Art-Deco-Gemälde von Künstlern. Art-Deco-Design. Möbel sollten aus Holz oder Metall sein und abgeschrägte Kanten haben

Art Deco ist eine Bewegung eklektischer Kunst, die in den frühen 20er Jahren des 20. Jahrhunderts in Frankreich entstand. Dominiert in Modedesign, Architektur, Angewandte Kunst, Innenraum. In den 30er und 40er Jahren erfreute sich Art Déco weltweiter Beliebtheit.

Geschichte

Die Richtung entstand zu Beginn des 20. Jahrhunderts – im Zeitraum 1907 – 1915. Zu dieser Zeit wurden die ersten Werke aufgenommen, die sich durch die charakteristischen Merkmale des Stils auszeichneten. Einige Forscher stellen fest, dass die Werke dieser Zeit die ersten Versuche von Künstlern sind, Leinwände in einem eklektischen Stil zu schaffen.

Der Begriff tauchte nach der Internationalen Ausstellung in Paris im Jahr 1925 auf. Die Ausstellung zeigte Luxusgüter. Der Zweck der Ausstellung ist das Zeigen Spitzenplatz Paris in der Welt der Mode und des Stils.

Bis 1928 war die Richtung nur Eigentum Europas; in den frühen 30er Jahren erschien die amerikanische Version des Art Deco, die ihre eigenen Merkmale hatte. Geschichte gotischer Stil

in der Malerei

Merkmal

Art Deco ist eine Kunst, die moderne Technologie widerspiegelt und sich durch glatte Linien, die Schaffung von Bildern aus geometrischen Formen und die Verwendung heller, auffälliger Farben im Innenraum und in der bildenden Kunst auszeichnet. Die Bewegung entstand als Reaktion auf die im Ersten Weltkrieg eingeführten Sparmaßnahmen. Die Werke waren voller Luxus, Helligkeit, Exzesse; im Innenraum wurden teure Materialien und andere Arten von Kreativität verwendet (Silber, Kristall, Elfenbein, Jade). Nach der Weltwirtschaftskrise entwickelte sich die Richtung weiter, konzentrierte sich jedoch zunehmend auf die Herstellung kostengünstigerer Produkte mit Schwerpunkt auf Massenproduktion. Verwendet wurden Chrom, Kunststoff, Metall und andere Industriematerialien für die Mittelschicht. Art Deco wird seit jeher mit Glamour und Helligkeit in Verbindung gebracht, zeichnet sich aber auch durch Funktionalität und Zweckmäßigkeit aus.

Seit den späten 40er Jahren wurde Art Deco als zu farbenfroh und prätentiös für Kriegszeiten und Sparmaßnahmen empfunden und geriet daher allmählich aus der Mode. In den 1960er Jahren kam es zu einem starken Interesse am Art Déco – es fällt mit der Pop-Art-Bewegung zusammen. Eine weitere Entwicklungsstufe waren die 80er Jahre, als das Interesse an Grafikdesign zunahm. Der Trend ist in Design und Kleidung in Mode gekommen.

Gekennzeichnet durch ein starkes Interesse an der Ästhetik der 20er Jahre des 20. Jahrhunderts, ausschließlich im Zusammenhang mit der Mode und den Trends dieser Zeit wahrgenommen. Die Besonderheit des Stils besteht darin, dass die Vertreter nicht in einer einzigen Gemeinschaft, Gruppe oder Malschule vereint waren. Art Deco war eine vielseitige Bewegung, die eine Vielzahl kultureller Einflüsse vermischte.

Ideen

Die Künstler übernahmen die zentralen Ideen und Arbeitsprinzipien der Modernisten und Neoklassizisten.

• Neoklassische Schönheitsideale mit ihrer charakteristischen Strenge waren den Werken der Meister der neuen Bewegung inhärent.
• Die Verwendung heller, intensiver Farbtöne geht den Forschern zufolge auf die Arbeit der Pariser Fauves zurück.
• Einige Ideen sind der Kunst der Azteken und der ägyptischen Kultur sowie der klassischen Antike entlehnt.
• Im Gegensatz zur Jugendstilmalerei hatte Art Deco keine philosophische Grundlage – es war eine rein dekorative Bewegung.
• Ethnische Ornamentkompositionen in Gemälden von Künstlern, im Innenraum;
• „Russische Jahreszeiten“ oder S. Diaghilews Russisches Ballett.

Surrealismus als Stil in der Malerei

Die Stilentwicklung unter schwierigen wirtschaftlichen und politischen Bedingungen während der aktiven Entwicklung von Wissenschaft und Technologie spiegelte sich in den Themen der Gemälde wider. Die Werke der Künstler dienen dekorative Zwecke, angenehm für das Auge, erhebend. Die Maler versuchen nicht, durch ihre Gemälde psychologischen Einfluss auszuüben oder ihre philosophischen Ansichten zu vermitteln. Das Ziel des Art Deco ist es, die besten Stilmerkmale zu kombinieren und so etwas Neues und Schönes zu schaffen.

Hauptmerkmale des Stils

Minimalismus als Stil in der Malerei

Durch die Verwendung neuer Materialien, die in Kombination verwendet wurden, wurde Art Deco eingeführt wissenschaftlicher Fortschritt, Wachstum der Technologie. Das luxuriöse Erscheinungsbild von Gemälden im Art-Deco-Stil passt perfekt in die Inneneinrichtung einer luxuriösen Wohnung, eines Kreuzfahrtschiffes oder eines modernen Kinos. Der Stil hat dank seiner Praktikabilität, Einfachheit, Helligkeit und Individualität mehrere Krisen überstanden.

Künstler

Der Begriff Art Deco wird selten auf Malerei oder Bildhauerei angewendet und dominiert in Architektur und Design, doch in der Zwischenkriegszeit präsentierten eine Reihe von Künstlern ihre Werke, die nach allen Standards des Stils ausgeführt wurden: Tamara Gorska oder Tamara de Lempicka, Malerei „Der Musiker“ (1929), „Selbstporträt“ im grünen Bugatti“ (1925), der französische Künstler und Plakatkünstler Adolphe Jean-Marie Muron, bekannt als Cassandre, war einer der besten Grafiker und gewann den Grand Prix beim Plakatwettbewerb in Paris.

Art Deco(vom französischen „Art Deco“) – Stilrichtung der Kunst in Amerika und anderen Ländern Westeuropa 20. Jahrhundert. Art Deco gekennzeichnet durch eine Kombination aus monumentaler, gewichtiger Form; eine Kombination einiger Elemente der Stile Kubismus, Modernismus und Expressionismus; Verwendung ausdrucksstarker Formen des „technischen Designs“. Der Name geht auf die Internationale Ausstellung für dekorative Kunst und Industrie in Paris zurück. Sie war es, die den Anstoß für die Entwicklung und Verbreitung dieses Stils gab.

Art Deco wurde zum geheimnisvollsten Stil des 20. Jahrhunderts und faszinierte jeden mit seiner Helligkeit und Exotik.

Dieser Stil eroberte die ganze Welt und ist bis heute eine Inspirationsquelle für Designer. Das ist wahrscheinlich der Grund, warum Armani es getan hat beste Traditionen Art Deco seine neueste Casa-Kollektion.

Heute ist der Begriff „ Art Deco„ ist ein international anerkanntes Synonym für Effizienz, obwohl es zunächst zur Definition einer dekorativen Kunst verwendet wurde. Marie Laurencin ist eine der meisten prominente Vertreter dieser Stil, der auf diese Weise arbeitete. Dieser Begriff bezeichnet einen Stil, der Symmetrie, Klassizismus und Geradlinigkeit vereint. Dies ist ein Produkt verschiedener Quellen, einerseits des Kubismus und des Jugendstils, andererseits - antike Kunst Osten, Afrika, Ägypten und die amerikanischen Kontinente.

Art Deco Als künstlerische Bewegung entstand sie zwischen 1906 und 1912 und erlebte im Jahrzehnt zwischen 1925 und 1935 ihre Blütezeit. Art Deco begann als anmutige Innovation und entwickelte sich dann zu einem auffallend kompromisslosen und einfachen Lebensstil. Vertreter vieler Strömungen der modernen dekorativen und bildenden Kunst versuchten, die Geschwindigkeit und den Druck auszudrücken, durch den sich Züge, Autos und Flugzeuge veränderten existierende Welt. Wir haben versucht, Formen und Farben zu finden, die einfacher sind als die bisher verwendeten.

Um in Hollywood an Popularität zu gewinnen, Stil Art Deco es dauerte nur ein paar Jahre. Hier erhielt er den Namen „Star-Stil“ und verwandelte sich aus einem gewöhnlichen französischen Phänomen in ein weltweit anerkanntes Symbol für Spektakel. Der Begriff „ Art Deco„bezeichnet einen Stil, der Symmetrie, Klassizismus und Geradlinigkeit vereint und bequemer zu definieren ist dekorative Kreativität während zweier Weltkriege.

Art Deco – der Stil der Stars

Art-Deco-Künstler

Mein erstes Geständnis Art Deco in Europa aufgenommen, aber sein Einfluss breitete sich schnell auf die Vereinigten Staaten aus. Dort trug seine Leidenschaft für die Hollywood-Filmindustrie zu seiner enormen Popularität bei. Greta Garbo aus dem MGM-Film wirkte in Matas Kostüm wie eine Art-Déco-Figur aus Bronze, und die Bühnenbilder und Kostüme für den Film Cleopatra von Paramount riefen eine direkte Assoziation mit der Verzierung des neuen New Yorker Wolkenkratzers hervor.

Kommunale Gebäude, Schulen, Geschäfte, Paläste und Weltausstellungspavillons wurden in einem Stil errichtet, der gleichzeitig stromlinienförmig, neoklassizistisch, verspielt, anmutig und monumental war.

Im ganzen Land wurden Kinos mit luxuriösen Fassaden, exquisitem Interieur und leuchtenden Neonreklamen im Art-Deco-Stil geschmückt. Gleichzeitig wurde das einzigartige und zugängliche Erscheinungsbild der Stadt geprägt durch: das Empire State Building, die neoklassizistischen Skulpturen des Rockefeller Centers und die gewölbte Turmspitze des Chrysler Buildings.

Vor 10 Monaten Enottt Kommentare zum Eintrag Fine Art Art Deco. Regionale Besonderheiten(Frankreich, USA) deaktiviert

Aufrufe: 2.776

Art Deco ( dekorative Künste(Hör mal zu)) ist eine einflussreiche Bewegung in der bildenden und dekorativen Kunst der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die erstmals in den 1920er Jahren in Frankreich auftrat und dann in den 1930er und 1940er Jahren international populär wurde und sich hauptsächlich in Architektur, Mode und Malerei manifestierte . Dies ist ein eklektischer Stil, eine Synthese aus Moderne und Neoklassizismus. Auch der Art-Déco-Stil wurde maßgeblich davon beeinflusst künstlerische Richtungen wie Kubismus, Konstruktivismus und Futurismus.

Besondere Merkmale sind strenge Regelmäßigkeit, kräftige geometrische Formen, ethnische geometrische Muster, Design in Halbtönen, das Fehlen heller Farben im Design, während farbenfrohe Muster, luxuriöse, schicke, teure, moderne Materialien (Elfenbein, Krokodilleder, Aluminium, seltenes Holz, Silber) vorhanden sind ).

• Formen: schlicht und dennoch klar und grafisch. Die Silhouetten haben eher gestufte Formen, die Hauptsache bleibt Anmut und etwas Verspieltheit.
• Linien: energisch, klar, geometrisch.
• Elemente: viele Ornamente in Form von Locken, Spiralen, Wellen, Zickzacklinien.
• Farben: kontrastierend. Eine Mischung aus Sanftheit und Pastelltönen mit Schrillheit und Saftigkeit.
• Materialien: teuer, exotisch, reichhaltig. Holz, Leder, Bronze, Marmor, Keramik, Glas.
• Fenster: rechteckig, mit großer Glasfläche. Seltener gewölbt oder mit Buntglas.
• Türen: umgeben von Pilastern, Giebeln.

In den USA, den Niederlanden, Frankreich und einigen anderen Ländern entwickelte sich Art Deco allmählich in Richtung Funktionalismus.

Geschichte

Die internationale Ausstellung, die 1925 in Paris stattfand und offiziell „Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes“ hieß, brachte den Begriff „Art Deco“ hervor. Diese Ausstellung zeigte der Welt in Frankreich hergestellte Luxusgüter und bewies, dass Paris auch nach dem Ersten Weltkrieg ein internationales Modezentrum blieb.

Internationale Ausstellung für zeitgenössische dekorative und industrielle Kunst

Das Ereignis, das den Höhepunkt des Stils markierte und ihm seinen Namen gab, war die Internationale Ausstellung für zeitgenössische Dekoration und Kunst Industrielle Kunst, die von April bis Oktober 1925 in Paris stattfand. Es wurde offiziell von der französischen Regierung organisiert und erstreckte sich über eine Fläche von 55 Hektar in Paris, die vom Grand Palais am rechten Ufer bis zum Invalidendom am linken Ufer und entlang des Seine-Ufers reichte. Das Grand Palais, der größte Saal der Stadt, war gefüllt mit Exponaten dekorativer Kunst aus den teilnehmenden Ländern. Von zwanzig waren 15.000 Aussteller vertreten verschiedene Länder, darunter England, Italien, Spanien, Polen, Tschechoslowakei, Belgien, Japan und neue die Sowjetunion; Deutschland wurde aufgrund der Spannungen nach dem Krieg nicht eingeladen, und die Vereinigten Staaten, die den Zweck der Ausstellung nicht verstanden, lehnten eine Teilnahme ab. Sechzehn Millionen Menschen besuchten die Ausstellung in sieben Monaten. Die Regeln der Ausstellung verlangten, dass alle Arbeiten zeitgenössisch sein sollten; historische Stile waren nicht erlaubt. Der Hauptzweck der Ausstellung bestand darin, französische Hersteller von Luxusmöbeln, Porzellan, Glas, Metallprodukten, Textilien und anderen Dekorationsprodukten zu fördern. Um die Produkte weiter zu bewerben, hatten alle großen Pariser Kaufhäuser und großen Designer ihre eigenen Pavillons. Die Ausstellung hatte den sekundären Zweck, Produkte aus den französischen Kolonien in Afrika und Asien zu bewerben, darunter Elfenbein und exotische Hölzer.

Das Hôtel du Riche Collectionneur war eine beliebte Attraktion der Ausstellung; Es präsentierte neue Designprojekte von Emile-Jacques Ruhlmann sowie Art-Déco-Stoffe, Teppiche und Gemälde von Jean Dupas. Das Innendesign basierte auf den gleichen Prinzipien der Symmetrie und geometrischen Formen, die es vom Jugendstil unterschieden, und leuchtenden Farben sowie exquisiter Handwerkskunst seltener und teurer Materialien, die es vom Strengen unterschieden Funktionalität modernistischer Stil. Während am meisten Die Pavillons waren reich verziert und mit luxuriösen Möbeln ausgestattet selbst gemacht Die beiden Pavillons „Sowjetunion“ und „Pavillon du Nouveau Esprit“, die von einer gleichnamigen Zeitschrift unter der Leitung von Le Corbusier erbaut wurden, waren in einem einfachen Stil, mit einfachen weißen Wänden und ohne Dekoration gebaut; Sie gehörten zu den frühesten Beispielen modernistischer Architektur

Die Ausstellung für dekorative Kunst, die den Sieg des Konstruktivismus demonstrierte, brachte gleichzeitig die Art-Déco-Bewegung ins Leben, die zu einer exotischen Mischung aus Kubismus und Jugendstil wurde, mit anderen Worten, linearer Stilisierung und exquisiter Ornamentik. Die Mode für Turbane und als „Ägypten“ und „China“ stilisierte Akte wurde aufwendig mit den Rhythmen der geometrischen Planimetrie vermischt.

Die Art-Déco-Bewegung selbst existierte bereits vor der Eröffnung der Ausstellung im Jahr 1925 – sie war eine spürbare Bewegung in Europäische Kunst 1920er Jahre. Erst 1928 erreichte es die amerikanischen Küsten, wo es sich in den 1930er Jahren in Streamline Moderne verwandelte, einen amerikanisierten Ableger des Art Déco Visitenkarte dieses Jahrzehnt.

Das Symbol des Art Deco in der dekorativen und angewandten Kunst waren Skulpturen aus Bronze und Elfenbein. Inspiriert von Diaghilews „Russischen Jahreszeiten“, der Kunst Ägyptens und des Ostens sowie den technologischen Errungenschaften des „Maschinenzeitalters“ schufen französische und deutsche Meister einen einzigartigen Stil in der kleinen bildenden Kunst der 1920er bis 1930er Jahre, der die Kunst hervorhob Status der dekorativen Skulptur auf das Niveau der „hohen Kunst“. Als klassische Vertreter des Art Deco in der Bildhauerei gelten Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Frankreich), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Deutschland), Bruno Zack, J. Lorenzl (Österreich).

Die Entstehung des Art Deco war eng mit dem wachsenden Status dekorativer Künstler verbunden, die bis zum Ende des 19. Jahrhunderts lediglich als Handwerker galten. Der Begriff „dekorative Dekoration“ wurde 1875 für Designer von Möbeln, Textilien und anderen Dekorationen erfunden. Im Jahr 1901 wurde die Commonwealth of Decorative Artists (Gesellschaft dekorativer Künstler) oder SAD gegründet, und dekorative Künstler erhielten die gleichen Urheberrechte wie Maler und Bildhauer. Eine ähnliche Bewegung entwickelte sich in Italien. Im Jahr 1902 fand in Turin die erste internationale Ausstellung statt, die ausschließlich der dekorativen Kunst gewidmet war: Esposizione international d'Arte.

In Paris wurden mehrere neue Zeitschriften für dekorative Künste gegründet, darunter Art and Decoration und L'Art décoratif moderne. Die Abteilungen für dekorative Künste wurden auf den jährlichen Salons der Sociéte des artistes français und später im Salon d'automne präsentiert. Auch der französische Nationalismus spielte bei der Wiederbelebung des Kunstgewerbes eine Rolle: Französische Designer fühlten sich durch den wachsenden Export billiger deutscher Möbel benachteiligt. Im Jahr 1911 schlug der Garten eine große neue internationale Ausstellung für dekorative und angewandte Kunst vor, im Jahr 1912. Es waren keine Kopien älterer Stile gestattet; nur moderne Werke. Die Ausstellung verzögerte sich bis 1914 und dann aufgrund des Krieges bis 1925, als sie der gesamten Stilfamilie namens Deco ihren Namen gab.

Obwohl der Begriff Art Déco bereits im Jahr 1925 entstand, wurde er erst in den 1960er Jahren allgemein verwendet, als sich die Einstellung gegenüber dieser Zeit änderte. Die Meister des Art-Déco-Stils waren nicht Teil einer einzigen Gemeinschaft. Die Bewegung galt als vielseitig und wurde von mehreren Quellen beeinflusst:

• „Wiener Secession“ frühe Periode(Wiener Werkstätten); funktionales Industriedesign.
• Primitive Kunst Afrikas, Ägyptens und der mittelamerikanischen Indianer.
• Die antike griechische Kunst (archaische Periode) ist von allen am wenigsten naturalistisch.
• „Russische Jahreszeiten“ von Sergei Diaghilew in Paris – Kostüm- und Bühnenskizzen von Leon Bakst.
• Facettierte, kristalline, facettierte Formen des Kubismus und Futurismus.
• Farbpalette des Fauvismus.
• Strenge Formen des Neoklassizismus: Boulet und Karl Schinkel.
• Zeitalter des Jazz.
• Pflanzen- und Tiermotive und -formen; tropische Vegetation; Zikkurats; Kristalle; koloristische Schwarz-Weiß-Skala der Klaviertasten, Sonnenmotiv.
• Flexible und athletische Formen weiblicher Sportler, von denen es viele gibt; scharfe Ecken kurze Haarschnitte unter Vertretern des Clublebens - Flapper.
• Technologische Fortschritte des „Maschinenzeitalters“ wie Radios und Wolkenkratzer.

Art-Deco-Meister liebten die Verwendung von Materialien wie Aluminium, Edelstahl, Emaille, Holzintarsien, Haifisch- und Zebrafell. Zickzack- und Stufenformen, breite und energisch geschwungene Linien (im Gegensatz zu den sanft fließenden Kurven des Jugendstils), Chevron-Motive und Klaviertasten wurden aktiv eingesetzt. Einige dieser dekorativen Motive wurden allgegenwärtig, beispielsweise das Schlüsselmuster, das in den Designs von Damenschuhen, Heizkörpern, Radio City-Hörsälen und der Turmspitze des Chrysler Building zu finden ist. Die Innenräume von Kinos und Ozeandampfern wie der Ile de France und der Normandie wurden gerne in diesem Stil dekoriert. Art Deco war luxuriös und es wird angenommen, dass dieser Luxus eine psychologische Reaktion auf die Askese und die Einschränkungen des Ersten Weltkriegs war.

Frankreich

Pariser Kaufhäuser und Modedesigner spielten mit wichtige Rolle im Aufschwung des Art Déco. Es wurden Firmen gegründet, darunter der Handtaschenhersteller Louis Vuitton, die Silberfirma Christofle, der Glasdesigner René Lalique sowie die Juweliere Louis Cartier und Boucheron, die begannen, Produkte in zeitgenössischeren Stilen zu entwickeln. Seit 1900 stellen Kaufhäuser Dekorateure ein, die in ihren Designstudios arbeiten. Die Dekoration des Salon d'Automne von 1912 wurde vom Kaufhaus Printemps in Auftrag gegeben. Im selben Jahr gründete Printemps eine eigene Werkstatt namens „Primavera“. Bis 1920 beschäftigte Primavera mehr als dreihundert Künstler. Die Stile reichten von aktualisierte Versionen Louis XIV., Louis XVI. und vor allem Louis Philippe-Möbel, hergestellt von Louis Süe und der Werkstatt Primavera, bis hin zu moderneren Formen aus der Werkstatt des Kaufhauses Au Louvre. Andere Designer, darunter Émile Jacques Ruhlmann und Paul Foliot, lehnten die Massenproduktion ab und bestanden darauf, dass jedes Stück einzeln handgefertigt wurde. Der frühe Art-Déco-Stil zeichnete sich durch luxuriöse und exotische Materialien wie Ebenholz, Elfenbein und Seide, sehr helle Farben und stilisierte Motive, insbesondere Körbe und Blumensträuße in allen Farben, aus, die ihm einen modernistischen Look verliehen.

Die leuchtenden Farben des Art Déco stammen aus vielen Quellen, unter anderem aus Léon Baksts exotischen Inszenierungen für die Ballets Russes, die kurz vor dem Ersten Weltkrieg in Paris für Aufsehen sorgten. Einige der Farben wurden von der früheren Fauvismus-Bewegung unter der Führung von Henri Matisse inspiriert; andere von Orphikern wie Sonia Delaunay; andere von der als Nabis bekannten Bewegung und im Werk des symbolistischen Künstlers Odilon Redon, der Kaminschirme und andere dekorative Objekte entwarf. Lebhafte Farben waren ein Merkmal der Arbeit des Modedesigners Paul Poiret, dessen Arbeit sowohl das Design als auch die Art-Déco-Innenarchitektur beeinflusste.

Paris blieb das Zentrum des Art-Déco-Stils. In Möbeln wurde es von Jacques-Émile Ruhlmann verkörpert, dem berühmtesten Möbeldesigner seiner Zeit und vielleicht dem letzten der klassischen Pariser Ebéniste (Tischler). Darüber hinaus sind die Werke von Jean-Jacques Rateau, die Produkte der Firma „Süe et Mare“, Eileen Gray-Bildschirme, geschmiedete Metallprodukte von Edgar Brandt, Metall und Emaille der Schweizer Jüdischer Herkunft Jean Dunant, Glas der großen René Lalique und Maurice Marino sowie Uhren und Schmuck von Cartier.

Im Jahr 1925 existierten im Art Déco zwei verschiedene konkurrierende Schulen nebeneinander: die Traditionalisten, die die Society of Decorative Artists gründeten; darunter der Möbeldesigner Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, der Bildhauer Antoine Bourdelle und der Designer Paul Poiret; sie vereinten sich moderne Formen mit traditioneller Handwerkskunst und teure Materialien. Auf der anderen Seite standen die Modernisten, die die Vergangenheit zunehmend ablehnten und einen Stil wollten, der auf Fortschritten in der neuen Technologie, Einfachheit, fehlender Dekoration, preiswerten Materialien und Massenproduktion basiert.

1929 gründeten die Modernisten ihre eigene Organisation, die Französische Union zeitgenössische Künstler". Zu seinen Mitgliedern gehörten die Architekten Pierre Charaud, Francis Jourdain, Robert Mallett-Stevens, Corbusier und in der Sowjetunion Konstantin Melnikov; Die irische Designerin Eileen Gray und die französische Designerin Sonia Delaunay, die Juweliere Jean Fouquet und Jean Puyforcat. Sie griffen vehement den traditionellen Art-Déco-Stil an, der ihrer Meinung nach nur für die Wohlhabenden geschaffen wurde, und bestanden darauf, dass gut gebaute Gebäude für jedermann zugänglich sein sollten und dass die Form funktionieren sollte. Die Schönheit eines Objekts oder Gebäudes bestand darin, ob es seine Funktion perfekt erfüllte. Moderne industrielle Methoden ermöglichten die Massenproduktion von Möbeln und Gebäuden statt der Handarbeit.

Malerei

Die Ausstellung von 1925 hatte keinen einzigen Abschnitt. Art-Deco-Malerei war per Definition dekorativ und sollte einen Raum oder ein Architekturstück schmücken. Daher arbeiteten nur wenige Künstler ausschließlich in diesem Stil, aber zwei Künstler sind eng mit Art Deco verbunden. Jean Dupas malte die Art-Déco-Fresken für den Bordeaux-Pavillon auf der Kunstgewerbeausstellung 1925 in Paris und malte auch das Bild über dem Kamin im Maison de la Collectioneur auf der Ausstellung von Ruhlmann und anderen prominenten Art-Déco-Designern Seine Gemälde wurden auch in die Ausstattung des französischen Ozeandampfers Normandy integriert. Seine Arbeiten waren rein dekorativ und dienten als Hintergrund oder Ergänzung zu anderen dekorativen Elementen. Eine weitere Künstlerin, die eng mit diesem Stil verbunden ist, ist Tamara de Lempicka. Sie wurde in Polen in eine Adelsfamilie hineingeboren und wanderte nach der Russischen Revolution nach Paris aus. Dort wurde sie Schülerin des Künstlers Maurice Denis von der Bewegung namens „Nabi“ und des Kubisten Andre Lhote und entlehnte viele Stile von deren Stilen. Sie malte fast ausschließlich Porträts im realistischen, dynamischen und farbenfrohen Art-Déco-Stil.

Grafik

Art-Deco-Stil erschien auf Frühstadien Grafik, in den Jahren kurz vor dem Ersten Weltkrieg

Krieg. Er erschien in Paris in Plakaten und Kostümen von Léon Bakst für das Ballet Russes und in den Katalogen des Modedesigners Paul Poiret. Illustrationen von Georges Barbier und Georges Lepepe sowie Bilder im Modemagazin La Gazette du bon ton haben die Eleganz und Sinnlichkeit des Stils perfekt eingefangen. In den 1920er Jahren Aussehen geändert; Die hervorgehobene Mode war eher lässig, sportlich und gewagt und weibliche Models rauchten typischerweise Zigaretten. In Deutschland war Ludwig Hohlwein der berühmteste Plakatkünstler dieser Zeit, der farbenfrohe und dramatische Plakate schuf Musikfestivals, Bier und am Ende seiner Karriere für die NSDAP.

Im Jugendstil warben Plakate typischerweise für Theateraufführungen oder Kabaretts. In den 1920er Jahren erfreuten sich Reiseplakate für Dampfschifffahrtslinien und Fluggesellschaften großer Beliebtheit. In den 1920er Jahren änderte sich der Stil deutlich und der Schwerpunkt lag auf der Produktwerbung. Bilder wurden einfacher, präziser, linearer, dynamischer und oft auf einem einfarbigen Hintergrund platziert. In Frankreich gab es die Art-Déco-Designer Charles Lupo und Paul Colin, die für ihre Plakate berühmt wurden US-amerikanischer Sänger und die Tänzerin Josephine Baker, Jean Carloup entwarf Plakate für Charlie Chaplin-Filme, Soaps und Theater; Ende der 1930er Jahre emigrierte er in die USA, wo er während des Weltkrieges Plakate entwarf, um die Kriegsproduktion zu fördern. Designer Charles Gesmar wurde berühmter Autor Plakate für den Sänger Mistinguett und für Air France. Einer der berühmtesten französischen Designer

Amerika. Streamline Moderne

Die Stilrichtung, die sich parallel zum Art Deco entwickelte und diesem nahe stand, war „Streamline Moderne“ (der Name stammt vom englischen Streamline – „streamline“ – ein Begriff aus dem Bereich der Aerodynamik). Streamline Modern wird durch industrielle Stanz- und aerodynamische Technologien beeinflusst. So tauchten in Werken dieses Stils die Umrisse von Flugzeugen oder Revolvergeschossen auf. Als sich das Design von Chryslers erstem Serienauto, dem Chrysler Airflow, großer Beliebtheit erfreute, stromlinienförmige Formen begann sogar für Spitzer, Gebäude und Kühlschränke verwendet zu werden.

Das architektonischer Stil strebt nach glatten Formen, behält lange horizontale Linien bei, die oft im Kontrast zu vertikalen geschwungenen Flächen stehen, und führt gerne Elemente ein, die der Schifffahrtsindustrie entlehnt sind (Geländer und Bullaugen). Der Höhepunkt wurde um 1937 erreicht.

Dieser Stil war der erste, der elektrisches Licht in die architektonische Struktur einbezog.

Wandmalerei

In den Vereinigten Staaten gab es keinen ausgeprägten Art-Deco-Stil, obwohl Gemälde häufig als Dekoration verwendet wurden, insbesondere in Regierungsgebäuden und Bürogebäuden. Im Jahr 1932 wurde das Community Art Project ins Leben gerufen, das es Künstlern ermöglichte, ohne Arbeit zu arbeiten, da sich das Land mitten in der Weltwirtschaftskrise befand. Innerhalb eines Jahres wurden im Rahmen des Projekts über fünfzehntausend Kunstwerke in Auftrag gegeben. Berühmte amerikanische Künstler wurden vom Federal Art Project angeworben, um Wände in Regierungsgebäuden, Krankenhäusern, Flughäfen, Schulen und Universitäten zu bemalen und zu dekorieren. Einige der meisten berühmte Künstler Amerika, darunter Grant Wood, Reginald Marsh, Georgia O'Keefe und Maxine Albro, nahmen an dem Programm teil. Auch der berühmte mexikanische Künstler Diego Rivera nahm an dem Programm teil und dekorierte die Wände. Die Bilder waren drin verschiedene Stile, einschließlich Regionalismus, sozialer Realismus und amerikanische Malerei.

Es wurden auch mehrere Bilder für Wolkenkratzer im Art-Déco-Stil erstellt, insbesondere für das Rockefeller Center in

New York. Für das Foyer wurden zwei Bilder von John Stewart Curry und Diego Rivera in Auftrag gegeben. Die Eigentümer des Gebäudes, die Rockefeller-Familie, entdeckten, dass Rivera, ein Kommunist, ein Bild von Lenin in ein Massengemälde platziert und es zerstört hatte. Das Gemälde wurde durch ein Werk eines anderen spanischen Künstlers, José Maria Sert, ersetzt.

Grafik

Der Art-Déco-Stil entstand in den frühen Stadien der grafischen Kunst, in den Jahren kurz vor dem Ersten Weltkrieg. Er erschien in Paris in Plakaten und Kostümen von Léon Bakst für das Ballet Russes und in den Katalogen des Modedesigners Paul Poiret. Illustrationen von Georges Barbier und Georges Lepepe sowie Bilder im Modemagazin La Gazette du bon ton spiegeln perfekt die Eleganz und Sinnlichkeit des Stils wider. In den 1920er Jahren änderte sich das Erscheinungsbild; Die hervorgehobene Mode war eher lässig, sportlich und gewagt und weibliche Models rauchten typischerweise Zigaretten. Amerikanische Modemagazine wie Vogue, Vanity Fair und Harper's Bazaar griffen den neuen Stil schnell auf und machten ihn in den Vereinigten Staaten populär. Dies wirkte sich auch auf die Arbeit der Amerikaner aus Buchillustratoren, wie Rockwell Kent.

In den 1930er Jahren in den Vereinigten Staaten während der Weltwirtschaftskrise neues Genre Poster. Kunstprojekt Bundesbehörde beauftragte amerikanische Künstler mit der Erstellung von Plakaten zur Förderung von Tourismus und kulturellen Veranstaltungen.

Fade-Stil

Art Deco verschwand nach seinem Aufstieg still und leise Massenproduktion, als es als auffällig, geschmacklos und vorgetäuscht-luxuriös behandelt wurde. Die Entbehrungen des Zweiten Weltkriegs beendeten diesen Stil endgültig. In Kolonialländern wie Indien wurde Art Deco zum Tor zur Moderne und verschwand erst in den 1960er Jahren. Eine Wiederbelebung des Interesses am Art Déco in den 1980er Jahren war mit Grafikdesign verbunden, und die Verbindung des Art Déco mit dem Film Noir und dem Glamour der 1930er Jahre führte zu seinem Wiederaufleben in Schmuck und Mode.

Pevue: Teil von „California“, Maxine Albro, Innenraum des Coit Tower in San Francisco (1934)

Der Art-Déco-Stil ist in unserer Zeit äußerst beliebt und richtet sich vor allem an Liebhaber von Elitismus und Luxus, mit raffiniertem und raffiniertem Geschmack, an diejenigen, die es lieben, exklusive Objekte zu bewundern und zu bewundern. Der Stil erfreut sich großer Beliebtheit kreative Welt: Schauspieler, Künstler und andere Prominente.

DESIGN IM ART-DECO-STIL

Der Hauptunterschied zwischen diesem Stil und anderen ist die Tendenz zum Empire-Stil und zum Kubismus. Es enthält auch Elemente der archaischen Kunst antiker Kulturen. Art Deco ist eine Kombination vieler Trends: ägyptische Motive, griechische Archaik und primitive Kunst afrikanischer Stämme – alles harmonisch zu einem Ganzen verschmolzen und avantgardistische Einfachheit und zugleich exotische Originalität geschaffen. Art Deco ist eine Fortsetzung des Art Nouveau-Stils; ursprünglicher Name„Stromlinienförmig modern.“ Auf künstliche Materialien wird hier komplett verzichtet, ebenso auf moderne Motive. Keiner glatte Linien und florale Muster - nur Schärfe, Kantigkeit, Geometrie oder Abstraktion, d.h. Es gibt auch Elemente von „High-Tech“. Zuvor entstanden Gemälde, Skulpturen, Möbel sowie Gebäude und Bauwerke im Art-Déco-Stil. Zusätzlich zu all dem kommt der Stil nicht ohne ethnische Motive aus, d.h. Art Deco ist vielseitig.

Hauptsächlich charakteristische Merkmale Stil:

1. Zickzackformen (dies kann ein Ornament oder das Verlegen von Fliesen im Fischgrätenmuster sein);
2. Sunburst, was Sonnenstrahlen bedeutet (kann in Dekoration, Form und Dekor gefunden werden). Übrigens wird die inhärente Streifenbildung vieler Elemente im Art Deco mit den Strahlen in Verbindung gebracht (Streifendekor wird verwendet, Wände werden mit Streifen besetzt oder die Rückseite eines Sofas wird in Streifen unterteilt);
3. Stufenförmigkeit (zum Beispiel die Divergenz der Sonnenstrahlen in Stufen, wie mehrstufige Strukturen, die typisch für die babylonische, sumerische und assyrische Architektur sind);
4. trapezförmig (das Vorhandensein vieler Einrichtungsgegenstände mit Trapezform, zum Beispiel Möbel, Spiegel oder Türdekorationen);
5. geschwungene Linien (Krümmungen einer geometrischen Form sind häufiger, es gibt aber auch eine scharfe abgerundete Krümmung);
6. Klaviertasten (bezogen auf die überall zu findenden abwechselnden hellen und dunklen Streifen)
7. Kontur oder Rahmen (z. B. eine mit einer kontrastierenden Farblinie verzierte Fläche, also ein Rahmen, mit dem Sie die stilbildende Geometrie am deutlichsten hervorheben können)

Der Art-Deco-Stil beinhaltet die Verwendung von Materialien:

• Holz (einschließlich Holz mit Intarsien);
• Glas;
• echtes Leder (einschließlich Zebrafell);
• Edelstahl;
• Aluminium;
• glänzende Keramik- oder Steinfliesen;
• lackierte Oberflächen.

Relativ Farbpalette Wir können sagen, dass Art Deco überwiegend neutrale Töne verwendet: Schwarz, Weiß, Grau, Silber, Beige, Braun sowie Braun- und Metalltöne. Eine sparsame und gedämpfte Einführung anderer Farben ist erlaubt, vor allem Grün, Blau, Gold, Rot oder Burgund.

SCHLAFZIMMER ART DECO

Die überwiegende Mehrheit der Menschen, die sich für den Art-Déco-Stil für ihr Schlafzimmer entscheiden, sind kreative Menschen und wahre Kenner der Schönheit. Art Deco, aus dem Französischen ins Russische übersetzt, bedeutet „dekorative Kunst“, und hier sind Standardmöbel unverzichtbar. Um ein Art-Deco-Schlafzimmer zu schaffen, müssen Sie Ihre Seele investieren und keine Angst vor Dekorationsexperimenten haben, um die unsichtbare Grenze zwischen Moderne und Klassik, zwischen raffinierter Eleganz und monumentalem Luxus zu finden.

Klassik und Moderne im Art Deco werden vor allem durch natürliche Materialien, geometrische Formen und Vielseitigkeit vereint. Ein Art-Deco-Schlafzimmer zeichnet sich durch eine weiche Form aus, die durch ein Bett mit einem weichen, verzierten Kopfteil ermöglicht wird, das eine klassische rechteckige Form oder eine moderne ovale Form haben kann. Normalerweise ist das Kopfteil mit einer teuren Polsterung oder dem gesamten Kopfteilbereich verziert wird durch geprägte Tapeten und Stoffvorhänge hervorgehoben.

Möbel sollten aus Holz oder Metall sein und abgeschrägte Kanten haben

Regale, Schränke, Nachttische und andere Möbel werden nach diesem Prinzip ausgewählt: Sind die Wände dunkel, sollten die Möbel hell sein und umgekehrt. Ein ungewöhnlich geformter Schminktisch und eine Ottomane (oder ein Sessel) in diesem Stil sind ein Muss. Spiegel machen das Schlafzimmer geräumig und hell und vergrößern den Raum auch optisch, denn Art Deco bedeutet viel Platz, Licht und Sauberkeit. In diesem Zusammenhang sollte eine große Anzahl an Spiegeln vorhanden sein: Schranktüren, ein Sonnenstrahlspiegel im Nachttischbereich sowie ein großer Spiegel am Schminktisch.

Schlafzimmerwände können eine eigenständige Innendekoration sein. Zeichnungen und Ornamente sind das Hauptelement bei der Gestaltung von Wänden dieses Stils, ebenso wie Collagen aller Art, Innenaufkleber oder dekorative Gemälde. Allerdings braucht alles Mäßigung. Das Muster kann ein Hintergrundrahmen für Möbel oder ein zentraler Akzent des Innenraums sein, es sollte jedoch gedämpfte, dezente Töne haben. Der Stil lässt auch abgerundete Formen zu: Ovale, Wellen, Kreise. Wenn in der Wand eine Nische vorhanden ist, können Sie ihr mit Trockenbau die Form einer Ellipse geben und dort beispielsweise einen Schminktisch oder einen Fernseher platzieren. In diesem Fall muss jedoch eine ähnliche Form bei der Fertigstellung von Decken, Bodenpodesten oder Türen wiederholt werden. Übrigens wäre es keine schlechte Idee, an der Decke Stuckleisten anzubringen, beispielsweise in Form eines Kronleuchterrahmens. Gemälde an den Wänden sind, wenn auch in kleinen Mengen, erlaubt, damit der Innenraum nicht mit diversen Kleingegenständen übersättigt wird.

Farblich kann das Schlafzimmer in Weiß-, warmen Braun-, Grau-, Rosa- und Rottönen gestaltet werden. Es wird empfohlen, Kontrast anzuwenden. Accessoires und Möbel sollten nicht zu einem Ganzen verschmelzen, sondern hervorstechen. Am beeindruckendsten wirken Innenräume in Kombinationen aus Schwarz und Weiß, Schokoladenbeige, Grau und Schwarz, Grau und Blau sowie Weiß und Burgundertönen. Typischerweise werden in der Inneneinrichtung drei Farbtöne verwendet, von denen zwei den Hintergrund darstellen (z. B. Schwarz und Weiß) und einer als Luxuselement verwendet wird (Gold, Bronze oder Silber). Es wäre toll, wenn die Dekoration sowie das Dekor luxuriöse Elemente enthalten würden, zum Beispiel Seidenstoffe, leichte Vergoldung oder Parkettböden. Im Allgemeinen dienen Stoffvorhänge als Hauptdekoration des Schlafzimmers. Sie verleihen besondere Romantik und Behaglichkeit. Vorhänge können aus Seide oder Satin sein, vor dem Bett befindet sich ein schlichter Naturbezug Weiß oder ein Nachtvorleger aus Kunstpelz mit langem, dickem Flor. Das Bett ist mit einer luxuriösen Tagesdecke mit Kissen bezogen, die zur weichen Polsterung der Ottomane oder Stühle passen.

Die Schlafzimmerbeleuchtung sollte mehrstufig sein; mindestens vorhanden sein: ein zentraler Kronleuchter aus Kristall oder mehrfarbigem Glas, Lampen am Schminktisch und Stehlampen. Zur Ausleuchtung von Nischen können Sie zusätzlich LED-Beleuchtung einsetzen.

WOHNZIMMER ART DECO

Moderne Wohnzimmer im Art-Déco-Stil fügen sich harmonisch zusammen geometrische Formen mit abgerundeten Fassaden und Möbeln, die meist aus wertvollem Holz bestehen, werden mit Glaseinsätzen und Metallgriffen kombiniert. Stil bietet ein riesiges Betätigungsfeld bei der Umsetzung verschiedenster Ideen. Alle Designs können verwendet werden, seien es afrikanische Muster, kubistische Muster, Luftfahrtartikel oder Designs mit Automobilmotiven, denn... Innenräume in diesem Stil bestehen aus einem Mosaik von Stilen und Epochen. Als Dekorationsmaterialien werden wertvolle Hölzer, Leder (u.a. Krokodil, Hai und Rochen), Halbedelsteine, Elfenbein, Bambus usw. verwendet. So tragen extravagante Materialien wesentlich dazu bei, die ganze Bandbreite an Gefühlen auszudrücken, zumal das Art-Déco-Wohnzimmer ein wahres Zentrum der Ästhetik ist. Die Kombination aus Glas und Metall hat weit verbreitete Verwendung gefunden und Türen, Innenwände, Kaminzubehör und Treppengeländer sind mit geschweißtem Eisen verziert.

Bei der Farbgebung überwiegen dunkle Farbtöne, eine braun-beige Farbgebung ist jedoch erlaubt, was dem Innenraum eine besondere Noblesse verleiht. Aber was bunte Blumen betrifft, ist dies inakzeptabel. Der vorteilhafteste Effekt wird durch das Spiel mit monotoner Sättigung in Kombination mit einem kontrastierenden Muster erzielt. Der Einsatz von eingelegten Glasflächen, poliertem Metall und poliertem Holz im Wohnzimmer ist besonders willkommen, denn... All diese Attribute verstärken den Eindruck von Luxus und Noblesse.

Auch die Möbel in einem Art-Déco-Wohnzimmer sollten luxuriös sein, besser ist es, wenn sie aus exotischen Hölzern handgefertigt sind. Aber auf jeden Fall wird jeder Artikel noch zusätzlich dekoriert. Auch die Form der Möbel ist ungewöhnlich, zum Beispiel kann die Sitzfläche des Stuhls trapezförmig sein und die Polsterung kann ägyptische oder orientalische Muster aufweisen, kurz gesagt, eine Kombination unvereinbarer Dinge. Besonders geeignet sind schicke Tische mit Intarsienplatten sowie große Stühle und Sessel wie ein Königsthron. Aber wir sollten nicht vergessen, dass der Stil selbst sehr elegant und leicht ist und daher die Formen von Zickzack, Wellen oder Schwanenhals relevant sind. Stil hat übrigens einen anderen Namen – „künstlerisch“. Am meisten Gewinnkombination Für Möbel empfiehlt sich die Verwendung von dunkelrotem oder burgunderrotem Holz in Kombination mit weißem Naturleder, Marmor oder Glas.

Vitrinen mit schönen, wertvollen Dingen passen perfekt in die Inneneinrichtung

Wohnzimmerwände dienen meist als angenehme, unaufdringliche Kulisse für luxuriöse, stilvolle Möbel und andere Einrichtungsgegenstände. Sehr oft werden sie einfach einfarbig lackiert. Allerdings sind auch zarte Einschlüsse in Form von Ornamenten in anderen Farben möglich. Das Wichtigste ist, dass die Farbgebung der Wände und des Bodens sanft sein muss, die Möbel vor dem Hintergrund jedoch dunkel und sogar fast schwarz sein müssen.

Auch im Innenraum können überall Skulpturen weiblicher Figuren angebracht sein, beispielsweise in tanzender Pose, die ein Symbol für Reinheit und Anmut ist. Die Hauptdekoration dieses Stils sind jedoch immer noch Textilien. Die verwendeten Vorhänge sind aus schwerem Samt oder Satin. Kissen und die Lampenschirme der Lampen sollten auf die Vorhänge abgestimmt sein. Auch komplizierte Bildschirme oder andere geschmiedete Metallgegenstände sind eine hervorragende Ergänzung für den Innenraum. Antike Accessoires werden in großen Mengen verwendet, etwa einzigartige Gemälde im Geiste des Mittelalters, aber auch verschiedene Vasen und Wanduhren und natürlich luxuriöse Teppiche. Übrigens, was Gemälde betrifft, werden Gemälde im Art-Déco-Stil großartig aussehen, die eine gewisse Mischung aus modernem Ausdruck und antiker Eleganz mit Bildern von weiblichen Silhouetten, ausgefallenen Märchentieren oder abstrakten Flecken darstellen.

ART-DECO-KÜCHE

Wie oben erwähnt, ist der Art-Deco-Stil eine Kombination aus traditionellem Neoklassizismus und innovativem Modernismus. Wie äußert sich das alles im Innenraum der Küche? Zuallererst seine Originalität. Da dieser Stil teuer und recht hell ist, bildet das Küchendesign keine Ausnahme, das heißt, es wird nicht unbemerkt bleiben. Zweitens Exklusivität in Form ungewöhnlicher Antiquitäten, zum Beispiel Kunstgegenstände. Bezüglich der verwendeten Materialien werden folgende verwendet: Holz (dies ist das wichtigste), sowohl poliert als auch eingelegt oder lackiert, Metall (Edelstahl und Aluminium), echtes Leder, Glas sowie glänzende Fliesen (Keramik, Kunst- oder Naturstein). ) und natürlich Textilien (unifarbener Satin oder Seide sowie Stoff mit Zebrastreifen).

Was die Farbgebung betrifft, wäre die perfekte Kombination Schwarz und Weiß (das ist das Hauptmerkmal des Art Deco). Aber auch andere Farbkombinationen sind möglich, zum Beispiel Weiß mit Schokolade, Silber mit Schwarz usw. Wir sollten jedoch nicht vergessen, dass das Hauptsortiment die Farben Metall, Erde, Stein oder echtes Leder sind. Für die Dekoration des Essbereichs bietet es sich an, Streifen zu verwenden und Vlies- oder Textiltapeten mit der gleichen Struktur zu verwenden. Und die Arbeitsschürze kann beispielsweise aus geometrischen Fliesen nach dem Prinzip eines Schwarz-Weiß-Mosaiks bestehen. Auch andere Farben können hinzugefügt werden, allerdings in kleinen Mengen und in gedeckten Tönen (Grün, Blau, Gold und Rot).

Noch einer traditionelles Merkmal Der Stil ist eine gestufte Form, die sich sowohl auf gemusterte Wanddekorationen als auch auf Möbel mit darauf befindlichen Modulen erstreckt verschiedene Ebenen, sowohl in der Höhe als auch in der Tiefe. Wenn es der Raum zulässt, wäre es sinnvoll, eine mehrstufige Spanndecke zu bauen, wenn diese mit einer glänzenden schwarzen oder weißen Folie abgedeckt wird und viel Licht angebracht wird. Den größten Effekt erzielen Sie, wenn Sie eine „Stufe“ in Form einer Stuckbordüre machen und so den diesem Stil innewohnenden geometrischen Charakter betonen. Eine der Möglichkeiten besteht auch darin, den Essbereich mit Fototapeten in Form von mehrstufigen Bildern von Landschaften, Häusern oder Abstraktionen zu dekorieren – sofern die Zeichnungen klare, regelmäßige geometrische Formen enthalten.

Ein sehr bedeutendes Element und eine wichtige Note des Art Deco sind die Sonnenstrahlen (Sunburst). Ray-Streifen sollten überall vorhanden sein: in Möbelpolstern, Dekorationen, Textilien. Gestreifte Vorhänge am Boden, ein Kronleuchter in Form eines Fächers oder ein imitiertes Zebrafell in einer weichen Ecke – ein oder zwei Elemente „Sonnenstrahlen“ reichen aus. Bei den Möbeln ist zu beachten, dass es eine Voraussetzung ist, den Raum nicht zu überladen, d.h. Möbel sollten funktional sein. Die Polsterung sollte aus Samt, Satin, Leder und Velours bestehen. Idealerweise sollte der Essbereich in Anlehnung an die Traditionen der besten Elite-Restaurants in einen exquisiten Tisch verwandelt werden. Wenn wir im Allgemeinen von einer idealen Küche im Art-Deco-Stil sprechen, dann sollte sie Möbel aus wertvollem Holz enthalten, die auf Bestellung angefertigt wurden, oder optional restaurierte Antiquitäten. Wenn dies nicht möglich ist, gibt es eine weitere Alternative zu teurem Holz – ein zweifarbig lackiertes Set, das schwarz und weiß, blaugrau, rotgrau usw. sein kann, d.h. Spielen Sie mit dem Kontrast von Farben und Lackierungen, was auch Art Deco liebt. Darüber hinaus können Sie Möbel mit Edelstahlverkleidung verwenden.

Vergrößert den Raum optisch. Darüber hinaus würde ein gewöhnlicher Spiegel in Form eines Trapezes oder noch besser in Form einer Sonne gut aussehen, insbesondere wenn Sie Strahler platzieren, um ein Lichtspiel zu erzielen.

Es empfiehlt sich, die Böden mit lackiertem Parkett zu belegen, obwohl eine solche Oberfläche für die Küche natürlich nicht ganz praktikabel ist. In dieser Hinsicht sind Bodenfliesen (Marmor oder Imitation eines anderen Natursteins) die beste Alternative. Sie können auch Linoleum verwenden, das ein geometrisches Muster aufweist. Nicht zu vergessen sind ethnische Noten, die beispielsweise auch in Form von Gemälden mit Landschaften oder Schwarz-Weiß-Fotografien in dünnen Holz- oder Metallrahmen vorhanden sein sollten. Oder dekorieren Sie den Innenraum mit Palmen oder exotischen Blumen. Und noch eine Nuance: Es sollten genügend Lampen vorhanden sein, um eine gute Ausleuchtung des Raumes zu gewährleisten.

Und nun das Wichtigste, sozusagen das Highlight einer Art-Déco-Küche – es muss auf jeden Fall etwas darin sein, das sofort ins Auge fällt (eine exklusive Vase, eine Bronzefigur, silberne Kerzenständer oder zum Beispiel ein Gemälde) . Es ist notwendig, sorgfältig zu überlegen und eines der Elemente auszuwählen, das Überraschung und Freude hervorrufen kann, sei es ein Spiegel oder ein Kronleuchter.