Essay zum Gemälde Die Sixtinische Madonna von Raffael. Sixtinische Madonna von Raffael Beschreibung des Gemäldes und Werks des großen Renaissance-Künstlers Eine Geschichte über die Sixtinische Madonna
Die Lebensumstände des Autors des Bildes. Kurze biografische Informationen zum Leben des Künstlers Raphael. Das Hauptthema und die Idee von „Die Sixtinische Madonna“. Das Genre und der Stil der Leinwand, die künstlerische Bedeutung des Himmels und des Raums. Die Handlung des Bildes und die Hauptaufgabe der Arbeit.
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Rafael Santi – „Sixtinische Madonna“ (italienisch: Madonna Sistina)
Umstände im Leben des Empfängers
Die Vielfalt an Stilen und Trends ist riesig. Das Hauptmerkmal, anhand dessen Werke in Stile gruppiert werden können, sind gemeinsame Prinzipien künstlerisches Denken. Stile in der Kunst haben keine klaren Grenzen; sie gehen fließend ineinander über und befinden sich in ständiger Entwicklung, Vermischung und Opposition. Im Rahmen eines historischen Kunststils entsteht immer ein neuer, der wiederum in den nächsten übergeht.
Für mich ist der Stil fast jeder Epoche von Interesse, ich werde jedoch die bemerkenswerteren hervorheben, wie den Stil der Renaissance (Renaissance), des Barock, des Klassizismus und der Romantik. Die Renaissance ist berühmt für so große Künstler wie Leonardo da Vinci, Raffael und Michelangelo. Obwohl diese Ära sehr flüchtig war, entstanden in dieser Zeit die berühmtesten Werke. Was ist Leonardo da Vincis Mona Lisa wert?
Der Stil des Barock fasziniert mich mit seinem Aufruhr, einer gewissen Unordnung und Sättigung. Künstler dieser Epoche D. Velazquez, Rembrandt, Caravaggio, Vermeer Jan und andere.
Der Klassizismus basierte auf den Traditionen der Renaissance. Aber er ist härter, trockener und berechnender als der Renaissance-Stil. Es wurde von Jacques Baptiste Chardin, Karl Bryullov, Nicolas Poussin und anderen präsentiert.
Was ich an der Romantik mag, ist der Individualismus. Für mich selbst möchte ich Künstler wie Friedrich Caspar, John Constable, Ivan Aivazovsky und Delacroix hervorheben.
Raffaels Gemälde „Die Sixtinische Madonna“ ist für mich das herausragendste Gemälde dieser Zeit. Sie ist schön und rein, aber voller Geheimnisse.
Umstände aus dem Leben des Autors
Die Natur brachte Raffael der Welt als Geschenk, als sie nicht nur von der Kunst, sondern auch von guten Sitten besiegt werden wollte. Seine herausragenden Leistungen standen seinem persönlichen Charme in nichts nach. In ihm strahlten so starker Eifer, Schönheit, Bescheidenheit und kein geringes Talent.
Raphael Santi wurde 1483 geboren. Er studierte Malerei bei seinem Vater, dem Künstler Giovanni Santi, landete aber bereits in jungen Jahren in der Werkstatt des herausragenden Künstlers Pietro Perugino. Es waren die künstlerische Sprache und Bildsprache von Peruginos Gemälden mit ihrer Anziehungskraft auf eine symmetrische, ausgewogene Komposition, Klarheit der räumlichen Lösungen und Sanftheit in Farbe und Beleuchtung, die den Stil des jungen Raffael maßgeblich beeinflussten.
Frühe Werke („Madonna Conestabile“, ca. 1502-1503) sind von Anmut und sanfter Lyrik durchdrungen. Das irdische Dasein des Menschen, die Harmonie von Geistigem und körperliche Stärke verherrlichte die vatikanischen Strophen (Räume) in den Gemälden (1509-1517) und erreichte ein tadelloses Gespür für Proportionen, Rhythmus, Proportionen, Wohlklang der Farben, Einheit der Figuren und majestätische architektonische Hintergründe.
In Florenz lernte Raffael, nachdem er mit den Werken Michelangelos und Leonardos in Berührung gekommen war, von ihnen ein anatomisch korrektes Bild menschlicher Körper. Im Alter von 25 Jahren landet der Künstler in Rom und von diesem Moment an beginnt die Zeit der höchsten Blüte seines Schaffens: Er führt monumentale Gemälde im Vatikanpalast (1509-1511) aus, darunter das unbestrittene Meisterwerk des Meisters - das Fresko „Schule von Athen“, schreibt Altarkompositionen und Staffelei-Gemälde, der sich durch die Harmonie von Konzept und Ausführung auszeichnet, ist als Architekt tätig (Raffael leitete zeitweise sogar den Bau des Petersdoms). Auf der unermüdlichen Suche nach seinem Ideal, das für den Künstler im Bild der Madonna verkörpert ist, schafft er seine vollkommenste Schöpfung – die „Sixtinische Madonna“ (1513), ein Symbol der Mutterschaft und Selbstverleugnung. Raffaels Gemälde und Wandgemälde wurden von seinen Zeitgenossen anerkannt, und Santi wurde es bald zentrale Figur künstlerisches Leben Rom. Der Künstler starb 1520 im Alter von siebenunddreißig Jahren.
Das Hauptthema der Arbeit, Idee
Das Gemälde „Die Sixtinische Madonna“ von Raphael Santi wurde ursprünglich von dem großen Maler als Altarbild für die Kirche San Sisto in Piacenza geschaffen.
Der Hauptaltar, für den das Gemälde in Auftrag gegeben wurde, war Papst Sixtus II. gewidmet, der im 3. Jahrhundert vom römischen Kaiser hingerichtet wurde, und der Legende nach der Heiligen Barbara, einer außergewöhnlichen Schönheit, die von ihrem eigenen Vater wegen ihres christlichen Glaubens enthauptet wurde . (Varvara gilt als Beschützerin von plötzlicher Tod, und ihre Reliquien werden übrigens in der Wladimir-Kathedrale in Kiew aufbewahrt.) Der Kunde der Leinwand war Papst Julius II. selbst.
Auf dem Gemälde stellt der Künstler die Jungfrau Maria mit dem Christuskind, Papst Sixtus II. und die Heilige Barbara dar. In der Renaissance-Malerei ist dies vielleicht die tiefste und schönste Verkörperung des Themas Mutterschaft. Für Rafael Santi war es auch eine Art Ergebnis und Synthese langjähriger Forschung zu dem ihm am nächsten stehenden Thema. Raffael nutzte hier klug die Möglichkeiten einer monumentalen Altarkomposition, deren Blick sich in der Fernperspektive des Kirchenraums sofort öffnet, sobald der Besucher den Tempel betritt. Aus der Ferne soll das Motiv eines sich öffnenden Vorhangs, hinter dem wie in einer Vision eine auf den Wolken wandelnde Madonna mit einem Kind im Arm erscheint, den Eindruck fesselnder Kraft erwecken. Die Gesten der Heiligen Sixtus und Barbara, der Blick der Engel nach oben, der allgemeine Rhythmus der Figuren – alles dient dazu, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Madonna selbst zu lenken.
Verglichen mit den Bildern anderer Renaissance-Maler und mit frühere Jobs Raffaels Gemälde „Die Sixtinische Madonna“ offenbart eine wichtige neue Qualität – einen verstärkten spirituellen Kontakt mit dem Betrachter. Im Blick der Sixtinischen Madonna liegt etwas, das uns einen Blick in ihre Seele zu ermöglichen scheint. Es wäre übertrieben, hier vom gesteigerten psychologischen Ausdruck des Bildes, von der emotionalen Wirkung zu sprechen, aber in den leicht hochgezogenen Augenbrauen der Madonna, in den weit geöffneten Augen – und ihr Blick selbst ist nicht starr und schwer einzufangen , als würde sie uns nicht ansehen, sondern an uns vorbei oder durch uns hindurch, - es gibt einen Hauch von Angst und den Ausdruck, der in einem Menschen erscheint, wenn ihm sein Schicksal plötzlich offenbart wird. Es ist wie eine Vorsehung über das tragische Schicksal ihres Sohnes und gleichzeitig die Bereitschaft, ihn zu opfern. Die Dramatik des Mutterbildes wird in seiner Einheit mit dem Bild des Christuskindes hervorgehoben, dem der Künstler kindlichen Ernst und Einsicht verlieh. Es ist jedoch wichtig anzumerken, dass dem Bild der Madonna bei solch einem tiefen Gefühlsausdruck auch nur ein Hauch von Übertreibung und Erhöhung fehlt – seine harmonische Grundbasis bleibt darin erhalten, aber im Gegensatz zu Raffaels früheren Schöpfungen ist es ist stärker angereichert mit Nuancen innerster spiritueller Bewegungen. Und wie immer bei Raffael kommt der emotionale Inhalt seiner Bilder ungewöhnlich deutlich in der Plastizität seiner Figuren zum Ausdruck. Das Gemälde „Die Sixtinische Madonna“ ist ein klares Beispiel für die eigentümliche „Polysemie“, die Raffaels Bildern innewohnt. einfache Bewegungen und Gesten. So erscheint uns die Madonna selbst zugleich vorwärtsschreitend und stillstehend; Ihre Figur scheint leicht in den Wolken zu schweben und hat gleichzeitig das reale Gewicht eines menschlichen Körpers. In der Bewegung ihrer Hände, die das Baby tragen, kann man den instinktiven Impuls einer Mutter erkennen, die ihr Kind an sich drückt, und gleichzeitig das Gefühl, dass ihr Sohn nicht nur ihr gehört, dass sie ihn als Opfer trägt an Menschen. Der hohe figurative Gehalt solcher Motive unterscheidet Raffael von vielen seiner Zeitgenossen und Künstlern anderer Epochen, die sich als seine Anhänger betrachteten und hinter der idealen Erscheinung ihrer Figuren oft nichts als eine äußere Wirkung verbargen.
Inhalt: Von den vielen Säuglingsseelen, die am Himmel kreisen, materialisiert sich eine und wird ein Baby. Die unaufhaltsame Wolke der Zeit bringt Mutter und Kind auf die Bühne des Lebens mit ihren Krankheiten, Kränkungen, Überraschungen, Ängsten und Verlusten. Die Angst der Mutter vor dem Unbekannten und die Unfähigkeit, ihren Sohn für immer in ihrer Nähe zu halten und ihn vor Schaden zu schützen. Man kann, sagt die Religion in der Person des alten Papstes, viele Nöte, Verluste, Ängste vermeiden, wenn man dem Weg Gottes, seinen Geboten, seinem Beispiel folgt. Hohe spirituelle Grundsätze werden die unerfahrene Seele durchgehend unterstützen Lebensweg. Lebe, sagt das schöne Mädchen und die Erde, mit Freuden und Torheiten, Hobbys und Enttäuschungen, lebe irdisches Leben Du, geboren aus der Erde. Lehne die spirituelle Weisheit des alten Mannes nicht ab, sondern kombiniere sie mit Kreativität, Kunst, Schönheit, Gefühlen, mit der Liebe irdisch schöner Frauen, und das ist die zweite Weisheit des Lebens.
Zwei dienstlose, gewohnt gleichgültige Engel werden die Seele empfangen, die ihre vergängliche irdische Hülle verlassen hat und gelebt hat langes Leben ehemaliges pummeliges Baby und er wird sich wieder dem endlosen Strudel gespenstisch blauer himmlischer Köpfe-Seelen anschließen.
Raffael hat die Idee und Komposition der Sixtinischen Madonna von Leonardo übernommen, aber auch dies ist eine eigene Verallgemeinerung Lebenserfahrung, Bilder und Reflexionen über die Madonnen, einen Ort der Religion.
Jeanp, Stil
Während der Renaissance (Renaissance) wurde die Kunst eines neuen künstlerischen Stils geboren. Dieser Stil lässt die Ideale der Antike wieder auferstehen und kontrastiert sie mit kanonischen religiösen Kunstformen. Er tendiert zu Klarheit, Harmonie, Körperlichkeit, Ausgeglichenheit, Symmetrie und konzentriert sich auf den Menschen als Maß der Dinge. Aber die Rehabilitierung antiker Kunst, die Übernahme ihrer architektonischen und skulpturalen Formen, ihre Nachahmung, die Restaurierung antiker Denkmäler ist nur eine Seite der Renaissance. Die Hauptsache ist der Wunsch, die geistig-körperliche Harmonie wiederzubeleben. Dieser Wunsch geht jedoch weit über das antike Menschen- und Weltverständnis hinaus. Die Kunst der Renaissance verkörpert das um ein Vielfaches erweiterte Spektrum vitaler Interessen eines Europäers, der die Schule der christlichen Kultivierung eines spirituellen Feldes durchlief.
Die Ästhetik der Renaissance in ihrer vollen Entfaltung, Renaissance-Klassiker, erscheint aus erster Hand in der Kunst Raffaels, die per Definition klassisch ist, wie die der alten Griechen. Das Gleiche gilt natürlich auch für die Werke von Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo und den höchsten Vertretern Venezianische Schule Obwohl bestimmte Merkmale hervorgehoben werden, zeichnet sich nur Raffael durch Klarheit, hohe Einfachheit und Aufrichtigkeit der Poetik und des Stils aus. Für ihn allein enthält die Erhabenheit der Ideen und Formen einen innigen, rein menschlichen und rein poetischen Inhalt. Er ist ein Klassiker unter den Klassikern wie Praxiteles, Mozart oder Puschkin.
Die Kultur der Renaissance war nicht massenhaft und geografisch weit verbreitet. Sie war „genau richtig“. Auf sehr engem Raum und in einer sehr kurze Zeit Es entstand eine aristokratische Künstlerbruderschaft, die in der Kunst eine Entdeckung machte, sich auflöste und die Tradition an einen anderen „Punkt“ verlagerte. Es genügt zu sagen, dass die „Hochrenaissance“ (Leonardo da Vinci, Michelangelo, Raffael und ihre Schüler) in einigen Städten Italiens nur wenige Jahrzehnte anhielt.
Der Niedergang der harmonischen Periode in Malerei und Bildhauerei in einem Land geht in einem anderen Land in den Beginn des Renaissance-Dramas über.
Der Renaissancestil war instabil. Die überwiegende Mehrheit der Europäer lebte in einem kulturellen Umfeld vor der Renaissance. Aber das Erbe der Genies der Renaissance war das Material, das bis in unser Jahrhundert hinein in den Bereichen der Kunst gesät und wachsen sollte und die Quelle von Großem war künstlerische Stile, deren Existenz nur möglich ist, wenn es eine vorbereitete Massenöffentlichkeit gibt.
Farbe und Zeit
Künstlerische Bedeutung: Madonna steigt vom Himmel herab. Vom blauen Himmel. Noch nicht buchstäblich zu Boden, aber aus heiterem Himmel. Und das ist ein Durchbruch. Denn im Mittelalter „vermittelt die goldene Farbe des Hintergrunds der Ikone … für den damaligen Betrachter ganz glaubhaft die Farbe des Himmels“
Und schauen Sie sich das für uns heute natürliche Blau des Raffaels-Himmels genau an. Es ist alles voller Gesichter ungeborener Seelen! - Hier ist ein Widerspruch für Sie. Die Kollision zweier Welten in einem Bild: unserer und der anderen, sorgt für Katharsis. Was als Harmonie von Irdischem und Himmlischem interpretiert werden kann.
Das Gleiche gilt für das Erscheinen Madonnas. Dies ist eine barfüßige Bäuerin, die durch die Aufmerksamkeit auf sich selbst erschrocken ist, mit einem verängstigten Baby, das sie aus Angst fest an sich drückt (die rechte Schulter des Babys erhob sich daraus und er drückte seinen rechten Arm fest an seine Mutter, die Das Schloss wurde gemacht, damit er es ihr nicht wegnimmt. Und diese Bäuerin geht mit schüchternen Schritten auf uns zu. Aber ihre Angst wird nicht durch eine übersinnliche Voraussicht geweckt, sondern durch die Tatsache, dass eine schwache Frau das Leben kennt , wie alle anderen auch.
Das ist einerseits. Und andererseits schwebt sie. Mit einer Geschwindigkeit, die viel größer ist als ihre Schritte. Aus diesem Grund verhält sich die Materie völlig widersprüchlich. Durch den Windstrom, der Sie hereinbringt, rollt der Vorhang auf uns zu, der schwere Saum des päpstlichen Gewandes beginnt sich wie Segel anzuschwellen, und der Saum des Kleides und des Umhangs der heiligen Barbara fliegt davon. Und andererseits wird Madonna von einer anderen Kraft getragen, die sie dazu zwingt, den Luftwiderstand zu überwinden. Und der braune Umhang der Madonna und die unteren Flügel ihres blauen Umhangs bauschen sich nach hinten.
Und aus der Kollision - ein Ideal: nicht den Wert eines Menschen auf eine göttliche Kategorie zu heben (was Stolz, Blasphemie wäre), sondern die Harmonie des Physischen und Spirituellen.
Schließlich waren seine Gesetze bereits zur Zeit von Raffaels Werk entdeckt worden. Und sie verlangen, dass es einen einzigen Fluchtpunkt für das Gesamtbild gibt. Und Raphael machte drei davon: für die Engel unten, für Papst Sixtus II. und die heilige Barbara in der Mitte und für die Madonna. Für die Augen des Betrachters gibt es drei Horizonte. Und der Betrachter scheint zu schweben. Schwebt mit Seele.
Und gleichzeitig werden auf jeder Ebene die Körper so dargestellt, dass nur er, der Betrachter, sie sehen kann, eine Person, die vor dem Bild auf dem Boden steht, ohne die Füße vom Boden zu heben, um zu erscheinen der Reihe nach auf jeder Ebene.
Und die Augen, die es gewohnt sind, von links nach rechts zu lesen, gleiten von unten, von den Engeln, zuerst über die Figur des Papstes, dann zum Gesicht der Madonna, entlang ihres geschwollenen, geschwungenen Umhangs hinunter zu Barbara, die wiederum sieht noch tiefer aus, auf den rechten Engel, der niedriger ist als der linke. Und von dort aus wird der Blick auf das Höhere gelenkt. Und wieder aufwärts. Und so noch einmal im Kreis. Diese vollkommenste geometrische Figur.
Komposition: Die Komposition der „Sixtinischen Madonna“ ist auf den ersten Blick einfach. In Wirklichkeit ist das scheinbare Einfachheit, denn allgemeiner Bau Das Gemälde basiert auf ungewöhnlich subtilen und zugleich streng überprüften Beziehungen volumetrischer, linearer und räumlicher Motive, die dem Gemälde Erhabenheit und Schönheit verleihen. Ihre makellose Ausgewogenheit, frei von Künstlichkeit und Schematismus, beeinträchtigt die Freiheit und Natürlichkeit der Bewegungen der Figuren nicht im Geringsten. Die in ein weites Gewand gekleidete Figur von Sixtus beispielsweise ist schwerer als die Figur von Varvara und liegt etwas tiefer als sie, aber der Vorhang über Varvara ist schwerer als über Sixtus, und dadurch ist das notwendige Gleichgewicht von Massen und Silhouetten gegeben restauriert. Ein so scheinbar unbedeutendes Motiv wie die päpstliche Tiara, die in der Ecke des Bildes auf der Brüstung platziert ist, hat eine große figurative und kompositorische Bedeutung, um den Teil der Empfindung des irdischen Firmaments ins Bild zu bringen, der erforderlich ist, um der himmlischen Vision die notwendige Realität zu verleihen. Die Ausdruckskraft der melodischen Linien von Raphael Santi wird durch die Kontur der Madonna-Figur deutlich, die kraftvoll und frei ihre Silhouette voller Schönheit und Bewegung umreißt.
Zeit: Raffael schuf die Sixtinische Madonna um 1516. Zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits viele Gemälde mit der Darstellung der Gottesmutter gemalt. Schon in jungen Jahren wurde Raffael als erstaunlicher Meister und unvergleichlicher Dichter des Madonnenbildes berühmt. Die St. Petersburger Eremitage beherbergt die Conestabile Madonna, die von einem siebzehnjährigen Künstler geschaffen wurde. In der Pitti-Galerie gibt es seine „Madonna im Sessel“, im Prado-Museum – „Madonna mit Fisch“, in der Vatikanischen Pinakothek – „Madonna del Foligno“, andere Madonnas sind zu Schätzen anderer Museen geworden. Doch als es an der Zeit war, sein Hauptwerk zu schreiben, hinterließ Raffael seinen Schülern im Vatikanpalast zahlreiche Werke, um mit eigenen Händen ein Altarbild für die Klosterkirche St. Sixtus im fernen Piacenza zu malen.
Viele vermuten, dass Raffael die Sixtinische Madonna zu einer Zeit schrieb, als er selbst schwere Trauer erlebte. Und deshalb legte er all seine Traurigkeit in das göttliche Antlitz seiner Madonna – der vollkommensten Verkörperung des Ideals im Christentum. Er schuf das schönste Bild der Gottesmutter und vereinte darin die Merkmale höchster religiöser Idealität mit höchster Menschlichkeit.
Altarbilder wurden damals auf Tafeln gemalt, aber Raffael malte seine Madonna auf Leinwand. Zunächst befand sich die Sixtinische Madonna im halbrunden Chor der (heute nicht mehr existierenden) Klosterkirche, und die hoch aufragende Muttergottesfigur schien von weitem in der Luft zu schweben. 1754 wurde das Gemälde von König August III. von Sachsen erworben und in seine Dresdener Residenz gebracht. Der Hof der sächsischen Kurfürsten zahlte dafür 20.000 Zechinen – eine für die damalige Zeit beachtliche Summe. Und jetzt diese Besucher berühmte Galerie Sie kommen dem Bild näher, sie werden stärker von dem neuen Eindruck überwältigt. Die Muttergottes schwebt nicht mehr in der Luft, sondern scheint auf Sie zuzugehen.
Die Sixtinische Madonna von Raffael
Die Handlung des Bildes und die Hauptaufgabe der Arbeit
Das Gemälde zeigt eine Frau mit einem Kind, aber das ist nicht nur eine Frau, es ist eine Jungfrau, die ein gesegnetes Kind in ihren Armen hält. Ihr zärtlicher und zugleich trauriger Blick scheint zu wissen, welch undankbare Zukunft ihrem Sohn bevorsteht. Das Kind hingegen ist voller Leben, Kraft und Energie, was sich deutlich an seiner Konstitution erkennen lässt.
Die Mutter hält ihren Sohn ehrfürchtig und zärtlich in ihren Armen und drückt seinen nackten Körper enger an sich, als ob sie ihn vor all den Schwierigkeiten schützen wollte, die das Leben uns bringt. Auf dem Bild ist die Frau im Himmel stehend dargestellt, denn sie brachte den Erlöser zur Welt und brachte Segen in die Länder der Sünder.
Die Brüstung am unteren Bildrand ist die einzige Barriere, die die irdische Welt von der himmlischen Welt trennt. Wie in Wirklichkeit öffnet sich der grüne Vorhang zur Seite und Maria mit dem göttlichen Sohn im Arm erscheint vor Ihren Augen. Sie geht, und es scheint, als würde die Muttergottes jetzt über die Brüstung steigen und auf den Boden treten, aber dieser Moment dauert ewig. Die Madonna bleibt bewegungslos, immer zum Abstieg bereit und immer unzugänglich.
Es gibt weder Erde noch Himmel auf dem Bild, keine vertraute Landschaft oder architektonische Dekoration in der Tiefe. Der gesamte freie Raum zwischen den Figuren ist mit Wolken gefüllt, unten dichter und dunkler, oben transparenter und strahlender. Die schwere, senile Gestalt des Heiligen Sixtus, begraben in den schweren Falten der goldgewebten päpstlichen Gewänder, erstarrte in feierlicher Anbetung. Seine Hand, die er uns entgegenstreckt, betont beredt Hauptidee Gemälde sind die Erscheinung der Muttergottes für die Menschen.
Auf der anderen Seite lehnt sich die heilige Barbara, und beide Figuren scheinen Maria zu stützen und einen geschlossenen Kreis um sie zu bilden. Manche nennen diese Figuren Hilfsfiguren, zweitrangig, aber wenn man sie entfernt (und sei es nur gedanklich) oder auch nur geringfügig ihre Position im Raum verändert, wird die Harmonie des Ganzen sofort zerstört. Die Bedeutung des Gesamtbildes und des Marienbildes selbst wird sich ändern. Andächtig und zärtlich drückt Madonna ihren in ihren Armen sitzenden Sohn an ihre Brust. Weder Mutter noch Kind sind getrennt voneinander vorstellbar; ihre Existenz ist nur in unauflöslicher Einheit möglich. Maria, die menschliche Fürsprecherin, trägt ihren Sohn zum Volk. Ihre einsame Prozession drückt all das traurige und tragische Opfer aus, zu dem die Mutter Gottes verurteilt ist.
Die Welt der „Sixtinischen Madonna“ ist ungewöhnlich komplex, auch wenn auf dem ersten Blick nichts auf dem Bild auf Ärger schließen lässt. Und doch wird der Betrachter von einem Gefühl drohender Angst heimgesucht. Ein Engelschor mit sanfter Stimme singt, erfüllt den Himmel (Hintergrund der Leinwand) und preist Maria. Der kniende Sixtus wendet seinen entzückten Blick nicht von der Gottesmutter ab, und die heilige Barbara senkte demütig den Blick. Es scheint, dass nichts den Frieden von Maria und ihrem Sohn gefährdet. Aber beunruhigende Schatten laufen und laufen über die Falten der Kleider und Vorhänge. Wolken wirbeln unter den Füßen der Madonna, der Glanz, der sie und das Gotteskind umgibt, verspricht einen Sturm.
Alle Augen Charaktere Bilder werden verschickt verschiedene Seiten, und nur Maria und das göttliche Kind schauen uns an. Raffael hat auf seiner Leinwand eine wunderbare Vision dargestellt und das scheinbar Unmögliche geschafft. Das ganze Bild ist voller innerer Bewegung, beleuchtet von einem zitternden Licht, als würde die Leinwand selbst einen geheimnisvollen Glanz ausstrahlen. Dieses Licht schimmert mal kaum, mal scheint es, mal funkelt es fast. Und dieser Zustand vor dem Sturm spiegelt sich im Gesicht des Christuskindes wider, sein Gesicht ist voller Angst. Es ist, als würde er auf seine nicht kindische Art die Blitze eines herannahenden Gewitters sehen. strenge Augen ein Spiegelbild ferner Probleme ist sichtbar, denn „Ich habe dir keinen Frieden gebracht, sondern ein Schwert ...“. Er klammert sich an die Brust seiner Mutter, blickt aber ruhelos in die Welt.
„Die Sixtinische Madonna“ ist ein Meisterwerk, weil sie unvereinbare Phänomene wie den sterblichen menschlichen Körper und die Heiligkeit des Geistes sowie die für „normale“ Menschen charakteristische Geburt von Kindern und die Sühne von Sünden durch Mord vereint.
Alles ist durcheinander, alles streitet miteinander, aber gleichzeitig ergänzt das eine das andere. Ohne den Körper wäre es unmöglich, die Frau darzustellen, die der Welt das göttliche Kind geschenkt hat, ohne den Geist gibt es kein Leben im Körper, ohne die natürliche Geburt eines Kindes, wie würden die Menschen verstehen, dass sie auch in der Lage sind, dem zu folgen von Geburt an einen gerechten Weg zu gehen und ohne Sühne für die Sünde sündlos zu werden.
So viele Emotionen passen auf eine Leinwand, so viele menschliche Köpfe und Gedanken liegen auf dem Bett der Erkenntnis der Wahrheit, aber nur der Autor selbst kann mit Zuversicht und ohne Fiktion sagen, was genau er mit der Kombination unvereinbarer Dinge meinte.
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Raphael Santis Gemälde „Die Sixtinische Madonna“ schuf der große Maler ursprünglich als Altarbild für die Kirche San Sisto (St. Sixtus) in Piacenza. Gemäldegröße 270 x 201 cm, Öl auf Leinwand. Das Gemälde zeigt die Jungfrau Maria mit dem Christkind, Papst Sixtus II. und der Heiligen Barbara. Das Gemälde „Die Sixtinische Madonna“ ist eines der berühmtesten Werke der Weltkunst. In der Renaissance-Malerei ist dies vielleicht die tiefste und schönste Verkörperung des Themas Mutterschaft. Für Rafael Santi war es auch eine Art Ergebnis und Synthese langjähriger Forschung zu dem ihm am nächsten stehenden Thema. Raffael nutzte hier klug die Möglichkeiten einer monumentalen Altarkomposition, deren Blick sich in der Fernperspektive des Kirchenraums sofort öffnet, sobald der Besucher den Tempel betritt. Aus der Ferne soll das Motiv eines sich öffnenden Vorhangs, hinter dem wie in einer Vision eine auf den Wolken wandelnde Madonna mit einem Kind im Arm erscheint, den Eindruck fesselnder Kraft erwecken. Die Gesten der Heiligen Sixtus und Barbara, der Blick der Engel nach oben, der allgemeine Rhythmus der Figuren – alles dient dazu, die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Madonna selbst zu lenken.
Verglichen mit den Bildern anderer Renaissance-Maler und mit den früheren Werken Raffaels offenbart das Gemälde „Die Sixtinische Madonna“ eine wichtige neue Qualität – einen verstärkten spirituellen Kontakt mit dem Betrachter. In den „Madonnen“ vor ihm zeichneten sich die Bilder durch eine Art innere Isolation aus – ihr Blick war nie auf etwas außerhalb des Bildes gerichtet; Sie waren entweder mit dem Kind beschäftigt oder mit sich selbst beschäftigt. Nur in Raffaels Gemälde „Madonna im Sessel“ blicken die Figuren auf den Betrachter, und in ihrem Blick liegt tiefe Ernsthaftigkeit, aber in gewissem Maße werden ihre Erfahrungen vom Künstler nicht preisgegeben. Es liegt etwas im Aussehen der Sixtinischen Madonna, das uns einen Blick in ihre Seele zu ermöglichen scheint. Es wäre übertrieben, hier vom gesteigerten psychologischen Ausdruck des Bildes, von der emotionalen Wirkung zu sprechen, aber in den leicht hochgezogenen Augenbrauen der Madonna, in ihren weit geöffneten Augen – und ihr Blick selbst ist nicht starr und schwer einzufangen, wie Wenn sie uns nicht ansieht, sondern an uns vorbei oder durch uns hindurch, gibt es einen Hauch von Angst und den Ausdruck, der in einem Menschen erscheint, wenn ihm sein Schicksal plötzlich offenbart wird. Es ist wie eine Vorsehung über das tragische Schicksal ihres Sohnes und gleichzeitig die Bereitschaft, ihn zu opfern. Die Dramatik des Mutterbildes wird in seiner Einheit mit dem Bild des Christuskindes hervorgehoben, dem der Künstler kindlichen Ernst und Einsicht verlieh. Es ist jedoch wichtig anzumerken, dass dem Bild der Madonna bei solch einem tiefen Gefühlsausdruck auch nur ein Hauch von Übertreibung und Erhöhung fehlt – seine harmonische Grundbasis bleibt darin erhalten, aber im Gegensatz zu Raffaels früheren Schöpfungen ist es ist stärker angereichert mit Nuancen innerster spiritueller Bewegungen. Und wie immer bei Raffael kommt der emotionale Inhalt seiner Bilder ungewöhnlich deutlich in der Plastizität seiner Figuren zum Ausdruck. Das Gemälde „Die Sixtinische Madonna“ ist ein klares Beispiel für die eigentümliche „Mehrdeutigkeit“ der einfachsten Bewegungen und Gesten, die Raffaels Bildern innewohnen. So erscheint uns die Madonna selbst zugleich vorwärtsschreitend und stillstehend; Ihre Figur scheint leicht in den Wolken zu schweben und hat gleichzeitig das reale Gewicht eines menschlichen Körpers. In der Bewegung ihrer Hände, die das Baby tragen, kann man den instinktiven Impuls einer Mutter erkennen, die ihr Kind an sich drückt, und gleichzeitig das Gefühl, dass ihr Sohn nicht nur ihr gehört, dass sie ihn als Kind trägt Opfer für Menschen. Der hohe figurative Gehalt solcher Motive unterscheidet Raffael von vielen seiner Zeitgenossen und Künstlern anderer Epochen, die sich als seine Anhänger betrachteten und hinter der idealen Erscheinung ihrer Figuren oft nichts als eine äußere Wirkung verbargen.
Der Aufbau der Sixtinischen Madonna ist auf den ersten Blick einfach. In Wirklichkeit handelt es sich dabei um scheinbare Einfachheit, denn die Gesamtkonstruktion des Bildes basiert auf ungewöhnlich subtilen und zugleich streng überprüften Beziehungen volumetrischer, linearer und räumlicher Motive, die dem Bild Größe und Schönheit verleihen. Ihre makellose Ausgewogenheit, frei von Künstlichkeit und Schematismus, beeinträchtigt die Freiheit und Natürlichkeit der Bewegungen der Figuren nicht im Geringsten. Die in ein weites Gewand gekleidete Figur von Sixtus beispielsweise ist schwerer als die Figur von Varvara und liegt etwas tiefer als sie, aber der Vorhang über Varvara ist schwerer als über Sixtus, und dadurch ist das notwendige Gleichgewicht von Massen und Silhouetten gegeben restauriert. Ein so scheinbar unbedeutendes Motiv wie die päpstliche Tiara, die in der Ecke des Bildes auf der Brüstung platziert ist, hat eine große figurative und kompositorische Bedeutung und bringt in das Bild den Anteil des Gefühls des irdischen Firmaments ein, der erforderlich ist, um die himmlische Vision zu vermitteln die notwendige Realität. Die Ausdruckskraft der melodischen Linien von Raphael Santi wird durch die Kontur der Madonna-Figur deutlich, die kraftvoll und frei ihre Silhouette voller Schönheit und Bewegung umreißt.
Wie entstand das Bild der Madonna? War für ihn da echter Prototyp? In dieser Hinsicht sind mit dem Dresdner Gemälde eine Reihe antiker Legenden verbunden. Forscher finden Ähnlichkeiten in den Gesichtszügen der Madonna mit dem Vorbild einer der Madonna Frauenporträts Raffael – die sogenannte „Dame im Schleier“ („La Donna Velata“, 1516, Pitti-Galerie). Aber bei der Lösung dieses Problems sollte man zunächst einmal berücksichtigen berühmtes Sprichwort Raphael selbst geht aus einem Brief an seinen Freund Baldassare Castiglione hervor, dass er bei der Schaffung des Bildes ein Vollkommener sei weibliche Schönheit Er lässt sich von einer bestimmten Idee leiten, die auf der Grundlage vieler Eindrücke aus den Schönheiten entsteht, die der Künstler im Leben gesehen hat. Mit anderen Worten, grundsätzlich kreative Methode Der Maler Raphael Santi erweist sich als eine Auswahl und Synthese von Beobachtungen der Realität.
Das in einer der Kirchen der Provinz Piacenza verloren gegangene Gemälde blieb bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts wenig bekannt, als der sächsische Kurfürst August III. nach zweijährigen Verhandlungen von Benedikt XIV. die Erlaubnis erhielt, es nach Dresden zu bringen. Zuvor versuchten die Agenten des Augustus, über den Kauf der bekannteren Werke Raffaels zu verhandeln, die sich in Rom selbst befanden. Im Tempel San Sisto befindet sich noch eine Kopie der Sixtinischen Madonna von Giuseppe Nogari. Einige Jahrzehnte später, nach der Veröffentlichung begeisterter Kritiken von Goethe und Winckelmann, stellte die Neuerwerbung Correggios „Heilige Nacht“ als wichtigstes Meisterwerk der Dresdner Sammlung in den Schatten.
Da russische Reisende ihre große Reise genau von Dresden aus begannen, war die „Sixtinische Madonna“ für sie ihre erste Begegnung mit den Höhen der italienischen Kunst und wurde daher empfangen Russland XIX Jahrhunderte voller ohrenbetäubender Berühmtheit, die alle anderen Raffael-Madonnen übertrifft. Fast alle künstlerisch orientierten russischen Europareisenden schrieben über sie – N.M. Karamzin, V.A. Schukowski („himmlische Jungfrau“), V. Kuchelbecker („göttliche Schöpfung“), A.A. Bestuzhev („Das ist nicht Madonna, das ist Raffaels Glaube“), K. Bryullov, V. Belinsky („Die Figur ist streng klassisch und überhaupt nicht romantisch“), A.I. Herzen, A. Fet, L.N. Tolstoi, I. Goncharov, I. Repin, F.M. Dostojewski. A.S. erwähnt dieses Werk mehrmals, da er es nicht mit eigenen Augen gesehen hat. Puschkin.
Nach dem Großen Vaterländischer Krieg Das Gemälde wurde eingelagert Puschkin-Museum, bis es 1955 zusammen mit der gesamten Dresdner Sammlung an die DDR-Behörden zurückgegeben wurde. Zuvor wurde „Madonna“ der Moskauer Öffentlichkeit vorgestellt. Zur Verabschiedung der „Sixtinischen Madonna“ V.S. Grossman antwortete gleichnamige Geschichte, wo er das berühmte Bild mit seinen eigenen Erinnerungen an Treblinka verband: „Wenn wir uns um die Sixtinische Madonna kümmern, halten wir an dem Glauben fest, dass Leben und Freiheit eins sind, dass es im Menschen nichts Höheres als das Menschliche gibt“ 1.
Die Begeisterung, die das Gemälde bei Reisenden hervorrief, die zur Routine geworden war, führte zu einer gewissen Reaktion gegen dieses Werk, wie auch gegen Raffaels Werk im Allgemeinen, das ab dem zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhundert wurde mit dem Akademismus in Verbindung gebracht. Bereits Leo Tolstoi schrieb: „Die Sixtinische Madonna... ruft kein Gefühl hervor, sondern nur eine schmerzhafte Angst darüber, ob ich das Gefühl erlebe, das erforderlich ist“2.
Sogar Nachschlagewerke weisen darauf hin, dass die Farben der Madonna merklich verblasst sind; Weder die Platzierung des Gemäldes unter Glas noch die Museumsbeleuchtung tragen dazu bei, die Wirkung zu verstärken. Als das berühmte Bild in Moskau ausgestellt wurde, reagierte Faina Ranevskaya auf die Enttäuschung einiger Intellektueller wie folgt: „Diese Dame wurde seit so vielen Jahrhunderten von so vielen Menschen gemocht, dass sie jetzt selbst das Recht hat, zu entscheiden, wen sie mag“ 3 .
Auch die Rezeption dieses Bildes in der Populärkultur, die mitunter die Grenze zur Vulgarität überschreitet, spielte eine Rolle. Auf der Dresdner Ausstellung zum 500-jährigen Jubiläum des Meisterwerks 2012 wurden viele Konsumgüter mit Reproduktionen von Raffaels Putten gezeigt: „Geflügelte Kinder strecken ihre Wangen aus den Seiten von Mädchenalben des 19. Jahrhunderts und verwandeln sich in zwei süße Ferkel eine Werbung für einen Chicagoer Wursthersteller aus den 1890er Jahren.“ Hier ein Weinetikett mit ihnen, hier ist ein Regenschirm, hier ist eine Süßigkeitenschachtel und hier ist Klopapier", schrieb Kommersant über diese Ausstellung 4.
// Beschreibung von Raffaels Gemälde „Sixtinische Madonna“
Raphael Santi (26.03.1483 - 6.04.1520) - groß Italienischer Künstler Renaissance. Während seines kurzen Lebens – siebenunddreißig Jahre – malte Raffael weiter biblische Geschichten, zu Themen der klassischen Mythologie, arbeitete an Fresken und Porträts.
Seine berühmtesten Gemälde sind „Die Hochzeit der Jungfrau Maria“, „Der heilige Georg und der Drache“, „Streit“, „Verklärung“, „Porträt von Castiglione“, „Der schöne Gärtner“, „Der Triumph von Galatea“, „Die Sixtinische Madonna“, „Die Schule von Athen“.
Die Sixtinische Madonna (1512-1513) wurde von Papst Julius II. für die Kirche im Kloster St. Sixtus in der Stadt Piacenza in Auftrag gegeben. Raphael vollendete den Auftrag auf Leinwand, obwohl das damals übliche Material in solchen Fällen Karton war. Vielleicht war der Auftrag für ein Banner gedacht, aber vielleicht wurde die Leinwand aufgrund der Größe des Gemäldes ausgewählt. Man ging davon aus, dass die Kirche in Piacenza unter dem Patronat der Heiligen Sixtus und Barbara stand, weshalb ihre Bilder auf dem Gemälde abgebildet sind.
In der Bildmitte volle Höhe zeigt eine Ganzkörperfigur der Madonna mit Kind. Auf beiden Seiten davon stehen zwei kniende Figuren, links der Heilige Sixtus, rechts die Heilige Barbara. Ganz unten, im Vordergrund, sind zwei Engel zu sehen, die nach oben schauen. Kompositorisch sind die Figuren in einem Dreieck angeordnet. Der geteilte Vorhang verstärkt das geometrische Design der Komposition. Umrahmt von grünen Vorhängen ist die Madonna in einfacher Kleidung, aber umgeben von einem Glanz, als ob sie vom Himmel herabsteigt, ihre nackten Füße berühren leicht die Wolke, und es scheint, als ob sie und der Betrachter ihre Blicke treffen.
Dem Künstler gelang es, Sanftmut, Demut, Liebe und Trauer in Marias Gesichtsausdruck zu vermitteln. Das Kind hat einen kindlichen Blick, Maria hält es wie ihr Juwel, in ihren Augen ist das Wissen um die bevorstehenden Prüfungen verborgen. Raphael spiegelte in ihnen viel Menschlichkeit wider.
Das Gemälde sollte vor der Kreuzigung stattfinden, daher sollten die Gesichter und die Position der Figuren dem Gefühl untergeordnet sein, das durch das Leiden und Sterben des Erlösers hervorgerufen wurde. Wir sehen Sixtus‘ Zeigefinger und Barbaras gesenkten Kopf.
Das Bild wurde mit großem Geschick in den Traditionen der Renaissance gemalt, doch gerade unter dieser Wiederbelebung des Heidentums leidet der christliche Inhalt. Das Bild macht nicht den Eindruck, den es vermittelt Orthodoxe Ikonen. Das Baby wird nackt und rundlich dargestellt, was in der Orthodoxie nicht erlaubt ist. Maria wirkt hier aufgrund ihrer Verletzlichkeit eher traurig grausame Welt Alleinerziehende Mutter. Die rundlichen nackten Engel sehen aus wie heidnische Amoretten, und in ihren rundlichen Gesichtern ist nichts von Spiritualität zu erkennen. Aus irgendeinem Grund ist der Blick der Heiligen Barbara auf diese kleinen Amoretten mit Flügeln gerichtet, und auf ihrem Gesicht liegt ein zärtliches Lächeln.
Es gibt viel Körperlichkeit im Bild und nicht viel Spirituelles. Dies ist charakteristisch für viele Gemälde mit religiösem Inhalt während der Renaissance. Die katholische Kirche nahm dieses halbsäkulare Gemälde in ihren Kreis auf. Bedauerlicherweise.
„Das Genie der reinen Schönheit“ – das sagte Wassili Schukowski über die „Sixtinische Madonna“. Später lieh sich Puschkin dieses Bild aus und widmete es Anna Kern. Auch Raffael malte die Madonna nach einer realen Person.
Aus der Geschichte des Gemäldes
IN Anfang des XVI Jahrhundert führte Rom einen schweren Krieg mit Frankreich um den Besitz der nördlichen Länder Italiens. Im Allgemeinen war das Glück auf der Seite der päpstlichen Truppen, und die norditalienischen Städte gingen nacheinander auf die Seite des römischen Papstes. Im Jahr 1512 tat sie dasselbe Piacenza- eine Stadt 60 Kilometer südöstlich von Mailand.
Für Papst Julius II Piacenza war mehr als nur Neuland: Hier befand sich das Kloster des Heiligen Sixtus, dem Schutzpatron der Familie Rovere, zu der der Papst gehörte. Um dies zu feiern, beschloss Julius II., den Mönchen zu danken (die sich aktiv für den Beitritt zu Rom eingesetzt hatten) und ordnete an Rafael Santi(zu diesem Zeitpunkt bereits anerkannter Meister) Altarbild, in dem die Jungfrau Maria dem Heiligen Sixtus erscheint.
Raffael gefiel die Reihenfolge: Sie ermöglichte es ihm, das Gemälde mit Symbolen zu sättigen, die für den Künstler wichtig waren. Der Maler war Gnostisch- ein Anhänger der spätantiken religiösen Bewegung, basierend auf dem Alten Testament, östliche Mythologie und eine Reihe frühchristlicher Lehren. Gnostiker überhaupt magische Zahlen besonders geehrt sechs(Nach ihrer Lehre erschuf Gott Jesus am sechsten Tag), und Sixtus wird genau mit „sechster“ übersetzt.
Rafael beschloss, diesen Zufall auszunutzen. Daher weist das Gemälde laut dem italienischen Kunstkritiker Matteo Fizzi kompositorisch eine Sechs auf: Es besteht aus sechs Figuren, die zusammen ein Sechseck bilden.
Welche geheimen Symbole sind auf dem Bild zu sehen?
1 MADONNA. Es wird angenommen, dass Raffael das Bild der Heiligen Jungfrau mit seiner geliebten Fornarina (Margherita Luti) malte. Fornarina – aus dem Italienischen. La Fornarina, „Der Bäcker“.
Laut dem russischen Kunsthistoriker Sergei Stam „in den Augen der Sixtinischen Madonna Offenheit und Leichtgläubigkeit, leidenschaftliche Liebe und Zärtlichkeit für das Kind und gleichzeitig Vorsicht und Angst, aber gleichzeitig die Bereitschaft, eine Leistung zu erbringen.“ (um ihren Sohn dem Tod zu überlassen) erstarrte.“ 
2 DAS KIND CHRISTUS. Laut Stam ist „seine Stirn nicht kindisch hoch und seine Augen nicht kindisch ernst.“ Seine Augen blicken aufmerksam, intensiv, voller Verwirrung und Angst auf die Welt, die sich vor ihnen öffnet.“ Und gleichzeitig kann man im Blick Christi die Entschlossenheit ablesen, dem Willen Gottes des Vaters zu folgen, die Entschlossenheit, sich für die Erlösung der Menschheit zu opfern.
3 SYSTEM II. Über den römischen Papst ist sehr wenig bekannt. Er blieb nicht lange – von 257 bis 258 – auf dem heiligen Thron und wurde unter Kaiser Valerian durch Enthauptung hingerichtet.
Der heilige Sixtus war der Schutzpatron der italienischen Papstfamilie Rovere (italienisch: „Eiche“). Daher sind Eicheln und Eichenblätter auf sein goldenes Gewand gestickt.
4 HÄNDE VON SYSTUS. Raphael schrieb den heiligen Papst mit dem Hinweis rechte Hand auf dem Altarkruzifix (denken Sie daran, dass die „Sixtinische Madonna“ hinter dem Altar und dementsprechend hinter dem Altarkreuz hing). Es ist merkwürdig, dass der Künstler sechs Finger an der Hand des Papstes darstellte – weitere sechs sind auf dem Gemälde verschlüsselt. (Tatsächlich ist der scheinbare sechste Finger (kleiner Finger) ein Teil davon innen Palmen).
Linke Hand der Hohepriester wird an seine Brust gedrückt – als Zeichen der Verehrung der Jungfrau Maria.
5 PAPST-TIARA vom Kopf des Pontifex entfernt, als Zeichen des Respekts vor der Madonna. Die Tiara besteht aus drei Kronen, die das Reich des Vaters, des Sohnes und des Heiligen Geistes symbolisieren. Es ist mit einer Eichel gekrönt – dem Wappensymbol der Familie Rovere.
6 Die HEILIGE BARBARA war die Schutzpatronin von Piacenza. Diese Heilige aus dem 3. Jahrhundert wandte sich heimlich vor ihrem heidnischen Vater dem Glauben an Jesus zu. Der Vater folterte und enthauptete seine abtrünnige Tochter.
7 WOLKEN. Einige glauben, dass Raffael die Wolken als singende Engel dargestellt hat. Tatsächlich handelt es sich nach den Lehren der Gnostiker nicht um Engel, sondern um noch nicht geborene Seelen, die im Himmel wohnen und den Allmächtigen verherrlichen.
8 ENGEL. Die beiden Engel am unteren Bildrand blicken leidenschaftslos in die Ferne. Ihre scheinbare Gleichgültigkeit ist ein Symbol dafür, dass sie die Unvermeidlichkeit der göttlichen Vorsehung akzeptieren: Christus ist für das Kreuz bestimmt und er kann sein Schicksal nicht ändern.
9 DER OFFENE VORHANG symbolisiert den offenen Himmel. Sein Grün weist auf die Barmherzigkeit Gottes des Vaters hin, der seinen Sohn in den Tod schickte, um Menschen zu retten.
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Die Arbeiten an der „Madonna“ wurden 1513 abgeschlossen; bis 1754 befand sich das Gemälde im Kloster St. Sixtus, bis es vom sächsischen Kurfürsten August III. für 20.000 Zechinen (fast 70 Kilogramm Gold) gekauft wurde.
Vor Ausbruch des Zweiten Weltkriegs befand sich die Sixtinische Madonna in der Dresdner Galerie. Doch 1943 versteckten die Nazis das Gemälde in einem Stollen, wo es nach langer Suche entdeckt wurde sowjetische Soldaten. So gelangte Raffaels Schöpfung in die UdSSR. 1955 wurde die Sixtinische Madonna zusammen mit vielen anderen aus Deutschland übernommenen Gemälden an die Behörden der DDR zurückgegeben und befindet sich heute in der Dresdner Galerie.
KÜNSTLER Rafael Santi
1483 – Geboren in Urbino in die Familie eines Künstlers. 1500 – Beginn seiner Ausbildung in der Kunstwerkstatt von Pietro Perugino. Unterzeichnung des ersten Vertrags – zur Schaffung des Altarbildes „Krönung des Hl. Nikolaus von Tolentino.“ 1504-1508 – Lebte in Florenz, wo er Leonardo da Vinci und Michelangelo traf. Erschuf die ersten Madonnen – „Madonna von Granduca“ und „Madonna mit dem Distelfink“. 1508-1514 – Arbeitete an den Gemälden des Papstpalastes (Fresken „Die Schule von Athen“, „Die Befreiung des Apostels Petrus aus dem Gefängnis“, usw.), malte ein Porträt von Papst Julius II. Erhielt die Position des Schreibers päpstlicher Dekrete 1512-1514 – Verfasser von „Die Sixtinische Madonna“ und „Madonna von Foligno“. – Wurde zum Hauptverwalter der Altertümer des Vatikans ernannt. Gemalt „Madonna im Sessel“. 1520 – Gestorben in Rom
Eines der am häufigsten diskutierten und beliebtesten Meisterwerke der Renaissance ist Raffaels Sixtinische Madonna. Für viele Menschen bleibt es ein Beispiel hochwestlicher Malerei. Ihre Popularität ist fast so groß wie die der Mona Lisa. Alle, die dieses Gemälde studiert haben, haben die seltsamen und verwirrenden Gesichtsausdrücke von Maria und dem Jesuskind erkannt, aber alle Versuche, ihre Bedeutung zu entschlüsseln, scheiterten oft.
Eine kurze Geschichte eines großen Meisterwerks
Raffaels Werke sind unglaublich bedeutsam und interessant. Als er sein Gemälde „Die Sixtinische Madonna“ malte, gelang ihm ein gewisser Durchbruch in seiner Kreativität und hinterließ es der Nachwelt einzigartiges Meisterwerk. Dieses Gemälde wurde zunächst von den Kunden abgelehnt und war zum jahrelangen Umherirren verurteilt. Sie sah die Askese der Klostermauern und den Luxus der königlichen Paläste. Im 16. Jahrhundert geriet dieses einzigartige Werk fast in Vergessenheit, im 19. Jahrhundert wurde es zu einer der beliebtesten Schöpfungen der Weltkunst und in der Mitte des 20. Jahrhunderts wäre es fast ausgestorben. All diese Wechselfälle ereigneten sich auf der Leinwand, die Raphael Santi malte – „Die Sixtinische Madonna“.
Ein Meisterwerk, das Sie nicht gleichgültig lassen kann
Der große Renaissance-Mensch wurde als Dichter des Madonnenbildes bezeichnet. Das Motiv der Mutter und des Kindes blieb in vielen Werken Raffaels unverändert, den stärksten Eindruck auf den Betrachter hinterlässt jedoch die „Sixtinische Madonna“ – die Augen der Madonna wirken vertrauensvoll und zugleich beunruhigend.
Mit Erhabenheit und Einfachheit bringt eine Frau den Menschen das Kostbarste, was sie hat – ihren Sohn. Madonna geht leicht und selbstbewusst auf den Wolken, die unter ihren nackten Füßen wirbeln. Eine leichte Brise hebt den Saum ihres einfachen Umhangs. Bei all ihrem Aussehen ähnelt Madonna einer gewöhnlichen Bäuerin. Sie hält ihren Sohn sogar so, wie Bäuerinnen normalerweise ihre Kinder halten. Genau so hat der Autor der Sixtinischen Madonna das Bild der Jungfrau Maria vermittelt.
Vermutungen der Kunsthistoriker über Raffaels Meisterwerk
Das eine einfache Frau als Königin des Himmels begrüßt. Ein kniender alter Mann in einem formellen päpstlichen Gewand blickt bewundernd auf die Madonna – das ist der Heilige Sixtus. Ihm erschien die Gottesmutter mit ihrer Gefährtin, die den Sterbenden die Qual lindert.
Kunstkritiker widmen Raffaels Werk „Die Sixtinische Madonna“ große Aufmerksamkeit: und ihr ausführliche Studie beschäftigt Forscher seit vielen Jahrzehnten, denn es handelt sich um einen Grabstein, den der Künstler für den Tod seines Gönners Papst Julius II. geschaffen hat. Deshalb sind die Gesichtszüge von Julius im Bild des Heiligen Sixtus eingefangen, und derjenige, der auf der Brüstung steht, ist mit einer Eichel gekrönt, dem Wappen von Julius dem Zweiten.
Auftrag für ein Grabsteingemälde
Raffaels Gönner Santi war ein eigensinniger alter Mann. Er konnte den Künstler mit seinem Stab schlagen oder die Zerstörung von Fresken anordnen, die ihm nicht gefielen. Gleichzeitig scheute Julius keine Kosten für die Ausschmückung von Palästen und Kirchen.
Auf seinen Befehl hin bemalte Raffael die Säle des neuen Papstpalastes in Rom und schuf die majestätischen Fresken „Dispute“, „Parnassus“ und andere. Im Jahr 1513 starb Julius II. und Raffael, einer seiner beliebtesten Künstler, wurde gebeten, ein Bild zu malen, das über dem Grab des Papstes in der römischen Kathedrale San Pietro angebracht werden sollte. Selbstverständlich war Rafael Santi bereit, diese Arbeit zu übernehmen. Die Sixtinische Madonna wurde zum Trauergemälde.
Die zweihundertjährige Wanderung des berühmten Gemäldes
Es wird angenommen, dass der Künstler 1513 an seinem Werk arbeitete, doch die Verwandten des Papstes änderten ihre Meinung und stellten anstelle des Gemäldes eine Statue in der Kathedrale auf. Es war die Skulptur „Moses“ von Michelangelo, Raffaels ewigem Rivalen. Und das abgelehnte Meisterwerk des Künstlers wurde aus Rom mitgenommen. So begann die Wanderung der „Sixtinischen Madonna“.
Zwei Jahrhunderte lang befand sich das Gemälde in der Provinzstadt Piacenza im Benediktinerkloster.
Daraus entstand die Legende, dass die Sixtinische Madonna von Mönchen für einen Kirchenaltar in Auftrag gegeben wurde. Es vergingen mehr als zwei Jahrhunderte und das Gemälde wurde von einem Liebhaber erworben Deutscher Sammler Gemälde von Augustus dem Dritten. Er zahlte dafür 20.000 Zechinen, damals eine beachtliche Summe. Das Werk wurde nach Sachsen in das Dresdner Schlossensemble gebracht, aber nur wenige Auserwählte konnten es sehen. Die von Raphael Santi gemalte Perle der Galerie, „Die Sixtinische Madonna“, blieb für die nächsten 100 Jahre vor neugierigen Blicken in einem der verlassenen Säle des Palastes verborgen.
Historische Ereignisse, die das berühmte Meisterwerk über sich ergehen lassen musste
Unterdessen wurde Europa von Revolutionen erschüttert. Im Jahr 1749 begann in Deutschland ein Volksaufstand. Während Straßenkämpfe Der Dresdner Zwinger geriet in Brand, die Gemälde wurden jedoch glücklicherweise nicht beschädigt. Nach 6 Jahren wurde der beschädigte Teil des Palastes restauriert.
Im Jahr 1855 wurde die Sixtinische Madonna zusammen mit anderen Meisterwerken in einen anderen Flügel des Gebäudes verlegt. Die Dresdner Galerie ist zu einem Wallfahrtsort für Tausende von Menschen aus vielen Ländern der Welt geworden. Am 8. Mai 1945 wurde Dresden von eineinhalbtausend amerikanischen Bombern angegriffen. Historisches Zentrum Die Stadt, die auf eine dreihundertjährige Geschichte zurückblickt, wurde in anderthalb Stunden zerstört. Architekturensemble Der Zwinger wurde zur Ruine.
Doch zwei Monate später entdeckten sowjetische Soldaten unweit von Dresden einen verlassenen Steinbruch. Dort, direkt auf den feuchten Steinen, befanden sich Gemälde niederländischer Meister, und nur ein Gemälde war sorgfältig in einer Kiste mit speziellen Stoßdämpfern verpackt. Natürlich war es das berühmtes Meisterwerk, das von Raphael Santi geschaffen wurde - „Sixtinische Madonna“.
Reise nach Russland
Im Sommer 1945 wurde dieses Gemälde zusammen mit anderen Gemälden aus deutschen Museen nach Moskau gebracht. Neun Jahre lang erweckten die besten Restauratoren das beschädigte Kunstwerk wieder zum Leben. Und 1954 wurden die „Sixtinische Madonna“ und andere Exponate zwei Monate lang in Moskau ausgestellt und anschließend in die DDR zurückgebracht.
Im Laufe seines Lebens schrieb Rafael Santi viele Werke. Die Gemälde „Die Sixtinische Madonna“, „Die drei Grazien“, „Die Lehre der Jungfrau Maria“, „Der Triumph der Galatea“ und viele andere rufen ein Gefühl der Bewunderung und Ehrfurcht hervor.
