Ausstellung des 20. Jahrhunderts auf dem Krimschacht. Tretjakow-Galerie auf Krymsky Val

Vergessen Sie nicht Ihren ersten Besuch in diesem Museum. Wir beschlossen, uns den Schönen anzuschließen und gingen zum Haus des Künstlers, das sich im Krymsky Val befindet und das wir von Zeit zu Zeit besuchen. Und es gibt eine Ausstellung, Tickets sind teuer und es gibt eine Schlange für sie. Wir stellen uns an und ich überlege, ob wir woanders hingehen können. Und er beginnt sich vage im Kopf zu regen, dass da noch etwas von einem anderen Eingang zu sein scheint. Lass uns nachsehen? Komm schon. Und sicher: um die Ecke, im selben Gebäude - ein anderer Eingang. Schild: Zweigstelle der Tretjakow-Galerie. Kunst des 20. Jahrhunderts. Wir trauen unseren Augen nicht, kaufen Tickets, stehen auf, treten ein ...
Nie und nirgendwo habe ich eine Sammlung russischer (russischer? russischer? sowjetischer? wer weiß, wie man sie nennen soll) bildender Kunst aus ihrer interessantesten Zeit gesehen, auch nur annähernd ähnlich in Reichtum und Vielfalt. Und ich ahnte nicht, dass es so etwas überhaupt gibt, aber es stellte sich heraus, dass es seit vielen Jahren im selben Gebäude hing, in dem ich viele Male gewesen war ...
Ich versuche zu beschreiben ... nein, natürlich keine Bilder, sondern Fragmente von Eindrücken.
Erste Halle. Goncharova und Larionov. Ein Aufruhr von Farben, Helligkeit und Reichtum.
Zweite Halle. Konchalovsky, noch jemand, der Cezannismus steht an der Wand geschrieben und es stimmt - mir kommt es so vor, als würde ich durch eine Ausstellung der Impressionisten (oder vielleicht Postimpressionisten?) gehen. Ich komme mir vor wie ein kleines Mädchen, weil ich die Impressionisten nur in meiner Kindheit besucht habe, und tatsächlich - nur in der Kindheit gibt es so ein Fest der Farben, so eine Rauheit der Formen, wie für ein Kind gezeichnet.
Ich gehe weiter. Und ich beobachte, wie nach und nach Linien und Formen Farben und Inhalte ersetzen. Hier sind einige konstruktivistische Bilder. Jetzt gibt es nur noch Bretter und Latten, Quadrate und andere farbige geometrische Formen. Alle, das Ende, sind angekommen? Nein, es sind noch so viele Hallen vor uns...
Im nächsten Raum gewinnt die Malerei wieder Farbe und Bedeutung. Hier ist das bekannte Rote Pferd und die Petrograder Madonna. Petrow-Wodkin. Sieht nicht aus. Ich gehe ohne Verzögerung vorbei. Ob es wirklich viel interessanter ist, oder ob das Neue auffällt, ich nehme das Vertraute nicht mehr wahr. Hier ist Chagall, auch ein Freund. Aber ... auch Chagall? Nein, Juri Annenkow!? Er entpuppt sich auch als Maler - und was für ein ... Und ich habe ihn erst kürzlich als einen erstaunlichen grafischen Porträtmaler erkannt. Und hier ist etwas Unglaubliches, genannt „Der Mann und der Pavian“. Alexander Jakowlew. Und ich kenne nur den Namen, aber ein Porträt des Musikers. Und hier ist der kürzlich anerkannte, aber bereits geliebte Boris Grigoriev. Zwei Porträts. Wie gut ist er im Original und nicht im Netzwerk ...
Die Revolution. Bekannte Bilder von Deineka. Und ich verstehe, dass dies kein sozialistischer Realismus ist, der in den Zähnen steckt, sondern Variationen dessen, was in den vorherigen Hallen war. Dass diejenigen, die in diesem Saal ausgestellt sind, wirklich an die Revolution glaubten und versuchten, eine bildliche Entsprechung dazu zu finden, und den Auftrag der Partei nicht erfüllten.
Ich gehe weiter und denke mit Angst, dass die fortschrittlichen Milchmädchen und die Leistung des sowjetischen Soldaten jetzt beginnen werden. Und das Malen geht weiter. Hier wieder Konchalovsky – und der traurige Meyerhold vor dem Hintergrund des Teppichs. Hier ist die bunte und fröhliche Mavrina. Hier ist eine vage bekannte Tyrsa. Ja, Iogansons Verhör von Kommunisten, langweilig bis auf die Zähne, flackernd, zuckersüß lehrreich. Wieder ein Zweier und ein Brief von vorne, und vertraute Porträts von Korin, die, naja, überhaupt nicht aussehen, aber das machen sie nicht Wetter, sie sind wie Fragmente vor dem Hintergrund von etwas anderem - attraktiv und halb vertraut und sogar ungewohnt.
Endlich hier der Beamtensaal, wo Stalin mich in verschiedenen Fassungen aus kilometerlangen Bildern anschaut, und im Fernsehen in der Ecke Fragmente der Filme „Bright Path“ und „Kuban Cossacks“ gezeigt werden. Ja, und das war es, und Sie müssen es sich ansehen, bevor Sie weitermachen.
Als nächstes kommt die Avantgarde. Ich habe die Avantgarde satt, aber... Ich erstarre fassungslos vor den Daten. Das sind nicht nur die 60er, sondern die 50er, lange vor der Bulldozer-Messe. Egal wie ich über das Ergebnis der Kreativität denke, die für mich zum größten Teil eine Art schwere Energie in sich trägt, ich kann nicht anders, als mich vor dem Nonkonformismus und der Furchtlosigkeit dieser Künstlergeneration zu verbeugen.
Wieder Realismus. Jetzt sind sie wirklich Milchmädchen, Baumeister und Soldaten. Aber... sie sind lebendig und interessant. Und warum sollte der Künstler nicht selbst Milchmädchen zeichnen? Wenn er wirklich ein Künstler und kein Opportunist ist, dann ist das eine Betrachtung wert. Lange stehe ich vor einem Bild mit Mädchen beim Tanzen. Sieben sind es – und jedes hat seine eigene Bandbreite an Gefühlen im Gesicht, sie sind so unterschiedlich und doch vereint in ihrem schüchternen Erwartungszittern, dass ich jeden Gesichtsausdruck in meine Erinnerung aufnehmen möchte.
Ende. In den letzten Hallen wieder die Avantgarde, aber die sind geschlossen. Ich werde meinen Mann suchen, der mehrere Hallen zurückgeblieben ist. Während er zusieht, suche ich nach einem Platz zum Sitzen. In den letzten Hallen sind es schon die 90er, die meisten Gemälde sind nervös, unfreundlich. Ich habe lange nach jemandem gesucht, mit dem ich bereit bin neben mir zu sitzen. Am Ende finde ich mich bei Helium Korzhev wieder. Ein junger, nervöser, rothaariger Künstler zeichnet ein Mädchen, das aus irgendeinem Grund in die Hocke geht und das Bild auf den Boden stellt. Neben ihm eine alte Frau, deren Gesicht von faltigen Händen bedeckt ist. Von Zeit zu Zeit tausche ich Blicke mit ihnen aus, aber meistens sitze ich fast wie diese alte Frau da und bedecke mein Gesicht mit meinen Händen. Manche Tante fragt mitfühlend: Fühlst du dich schlecht?
Nein, ich bin nicht krank, obwohl mir eigentlich der Kopf weh tut. Ich versuche nur, all die Eindrücke der letzten Stunden festzuhalten. Und das ist eine fast unmögliche Aufgabe.

An diesem Tag habe ich aus dem Fenster eines der Säle (Foto im Museum - gegen Aufpreis, gilt aber nicht für Ausblicke aus dem Fenster) ein seltsames Foto gemacht, das für mich mit dem Inhalt des Museums übereinstimmt. In einem Rahmen Stalin mit den Frauen fortgeschrittener Arbeiter, Peter der Große, die Christ-Erlöser-Kathedrale und das Schiff "Valery Bryusov" mit Karaoke. Und gerade Abend Moskau. Alles in einer Flasche.
Seitdem war ich mehr als einmal dort, es gab keinen Schockeindruck, wie beim ersten Mal, aber jedes Mal gab es neue Entdeckungen. Endlich - ein Foto vom selben Punkt wie das erste, aber am Nachmittag, einige Jahre später.

Meine beruflichen Fähigkeiten sind in keiner Weise mit der Welt der Schönheit und Kunst verbunden, ich habe mich nie beruflich mit Malerei oder ähnlichem beschäftigt. Das Wissen über Kunst ist das grundlegendste, das in verschiedenen Lebensabschnitten aus einer Vielzahl von Quellen zusammengetragen wurde. Aber für mich ist ein Gemälde oder eine Skulptur mehr als nur Kunst. Dies ist eine ganze riesige Welt, in deren Betrachtung ich alles auf der Welt vergesse.

Ein Ausflug in die Tretjakow-Galerie ist ein Fest der Seele. Lange ging ich nur zur Lavrushinsky Lane, obwohl das Gebäude am Krymsky Val nicht so weit entfernt ist. Bei gutem Wetter kann man zu Fuß gehen, die Entfernung beträgt ca. 1,5 km.
Ich wollte schon lange sehen, was es gibt? Was ist die Kunst des 20. Jahrhunderts? Gibt es eine große Sammlung? Und die Hauptfrage ist, wird es mir überhaupt gefallen?

Und so stand ich auf und ging. Die Galerie befindet sich im Herzen des Kunstparks Muzeon, der an sich schon sehr interessant ist. Als architektonischer Baukörper ist das Galeriegebäude unauffällig und wirkt rau.

Im Erdgeschoss gibt es eine Garderobe, ein Café, eine Kasse, eine Toilette. Nach Erledigung der Formalitäten geht es also in den 4. Stock, wo sich eigentlich die Dauerausstellung befindet.

Die Sammlung des Museums ist sehr vielfältig und interessant. Einige Gemälde waren mir nicht klar, zum Beispiel das bekannte „Schwarze Quadrat“ von K. Malewitsch. Andere spiegelten so interessant die mir vertrauten Straßen der Stadt wider, dass ich nur anhand des Titels der Bilder verstehen konnte, dass es sich um sie handelte.

Die Galerie ist einfach riesig, man kann dort mehrere Stunden laufen, es gibt viele Skulpturen.

Meiner Meinung nach wird die Galerie für jeden interessant sein, auch für diejenigen, die zeitgenössische Kunst nicht mögen. Meiner Meinung nach sind die meisten Gemälde interessant, nicht schön. Wenn Sie sich schöne Gemälde ansehen möchten, werden sie in der Lavrushinsky Lane gesammelt. Einige der Gemälde zauberten den Besuchern ein Lächeln ins Gesicht, während andere überhaupt nicht interessant waren. Aber je unverständlicher es war, dass es überhaupt abgebildet war, desto mehr Menschen versammelten sich um die Leinwand.

Es ist unmöglich, alles zu beschreiben, ich würde gerne wiederkommen.

• Abteilung der Staatlichen Tretjakow-Galerie präsentiert Russische KunstXXJahrhundert- Avantgarde, Konstruktivismus, sozialistischer Realismus usw.
• Gemälde und Skulpturen aus den 1900er bis 1960er Jahren werden im zweiten Stock ausgestellt.
• Meisterwerke von Malewitsch(erste Version von "Black Square" und anderen Kompositionen), Mark Chagall, Wassily Kandinsky und andere Künstler.
• Werke zu sehen zeitgenössische russische Kunst(1950er bis heute) müssen Sie in den dritten Stock gehen.
• Die Galerie beherbergt thematische Ausstellungen Bildungsarbeit wird geleistet - Vorträge, Diskussionen, Filmvorführungen.
• Für Kinder gibt es ein Kreativzentrum.

Die Abteilung der Staatlichen Tretjakow-Galerie am Krymsky Val ist ganz der russischen Kunst des 20. Jahrhunderts gewidmet. Hier werden das erste Schwarze Quadrat, Tatlins Letatlins, Mashkovs Stillleben und Konchalovskys Porträts, Petrov-Vodkins Bathing the Red Horse, die Hauptsymbole des sozialistischen Realismus und die Werke der wichtigsten Nonkonformisten ausgestellt. Ein Besuch in diesem Museum ist vergleichbar mit einer Reise nach Russland im 20. Jahrhundert.

Exposition

Der Museumsraum mit Dauerausstellung ist in zwei Etagen aufgeteilt. Der Hauptteil der Sammlung wird im zweiten Stock präsentiert: Gemälde und Skulpturen von 1900 bis 1960. Im dritten Stock befindet sich eine Sammlung zeitgenössischer russischer Kunst: von den 1950er Jahren bis heute. Die ersten fünf Räume im zweiten Stock sind der frühen russischen Avantgarde gewidmet: den Künstlern der Vereine Karo-Bube und Eselsschwanz (M. Larionov und P. Konchalovsky, I. Mashkov) und einzelnen Meistern: N. Pirosmani , V. Tatlin, A. Lentulov ua Der nächste Abschnitt (Hallen 5, 6, 9) - Werke der klassischen russischen Avantgarde der 1910er Jahre: „Schwarzes Quadrat“ und andere suprematistische Kompositionen von Kasimir Malewitsch, „Laufende Landschaft “ von Ilya Klyun, Werke von Olga Rozanova, Konterreliefs von Tatlin, „Komposition VII“ von Wassily Kandinsky, „Über der Stadt“ von Marc Chagall, „Venedig“ von Alexandra Exter, Kompositionen von Pavel Filonov.

In den Hallen 6, 7, 8, 10, 11 können Sie die Werke konstruktivistischer Künstler sehen: Alexander Rodchenko, Varvara Stepanova, Lyubov Popova, Lazar Lissitzky, Georgy Shtenberg und den Verein OBMOKhU.

Die Räume 15-25 zeigen Gemälde aus der Mitte der 1920er und frühen 1930er Jahre, einer schwer zu definierenden Zeit, in der avantgardistische Tendenzen allmählich in den Hintergrund treten. Es handelt sich um Werke sehr unterschiedlicher Meister, von denen einige (A. Drevin, G. Rublev und andere) zu Lebzeiten keine Gelegenheit hatten, auszustellen, für sich und einen engen Kreis arbeiteten, während andere, zum Beispiel A. Deineka und Yu Pimenov wurden zu zentralen Figuren des offiziellen Stils.

Klassische Werke des sozialistischen Realismus werden parallel in denselben Räumen präsentiert. Darunter „Goalkeeper“ von Alexander Deineka, Isaak Brodsky, Porträts von M. Nesterov und P. Korin, „Unforgettable Meeting“ von Vasily Evfanov, „Stalin and Woroschilov in the Kremlin“ von Alexander Gerasimov, „New Moscow“ von Yuri Pimenov , „Brief von der Front“ von Alexander Laktionova, „Again deuce“ von Fedor Reshetnikov.

Die Ausstellung der Säle 27-37 markiert eine neue Periode in der russischen Geschichte - das Tauwetter unter Chruschtschow in den 1950er und 1960er Jahren und die Fortsetzung der künstlerischen Suche der jüngeren Generationen. Dies ist das Werk der Künstler Tair Salakhov, Viktor Popkov, der Brüder Sergei und Alexei Tkachev, Geliy Korzhev, Pavel Nikonov, Dmitry Zhilinsky, Tatyana Nazarenko.

In den Räumen 30-35 wird nonkonformistische Kunst präsentiert, die sich seit der zweiten Hälfte der 1950er Jahre entwickelt hat. Nonkonformisten akzeptierten die offizielle Linie der sowjetischen Kunst nicht und hatten dementsprechend keine Gelegenheit, breit auszustellen. Auf der Suche nach einem individuellen Stil wenden sich diese Künstler den vergessenen Traditionen der russischen Avantgarde und der westlichen Moderne zu. Diese Periode wird in der Sammlung der Staatlichen Tretjakow-Galerie von Wladimir Jakowlew, Anatoly Zverev, Lev Kropivnitsky, Oscar Rabin, Vladimir Nemukhin, Mikhail Roginsky, Dmitry Plavinsky, Dmitry Krasnopevtsev, Vladimir Veisberg, Viktor Pivovarov und Vladimir Yankilevsky vertreten.

Die Sammlung von Gemälden von Vertretern der neuesten Trends, die in den Hallen des vierten Stocks ausgestellt sind, wird jedes Jahr ergänzt. Zeitlich überschneidet sie sich mit der Gemäldesammlung der zweiten Hälfte des Jahrhunderts. Hier werden Werke von Meistern wie Ilya Kabakov, Francisco Infante, Konstantin Zvezdochetov, Yuri Albert, Oleg Kulik, Ivan Chuikov, Dmitry Prigov und anderen gezeigt.

Aktivitäten in der Galerie

Die Ausstellung über Krymsky Val wurde 1986 eröffnet, drei Jahre nach der Fertigstellung des Gebäudes, das ursprünglich für die Galerie bestimmt war. Das Gebäude wurde als Fortsetzung des Parks konzipiert. Gorki, so dass seine Form einem Parkpavillon ähnelt. Aus dem gleichen Grund hat es einen offenen unteren Teil mit freistehenden Stützen, eine große Länge und eine niedrige Anzahl von Stockwerken. Riesige Ausstellungsräume geben dem Museum die Möglichkeit, große Ausstellungsprojekte zu verschiedenen Epochen der Kunstgeschichte durchzuführen. In den 2000er Jahren wurden die Ausstellungen „Karl Bryullov. Zum 200. Geburtstag“, „Im Kreis Malewitsch“, „OSKAR RABIN. DREI LEBEN. Retrospektive“, „Viktor Popkov. 1932-1974“ und andere In den 2010er Jahren – „Dmitry Prigov. Von der Renaissance zum Konzeptualismus und darüber hinaus“, „Natalia Goncharova. Zwischen Ost und West“, „Pit Mondrian (1872–1944) – Der Weg zur Abstraktion“, „Konstantin Korovin. Malen. Theater. Zum 150. Jahrestag seiner Geburt“, „Was ist Wahrheit? NIKOLAI GE. Zum 180. Geburtstag“, „ALEXANDER LABAS. Im Tempo des 20. Jahrhunderts usw.

Das Museum betreibt aktive Bildungsarbeit. Große Ausstellungen werden von Vorträgen, Diskussionen und Filmvorführungen begleitet. Außerdem gibt es einen eigenen Hörsaal mit Zyklen zur russischen Kunstgeschichte für Erwachsene, Kreativworkshops für Kinder, Spezialkurse und die „Schule der Kunstkritik“ für Jugendliche.

Kunst des 20. Jahrhunderts

Zinaida Evgenievna Serebryakova. „Hinter der Toilette. Selbstportrait. 1909

Kusma Sergejewitsch Petrow-Wodkin (1861–1939). Baden eines roten Pferdes 1912. Öl auf Leinwand. 160 x 186

1912 erschien auf der Ausstellung World of Art ein Gemälde von K. S. Petrov-Vodkin „Baden eines roten Pferdes“, das von der Öffentlichkeit, Künstlern und Kritikern als Zeichen der Erneuerung wahrgenommen wurde. In den frühen 1910er-Jahren, als alte Vorstellungen von Kunst obsolet wurden und gewaltsames Werfen im künstlerischen Umfeld stattfand, schien das Gemälde „Baden des roten Pferdes“ für viele die Idee zu sein, Alt und Neu, „Links“ und „Links“ zu versöhnen „richtig“, Akademiker und Miriskusniki. Der Künstler "baute" ein monumentales Werk, gab ihm eine "Programmierung" und fand eine signifikante Form, die in der Lage ist, einen tiefen und umfassenden Inhalt auszudrücken. Das Bild wurde zum Vorbild künstlerischer Integrität, zur absoluten Verkörperung einer künstlerischen Entscheidung, die zu Beginn des 20. Jahrhunderts ein seltenes Phänomen in der russischen Malerei war. Es kombinierte organisch eine Vielzahl von Traditionen - alte russische Ikonen und monumentale Gemälde der Renaissance, dekorative Kunst, den Jugendstil und fast klassische Plastizität in der Interpretation von Figuren.

Der Bildraum ist so organisiert, dass er dank der hohen Horizontlinie, die gleichsam außerhalb der Komposition selbst liegt, aufsteigt und sich tatsächlich zum Betrachter hin ausdehnt, indem er auf die eigentliche Ebene der Leinwand begrenzt ist . Gleichzeitig verschwindet die Tiefe nicht: Der Betrachter spürt sie durch die großflächige Verkleinerung der Figuren des zweiten Plans.

Der Autor setzt sich gleichsam mit den impressionistischen Malmethoden auseinander, in deren Bann viele Künstler damals gerieten, bleibt dem kubistischen Prinzip der Formverwandlung fern, er interessiert sich auch nicht für futuristische Experimente.

Ein weiteres Merkmal dieses Bildes ist charakteristisch für die gesamte Arbeit von Petrov-Vodkin: Obwohl die Handlung der Arbeit bewusst alltäglich ist (Baden eines Pferdes), gibt es keine Geschichte über das Ereignis darin. Und obwohl die Handlung recht klar ist, gelingt es dem Maler, sie zu einem idealen Bild zu erheben. Eine der Techniken, mit denen er sein Ziel erreicht, ist die Interpretation der Farbe, vor allem der Hauptfigur (des roten Pferdes). Gleichzeitig gibt es kein „Plakat“ mit seiner bewussten Eingängigkeit. Vielmehr gibt es Traditionen der alten russischen Kunst: Ein rotes Pferd findet sich oft auf Ikonen (rot ist schön). Das deutlich empfundene Pathos des Bildes, der Ausdruck von Spiritualität als einem zutiefst inneren Zustand, machen es zur Verkörperung der nationalen russischen Weltanschauung. Eine Staffelei wird aufgrund ihrer inneren Bedeutung, ihres spirituellen Inhalts und des Fehlens zufälliger Details als monumentale Schöpfung wahrgenommen.

Evgeny Evgenievich Lansere (1875–1946). Kaiserin Elizaveta Petrovna in Zarskoje Selo 1905. Papier auf Karton, Gouache. 43,5x62

Als jüngerer Zeitgenosse der Künstler der „Welt der Kunst“ spricht Lansere meisterhaft die Bildsprache der „retrospektiven Träumer“, rekonstruiert distanziert und zugleich ironisch den Lebensstil des höfischen Lametta des „goldenen“ XVIII Jahrhunderts. Der Abgang von Elizabeth Petrovna mit ihrem Gefolge wird von der Künstlerin als eine Art Theateraufführung interpretiert, bei der die majestätische Figur der Kaiserin als Fortsetzung der Fassade des Palastes wahrgenommen wird. Die Komposition basiert auf dem Kontrast einer prächtigen Hofprozession, der malerischen Pracht barocker Architektur und dem verlassenen Parterre eines regulären Parks. Die Künstlerin ist fasziniert von der Überschneidung zwischen architektonischen Dekorationselementen und Toilettendetails. Die Schleppe der Kaiserin gleicht einem hochgezogenen Theatervorhang, hinter dem wir Hofschauspieler überraschen, die sich beeilen, ihre gewohnten Rollen zu spielen. Versteckt in dem Haufen Gesichter und Gestalten ist ein „verborgener Charakter“ – ein junger Afrikaner, der fleißig den kaiserlichen Zug trägt. Ein kurioses Detail blieb dem Blick des Künstlers nicht verborgen – eine unverschlossene Schnupftabakdose in den wählerischen Händen des Lieblingsherrn. Das Flackern von Mustern und Farbflecken erzeugt das Gefühl eines wiederbelebten Moments der Vergangenheit.

Konstantin Andrejewitsch Somow (1869–1939). Dame in Blau 1897–1900. Leinwand, Öl. 103x103

„Lady in Blue“ ist ein Porträtgemälde des Künstlers E. M. Martynova, eines engen Freundes des Autors und seines Klassenkameraden an der Akademie der Künste. Vor uns liegt ein alter stilisierter Park und eine Frau in einem luxuriösen Kleid des 18. Jahrhunderts mit ihrer komplexen spirituellen Welt. Das retrospektive Porträt des Künstlers ist ein neues Phänomen in der russischen Kunst. Die im Bild vereinten Details des „galanten Zeitalters“ und das edle Erscheinungsbild der sehnsüchtigen Dame des Silbernen Zeitalters vermitteln letztlich den Zeitgeist einer vielschichtigen und umstrittenen Epoche.

Die Komposition basiert auf einem Vergleich von Plänen und deren koloristischer Lösung. Die schlanke Frauenfigur fügt sich perfekt in das quadratische Format der Leinwand ein, was dem Porträt eine gewisse Repräsentativität verleiht. Das Schillern der tiefblauen Farbe der Kleidung der Heldin hebt die Transparenz der bläulichen Schatten des fein bemalten Gesichts hervor, öffnet zerbrechliche Schultern und betont die Ausdruckskraft der Geste schöner Hände. Die ganze Plastizität des Modells erinnert an die großen Meister vergangener Epochen. Ein alter Park mit einem Teich und einem musizierenden Paar in der Ferne kontrastiert deutlich mit der Stimmung der Porträtierten. Es ist eher eine Parkerinnerung, in der die Zeit alle Farben gedämpft hat und die Blätter des Busches, der den Hintergrund für die Figur in Blau bildet, eine seltsame „leblose“ Farbe haben (so das Laub auf alten verblichenen Wandteppichen). . Bindeglied zwischen Vergangenheit und Gegenwart ist hier eine männliche Figur, in deren Gestalt der Urheber des Bildes vermutet wird.

In der Arbeit von Somov nimmt das Porträt von E. M. Martynova einen besonderen Platz ein, er wird nie wieder etwas schaffen, das der „Dame in Blau“ in Bezug auf Erhabenheit, Poesie und Reinheit des Bildes, in Bezug auf Ausdruckskraft und eine gewisse „ absolute“ künstlerische Verkörperung.

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov (1870–1905). Teich 1902–1903. Leinwand, Öl. 177 x 216

In den Gemälden von Borisov-Musatov gibt es immer ein Gefühl eines aufregenden, unerklärlichen Mysteriums. Das Hauptmotiv, durch das der Künstler die im Farbnebel verborgene Welt entdeckt, sind edle Nester, verfallende alte Anwesen. Die sanften musikalischen Rhythmen von Borisov-Musatovs Kompositionen reproduzieren immer wieder seine Lieblingsthemen: Dies sind die Ecken des Parks und weibliche Figuren, die wie Abbilder menschlicher Seelen erscheinen, die im halbrealen Reich des Schlafes wandern.

Das Gemälde "Reservoir" entstand im Park des Anwesens von Prinzessin Prozorova-Golitsyna Zubrilovka zur glücklichsten Zeit für den Künstler: Elena Vladimirovna Alexandrova erklärte sich bereit, seine Frau zu werden. Der Künstler wurde von seiner Schwester Elena Borisova-Musatova und der Braut posiert, die die Bilder der ewigen Weiblichkeit verkörperten.

Trotz der Tatsache, dass die Leinwand nach der Natur gemalt wurde - ein echter Park mit einem Teich und echten Frauen - sah jeder etwas Außerirdisches darin. Die mysteriöse Halbwirklichkeit und Zeitlosigkeit des Bildes wurde zur poetischsten Manifestation der symbolistischen Vision der Traumwelt. Das Reservoir, dessen Umrisse eigentlich ein idealer Kreis waren, wird vom Künstler als großes Oval dargestellt, dessen Ränder über die Leinwand hinausragen. Diese von Musatov so geliebte geometrische Form wird von einem ähnlichen, aber kleineren Rock einer der Heldinnen wiedergegeben, der in einem schönen Oval liegt. Ihre Kombination gibt dem ganzen Werk sofort einen bestimmten musikalischen Rhythmus vor. Die besondere Konstruktion der Komposition – der Ausschluss der Horizontlinie aus dem Bild – ist eine wichtige Technik. Damit bringt der Maler den ersten und den zweiten Plan bewusst näher zusammen, wodurch die Leinwand flacher wird. Die Heldinnen im Vordergrund befinden sich unter dem Teich, und die Wasseroberfläche selbst, ruhig und klar wie der Himmel, hängt buchstäblich über ihnen. Dadurch wird die Illusion eines echten Spiegels erzeugt, angehoben und senkrecht gestellt. Aus einer gewöhnlichen Landschaft wird ein völlig anderes Bild geboren, eine neue Realität – was für symbolistische Künstler sehr charakteristisch war.

Philip Andreevich Malyavin (1869–1940). Wirbelwind 1906. Öl auf Leinwand. 223 x 410

Der Künstler näherte sich in seiner Arbeit dem für die russische Malerei traditionellen Volksthema auf seine Weise, indem er das kraftvolle elementare Prinzip in Frauenbildern betonte und ihnen Monumentalität verlieh. Die kühne Malerei von Malyavin mit ihren bedingten Hintergründen, großen Figuren, flachen Flächen und ungewöhnlich klangvollen Farben ist betont dekorativ. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts sahen es die Zeitgenossen jedoch als eine Art Herausforderung an.

In dem Gemälde "Wirbelwind" zerstreuen sich Bäuerinnen in einem Tanz wie "fabelhafte Heldinnen alter russischer Epen". In ihrem Reigen beziehen sie die Elemente der Natur mit ein. Flatternde Kleider bilden spontane Ströme aus farbigen Strichen, die entweder an heiße Flammenblitze oder kalte Wasserstrahlen, an den brennenden Atem des Windes oder an mit Blumen bedeckte Wiesen erinnern. Die freien Bewegungen des Pinsels, die dem Rhythmus des Wirbeltanzes entsprechen, verleihen dem Bild eine besondere Dynamik. I. E. Grabar riet Malyavin, mit speziellen, lang trocknenden Farben zu malen. Infolgedessen begann das Gemälde vulkanischer Lava zu ähneln, es erschien der Effekt einer Art sich bewegendem Mosaik. Formen und Farben schweben ineinander und erzeugen innere Spannungen. Dies verstärkt die Ausdruckskraft des Bildes, das an der Schnittstelle verschiedener Stilrichtungen - Impressionismus und Moderne - aufgebaut ist. Das Werk entstand während der ersten Russischen Revolution. In seiner Handlung, in der feuerroten Farbgebung, sieht man zugleich die Hoffnung auf eine geistige Wiedergeburt und eine Vorahnung überwuchernder Zerstörungskräfte.

Alexander Nikolajewitsch Benois (1870–1960). Walk of the King 1906. Papier auf Leinwand, Aquarell, Gouache, Bronzefarbe, Silberfarbe, Graphitstift, Feder, Pinsel. 48x62

Der Name von A. N. Benois ist mit der Entstehung des Vereins "World of Art" im Jahr 1898 verbunden, einer der Gründer und ideologischen Führer, von dem er war. Benois war Künstler, Theoretiker und Kunstkritiker, er schrieb viele Monographien und Studien sowohl über einzelne Meister der Malerei als auch über die Kunstgeschichte im Allgemeinen. Die Arbeit des Künstlers Benois widmet sich hauptsächlich zwei Themen: „Frankreich der Ära des „Sonnenkönigs““ und „Petersburg des 18. bis frühen 19. Jahrhunderts“, die in einer bestimmten Art von Historienmalerei verkörpert wurden und eine besonderer „rückblickender“ Blick in die Vergangenheit. Diesen Themen widmete sich der Künstler in seinen historischen Gemälden und Landschaftsarbeiten nach der Natur in St. Petersburg und den umliegenden Schlössern sowie in Frankreich, in Versailles, wo er oft und lange zu Gast war.

Bei der Beschreibung der Spaziergänge des Königs ließ der Autor nichts außer Acht: weder Parkansichten mit Gartenarchitektur (sie wurden nach dem Leben gemalt), noch Theateraufführungen, die in der Antike sehr beliebt waren, noch Alltagsszenen, die nach gründlichem Studium historischen Materials gezeichnet wurden. King's Walk ist ein sehr wirkungsvolles Werk. Der Betrachter trifft sich mit Louis XIV und geht um seine Idee herum. Es ist Herbst in Versailles: Die Bäume und Sträucher haben ihre Blätter abgeworfen, ihre kahlen Äste blicken einsam in den grauen Himmel. Das Wasser ist ruhig. Es scheint, dass nichts den stillen Teich stören kann, in dessen Spiegel sich sowohl die Skulpturengruppe des Brunnens als auch die schmucke Prozession des Monarchen und seines Gefolges widerspiegeln.

In Bezug auf die Zeit Ludwigs XIV. schrieb Benois: „Ich hatte keinen besonderen Personenkult von Louis Catorz ... Aber die Altersmüdigkeit der Ära, der einsetzende Geschmacksverlust, der jugendliche Arroganz, Nachlässigkeit und ein Gefühl majestätischer Schönheit, machte diese Welt plötzlich zu meiner Welt.“

Igor Emmanuilovich Grabar (1871-1960). Chrysanthemen 1905. Leinwand, Tempera, Pastell. 98 x 98

I. E. Grabar ist eine universelle Figur der russischen Kunstkultur: Künstler, Kunsthistoriker, Lehrer, Restaurator, Museum und Persönlichkeit des öffentlichen Lebens. Von 1913 bis 1925 war er Direktor der Tretjakow-Galerie, er schuf eine neue Ausstellung im Museum, wissenschaftlich fundiert und mit einem sorgfältig durchdachten Konzept, die zu einer Art Modell für spätere museale Neuausstellungen wurde.

Grabar akzeptierte die Suche der französischen Meister und nutzte aktiv die Techniken des Divisionismus - das getrennte Auftragen von Farben auf die Leinwand. „Chrysanthemen“ ist das spektakulärste Stillleben des Künstlers. Üppige Blumensträuße werden in einem lichtdurchfluteten Raum wie unter freiem Himmel präsentiert. Der Raum ist mit Luft gefüllt, in der sich die Wärme des Sonnenlichts vor den Fenstern mit der Kühle des Innenraums verbindet. Die malerische Oberfläche besteht aus gebrochenen Reliefstrichen, die die Vibration der Licht- und Luftumgebung vermitteln. Die Farbe wird in warme und kalte Töne zerlegt, daher der grünliche Farbton gelber Chrysanthemen, das Spiel von gelben und blauen, rosa und grünen Abstufungen auf der Oberfläche der Tischdecke, der perlmuttfarbene Schimmer der Vase. Das Flimmern farbiger Striche erzeugt den Effekt einer wandelbaren, beweglichen Atmosphäre, die Farbreflexe aufnimmt und die Objekte im Raum umhüllt. Diese Technik ermöglicht es dem Künstler jedoch, die Textur von Objekten fühlbar genau wiederzugeben: die Transparenz von Glas, kostbares Porzellangeschirr, das strahlende Weiß einer gestärkten Tischdecke, die Zartheit und Samtigkeit von Chrysanthemen.

Sergei Timofeevich Konenkov (1874-1971). Nike 1906. Marmor. 32x19x12

S. T. Konenkov ist ein Künstler, dessen Werk von der Tiefe und Weisheit breiter bildlicher Verallgemeinerungen, Mut, Verherrlichung der Schönheit des Menschen und seiner edlen Impulse, seines Freiheitsdrangs dominiert wird. Marmorkopf "Nike" ist eines der besten Werke von Konenkov. Die großen Ideen der Zeit, die Symbolik bedeutender Ereignisse konnte der Meister in Werken jeder Gattung und Größe zum Ausdruck bringen. So erobert die kleine „Nike“ mit strahlender Inspiration. Die Idee des Sieges verkörpert der Bildhauer im Bild eines sehr jungen Mädchens mit ausgeprägten nationalen russischen Zügen. Das Modell für den Bildhauer war ein Mitarbeiter der Manufaktur Trekhgornaya. Das Bild von Nike wurde, ohne seinen Porträtcharakter zu verlieren, zu einer poetischen Verkörperung von Freude, Flucht und Unzerstörbarkeit. Dieses erstaunliche, wirklich poetische Umdenken der Natur ist eines der stärksten Merkmale von Konenkovs Werk.

Viele der besten Werke des Meisters sind aus Marmor gefertigt. Meistens handelt es sich dabei um Werke, in denen nach den Worten des Bildhauers „schöne menschliche Formen die besten Charakterzüge einer Person verkörpern“.

Natalja Sergejewna Gontscharowa (1881–1962). Selbstbildnis mit gelben Lilien 1907. Öl auf Leinwand. 58,2x77

N. S. Gontscharowa, eine der ersten „Amazonen der Avantgarde“, eine Künstlerin einer neuen Formation, malte in ihrem Moskauer Atelier ein Selbstporträt, im Innenraum werden ihre Werke der impressionistischen Zeit präsentiert. Die Leinwand ist ausdrucksstark geschrieben, die schnellen Striche erinnern an die Malerei von Van Gogh. Das Bild ist hell und lyrisch, Blumen verleihen ihm eine besondere Poetik - ein Lilienstrauß, der Goncharov an sich drückt. Es dient auch als farblicher Akzent, indem es sich als leuchtend roter Fleck vom allgemeinen Hintergrund der Leinwand abhebt.

Michail Fjodorowitsch Larionow (1881–1964). Feder. Die Jahreszeiten (New Primitive) 1912. Öl auf Leinwand. 118x142

Der Anführer der russischen Avantgardebewegung der späten 1900er - frühen 1910er Jahre, M. F. Larionov, legte großen Wert auf aufrichtige, naive und auf den ersten Blick frivole Kreativität der Kinder, da sie immer direkt ist und aus den Tiefen des kindlichen Bewusstseins kommt. In Anlehnung an die Zeichnung eines naiven Kindes strebte der Künstler danach, ebenso aufrichtige und spontane Werke zu schaffen. Larionov betrachtete die Welt mit den Augen eines Kindes und schrieb einen Bilderzyklus „Die Jahreszeiten“, in dem jede Jahreszeit ein einfaches Bild einer weiblichen Figur verkörpert, und daneben folgt eine absichtlich schlampig geschriebene Erklärung. Die Verkörperung des Plans stellte sich jedoch als nicht kindisch tief heraus.

Der Frühling ist von unbeholfenen geflügelten Engeln umgeben, ein Frühlingsvogel bringt ihr einen Zweig mit blühenden Knospen; In der Nähe rechts, eingezäunt durch einen vertikalen Streifen, wächst genau der Baum, der als biblischer Baum der Erkenntnis interpretiert werden kann. Auf der rechten Seite des unteren "Registers" des Bildes sind männliche und weibliche Profile dargestellt, auf beiden Seiten dem Baum der Erkenntnis zugewandt - Bilder von primitiven Adam und Eva, die anscheinend das Erwachen zarter Gefühle erleben, so wie die Natur selbst erwacht , und haben vielleicht schon die Verbotene Frucht gekostet. Im selben Raum, ganz unten, wird eine andere biblische Geschichte vermutet - "Vertreibung aus dem Paradies". Im linken Feld desselben unteren „Registers“ folgt eine naive Frühlingsbeschreibung, wie von einem Kind gemacht: „Frühling ist klar, schön. Mit leuchtenden Farben, mit weißen Wolken“, in der allerdings eine gewisse List des Künstlers zu spüren ist. Schließlich ist es kein Zufall, dass wir im Untertitel des Titels „New Primitive“ lesen und gedanklich mit „… zu einem ewigen Thema“ enden.

Alexander Jakowlewitsch Golowin (1863–1930). Porträt von F. I. Chaliapin als Holofernes 1908. Leinwand, Tempera, Pastell. 163,5 x 212

"Portrait of F. I. Chaliapin in the role of Holofernes" ist eines der besten Werke des Künstlers und Bühnenbildners A. Ya. Golovin. Es reproduzierte die Inszenierung aus A. N. Serovs Oper Judith. Chaliapin-Holofernes liegt auf einem luxuriösen Bett in einem prachtvoll eingerichteten Zelt, hält in der rechten Hand einen Becher und zeigt mit der linken Hand mit einer arroganten Geste nach vorn. Die Komposition der Leinwand ist nach den Gesetzen der Staffeleimalerei aufgebaut, und die Verkürzung des Modells und die willkürliche Beleuchtung von Objekten verleihen der Arbeit den Charakter der Freskenmalerei. Die Figur Schaljapins in der Rolle des assyrischen Feldherrn verschmilzt fast mit dem Hintergrund, wodurch sie wie eine Art dekoratives Muster wirkt. Die Leinwand ist von wellenartiger Bewegung durchdrungen, die das plastische Hauptmotiv darstellt, das die Art der musikalischen Lösung des Bildes eines orientalischen Feldherrn zum Ausdruck bringt. Der koloristische Klang des Werkes ist äußerst reich. In diesem theatralischen Porträt von Golovin scheinen die leuchtenden Farben des Kostüms und der Kopfbedeckung des Künstlers die Schönheit der Stimme des großen russischen Sängers zu betonen.

Konstantin Alekseevich Korovin (1861–1939). Rosen und Veilchen 1912. Öl auf Leinwand. 73,2 x 92

Die Entstehung des Impressionismus in der russischen Malerei ist mit dem Namen K. A. Korovin verbunden. In den 1910er Jahren interessierte sich Korovin für Stillleben, die seine innovative Suche im Bereich der Theaterkulisse verkörperten. Er malte oft Rosen - luxuriös und zart, Symbole der Leidenschaft und der Freude am Sein. Mit schwungvollen Strichen erstellt der Künstler ein „Porträt“ jeder Blume, und seine Rosen blühen auf der Leinwand und bestechen durch die unvergängliche Frische der Farben.

Vor dem Hintergrund eines offenen Fensters mit Blick auf den abendlichen Pariser Boulevard ist ein Stillleben mit Rosen, einem kleinen Strauß lila Veilchen, einer roten Orange, einer Zuckerdose und einer Kaffeekanne dargestellt. Die Straße wird durch das flackernde Licht der Laternen in ein gespenstisches Lichterflackern verwandelt; Das Stillleben wird aus dem Raum heraus beleuchtet und wirkt unnatürlich hell. Licht scheint ein magisches Spiel der Transformation der Realität zu erschaffen.

Nikolai Petrowitsch Krymow (1884–1958). Moskauer Landschaft. Regenbogen 1908. Öl auf Leinwand. 59x69

Bereits die allerersten Gemälde des jungen Nikolai Krymov zeigten, dass ein Stadtbewohner in die russische Landschaftsmalerei eintrat, der die Schönheit der Welt zwischen Stadthäusern und bunten Dächern sehen und das geheime Leben der Natur inmitten der Hektik und des Lärms der Stadt spüren konnte . Leinwandbild "Moskauer Landschaft. Rainbow" nimmt einen besonderen Platz im Werk von Krymov ein. Es verbindet die symbolistische Sicht der Welt und die impressionistischen Suchen des Künstlers: Der Regenbogen wird buchstäblich in Farben zerlegt, und die Landschaft selbst als Ganzes ist in den Augen des Symbolisten eine mystische Entsprechung der himmlischen und irdischen Welt.

Das Bild der Welt wirkt zerbrechlich und spielzeughaft, wie durch die Augen eines Kindes gesehen. Der Regenbogen überschattet den Raum, seine Fragmente gleiten über die Dächer, funkeln in den Fenstern; Ein Kind läuft mit einer Drehscheibe in den Händen den Weg des Platzes entlang - ein Spielzeug "Prototyp" des Regenbogens. In dieser kunterbunten Welt versteckte der Autor seine Initialen auf einem Ladenschild.

Das Bild symbolisiert den Triumph der transformierten Welt, in der Regenbogenlicht in jedes Teilchen des Seins eindringt. Krymovs malerische Art trägt zum Leuchten der Oberfläche bei. Reliefstriche erzeugen auf der Leinwandoberfläche den Effekt einer kostbaren, irisierenden Majolika-Glasur.

Pavel Varfolomeevich Kusnezow (1878-1968). Abend in der Steppe 1912. Öl auf Leinwand. 96,7 x 105,1

Einer der führenden Meister der Blauen Rose, P. V. Kuznetsov, reiste 1912–1913 durch Zentralasien und brachte Erinnerungen an das Leben der östlichen Völker und Werke zurück, die vieles von dem, was er sah, einfingen. In dem Gemälde „Abend in der Steppe“ hat der Künstler eine Szene aus dem Leben kirgisischer Nomaden dargestellt. Frauen sind mit alltäglichen Angelegenheiten beschäftigt, Schafe grasen friedlich, Frieden und Stille werden ausgegossen.

Ruhende Natur und Mensch sind in harmonischer Einheit. Es gibt keine überflüssigen Details in der Komposition: nur Erde, Himmel, dünne Bäume, mehrere Schafe und zwei weibliche Figuren, in sanftes Licht gehüllt; spezifische topografische oder ethnische Besonderheiten gibt es hier nicht, wodurch die Grenzen des Dargestellten auf universelle Maßstäbe verschoben werden. Der Raum nähert sich der Konventionalität, leichte breite Striche scheinen seine Ruhe und gleichmäßige Atmung zu vermitteln.

Wassily Wassiljewitsch Kandinsky (1866-1944). Improvisation 7 1910. Öl auf Leinwand. 97x131

V. V. Kandinsky gilt als einer der Begründer der abstrakten Malerei. Er sah den Weg der neuen Kunst in dem Wunsch, den inneren Inhalt der äußeren Weltformen zu vermitteln und daraus resultierend in der Ablehnung ihrer realistischen Darstellung. In seiner Arbeit versuchte der Künstler, persönliche Gefühle nicht mit Hilfe objektiver Formen (durch diese oder jene Handlung), sondern nur mit bildlichen Mitteln zu vermitteln. So setzte er beispielsweise anstelle der üblichen Gattungen der figurativen Kunst auf Impression, Improvisation und Komposition.

Improvisation ist ein Ausdruck von Prozessen innerer Art, die plötzlich, meist unbewusst ablaufen. „Improvisation 7“ ist eines von Kandinskys Frühwerken. Die gegenständliche Welt löst sich hier in der Bewegung von farblich komplex aufeinander abgestimmten Flächen und Linien auf.

Kasimir Sewerinowitsch Malewitsch (1878–1935). Porträt des Künstlers M. W. Matjuschin 1913. Öl auf Leinwand. 106,5 x 106,7

Bis 1913 tauchte unter den russischen Futuristen eine künstlerische Richtung auf - der Kubo-Futurismus. Seine Schöpfer versuchten, die Ideen des Futurismus und des Kubismus zu synthetisieren. Die Hauptaufgabe des Futurismus ist es, ein Gefühl von Bewegung zu vermitteln.

Malewitsch komponierte das Porträt von Matjuschin aus verschiedenen geometrischen Flächen, was ihn auf den ersten Blick mit dem Stil der kubistischen Werke von Picasso und Braque in Verbindung bringt. Aber es gibt auch einen wesentlichen Unterschied: Die Begründer des Kubismus malten hauptsächlich monochrom, während Malewitsch aktiv satte Farben verwendet. Ein weiteres Merkmal des Bildes: Bei aller Abstraktheit sind realistische Details auf der Leinwand verstreut. So wiederholt zum Beispiel ein Teil der Stirn mit gerade gekämmten Haaren genau Matyushins Frisur, so die Aussage von Menschen, die ihn kannten. Dies ist vielleicht das einzige Detail, das darauf hindeutet, dass wir ein Porträt vor uns haben. Matjuschin war nicht nur Künstler, sondern auch Komponist, daher ist leicht zu erraten, dass die Linie aus weißen Rechtecken, die das Bild diagonal teilt, eine Klaviertastatur ist (und ohne schwarze Tasten - ein Hinweis auf die Originalität des Musiksystems von Michail Wassiljewitsch Matjuschin).

Stanislav Yulianovich Zhukovsky (1875–1944). Freudiger Mai 1912. Öl auf Leinwand. 95,3 x 131,2

S. Yu. Zhukovsky, ein russischer Künstler polnischer Herkunft, stellte in dem Gemälde „Joyful May“ das Innere eines Landhauses dar, durch dessen offenes Fenster ein warmer sonniger Maitag hereinbricht und den ganzen Raum mit einem Spiel von verwandelt hell. Die Arbeit setzt die Traditionen der Innenmalerei der Romantik fort, insbesondere der Schule von A. G. Venetsianov. Der sonnendurchflutete Innenraum wurde unter dem Einfluss des Impressionismus gemalt, dessen russische Version sich durch eine lyrische Note auszeichnet.

Alte Holzwände, Stühle im Empire-Stil mit blauen Polstern, die entlang zwischen Fensteröffnungen platziert sind, und Porträts der längst verstorbenen Bewohner dieses Hauses können viel erzählen. Das Innere ist mit einem Motiv tiefer Nostalgie gefüllt. Hier atmet alles die Vergangenheit, aber das fröhliche Licht, das sich im Mai überall ausbreitet, dämpft die Molltöne und lässt dieses Interieur nach und nach lebendig werden. Blaue Blumen auf der beleuchteten Fensterbank - als Symbol für die Erneuerung, die in das alte Haus eingetreten ist, das für alle Natur charakteristisch ist.

Boris Michailowitsch Kustodiev (1878–1927). Masleniza 1916. Tempera auf Leinwand. 61x123

Die Leinwände des Malers, Grafikers und Theaterkünstlers B. M. Kustodiev zum Thema Winterfeste und Feiertage sind voller Freude und Spaß. Unter ihnen gehört der zentrale Ort zum Bild der russischen Maslenitsa mit Reiten, Faustkämpfen und Buden. Dieser Urlaub ist für den Künstler wie ein Karneval, in dem alles dekorativ und schön ist: Menschen, reich gekleidet in bunten Tüchern und Pelzmänteln, gehen herum; rauschende Pferde, geschmückt mit Bändern, Glöckchen und Papierblumen; und sogar die Natur selbst schien ihre besten Kleider anzuziehen.

In seinen zahlreichen Gemälden, die Maslenitsa und anderen Festlichkeiten gewidmet sind, war es Kustodiev wichtig, den schwindelerregenden Wirbelsturm der Emotionen zu betonen. Vielleicht ist das Hauptmotiv für die Bewegung in ihnen deshalb immer ein unkontrolliert rasendes Trio geworden. Die Dynamik dieser Arbeiten basiert auf den Kompositionstechniken der Theater- und Dekorationskunst: dem kontrastierenden Spiel von Licht und Schatten, dem Einsatz von Backstage. Diese Leinwände sind in ihrer Farbe und Zusammensetzung so dekorativ, dass sie an ausgefallene bemalte Schachteln erinnern. Umso überraschender ist die Tatsache, dass die meisten Werke des Meisters aus dem Gedächtnis geschrieben sind und verallgemeinerte Bilder von Rus als Ganzes darstellen. Ihre Helden sind von allem Negativen gereinigt: Sie sind freundlich, poetisch, voller Würde und leben und ehren die Gesetze und Traditionen. Und es gibt ein unwillkürliches Gefühl, dass der Weg der patriarchalischen Welt unweigerlich in die Vergangenheit zurückweicht.

Robert Rafailovich Falk (1886–1958). Rote Möbel 1920. Öl auf Leinwand. 105x123

R. R. Falk war Maler, Zeichner, Theaterkünstler, Mitglied in Vereinigungen wie World of Art, Karo-Bube und später OMX und AHRR. Die Leinwände dieses Künstlers zeichnen sich durch ihr perfekt übertragenes Formvolumen aus. In einigen Werken führte der Meister eine scharfe Verformung ein, die es ihm ermöglichte, die innere Spannung im Bild hervorzuheben.

Das lässt sich auch an dem Gemälde „Rote Möbel“ beobachten: Trotz der Tatsache, dass darin keine Figuren vorkommen, sind die Formverschiebungen und der Farbausdruck so emotional durchdrungen, dass beim Betrachter unwillkürlich das Gefühl einer beunruhigenden Vorahnung entsteht. Verstärkt wird der Eindruck durch die temperamentvolle, ja „aufgeregte“ Malweise, die die Intensität des Rhythmus der im Raum befindlichen Gegenstände und der von ihnen fallenden Schatten betont. Stühle mit hohen Rückenlehnen und ein Sofa sind in rote Bezüge „gekleidet“. Sie verbergen die wahren Formen der Möbel und geben ihnen einen vagen Umriss. Im Zentrum der Komposition steht ein Tisch, auf dessen Oberfläche eine Art Kampf stattfindet: Schwarze und weiße Farben prallen aufeinander – als Abbild des absoluten Gegensatzes und zugleich der ewigen Einheit der Welt.

David Petrowitsch Scherenberg (1881–1948). Aniska 1926. Öl auf Leinwand. 125 x 197

D. P. Shterenberg war einer der aktiven Organisatoren und Mitglieder der Society of Easel Artists. Die Werke des Meisters zeichnen sich durch expressive Schärfe der Bilder, lakonische Komposition, Verallgemeinerung und Klarheit der Zeichnung, bewusst flächige Raumkonstruktion aus.

Die Heldin des Künstlers ist jedoch keine fröhliche, zufriedene Sportlerin, sondern ein Bauernmädchen, in dessen Kopf die Erinnerung an die Hungersnot der 1920er Jahre für immer wachgehalten wird. Sie steht neben dem Tisch, darauf steht ein Teller mit einer Kruste Schwarzbrot. Der Tisch ist absolut leer, es ist ein kahles Feld mit nur einem Objektsymbol - Brot. Shterenberg verweigert sich der detailgetreuen Wiedergabe der Realität und schafft einen konventionell illusorischen blau-braunen Raum.

Mit sparsamen, aber präzise abgestimmten Farb- und Kompositionsmitteln lässt Shterenberg die Tragödie jener Zeit nachempfinden.

Sergei Alekseevich Luchishkin (1902–1989). Der Ballon flog 1926 davon. Öl auf Leinwand. 69x106

S. A. Luchishkin - Sowjetischer Künstler, schloss sich der postrevolutionären "zweiten Welle" der russischen Avantgarde an und nahm an einer Reihe der radikalsten künstlerischen Experimente der 1920er Jahre teil. Bühnenspiel, in der Regel sehr dramatischer Inhalt, zeichnet die besten Staffeleien des Meisters aus.

Das Realitätsbild, das der Autor im Film „Der Ballon flog davon“ schuf, widerspricht der offiziellen sowjetischen Kunst der 1920er Jahre. Der Künstler stellte hohe Häuser dar, als würde er den Raum zwischen ihnen einspannen. In einem leeren Hof, im Hintergrund, begrenzt durch einen Zaun, steht ein kleines Mädchen. Sie betrachtet den Ball, der in die endlose Leere fliegt. Die Fenster zeigen Alltagsszenen der Bewohner von Hochhäusern. Der Künstler zeigt nicht die glänzende, glückliche Zukunft des sowjetischen Volkes, sondern erzählt vom realen, weit entfernt von romantischen Alltag. Durch die äußerliche Naivität zeigen sich tragische Zeichen: eine hängende Figur eines Selbstmörders in der Ecke des berühmtesten Gemäldes des Meisters.

Marc Sacharowitsch Chagall (1887-1985). Über der Stadt 1914–1918. Leinwand, Öl. 141 x 197

Die Fähigkeit, das Hohe mit dem Gewöhnlichen zu verbinden, ist die individuelle Qualität des Schaffens von M. Z. Chagall, einem der berühmtesten Vertreter der künstlerischen Avantgarde des 20. Jahrhunderts. Das Gemälde "Über der Stadt" zeigt zwei Liebende - den Künstler und seine geliebte Bella, die leicht, anmutig und so natürlich über Witebsk schweben, als würden sie nur auf den Wegen des Parks spazieren gehen. Zu lieben, glücklich zu sein und über eine alltägliche Stadt zu fliegen ist so selbstverständlich wie sich in einer Umarmung zu halten - eine solche Idee wird von den Helden bekräftigt.

Dieses Gemälde von Chagall war für ein seltsames Schicksal bestimmt. Als Eigentum der Staatlichen Tretjakow-Galerie ist es vielleicht das beliebteste Werk des Künstlers im postsowjetischen Raum. Grund dafür war vor allem die Zugänglichkeit zur Betrachtung im Gegensatz zu jenen Werken Chagalls, die zuverlässig durch einen eisernen Vorhang vor neugierigen Blicken geschützt waren. Wenn Sie in die Welt der kleinen Häuser und wackligen Zäune eintauchen, die der Meister so sorgfältig niedergeschrieben hat, fangen Sie an, sich zu denken, dass Sie in Chagalls Jugend in Vitebsk gelandet sind - einer Stadt, die es leider nicht mehr gibt. „Walzzäune und -dächer, Blockhütten und Zäune und alles, was sich dahinter weiter öffnete, hat mich begeistert. Was genau - sehen Sie in meinem Bild "Über der Stadt". Und ich kann es sagen. Eine Kette von Häusern und Buden, Fenster, Tore, Hühner, eine mit Brettern vernagelte Fabrik, eine Kirche, ein sanfter Hügel (ein verlassener Friedhof). Alles ist auf einen Blick, wenn man aus dem Dachfenster schaut, das auf dem Boden thront“, so ein Zitat aus der Autobiographie „Mein Leben“, die Chagall nach seiner Abreise aus Russland schrieb.

Martiros Sergejewitsch Sarjan (1880-1972). Berge. Armenien 1923. Öl auf Leinwand. 66x68

M. S. Saryan ist der größte Meister der armenischen Malerei des 20. Jahrhunderts, der die Traditionen der Symbolik fortsetzte. In dem Gemälde „Berge. Armenien“ präsentiert ein kollektives Bild von Armenien und keine spezifischen Bilder einzelner Orte. Mit ihrer Helligkeit und Emotionalität stehen diese Werke den vorrevolutionären Werken von Saryan nahe und unterscheiden sich von diesen nur durch eine größere Monumentalität. Nachdem der Künstler fast vier Jahrzehnte lang die bemerkenswertesten Orte Armeniens bereist und viel in der Natur gearbeitet hat, hat er eine große Vielfalt an Landschaften geschaffen. In den späten 1920er Jahren änderte sich die Methode von Saryans Arbeit auf dem Gebiet der Landschaft. Statt schnell trocknender Temperafarben arbeitet er mit Ölfarben, die es ermöglichen, Landschaften direkt aus der Natur zu malen und nicht wie früher aus der Erinnerung.

Pjotr ​​Petrowitsch Kontschalowski (1867–1956). Porträt von V. E. Meyerhold 1938. Öl auf Leinwand. 211 x 233

In der Zeit der Massenrepression, kurz vor der Verhaftung und dem Tod Meyerholds, schuf P. P. Konchalovsky ein Porträt dieser herausragenden Theaterfigur. Für den reformorientierten Regisseur Vsevolod Emilievich Meyerhold begann das Jahr 1938 dramatisch: Am 7. Januar fasste der Kunstausschuss einen Beschluss zur Liquidation des Meyerhold State Theatre (GOSTIM).

Um den Konflikt des Individuums mit der umgebenden Realität zu betonen und gleichzeitig ein Porträt des Regisseurs zu schaffen, verwendete der Künstler eine komplexe kompositorische Lösung. Auf den ersten Blick scheint die Leinwand einen Träumer darzustellen, dessen Träume in farbigen Mustern verkörpert sind, die die gesamte Wand und das Sofa bis zum Boden bedecken. Aber bei genauerem Hinsehen kann man die schmerzhafte Apathie des Modells erahnen, die Distanzierung von der Außenwelt. Durch die Gegenüberstellung eines bunten, dicht mit Ornamenten übersäten Teppichs und der monochromen Figur des Regisseurs, die sich illusorisch in die bizarren Musterkurven quetscht und verstrickt, erzeugt Konchalovsky eine besondere emotionale Spannung, die den Bildinhalt offenbart .

Ilja Iwanowitsch Maschkow (1881–1944). Moskauer Essen 1924. Öl auf Leinwand. 129 x 145

Einer der Gründer des Kunstvereins „Karo-Bube“, I. I. Mashkov, äußerte sich wie folgt über seine Malerei: „Ich wollte beweisen, dass unsere sowjetische Malkunst sich im Einklang mit unserer Zeit anfühlen sollte und für jeden arbeitenden Menschen verständlich, überzeugend und verständlich ist . Ich wollte in dieser einfachen Handlung realistische Kunst zeigen. Stilleben „Khleby“ ist unsere gewöhnliche Moskauer Bäckerei seiner Zeit … und die Komposition ist sozusagen nachlässig, ungeschickt, aber unsere, Moskau, lokal und nicht Pariser … Khleby ist unsere Mutter Russland … gebürtig, Brot, Orchester, Orgel, Chor“. Der Künstler ist jedoch unaufrichtig, er sagt nicht, dass er sein Stillleben aus der Erinnerung gemalt hat.

Unmittelbar nach dem Erscheinen dieses Werks auf der Ausstellung wurde es als Klassiker der sowjetischen Malerei anerkannt. Die offizielle sowjetische Kritik stellte die Entsprechung des Stilllebens zu den Aufgaben der Malerei des sozialistischen Realismus fest: Es gibt zwar Hunger im Land, aber in der Kunst eine erstaunliche Fülle! Dennoch zeigte dieses Werk eine herausragende bildnerische Begabung des Künstlers: eine dynamische Komposition, Farbreichtum – all diese Eigenschaften waren den Künstlern des „Karo-Buben“ eigen.

Vera Ignatjewna Muchina (1889–1953). Julia 1925. Baum. Höhe 180

Die Skulptur des herausragenden Meisters des 20. Jahrhunderts V. I. Muchina wurde 2006 für die Sammlung der Staatlichen Tretjakow-Galerie erworben. Die Arbeit wurde bereits in der Dauerausstellung des Museums am Krymsky Val präsentiert. Der Name der Arbeit ist mit dem Namen der Ballerina Podgurskaya verbunden, die das Modell war. Der Autor verkörperte ein komplexes künstlerisches Konzept in einer Figur, die sich in einer spiralförmigen Bewegung präsentiert. Dies ist ein seltenes Beispiel einer Holzskulptur, die die Originalität der von Menschenhand geschaffenen Handwerkskunst bewahrt hat. Der russische Kunsthistoriker A. V. Bakushinsky nannte es „eine wirklich runde Skulptur“.

Vera Ignatievna liebte dieses Werk sehr und bewahrte es bis in die letzten Tage in ihrem Atelier auf. 1989 wurde die Skulptur "Julia" in die persönliche Ausstellung von V. I. Mukhina aufgenommen, die anlässlich ihres hundertjährigen Bestehens in den Wänden der Galerie arrangiert wurde. Später befand sich das plastische Meisterwerk in der Familie ihres Sohnes V. A. Zamkov, der es nach seinem Tod vermachte, um das Werk in die Sammlung der Staatlichen Tretjakow-Galerie zu überführen.

Sarra Dmitrievna Lebedeva (1892–1967). Mädchen mit Schmetterling 1936. Bronze. Höhe 215

„Mädchen mit Schmetterling“ ist ein Bronzeguss einer Landschaftsgartenskulptur, die den Moskauer Zentralpark für Kultur und Freizeit schmücken sollte (es gab eine nicht erhaltene Zementversion im Park). Die Plastizität der Statue vermittelt die vorsichtige Bewegung eines Mädchens, das versucht, einen Schmetterling, der auf ihrer Hand gelandet ist, nicht zu verscheuchen. Die Bildhauerin und Künstlerin Sarra Lebedeva erscheint in dieser Arbeit, wie in all ihren Arbeiten, als subtile Psychologin, die den emotionalen Zustand ihres Modells wahrnimmt und versucht, „den Moment anzuhalten“ und den Schmetterling zu behalten.

Nikolai Konstantinowitsch Istomin (1886 (1887) -1942). Universitäten 1933. Öl auf Leinwand. 125,5 x 141,5

Istomin, der in München eine künstlerische Ausbildung erhielt, Mitglied der Makovets und Four Arts Associations, trat nach deren Auflösung Anfang der 1930er Jahre der Association of Artists of Revolutionary Russia bei. In dem Gemälde „Universitäten“ thematisiert der Künstler die Jugend, die zukünftigen Erbauer des Sozialismus, die für die Kunst der Stalinzeit relevant war. Doch die malerische wie inhaltliche Entscheidung dieses Werkes hat wenig gemein mit dem Plakatoptimismus der Themenbilder jener Jahre. Es zeigt die für Istomin charakteristische Maltechnik, die sich in der frühen Schaffensperiode unter dem Einfluss des Fauvismus entwickelte.

Ein gemütlicher Raum mit einem großen quadratischen Fenster in einer dunkelgrünen Wand, dahinter eine perlrosa (im Gegensatz zu der tiefen, kräftigen Farbe im Inneren) Winterstadt. Gegen das Licht - anmutige Silhouetten zweier Mädchen in Schwarz, die mit Lesen beschäftigt sind. Die Heldinnen der Arbeit ähneln sich wie Zwillingsschwestern. Auf den ersten Blick haben wir ein Genre des Alltags vor uns, aber die Bedeutung dieser großen, breit und kühn bemalten Leinwand liegt eindeutig nicht in den Details der Geschichte und nicht in den Charakteren der Mädchen, nicht in ihren Aktivitäten. Dieses in seiner Handlung gewöhnliche Bild wirkt wie ein offenes Fenster in eine andere, vergangene Zeit und lässt den Betrachter gleichsam in die spirituelle Atmosphäre der 1930er Jahre eintauchen. Das Gemälde mit strenger, fast grafischer Farbgebung ist lyrisch und hebt sich deutlich von den pompösen Kunstwerken dieser Zeit ab.

Pavel Dmitrijewitsch Korin (1892–1967). Alexander Newski. Mittelteil des Triptychons 1951. Öl auf Leinwand. 72,5x101

Der Künstler schuf eine Leinwand, die russische Waffen in einer für das Land schwierigen Zeit während des Großen Vaterländischen Krieges verherrlichte. Das zentrale Bild des Triptychons zeigt Fürst Alexander Jaroslawitsch, Spitzname Newski für den Sieg über die Schweden in der Schlacht an der Newa im Jahr 1240 und 1549 von der Russisch-Orthodoxen Kirche heiliggesprochen. Der Fürst tritt dem Betrachter als zielstrebiger, mutiger Feldherr entgegen. Ein breitschultriger Krieger in Rüstung, ein großes Schwert vor sich haltend, steht vor der Kulisse endloser russischer Weiten und bewacht wachsam seine Heimat. Alexander Newski verkörpert den Mut und die Tapferkeit des russischen Volkes, das bereit ist, bis zum letzten Blutstropfen für seine Freiheit und Unabhängigkeit zu kämpfen. „Ich wollte“, erinnerte sich der Künstler, „den Charakter einer russischen Person vermitteln, den Geist des Mutes verkörpern, der ein wesentliches Merkmal der Nation ist, der das Volk Russlands ermutigte, bis zum Tod zu kämpfen, vorwärts zu gehen . Dieser Geist des Ungehorsams gegenüber dem Schicksal, dessen Wille und Standhaftigkeit sowohl in „Die Geschichte von Igors Feldzug“ als auch in Puschkins ersten Versen und in unseren eigenen Herzen widerhallt.

Basierend auf dem Gemälde wurden später Mosaike für die Station Komsomolskaya-Koltsevaya der Moskauer U-Bahn hergestellt.

Juri (Georg) Iwanowitsch Pimenow (1903–1977). Neu Moskau 1937. Öl auf Leinwand. 140 x 170

Seit Mitte der 1930er Jahre arbeitet Pimenov, einer der Gründer der Gesellschaft der Staffeleimaler, an einer Reihe von Gemälden über Moskau, unter denen das Gemälde „Neues Moskau“ besonders beliebt wurde. Mit aufrichtiger Begeisterung arbeiteten die Künstler an der Schaffung einer neuen sowjetischen Mythologie, die andere Formen erforderte. Das Gemälde „Neues Moskau“ entspricht durchaus dem Zeitgeist. Die Komposition wird als Einzelbild gelöst, das von einem Kameraobjektiv erfasst wird. Der Autor konzentriert sich auf die Figur einer Frau, die ein Auto fährt, was für die 1930er Jahre ein beispielloses Phänomen ist. Der Betrachter scheint hinter ihrem Rücken zu sitzen und aus einem offenen Auto das morgenaktuelle Moskau zu beobachten. Die monolithische Masse des neu errichteten Gosplan-Gebäudes, die freie Allee und die Weite der Plätze, der scharlachrote Buchstabe der kürzlich eröffneten U-Bahn - all dies ist ein renoviertes Moskau. Farben, die mit vielen Schattierungen und Tönen spielen, ein beweglicher Pinselstrich vermitteln die Bewegung des Autos und die Vibration der Licht- und Luftumgebung. Der impressionistische Schreibstil verleiht dem Werk Frische und Eleganz – so hätte die neue Hauptstadt wahrgenommen werden sollen und mit ihr das neue sowjetische Leben. Das Entstehungsjahr dieser Leinwand widerspricht jedoch eindeutig dem optimistischen Thema des „hellen Pfades“.

Alexander Michailowitsch Gerasimow (1881–1963). Porträt einer Ballerina O. V. Lepeshinskaya 1939. Öl auf Leinwand. 157 x 200

Das außergewöhnliche Talent des Malers, die fröhliche, "saftige" Malweise - all dies erhielt einen zeremoniellen Glanz, als A. M. Gerasimov die Karriereleiter des sozialen Realismus hinaufstieg. Gerasimov schuf eine ganze Galerie mit Porträts prominenter Persönlichkeiten des Sowjetstaates und der Kommunistischen Partei der Sowjetunion, Militärführer der Sowjetarmee, Vertreter der sowjetischen Wissenschaft, Literatur, des Theaters und der bildenden Kunst. Vor dem Hintergrund von Parteifunktionären erhielt der Künstler einen Absatz in Porträts der kreativen Intelligenz (Ballerina O. V. Lepeshinskaya, ein Gruppenporträt der ältesten Künstler I. N. Pavlov, V. N. Baksheev, V. K. Byalynitsky-Biruli, V. N. Meshkov) und andere.

Mit einer tadellosen Technik konnte Lepeshinskaya ihren eigenen, lebendigen, funkelnden Charakter in jedem Bild widerspiegeln, das auf der Ballettbühne geschaffen wurde. Der Künstler erwischt die Ballerina im Moment der Probe. Die Heldin erstarrte für einen Moment vor dem Publikum in einem typischen Tanzschritt - sie steht auf Spitzenschuhen, ihre Hände sind auf ihr Tutu gesenkt, ihr Kopf ist leicht zur Seite gedreht, als würde sie sich auf den nächsten Ausgang in die Mitte vorbereiten des Proberaums. Noch einen Moment - und die Ballerina setzt den Tanz fort. Ihre Augen brennen, sie ist voller Inspiration und Liebe für ihren Beruf. Im Bild verbindet sich traditionelle Repräsentativität mit einem neuen Blick auf kreatives Handeln. Tanz im Leben einer Ballerina ist der höchste Sinn ihres Daseins.

Michail Wassiljewitsch Nesterow (1862–1942). Porträt des Bildhauers V. I. Mukhina 1940. Öl auf Leinwand. 75x80

Das Gemälde zeigt Vera Mukhina, eine sowjetische Bildhauerin, Autorin vieler berühmter Werke, darunter die berühmte Gruppe „Arbeiterin und Kollektivbäuerin“, die 1937 auf der Weltausstellung in Paris präsentiert wurde zukünftige Skulptur. In einer Hand hält sie ein kleines Stück Ton, mit der anderen erhöht sie die Lautstärke eines der Helden. Es fängt direkt den Akt der Kreativität ein, den Moment, in dem aus einem formlosen Stück Ton ein wahres Kunstwerk entsteht.

Das kompositorische Zentrum der Arbeit bildet eine knallrote Brosche, die den Kragen einer weißen Bluse hält. Nesterov kontrastiert die Konzentration von Mukhina mit der schnellen Dynamik, dem verzweifelten Impuls, den sie in ihrer Schöpfung vermittelt. Dank dieses emotionalen Kontrasts erhält das „Porträt des Bildhauers V. I. Mukhina“ eine besondere Ausdruckskraft, ein aktives Innenleben und enthüllt so den komplexen Charakter von Vera Ignatievna selbst.

Tair Teimurazovich Salakhov (geb. 1928). Porträt des Komponisten Kara Karaev 1960. Öl auf Leinwand. 121 x 203

In dem Porträt des herausragenden aserbaidschanischen Komponisten Kara Karaev wollte der Künstler den schwierigen Entstehungsprozess der Musik zeigen. Eine konzentrierte Pose, vom Betrachter psychologisch geschlossen, spricht von höchster Konzentration auf die innere Stimme. Der kreative Prozess kann intensiv und langwierig sein, während dessen das äußere Leben für einen in sich versunkenen Menschen einzufrieren scheint oder sich unangemessen lange an einem Ton hinzieht, bis eine Lösung gefunden ist. Ist das nicht der Grund, warum das lange schwarze Klavier so endlos erscheint, vor dessen Hintergrund die sitzende Figur des Komponisten gezeigt wird. Das Bild dieses Musikinstruments gibt den gemessenen Rhythmus der Komposition vor und dient als notwendiger Kontrast für den in einen weißen Pullover gekleideten Helden. Der Künstler bringt die strengen Konturen von Karaevs Figur und Einrichtungsgegenständen fast zu einem grafischen Schema. Die innere Kunst des Komponisten, sein Talent, seine kreative Spannung werden durch das Farbsystem offenbart.

Grigorij Iwanowitsch Kepinow (Grigor Owanesowitsch Kepinjan) (1886–1966). Weiblicher Torso 1934–1946. Marmor. Höhe 71

Der berühmte sowjetische Bildhauer G. I. Kepinov, der an der Julien-Akademie in Paris studierte, hielt es für seine Pflicht, die akademischen Traditionen in der Bildhauerei zu bewahren. Er porträtierte viele Zeitgenossen.

Der Marmor „Female Torso“ ist eine wunderbare skulpturale Verkörperung weiblicher Schönheit, aber im Gegensatz zu ihrem klassischen Verständnis ist dies eine heroische Schönheit, die den Idealen der Zeit entspricht. Der schöne nackte Körper ist angespannt, die Bewegung des Lösens der Figur vom Steinblock erinnert an die unvollendeten Werke Michelangelos.

Oleg Konstantinowitsch Komow (1932–1994). Glas 1958. Bronze. Höhe 60

Die skulpturale Bronzekomposition "Glass" wurde von O. K. Komov ein Jahr vor seinem Abschluss am Moskauer Kunstinstitut geschaffen. V. I. Surikow. Der Stil des Autors wird als strenger Stil (oder strenger Realismus) definiert, der vor allem in der Malerei der späten 1950er - frühen 1960er Jahre entstand und den Alltag der einfachen Menschen, ihre Kraft und ihren Willen poetisierte. Der strenge Stil war geprägt von dem Wunsch nach Monumentalität des Bildes, was auch die skulpturale Komposition von Komov offenbart.

Seine Heldin ist eine einfache junge Arbeiterin, deren starke Hände – wie die Hände von Millionen von Menschen wie ihr – ein Land aufbauen. Das harte Leben und die schwierige Arbeit überlebten Anmut und Zerbrechlichkeit. "Adel" ist nicht in Mode: Arbeit ist ehrenhaft. Die ruhige Selbstsicherheit der Pose des Arbeiters kontrastiert mit der prekären Position des Glases, und die gesamte Komposition erweckt den Eindruck einer Einheit dieser Gegensätze.

Der Raum wird zu einer der führenden Komponenten dieser Arbeit. Seine Beziehung zur Figur einer Frau ist komplex und mehrdeutig. Die große Geste der Hände der Heldin ist offen für die Außenwelt und interagiert aktiv mit ihr, aber ihr Raum ist durch die Konturen des Glases begrenzt, in das sie wie in einen Rahmen gedrückt wird. Glas ist ein Prisma, durch das sie die Welt begreift, aber auch eine unsichtbare Wand zwischen ihr und dieser Welt.

Arkady Alexejewitsch Plastow (1893-1972). Frühjahr 1954. Öl auf Leinwand. 123 x 210

A. A. Plastov, einer der herausragenden Vertreter der Moskauer Malschule, setzte in seiner Arbeit die Traditionen von V. A. Serov, A. E. Arkhipov und den Meistern der Union russischer Künstler fort. Loyalität zum bäuerlichen Thema, wo „Menschenfleisch mit all seiner Raserei in höchster Intensität und Wahrheit gezeigt würde“, farbliche Organizität und Unmittelbarkeit des Eindrucks im „großen“ Bild sind charakteristisch für die Werke des Künstlers der 1940er-1950er Jahre.

In dem Gemälde „Frühling“ gelang es dem Maler, das Ideal weiblicher Schönheit, körperlich und geistig, einzufangen, das in der Vorstellung eines jeden Menschen lebt und in der Regel nicht im wirklichen Leben verkörpert ist. Die Kälte, eine gewisse Losgelöstheit des Buchstabens, das berührende Bild eines Kindes, die Einfachheit und Natürlichkeit der Handlung stellen dieses Werk auf einen Sockel reiner Freude und keuscher Liebe, der sinnlichen Wahrnehmung unzugänglich ist. Plastov nannte das Werk "Frühling" (und nicht "Im alten Badehaus"), betonte damit seinen metaphorischen Charakter und erinnerte an die ganze assoziative Bandbreite von Bildern der Weltkunst, die mit diesem Wort verbunden sind.

XX-XXI JAHRHUNDERT 1922. "Marsch auf Rom" Benito Mussolini, Dieser Duce ("Führer") macht Rom zum Zentrum des italienischen Faschismus. Die Verlegung der Vorderstraße der Via dei Fori Imperiali 1943. Nach der verheerenden Bombardierung Roms durch alliierte Flugzeuge wurde Mussolini von der verhaftet

XX-XXI Jahrhundert 1912. Italien erobert Rhodos und dann den Rest der Dodekanes-Inseln. 1923. Der Vertrag von Lausanne sichert den Italienern die Vorherrschaft auf der Insel 1943. Deutschland besetzt Rhodos und deportiert 1944 alle Rhodos-Juden von der Insel. 1945. Griechische Truppen