Maler der Renaissance. Große italienische Künstler. Ein anerkanntes Meisterwerk oder das geheimnisvolle Lächeln einer Frau

Die Malerei der Renaissance bildet den goldenen Fundus nicht nur der europäischen, sondern auch der Weltkunst. Die Renaissance löste das dunkle, dem Kern des Kirchenkanons untergeordnete Mittelalter ab und ging der nachfolgenden Aufklärung und dem New Age voraus.

Es lohnt sich, die Dauer des Zeitraums je nach Land zu berechnen. Die Ära der kulturellen Blüte, wie sie allgemein genannt wird, begann im 14. Jahrhundert in Italien, breitete sich dann über ganz Europa aus und erreichte Ende des 15. Jahrhunderts ihren Höhepunkt. Historiker unterteilen diese Epoche in der Kunst in vier Phasen: Proto-Renaissance, Früh-, Hoch- und Spätrenaissance. Von besonderem Wert und Interesse ist natürlich italienische Malerei In der Renaissance sollte man jedoch die französischen, deutschen und niederländischen Meister nicht aus den Augen verlieren. Es geht um sie im Kontext der Zeiträume der Renaissance, die im Artikel weiter diskutiert werden.

Proto-Renaissance

Die Proto-Renaissance-Periode dauerte von der Sekunde an Hälfte XIII V. bis ins 14. Jahrhundert Es ist eng mit dem Mittelalter verbunden, in dessen Spätstadium es entstand. Die Protorenaissance ist der Vorläufer der Renaissance und vereint byzantinische, romanische und gotische Traditionen. Vor allen Trends neue Ära erschien in der Skulptur und erst dann in der Malerei. Letztere wurde durch zwei Schulen in Siena und Florenz vertreten.

Die Hauptfigur dieser Zeit war der Künstler und Architekt Giotto di Bondone. Der Vertreter der Florentiner Malerschule wurde zum Reformator. Er skizzierte den Weg der weiteren Entwicklung. Die Merkmale der Renaissance-Malerei stammen genau aus dieser Zeit. Es ist allgemein anerkannt, dass es Giotto in seinen Werken gelang, den in Byzanz und Italien üblichen Stil der Ikonenmalerei zu überwinden. Er machte den Raum nicht zweidimensional, sondern dreidimensional, indem er Hell-Dunkel verwendete, um die Illusion von Tiefe zu erzeugen. Das Foto zeigt das Gemälde „Der Kuss des Judas“.

Vertreter der Florentiner Schule standen an den Ursprüngen der Renaissance und taten alles, um die Malerei aus der langen mittelalterlichen Stagnation herauszuführen.

Die Zeit der Proto-Renaissance gliederte sich in zwei Teile: vor und nach seinem Tod. Bis 1337 wirken und treten die klügsten Meister auf wichtigsten Entdeckungen. Danach wird Italien von einer Pestepidemie heimgesucht.

Renaissance-Malerei: Kurz über die Frühzeit

Frührenaissance deckt einen Zeitraum von 80 Jahren ab: von 1420 bis 1500. Zu diesem Zeitpunkt hat es sich noch nicht vollständig von den Traditionen der Vergangenheit gelöst und ist immer noch mit der Kunst des Mittelalters verbunden. Der Hauch neuer Trends ist jedoch bereits zu spüren; die Meister greifen zunehmend auf Elemente der klassischen Antike zurück. Letztendlich geben Künstler den mittelalterlichen Stil vollständig auf und beginnen, ihn mutig zu verwenden die besten Beispiele antike Kultur. Beachten Sie, dass der Prozess Schritt für Schritt eher langsam verlief.

Helle Vertreter der Frührenaissance

Das Werk des italienischen Künstlers Piero della Francesca gehört vollständig zur Zeit der Frührenaissance. Seine Werke zeichnen sich durch Noblesse, majestätische Schönheit und Harmonie, präzise Perspektive und sanfte, lichtdurchflutete Farben aus. IN letzten Jahren Im Laufe seines Lebens beschäftigte er sich neben der Malerei intensiv mit Mathematik und verfasste sogar zwei eigene Abhandlungen. Ein anderer Schüler war seiner berühmter Maler, Luca Signorelli, und der Stil spiegelte sich in den Werken vieler umbrischer Meister wider. Auf dem Foto oben ist ein Fragment eines Freskos in der Kirche San Francesco in Arezzo zu sehen: „Die Geschichte der Königin von Saba“.

Domenico Ghirlandaio ist ein weiterer prominenter Vertreter der Florentiner Schule der Renaissance-Malerei frühe Periode. Er war der Gründer einer berühmten Künstlerdynastie und Leiter der Werkstatt, in der der junge Michelangelo begann. Ghirlandaio war ein berühmter und erfolgreicher Meister, der sich nicht nur mit Freskenmalerei (Tornabuoni-Kapelle, Sixtinische Kapelle), sondern auch mit Staffeleimalerei („Anbetung der Könige“, „Geburt Christi“, „Alter Mann mit Enkel“, „Porträt von Giovanna“) beschäftigte Tornabuoni“ – unten abgebildet).

Hochrenaissance

Dieser Zeitraum, in dem sich der Stil prächtig entwickelte, fällt in die Zeit zwischen 1500 und 1527. Zu diesem Zeitpunkt bewegt sich das Zentrum Italienische Kunst von Florenz nach Rom. Dies hängt mit der Besteigung des päpstlichen Throns durch den ehrgeizigen und unternehmungslustigen Julius II. zusammen, der die besten Künstler Italiens an seinen Hof lockte. Rom wurde zur Zeit des Perikles so etwas wie Athen und erlebte einen unglaublichen Wachstums- und Bauboom. Gleichzeitig herrscht Harmonie zwischen den Kunstzweigen Bildhauerei, Architektur und Malerei. Die Renaissance brachte sie zusammen. Sie scheinen Hand in Hand zu gehen, sich zu ergänzen und zu interagieren.

In dieser Zeit wird die Antike studiert Hochrenaissance gründlicher und mit maximaler Genauigkeit, Genauigkeit und Konsistenz reproduziert. Würde und Ruhe ersetzen kokette Schönheit und mittelalterliche Traditionen geraten völlig in Vergessenheit. Der Höhepunkt der Renaissance wird durch die Werke der drei Größten markiert Italienische Meister: Rafael Santi (das Gemälde „Donna Velata“ im Bild oben), Michelangelo und Leonardo da Vinci („Mona Lisa“ – im ersten Foto).

Spätrenaissance

Die Spätrenaissance umfasst den Zeitraum von den 1530er bis 1590er bis 1620er Jahren in Italien. Kunstkritiker und Historiker bringen die Werke dieser Zeit mit einem hohen Maß an Konvention auf einen gemeinsamen Nenner. Südeuropa stand unter dem Einfluss der in ihr siegreichen Gegenreformation, die jegliches Freidenken, einschließlich der Wiederauferstehung der Ideale der Antike, mit großer Vorsicht wahrnahm.

In Florenz dominierte der Manierismus, der durch künstliche Farben und gebrochene Linien gekennzeichnet war. Allerdings erreichte er Parma, wo Correggio arbeitete, erst nach dem Tod des Meisters. hatte seinen eigenen Entwicklungsweg Venezianische Malerei Renaissance späte Periode. Palladio und Tizian, die dort bis in die 1570er Jahre wirkten, sind ihre bedeutendsten Vertreter. Ihre Arbeit hatte nichts mit den neuen Trends in Rom und Florenz zu tun.

Nördliche Renaissance

Mit diesem Begriff wird die Renaissance in ganz Europa, außerhalb Italiens im Allgemeinen und im deutschsprachigen Raum im Besonderen bezeichnet. Es verfügt über eine Reihe von Funktionen. Die nördliche Renaissance war nicht homogen und zeichnete sich durch spezifische Merkmale in jedem Land aus. Kunsthistoriker unterteilen es in mehrere Richtungen: Französisch, Deutsch, Niederländisch, Spanisch, Polnisch, Englisch usw.

Das Erwachen Europas verlief auf zwei Wegen: der Entwicklung und Verbreitung einer humanistischen, säkularen Weltanschauung und der Entwicklung von Erneuerungsideen religiöse Traditionen. Beide berührten sich, manchmal verschmolzen sie, aber gleichzeitig waren sie Antagonisten. Italien wählte den ersten Weg und Nordeuropa- zweite.

Die Renaissance hatte bis 1450 praktisch keinen Einfluss auf die Kunst des Nordens, einschließlich der Malerei. Ab 1500 verbreitete sie sich auf dem gesamten Kontinent, an einigen Orten blieb der Einfluss der Spätgotik jedoch bis zum Aufkommen des Barock bestehen.

Die nördliche Renaissance zeichnet sich durch einen erheblichen Einfluss des gotischen Stils, eine weniger große Aufmerksamkeit für das Studium der Antike und der menschlichen Anatomie sowie eine detaillierte und sorgfältige Schreibtechnik aus. Die Reformation hatte einen wichtigen ideologischen Einfluss auf ihn.

Französische nördliche Renaissance

Am nächsten an Italienisch ist französische Malerei. Die Renaissance war eine wichtige Etappe der französischen Kultur. Zu dieser Zeit wurden die Monarchie und die bürgerlichen Beziehungen aktiv gestärkt, die religiösen Ideen des Mittelalters traten in den Hintergrund und machten humanistischen Tendenzen Platz. Vertreter: Francois Quesnel, Jean Fouquet (abgebildet ist ein Fragment des „Melen Diptychons“ des Meisters), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, Francois Clouet.

Deutsche und niederländische Nordrenaissance

Herausragende Werke der nördlichen Renaissance wurden von deutschen und flämisch-niederländischen Meistern geschaffen. Bedeutende Rolle Religion spielte in diesen Ländern noch immer eine Rolle und hatte großen Einfluss auf die Malerei. In den Niederlanden und in Deutschland ging die Renaissance einen anderen Weg. Im Gegensatz zu den Werken italienischer Meister stellten die Künstler dieser Länder den Menschen nicht in den Mittelpunkt des Universums. Fast das gesamte 15. Jahrhundert hindurch. sie stellten ihn im gotischen Stil dar: leicht und ätherisch. Am meisten prominente Vertreter Die niederländische Renaissance sind Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, die Deutschen sind Albert Dürer, Lucas Cranach der Ältere, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

Das Foto zeigt ein Selbstporträt von A. Dürer aus dem Jahr 1498.

Trotz der Tatsache, dass sich die Werke nördlicher Meister erheblich von den Werken unterscheiden Italienische Maler Sie gelten auf jeden Fall als unschätzbar wertvolle Kunstwerke.

Die Malerei der Renaissance zeichnet sich wie die gesamte Kultur als Ganzes durch einen säkularen Charakter, Humanismus und den sogenannten Anthropozentrismus aus, oder mit anderen Worten, ein primäres Interesse am Menschen und seinen Aktivitäten. In dieser Zeit kam es zu einer wahren Blüte des Interesses Antike Kunst, und seine Wiederbelebung fand statt. Diese Ära bescherte der Welt eine Galaxie brillanter Bildhauer, Architekten, Schriftsteller, Dichter und Künstler. Nie zuvor und nie danach war die kulturelle Blüte so weit verbreitet.

Renaissance (Renaissance). Italien. 15.-16. Jahrhundert. Früher Kapitalismus. Das Land wird von reichen Bankiers regiert. Sie interessieren sich für Kunst und Wissenschaft.
Die Reichen und Mächtigen versammeln die Talentierten und Weisen um sich. Dichter, Philosophen, Künstler und Bildhauer führen täglich Gespräche mit ihren Gönnern. Für einen Moment schien es, als würden die Menschen von weisen Männern regiert, wie Platon es wollte.
Sie erinnerten sich an die alten Römer und Griechen. Der auch eine Gesellschaft freier Bürger aufgebaut hat. Wo Hauptwert- eine Person (Sklaven natürlich nicht mitgerechnet).
Renaissance kopiert nicht nur die Kunst antiker Zivilisationen. Das ist eine Mischung. Mythologie und Christentum. Realismus der Natur und Aufrichtigkeit der Bilder. Körperliche Schönheit und spirituelle Schönheit.
Es war nur ein Blitz. Die Zeit der Hochrenaissance beträgt etwa 30 Jahre! Von den 1490er Jahren bis 1527 Von Beginn der Blütezeit von Leonardos Kreativität. Vor der Plünderung Roms.

Fata Morgana ideale Welt schnell verblasst. Italien erwies sich als zu fragil. Sie wurde bald von einem anderen Diktator versklavt.
Diese 30 Jahre haben jedoch die Grundzüge bestimmt Europäische Malerei 500 Jahre voraus! Bis zu Impressionisten.
Realismus des Bildes. Anthropozentrismus (wenn eine Person ist Hauptfigur und Held). Geradlinige Perspektive. Ölfarben. Porträt. Landschaft…
Unglaublich, in diesen 30 Jahren haben sie mehrere geschaffen brillante Meister. Die zu anderen Zeiten alle 1000 Jahre einmal geboren werden.
Leonardo, Michelangelo, Raffael und Tizian sind die Titanen der Renaissance. Aber wir können nicht umhin, ihre beiden Vorgänger zu erwähnen. Giotto und Masaccio. Ohne die es keine Renaissance gäbe.

1. Giotto (1267-1337)

Paolo Uccello. Giotto da Bondogni. Fragment des Gemäldes „Fünf Meister der Florentiner Renaissance“. Anfang des 16. Jahrhunderts. Louvre, Paris.

14. Jahrhundert Proto-Renaissance. Seine Hauptfigur ist Giotto. Dies ist ein Meister, der im Alleingang die Kunst revolutionierte. 200 Jahre vor der Hochrenaissance. Ohne ihn wäre die Ära, auf die die Menschheit so stolz ist, kaum gekommen.
Vor Giotto gab es Ikonen und Fresken. Sie wurden nach byzantinischen Kanonen geschaffen. Gesichter statt Gesichter. Flache Figuren. Nichteinhaltung der Proportionen. Anstelle einer Landschaft gibt es einen goldenen Hintergrund. Wie zum Beispiel auf diesem Symbol.

Guido da Siena. Anbetung der Heiligen Drei Könige. 1275-1280 Altenburg, Lindenau-Museum, Deutschland.

Und plötzlich tauchen Fresken von Giotto auf. Auf sie volumetrische Figuren. Personen edle Leute. Traurig. Traurig. Überrascht. Alt und Jung. Anders.

Giotto. Beweinung Christi. Fragment

Giotto. Kuss des Judas. Fragment

Giotto. Heilige Anna

Fresken von Giotto in der Kirche Scrovegni in Padua (1302-1305). Links: Beweinung Christi. Mitte: Kuss des Judas (Fragment). Rechts: Verkündigung der Heiligen Anna (Mutter Maria), Fragment.
Giottos Hauptwerk ist der Zyklus seiner Fresken in der Scrovegni-Kapelle in Padua. Als diese Kirche für Gemeindemitglieder geöffnet wurde, strömten Scharen von Menschen hinein. Denn so etwas haben sie noch nie gesehen.
Schließlich hat Giotto etwas Beispielloses getan. Er schien zu übersetzen biblische Geschichten zu einfach klare Sprache. Und sie sind für normale Menschen viel zugänglicher geworden.

Giotto. Anbetung der Heiligen Drei Könige. 1303-1305 Fresko in der Scrovegni-Kapelle in Padua, Italien.

Genau das wird für viele Meister der Renaissance charakteristisch sein. Lakonische Bilder. Lebhafte Emotionen der Charaktere. Realismus.
Zwischen Ikone und Realismus der Renaissance.
Giotto wurde bewundert. Doch seine Innovationen wurden nicht weiterentwickelt. Die Mode für den internationalen Gothic kam nach Italien.
Erst nach 100 Jahren wird ein Meister erscheinen, ein würdiger Nachfolger von Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)

Masaccio. Selbstbildnis (Fragment des Freskos „Der heilige Petrus auf der Kanzel“). 1425-1427 Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Anfang des 15. Jahrhunderts. Die sogenannte Frührenaissance. Ein weiterer Innovator betritt die Bühne.
Masaccio war der erste Künstler, der es verwendete Geradlinige Perspektive. Es wurde von seinem Freund, dem Architekten Brunelleschi, entworfen. Jetzt ist die dargestellte Welt der realen ähnlich geworden. Spielzeugarchitektur gehört der Vergangenheit an.

Masaccio. Der heilige Petrus heilt mit seinem Schatten. 1425-1427 Brancacci-Kapelle in der Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Er übernahm den Realismus Giottos. Im Gegensatz zu seinem Vorgänger beherrschte er die Anatomie jedoch bereits gut.
Statt klotziger Charaktere hat Giotto wunderschön gebaute Menschen. Genau wie die alten Griechen.

Masaccio. Taufe von Neophyten. 1426-1427 Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz, Italien.

Masaccio. Vertreibung aus dem Paradies. 1426-1427 Fresko in der Brancacci-Kapelle, Kirche Santa Maria del Carmine, Florenz, Italien.

Masaccio lebte nicht langes Leben. Er starb, wie sein Vater, unerwartet. Mit 27 Jahren.
Er hatte jedoch viele Anhänger. Meister nächste Generationen ging zur Brancacci-Kapelle, um seine Fresken zu studieren.
So wurden Masaccios Innovationen von allen großen Titanen der Hochrenaissance aufgegriffen.

3. Leonardo da Vinci (1452-1519)

Leonardo da Vinci. Selbstporträt. 1512 Königliche Bibliothek in Turin, Italien.

Leonardo da Vinci ist einer der Titanen der Renaissance. Was einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der Malerei hatte.
Er war es, der den Status des Künstlers selbst erhöhte. Dank ihm sind Vertreter dieses Berufsstandes nicht mehr nur Handwerker. Dies sind Schöpfer und Aristokraten des Geistes.
Der Durchbruch gelang Leonardo vor allem in der Porträtmalerei.
Er glaubte, dass nichts vom Hauptbild ablenken sollte. Der Blick sollte nicht von einem Detail zum anderen wandern. So entstanden seine berühmten Porträts. Lakonisch. Harmonisch.

Leonardo da Vinci. Dame mit einem Hermelin. 1489-1490 Czertoryski-Museum, Krakau.

Leonardos wichtigste Innovation besteht darin, dass er einen Weg gefunden hat, Bilder ... lebendig zu machen.
Vor ihm sahen Porträtfiguren wie Schaufensterpuppen aus. Die Linien waren klar. Alle Details sind sorgfältig gezeichnet. Die gemalte Zeichnung konnte unmöglich lebendig sein.
Doch dann erfand Leonardo die Sfumato-Methode. Er schattierte die Linien. Der Übergang von Licht zu Schatten wurde sehr weich gestaltet. Seine Figuren scheinen von einem kaum wahrnehmbaren Dunst bedeckt zu sein. Die Charaktere wurden lebendig.

Leonardo da Vinci. Mona Lisa. 1503-1519 Louvre, Paris.

Seitdem wird Sfumato zum aktiven Wortschatz aller großen Künstler der Zukunft gehören.
Es gibt oft die Meinung, dass Leonardo natürlich ein Genie ist. Aber er wusste nicht, wie er etwas zu Ende bringen sollte. Und ich habe meine Bilder oft nicht fertiggestellt. Und viele seiner Projekte blieben auf dem Papier (übrigens in 24 Bänden). Und im Allgemeinen wurde er entweder in die Medizin oder in die Musik geworfen. Und einmal interessierte ich mich sogar für die Kunst des Servierens.
Denken Sie jedoch selbst. 19 Gemälde. Und er - größter Künstler aller Zeiten und Völker. Und einige sind nicht einmal annähernd so groß. Gleichzeitig hat er in seinem Leben 6.000 Leinwände gemalt. Es ist offensichtlich, wer die höhere Effizienz hat.

4. Michelangelo (1475-1564)

Daniele da Volterra. Michelangelo (Fragment). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York.

Michelangelo betrachtete sich als Bildhauer. Aber er war universeller Meister. Wie seine anderen Renaissance-Kollegen. Daher ist sein malerisches Erbe nicht weniger grandios.
Man erkennt ihn vor allem an seinen körperlich entwickelten Charakteren. Weil er einen perfekten Mann darstellte. Dabei bedeutet körperliche Schönheit spirituelle Schönheit.
Deshalb sind alle seine Helden so muskulös und belastbar. Sogar Frauen und alte Leute.

Michelangelo. Fragment des Freskos“ Jüngstes Gericht"

Michelangelo. Fragmente des Freskos des Jüngsten Gerichts in der Sixtinischen Kapelle im Vatikan.
Michelangelo malte die Figur oft nackt. Und dann fügte er noch Kleidung hinzu. Damit der Körper so geformt wie möglich ist.
Decke Sixtinische Kapelle er hat es selbst gemalt. Obwohl es mehrere Hundert Zahlen sind! Er erlaubte niemandem, Farbe zu reiben. Ja, er war ein Einzelgänger. Besitzt einen coolen und streitsüchtigen Charakter. Vor allem aber war er unzufrieden mit... sich selbst.

Michelangelo. Fragment des Freskos „Die Erschaffung Adams“. 1511 Sixtinische Kapelle, Vatikan.

Michelangelo lebte ein langes Leben. Den Niedergang der Renaissance überstanden. Für ihn war es das persönliche Tragödie. Seine späteren Werke sind voller Traurigkeit und Leid.
Überhaupt kreativer Weg Michelangelo ist einzigartig. Seine frühen Werke sind eine Hommage an den menschlichen Helden. Frei und mutig. IN beste Traditionen antikes Griechenland. Wie ist sein Name, David?
In den letzten Lebensjahren ist es so tragische Bilder. Absichtlich grob behauener Stein. Es ist, als ob wir vor Denkmälern für die Opfer des Faschismus des 20. Jahrhunderts sähen. Schauen Sie sich seine Pietà an.

Michelangelo. David

Michelangelo. Pieta Palestrina

Michelangelos Skulpturen in der Akademie Bildende Kunst in Florenz. Links: David. 1504 Rechts: Palestrinas Pietà. 1555
Wie ist das möglich? Ein Künstler durchlief in einem Leben alle Phasen der Kunst von der Renaissance bis zum 20. Jahrhundert. Was zu tun zukünftige Generationen? Nun, geh deinen eigenen Weg. Mir ist bewusst, dass die Messlatte sehr hoch liegt.

5. Raffael (1483-1520)

Raphael. Selbstporträt. 1506 Uffizien, Florenz, Italien.

Raphael wurde nie vergessen. Sein Genie wurde immer anerkannt. Und während des Lebens. Und nach dem Tod.
Seine Charaktere sind von sinnlicher, lyrischer Schönheit ausgestattet. Es sind seine Madonnen, die zu Recht als die schönsten gelten weibliche Bilder jemals geschaffen. Ihre äußere Schönheit spiegelt wider und spirituelle Schönheit Heldinnen. Ihre Sanftmut. Ihr Opfer.

Raphael. Sixtinische Madonna. 1513 Galerie Alte Meister, Dresden, Deutschland.

Fjodor Dostojewski sagte die berühmten Worte „Schönheit wird die Welt retten“ speziell über die Sixtinische Madonna. Dies war sein Lieblingsgemälde.
Sinnesbilder sind jedoch nicht die einzigen starker Punkt Raphael. Er hat die Kompositionen seiner Bilder sehr sorgfältig durchdacht. Er war ein unübertroffener Architekt in der Malerei. Darüber hinaus fand er bei der Raumorganisation stets die einfachste und harmonischste Lösung. Es scheint, dass es nicht anders sein kann.

Raphael. Athener Schule. 1509-1511 Fresko in den Strophen des Apostolischen Palastes, Vatikan.

Raphael lebte nur 37 Jahre. Er starb plötzlich. Von einer Erkältung und medizinischer Fehler. Aber sein Erbe ist schwer zu überschätzen. Viele Künstler vergötterten diesen Meister. Er vervielfacht seine sinnlichen Bilder in Tausenden seiner Leinwände.

6. Tizian (1488-1576).

Tizian. Selbstporträt (Fragment). 1562 Prado-Museum, Madrid.

Tizian war ein unübertroffener Kolorist. Er experimentierte auch viel mit Komposition. Im Allgemeinen war er ein mutiger und brillanter Innovator.
Alle liebten ihn für sein brillantes Talent. Wird „Der König der Maler und der Maler der Könige“ genannt.
Apropos Tizian, nach jedem Satz möchte ich sagen Ausrufezeichen. Schließlich war er es, der der Malerei Dynamik verlieh. Pathos. Begeisterung. Grelle Farbe. Die Strahlkraft der Farben.

Tizian. Himmelfahrt Mariens. 1515-1518 Kirche Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venedig.

Am Ende seines Lebens hatte er sich weiterentwickelt ungewöhnliche Technik Briefe. Die Schläge sind schnell. Dick. Pastös. Ich habe die Farbe entweder mit einem Pinsel oder mit den Fingern aufgetragen. Dadurch werden die Bilder noch lebendiger und atmender. Und die Handlungen sind noch dynamischer und dramatischer.

Tizian. Tarquinia und Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, England.

Erinnert Sie das an nichts? Natürlich ist das die Technik von Rubens. Und die Technik der Künstler des 19. Jahrhunderts: Barbizons und Impressionisten. Tizian durchlief wie Michelangelo in einem Leben 500 Jahre Malerei. Deshalb ist er ein Genie.

***
Künstler der Renaissance sind Künstler mit großem Wissen. Um ein solches Erbe zu hinterlassen, musste man viel wissen. Im Bereich Geschichte, Astrologie, Physik usw.
Deshalb regt uns jedes Bild von ihnen zum Nachdenken an. Warum wird das dargestellt? Was ist hier die verschlüsselte Nachricht?
Deshalb machten sie fast nie Fehler. Weil sie ihre zukünftige Arbeit gründlich durchdacht haben. Nutzen Sie Ihr gesamtes Wissen.
Sie waren mehr als Künstler. Sie waren Philosophen. Uns die Welt durch Malerei erklären.
Deshalb werden sie für uns immer von großem Interesse sein.

Die Völker Europas versuchten, durch endlose Vernichtungskriege verlorene Schätze und Traditionen wiederzubeleben. Kriege haben Menschen und die großartigen Dinge, die Menschen geschaffen haben, vom Erdboden vernichtet. Die Idee, die Hochzivilisation wiederzubeleben antike Welt erweckte Philosophie, Literatur, Musik, den Aufstieg der Naturwissenschaften und vor allem die Blüte der Kunst zum Leben. Die Ära verlangte starke, gebildete Menschen, die vor keiner Arbeit zurückschreckten. In ihrer Mitte wurde die Entstehung jener wenigen Genies möglich, die man „Titanen der Renaissance“ nennt. Genau diejenigen, die wir nur beim Namen nennen.

Die Renaissance war hauptsächlich italienisch. Daher ist es nicht verwunderlich, dass die Kunst in dieser Zeit in Italien ihren höchsten Aufschwung und ihre Blütezeit erlebte. Hier finden sich Dutzende Namen von Titanen, Genies, großen und einfach talentierten Künstlern.

MUSIK VON LEONARDO.

Was für ein Glückspilz! – werden viele über ihn sagen. Er war von außergewöhnlicher Gesundheit, gutaussehend, groß und hatte blaue Augen. In seiner Jugend trug er blonde Locken und sein stolzes Aussehen erinnerte ihn an Donatells St. George. Er verfügte über beispiellose, mutige Stärke und männliche Tapferkeit. Er sang wunderbar und komponierte Melodien und Gedichte vor seinem Publikum. Gespielt auf jedem Musikinstrument Außerdem hat er sie selbst geschaffen.

Für die Kunst von Leonardo da Vinci fanden Zeitgenossen und Nachkommen nie andere Definitionen als „brillant“, „göttlich“ und „großartig“. Die gleichen Worte beziehen sich auf seine wissenschaftlichen Offenbarungen: Er erfand einen Panzer, einen Bagger, einen Hubschrauber, ein U-Boot, einen Fallschirm, eine automatische Waffe, einen Taucherhelm, einen Aufzug, entschied er die schwierigsten Probleme Akustik, Botanik, Medizin, Kosmographie, schuf ein Projekt für ein rundes Theater, erfand ein Jahrhundert früher als Galileo ein Uhrenpendel, zeichnete die heutigen Wasserski, entwickelte die Theorie der Mechanik.

Was für ein Glückspilz! - Viele werden über ihn sagen und sich an seine geliebten Fürsten und Könige erinnern, die Bekanntschaft mit ihm, Shows und Feiertage suchten, die er als Künstler, Dramatiker, Schauspieler, Architekt erfand und wie ein Kind Spaß daran hatte.

War jedoch der unbändige Hundertjährige Leonardo glücklich, der den Menschen und der Welt jeden Tag Visionen und Einsichten bescherte? Er sah das schreckliche Schicksal seiner Schöpfungen voraus: die Zerstörung des Letzten Abendmahls, die Erschießung des Denkmals für Francesca Sforza, schlechten Handel und abscheuliche Diebstähle seiner Tagebücher und Arbeitsbücher. Insgesamt sind bis heute nur 16 Gemälde erhalten. Wenige Skulpturen. Aber es gab viele Zeichnungen, codierte Zeichnungen: Wie die Helden der modernen Science-Fiction veränderte er ein Detail in seinem Entwurf, als ob ein anderer es nicht verwenden könnte.

Leonardo da Vinci wirkte in verschiedene Typen und Genres der Kunst, aber die Malerei brachte ihm den größten Ruhm.

Eines der frühesten Gemälde Leonardos ist die Madonna mit der Blume Madonna Benedikt" Schon hier agiert der Künstler als wahrer Erneuerer. Er überwindet den Rahmen der traditionellen Handlung und verleiht dem Bild eine umfassendere, universelle Bedeutung, die mütterliche Freude und Liebe sind. In diesem Werk kamen viele Merkmale der Kunst des Künstlers deutlich zum Ausdruck: eine klare Figurenkomposition und Formenvielfalt, der Wunsch nach Kürze und Verallgemeinerung, psychologische Ausdruckskraft.

Die Fortsetzung des begonnenen Themas war das Gemälde „Madonna Litta“, in dem ein weiteres Merkmal der Arbeit des Künstlers deutlich zum Vorschein kam – ein Spiel mit Kontrasten. Den Abschluss des Themas bildete das Gemälde „Madonna in der Grotte“, das die ideale kompositorische Lösung feststellte, dank derer die dargestellten Figuren der Madonna, Christi und Engel mit der Landschaft zu einem Ganzen verschmelzen, das von ruhiger Ausgewogenheit und Harmonie geprägt ist .

Einer der Höhepunkte von Leonardos Schaffen ist das Fresko „ das letzte Abendmahl„im Refektorium des Klosters Santa Maria Della Grazie. Diese Arbeit ist nicht nur erstaunlich Gesamtkomposition, aber auch Genauigkeit. Leonardo vermittelt nicht nur psychischer Zustand Apostel, tut dies aber in dem Moment, in dem es einen kritischen Punkt erreicht, was zu einer psychologischen Explosion und einem Konflikt führt. Diese Explosion wird durch die Worte Christi verursacht: „Einer von euch wird mich verraten.“ In diesem Werk nutzte Leonardo die Technik des spezifischen Figurenvergleichs voll aus, wodurch jede Figur als einzigartige Individualität und Persönlichkeit erscheint.

Der zweite Höhepunkt von Leonards Kreativität war berühmtes Porträt Mona Lisa oder La Gioconda. Dieses Werk markierte den Beginn des Genres psychologisches Porträt V Europäische Kunst. Beim Erstellen Großartiger Meister hat das gesamte Arsenal an Werkzeugen hervorragend genutzt künstlerischer Ausdruck: scharfe Kontraste und weiche Halbtöne, gefrorene Stille und allgemeine Fließfähigkeit und Variabilität, subtile psychologische Nuancen und Übergänge. Das ganze Genie Leonardos liegt im erstaunlich lebendigen Blick von Mona Lisa, ihrem geheimnisvollen und rätselhaften Lächeln, dem mystischen Dunst, der die Landschaft bedeckt. Dieses Werk ist eines der seltensten Meisterwerke der Kunst.

Jeder, der die aus dem Louvre in Moskau mitgebrachte La Gioconda gesehen hat, erinnert sich an die Momente seiner völligen Taubheit in der Nähe dieser kleinen Leinwand, an die Spannung des Besten in sich. Gioconda schien ein „Marsianer“ zu sein, ein Vertreter des Unbekannten – wahrscheinlich der Zukunft, nicht der Vergangenheit menschlicher Stamm, die Verkörperung der Harmonie, von der die Welt nicht müde wird und nie müde wird zu träumen.

Über ihn lässt sich noch viel mehr sagen. Überrascht, dass dies keine Fiktion oder Fantasie ist. Sie können sich zum Beispiel daran erinnern, wie er vorschlug, die Kathedrale San Giovanni zu verlegen – ein solches Werk überrascht uns Bewohner des 20. Jahrhunderts.

Leonardo sagte: „ Guter Künstler muss in der Lage sein, vor allem zwei Dinge zu schreiben: eine Person und eine Darstellung seiner Seele. Oder gilt das etwa für „Columbine“ aus der St. Petersburger Eremitage? Manche Forscher nennen sie und nicht die Louvre-Leinwand „La Gioconda“.

Junge Nardo, so hieß er in Vinci: der uneheliche Sohn eines Briefe essenden Notars, der Vögel und Pferde für die besten Geschöpfe der Erde hielt. Von allen geliebt und einsam, die Stahlschwerter gebogen und gehängte Menschen bemalt haben. Er erfand eine Brücke über den Bosporus und eine ideale Stadt, schöner als die von Corbusier und Niemeyer. Er sang in sanftem Bariton und brachte die Mona Lisa zum Lächeln. In einem seiner letzten Notizbücher schrieb dieser glückliche Mann: „Es schien mir, als würde ich lernen zu leben, aber ich lernte zu sterben.“ Doch dann brachte er es auf den Punkt: „Ein gut gelebtes Leben ist ein langes Leben.“

Kann man Leonardo widersprechen?

SANDRO BOTTICELLI.

Sandro Botticelli wurde 1445 in Florenz in die Familie eines Ledergerbers geboren.

Botticellis erstes Originalwerk gilt als „Die Anbetung der Könige“ (um 1740), in dem die Haupteigenschaften seines ursprünglichen Stils – Verträumtheit und subtile Poesie – bereits vollständig zum Ausdruck kamen. Er war mit einem angeborenen Sinn für Poesie begabt, aber ein deutlicher Hauch kontemplativer Traurigkeit durchströmte ihn buchstäblich in allem. Selbst der von den Pfeilen seiner Peiniger gequälte Heilige Sebastian wirkt nachdenklich und distanziert von ihm.

Ende der 1470er Jahre schloss sich Botticelli dem Kreis des De-facto-Herrschers von Florenz, Lorenzo Medici, genannt der Prächtige, an. In den luxuriösen Gärten von Lorenzo versammelte sich eine Gesellschaft von Menschen, wahrscheinlich die aufgeklärtesten und talentiertesten in Florenz. Es waren Philosophen, Dichter und Musiker dort. Es herrschte eine Atmosphäre der Bewunderung für das Schöne, und nicht nur die Schönheit der Kunst wurde geschätzt, sondern auch die Schönheit des Lebens. Der Prototyp idealer Kunst und ideales Leben Die Antike wurde jedoch durch das Prisma späterer philosophischer Schichten betrachtet und wahrgenommen. Ohne Zweifel unter dem Einfluss dieser Atmosphäre der Erste großes Bild Botticelli „Primavera (Frühling)“. Dies ist eine traumhafte, exquisite, wunderbar schöne Allegorie des ewigen Kreislaufs, ständige Aktualisierung Natur. Sie ist vom Komplexesten und Skurrilsten durchdrungen musikalischer Rhythmus. Die mit Blumen geschmückte Figur der Flora, tanzende Grazien Im Garten Eden stellten sie Bilder von Schönheit dar, die es damals noch nicht gab und die deshalb einen besonders fesselnden Eindruck hervorriefen. Der junge Botticelli nahm sofort einen herausragenden Platz unter den Meistern seiner Zeit ein.

Es war das hohe Ansehen des jungen Malers, das ihm einen Auftrag für biblische Fresken für die Sixtinische Kapelle des Vatikans sicherte, die er Anfang der 1480er Jahre in Rom schuf. Er schrieb „Szenen aus dem Leben Moses“, „Die Bestrafung von Korah, Dathan und Abiron“ und bewies dabei erstaunliches kompositorisches Können. Die klassische Ruhe der antiken Gebäude, vor der Botticelli die Handlung ausrichtete, steht in scharfem Kontrast zum dramatischen Rhythmus der dargestellten Charaktere und Leidenschaften; Die Bewegung menschlicher Körper ist komplex, verwirrend und voller explosiver Kraft. erweckt den Eindruck von erschütternder Harmonie, Wehrlosigkeit sichtbare Welt vor dem rasanten Druck der Zeit und des menschlichen Willens. Die Fresken der Sixtinischen Kapelle brachten zum ersten Mal die tiefe Angst zum Ausdruck, die in Botticellis Seele lebte und mit der Zeit immer stärker wurde. Dieselben Fresken zeigten das erstaunliche Talent Botticellis als Porträtmaler: Jedes der vielen gemalten Gesichter ist völlig originell, einzigartig und unvergesslich ...

Als Botticelli in den 1480er Jahren nach Florenz zurückkehrte, arbeitete er unermüdlich weiter, doch die friedliche Klarheit der Primera lag bereits weit hinter ihm. Mitte des Jahrzehnts schrieb er seine berühmte „Geburt der Venus“. Forscher stellen fest spätere Werke Meister eines für ihn bisher ungewöhnlichen Moralismus und einer religiösen Überhöhung.

Vielleicht bedeutender als späte Malerei, Botticellis Zeichnungen der 90er Jahre – Illustrationen zu „ Göttliche Komödie» Dante. Er malte mit offensichtlicher und unverhohlener Freude; Die Visionen des großen Dichters werden liebevoll und sorgfältig durch die perfekten Proportionen zahlreicher Figuren, die durchdachte Raumorganisation und den unerschöpflichen Einfallsreichtum bei der Suche nach visuellen Äquivalenten des poetischen Wortes vermittelt ...

Trotz aller seelischen Stürme und Krisen blieb Botticelli bis zuletzt (er starb 1510) ein großer Künstler, der Meister seiner Kunst. Dies wird deutlich durch die edle Gesichtsform im „Portrait“ deutlich junger Mann", ein ausdrucksstarkes Merkmal des Modells, das keinen Zweifel an seinem Rausch lässt Menschenwürde, die solide Zeichnung des Meisters und sein freundlicher Blick.

Die Renaissance begann in Italien. Es erhielt seinen Namen aufgrund der dramatischen intellektuellen und künstlerischen Blüte, die im 14. Jahrhundert begann und die europäische Gesellschaft und Kultur stark beeinflusste. Die Renaissance fand nicht nur in der Malerei ihren Ausdruck, sondern auch in der Architektur, Bildhauerei und Literatur. Die bedeutendsten Vertreter der Renaissance sind Leonardo da Vinci, Botticelli, Tizian, Michelangelo und Raffael.

In dieser Zeit Hauptziel Maler hatten eine realistische Darstellung des menschlichen Körpers, daher malten sie hauptsächlich Menschen und stellten verschiedene religiöse Themen dar. Auch das Prinzip der Perspektive wurde erfunden, was den Künstlern neue Möglichkeiten eröffnete.

Florenz wurde zum Zentrum der Renaissance, an zweiter Stelle folgte Venedig und später, näher am 16. Jahrhundert, Rom.

Leonardo ist uns als talentierter Maler, Bildhauer, Wissenschaftler, Ingenieur und Architekt der Renaissance bekannt. Am meisten Leonardo arbeitete sein ganzes Leben lang in Florenz, wo er viele weltweit bekannte Meisterwerke schuf. Darunter: „Mona Lisa“ (auch bekannt als „La Gioconda“), „Dame mit dem Hermelin“, „Madonna von Benois“, „Johannes der Täufer“ und „St. Anna mit Maria und dem Christkind.“

Dieser Künstler ist an seinem einzigartigen Stil erkennbar, den er im Laufe der Jahre entwickelt hat. Auf persönlichen Wunsch von Papst Sixtus IV. bemalte er auch die Wände der Sixtinischen Kapelle. Botticelli schrieb berühmte Gemälde zu mythologischen Themen. Zu diesen Gemälden gehören „Frühling“, „Pallas und der Zentaur“ und „Geburt der Venus“.

Tizian war der Leiter der Florentiner Künstlerschule. Nach dem Tod seines Lehrers Bellini wurde Tizian der offizielle und allgemein anerkannte Künstler der Republik Venedig. Dieser Maler ist bekannt für seine Porträts zu religiösen Themen: „Die Himmelfahrt Mariens“, „Danae“, „Erdliche Liebe und himmlische Liebe“.

Der italienische Dichter, Bildhauer, Architekt und Künstler malte viele Meisterwerke, von denen – berühmte Statue„David“ aus Marmor. Diese Statue ist zu einer Hauptattraktion in Florenz geworden. Michelangelo malte das Gewölbe der Sixtinischen Kapelle im Vatikan, was ein großer Auftrag von Papst Julius II. war. Während seiner Schaffenszeit widmete er sich mehr der Architektur, schenkte uns jedoch „Die Kreuzigung des Heiligen Petrus“, „Grablegung“, „Die Erschaffung Adams“ und „Forteller“.

Sein Werk entstand unter dem großen Einfluss von Leonardo da Vinci und Michelangelo, dank derer er unschätzbare Erfahrungen und Fähigkeiten sammelte. Er bemalte repräsentativ die Prunkräume im Vatikan Menschliche Aktivität und zeigt verschiedene Szenen aus der Bibel. Unter Berühmte Gemälde Raffael – „Die Sixtinische Madonna“, „Die drei Grazien“, „Der heilige Michael und der Teufel“.

Iwan Sergejewitsch Zeregorodzew

Eine unbestrittene Errungenschaft der Renaissance war die geometrisch korrekte Gestaltung des Gemäldes. Der Künstler baute das Bild mit den von ihm entwickelten Techniken auf. Den Malern dieser Zeit ging es vor allem darum, die Proportionen der Objekte beizubehalten. Sogar die Natur fiel unter mathematische Techniken zur Berechnung der Proportionalität des Bildes mit anderen Objekten im Bild.

Mit anderen Worten: Künstler der Renaissance versuchten, ein genaues Bild beispielsweise einer Person vor dem Hintergrund der Natur zu vermitteln. Wenn wir es mit modernen Techniken vergleichen, um ein gesehenes Bild auf einer Leinwand nachzubilden, dann wird die Fotografie mit anschließenden Anpassungen höchstwahrscheinlich dazu beitragen, zu verstehen, wonach die Künstler der Renaissance strebten.

Renaissance-Maler glaubten, dass sie das Recht hätten, die Mängel der Natur zu korrigieren, das heißt, wenn eine Person hässliche Gesichtszüge hatte, korrigierten die Künstler diese so, dass das Gesicht süß und attraktiv wurde.

Leonardo da Vinci

Vielen ist es zu verdanken, dass die Renaissance so geworden ist kreative Individuen wer damals lebte. Der weltberühmte Leonardo da Vinci (1452 - 1519) schuf eine Vielzahl von Meisterwerken, deren Kosten sich auf Millionen von Dollar belaufen, und Kenner seiner Kunst sind bereit, seine Gemälde lange zu betrachten.

Leonardo begann sein Studium in Florenz. Sein erstes Gemälde, entstanden um 1478, ist „Madonna von Benois“. Dann gab es Kreationen wie „Madonna in der Grotte“, „Mona Lisa“, das oben erwähnte „Letzte Abendmahl“ und viele andere Meisterwerke, geschrieben von der Hand eines Titanen der Renaissance.

Die Strenge geometrischer Proportionen und die genaue Wiedergabe der anatomischen Struktur eines Menschen – das zeichnet die Gemälde von Leonard da Vinci aus. Seiner Überzeugung nach ist die Kunst, bestimmte Bilder auf Leinwand darzustellen, eine Wissenschaft und nicht nur eine Art Hobby.

Rafael Santi

Raphael Santi (1483 – 1520), in der Kunstwelt als Raphael bekannt, schuf seine Werke in Italien. Seine Bilder sind von Lyrik und Anmut durchdrungen. Raffael ist ein Vertreter der Renaissance, der den Menschen und seine Existenz auf der Erde darstellte und gerne die Wände der Vatikanischen Kathedralen bemalte.

Die Gemälde verrieten die Einheit der Figuren, die proportionale Übereinstimmung von Raum und Bildern und den Wohlklang der Farben. Die Reinheit der Jungfrau war die Grundlage für viele Gemälde Raffaels. Sein allererstes Bild Unserer Lieben Frau ist die Sixtinische Madonna, die der berühmte Künstler bereits 1513 malte. Die von Raffael geschaffenen Porträts spiegelten das ideale Menschenbild wider.

Sandro Botticelli

Sandro Botticelli (1445–1510) ist ebenfalls ein Renaissance-Künstler. Eines seiner ersten Werke war das Gemälde „Anbetung der Könige“. Subtile Poesie und Verträumtheit waren seine ersten Umgangsformen im Bereich der künstlerischen Bildvermittlung.

In den frühen 80er Jahren des 15. Jahrhunderts bemalte der große Künstler die Wände der Vatikanischen Kapelle. Die von seiner Hand geschaffenen Fresken sind immer noch erstaunlich.

Im Laufe der Zeit zeichneten sich seine Gemälde durch die Ruhe antiker Gebäude, die Lebendigkeit der dargestellten Figuren und die Harmonie der Bilder aus. Darüber hinaus ist Botticellis Leidenschaft für Zeichnungen berühmter literarischer Werke bekannt, die seinem Werk ebenfalls nur Ruhm verschaffte.

Michelangelo Buonarotti

Michelangelo Buonarotti (1475 – 1564) ist ein italienischer Künstler, der auch in der Renaissance arbeitete. Dieser Mann, den viele von uns kennen, tat alles, was er konnte. Und Skulptur und Malerei und Architektur und auch Poesie. Michelangelo malte wie Raffael und Botticelli die Wände der Vatikanischen Kirchen. Schließlich waren nur die talentiertesten Maler jener Zeit an einer so verantwortungsvollen Arbeit wie dem Malen von Bildern an den Wänden katholischer Kathedralen beteiligt. Er musste mehr als 600 Quadratmeter der Sixtinischen Kapelle mit Fresken füllen, die verschiedene biblische Szenen darstellen. Das berühmteste Werk in diesem Stil ist uns als „Das Jüngste Gericht“ bekannt. Die Bedeutung der biblischen Geschichte wird vollständig und klar zum Ausdruck gebracht. Diese Präzision in der Bildübertragung ist charakteristisch für alle Werke Michelangelos.