aber eine starke weibliche Natur, die Liebe über den Glauben an Gott stellt.“ Sie tötet Marfa nicht aus Eifersucht, sondern weil Marfa Gryaznoy nicht liebt.“

Sehr seltsam! Meiner Meinung nach kann nur die älteste Frau des Khans im Harem so denken.

„Zara Dolukhanova hielt die Romanze „Shine, Shine, My Star“ für vulgär, gesungen ...“

Dem können wir nicht zustimmen. Liebesromane werden oft gesungen, weil sie gut geschrieben sind und angenehm für die Stimme sind. Es weckt in der singenden Person eine Art Traum. Und hier gibt es keine Vulgarität: eine vom Volk geliebte Romanze.

„In Paris wurde E.V. Obraztsova als „die letzte Königin des russischen Gesangs“ bezeichnet.

Warum „letzter“?! Wir werden keine eigenen Lehrer haben, wir werden die Italiener anrufen oder wir werden aus den Aufnahmen großer Sänger lernen.

Die Gewohnheit, Melodien im richtigen Stil zu singen, gibt dem Sänger Gefallen an Musik, die nach den Naturgesetzen geschrieben wurde, d. h. die Gewohnheit logischer Konstruktionen in der Vokalmusik wird entwickelt. Unlogische Konstruktionen sind unangenehm überraschend. Aber wir müssen diese Musik auch aufführen. Ich denke, dass es für Belcanto-Sänger heute einfacher ist, mit dem Barockstil zurechtzukommen als für Sänger des 18. Jahrhunderts, die ihn noch nicht kannten richtige Konstruktionen Belcanto.

„Der Ursprung von Rossinis Stil liegt darin, dass man, wenn man ein paar Melodien kennt, bereits erahnen kann, was als nächstes folgen wird. Das Übel liegt in der Korrektheit von Rossinis Musik“, schreibt Stendhal.

Das ist nicht „böse“, das ist Freude für den Sänger und das liegt in der physiologischen Natur des Stils! Und für Nicht-Sänger ein großes Rätsel.

Stendhal:

Für die italienische Musik sind Melodie und Harmonie wichtig, für die deutsche Musik reicht jedoch die Schönheit der Klänge, auch ohne Melodie.

Stendhal erklärt dies mit den Besonderheiten nationaler Charaktere. Tatsächlich beobachten wir oft, dass der Klang deutscher Musik von der Schönheit der Klangfarbe der Stimme des Sängers abhängt.

Stendhal:

In Rom angekommen erklärten alle einhellig, dass Ausländer die Werke Mozarts zu sehr preisen.

Nicht alle Werke Mozarts sind Meisterwerke. Aber wie viele Meisterwerke haben Komponisten der Übergangszeit geschaffen (ganz zu schweigen von der späten)? A. Mozart hat viele Arien in einem neuen Stil geschrieben – Belcanto, damit seine Musik ewig leben wird.

Stendhal:

Schwierigkeiten bei der Aufführung sind keine allzu großen Vorteile der Musik.

Zu dieser Zeit (Anfang des 19. Jahrhunderts) „existierte“ „Don Giovanni“ für Italiener noch nicht, es war aufgrund seines Instrumentalstils zu schwer zu erlernen.

Natürlich sind Instrumentalstücke für die menschliche Stimme (Donna Annas Arien) sehr schwierig. Schade, dass sich der große Mozart nicht vollständig an den neuen Stil anpassen konnte; er hatte einfach nicht genug Leben, um diese Arien neu zu schreiben. Aber hier gibt es eine wunderbare Arie für Don Juan – „Arie mit Champagner“, in einem neuen Stil – Belcanto! Das ist das 18. Jahrhundert...

Stendhal:

In was für einen Abgrund der Trivialität gerät der deutsche Komponist normalerweise, wenn er versucht, heitere Musik zu schaffen!

M. Callas – „absolut“.

„Absoluta“ ist eine Sängerin, die alle Meisterwerke der Weltklassiker singt. Sie sang alles, was für dramatischen Sopran geschrieben wurde, alles Meisterwerke, in allen Stilrichtungen. Sie war die Königin des Belcanto! Sie hat diesen Stil des 19. Jahrhunderts wiederbelebt, und jetzt werden ihn italienische Lehrer nicht mehr missen!

Moderatoren: Pavel Tokarev, Boris Ignatov, Alexey Parin.

M. Callas sang einst die Arie des Orpheus (Mezzo) und schluchzte dabei mit den Alttiefen ihrer Stimme. Das Publikum empfing die Sängerin mit Freude. (Aufnehmen von Geräuschen.)

Die Frau singt den Part des Mannes und alle sind begeistert. Dieses Vergnügen ist mir nicht ganz klar!

In Ratmirs Gruppe wäre es besser, einen Mann zu sehen und zu hören.

IN Kindertheater Lelya sang erfolgreich Tenor.

Um die Lautstärke der Welle zu erhöhen, müssen Sie auf die Atmung achten, d.h. Brustatmung entwickeln.

Immer wieder stellen sich Fragen zu Pausen in der Notenschrift und zu Pausen in Gesangsphrasen. Pianisten und Lehrer brauchen Pausen, auch wenn sie dynamisch singen. Meistens fallen Pausen in der Notenschrift mit Pausen in Gesangsphrasen zusammen, aber...

Sie müssen verstehen, dass die Phrasierung des Gesangs mit der Atmung des Sängers, mit der Dynamik der Phrasenentwicklung, mit der Energieeinsparung, mit den Berechnungen des Sängers und mit vielen „Kleinigkeiten“ im Zusammenhang mit der Gesangstechnik zusammenhängt.

Ein Musiker kann nicht alle Einzelheiten der Stimmsteuerung kennen und den Sänger nicht so sehr kontrollieren, dass er ihm immer sagen kann, wo er atmen soll.

Das muss der Sänger selbst wissen, das muss ihm der Lehrer beibringen. Um hohe Töne perfekt vorzutragen, ohne zu ersticken, muss der Sänger wie ein Sportler alles genau berechnen.

Für die Qualität der Darbietung ist der Sänger selbst verantwortlich. Den Atem zu verlieren ist sehr schädlich. Das Singen in kleinen Sätzen ist ermüdend. Man sagt: Beim Singen gibt es kein Staccato – es gibt kein Legato. Non legato: Dabei macht der Sänger Klangintervalle, unterbricht aber seine Atmung nicht, d. h. es ist dasselbe, wenn er Legato sang.

Die gleiche Unabhängigkeit des Sängers manifestiert sich in der Dauer einzelner Töne. Der Sänger reduziert die Off-Beat-Noten, er berechnet sie nicht, das Gleiche gilt oft für die letzten Noten einer Phrase. Wenn er zwischen den Sätzen Luft holen muss, es aber keine Pause gibt, vergrößert er die Lücke zwischen den Sätzen und verringert die Dauer der Noten auf beiden Seiten, um Zeit zum Durchatmen zu haben.

Die Notizen des Sängers dienen lediglich der Angabe der Phrase und aller Phrasierungsfragmente. Aber beim Singen hat der Sänger keine Noten im Bewusstsein und sollte sie auch nicht haben. Es repräsentiert und steuert die Schallwelle.

Aus diesem Grund sollten Sie keine Unterordnungsverhältnisse mit Begleitern eingehen: Sie verstehen die Probleme von Sängern nicht.

Für den Sänger ist die Beziehung zum Dirigenten sehr wichtig.

Wie sollte eine Sängerin auf begeisterte Kritiken über ihre Darbietung von Meisterwerken der Gesangskunst reagieren?

Ruhig oder sogar mit etwas Angst. Sie legen Ihnen wie im Sport eine „Messlatte“ fest, unter die Sie nicht mehr fallen dürfen. Aber nicht alle Werke sind Meisterwerke.

Ein Sänger kann nur gewinnen, wenn er bekannte, allgemein anerkannte Meisterwerke der Gesangsklassiker perfekt aufführt. Ein unbekanntes Werk, selbst ein wunderschön geschriebenes und perfekt aufgeführtes, kann für den Großteil des Publikums unverständlich bleiben, wie uns die Geschichte der Gesangskunst lehrt.

ÜBER SOPRAN

Nur eine tiefe Sopranistin kann „Rosinas Cavatina“, aufgenommen für Mezzosopran, aufführen. Lyrische Sopranpartien können von jeder Sopranistin gespielt werden: dramatische, lyrische und Koloraturpartien. Ein Beispiel wäre: M. Callas, R. Scotto, J. Sutherland und viele andere. Für einen Sänger, der ein lyrisches Repertoire aufführt, ist es sehr wichtig, die „Dicke“ der Stimme beizubehalten. Hier geht es nicht darum, eine konstant dicke Klangfarbe beizubehalten; ich bin vielmehr gegen eine konstante Klangfarbe.

Es ist wichtig, die Mitte der Stimme beizubehalten, damit die Klangdichte in extrem hohen Tönen nicht verschwindet. Bei uns ist es üblich, den Stimmtyp anhand des Repertoires zu bewerten, aber das ist falsch! Sänger – dramatische Sopranistinnen, so scheint es – haben dies schon vor langer Zeit bewiesen, aber bei der Beurteilung von Stimmen gibt es weiterhin Fehler.

Die schwarzen Sänger führten die Oper „Porgy and Bess“ mit klassischen Stimmen so anständig vor, dass man kaum glauben konnte, dass es sich hierbei nicht um eine „Inszenierung“ handelte. Aber ihnen wurde die Kultur des klassischen Gesangs beigebracht. Gelehrt! Und sie lehrten.

Vor Dupres Reformen war die obere Stimmlage undefiniert: Der Übergang erfolgte nur mit einem sanften Anschlag, und bei Männerstimmen war die obere Stimmlage oft Falsett, d. h. mit unvollständigem Verschluss der Bänder. Dupre schrieb, dass eine dicke, starke Stimme von unten in einem Timbre getragen werden muss, möglichst hoch mit festem Anschlag.

Zu Sowjetzeiten versuchten sie, in Russland eine Reform der Gesangspädagogik durchzuführen, stellten jedoch fest, dass dies sehr schwierig sei. Wir einigten uns darauf, die Erfahrungen der italienischen Schule zu studieren.

Ein bekannter Countertenor versprach, die Rolle des Cio-Cio-san zu übernehmen. Im Westen ist es mittlerweile in Mode. Man sagt, dass es in Italien eine Schule zur Ausbildung von Countertenoren gibt. Ich denke, dass Männer das lehren, weil... In Italien ist es üblich, per Stimme zu unterrichten.

Ich habe im Buch „100 Opern“ im Libretto von J. Bizets Oper „Carmen“ einen lustigen Satz gelesen: „Lied eines schrecklichen Ehemanns“ (!), die Seguidilla und das Duett von Carmen und Jose erzeugen ein facettenreiches Bild von a freiheitsliebender Zigeuner.“

Ich vermute das in Französische Oper Nach dem Willen des Autors gelangte das „Lied von Zemfira“ (der Zigeunerin) aus Puschkins Gedicht „Die Zigeuner“ von P. Tschaikowsky auf den Weg: „Alter Ehemann, beeindruckender Ehemann, schneide mich, verbrenne mich: I.“ Ich bin stark, ich habe keine Angst vor Feuer oder Schwert!“

Maria Callas war eine Sängerin und Schauspielerin. Sie nutzte die Farben ihrer Stimme ausgiebig. Gilda wurde zuvor von Sängern mit lyrischen Stimmen aufgeführt. M. Callas sang diesen Teil mit tiefer Stimme und verwandelte den schwachen Charakter des Mädchens in einen starken. Sie verwendete selten nur Sopranfarbe, da sie wusste, wie unfair die Kritiker dies behandelten und es als Schwäche der Stimme der Sängerin betrachteten.

Belcanto-Sängerin Renata Scotto: lyrischer Sopran- dumpfes Timbre (laut Aufnahmen), leichte lyrische Koloratur - durchdringend klingend. Einmal sagte sie, dass sie eine Portion Aida vorbereitete. „Es ist erstaunlich“, dachte ich, „hat R. Scott wirklich einen dramatischen Sopran?“ Sicherlich! Bald hörte ich sie im Duett mit einem dramatischen Tenor singen und die Kraft ihrer Stimme stand seiner in nichts nach.

Unser Kritiker nannte Beverly Seales eine leichte lyrische Sopranistin. B. Seales wird die amerikanische Königin der Oper genannt. Aber um Königin genannt zu werden, muss man eine sehr starke Sängerin sein: wenn Sopranistin, dann nur dramatisch.

M. Plisetskaya spricht sehr interessant über Ballett. „Im Tanz ist nicht alles bewusst, es gibt auch unbewusste Bewegungen und Gesten, dafür muss man die Musik spüren. Einmal machte ich eine kurze Handbewegung. Jemand bewunderte diese Geste. Ich habe darüber nachgedacht und das war’s: Die Geste ist verschwunden.“

Das ist mir ganz klar. Was verbindet diese beiden Kunstformen? Bewegung! Lehrerin Shatrova sagte: „Gesangskunst ist schwierig, aber Ballett ist schwieriger … im Hinblick auf körperliche Aktivität.“

J. Sutherland sang den lyrisch-dramatischen Sopran in Donizettis Oper Queen Elizabeth. In Bezug auf die Klangfarbe der Stimme steht sie M. Caballe näher. In diesem Teil gibt es sogar Altphrasen. Und die letzte Anmerkung ist mi3! Das sind die Möglichkeiten einer dramatischen Sopranistin!

Der Musikwissenschaftler Volkov schrieb in seinem Buch, dass Manuel Garcia, der Vater, ein wohlklingender Tenor war ... und Othello sang! Offensichtlich war er ein dramatischer, facettenreicher Tenor!

Anscheinend drängte die Härte des Vaters den Sohn M. Garcia dazu, die neapolitanische Schule sorgfältig zu studieren. Mein Vater sang mit Rossini und liebte Belcanto. Sein Sohn war neben ihm und sang mit Bassstimme. Er erkannte bald, dass das Lernen an der italienischen (neapolitanischen) Schule ernst, ruhig und freudig war.

Garcias Schule ist also eine italienische Belcanto-Schule, die von einem Wissenschaftler (er wurde Professor) aus wissenschaftlicher Sicht verstanden wurde: Physik (Mechanik), Biologie (Physiologie).

Kurt Honolka „Große Diven“

Maria Felicita Malibran (Garcia) war zehn Jahre lang eine Diva. Verrücktes künstlerisches Temperament. Die beste Desdemona, die sich Othello nicht unterwarf. Sie beherrschte drei Oktaven, konnte sowohl Alt als auch Sopran singen: Norma und Zerlina. Ein feuriges Temperament trieb Malibrans zerbrechlichen Körper zu den verzweifeltsten Taten. Auf der Bühne verfiel sie in Hysterie und geistige Aufruhr.

Im Alter von 28 Jahren stürzte Malibran vom Pferd und erlitt dabei innere Verletzungen. Sie sang ein Konzert und starb neun Tage später, am 23. September 1837.

Maria Malibran erbte ihre Musikalität, ihr Talent und ihre Liebe zum Theater von ihrem Vater Manuel del Popolo Garcia. M. Garcia ist ein Tenor von Weltrang. Er war mit G. Rossini befreundet und sang mit ihm und war sein erster Almaviva. Sein Sohn Manuel war der beste Lehrer seiner Zeit (gestorben 1906 im Alter von 106 Jahren).

Pauline Viardot (Garcia) wurde 1821 geboren. Polina hatte eine Mezzosopranstimme, sang aber auch Sopranpartien (Donna Anna und Norma). Als ich einmal in St. Petersburg war, versuchte ich, Lyudmila zu singen.

Wenn Viardot Donna Anna, die Barockpartie, sang, dann könnte sie, wie es ihr schien, problemlos Lyudmila singen. Zwar schreibt die Autorin hier, dass sie an einer „Erschöpfung der Bänder“ litt. Aus einer anderen Quelle: Sie hat sich eine Erkältung eingefangen. Unsere Sopranistinnen haben oft unter den Rollen von Lyudmila und Antonida gelitten und leiden weiterhin.

Pauline Viardot sang 150 Mal Glucks Orpheus, Glucks Alceste. ich wurde weggetragen Deutsche Musik. Sie war 40 Jahre lang mit Turgenjew befreundet, bis zu seinem Tod. „Königin der Königinnen“ waren seine letzten Worte. Polina starb 1910.

In Kurt Honolks Buch lesen wir in einem Artikel über Maria Callas: „Callas verwandelte ihr Leben in einen Tanz auf einem Seil ohne Sicherheitsnetz.“

„Renata Tebaldi schockierte Arturo Toscanini mit ihrer Engelsstimme.“

Und M. Callas und R. Tebaldi sangen beide Aida, Santucia, Butterfly, Mimi, Tosca. Aber sie können nicht als echte Konkurrenten angesehen werden: Tebaldi sang weder Medea noch Lucia usw., und ihre Violetta blühte auf, sie verblüfft mit der reichen Fülle ihres Soprans.

Tebaldi nahm moderne Musik überhaupt nicht ernst und empfand sie als nicht stimmlich und sogar destruktiv für die Stimme. (Kurt Honolka)

Die erste Sängerin der Welt: Maria Guleghina, Russin. Studierte in Odessa. Singt in Italien das gesamte dramatische Repertoire und in Belcanto-Opern.

I.A. Moiseev ist der Schöpfer des Tanztheaters. Er verlangte, dass der Tänzer einfach nicht technisch tanzt, sondern jede Bewegung vergeistigt. Rhythmus wird vereinfacht erklärt.

Sänger! Sie müssen sich den Rhythmus auf vereinfachte Weise erklären.

Placido Domingo. Ein Tenor, der „ursprünglich Bariton war“. Direktor zweier Theater. Führt „Domingo-Wettbewerbe“ durch und arrangiert junge Sänger.

Meiner Meinung nach ist es nicht verwunderlich, dass Domingo im Bariton sang.

Placido Domingo ist der große Tenor unserer Zeit.

Die russische Sängerin Olga Borodina (Mezzosopran) sagt, dass sie von Natur aus schon in jungen Jahren Belcanto gesungen habe. Irina Arkhipova schaute in ihren Mund und fragte: „Wie machst du das?“

Durch Nachahmung kann man auch im Belcanto-Stil singen lernen, aber nicht jedem gelingt es, diese Technik zu verstehen. Wieder einmal können Sie davon überzeugt sein, dass Belcanto ein perfekter Stil ist, aber nicht künstlich und uns Russen nicht fremd.

Belcanto ist wie ein Zungenbrecher: dick und leicht. Eine große Sopranistin, technisch ausgestattet, strebt danach, die Technik sowohl der dramatischen Koloratur als auch der lyrischen Koloratur zu beherrschen. Ein Beispiel hierfür ist Maria Guleghina.

„Opera Club“, Radiosender „Echo of Moscow“.

Akimo Freier ist ein deutscher Produktionsleiter. Inszenierung „Die Zauberflöte“ an der Nowaja-Oper. Auf die Frage: „Wer ist wichtiger: der Star oder der Regisseur?“ sagte er, dass es mit Stars keine Probleme gebe, nur mit alten Sängern. „Die Stars arbeiten und singen besser als alle anderen. Singen ist Akrobatik!“

Jede Sängerin oder Sängerin baut ihre Beziehung zum Dirigenten auf oder verlässt...

Darüber reden Dirigenten natürlich nicht gern.

Anna Netrebko

Eine wunderschöne Sängerin mit einer hellen Stimme. Dramatischer Sopran. Anna beklagt, dass ihr schon in jungen Jahren oft gesagt wurde, sie hätte keine Stimme, und trotz der Feindseligkeit der Menschen wurde sie Sängerin. Sie arbeitet hart, singt im Westen und im Mariinsky-Theater.

Anna Netrebko in frühe Jugend Da die Technik nicht ausreichte, war es sehr schwierig, das gesamte Repertoire der dramatischen Sopranistin zu heben. Sie sang hauptsächlich lyrisches Repertoire.

Lehrer müssen mehr über Gesangstechnik nachdenken. Und liebe deine Schüler...

Olga Gurikova verschwand als dramatische Sopranistin vom Horizont der Moskauer Sänger, erschöpft von der Rolle der Elvira aus Verdis Ernani. Erinnern Sie sich, wie die Stimme des Sängers in einer kraftvollen Welle floss?

Nachdem ich mich mit der Arie vertraut gemacht hatte, spürte ich sofort ihre Komplexität und die Gefahr einer Muskelüberanstrengung. Hier gibt es, wie auch in La Traviata, eine besondere Verteidigungstechnik.

R. Scotto kennt diese Schutztechnik wie alle italienischen Sänger, aber wir müssen es irgendwie selbst erraten, indem wir uns ihre Aufnahmen anhören. Haben Sie gelesen, wie E. Obraztsova von den Großen gelernt hat, um selbst großartig zu werden? Die Soprantechnik ist zwar die schwierigste.

Ninel Tkatschenko

Ninel Tkachenko sang am Bolschoi – eine dramatische Sopranistin, sie beherrschte alle italienischen Techniken! Aber vielleicht wusste sie es nicht, aber sie tat es.

Hier schaue ich mir ihre Akte an: Der Preis beträgt 1 Rubel 45 Kopeken. Orchester des Bolschoi-Theaters der UdSSR, Dirigenten M. Ermler und F. Mansurov. Wer ist Ninel Tkatschenko? Gesungen auf Italienisch und Französisch. Ich habe gelesen: Tosca, Mimi, Cio-Cio-San, Abigail, Aida und weiter: Carmen und Eboli! Und glauben Sie mir, sie hat wunderschön gesungen! Aber in der Akte steht kein Wort über sie.

„Opera Club“, Radiosender „Echo of Moscow“.

Fragen an den amerikanischen Dirigenten James Conollon. Über die Musik der Bel Canto-Ära und über Sänger, über russische Musik und über russische Sänger. US-amerikanischer Musiker antwortet, überzeugt, sich keine Sorgen zu machen: Belcanto lebt weiter, und russische Opernmusik ist im Westen interessant, und es gibt genug Belcanto-Sänger, und es ist schwierig, russische Sänger von nichtrussischen zu unterscheiden!

Die Tradition der Belcanto-Opern muss fortgeführt werden.

Patricia Choppe, eine lyrische Sopranistin, sang die Rolle der Violetta in einem Theater im Westen sehr anmutig und tragisch, aber die Regie, in der Violetta eine Straßenfrau spielt, war einer Verdi-Oper unwürdig.

Beim Konzert von N. Baskov am 15. Oktober 2006 war der große M. Caballe anwesend und dirigierte die junge Sängerin – ihren Schüler. Vor dem hohen Ton bekreuzigte sich der Sänger. Er schlägt hohe Töne, hält sie aber nicht lange. Trifft nicht immer den Resonanzpunkt. Es gibt kein Silber in „betrunken“. Trotzdem begann er besser zu singen. Er hat die Arie perfekt gesungen.

Duett von Dmitry Hvorostovsky und Renee Fleming

Dmitry in der Rolle des Germont ist etwas sanfter als zuvor, aber immer noch zynisch und übermäßig grausam.

In der Rolle des Onegin ist er deprimiert, aber man hat kein wirkliches Mitleid mit ihm, denn offenbar ist er sehr mutig.

Renee ist bezaubernd als Tatiana.

Dmitry in der Rolle des Don Juan ist auf jeden Fall sehr überzeugend.

Zerlina (in der Oper) ist ein listiges Mädchen, das versucht, Don Juan zu „übertreffen“ und den Meister mit sich selbst zu verheiraten. Zerlina (Rene) ist ein einfältiges Mädchen.

„Es gibt nur eine Schule“, sagte Galina Vishnevskaya.

Es gibt nur eine Schule, aber es ist schwierig. Zwei Techniken für zwei Stimmen in einem: eine dicke Stimme und eine leichte, klingende Stimme. Zwei Stimmen in einer, also zwei Methoden.

Groß Varieté-Konzert war dem 30. Jahrestag von Nikolai Baskov gewidmet

Unsere prominenten Sänger, in schwierigen Zeiten junger Sänger Zeit, unterstützte ihn nicht und erkannte ihn aus irgendeinem Grund nicht als klassischen Sänger an. Lew Leschtschenko, ein allgemein anerkannter und beliebter Popsänger, der auf klassische Weise singen kann, verteidigte Nikolai mit den Worten: „Wenn es nur eine Stimme gäbe, aber man kann auf unterschiedliche Weise singen.“

Skandal am Bolschoi

Galina Vishnevskaya war bei der Neuaufführung von „Eugen Onegin“ anwesend. Die neue Regie der Oper, in der sie einst als Tatiana glänzte, gefiel ihr nicht. Es heißt, sie habe empört gesagt: „Ich komme nicht noch einmal in dein Bordell!“

Konzert der Sängerin Galina Vishnevskaya gewidmet

Gesang: Vladimir Chernov – Bariton, Larisa Dyatko. Der Sänger überraschte damit, dass er in der Szene „Marthas Wahrsagerei“ die Melodie veränderte, offenbar wegen des hohen Tons. Makvala Kasrashvili sang Tosca. Es wurden Szenen aus Opern unter Beteiligung von Galina Vishnevskaya gezeigt.

„Ich werde mit einem Sänger zusammenarbeiten, wenn er singen kann“, sagt G. Vishnevskaya.

Galina Vishnevskaya verließ die Bühne im Alter von 45 Jahren. „Das Glück des Singens ist dahin, das Buch ist geschlossen.“

Zur Oper kam der Sänger von der Operette. In einer Operette sollte die Stimme des Primas hell, kräftig und mit unterschiedlichen Klangfarben sein, denn der Operettenkünstler singt nicht nur, sondern tanzt und spricht laut.

„Es wird genauso gesungen, wie es auf einem Instrument gespielt wird: höher und höher oder tiefer und tiefer ...“, sagt G. Vishnevskaya.

Maxim Mironov – selbst lyrischer Tenor – stimmte seine Stimme auf den Belcanto-Stil ab (indem er sich sorgfältig die Aufnahmen von Belcanto-Sängern anhörte). Arbeitet im Ausland.

M. Callas und R. Scotto strebten stets nach einer Vielfalt an Klangfarben, um Schauspielerinnen des Opernhauses zu sein und die Bildsprache in der Gesangskunst zu bewahren. Der Gesangskunst zuliebe riskierten sie immer, nicht wiederzuerkennen.

Aufführung nach W. Mozarts Oper „Don Giovanni“

Dmitry Hvorostovsky singt beide Teile: Don Giovanni und Leporello. Die Stimme des Sängers wurde mit neuen Farben bereichert. Sogar „Aria with Champagne“ klang heller. Und im Duett mit Zerlina wurde die Stimme der Sängerin unkenntlich: sanft, sanft.

Bartoli ist eine Mezzosopranistin und Belcanto-Sängerin, die sich für barocke Werke interessiert.

Der Tenor Jose Carreras gibt Konzerte mit lyrischer Musik. Solche Musik überfordert den Sänger nicht und beruhigt die Zuhörer.

Anna Netrebko sang die Violetta zunächst lyrisch, dann sang sie sie im Westen als dramatische Sopranistin und war ihrer Meinung nach sehr müde. Dieser Teil ist nichts für Anfänger.

Über die dramatische Sopranistin Maria Guleghina, die im Westen und hier im Mariinsky-Theater singt, sagt man: groß und leicht.

„Sie machen ihren Abschluss am Konservatorium, können aber nicht auf Russisch singen“, sagt G. Vishnevskaya.

Sagen Sie einen Satz mit einem Ausdruck und sprechen Sie jemanden gezielt an: „ICH LIEBE dich!“ Singen Sie dann denselben Satz und wenden Sie sich erneut an dieselbe Person. Bei präziser Darbietung handelt es sich dabei um vokales Sprechen (siehe „Wörterbuch der Fehler in der Gesangspädagogik“).

Zara Dolukhanova: „Mir ist Talent wichtiger als stimmliche Perfektion.“

Es ist oft schwierig, stimmliche Exzellenz von Talent zu trennen, d. h. Wo kann er sein, wenn er kein Talent hat? Aschenputtels Cavatina – das schwierigste Gesangswerk – brillant aufzuführen, zeugt von Talent und stimmlicher Perfektion. Es ist eine andere Sache, dass ein Sänger diese stimmliche Perfektion intuitiv erreichen kann, aber das ist Talent!

„Mir musste kein Gesang beigebracht werden: Alles ging von selbst“, sagte Z. Dolukhanova zu A. Parin und ... kam zu einem unerwarteten Schluss: „Um die Selbstoffenbarung des Sängers zu maximieren, müssen wir versuchen, ihn davon zu überzeugen, dass alles so ist.“ ist einfach."

Nein, das ist alles andere als wahr! Die spontane Produktion einer klassischen Stimme wie der von Zara Dolukhanova ist immer noch ein seltener und glücklicher Anlass.

„Der russischen Schule des ausdrucksstarken Gesangs stand immer die westliche Schule des reinen Gesangs gegenüber“, schreibt Alexey Parin.

Es gab eine Zeit: Maestro Rebrikov unterrichtete die italienische Schule, alle Sänger in Moskau wussten davon. Und in den Theatern haben sie damals besser gesungen, und was für Amateursänger es gab, denn wir hatten mehr als einen solchen Maestro!

„Opera Club“, Radiosender „Echo of Moscow“.

Anna Netrebko, eine junge russische Sängerin, versuchte in Italien, Elvira in „Die Puritaner“ und Amina in „Somnambulist“ zu singen, aber ihr fehlte die Technik.

Irina Arkhipova

„Der schwierige Teil von Eboli in „Don Carlos“ von G. Verdi. Es war jedes Mal eine Freude, die höchsten Töne zu treffen, Passagen auszuführen und zu gewinnen, als würde man auf zehn schießen.“

Großartig! Bravo! Nur die Techniken der italienischen Schule rufen solche Sensationen hervor! Hier geht es nicht um Ausdruckskraft, sondern um physiologische Empfindungen, wie im Sport.

Schließlich gab E. Obraztsova zu, dass G. Vishnevskaya ihr zunächst bei den Gesangstechniken geholfen hatte. Es ist nicht bekannt, bei welchem ​​Anlass E.V. Sagen wir: „Wir müssen den Starken helfen.“ Der Satz passt genau zu diesem Anlass!

„Ich bin nie dem Beispiel des Regisseurs gefolgt! Niemals!" - E. Obraztsova.

„In Italien wird die Kontinuität der Ausführung (ohne Nähte) von Gesangssätzen (mehreren Phrasen) hoch geschätzt“ – R. Scotto.

In der Sendung „Die Zarenloge“ zeigten sie Aufnahmen von Anna Netrebko. Sie sieht gut aus. Singt viel. Lernt viele Spiele. Er wird müde und gibt sich große Mühe. Traurig sagt sie: „In Deutschland wird sie überall eingeladen, aber nicht nach Italien.“ Es fällt ihr schwer, Belcanto-Stücke zu singen, und das gefällt ihnen in Italien nicht. Bel Canto ist eine besondere Technik, Anna kennt sie nicht, sie wurde ihr (damals) nicht beigebracht.

In St. Petersburg findet ein Wettbewerb junger Sänger statt. Die Stimmen sind wunderschön, aber die Darbietung ist seltsam. So sang der Sänger in der berühmten Romanze von N. Rimsky-Korsakov „Gefangen von der Rose, der Nachtigall ...“ mit tiefer Stimme (zum ersten Mal in der Geschichte des russischen Gesangs) und mit der Vokalisierung war in einem sanften Koloratursopran. Tut mir leid, aber das ist doch keine Pop-Nummer, oder? Hatten Sie wirklich gehofft, jemanden damit zu überraschen, dass eine dicke Sopranistin mit leichter Stimme singen kann?

Konzert von Zaur Tutov

Ein wunderschöner lyrischer Bariton singt sanft und zärtlich schöne Romanzen, italienische Lieder, manchmal im Stil eines lyrischen Tenors. Vielleicht ist er heute einer der besten Interpreten von Liebesromanen und Liedern. Er absolvierte einmal die Gnessin-Akademie und glaubt, dass die Schule dort ausgezeichnet ist.

Aus der Geschichte von Sängern, die aus Europa kamen

Südkorea ist ein reiches Land. Viele Menschen interessieren sich für Oper. Europa ist voll von Koreanern, die klassischen Gesang studieren.

Im „Three Stars“-Konzert sang Anna Netrebko mit berühmten Tenören: dem Belcanto-Meister Placido Domingo und dem jungen und aufgeweckten Tenor Rollando Villazon.

Anna singt derzeit das lyrische Repertoire. Echter Erfolg für eine dramatische Sopranistin beginnt mit Belcanto-Arien oder Cantabile-Arien (G. Verdi).

Anna Netrebko und Rollando Villazon singen die Szene „Mimi mit Rudolph“. Anna singt zunächst mit tiefer Stimme, ändert aber plötzlich die Klangfarbe und singt dann mit klingender Stimme. Warum so eine Nachlässigkeit? Mimi, ein gesundheitlich angeschlagenes Mädchen, ihre Sängerinnen sangen immer mit lyrischer, klangvoller Stimme.

Die Sängerin Mirella Freni wurde in Russland als lyrische Sopranistin bezeichnet, aber... 2002 kam die Sängerin mit einem Konzert nach Moskau. Sie sang viele dramatische Arien hell und kraftvoll und bewies damit deutlich, dass sie sie hervorragend beherrscht mit starker Stimme- dramatischer Sopran! Mirella Freni engagiert sich aktiv in der Lehre.

Der junge lyrische Tenor Juan Diego Flores beherrscht die Belcanto-Technik hervorragend (singt die Partien des Grafen Almaviva und des Prinzen aus Aschenputtel).

Alexander Malinin trat mit dem Orchester im Großen Saal des Konservatoriums auf

A. Malinin ist ein aufgeweckter Popsänger, der es schon immer getan hat großer Erfolg aus der Öffentlichkeit. Viele wussten nicht, dass seine Stimme ein Tenor war, denn auf der Bühne können sowohl ein Tenor als auch ein Bariton gleich klingen. Und obwohl Alexander immer wieder betont hat, dass er ein Tenor ist, käme es niemandem in den Sinn, ihn mit N. Baskov zu vergleichen. Nikolai Baskov hat seinen eigenen individuellen Platz, seine eigene Geschichte, die sich noch nicht in vollem Umfang entfaltet hat.

A. Malinin hat sein eigenes Image, seinen eigenen Platz, seine eigene Liebe zum Publikum.

Alexey Parin spricht mit Renata Scotto, einer herausragenden Sängerin unserer Zeit.

In Russland erschienen die Aufnahmen von Renata Scotto vor den Aufnahmen von Sutherland, daher war Renatas Stimme eine Belcanto-Stimme, und ihre Helligkeit stimmte das obere Register der Sopranistin perfekt ab.

Aussagen von R. Scotto:

„Maria Callas wirkte jedes Mal anders. Der Ton hängt von der Beschaffenheit des Bildes ab.“

„Ich habe in Mailand bei denselben Lehrern (wie Callas) studiert.“

„Callas und Sutherland machten den romantischen Belcanto zu einem Bestandteil der modernen Opernwelt.“

„Die Lehrer des Belcanto haben (in Italien) überlebt und sich erhalten. Gesangstechnik für Belcanto und Mozarts Musik ist die Entwicklung der Stimme, ihre Beweglichkeit, das Singen in einer Reihe von tiefen zu hohen Tönen, die Fähigkeit, weite Atemzüge zu kontrollieren und sich leicht von hohen zu tiefen Tessitura zu bewegen. Die Stimme muss trainiert werden. Man kann nicht allein aufgrund seiner natürlichen Fähigkeiten singen.“

„Sänger haben vergessen, mit Stil zu singen.“

„Die Lehrer hielten heilig die Bündnisse der Vergangenheit.“

„Das Verist-Repertoire kann man nur singen, wenn man die Belcanto-Technik beherrscht.“

„Bei Moskauer Meisterkursen sahen wir manchmal eine völlige Desorganisation des Gesangs.“

„Aber was den Russen fehlt, ist ein Sinn für Stil, ein Verständnis für die Belcanto-Technik. Die Lehrer sind schuld... Die Schule wollte sich nicht umwandeln ...“

„Ich habe das Gefühl, dass der Eiserne Vorhang für alles verantwortlich ist.“

A. Parin: „Mir scheint, dass das Problem viel komplizierter ist. Unsere Gesangslehrer sind zu konservativ.“

A. Parin stellt fest, dass die klassische Romantik verschwindet.

Ein Teil unserer russischen Kultur verschwindet also?! Dem kann man nicht zustimmen. Die urbane Romanze ging, aber die brillante Lyubov Kazarnovskaya kam und die Romanze kehrte zurück. Ich glaube, dass die klassische Romantik zurückkehren wird! Solange das russische Volk lebt, wird es nicht zulassen, dass die Kultur unserer großen Vorfahren untergeht.

Im 19. Jahrhundert gab es in Russland eine europäische Kultur.

Maria Guleghina

Auf der Bühne ist Maria Guleghina ganz anders. Maria hat viel bei Professor E.N. Ivanov (Odessa) gelernt. Maria Guleghina galt im Ausland lange als „absolute Primadonna“. In Moskau hören wir es sehr selten. M. Guleghina sang fast alle Opern von Verdi. Singt in Opern von Puccini, Bellini, Giordano, Mascagni.

„Geduld und Arbeit“ ist Marias Motto.

Unsere drei Baritonen singen im Westen: Sergei Leiferkus, Dmitry Hvorostovsky und Vladimir Chernov.

Wladimir Tschernow sang am Mariinski-Theater, wurde aber nicht ins Bolschoi-Theater aufgenommen. „Ich kam zum Staatskonzert, erhielt eine weitere Absage, aber ein zufälliges Treffen – ich traf die Manager … Eine Opernkarriere ist Teil des Operngeschäfts und eine Laune des Zufalls.“

Dmitry Hvorostovsky träumte davon, Tenor zu werden: Ein Tenor hat mehr Ruhm. D. Hvorostovskys Vater singt viel. Der Sohn lernte das Singen, indem er seinem Vater zuhörte.

Nikolai Putilin – Bariton, Absolvent des Krasnojarsker Konservatoriums, Klasse von Professor Ioffel. Er sang in Kasan, Moskau und St. Petersburg am Mariinski-Theater. Der erste Lehrer ist Fomin.

Sängerin Elena Prokina sagt:

„Im Westen gibt es mehr Auswahl. In Russland ist dies leider nicht der Fall. Hier im Theater gibt es immer eine Hauptperson, und alle Politik ist nur ihm untergeordnet. Es gibt nichts zur Auswahl.“

Sie begann in Odessa in der Klasse von Blagovidova Gesang zu studieren. Eine wundervolle Schule, einfach, sehr nah am Italienischen. Alle Übungen kamen schnell beim Schüler an. Die Atmung wurde etabliert, die Reichweite entwickelt. Man musste einfach alles laut singen. Ich habe 5 Jahre lang studiert.

Auch Elena Prokina studierte in Leningrad: am Konservatorium, als Assistentin. Hineingeraten Mariinsky-Opernhaus. Mit Domingo gesungen.

Elena Zelenskaya – dramatische Sopranistin. Singt im Bolschoi-Theater. Er singt auch im Westen, in Opern von Verdi und Puccini.

Marina Meshcheryakova – Sopran. Das Debüt auf der Bühne des Bolschoi-Theaters fand 1991 statt. Sie sang die Antonida(!) in „Ein Leben für den Zaren“ und glaubte, dass diese Rolle sehr gut zu ihr passte(?). A. Parin: „Antonida ist nicht die einfachste Opernrolle, seien wir ehrlich.“

Bei unseren Sängerinnen und Sängern geschehen erstaunliche Veränderungen: Die Lehrer erklären ihnen nicht, was der Stil eines Stücks ist, und sie werfen alles zusammen.

M. Meshcheryakova „verband“ ihre Stimme zunächst mit Antonidas Instrumentalpart, doch nachdem sie sich mit der italienischen Vokalmusik vertraut gemacht hatte, machte sie plötzlich eine erstaunliche Aussage: „Ich habe nicht die richtige Stimme, um mich im russischen Repertoire organischer zu fühlen ...“ Vielleicht bin ich kein ganz russischer Sänger.“

Vielleicht litt sie in der Rolle der Antonida so sehr, dass sie zu dem Schluss kam, dass russischer klassischer Gesang eine Folter sei?

Mit dem Dirigenten Andrei Chistyakov bereitete die junge Sängerin Marfa und... Norma vor. Sie hat Norma bereits in Stockholm gesungen!

Die russische Sprache ist nicht so lautstark wie die italienische, daher ist es notwendig, „laut“ zu singen Schallwelle", d.h. Die Aussprache ist das zweite Problem, aber nicht das erste.

Sehr kompetente Komponisten arbeiteten im 19. Jahrhundert an der russischen Vokalkunst; sie schufen in hohes Level Westliche Kultur: Glinka, Dargomyzhsky, Tschaikowsky, Borodin, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov. Das ist eine großartige Gesangskultur!

Es gab einige Mängel: Antonida und Lyudmila – diese Teile waren im Instrumentalstil geschrieben. Aber es wurde viel wunderbare Musik geschrieben, wunderbare klassische Liebesromane. Es gibt Teile, die unverhältnismäßig komplex sind: Marfa („Die Zarenbraut“), Snegurochka, Die Schwanenprinzessin.

Auch im Westen gibt es viele komplexe Musik und nicht alles davon ist Belcanto.

Boris Pokrowski - berühmter Regisseur, der früher am Bolschoi arbeitete, sagt. „Ich werde nicht singen, mir ist langweilig“, sagte Galina Vishnevskaya über die Szene von „Tatyanas Briefe“. Er beschimpfte sie.

Pokrowski: „Wir wollten uns an Stalin anschmiegen und haben darüber eine Oper inszeniert ländliches Leben, zeigte es dem Anführer. Aber Stalin mochte sie nicht. Er fragte: „Wie lange ist es her, dass die Pik-Dame aufgeführt wurde?“ Und wir haben uns gewaschen ...“

Marina Domaschenko

Mezzosopranistin, begann ihre Karriere im Ausland. Sie studierte Musik in Kemerowo. Sie studierte am Jekaterinburger Konservatorium bei S.V. Zaliznyak. Ich habe an einem Wettbewerb in Prag teilgenommen und sechs Preise gewonnen!

„Opera Club“, Radiosender „Echo of Moscow“.

Barockmusik

Barockmusik ist die Musik der Zeit vor Belcant. Im Grunde handelt es sich um einen Instrumentalstil. Nicht alle Sänger schaffen es, diese Musik wunderschön zu singen, geschweige denn lieben sie.

Cecilia Bartoli liebt Barockmusik und hat Rollen in 10 Opern von Antonio Vivaldi gespielt. Hier ist die Sängerin der Orchestermusik untergeordnet, die ihr aber gefällt.

„Ist es möglich, die freie Fähigkeit des Sängers zu verstehen, in den Wolken zu fliegen?“ - A. Parin über C. Bartoli.

„Wir müssen lernen, an der Klangqualität zu arbeiten und Freude am Singen zu haben“ – C. Bartoli.

Natürlich bereitet Sängern das Singen große Freude, sonst würden sie es nicht tun, aber Hauptsache, es soll anderen Spaß machen, es zu hören. Bartoli, die über eine wunderbare Mezzosopranstimme verfügt, begibt sich oft in die Sphäre einer fremden Stimme – der Sopranistin, wo sie nicht an die Spitze gelangen kann.

In der Inszenierung von W. Mozarts Oper „Jeder tut das“ sang Bartoli die Sopranpartie. Und da der Bratschenpart von einem Sänger mit kräftiger Stimme gesungen wurde, war Bartoli in den Duetten nicht zu hören. Die wunderbare Oper hat ihren Klang verloren. Darüber hinaus ist dieser Teil in der Oper für einen stark dramatischen Sopran geschrieben, was Bartoli offensichtlich nicht berücksichtigt.

Bartoli verhält sich wie eine Primadonna, doch im 21. Jahrhundert funktioniert dieser Akt nicht.

Aus irgendeinem Grund vergleicht A. Parin die Stimme von O. Guryakova mit Koloratursopranistinnen: Nezhdanova, Zabella-Vrubel. O. Guryakova spielte die Rolle der Elvira (Ernani von G. Verdi) auf der Bühne des Moskauer Theaters brillant – eine sehr schwierige Rolle für eine dramatische Sopranistin, die eine hohe Belcanto-Gesangstechnik erfordert.

Joseph Kaley

Lyrischer Tenor singt in Deutschland, Repertoire: Bellini und Puccini. Schule von Mario del Monaco (dramatische Tenorschule?). Er spricht nicht mit heller Stimme, was für einen Tenor sehr schädlich ist.

Er singt „Fredericos Klage“ mit einem sehr schönen Timbre, trifft aber nicht immer ins Schwarze.

Die Stimme des Sängers ist unkonzentriert, ein Fehler der Schule von Del Monaco, letztere wurde auch wegen mangelnder Lyrik kritisiert. Ein lyrischer Tenor muss mit sanftem Anschlag singen und ständig auf den Klang seiner Stimme achten, und Mario del Monaco war ein dramatischer Tenor. Sie müssen den lyrischen Tenor von einer ähnlichen Stimme lernen, d.h. der lyrische Tenor!

E.V. Obraztsova kam am Samstagabend, um die Popsänger zu sehen, d.h. an Nikolai Baskow.

Sie sagte ihm: „Beim klassischen Gesang kommt es nicht so sehr auf die Technik an, sondern auf die Seele, damit es etwas zu sagen gibt.“

Nikolai hat eine Seele, aber um als dramatischer Tenor zu singen, braucht man TECHNIK.

„Opera Club“, Radiosender „Echo of Moscow“.

Maxim Mironov - Sänger, lyrischer Tenor. Gesungen in Helikon. Verlässt Russland in Richtung USA.

Singt die Rolle des Prinzen in Aschenputtel. Geboren in Tula, studierte Chemie und Biologie. Er studierte an der Gnessin-Schule. Ich habe viel Belcanto-Tenöre gehört und gemerkt, dass ich auch so singen kann. Ich besuchte die Privatschule von Vladimir Devyatov. Der Sänger ist sehr ernst und arbeitet viel. Reisen um die ganze Welt.

Bryn-Festival

Bryn Toffel – Bassbariton. Manchmal singt er Tenor-Arien, aber auch in einer Bariton-Tessitura, manchmal ändert er sogar die Melodie, um sie an seine Stimme anzupassen. Meiner Meinung nach ist das uninteressant und respektlos gegenüber der Arbeit des Komponisten. Dies ist in unserem erlaubt Volkslieder und urbane Romanzen, also im Light-Genre. Aber ist es möglich, die beliebten klassischen Arien aller zu verfälschen?

Mittlerweile singt er Arien für Bassbariton hervorragend!

Renee Fleming trat beim Konzert auf. Sie sang alle Arien für Sopran erstaunlich schön, aber in einem dicken Timbre, sogar Zerlina. Und überall war die großartige Renee Fleming!

Man sagt, dass Maria Guleghina nicht als russische Sängerin bezeichnet werden kann, weil... Ihre gesamte Arbeit findet im Ausland statt. Wer sagt das? Wessen Meinung ist das? Und die Tatsache, dass sie in Russland studiert hat, zählt auch nicht? Viele russische Sänger haben im Ausland gearbeitet und arbeiten noch. Der große Schaljapin viel im Ausland gearbeitet!

In Russland waren Gerüchte über Belcanto schon immer geheimnisvoll, als ob die Entstehung dieses Stils in der Antike stattgefunden hätte und nicht zur Zeit Puschkins.

Ich halte es für naiv zu glauben, dass die Menschheit so unwissend und primitiv sei, dass sie nicht versuchen würde, den Schlüssel zum Geheimnis der klassischen Singstimme (und des Belcanto) zu finden.

Jesy Norman ist eine schwarze Frau, die mit einer wunderschönen, starken, klassischen Stimme singt – einer dramatischen Sopranistin.

Jeder wunderbare Sänger hat seine eigene Geschichte.

Der Tenor Zurab Sotkilava spricht über ernsthafte Technik, die die Stimme entwickelt. Sotkilava glaubt, dass weder Domingo noch Pavarotti am Bolschoi singen konnten, denn hier muss man singen, nicht schreien. Aber Sotkilava liebt es zu meckern...

„Opera Club“, Radiosender „Echo of Moscow“.

Der beste Belcanto der Welt – Renata Scotto.

Renata Scotto studierte Mezzosopran. Sie deckt das gesamte Repertoire für dramatischen Sopran ab und ist in allen Stilrichtungen eine sehr brillante Sängerin.

Ausstrahlung zum Thema „Kultur“. Donizettis Oper „Regimentstochter“ in Tyrrol. Der Auftritt fand auf hohem Niveau statt. Doch nach der Aufführung meldete sich Zurab Sotkilava zu Wort und sagte, dass er vom Tenor Jose Flores nicht beeindruckt (!) sei. Er mag: Pavarotti, Correras, Domingo – echte Tenöre! Er verwechselt Flores „mit einem jungen Mann, dessen Mutation noch nicht vollständig vorbei ist“. Das kann man nur als ungerechtfertigte Arroganz bezeichnen!

José Flores ist ein lyrischer Belcanto-Tenor, der als einer der besten Tenöre der Welt gilt.

5. Mai 2007 Anna Netrebko wurde dieses Jahr zusammen mit dem Schachspieler und Politiker G. Kasparov als beliebte russische Persönlichkeit ausgezeichnet. In Kovengardan sang Anna die Gilda in Rigoletto, in München drei Violettas und in Salzburg die Donna Anna. Anna wird in Deutschland und Amerika empfangen.

Anna nennt sich selbst eine Zigeunerin (von ihrem Vater). Er singt oft im Duett mit Rollando Villazon.

Anna Netrebko lobt die russische Gesangsschule, aber manchmal ist sie aus irgendeinem Grund traurig ... Sie will Tatjana nicht singen.

Anna Samuil singt sorgfältig Violetta, Musetta und andere Arien im lyrischen Stil und wird offenbar eine stabile Sängerin sein.

„Opera Club“, Radiosender „Echo of Moscow“.

Der große Tenor Luciano Pavarotti. Es erklingen die Arien der Zeit vor Belcant. Hier findet die Stimme keine Gelegenheit, sich in ihrer ganzen Pracht zu entfalten. Als nächstes erklingen: Tonios Arie aus Donizettis „Tochter, das Regiment“, Richard Recardos Arie aus Verdis „Un ballo in maschera“, Manricos Arie aus „Il Trovatore“.

In Belcanto-Opern erleben Sie wahre Freude am Klang von Pavarottis schöner, farbenprächtiger Stimme. Vergleichen Sie und spüren Sie den Unterschied.

Im Ausland, insbesondere in Italien, besteht die starke Meinung, dass klassischer Gesang in Moskau nicht unterrichtet wird.

Fernsehsenderkultur. Vladimir Chernov spricht über sich.

Er studierte am Moskauer Konservatorium. Er war sehr gehorsam. Der Lehrer überzeugte ihn davon, dass er Tenor sei, aber die Zeit zeigte, dass er immer noch Bariton war. Singt im Ausland: Figaro, Shelkalova.

In der Natur gibt es drei Arten von Baritonen: lyrische, dramatische und lyrisch-dramatische. Die Stimme wird durch ihren „Schwerpunkt“ bestimmt. Bariton ist die zentrale Stimme.

Der lyrische Bariton singt oft die Tenorstimme im Chor, da er sich in der Klangfarbe kaum vom Tenor unterscheidet. Es ist auch sanfter und lyrischer und zuverlässiger.

Normalerweise gibt es viele dramatische Baritontöne (stark und hell), lyrisch-dramatische Baritontöne sind jedoch selten. Vielleicht werden sie aufgrund ihrer Jugend mit Tenören verwechselt und verlangsamen dadurch die Entwicklung ihres Wesens?

Tschernows Hauptlehrer ist seiner Meinung nach der große Schaljapin.

Meiner Meinung nach ist das nicht ganz richtig, denn... Diese Praxis kann die Stimme des Sängers „schwerer“ machen. Es ist besser, von sanften Baritonen zu lernen.

Was für ein Spinner! Aber er ist sehr nett und spricht leise und flüstert wie Chumak. So niedlich und kokett, wie ein lyrischer Tenor. Er erwähnte eine Art Kringel in seinem Mund, das verstand ich nicht. Und er sagte sofort: „Verstehst du nicht? Und du wirst es nie verstehen!“ Er lobte die Lehrer und weinte sogar.

Wir haben einmal die Oper „Eugen Onegin“ aus Paris ausgestrahlt, wo V. Chernov mit Olga Guryakova sang. Die Inszenierung der Oper war irgendwie seltsam. Olga war eine sehr überzeugende Tatiana und Chernov war ein ungewöhnlicher Onegin mit sanfter Stimme und buschigem Haar. Doch im letzten Akt litt er so sehr, dass er uns glauben machte, dass dies der echte Onegin sei!

Sogar in unserer Literatur wurde geschrieben, dass in Russland italienische Lehrer arbeiteten, die wussten, wie man Stimmen „von Grund auf neu setzt“.

„Wir haben verloren, wir haben verloren“, wiederholte V. Chernov traurig.

Jemand verliert und jemand findet!

In Italien werden die Geheimnisse des Belcanto sorgfältig gehütet und geschützt; es ist dort nicht erlaubt, darüber zu sprechen.

Anna Netrebko sagt, dass sie versucht, nicht sich selbst zu spielen, berücksichtigt aber nicht, dass die Hauptfarbe des Bildes die Klangfarbe ihrer Stimme ist. Wenn eine Sängerin alle Stimmen mit der gleichen Klangfarbe singt, wird niemand ahnen, dass sie nicht selbst spielt. Alle Heldinnen werden sich kaum voneinander unterscheiden.

Zara Dolukhanova ist gestorben (im Alter von 89 Jahren). Manchmal verstand sie ihre Stimme wirklich nicht. Sie erinnerten und zeigten, wie sie plötzlich das Gefühl hatte, dass sich ihre schöne Mezzosopranistin in eine Sopranistin verwandelt hatte. Sie schlägt vorsichtig einen hohen Ton mit einem Sopran-Timbre an, aber es ist nur A (der Sopran geht viel höher). Der Stimmtyp wird nicht durch die Klangfarbe bestimmt.

Zara Dolukhanova hatte eine einzigartige Stimme: eine wunderschöne Mezzosopranistin, natürliche Produktion, hoher Gaumen, starkes Vibrato (auf Wunsch der Sängerin), ein wunderschöner Triller. Man sagt, sie sei eine kindisch naive Person gewesen. Sie sang viel auf der Bühne, im Radio und war viel auf Tour. Später arbeitete sie als Lehrerin am Gnessin-Institut.

Zara Dolukhanova war eine aufrichtige Person. Ihre Stimme war magisch, als sie Rossinis Aschenputtel und Griegs Hütte sang. Es gibt noch Aufnahmen ihrer wundervollen Stimme.

Alexander Wedernikow

Alexander Vedernikov spricht über sein kreatives Leben. Zum ersten Mal öffnete die Sängerin und Lehrerin den Vorhang für das Leben sowjetischer klassischer Sänger. Er sprach über die Schwierigkeiten beim Erlernen von Gesang schwierige Beziehung mit Lehrern und dann mit Dirigenten in Theatern.

Die Sängerin hatte das Glück, ein Praktikum an der Scala zu bekommen. Unsere jungen Sänger gingen nach Italien, als Gegenleistung dafür, dass sie von unseren Lehrern italienischen Tänzern Ballettunterricht gegeben wurden, d. h. Es war ein kultureller Austausch.

Vedernikov erkannte, dass man nicht mit der Kehle, sondern mit „Luft“ singen muss.

Es wurden Aufnahmen seiner Aufnahme gespielt: Susanin, Boris, Farlaf – alles ist hervorragend, alles ist unkenntlich auf hohem Niveau. Der Sänger sang Varlaam immer in einer folkloristischen Art und Weise, was durchaus berechtigt ist, aber andere Aufnahmen klangen entweder nicht oder nur sehr selten, und es herrschte die falsche Meinung darüber, dass die Stimme des Sängers nicht ganz klassisch sei.

Das Make-up von Boris hat mir sehr gut gefallen – es war ein verblüffend präzises Gesicht des russischen Zaren.

Vedernikov verließ sogar das Bolschoi-Theater, weil... Ich konnte dem Dirigenten nicht zustimmen. Keiner unserer Sänger war so offen und ehrlich.

Evgeniy Nesterenko singt Arien mit „Luft“ und russische Lieder mit klarer Diktion.

Jetzt gibt es so ein Hobby: Kindern klassischen Gesang beizubringen. Einem 14-jährigen Jungen kann man beibringen, mit männlicher Stimme zu singen, aber... Das Erlernen klassischen Gesangs erfordert große Unabhängigkeit und Reife. Der Sänger kann sich selbst nicht hören! Und solch eine „gehörlose“ Person kann sehr leicht beleidigt sein. In diesem Alter ist er noch nicht in der Lage herauszufinden, wer Recht und wer Unrecht hat. Und es ist sogar gefährlich!

Wir mögen junge Talente oft nicht, sie halten sie für Emporkömmlinge und beneiden sie. Beispiel: N. Baskov. Nicht jeder kann einem solchen Druck standhalten.

Erfolge in jungen Jahren inspirieren und kleine Misserfolge – selbst Lügen und Unaufmerksamkeit von Erwachsenen – entlarven und verletzen eine noch zerbrechliche Seele schmerzhaft.

Nikolai sang endlich mit voller Kraft seiner Stimme, ohne Angst vor hohen Tönen! Lensky beeindruckt ihn.

Nikolai Baskov wurde für seinen Popgesang stark kritisiert. Es ist, als ob sie sich nicht an die Auftritte des gutaussehenden Karel Gott erinnern würden, eines tschechischen Popsängers – eines Tenors mit einer völlig klassischen Stimme. Er sang wunderschöne Popsongs, spielte italienische Lieder brillant auf klassische Weise und vieles mehr. Einmal spielte er bei einem Konzert das russische Volkslied „Along Po Piterskaya“ im Bass! Und er lachte die ganze Zeit: „Das ist ja mein Charakter!“

Januar 2008 Anna Netrebko und Rollando Villazon singen.

Rollando Villazon ist ein brillanter Tenor und singt alles auf hohem Niveau.

Julias Walzer wird von der Sängerin zunächst so gesungen, als wäre es Annas Walzer – mit dickem Timbre; bald wechselt die Sängerin zu einem lyrischen Sopran und singt diese anmutige Arie mit Leichtigkeit.

Die Szene aus „Iolanta“ überrascht mit ihren Fehlern sehr. Anscheinend hat Anna das Bild des blinden Mädchens nicht verstanden: Zuerst spielt sie ihre Unschuld und Naivität, doch im ersten Duett ändert sie plötzlich abrupt den Charakter des Mädchens in ihren gewohnten: ihren eigenen: den starken und entschlossenen Charakter von Anna Netrebko .

Das Bild von Mimi in einem dicken Timbre ist im Vergleich zu dem sanften lyrischen Timbre, das in der Welt der Kunst akzeptiert wird und ein verträumtes, sanftes Mädchen mit schlechtem Gesundheitszustand darstellt, weit unterlegen.

Am 8. Januar 2008 traten V. Vinokur und sein Ensemble im Fernsehen mit einer satirischen Nummer darüber auf, wie „die klassische Sängerin und die Ballerina auf die Bühne geworfen wurden“.

Jubiläum (70 Jahre) von Evgeniy Nesterenko.

Mit seinem breiten, satten Bass sang er immer wunderbar, vor allem italienische Arien. Doch nachdem er Lehrer geworden war, schrieb er eine Dissertation zum Thema Diktion. Und jetzt singt er russische Lieder und betont dabei jedes Wort. Ich erinnere mich, dass jemand solchen Gesang genau als „die Bewegung der Kommandantenstatue“ definiert hat.

Anna Netrebko kommt oft ins Mariinsky-Theater, um in Opern zu singen: „Don Giovanni“, in „La Traviata“. Anna singt sehr fleißig den instrumental komplexen Teil von Donna-Anna und bereitet das „Russische Album von Anna Netrebko“ mit klassischen Romanzen vor.

Jahrestag von A. Vedernikov.

A. Vedernikov spricht über eine Neuproduktion der Oper „Boris Godunov“. Er mag diese Produktion wirklich nicht. A. Vedernikov ist der Meinung, dass „modische“ Regisseure nicht im Haupttheater arbeiten sollten. Die ganze Produktion strebt auf Zerstörung hin. Auch die Inszenierung der Oper „Eugen Onegin“ gefällt mir nicht. Der Regisseur zieht die Decke über sich. Im Theater gibt es einen Streit um die Erstbesetzung.

Der Sänger spricht über sich. Er trat viel in Konzerten auf, bereitete selbstständig die Rolle des Boris und andere Rollen vor und suchte nach Auftritten. Er sang viel geistliche Musik, auch wenn dies strafbar war.

In der Neuinszenierung der Oper „Othello“ im Mariinski-Theater erwürgt der Mohr Othello Desdemona nicht im Liegen, sondern im Stehen mit einer Gangstertechnik.

Nikolay Baskov sang mit großer Erfolg in einem der Theater Europas die Rolle des Canio aus der Oper „Pagliacci“. Mit 32 Jahren haben Tenöre noch nie eine so komplexe dramatische Rolle gesungen!

Konzert von Rollando Villazon

„Ich bin das ganze Instrument, nicht nur meine Stimme“, sagt die Sängerin. Als er Werthers Arie aufführt, leidet er so sehr, dass sein Gesicht schön und sehr sinnlich wird. Er singt und gibt sich mit großer Freude ganz der Musik hin. Diese Freude überträgt er auf die Öffentlichkeit. Nachdem er die Arie vorgetragen hat, rennt er in die Umkleidekabine und... springt, springt. „So entspanne ich mich, löse Verspannungen“, sagt die Sängerin und jubelt wie ein Kind.

Villazon – du bist ein Wunder!

„Opera Club“, Radiosender „Echo of Moscow“.

Salzburg. Festival. Anna Netrebko singt Donna Anna in Don Giovanni und Suzanne in Figaros Hochzeit. „Suzannes Serenade“ genießt hier hohes Ansehen, und Anna singt es sanft, nicht schwer und sehr schön. Das bedeutet, dass Anna in verschiedenen Klangfarben singen kann.

Ein brillanter, leichter und anmutiger Gesangsstil, der für die italienische Gesangskunst von der Mitte des 17. bis zur ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts charakteristisch ist. Im weiteren modernen Sinne ist es die Melodie der Gesangsdarbietung. Belcanto erfordert vom Sänger eine perfekte Gesangstechnik: einwandfreie Kantilene, Ausdünnung, virtuose Koloratur, emotionaler Reichtum, schöner Gesangston. Die Entstehung des Bel Canto ist mit der Entwicklung des homophonen Stils der Vokalmusik und der Entstehung der italienischen Oper (frühes 17. Jahrhundert) verbunden.

In Zukunft wird die künstlerische und ästhetische Basis des Italienischen beibehalten. B. weiterentwickelt, mit neuen künstlerischen Techniken und Farben bereichert. Früh, sog Der pathetische Belcanto-Stil (Opern von C. Monteverdi, F. Cavalli, A. Cesti, A. Scarlatti) basiert auf einer ausdrucksstarken Kantilene, einem erhöhten poetischen Text und kleinen Koloraturverzierungen, die zur Verstärkung der dramatischen Wirkung eingeführt wurden. Die Gesangsdarbietung zeichnete sich durch Sensibilität und Pathos aus. Zu den herausragenden Sänger-Meistern des Bel Canto in der 2. Hälfte des 17. Jahrhunderts zählen P. Tosi, A. Stradella, F. A. Pistocchi, B. Ferri und andere (die meisten von ihnen waren sowohl Komponisten als auch Gesangslehrer).

Bis zum Ende des 17. Jahrhunderts. Bereits in Scarlattis Opern beginnen Arien auf einer breiten Kantilene mit Bravourcharakter und der Verwendung erweiterter Koloraturen aufzubauen. Der sogenannte Bravour-Belcanto-Stil (im 18. Jahrhundert üblich und bis zum ersten Viertel des 19. Jahrhunderts gültig) ist ein brillanter Virtuosenstil, bei dem die Koloratur vorherrscht. Die Gesangskunst war in dieser Zeit vor allem der Aufgabe untergeordnet, die hochentwickelten stimmlichen und technischen Fähigkeiten des Sängers zu erkennen – die Atemdauer, die Fähigkeit zum Ausdünnen, die Fähigkeit, die schwierigsten Passagen, Kadenzen, Triller (dort) zu spielen waren 8 Typen); Sänger konkurrierten in der Stärke und Dauer des Klangs mit der Trompete und anderen Instrumenten des Orchesters.

Im „pathetischen Stil“ des Bel Canto musste der Sänger den 2. Teil der Arie da capo variieren, wobei die Anzahl und das Können der Variationen als Indikator für sein Können dienten; Die Dekorationen der Arien sollten bei jeder Aufführung geändert werden.

Im „Bravura-Stil“ des Bel Canto wurde dieses Merkmal dominant. So erforderte die Kunst des Bel Canto vom Sänger neben der perfekten Beherrschung der Stimme eine umfassende musikalische und künstlerische Entwicklung sowie die Fähigkeit, die Melodie des Komponisten zu variieren und zu improvisieren (dies blieb bis zum Erscheinen der Opern von G. Rossini bestehen). der selbst begann, alle Kadenzen und Koloraturen zu komponieren).

Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts entwickelte sich die italienische Oper zu einer Oper der „Stars“, die ausschließlich der Anforderung unterworfen war, die stimmlichen Fähigkeiten der Sänger unter Beweis zu stellen.

Herausragende Vertreter des Bel Canto waren: die Kastratensänger A. M. Bernacchi, G. Crescentini, A. Uberti (Porporino), Caffarelli, Senesino, Farinelli, L. Marchesi, G. Guadagni, G. Paciarotti, G. Velluti; Sänger - F. Bordoni, R. Mingotti, C. Gabrielli, A. Catalani, C. Coltelini; Sänger - D. Gizzi, A. Nozari, J. David und andere. Die Anforderungen des B.-Stils bestimmten ein bestimmtes System der Sängerausbildung.

Wie im 17. Jahrhundert waren auch Komponisten des 18. Jahrhunderts Gesangslehrer (A. Scarlatti, L. Vinci, G. Pergolesi, N. Porpora, L. Leo usw.). Der Unterricht fand 6 bis 9 Jahre lang in Konservatorien (die Bildungseinrichtungen und gleichzeitig Wohnheime waren, in denen Lehrer mit Schülern lebten) statt, mit täglichem Unterricht von morgens bis spät abends. Wenn ein Kind eine herausragende Stimme hatte, wurde es einer Kastration unterzogen, in der Hoffnung, die vorherigen Qualitäten seiner Stimme nach der Mutation zu bewahren; Mit etwas Glück verfügten die daraus resultierenden Sänger über phänomenale Stimmen und Techniken (siehe Castrati Singers).

Die bedeutendste Gesangsschule war die Bologna-Schule von F. Pistocchi (eröffnet 1700). Von den anderen Schulen sind die bekanntesten: römische, florentinische, venezianische, mailändische und insbesondere neapolitanische, in denen A. Scarlatti, N. Porpora und L. Leo arbeiteten.

Eine neue Periode in der Entwicklung von Bel Canto beginnt, wenn die Oper ihre verlorene Integrität wiedererlangt und dank der Arbeit von G. Rossini, S. Mercadante, V. Bellini und G. Donizetti eine neue Entwicklung erhält. Obwohl Gesangspartien in Opern immer noch mit Koloraturausschmückungen überladen sind, wird von Sängern bereits verlangt, dass sie die Gefühle lebender Charaktere realistisch wiedergeben; Eine Erhöhung der Tessitura der Stimmen und eine stärkere Sättigung der Orchesterbegleitung stellen erhöhte dynamische Anforderungen an die Stimme. Bel Canto wird um eine Palette neuer Klangfarben und dynamischer Farben bereichert. Herausragende Sänger dieser Zeit sind G. Pasta, A. Catalani, die Schwestern (Giuditta, Giulia) Grisi, E. Tadolini, G. Rubini, G. Mario, L. Lablache, F. und D. Ronconi.

Das Ende der Ära des klassischen Bel Canto ist mit dem Erscheinen der Opern von G. Verdi verbunden. Die für den Belcanto-Stil charakteristische Dominanz der Koloratur verschwindet. Dekorationen in den Gesangspartien von Verdis Opern bleiben nur für die Sopranistin erhalten, und in den letzten Opern des Komponisten (wie später bei den Veristen – siehe Verismo) sind sie überhaupt nicht zu finden. Die Kantilene, die weiterhin den Hauptplatz einnimmt, entwickelt sich, wird stark dramatisiert und mit subtileren psychologischen Nuancen bereichert. Die gesamte dynamische Palette der Gesangsstimmen verändert sich in Richtung zunehmender Klangfülle; Der Sänger muss über einen Tonumfang von zwei Oktaven mit weicher Stimme und kräftigen Obertönen verfügen. Der Begriff „Bel Canto“ verliert seine ursprüngliche Bedeutung; er bezeichnet die vollkommene Beherrschung der Stimmmittel und vor allem der Kantilene.

Herausragende Vertreter des Bel Canto dieser Zeit sind I. Colbran, L. Giraldoni, B. Marchisio, A. Cotogni, S. Gaillarre, V. Morel, A. Patti, F. Tamagno, M. Battistini, später E. Caruso, L. Bori, A. Bonci, G. Martinelli, T. Schipa, B. Gigli, E. Pinza, G. Lauri-Volpi, E. Stignani, T. Dal Monte, A. Pertile. Unter moderne Meister B. - G. Di Stefano, M. Del Monaco, R. Tebaldi, D. Semionato, F. Barbieri, E. Bastianini, D. Guelfi, P. Siepi, N. Rossi-Lemeni, R. Scotto, M. Freni , F. Cossotto, G. Tucci, F. Corelli, D. Raimondi, S. Bruscantini, P. Capucilli, T. Gobbi.

Der Belcanto-Stil beeinflusste die meisten europäischen nationalen Gesangsschulen, darunter auch ins Russische. Viele Vertreter der Belcanto-Kunst tourten und lehrten in Russland. Die russische Gesangsschule, die sich auf originelle Weise entwickelte und die Zeit der formalen Begeisterung für den Gesangsklang umging, nutzte die technischen Prinzipien des italienischen Gesangs. Obwohl sie zutiefst nationale Künstler blieben, beherrschten die herausragenden russischen Künstler F. I. Schaljapin, A. V. Nezhdanova, L. V. Sobinov und andere fließend die Kunst des Bel Canto.

Der moderne italienische Belcanto ist nach wie vor der Maßstab für die klassische Schönheit von Gesangstönen, Kantilenen und anderen Arten von Klangstudien. Darauf basiert die Kunst der besten Sänger der Welt (D. Sutherland, M. Callas, B. Nilsson, B. Hristov, N. Gyaurov usw.).

Literatur: Mazurin K., Methodologie des Gesangs, Bd. 1-2, M., 1902-1903; Bagadurov V., Essays zur Geschichte der Gesangsmethodik, Bd. I, M., 1929, Ausgabe. II-III, M., 1932-1956; Nazarenko I., The Art of Singing, M., 1968; Lauri-Volpi J., Gesangsparallelen, trans. aus Italienisch, L., 1972; Laurens J., Belcanto et mission italien, P., 1950; Duey Ph. A., Belcanto in seinem goldenen Zeitalter, N.U., 1951; Maragliano Mori R., I maestri dei belcanto, Rom, 1953; Valdornini U., Belcanto, P., 1956; Merlin A., Le belcanto, P., 1961.