Art-Deco-Gemälde. Art Deco in der Kunst. Internationale Ausstellung für zeitgenössische dekorative und industrielle Kunst

Art Deco

Art Deco (französisch Art Déco, wörtlich „dekorative Kunst“, nach dem Namen der Pariser Ausstellung Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes von 1925, Russische Internationale Ausstellung zeitgenössischer dekorativer und industrieller Kunst) ist eine einflussreiche Bewegung im visuellen und dekorativen Bereich Kunst der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts, die erstmals in den 1920er Jahren in Frankreich auftauchte und dann in den 1930er und 1940er Jahren auf internationaler Ebene populär wurde, manifestierte sich hauptsächlich in Architektur, Mode und Malerei und verlor in dieser Zeit ihre Relevanz nach dem Zweiten Weltkrieg. Es handelt sich um einen eklektischen Stil, der eine Synthese aus Moderne und Neoklassizismus darstellt. Auch der Art-Déco-Stil hat einen wesentlichen Einfluss wie z künstlerische Richtungen wie Kubismus, Konstruktivismus und Futurismus.

Besondere Merkmale sind strenge Regelmäßigkeit, kräftige geometrische Formen, ethnische geometrische Muster, Design in Halbtönen, das Fehlen heller Farben im Design, während farbenfrohe Muster, luxuriöse, schicke, teure, moderne Materialien (Elfenbein, Krokodilleder, Aluminium, seltenes Holz, Silber) vorhanden sind ). In den USA, den Niederlanden, Frankreich und einigen anderen Ländern entwickelte sich Art Deco allmählich in Richtung Funktionalismus.

Die internationale Ausstellung, die 1925 in Paris stattfand und offiziell „Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes“ hieß, brachte den Begriff „Art Deco“ hervor. Diese Ausstellung zeigte der Welt in Frankreich hergestellte Luxusgüter und bewies, dass Paris auch nach dem Ersten Weltkrieg ein internationales Modezentrum blieb.

Die Art-Déco-Bewegung selbst existierte bereits vor der Eröffnung der Ausstellung im Jahr 1925 – sie war eine spürbare Bewegung in Europäische Kunst 1920er Jahre Erst 1928 erreichte es die amerikanischen Küsten, wo es sich in den 1930er Jahren in Streamline Moderne verwandelte, einen amerikanisierten Ableger des Art Déco Visitenkarte dieses Jahrzehnt.

Paris blieb das Zentrum des Art-Déco-Stils. In Möbeln wurde es von Jacques-Émile Ruhlmann verkörpert, dem berühmtesten Möbeldesigner seiner Zeit und vielleicht dem letzten der klassischen Pariser Ebéniste (Tischler). Darüber hinaus sind die Werke von Jean-Jacques Rateau, die Produkte der Firma „Süe et Mare“, Eileen Gray-Bildschirme, geschmiedete Metallprodukte von Edgar Brandt, Metall und Emaille der Schweizer zu sehen Jüdischer Herkunft Jean Dunant, Glas der großen René Lalique und Maurice Marino sowie Uhren und Schmuck von Cartier.

Das Symbol des Art Deco in der dekorativen und angewandten Kunst waren Skulpturen aus Bronze und Elfenbein. Inspiriert von Diaghilews „Russischen Jahreszeiten“, der Kunst Ägyptens und des Ostens sowie den technologischen Errungenschaften des „Maschinenzeitalters“ schufen französische und deutsche Meister einen einzigartigen Stil in der kleinen bildenden Kunst der 1920er bis 1930er Jahre, der die Kunst hervorhob Status der dekorativen Skulptur auf dem Niveau von „ hohe Kunst" Als klassische Vertreter des Art Deco in der Bildhauerei gelten Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Frankreich), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Deutschland), Bruno Zack, J. Lorenzl (Österreich).

Obwohl der Begriff Art Déco bereits im Jahr 1925 entstand, wurde er erst in den 1960er Jahren allgemein verwendet, als sich die Einstellung zu dieser Zeit änderte. Die Meister des Art-Déco-Stils waren nicht Teil einer einzigen Gemeinschaft. Die Bewegung galt als vielseitig und wurde von mehreren Quellen beeinflusst.

Art-Deco-Meister liebten die Verwendung von Materialien wie Aluminium, Edelstahl, Emaille, Holzintarsien, Haifisch- und Zebrafell. Zickzack- und Stufenformen, breite und energisch geschwungene Linien (im Gegensatz zu den sanft fließenden Kurven des Jugendstils), Chevron-Motive und Klaviertasten wurden aktiv eingesetzt. Einige dieser dekorativen Motive wurden allgegenwärtig, beispielsweise das Schlüsselmuster, das in den Designs von Damenschuhen, Heizkörpern, Radio City-Hörsälen und der Turmspitze des Chrysler Building zu finden ist. Die Innenräume von Kinos und Ozeandampfern wie der Ile de France und der Normandie wurden gerne in diesem Stil dekoriert. Art Deco war luxuriös, und es wird angenommen [Quelle nicht angegeben 1667 Tage], dass dieser Luxus eine psychologische Reaktion auf die Askese und die Einschränkungen des Ersten Weltkriegs ist.

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Veröffentlichungen in der Rubrik Museen

Art Deco für Dummies

Wo und wie der Art-Déco-Stil entstand, wer ihn begründete, ob in der jungen Sowjetunion – gemeinsam mit Sofia Bagdasarova verstehen wir die Feinheiten des Stils.

Was ist Art Deco?

Blatt aus dem Album Feuillets d'Art 1919

Blatt aus dem Album Leschores de Paul Poiret vues par Georges Lepape. 1911

Blatt aus dem Album Modes et Manières d"Aujourd"hui. 1914

Art Deco, was auf Französisch „dekorative Kunst“ bedeutet, ist der Name des künstlerischen Stils, der nach dem Jugendstil zwischen den beiden Weltkriegen in Europa und Amerika vorherrschte. Darüber hinaus herrschte es hauptsächlich im Industriedesign – Mode, Schmuck, Plakate, Fassaden, Innenräume, Möbel. Dies geschah, während die „große Kunst“ dieser Zeit mit Expressionismus, Abstraktionismus, Konstruktivismus und anderen -ismen experimentierte, die natürlich brillant sind, aber nicht jeder wird sie ständig in seiner Wohnung sehen können. Und Art-Deco-Dinge sind speziell dafür gedacht Alltag- sehr reichhaltig, luxuriös und imposant, aber dennoch alltäglich.

Woran erkennt man einen Artikel im Art-Déco-Stil?

Zigarettenetuis, Puderdosen. 1930er Jahre. Kyoto Fashion Institute

Cover des Vogue-Magazins mit einem „optischen“ Kleid von S. Delaunay. 1925. Pressedienst der Kreml-Museen

Handtaschen. OK. 1910. Kyoto Fashion Institute

Dieses Ding wird auf jeden Fall schön sein – stilvoll, elegant. Es ist aus einem Material mit einer teuren Textur, aber nicht auffällig luxuriös, sondern einfach wertvoll. Die Farben werden komplexe Farbtöne sein, es wird viel Schwarz sein. Oft hat der Autor eindeutig ein Lineal verwendet – es ist ihm aber gleichzeitig gelungen, alle Ecken sehr elegant abzurunden. Geometrische Muster sind nach sorgfältigen Proportionen konstruiert und haben die Fähigkeit zu hypnotisieren. Es gibt auch oft Einschlüsse von etwas Altägyptischem oder Japanischem, aber in einem seltsamen Design: Art Deco liebte es, exotische Kulturen neu zu interpretieren. (Übrigens wurde auch „Russische Exotik“ geschätzt.) Mir gefielen der Stil und der technische Fortschritt – deshalb gibt es stilisierte Züge, die mit großer Geschwindigkeit fliegen, und die Propeller von Flugzeugen und Schiffen.

Stil in der Mode

Abendkleid. Modedesignerin Madeleine Vionnet. 1927. Pressedienst der Kreml-Museen

Abendkleid. Modehaus Lanvin. Um 1925. Pressedienst der Kreml-Museen

Kleid. Frankreich. Winter 1922. Modehaus „Sisters Callo“

Art Deco macht sich vor allem in der Damenmode bemerkbar. In der Zeit, als dieser Stil vorherrschte, begannen Frauen, ihre Haare kurz zu schneiden, befreiten sich schließlich von starren Korsetts und Krinolinen, die Taille rutschte entweder auf die Hüften oder reichte bis direkt unter die Brust, und der Rock wurde auf eine Höhe gekürzt war nach Meinung derjenigen, die sich an die viktorianische Moral erinnerten, völlig unanständig.

Die Schöpfer des Stils – die großen Modedesigner Paul Poiret und Mariano Fortuny – zitierten Kimonos, arabische Turbane und Hosen, antike Tuniken und Tische sowie mittelalterliche Umhänge. Einteilige Kleidung erschien, Vorhänge, schwere Stoffe, Chic und Glanz waren überall. In solch lockerer Kleidung, bestickt mit schillernden Perlen, Signalhörnern, Strasssteinen und Perlen, war es großartig, neue lebhafte Tänze zu tanzen – Foxtrott, Charleston, Tango. Erinnern wir uns im Allgemeinen an die Ära des Großen Gatsby.

Stil in Schmuck

Van Cleef und Arpels Brosche. 1930

Halskette mit Kragen von Van Cleef und Arpels. 1929

Brosche im ägyptischen Stil von Van Cleef und Arpels. 1924

Die Firmen Cartier und Van Cleef & Arpels sowie andere Schmuckhäuser arbeiteten in ihren Werken bewusst nach den Prinzipien des Art Déco. Nach den fließenden Formen und poetischen Blumen der Art Nouveau-Ära (auch Art Nouveau genannt) wirkte ihr Schmuck auffällig und schockierend.

Leichtes Platin für Fassungen ermöglichte es dem Schmuck, auf die „schwere Panzerung“ von Gold zu verzichten. Reine geometrische Formen, abstrakte Muster, innovative Kombinationen von Grün und Blau, kontrastierende Auswahl an Steinen wie schwarzem Onyx und rotem Rubin, die Verwendung von geschnitzten statt facettierten Steinen sowie Einschlüsse authentischer antiker Artefakte (ägyptische Skarabäen usw.). ) – das sind die erkennbaren Merkmale. Schwarzer Onyx wurde allgemein zu einem Lieblingsstein dieser Zeit, insbesondere in Kombination mit Diamanten. Begleitet wurden sie von leuchtenden Akkorden aus Korallen, Lapislazuli, Jade und Emaille.

Gab es Art Deco in Russland?

Hochhaus am Kotelnicheskaya-Damm. Staatliches Forschungsmuseum für Architektur, benannt nach A.V. Shchusev: Website/Institute/7985

Metrostation „Majakowskaja“

Pavillon der UdSSR auf der Internationalen Ausstellung in Paris. 1937. Staatliches Forschungsmuseum für Architektur, benannt nach A.V. Shchusev: Website/Institute/7985

Der brillante Art-Déco-Stil ist natürlich zutiefst „bürgerlich“. Das ist ein Symbol verlorene Generation, die Mode der Charaktere von Fitzgerald, Hemingway (sowie der Vorkriegsbücher von Wodehouse und Agatha Christie). Der junge Sowjetstaat hatte zu dieser Zeit keine Zeit für diese äußere Pracht. Allerdings gab es die „Roaring Twenties“ und wir hatten die NEP. Erinnern Sie sich an Ellochka, die Ogerin: „...das funkelnde Foto zeigte die Tochter des amerikanischen Milliardärs Vanderbilt in einem Abendkleid. Es gab Pelze und Federn, Seide und Perlen, einen außergewöhnlich leichten Schnitt und eine atemberaubende Frisur.“ Die sowjetischen Nepmmen ahmten in ihren Gewohnheiten natürlich ihren freien westlichen Nachbarn nach, obwohl dies nicht offiziell genehmigt wurde.

Andererseits ist der Einfluss des Art Déco in einer der formalsten Künste – der Architektur – spürbar. Der Einfluss des importierten Stils ist im stalinistischen Klassizismus leicht zu erkennen: Fotografien von Fragmenten von Moskauer Hochhäusern sind aus manchen Blickwinkeln schwer von Ansichten von Manhattan-Wolkenkratzern aus der Vorkriegszeit zu unterscheiden. Die Liebe des Art Deco zum Geometrischen, die Verwendung von Abstraktionen – all das wurde von russischen Meistern im Heimatland des Suprematismus leicht aufgenommen. Es war auch angebracht, die technischen Errungenschaften der Menschheit zu verherrlichen. Es gibt auch amüsantere Schilder – erinnern Sie sich, dass wir über die Anziehungskraft des Art Déco auf ägyptische Motive gesprochen haben? Ihm war es zu verdanken, dass Tamara Lempicka aufstand. Selbstporträt in einem grünen Bugatti. 1929. Privatsammlung

Aber der Beitrag, den russische Auswanderer zur Entwicklung des Art Deco leisteten, war viel bedeutender. Seit Jahren erscheinen die Modemagazine Vogue und Harper's Bazaar unter den Covern von Erte, der mit bürgerlichem Namen Roman Petrovich Tyrtov heißt. Seine „Symphony in Black“ ist einer davon Schlüssel funktioniert Stil.

Die abstrakte Künstlerin Sonia Delaunay, die in der Modebranche tätig war, bereicherte Art Deco mit der Farbe und Energie, die wir in anderen „Amazonen der Avantgarde“ sahen. Die Hauptporträtistin des Art Déco, eine der wenigen Künstlerinnen, denen es gelang, diesen Stil für Staffeleigemälde zu verwenden, ist Tamara Lempicka, eine gebürtige Künstlerin aus dem russischen Königreich Polen, die vor der Revolution in St. Petersburg lebte. (Aber der wichtigste Bildhauer dieser Zeit, Dmitry Chiparus, ist trotz seines für uns so bekannten Namens Rumäne.) Schließlich gelang es Leon Bakst, der sich im Exil befand, neben dem Theater auch in der Modebranche zu arbeiten – ganz klar im Art-Déco-Stil.

Kunsthistoriker schreiben im Allgemeinen, dass der Art-déco-Stil ursprünglich von den „Russischen Jahreszeiten“ inspiriert wurde, die im 20. Jahrhundert die Pariser Kunstwelt erschütterten. Also – vielen Dank an Diaghilew und für Art Deco!

Der Art-Déco-Stil ist in unserer Zeit äußerst beliebt und richtet sich vor allem an Liebhaber von Elitismus und Luxus, mit raffiniertem und raffiniertem Geschmack, an diejenigen, die es lieben, exklusive Objekte zu bewundern und zu bewundern. Der Stil erfreut sich großer Beliebtheit kreative Welt: Schauspieler, Künstler und andere Prominente.

DESIGN IM ART-DECO-STIL

Der Hauptunterschied zwischen diesem Stil und anderen ist die Tendenz zum Empire-Stil und zum Kubismus. Es enthält auch Elemente der archaischen Kunst antiker Kulturen. Art Deco ist eine Kombination vieler Trends: ägyptische Motive, griechische Archaik und primitive Kunst afrikanischer Stämme – alles harmonisch zu einem Ganzen verschmolzen und avantgardistische Einfachheit und zugleich exotische Originalität geschaffen. Art Deco ist eine Fortsetzung des „Modern“-Stils; auch als er geboren wurde, trug er den ursprünglichen Namen „Streamlined Modern“. Auf künstliche Materialien wird hier komplett verzichtet, ebenso auf moderne Motive. Keine glatten Linien oder floralen Muster – nur Schärfe, Kantigkeit, Geometrie oder Abstraktion, d.h. Es gibt auch Elemente von „High-Tech“. Zuvor entstanden Gemälde, Skulpturen, Möbelstücke sowie Gebäude und Bauwerke im Art-Déco-Stil. Zusätzlich zu all dem kommt der Stil nicht ohne ethnische Motive aus, d.h. Art Deco ist vielseitig.

Hauptsächlich charakteristische Merkmale Stil:

Zickzackformen (dies kann ein Ornament oder das Verlegen von Fliesen im Fischgrätenmuster sein);
Sunburst, was Sonnenstrahlen bedeutet (kann in Dekoration, Form und Dekor gefunden werden). Übrigens wird die inhärente Streifenbildung vieler Elemente im Art Deco mit den Strahlen in Verbindung gebracht (Streifendekor wird verwendet, Wände werden mit Streifen besetzt oder die Rückseite eines Sofas wird in Streifen unterteilt);
Stufenförmigkeit (zum Beispiel die Divergenz der Sonnenstrahlen in Stufen, wie mehrstufige Strukturen, die typisch für die babylonische, sumerische und assyrische Architektur sind);
trapezförmig (das Vorhandensein vieler Einrichtungsgegenstände mit Trapezform, zum Beispiel Möbel, Spiegel oder Türdekorationen);
geschwungene Linien (Krümmungen einer geometrischen Form sind häufiger, es gibt aber auch eine scharfe abgerundete Krümmung);
Klaviertasten (bezogen auf die überall zu findenden abwechselnden hellen und dunklen Streifen)
Kontur oder Rahmen (z. B. eine mit einer kontrastierenden Farblinie verzierte Fläche, also ein Rahmen, mit dem Sie die stilbildende Geometrie am deutlichsten hervorheben können)

Der Art-Deco-Stil beinhaltet die Verwendung von Materialien:

Holz (einschließlich Holz mit Intarsien);
Glas;
echtes Leder (einschließlich Zebrafell);
Edelstahl;
Aluminium;
glänzende Keramik- oder Steinfliesen;
lackierte Oberflächen.

Relativ Farbpalette Wir können sagen, dass Art Deco überwiegend neutrale Töne verwendet: Schwarz, Weiß, Grau, Silber, Beige, Braun sowie Braun- und Metalltöne. Eine sparsame und gedämpfte Einführung anderer Farben ist erlaubt, vor allem Grün, Blau, Gold, Rot oder Burgund.

SCHLAFZIMMER ART DECO

Die überwiegende Mehrheit der Menschen, die sich für den Art-Déco-Stil für ihr Schlafzimmer entscheiden, ist dieser Meinung kreative Menschen und wahre Kenner der Schönheit. Art Deco, aus dem Französischen ins Russische übersetzt, bedeutet „dekorative Kunst“, und hier sind Standardmöbel unverzichtbar. Um ein Art-Deco-Schlafzimmer zu schaffen, müssen Sie Ihre Seele investieren und keine Angst vor Dekorationsexperimenten haben, um die unsichtbare Grenze zwischen Moderne und Klassik, zwischen raffinierter Eleganz und monumentalem Luxus zu finden.

Klassik und Moderne im Art Deco werden vor allem durch natürliche Materialien, geometrische Formen und Vielseitigkeit vereint. Ein Art-Deco-Schlafzimmer zeichnet sich durch weiche Formen aus, was durch ein Bett mit einem weichen, verzierten Kopfteil ermöglicht wird, das eine klassische rechteckige Form oder eine moderne ovale Form haben kann. Normalerweise ist das Kopfteil mit einer teuren Polsterung verziert oder der gesamte Kopfteilbereich ist es hervorgehoben durch geprägte Tapeten und Stoffvorhänge.

Möbel müssen aus Holz oder Metall sein und haben sich verjüngende Kanten

Regale, Schränke, Nachttische und andere Möbel werden nach diesem Prinzip ausgewählt: Sind die Wände dunkel, sollten die Möbel hell sein und umgekehrt. Verfügbarkeit ungewöhnliche Form Ein Schminktisch und eine Ottomane (oder ein Sessel) in diesem Stil sind ein Muss. Spiegel machen das Schlafzimmer geräumig und hell und vergrößern den Raum auch optisch, denn Art Deco bedeutet viel Platz, Licht und Sauberkeit. In diesem Zusammenhang sollte es eine große Anzahl an Spiegeln geben: Schranktüren, einen Sunburst-Spiegel im Nachttischbereich sowie einen großen Spiegel am Schminktisch.

Schlafzimmerwände können eine eigenständige Innendekoration sein. Zeichnungen und Ornamente sind das Hauptelement bei der Gestaltung von Wänden dieses Stils, ebenso wie Collagen aller Art, Innenaufkleber oder dekorative Gemälde. Allerdings braucht alles Mäßigung. Das Muster kann ein Hintergrundrahmen für Möbel oder ein zentraler Akzent des Innenraums sein, es sollte jedoch gedämpfte, dezente Töne haben. Der Stil lässt auch abgerundete Formen zu: Ovale, Wellen, Kreise. Wenn in der Wand eine Nische vorhanden ist, können Sie ihr mit Trockenbau die Form einer Ellipse geben und dort beispielsweise einen Schminktisch oder einen Fernseher platzieren. In diesem Fall muss jedoch eine ähnliche Form entweder bei der Fertigstellung der Decken, des Bodenpodests usw. wiederholt werden Türen. Übrigens wäre es keine schlechte Idee, an der Decke Stuckleisten anzubringen, beispielsweise in Form eines Kronleuchterrahmens. Gemälde an den Wänden sind, wenn auch in kleinen Mengen, erlaubt, damit der Innenraum nicht mit diversen Kleingegenständen übersättigt wird.

Farblich kann das Schlafzimmer in Weiß-, warmen Braun-, Grau-, Rosa- und Rottönen gestaltet werden. Es wird empfohlen, Kontrast anzuwenden. Accessoires und Möbel sollten nicht zu einem Ganzen verschmelzen, sondern hervorstechen. Am beeindruckendsten wirken Innenräume in Kombinationen aus Schwarz und Weiß, Schokoladenbeige, Grau und Schwarz, Grau und Blau sowie Weiß und Burgundertönen. Typischerweise werden in der Inneneinrichtung drei Farbtöne verwendet, von denen zwei den Hintergrund darstellen (z. B. Schwarz und Weiß) und einer als Luxuselement verwendet wird (Gold, Bronze oder Silber). Es wäre toll, wenn die Dekoration sowie das Dekor luxuriöse Elemente enthalten würden, zum Beispiel Seidenstoffe, leichte Vergoldung oder Parkettboden. Im Allgemeinen dienen Stoffvorhänge als Hauptdekoration des Schlafzimmers. Sie verleihen besondere Romantik und Behaglichkeit. Vorhänge können aus Seide oder Satin sein, vor dem Bett befindet sich ein schlichter Naturbezug Weiß oder ein Nachtvorleger aus Kunstpelz mit langem, dickem Flor. Das Bett ist mit einer luxuriösen Tagesdecke mit Kissen bezogen, die zur weichen Polsterung der Ottomane oder Stühle passen.

Die Schlafzimmerbeleuchtung sollte mehrstufig sein; mindestens vorhanden sein sollten: ein zentraler Kronleuchter aus Kristall oder mehrfarbigem Glas, Lampen am Schminktisch und Stehlampen. Zur Ausleuchtung von Nischen können Sie zusätzlich LED-Beleuchtung einsetzen.

WOHNZIMMER ART DECO

Moderne Wohnzimmer im Art-Déco-Stil fügen sich harmonisch zusammen geometrische Formen mit abgerundeten Fassaden und Möbeln, die meist aus wertvollem Holz bestehen, werden mit Glaseinsätzen und Metallgriffen kombiniert. Stil bietet ein riesiges Betätigungsfeld bei der Umsetzung verschiedenster Ideen. Alle Designs können verwendet werden, seien es afrikanische Muster, kubistische Muster, Luftfahrtartikel oder Designs mit Automobilmotiven, denn... Innenräume in diesem Stil bestehen aus einem Mosaik von Stilen und Epochen. Als Dekorationsmaterial Es werden Edelhölzer, Leder (einschließlich Krokodil, Hai und Rochen), Halbedelsteine, Elfenbein, Bambus usw. verwendet. So tragen extravagante Materialien wesentlich dazu bei, die ganze Bandbreite an Gefühlen auszudrücken, zumal das Art-Déco-Wohnzimmer ein wahres Zentrum der Ästhetik ist. Die Kombination aus Glas und Metall hat weit verbreitete Verwendung gefunden und Türen, Innenwände, Kaminzubehör und Treppengeländer sind mit geschweißtem Eisen verziert.

Bezüglich der Farbgebung - Vorherrschaft dunkle Farbtöne Allerdings sind Braun- und Beigetöne erlaubt, die dem Innenraum eine besondere Noblesse verleihen. Aber was bunte Blumen betrifft, ist dies inakzeptabel. Der vorteilhafteste Effekt wird durch das Spiel mit monotoner Sättigung in Kombination mit einem kontrastierenden Muster erzielt. Der Einsatz von eingelegten Glasflächen, poliertem Metall und poliertem Holz im Wohnzimmer ist besonders willkommen, denn... All diese Attribute verstärken den Eindruck von Luxus und Noblesse.

Auch die Möbel in einem Art-Déco-Wohnzimmer sollten luxuriös sein, besser ist es, wenn sie aus exotischen Hölzern handgefertigt sind. Aber auf jeden Fall wird jeder Artikel noch zusätzlich dekoriert. Auch die Form der Möbel ist ungewöhnlich, zum Beispiel kann die Sitzfläche des Stuhls trapezförmig sein und die Polsterung kann ägyptische oder orientalische Muster aufweisen, kurz gesagt, eine Kombination unvereinbarer Dinge. Besonders geeignet sind schicke Tische mit Intarsienplatten sowie große Stühle und Sessel wie ein Königsthron. Aber wir sollten nicht vergessen, dass der Stil selbst sehr elegant und leicht ist und daher die Formen von Zickzacks, Wellen oder Schwanenhälse. Stil hat übrigens einen anderen Namen – „künstlerisch“. Die gewinnbringendste Kombination für Möbel ist die Verwendung von dunkelrotem oder burgunderrotem Holz in Kombination mit weißem Naturleder, Marmor oder Glas.

Vitrinen mit schönen, wertvollen Dingen passen perfekt in die Inneneinrichtung

Wohnzimmerwände dienen meist als angenehme, unaufdringliche Kulisse für luxuriöse, stilvolle Möbel und andere Einrichtungsgegenstände. Sehr oft werden sie einfach einfarbig lackiert. Allerdings sind auch zarte Einschlüsse in Form von Ornamenten in anderen Farben möglich. Das Wichtigste ist, dass die Farbgebung der Wände und des Bodens sanft sein muss, die Möbel dagegen dunkel und sogar fast schwarz sein müssen.

Auch im Innenraum können überall Skulpturen weiblicher Figuren angebracht sein, beispielsweise in tanzender Pose, die ein Symbol für Reinheit und Anmut ist. Die Hauptdekoration dieses Stils sind jedoch immer noch Textilien. Die verwendeten Vorhänge sind aus schwerem Samt oder Satin. Kissen und die Lampenschirme der Lampen sollten auf die Vorhänge abgestimmt sein. Auch komplizierte Bildschirme oder andere geschmiedete Metallgegenstände sind eine hervorragende Ergänzung für den Innenraum. Vintage-Accessoires werden in großen Mengen verwendet, wie z einzigartige Gemälde im Geiste des Mittelalters sowie verschiedene Vasen und Wanduhren und natürlich luxuriöse Teppiche. Übrigens, was Gemälde betrifft, werden Gemälde im Art-Déco-Stil hervorragend aussehen, die eine gewisse Mischung aus modernem Ausdruck und antiker Eleganz mit Bildern von weiblichen Silhouetten, ausgefallenen Märchentieren oder abstrakten Flecken darstellen.

ART-DECO-KÜCHE

Wie oben erwähnt, ist der Art-Deco-Stil eine Kombination aus traditionellem Neoklassizismus und innovativem Modernismus. Wie äußert sich das alles im Innenraum der Küche? Vor allem seine Originalität. Da dieser Stil teuer und recht hell ist, bildet das Küchendesign keine Ausnahme, das heißt, es wird nicht unbemerkt bleiben. Zweitens Exklusivität in Form ungewöhnlicher Antiquitäten, zum Beispiel Kunstgegenstände. Bezüglich der verwendeten Materialien werden folgende verwendet: Holz (dies ist das Hauptmaterial), sowohl poliert als auch eingelegt oder lackiert, Metall (Edelstahl und Aluminium), echtes Leder, Glas sowie glänzende Fliesen (Keramik-, Kunst- oder Naturstein). ) und natürlich Textilien (unifarbener Satin oder Seide sowie Stoff mit Zebrastreifen).

Was die Farbgebung betrifft, wäre die perfekte Kombination Schwarz und Weiß (das ist das Hauptmerkmal des Art Deco). Aber auch andere Farbkombinationen sind möglich, zum Beispiel Weiß mit Schokolade, Silber mit Schwarz usw. Wir sollten jedoch nicht vergessen, dass das Hauptsortiment die Farben Metall, Erde, Stein oder echtes Leder sind. Es ist eine gute Idee, den Essbereich mit Streifen zu dekorieren, indem Sie Vlies- oder Textiltapeten mit der gleichen Struktur verwenden. Und die Arbeitsschürze kann beispielsweise aus geometrischen Fliesen nach dem Prinzip eines Schwarz-Weiß-Mosaiks bestehen. Es können auch andere Farben hinzugefügt werden, allerdings in kleinen Mengen und in gedeckten Tönen (Grün, Blau, Gold und Rot).

Noch einer traditionelles Merkmal Der Stil ist eine gestufte Form, die sich sowohl auf gemusterte Wanddekorationen als auch auf Möbel mit darauf befindlichen Modulen erstreckt verschiedene Ebenen, sowohl in der Höhe als auch in der Tiefe. Wenn es der Raum zulässt, wäre es sinnvoll, eine mehrstufige Spanndecke zu bauen, wenn diese mit einer glänzenden schwarzen oder weißen Folie abgedeckt wird und viel Licht angebracht wird. Den größten Effekt erzielen Sie, wenn Sie eine „Stufe“ in Form einer Stuckbordüre machen und so den diesem Stil innewohnenden geometrischen Charakter betonen. Eine der Möglichkeiten besteht auch darin, den Essbereich mit Fototapeten in Form von mehrstufigen Bildern von Landschaften, Häusern oder Abstraktionen zu dekorieren – sofern die Zeichnungen klare, regelmäßige geometrische Formen enthalten.

Ein sehr bedeutendes Element und eine wichtige Note des Art Deco sind die Sonnenstrahlen (Sunburst). Ray-Streifen sollten überall vorhanden sein: in Möbelpolstern, Dekorationen, Textilien. Gestreifte Vorhänge am Boden, ein Kronleuchter in Form eines Fächers oder ein imitiertes Zebrafell in einer weichen Ecke – ein oder zwei Elemente „Sonnenstrahlen“ reichen aus. Bei den Möbeln ist zu beachten, dass es eine Voraussetzung ist, den Raum nicht zu überladen, d.h. Möbel sollten funktional sein. Die Polsterung sollte aus Samt, Satin, Leder und Velours bestehen. Idealerweise sollte der Essbereich in Anlehnung an die Traditionen der besten Elite-Restaurants in einen exquisiten Tisch verwandelt werden. Wenn wir im Allgemeinen von einer idealen Küche im Art-Deco-Stil sprechen, dann sollte sie Möbel aus wertvollem Holz enthalten, die auf Bestellung angefertigt wurden, oder optional restaurierte Antiquitäten. Wenn dies nicht möglich ist, gibt es eine weitere Alternative zu teurem Holz – ein zweifarbig lackiertes Set, das schwarz und weiß, blaugrau, rotgrau usw. sein kann, d.h. Spielen Sie mit dem Kontrast von Farben und Lackierungen, was auch Art Deco liebt. Darüber hinaus können Sie Möbel mit Edelstahlverkleidung verwenden.

Vergrößert den Raum optisch. Darüber hinaus würde ein gewöhnlicher Spiegel in Form eines Trapezes oder noch besser in Form einer Sonne gut aussehen, insbesondere wenn Sie Strahler platzieren, um ein Lichtspiel zu erzielen.

Es empfiehlt sich, die Böden mit lackiertem Parkett zu belegen, obwohl eine solche Oberfläche für die Küche natürlich nicht ganz praktikabel ist. In dieser Hinsicht sind Bodenfliesen (Marmor oder Imitation eines anderen Natursteins) die beste Alternative. Sie können auch Linoleum verwenden, das ein geometrisches Muster aufweist. Nicht zu vergessen sind ethnische Noten, die beispielsweise auch in Form von Gemälden mit Landschaften oder Schwarz-Weiß-Fotografien in dünnen Holz- oder Metallrahmen vorhanden sein sollten. Oder dekorieren Sie den Innenraum mit Palmen oder exotischen Blumen. Und noch eine Nuance: Es sollten genügend Lampen vorhanden sein, um eine gute Ausleuchtung des Raumes zu gewährleisten.

Und nun das Wichtigste, sozusagen das Highlight einer Art-Déco-Küche – es muss auf jeden Fall etwas darin sein, das sofort ins Auge fällt (eine exklusive Vase, eine Bronzefigur, silberne Kerzenständer oder zum Beispiel ein Gemälde) . Es ist notwendig, sorgfältig zu überlegen und eines der Elemente auszuwählen, das Überraschung und Freude hervorrufen kann, sei es ein Spiegel oder ein Kronleuchter.

Art Deco, Jugendstil, Jugendstil – Stilmerkmale, Beispiele – Gemälde, Glasmalerei, Innenräume

In diesem Artikel werden wir uns mit dem Einrichtungsstil befassen Art Deco, Jugendstil, modern. Stilelemente – Malerei, Architektur, Elemente des Innenraums – Möbel, Vorhänge, Kronleuchter, Gemälde usw.

Gebäude der Wiener Secession

Jugendstil [Art Nouveau, „ Tiffany„ (nach Louis Comfort Tiffany) in den USA, „ Jugendstil" Und " Fin de Siècle„in Frankreich“ Jugendstil„in Deutschland“ Sezessionsstil„in Österreich“ moderner Stil„in England“, Freiheitsstil„in Italien“, Modernismus„in Spanien“, Neue Kunst„in Holland“ Fichtenstil" (Stil sapin) in der Schweiz.) verbreitete sich 1918-1939 in Frankreich, teilweise auch in anderen europäischen Ländern und den USA. In architektonischen Formen und Gemälden dominieren geschwungene Linien, eine ungewöhnliche Kombination aus teuren und exotischen Materialien, Bilder fantastischer Kreaturen, Wellenformen, Muscheln, Drachen und Pfauen, Schwanenhälse und träge Frauen. Die Asymmetrie der Formen ist betont. Blätter, Blüten, Stämme und Stängel sowie die Konturen des menschlichen oder tierischen Körpers mit ihrer inhärenten Asymmetrie sind Handlungsleitfaden und Inspirationsquelle. Der Stil basiert auf den Thesen, die sich in der Kunst bilden wichtiger als der Inhalt. Jeder sehr prosaische Inhalt kann in einer höchst künstlerischen Form präsentiert werden. Die Quelle davon“ neue Form„wurde Natur und Frau. Dieser Stil zeichnet sich durch Raffinesse, Raffinesse, Spiritualität und Variabilität aus. Daraus folgte eine bestimmte Farbpalette – verblasst, gedämpft; Vorherrschen glatter, komplexer Linien. Eine Reihe von Symbolen – ausgefallene Blumen, Meeresraritäten, Wellen. Die stilistischen Eigenschaften des Jugendstils werden manchmal mit dem plastischen System des Barock verglichen, wobei zu Recht einige Ähnlichkeiten zwischen ihnen im Verwendungswunsch der Künstler gesehen werden Ausdrucksmittel Formen organischer Natur. Auch der Jugendstil hat viel von der Kunst Asiens übernommen.

Kopien von Michael Parkes, Gustav Klimt, Tamara Lempicka, Alphonse Mucha, Vrubel, Bilibin oder Vasnetsov sowie Werke zeitgenössischer Künstler, die in diesem Stil schreiben, sowie amerikanische Grafiken machen in solchen Innenräumen sowie in der Kunst immer eine gute Figur Deko-Interieur ein bestimmtes Thema. Viele Künstler dieses Stils (oder dieser Zeit) waren von der orientalischen Malerei fasziniert – auf den Gemälden desselben Gustav Klimt sehen wir oft Schriftzeichen auf Chinesisch oder Japanische Kleidung. Daher wäre in solchen Innenräumen chinesische oder japanische Malerei nicht fehl am Platz. Hier sind einige Werke, die unserer Meinung nach für Innenräume in solchen Stilrichtungen geeignet sind.

Art Deco (Art Deco)- eine beliebte Bewegung in der internationalen dekorativen Kunst von 1925-1939. Dieser Stil folgt historisch gesehen unmittelbar dem Jugendstil. Er berührte Kunstbereiche wie Architektur, Innenarchitektur, Industriedesign, Modeindustrie, Malerei, Grafik, Kino. Diese Bewegung vereinte gewissermaßen viele verschiedene Stile und Strömungen des frühen 20. Jahrhunderts, darunter Neoklassizismus, Konstruktivismus, Kubismus, Modernismus, Bauhaus, Jugendstil und Futurismus. Aber in größerem Maße ist es modern mit einer Beimischung von Neoklassizismus. Besondere Merkmale sind strenge Muster, ethnische geometrische Muster, luxuriöse, schicke, teure, moderne Materialien (Elfenbein, Krokodilleder oder Haifisch- oder Zebrafell, seltene Hölzer, Silber). In Deutschland und der UdSSR wandelt sich Art Deco vom Jugendstil zum „neuen Imperium“.

Der Höhepunkt der Popularität der Bewegung fiel in den „Goldenen Zwanzigern“, aber selbst in den 1930er Jahren war sie in den Vereinigten Staaten recht stark. Im Gegensatz zu anderen Bewegungen, deren Ursprung in der Politik oder Philosophie liegt, hatte Art Deco eine ausschließlich dekorative Bedeutung. Der Stil wurde einst als Reaktion auf die Weltausstellung von 1900 wahrgenommen. Nach der berühmten Ausstellung gründeten mehrere französische Künstler die offiziell eingetragene Organisation La Société des artistes décorateurs (Gesellschaft dekorativer Architekten). Zu seinen Gründern gehörte Hector Guimard.

Paris blieb in den 30er Jahren des 19. Jahrhunderts das Zentrum des Art-Déco-Stils. Er verkörperte es in Möbeln Jacques-Émile Ruhlmann- der berühmteste Möbeldesigner dieser Zeit und vielleicht der letzte der klassischen Pariser ebeniste(Schränkler). Darüber hinaus typische Werke von Jean-Jacques Rateau, Produkte der Firma „Süe et Mare“, Paravents von Eileen Gray, geschmiedete Metallprodukte von Edgar Brandt, Metall und Emaille des Schweizers jüdischer Herkunft Jean Dunant, Glas des großen René Lalique und Maurice Marino sowie Uhren und Schmuck von Cartier.

Das Symbol des Art Deco in der dekorativen und angewandten Kunst waren Skulpturen aus Bronze und Elfenbein. Teilweise inspiriert von Diaghilews „Russischen Jahreszeiten“, der Kunst Ägyptens und des Ostens sowie den technologischen Errungenschaften des „Maschinenzeitalters“, schufen französische und deutsche Meister in den 1920er und 1930er Jahren einen einzigartigen Stil kleiner Skulpturen, der den Status steigerte der dekorativen Skulptur auf das Niveau der „hohen Kunst“. Als klassische Vertreter des Art Deco in der Bildhauerei gelten Dmitry Chiparus, Claire Jean Robert Colinet, Paul Philippe (Frankreich), Ferdinand Preiss, Otto Poertzel (Deutschland), Bruno Zack, J. Lorenzl (Österreich).

Jugendstil (Französische Aussprache: , anglisiert zu /ˈɑːrt nuːˈvoʊ/) ist ein internationaler Stil der Kunst, Architektur und dekorativen Kunst, insbesondere der dekorativen Kunst, der zwischen 1890 und 1910 am beliebtesten war. Der Stil, eine Reaktion auf die akademische Kunst des 19. Jahrhunderts, wurde von natürlichen Formen und Strukturen inspiriert, insbesondere den geschwungenen Linien von Pflanzen und Blumen.

Im Englischen wird es verwendet Französischer Name„Art Nouveau“ (neue Kunst). Dieser Stil ist mit Stilen verwandt, die in vielen europäischen Ländern etwa zur gleichen Zeit entstanden, ist aber nicht mit ihnen identisch: In Österreich ist er nach der „Wiener Secession“ als „Sezessionsstil“ bekannt; in Spanien als „Modernismus“; in Katalonien als "Modernismus"; in der Tschechischen Republik als „secese“; in Dänemark als „skönvirke“ oder "Jugendstil"; in Deutschland als "Jugendstil", "Jugendstil" oder „Reformstil“; in Ungarn als „Sezession“; in Italien als "Jugendstil", „Liberty-Stil“ oder „floraler Stil“; in Norwegen als "Jugendstil"; in Polen als "sexy"; in der Slowakei als „secesa“; in Russland als "modern"; und in Schweden wie „Jugend“.

Jugendstil ist ein allgemeiner künstlerischer Stil. Es deckt ein breites Spektrum an bildender und dekorativer Kunst ab, darunter Architektur, Malerei, Zeichnung, Innenarchitektur, Schmuck, Möbel, Textilien, Keramik, Glas und Metallarbeiten.

Bereits 1910 war der Jugendstil aus der Mode gekommen. Er wurde zunächst vom Art Déco und dann vom Modernismus als vorherrschender architektonischer und dekorativer Stil Europas abgelöst.

Herkunft

Die neue künstlerische Bewegung hatte ihre Wurzeln in Großbritannien, in den Blumenmustern von William Morris und in der von Morris‘ Schülern gegründeten Arts and Crafts-Bewegung. Frühe Beispiele dieses Stils sind Morris‘ Red House (1859) und James Abbott McNeil Whistlers Peacock Room. Auch die neue Bewegung wurde beeinflusst starker Einfluss Präraffaelitische Künstler, darunter: Dante Gabriel Rossetti Und Edward Burne-Jones, und dies gilt insbesondere für britische Grafiker der 1880er Jahre, darunter Selwyn Images, Heywood Sumner, Walter Crane, Alfred Gilbert und vor allem Aubrey Beardsley.

In Frankreich vereinte der Stil mehrere unterschiedliche Trends. In der Architektur wurde er vom Architekturtheoretiker und Historiker Eugene Viollet-le-Duc beeinflusst, dem Erzfeind des Historischen architektonischer Stil boz-ar. In seinem Buch „Entretiens sur l“architecture“ 1872 schrieb er: „Nutzen Sie die Mittel und Kenntnisse, die uns unsere Zeit gegeben hat, ohne Zwischentraditionen, die heute nicht mehr lebensfähig sind, und auf diese Weise werden wir in der Lage sein, etwas zu entdecken.“ neue Architektur. Jede Funktion hat ihr eigenes Material; Jedes Material hat seine eigene Form und sein eigenes Ornament.“ Dieses Buch beeinflusste eine Generation von Architekten, darunter Louis Sullivan, Victor Horta, Hector Guimard und Antoni Gaudí.

Französische Maler Maurice Denis , Pierre Bonnard Und Edouard Vuillard gespielt wichtige Rolle in der Kombination der schönen Künste der Malerei mit dem Dekorativen. „Ich glaube, dass die Malerei zuallererst schmücken sollte“, schrieb Denis 1891. „Die Wahl der Handlung oder der Szenen ist nichts. Durch das Verhältnis von Tönen, bemalten Oberflächen und der Harmonie der Linien kann ich die Seele erreichen und Emotionen wecken.“ Alle diese Künstler schufen sowohl traditionelle als auch dekorative Gemälde auf Leinwänden, Glas und anderen Materialien.

Ein weiterer wichtiger Einfluss auf neuer Stil wurde zum Japonismus: eine Welle des Interesses an japanischen Holzschnitten, insbesondere an den Werken von Hiroshige, Hokusai und Utagawa Kunisada, die ab den 1870er Jahren nach Europa importiert wurden. Der Unternehmer Siegfried Bing gründete 1888 die Monatszeitschrift Le Japon artistique und veröffentlichte 36 Ausgaben, bevor sie 1891 geschlossen wurde. Er beeinflusste sowohl Sammler als auch Künstler, darunter Gustav Klimt. Stilisierte Elemente japanischer Drucke erschienen in Grafiken, Porzellan, Schmuck und Jugendstilmöbel.

Neue Technologien im Druck- und Verlagswesen ermöglichten es dem Jugendstil, schnell ein weltweites Publikum zu erreichen. Mit Fotografien und Farblithografien illustrierte Kunstzeitschriften spielten eine wichtige Rolle bei der Popularisierung des neuen Stils. Das Studio in England, Arts et idèes und Art et décoration in Frankreich, Jugend in Deutschland sorgten dafür, dass sich der Stil schnell in allen Teilen Europas verbreitete. Aubrey Beardsley in England und Eugene Grasset, Henri de Toulouse-Lautrec Und Felix Vallotton haben als Illustratoren internationale Anerkennung gefunden.

Danke an die Plakate Jules Cheret für die Tänzerin Loie Fuller im Jahr 1893 und Alphonse Mucha Für die Schauspielerin Sarah Bernhardt im Jahr 1895 wurde das Plakat nicht nur zur Werbung, sondern künstlerische Form. Toulouse-Lautrec und andere Künstler haben internationalen Promi-Status erlangt.

Form und Charakter

Obwohl der Jugendstil mit zunehmender geografischer Verbreitung klar lokalisierte Tendenzen erlangte, gab es einige allgemeine Merkmale geben seine Form an. Eine in der Zeitschrift Pan veröffentlichte Beschreibung des Wandteppichs „Alpenveilchen“ (1894) von Hermann Obrist, der ihn als „unerwartet starke Kurven, die durch den Schlag einer Peitsche entstanden“ beschrieb, die zu Beginn der Ausbreitung des Jugendstils berühmt wurde. In der Folge wurde nicht nur das Werk selbst besser als „Whip“ bekannt, sondern der Begriff „Whip“ selbst wird auch oft für die charakteristischen Kurven verwendet, die von Jugendstilkünstlern verwendet werden. Solche dekorativen „Peitschen“-Motive bestehen aus dynamischen, wellenförmigen und glatte Linien in synkopiertem Rhythmus und asymmetrischer Form finden sich in der gesamten Architektur, Malerei, Skulptur und anderen Formen des Jugendstildesigns.

Die Ursprünge des Jugendstils liegen im Kampf des Künstlers William Morris mit umfangreichen Kompositionen und den Erweckungstrends des 19. Jahrhunderts und ihren Theorien, die zur Entstehung der Arts-and-Crafts-Bewegung beitrugen. Allerdings wird Arthur MacCurdos Cover für The City Churches of Wren (1883) mit seinen rhythmischen Blumenmustern oft als die erste Umsetzung des Jugendstils angesehen. Etwa zur gleichen Zeit fallen vor allem die flache Perspektive und die leuchtenden Farben japanischer Holzschnitte auf Katsushiki Hokusai, hatte einen starken Einfluss auf die Formel des Jugendstils. Der Japonismus, der in den 1880er und 1890er Jahren in Europa populär war, hatte mit seinen organischen Formen und seiner Anziehungskraft auf die Natur einen erheblichen Einfluss auf viele Künstler. Japanisch inspirierte Kunst und Design wurden nicht nur von Künstlern wie Emile Galle und James Abbott McNeil Whistler übernommen, sondern auch von den Geschäftsleuten Siegfried Bean und Arthur Lasenby Liberty in ihren Geschäften in Paris bzw. London gefördert.

In der Architektur sind Hyperbeln und Parabeln in Fenstern, Bögen und Türen weit verbreitet und dekorative Fragmente werden in Pflanzenformen umgewandelt. Wie die meisten Designstile strebte der Jugendstil danach, seine Formen zu harmonisieren. Der Text über dem Eingang zur Pariser Metro nutzt Merkmale der restlichen Metallstruktur.

Die Architektur und Innenarchitektur des Jugendstils vermeidet die eklektischen Wiederbelebungsstile des 19. Jahrhunderts. Obwohl Art-Nouveau-Designer einige der abstrakteren Elemente des Rokoko-Stils, wie Flammen- und Muscheltexturen, ausgewählt und „modernisiert“ haben, befürworteten sie auch die Verwendung stark stilisierter organischer Formen als Inspirationsquelle und erweiterten so die „natürliche“ Vielfalt auf die Verwendung von Algen, Gräsern und Insekten Ein weiterer Einfluss waren die weichen, gemischten Formen des Knorpelwerks aus dem 17. Jahrhundert, die am besten in niederländischem Silber dargestellt sind.

Beziehung zu modernen Stilen und Bewegungen

Als Kunststil weist der Jugendstil Ähnlichkeiten mit den Präraffaeliten und dem Symbolismus auf, und Künstler wie Aubrey Beardsley, Alphonse Mucha, Edward Burne-Jones, Gustav Klimt und Jan Toorop können mehr als einem dieser Stile zugeordnet werden. Im Gegensatz zur symbolischen Malerei hat der Jugendstil jedoch eine Besonderheit Aussehen; und im Gegensatz zur handwerklich orientierten Arts-and-Crafts-Bewegung griffen Jugendstilkünstler im Interesse des reinen Designs bereitwillig neue Materialien, bearbeitete Oberflächen und Abstraktion auf.

Jugendstil verzichtete nicht auf den Einsatz von Maschinen, wie es die Arts-and-Crafts-Bewegung tat. Für die Bildhauerei wurden vor allem Glas und Schmiedeeisen als Materialien verwendet, was auch in der Architektur zu skulpturalen Zügen führte. Keramik war auch an der Schaffung von Skulpturenserien von Künstlern wie Auguste Rodin beteiligt.

Die Jugendstilarchitektur nutzte viele der technologischen Innovationen des späten 19. Jahrhunderts, insbesondere freiliegendes Eisen und große, maßgeschneiderte Glaselemente. Mit dem Ausbruch des Ersten Weltkriegs geriet der stilisierte Charakter des Art Nouveau-Designs, dessen Herstellung teuer war, jedoch außer Gebrauch und wurde zugunsten eines stromlinienförmigeren, geradlinigeren Modernismus ersetzt, der billiger war und besser zur einfachen industriellen Ästhetik des Art Nouveau passte Deko wurde.

Stiltrends Jugendstil auch lokale Stile infiltriert. In Dänemark beispielsweise war der Trend ein Aspekt von Skönvirke („ästhetische Arbeit“), der wiederum enger mit dem Arts-and-Crafts-Stil verbunden ist. Darüber hinaus übernahmen Künstler in Polen viele florale und organische Motive aus dem Jugendstil in den Młoda Polska („Junges Polen“)-Stil. Młoda Polska umfasste jedoch auch andere künstlerische Stile und umfasste eine breitere Bewegung in Kunst, Literatur und Lebensstil.

Art Deco konnte sich dem Einfluss eines weiteren wichtigen Phänomens in der Kunst des 20. Jahrhunderts nicht entziehen – dem Abstraktionismus. Die Innovationen der abstrakten Kunst werden vor allem mit den Verdiensten Wassily Kandinskys in Verbindung gebracht, der von 1896 bis 1914 in München lebte und arbeitete. Indem der Künstler das Thema nach und nach aus seinen Gemälden entfernte, sorgte er dafür, dass sie den Anschein völliger Abstraktion erhielten.

Dies ist auch das Werk von Kasimir Malewitsch, dem Begründer des Suprematismus, der das Bild auf die Überlagerung eines Einzelnen vereinfachte weißes Quadrat zu einem anderen. Der Konstruktivismus als Stil hatte einen erheblichen Einfluss auf die westliche Kunst. Der Konstruktivismus basierte auf der Überzeugung, dass Kunst sozialen Zwecken dienen sollte und eher eine Widerspiegelung des Persönlichen sei soziale Erfahrung. Konstruktivistische Künstler schufen Werke, die wie Maschinenteile zusammengesetzt waren geometrische Formen und beeinflusste Art-Deco-Grafiken.

Die damals entwickelten Innovationen konnten den Art-Déco-Stil selbst, der aus der Vermischung mit ihnen entstand, nur beeinflussen. Auch in künstlerischer Hinsicht hatte der Kubismus spürbaren Einfluss auf das Art Déco, insbesondere seine Art, Objekte zu zerlegen und ihre geometrischen Bestandteile zu analysieren. Die kubistische Objektvision taucht in den Werken von Pablo Picasso und Georges Braque um 1908–1909 auf. Art Deco wurde stark vom Umgang der Kubisten mit Flächen und ihrer Technik der Verwendung von Farben beeinflusst.

Talentierter Maler und Bildhauer, Italienischer Künstler Amadeo Modeliani beeinflusste die Entwicklung des Art Deco. Er stellte lebhafte, überwiegend weibliche Formen dar, wobei er die Proportionen des Körpers und der Gesichtszüge bewusst streckte, was ein Prototyp der eleganten Stilisierung war, die für das Art Déco charakteristisch ist.

Der berühmte Pariser Couturier Paul Poiret, der viele Jahre lang zum Trendsetter wurde, tat viel für die Förderung des exotischen und farbenfrohen Art-Déco-Stils, der mit den russischen Jahreszeiten begann. Die Modelle von Paul Poiret vertraten das Idealbild einer reichen und modisch gekleideten modernen Frau. P. Poiret veränderte die Mode auf „revolutionäre“ Weise: Er zerstörte das Korsett und dadurch wurde die Silhouette seiner Modelle gerader und natürlicher. Dies war der erste, im Vergleich zu dem, was nach dem Ersten Weltkrieg geschehen sollte, noch zaghaft, aber bereits eine offensichtliche Befreiung. Tragen Sie gerade und lockere Tunika-Kleider mit hellen dekoratives Muster Das Verhalten der Frau ist direkter und natürlicher, weniger affektiert und prätentiös geworden. Im bekannten Martin Hotel, das 1911 eröffnet wurde, arbeiteten völlig unausgebildete junge Mädchen an der Gestaltung von Stoffen, Möbeln und Tapeten. Durch diese ungewöhnliche Methode entstanden Werke voller Frische und Lebendigkeit der Wahrnehmung, und der Mangel an technischem Wissen wurde durch gut ausgebildete Handwerker ausgeglichen, die die Zeichnungen der Mädchen auf Stoff übersetzten und sie nur geringfügig korrigierten. Das Martin-Studio produzierte Tapeten, Wandpaneele und Stoffe, die vollständig mit riesigen, leuchtenden Blumen bedeckt waren. So wurden Blumen (insbesondere Rosen, Dahlien, Gänseblümchen, Zinnien), sehr dekorativ und unendlich weit von der Natürlichkeit entfernt, zu einem Lieblingsthema des aufkommenden Art Deco.

In der Malerei ist es unter den Gemälden der Zwischenkriegszeit sehr schwierig, den reinen Art-Déco-Stil zu unterscheiden. Die meisten Künstler verwendeten Techniken, die sie den Kubisten entlehnt hatten. Die Art-Déco-Malerei gehörte nicht zu den künstlerischen Avantgarde-Bewegungen; außerdem war sie nicht angewandter Natur und darauf ausgelegt, den Grundprinzipien der Dekoration zu entsprechen.

Die Gemälde der in Polen geborenen Tamara de Lempicka, deren Werk von modischen Porträts und erotischen Frauenakten dominiert wird, gelten als typische Vertreterin der Art-déco-Malerei. De Lempickas Schreibtechnik kann durch die Anwendung ihrer eigenen Aussage im Maschinenzeitalter definiert werden, dass der Künstler „die Präzision nicht vergessen darf“. Das Gemälde muss sauber und ordentlich sein.“ (S. Sternow. Art Deco. Flüge der künstlerischen Fantasie. Belfax, 1997).

Im Großen und Ganzen lässt sich die Art-Deco-Skulptur in zwei große Gruppen einteilen: Werke der Massenproduktion für den heimischen Markt und Werke der „schönen Kunst“. Von Avantgarde-Künstlern und Bildhauern dieser Zeit geschaffen, gingen hochwertige Skulpturen und preiswerte Massenprodukte Hand in Hand – Marmor und Bronze existierten neben Souvenirs aus Kunststoff und Keramik. Im Bereich der Skulptur manifestierte sich der Art-Déco-Stil überall, von hoher Kunst bis hin zum Kitsch.