Jan Fabre als Ritter der Schönheit. Jan Fabre: Der Künstler in der Gesellschaft ist wie ein Straßentier. Ausstellung Jan Fabre, Ritter der Verzweiflung, Krieger der Schönheit

In der Eremitage wird eine Ausstellung des belgischen Künstlers Jan Fabre „Ritter der Verzweiflung – Krieger der Schönheit“ eröffnet. Kuscheltiere und Totenköpfe, ein Video eines lebenden Ritters im Rittersaal und mit einem Bic-Stift gezeichnete Gemälde – "Papier" sagt, dass sie ihn in den Winterpalast gebracht haben und Hauptquartier, was ist der Karneval im „Fabre-Stil“, der im Dezember im Museum stattfinden wird, und was provokante Werke Der Belgier wurde berühmt.

Die Eremitage stellt einen Künstler aus, der unter anderem für seine Leistung bei der „Weltmeisterschaft“ in männlicher und weiblicher Masturbation bekannt ist

Der flämische Künstler ist seit 40 Jahren als Regisseur von Theater-, Opern- und Tanzproduktionen, Performancekünstler und Schriftsteller bekannt. Die Werke des Enkels des berühmten Entomologen Jean-Henri Fabre (was für das Verständnis der Arbeit des Künstlers wichtig ist) lösen in der Öffentlichkeit und bei Kritikern oft Schock und Kontroversen aus.

1978 stellte Fabre in der Ausstellung „Mein Körper, mein Blut, meine Landschaft“ mit Blut geschriebene Gemälde aus. Später sorgte er mit seinem Projekt „Sky of Admiration“ weltweit für Aufsehen: Der Künstler schmückte Decke und Kronleuchter im Königspalast in Brüssel mit eineinhalb Millionen Thai-Käfern.

Fabre war und künstlerischer Leiter internationales Festival in Athen und inszenierte provokante Performances wie „Orgie der Toleranz“, die sogar irgendwie nach Moskau gebracht wurde. Die Produktion beginnt mit einer „Weltmeisterschaft“ in männlicher und weiblicher Masturbation. Es gibt auch eine Szene, in der schwangere Frauen, die auf Einkaufswagen sitzen, das Sortiment eines Lebensmittelladens „zur Welt bringen“ und vieles mehr, was ein unvorbereitetes Publikum als anstößig bezeichnen könnte.

Fabres erste, viel weniger provokative Ausstellung in Russland, die das Projekt Hermitage 20/21 fast vom Moment seiner Entstehung an veranstalten wollte, ist der anderen Seite des Schaffens des Künstlers gewidmet. In der Hermitage-Ausstellung erscheint Fabre als „Krieger der Schönheit“, und die nach St. Petersburg gebrachten Werke spiegeln Meisterwerke der Weltmalerei wider.

Der Künstler selbst behauptet, dass sein Interesse für Kunst durch einen Besuch im Rubens-Haus in Antwerpen im Alter von 12 Jahren geweckt wurde. Tatsächlich sind Peter Paul Rubens und Jacob Jordaens seine Hauptinspirationsquellen. In dieser Richtung arbeitete der Künstler und Projektkurator Dmitry Ozerkov in der Eremitage.

Dmitri Ozerkov, Kurator der Ausstellung:

Diese Ausstellung ist anders, sie ist keine Invasion. Fabre, ein moderner Künstler, kommt nicht in unser Museum, um mit ihm zu konkurrieren, sondern um vor den alten Meistern, vor der Schönheit, auf die Knie zu gehen. In dieser Ausstellung geht es nicht um Fabre, sondern um die Energien der Eremitage in ihren vier Kontexten: die Malerei der alten Meister, die Geschichte der Gebäude, die Wiege der Revolution und der Ort, an dem die Zaren lebten.

„Ritter der Verzweiflung – Krieger der Schönheit“ ist die größte Einzelausstellung eines zeitgenössischen Künstlers in der Eremitage

Mehr als 200 Werke von Fabre wurden nach St. Petersburg gebracht. Einige davon wurden speziell für die Eremitage angefertigt. Die Exponate sind im Winterpalais, in der Neuen Eremitage und im Generalstabsgebäude ausgestellt; Sie müssen sie unter den Exponaten der ständigen Sammlung suchen, zum Beispiel in den Sälen von Snyders, Van Dyck und Rubens, im Rittersaal und im Großen Hof. Im Hauptquartier werden die Werke so präsentiert, dass ein Dialog mit der hier ausgestellten „Roten Kutsche“ von Ilja Kabakow erkennbar ist: in drei Innenhöfen und dazwischen liegenden verwandelnden Hallen.

Dieser Umfang lässt sich vielleicht dadurch erklären, dass Jan Fabre die Traditionen der Klassik übernimmt Flämische Malerei, was für das Hauptmuseum des Landes und insbesondere für das Projekt Hermitage 20/21 so wichtig ist. Darüber hinaus muss ein Künstler, der im Museum ausstellt, in der Eremitage eine Ausstellung speziell für ihn anfertigen. Fabr hat genau solche Werke mitgebracht.

Fabres Werke werden im Rahmen der Hauptausstellung des Museums ausgestellt

Die inhärente Verwandtschaft des Künstlers mit den Meistern der flämischen Malerei der Vergangenheit wurde zum Grund für die ungewöhnliche Hängung von Fabres Werken. Die Gemälde, Installationen und Filme des Flamen werden gleichberechtigt mit der ständigen Sammlung der Eremitage ausgestellt und treten, wie das Museum glaubt, „in Dialog mit anerkannte Meisterwerke Weltkunst.“ Fabre hatte diese Art von Ausstellung bereits ausprobiert, als er eine Ausstellung im Louvre veranstaltete. In der Rubenshalle in Paris wurden Grabsteine ​​aufgestellt, auf denen die Lebensdaten europäischer Wissenschaftler eingetragen und in „Insekten“ umbenannt wurden.

Darüber hinaus kam Fabre im Sommer in die Eremitage, um durch die Säle des Museums zu einer eigens für ihn in Belgien geschaffenen Aufführung in Ritterrüstung zu laufen, von der jetzt eine Aufzeichnung hier ausgestellt ist. Im Museum können Sie auch Fabres Rüstung sehen, die er zusammen mit Marina Abramovich trug Virgin/Warrior-Auftritt sowie Käferrüstung.

Trotz der moderaten Provokation der Hermitage-Ausstellung haben die Besucher bereits negativ auf Fabres Werke reagiert

Unter einem Foto von einem Werk von Jan Fabre in den Hallen der Eremitage – einem ausgestopften Kaninchen in den Zähnen eines menschlichen Schädels – auf dem offiziellen Instagram-Account des Museums aufgeflammt Kontroverse über die Eignung solcher Werke für ein Museum.

elena0123450 Das sehen Kinder?!!!😳🙈 Und danach wünscht man sich eine normale Kinderpsyche?!

zheniya_ya Armes Tier 😭 Was für eine Idiotie? Trocknen Sie den Autor und ersetzen Sie ihn durch einen Hasen 👊

ly_uda Ugh, was für eine ekelhafte Sache????

mimo__prohodila Was ist das für eine Dose? 😱

babavera823 Gräuel!

Im Zusammenhang mit der Ausstellung finden im Generalstabsgebäude ein Karneval im Fabre-Stil und ein 24-Stunden-Marathon statt

Das Projekt „Ritter der Verzweiflung – Krieger der Schönheit“ verfügt über ein seriöses Bildungsprogramm. Neben dem Treffen mit dem Künstler, dessen Anmeldung leider bereits geschlossen ist, finden Vorträge, Screenings, Diskussionen usw. statt runde Tische unter Beteiligung von Kritikern, Kunsthistorikern, Theaterfiguren, Musiker. Und junge Künstler werden eine theatralische Performance-Interpretation basierend auf der Arbeit von Fabre erstellen.

Im Rahmen der jährlichen Neujahrsprogramm Das Jugendzentrum im Generalstab wird einen Karneval „im Stil von Fabre“ veranstalten: eine Maskenparade und eine Modenschau mit von Studenten kreierten Kostümen.

Gegen Ende der Ausstellung, in der Nacht vom 31. März auf den 1. April, findet im selben Generalstabsgebäude ein intellektueller Marathon statt: Die Aufführung von Jan Fabres „Mount Olympus“ dauert 24 Stunden.

Die Ausstellung läuft bis zum 9. April 2017. Der Eintritt zum Hauptgebäude des Museums beträgt 400 Rubel, zum Hauptgebäude 300 Rubel und für ein komplexes Ticket 600 Rubel.

Am 21. Oktober wurde in der Eremitage die von der Abteilung vorbereitete Ausstellung „Jan Fabre: Ritter der Verzweiflung – Krieger der Schönheit“ eröffnet zeitgenössische Kunst Staatliche Eremitage im Rahmen des Projekts Hermitage 20/21. Einer der größten Meister der Moderne Europäische Kunst Der belgische Künstler Jan Fabre präsentierte in der Eremitage zweihundertdreißig Werke: Grafiken, Skulpturen, Installationen, Filme. Die Ausstellung löste bei den Museumsbesuchern eine gemischte Reaktion aus, was auf das bedingungslose Interesse des St. Petersburger Publikums hinweist kreative Ausdrucksformen Autor. Die Eremitage erhält Briefe von Museumsbesuchern, in denen sie Fabres Werke kritisieren und darum bitten, einige Werke des Künstlers aus der Ausstellung zu entfernen. Wir haben Antworten auf die am häufigsten gestellten Fragen vorbereitet.

– Warum wird Fabre nicht nur im Generalstabsgebäude ausgestellt, das der Betrachter ohnehin mit zeitgenössischer Kunst in Verbindung bringt, sondern auch im Hauptmuseumskomplex?

Tatsächlich die Werke von Fabre. Die Idee, Fabre in der Eremitage zu präsentieren, steht im Dialog mit den Flamen Meister des XVII Jahrhundert entstand vor sieben Jahren, als der Direktor des Museums, Michail Borisowitsch Piotrowski, und Dmitri Ozerkow, Leiter der Abteilung für zeitgenössische Kunst, die Jan-Fabre-Ausstellung im Louvre besuchten, wo die Installation des Künstlers neben Rubens‘ Meisterwerken stand. Laut dem Kurator des Projekts D. Ozerkov: „Dies ist keine Invasion. Fabre, ein moderner Künstler, kommt nicht in unser Museum, um mit ihm zu konkurrieren, sondern um vor den alten Meistern, vor der Schönheit, auf die Knie zu gehen. In dieser Ausstellung geht es nicht um Fabre, sondern um die Energien der Eremitage in ihren vier Kontexten: die Malerei der alten Meister, die Geschichte der Gebäude, die Wiege der Revolution und der Ort, an dem die Zaren lebten“ (The Art Newspaper Russia ).

Foto von Alexander Lawrentjew

Die grün schimmernden Kompositionen des Belgiers, die im Genre der Vanitas vanitatum (Eitelkeit der Eitelkeiten) zum Motiv des Memento mori (Erinnerung an den Tod) entstanden sind, sind in die Wände der Neuen Eremitage (Saal der Flämischen und Heiligen) eingebettet Niederländische Malerei). Jan Fabre ist ein subtiler Kolorist. Im Zwölfsäulensaal arbeitet er in den Farben grauem Marmor und dekorativer Vergoldung. Seine kostbaren Smaragdtafeln erinnern den Betrachter an die Malachitschalen und -tischplatten der Hermitage, an die Einrichtung des Malachit-Wohnzimmers Winterpalast.

Foto von Kirill Ikonnikov

Seine Zeichnungen mit einem „Bic“-Stift stehen dem Lapislazuli der Great Skylight-Vasen der Neuen Eremitage nahe.

Fabres lakonische und strenge Reliefs mit „Königinnen“ stehen neben zeremoniellen Porträts Englischer Adel und Hofdamen von Anthony van Dyck.

Fabres Nähe zu Snyders‘ „Shops“ ist ein Glücksfall; der zeitgenössische Künstler zitiert nicht Flämischer Meister, fügt aber nur vorsichtig das Motiv des Totenkopfes hinzu – eine Bedeutung, die für einen Kunsthistoriker offensichtlich ist: das Thema der Eitelkeit und der Eitelkeit des Daseins.

Foto von Valery Zubarov

Fabre selbst sagte bei einem Treffen mit St. Petersburger Bewohnern im Atrium des Generalstabsgebäudes, dass seine Werke in den Kunsthallen Flanderns dazu gedacht seien, die Betrachter dazu zu bewegen, „innezuhalten und sich Zeit für die Kunst zu nehmen“. „Besucher gehen an Rubens vorbei, als würden sie an den Schaufenstern eines großen Ladens vorbeigehen; sie achten nicht auf die Details“, sagt der Künstler.

– Ich appelliere an alle Dienste der Staatlichen Eremitage! Als Tierschützer und Freiwilliger halte ich es für inakzeptabel, dass es öffentlich zur Schau gestellt wird Alterskategorien und ein ausgestopfter Hund an Haken, zerstörerisch für die Psyche des Kindes! Die Jan-Fabre-Ausstellung ist ein Mangel an Kultur. Dies ist besonders unmoralisch angesichts der großen Resonanz auf Fälle von Kriminalität in Chabarowsk. Bitte entfernen Sie Kuscheltiere aus der Ausstellung!

Jan Fabre hat Reportern wiederholt gesagt, dass es sich bei den Hunden und Katzen, die in seinen Installationen vorkommen, um streunende Tiere handelt, die auf der Straße gestorben sind. Fabre versucht, sie zu geben neues Leben in der Kunst und besiegen so den Tod. „Viele meiner Werke sind dem Leben nach dem Tod gewidmet. Der Tod ist Teil des Lebens, ich respektiere den Tod“, sagt der berühmte Belgier. Toter Hund in Fabres Installation ist es eine Metapher, eine Art Selbstporträt des Künstlers. Fabre sagt: „Der Künstler ist ein streunender Hund.“

Fabre fordert vorsichtige Haltung zu Tieren, die die Menschheit über viele Jahrhunderte hinweg begleitet haben und in die Geschichte und Mythologie eingegangen sind. Die Haltung der Menschen gegenüber Tieren ist heute konsumorientiert. Katzen werden auf Datschen zurückgelassen. Alte Hunde werden aus dem Haus geworfen. Durch die Betonung von Katzen und Hunden in der alten Kunst zeigt Fabre, dass sie in all ihren Eigenschaften den Menschen ähnlich sind und daher ihre Liebe und Freude, ihre Krankheit und ihr Tod grundsätzlich aus unserem Bewusstsein verdrängt werden.

Mit der Präsentation ausgestopfter Haustiere stellt sich Fabre gemeinsam mit Tierschützern auf der ganzen Welt dem Konsum dieser Tiere entgegen.

Oft lieben wir nicht Tiere, sondern unsere Liebe zu ihnen. Wenn wir sie unsere kleinen Brüder nennen, ist uns oft nicht bewusst, wie grausam wir sie behandeln. Wir sind bereit, sie bei erster Gelegenheit loszuwerden, sollte das Tier krank werden oder alt werden. Jan Fabre ist dagegen. Er verwandelt die Körper von Tieren, die auf den Autobahnen von Autos angefahren werden, in Abfälle. Konsumgesellschaft- als Vorwurf der menschlichen Grausamkeit.

– Warum konnte Fabre es nicht nutzen? künstliche Materialien statt Stofftieren? Moderne Technologien machen sie völlig ununterscheidbar vom Original.

„Warum Marmor und nicht Plastik?“ fragt Fabre und beantwortet diese Frage bei einem Treffen im Generalstab. „Marmor hat Tradition, Michelangelo, es ist ein haptisch anderes Material. Das Material ist der Inhalt.“ Diese These von Fabre kann mit dem Gedanken russischer Formalisten über die Einheit von Form und Inhalt verglichen werden.

Für Jan Fabre ist die „erotische Beziehung zum Material“, die sinnliche Komponente, sehr wichtig. Er erinnert sich, dass flämische Künstler Alchemisten waren; sie verwendeten Blut und zerkleinerte menschliche Knochen, um Farben herzustellen. Der Künstler betrachtet den Körper als „ein erstaunliches Labor und Schlachtfeld“. Für ihn ist der Körper „etwas Schönes und sehr Kraftvolles, aber gleichzeitig Verletzliches“. Bei der Erschaffung seiner Mönche für die Installation „Umbraculum“ verwendet Fabre Knochen – die hohlen, „geistigen Körper“ seiner Figuren haben ein „äußeres Skelett“, sie können nicht verletzt werden, sie sind geschützt.

Foto von Valery Zubarov

– Kuscheltiere haben keinen Platz in der Eremitage, sie gehören ins Zoologische Museum.

Im Rittersaal der Neuen Eremitage werden Pferde aus dem Zarskoje-Selo-Arsenal von Nikolaus I. präsentiert (das sind Pferdefelle, die über einen Holzsockel gespannt sind). Im Winterpalast von Peter I. (Büro Peters des Großen) ist ein ausgestopfter Hund ausgestellt; dabei handelt es sich um einen italienischen Windhund, einen der Lieblinge des Kaisers. Ihre Anwesenheit in der Eremitage wirkt auf die Besucher weder seltsam noch provokativ und löst weder Angst noch Empörung aus.

Foto von Valery Zubarov

Der Künstler nutzt bestimmte Mittel, die auf dem Prinzip der inneren Notwendigkeit und seinem eigenen Endziel basieren. Um zeitgenössische Kunst wahrzunehmen, reicht ein flüchtiger Blick nicht aus; interne Arbeit und spirituelle Anstrengung. Damit verbunden ist die Überwindung von Stereotypen, Vorurteilen, Ängsten, ideologischen und psychologischen Klischees sowie religiösen Einstellungen. Es erfordert Mut und Geduld und zwingt uns, die Grenzen unserer Wahrnehmung zu erweitern. Zeitgenössische Kunst ist etwas, auf das man nicht vollständig vorbereitet sein kann. Fabre selbst sagt, dass seine Arbeit „mit der Suche nach Versöhnung und Liebe verbunden ist“. Liebe ist die Suche nach intensivem Dialog und Höflichkeit.“

Foto von Valery Zubarov

Text: Tsibulya Alexandra, Dmitry Ozerkov

Wir laden Sie außerdem ein, sich mit den folgenden Materialien vertraut zu machen:

„Unser Ziel ist erreicht, man redet über Tierschutz“: ​​Dmitry Ozerkov – über den Skandal um Stofftiere bei einer Ausstellung in der Eremitage (Paper)

Gestern eröffnete die Eremitage die Ausstellung „“ des berühmtesten belgischen zeitgenössischen Kunstkünstlers unserer Zeit sowie des Theaterregisseurs Jan Fabre. Bei der Eröffnung der Ausstellung enthüllte Jan Fabre dem Fontanka-Korrespondenten die geheimnisvolle Bedeutung seiner Objekte, die in die historischen und modernen Sammlungen der Eremitage eingebaut wurden.

In diesem Sommer erschienen neben den großen Werken der Klassik tonnenschwere goldene Skulpturen von Fabre Italienische Kunst In Florenz wurden die Werke des Künstlers vor acht Jahren im Louvre ausgestellt, letztes Jahr gab es in Berlin eine hochkarätige Theaterpremiere von Fabre, einen 24-Stunden-Dauermarathon „Mount Olympus“, an dem alle führenden Vertreter teilnahmen Das Welttheater. Die Ausstellung „Jan Fabre: Ritter der Verzweiflung – Krieger der Schönheit“ in der Eremitage wurde in diesem Herbst in die Top 5 der bedeutendsten Ereignisse für Russland im Bereich zeitgenössischer Kunst aufgenommen.

„Es war sehr langes Projekt und ein langes Gespräch“, sagt der Kurator der Ausstellung, Leiter der Abteilung für zeitgenössische Kunst der Staatlichen Eremitage Dmitri Ozerkov. „Wir haben zunächst verstanden, dass die Ausstellung zu einem Dialog werden sollte Flämischer Künstler mit flämischer Kunst. Und gleichzeitig über Ritterlichkeit sprechen mittelalterliche Kultur. Daher verlief die Route natürlich entlang des flämischen Teils der Sammlung. Gemälde und Skulpturen von Jan Fabre sind nahtlos in die Hermitage-Sammlung integriert. Feine filigrane Arbeit wurde geleistet. Voraussetzung für diese Ausstellung war, dass keine Gemälde aus Dauerausstellung, wir können nicht aufräumen. Jan Fabre ist in der Mitte, in den Mauern gebaut – das ist der Zustand des Spiels, die Hauptschwierigkeit und, wie mir scheint, der größte Erfolg im Ergebnis.“

Jan Fabre selbst, der sich von der Arbeit von Peter Paul Rubens inspirieren lässt, wie er immer wieder in Interviews betonte, sagt zu dieser technischen Notwendigkeit: „Ich habe versucht, meine Werke nicht nur auszustellen, sondern auch Rubens hervorzuheben.“

Sie sind gewissermaßen der Napoleon der modernen Kunst und mehr noch: Sie haben nicht nur Frankreich, Italien, sondern sogar Russland erobert. Was denken Sie darüber?

Ich glaube nicht, dass dies die Terminologie der Kunst ist – eingereicht. Ich verstehe Kunst nicht als Konzept der Eroberung, sondern als Konzept der Lebensnotwendigkeit, des Vergnügens und der Energie. Ich freue mich, in der Eremitage zu sein – einem fantastischen, großartigen Museum auf der Welt. Hier ist die beste Sammlung von Rubens, Van Dyck und Snailers. Ich liebe die russische Kultur wirklich, ihre Tiefe. Ich bin damit aufgewachsen, in meiner Jugend interessierte ich mich für Gogol und Dostojewski. Für mich ist es eine große Freude, in Russland, in St. Petersburg zu sein. Rubens - toller Künstler, als Kind habe ich seine Bilder neu gezeichnet. In den Hallen von Van Dyck, einem Schüler von Rubens, der hauptsächlich Mitglieder der königlichen Familie und des Adels malte, platzierte ich die Serie „Meine Königinnen“. Auf den Flachreliefs aus Carrara-Marmor sind Bilder meiner Assistenten, Prinzessinnen und meines Teams zu sehen. Und in der Mitte der Halle befindet sich ein skulpturales Bild der aktuellen belgischen Prinzessin Elisabeth. All dies ist mein Engagement für Frauen, weibliche Kraft. Die festlichen Mützen auf ihren Köpfen sind eine Metapher für die Krone und gleichzeitig ein Symbol für Freude und Triumph. Von einem offiziellen Gegenstand wird die Krone zu einem belgischen Fest, einem Feiertag. In den Hallen von Snyders gibt es meine neuer Job- Skulptur mit einem Schwan. Snyders‘ Gemälde zeigen frisch getötete Tiere, bei deren Anblick man das Gefühl hat, die Wärme eines gerade gestorbenen Lebewesens zu spüren. Meine Werke sind eine Fortsetzung seiner Werke, ein Dialog.

In der flämischen Kunst gibt es neben Triumph und Energie auch Aggression und Gewalt: Das ist kein Zufall Bild der Toten Tiere. Wie hängen Aggression und Gewalt mit der Lebensfreude zusammen?

Ich glaube nicht, dass es Gewalt ist, ich denke, es ist eine Feier des Lebens. Vergessen Sie nicht, dass in Russland immer noch Kaninchen gegessen werden. Und das ist ein normaler Vorgang, das passiert. In Belgien - Sonderbehandlung zu Tieren. Wir glauben, dass sie es sind beste Philosophen in der Welt. Und die besten Ärzte. Wir Menschen müssen ihnen zuhören und in gewisser Weise sogar lernen.

- Wer hat sich einen so poetischen Titel für die Ausstellung ausgedacht: „Ritter der Verzweiflung – Krieger der Schönheit“? Und was bedeutet es?

Foto: Von persönliches Archiv Dmitry Ozerkov, Leiter der Abteilung für zeitgenössische Kunst der Eremitage

Künstler. ICH: Ich bin ein Ritter der Verzweiflung, also fühle ich mich wie Lancelot, der die Herausforderung annimmt. Die Herausforderung besteht darin, die verletzliche Schönheit unseres Lebens zu schützen menschliche Welt. Und natürlich bin ich als Künstler immer verzweifelt und daher immer kurz vor dem Scheitern. Zumindest fühle ich mich so.

- Können Ihre Werke, insbesondere Tierskelette und Schädel, als Wächter betrachtet werden?

In jeder Kunst sind Tiere immer ein Symbol für etwas. Meine Kunst ist keine Ausnahme. Jeder von ihnen ist ein Wächter, aber auch eine Bezeichnung für etwas. Hier gibt es eine solche Verflechtung. Die präparierten Hunde und Katzen, die Sie in der Ausstellung sehen, wurden zum Beispiel natürlich nicht von mir getötet. Sie waren bereits tot, als ich sie am Straßenrand fand. Das sind streunende Straßentiere. Sie sind übrigens die gleichen wie ich. In der Gesellschaft hat der Künstler die gleichen Rechte wie er selbst. Sobald wir unsere wahre Meinung äußern, wirft uns die Gesellschaft über Bord.

- Wie entstehen Ihre Werke? Was kommt zuerst – Struktur oder Inhalt?

Inhalt. Aber dann nimmt alles die richtige Form an. Zum Beispiel die Ausstellung in der Eremitage: Ihre Dramaturgie entstand aus der Form, als ich ein Foto des Museums von oben sah. Zwei Gebäude in der Nähe, der Winterpalast und der Generalstab, erinnerten mich an die Flügel eines Schmetterlings, und Alexandria-Säule- die Nadel, an der es befestigt ist. Inhalte werden immer durch Form ausgedrückt und Dramaturgie entsteht aus Inhalten.

- Was ist die umstrittenste Rezension zu Ihrer Ausstellung?

Ich liebe es wirklich, wenn Kinder meine Ausstellungen besuchen – das kommt in Europa ziemlich oft vor. Ich bewundere ihre Reaktionen. Wahrhaftig und ehrlich. Zu meinen Arbeiten gehören beispielsweise zwei vergoldete Skulpturen, deren Oberfläche aus hervorstehenden Nadeln besteht. Da sagen die Kinder: „Seht, dieser Mann ist wie ein Igel.“ Sie haben vollkommen Recht, denn der Künstler ist im Moment seiner Kreativität und im Allgemeinen sehr verletzlich. Wir alle sind gezwungen, uns eine Art Schutz zu schaffen. Kinder reagieren und erklären alles besser als jeder Kunstkritiker. Und was am wichtigsten ist: Sie blicken auf das Wesentliche.

Olesya Pushkina, Fontanka.ru

Das Projekt „Afisha Plus“ wurde mit einem Zuschuss aus St. Petersburg umgesetzt

Am Freitag eröffnet die Eremitage die Ausstellung „Jan Fabre: Ritter der Verzweiflung – Krieger der Schönheit“ – eine große Retrospektive eines der berühmtesten zeitgenössischen Künstler. Projekte ähnlicher Größenordnung (und die Ausstellung wird die Säle des Winterpalastes, der Neuen Eremitage und des Generalstabsgebäudes nutzen) wurden bisher noch keinem zeitgenössischen Autor verliehen. Es gibt mehrere Gründe, warum das Museum Fabre Sonderrechte einräumt, aber der Hauptgrund liegt in seiner ehrfürchtigen Haltung gegenüber klassische Kunst, im Dialog mit dem er die meisten seiner Installationen baut.

Fabre hat auch Erfahrung mit ähnlichen Projekten wie der Hermitage. Vor acht Jahren tat er bereits etwas Ähnliches im Louvre: Im Saal der Prunkporträts legte er Grabsteine ​​aus, zwischen denen ein riesiger Wurm mit Menschenkopf krabbelte, in einem anderen stellte er ein Eisenbett und einen mit schillernden Intarsien verzierten Sarg aus Goldkäfer, es gab Stofftiere sowie vergoldete Skulpturen und Zeichnungen. Fabre ist der Enkel des berühmten französischen Entomologen Jean-Henri Fabre, den Victor Hugo den „Homer der Insekten“ nannte. Es ist wichtig, dies im Hinterkopf zu behalten, wenn man Muscheln, Skelette, Hörner und tote Hunde sieht, die er häufig verwendet, um zu verstehen, dass all diese Objekte, die einen unvorbereiteten Betrachter schockieren, kein Selbstzweck, sondern ein natürlicher Weg sind für einen Menschen, der seit seiner Kindheit von Sammlungen konservierter Kreaturen in Fläschchen umgeben ist, das Verständnis der Realität.

Kuscheltiere werden unweigerlich zu den Ausstellungsstücken, über die am meisten gesprochen wird. So platziert Fabre beispielsweise mehrere Werke aus der „Skulls“-Serie im Snyders-Raum neben seinen Stillleben voller Wild, Fisch, Gemüse und Obst, als ob sie auf den Verfall hinweisen würden, der sich hinter den mit Essen beladenen Tischen verbirgt. Doch ausgestopfte Tiere sind nur ein kleiner Teil dessen, was im Rahmen der Ausstellung des Künstlers in der Eremitage gezeigt wird.

The Village hat einen kurzen Leitfaden zu Fabres Werk zusammengestellt und die stellvertretende Kuratorin Anastasia Chaladze gebeten, einzelne Werke zu kommentieren.

Wissenschaft und Kunst

Im Jahr 2011 präsentierte Fabre auf der Biennale von Venedig eine Nachbildung von Michelangelos Pieta, in der die Figur des Todes den Körper des Künstlers auf seinem Schoß hält und ein menschliches Gehirn in seinen Händen hält. Die Ausstellung sorgte dann für großen Aufruhr: Jemandem gefiel die Übernahme des Kanonischen nicht Christliches Bild Jemand sah in der Arbeit nur einen Versuch, die Öffentlichkeit zu schockieren. In Wirklichkeit sollte die Idee durch die echte Freude erklärt werden, die Fabre im Geist eines mittelalterlichen Künstler-Wissenschaftlers hervorruft. Gleichzeitig hat die Wissenschaft seit der Zeit von da Vinci Fortschritte gemacht und wirklich dazu beigetragen wissenschaftlicher Fortschritt moderne Autoren Sie können es nicht, Fabre bleibt nur noch eines: das Bild eines Menschen, der die Welt erlebt, zu idealisieren und zu romantisieren.

„Der Mann, der die Wolken misst“ (1998)

Kommentar Anastasia Chaladze:

„Dies ist das erste Werk, das der Betrachter sieht, wenn er beginnt, sich vom Winterpalast aus mit der Ausstellung vertraut zu machen: Die Skulptur trifft die Menschen im Innenhof, direkt hinter dem zentralen Tor. Meiner Meinung nach zeigt dieses Bild Fabre perfekt als sentimentalen Menschen und Künstler. Wir sind daran gewöhnt, dass sich moderne Autoren häufig politischen und politischen Themen zuwenden soziale Sphären Leben der Gesellschaft, und Fabre bleibt ein Romantiker: Manchen mag das Bild eines Mannes, der mit einem Lineal Wolken misst, albern erscheinen, aber für ihn ist dieser Held ein Symbol des Dienstes an seiner Idee und seinem Traum.“

Blut

Eine von Fabres ersten Ausstellungen, die er 1978 zeigte, hieß „My Body, My Blood, My Landscape“ und bestand aus mit Blut gemalten Gemälden. Die Idee, den eigenen Körper für die Arbeit zu nutzen, war nicht mehr neu, vielleicht war es jedoch Fabre, der als erster Erfahrungen von der Ebene des künstlerischen Experiments in den Bereich des bewussten Ausdrucks übertrug und nicht nur auf seinen eigenen hinwies Exklusivität, sondern betont auch den Opfercharakter der Kunst. Außerdem frühe Werke Mit Blut brachten sie es zur Eremitage moderne Installation„I Let Myself Bleed“ ist eine hyperrealistische Selbstporträt-Schaufensterpuppe aus Silikon, die mit der Nase in einer Reproduktion von Rogier van der Weydens Gemälde „Porträt eines Turnierrichters“ vergraben steht.

„Ich lasse mich bluten“ (2007)

Kommentar Anastasia Chaladze:

„Es ist eine Metapher für Invasion zeitgenössischer Künstler in der Kunstgeschichte. Einerseits ist das Ergebnis traurig: Nasenbluten ist ein Beispiel für die Niederlage eines modernen Künstlers vor den Meistern der Vergangenheit. Andererseits wird die Installation zwischen zwei polychromen Portalen platziert, die Szenen aus dem Leben Christi darstellen und so die Gesamtkomposition ergeben neue Bedeutung, was darauf hindeutet, dass Fabre sich selbst als Retter aus der Welt der Kunst sieht. Dies ist eine ziemlich kühne Aussage, die jedoch nichts grundlegend Neues enthält: Seit dem Mittelalter ist es üblich, dass Künstler Qualen erleiden, um die Zustände der heiligen Geschichte zu erleben, und auf Reichtum und Unterhaltung verzichten, um näher zu sein zum Zustand der Charaktere, die sie in ihren Gemälden darstellten.

Mosaike aus Käferpanzern

Einer der meisten berühmte Techniker Fabra ist ein Mosaik, das er aus den schillernden Panzern von Goldkäfern anlegt. Mit ihnen gestaltete er die Decken und Kronleuchter des Königspalastes in Brüssel sowie unzählige weitere kompakte Installationen und Skulpturen. Zhukov Fabre hält sie ganz aufrichtig für nahezu die vollkommensten Lebewesen und bewundert die natürliche Logik, die es geschafft hat, diese sehr zerbrechlichen Kreaturen so einfach und effektiv vor Gefahren zu schützen.

„Nach dem Königsfest“
(2016)

Kommentar ANASTASIA CHALADZE:

„Vanitas ist ein Phänomen, das im 17. Jahrhundert sehr beliebt war. Es ist eine so negative, negative Wahrnehmung von Unterhaltung, ein Hinweis darauf, dass die Freuden des Lebens leer sind und wir über mehr nachdenken müssen.“ wichtige Dinge. Im Saal hängt das berühmte Gemälde „Der Bohnenkönig“ von Jacob Jordaens, das ein Fest darstellt, und daneben Fabres Werk „Nach dem Fest des Königs“, das kein direkter Kommentar ist, sondern gewissermaßen zeigt, was nach dem Feiertag passiert . Wir sehen hier Leere, Knochen und Fliegen, die als Aas versammelt sind, und mittendrin einen einsamen Hund, der wer weiß was treu geblieben ist.“

Zeichnungen mit Bic-Kugelschreiber

Noch einer ungewöhnliche Technik in Fabres Sammlung - Zeichnungen, die er mit einfachen Mitteln anfertigt Kugelschreiber Bic. Am meisten berühmtes Werk in dieser Technik - ein riesiges Panel" Blaue Stunde» aus der Sammlung des Royal Kunstmuseum Belgien. Für die Eremitage malte der Künstler eine spezielle Serie von Repliken von Rubens‘ Werken, die während der Ausstellung im selben Raum wie die Originale hängen werden. Ihr Wert ist besonders hoch, da Rubens eine besondere Rolle im Schicksal von Fabre spielt. Tatsächlich begann Fabre, wie er zugab, sich für Kunst zu interessieren, nachdem er als Kind Rubens‘ Haus in Antwerpen besucht hatte.

(Englisch) Jan Fabre, R. 1958) ist ein zeitgenössischer belgischer Künstler, Bildhauer und Regisseur. Seine Werke wurden auf den Biennalen von Venedig 1984, 1990, 2003 und der documenta 1987, 1992 ausgestellt.

Frühe Biographie

Jan Fabre geboren 1958 in Antwerpen, Belgien. Sein Großvater war der berühmte Entomologe Jean-Henri Fabre (1823–1915). In den 70er Jahren absolvierte er das Städtische Institut dekorative Künste und die Royal Academy Schöne Künste und dann begann er, seine ersten Drehbücher für das Theater zu schreiben und erste Werke zu schaffen. 1977 benannte er die Straße, in der er lebte, in Jan-Fabre-Straße um und brachte in der Nähe seines Hauses ein Schild mit der Aufschrift „Jan Fabre lebt und arbeitet hier“ an. Er malte die bemerkenswerteste Gemäldeserie dieser Zeit mit seinem eigenen Blut ( „Mein Körper, mein Blut, meine Landschaft“, 1978) und organisierte bereits im Entstehungsprozess eine gleichnamige Aufführung. Im folgenden Jahr erregte der Künstler mit der Performance „Money“ erneut die Aufmerksamkeit der breiten Öffentlichkeit. Fabre sammelte Papiergeldscheine von Besuchern ein, woraufhin er begann, sie zu zerknüllen, zu zerschneiden, mit den Füßen darüber zu laufen usw. Am Ende der Aufführung verbrannte er die Scheine und schrieb aus der Asche das Wort „Geld“. Bald erschien eine gleichnamige Installation, die aus echtem Geld hergestellt wurde. Ebenfalls 1978 schuf Jan Fabre seine erste Skulptur mit dem Titel „Ich, der Träumer“ (Nid. Ik, aan het dromen). Diese Arbeit ist eine Skulptur eines Wissenschaftlers mit einem Mikroskop. Die „Beine“ des Wissenschaftlers und des Tisches bestehen aus Fleisch.

Bic-Kunst

Jan Fabre ist auch für seine Arbeiten bekannt, bei denen er Kugelschreiber der Firma Bic verwendete. Diese Stifte galten als die gebräuchlichsten, und Fabre selbst kommentierte seine Wahl wie folgt: „Sie waren billig und praktisch. Ich könnte sie überallhin mitnehmen und überall stehlen.“ Die Idee, Bic-Kugelschreiber zu verwenden, ist nicht neu und der Begriff Bic-Art nicht nur in Bezug auf die Werke von Jan Fabre verwendet, sondern im Rahmen dieses „Genres“ Belgischer Künstler Es ist uns auch gelungen, mehrere originelle Lösungen anzubieten.

In den frühen 80er Jahren organisierte Jan Fabre mehrere Aufführungen, die üblicherweise in der Reihe „Ilad of the Bic Art“ (Ilad of Bic Art) zusammengefasst waren. Ilad ist hier ein Anonymus des Dali-Nachnamens. Die vielleicht bemerkenswerteste Aufführung hier kann als „Ilad of the Bic Art, the Bic Art Room“ (Ilad of the Bic Art, the Bic Art Room) bezeichnet werden. Drei Tage und drei Nächte lang schloss sich Fabre in einem Raum ein, in dem alles weiß war (einschließlich des gesamten Geschirrs und der Kleidung des Künstlers selbst) und er nur Bic-Stifte hatte. Im Jahr 1990 präsentierte Fabre seine neues Projekt Tivoli. Der Künstler malte ein ganzes Herrenhaus ausschließlich mit Kugelschreibern.

Auftritte und Auftritte

Jan Fabre wendet sich in seiner Arbeit häufig dem Theater zu. Seine erste bedeutende Produktion hieß „Das ist das erwartete und vorausgesehene Theater“ (1982). Für die Biennale von Venedig 1984 bereitete er das Stück „The Power of Theatrical Stupidity“ vor, bei dem die Schauspieler sich gegenseitig und sich selbst schlagen mussten. 1986 gründete Jan Fabre die Kunstgruppe Troubleyn, die sich dem Thema widmet Theateraufführungen. Fabre selbst nennt dieses Projekt ein Leistungslabor des 21. Jahrhunderts.

Im Jahr 2015 präsentierte Jan Fabre dem Publikum seine grandiose Inszenierung „Olymp“(„Der Olymp“). Offizieller Slogan: „Zur Verherrlichung des Tragödienkults eine 24-Stunden-Aufführung.“ Die Aktion dauerte 24 Stunden und umfasste 27 Künstler der Troubleyn-Gruppe. Das Theaterstück/die Aufführung fand großen Anklang beim Publikum und wurde 2016 (vom 30. bis 31. Januar) in Antwerpen wiederholt (die Aufführung wurde in ausgestrahlt). live Französischer Fernsehsender CultureBox). Darüber hinaus wurde „Mount Olympus“ in vielen europäischen Ländern und Israel gezeigt.

Skulpturen

Jan Fabre begann bereits in den 80er Jahren mit der Schaffung seiner ersten Skulpturen. Aus konzeptioneller Sicht gibt es drei Hauptthemen, die für den Bildhauer Fabre charakteristisch sind: die Welt der Insekten, menschlicher Körper und Kriegsstrategie.

Im Jahr 2002 schuf Fabre eine Werkreihe mit dem Titel „Himmel der Freude“(Himmel der Freude). Mit fast eineinhalb Millionen Flügeldecken thailändischer Käfer bemalte der Künstler die Decke und den zentralen Kronleuchter im Spiegelsaal des Königspalastes in Brüssel. Dies könnte ein Hinweis auf Michelangelos Fresko sein Sixtinische Kapelle in Rom. Das Werk wurde von Königin Paola von Belgien in Auftrag gegeben.

Jan Fabre schuf eine Reihe von Skulpturen, deren konzeptionelle Bedeutung umstritten ist. Darüber hinaus wurden viele von ihnen in mehreren Exemplaren erstellt und an verschiedenen Orten platziert, wodurch sie jedes Mal eine neue Bedeutung erhielten äußere Umgebung. Beispielsweise erschien „Der Mann, der die Wolken misst“ erstmals 1998 in Gent. Im selben Jahr wurde die gleiche Skulptur am Flughafen Brüssel und 2004 in Antwerpen installiert. Heimatstadt Künstler.

Im Jahr 2008 veranstaltete der Louvre eine Ausstellung unter gebräuchlicher Name „Jan Fabre im Louvre: Engel der Verwandlung“(Jan Fabre im Louvre: Der Engel der Metamorphose). Fabres „fremde“ Elemente wurden in den Museumsraum eingeführt. Seine Werke wurden mit vorgestellt klassische Werke Meister der Vergangenheit und ergänzten gewissermaßen die Realität, indem sie Elemente des Chaos und neue semantische Modelle einführten, die der Interpretation zugänglich waren. In den Jahren 2016-2017 organisierte Jan Fabre zusammen mit der Eremitage ein ähnliches Projekt ( „Jan Fabre: Ritter der Verzweiflung – Krieger der Schönheit“). Fabres Arbeiten im Genre der Präparatoren wurden vom Publikum zwiespältig aufgenommen. Der Skandal wurde durch die Verwendung von Stofftieren durch den Künstler und deren Anwesenheit in den Mauern eines Museums wie der Eremitage verursacht. So erklärte beispielsweise die St. Petersburger Diözese der Russisch-Orthodoxen Kirche, dass „eine solche Ausstellung nicht in der Eremitage hätte stattfinden dürfen“, und die Ausstellung selbst „sieht ziemlich beschämend aus“. Gleichzeitig kommentierte Sergei Shnurov die Ausstellung: „Ich habe Fabre in der Eremitage gesehen und was ich dort gesehen habe: komplexe, aber lesbare Reime, feine Integration und sogar Respekt vor den alten Meistern, was, ehrlich gesagt, selten ist.“ Für moderne Kunst habe ich dort kein Gemetzel und auch keine Schikanen gesehen, sondern im Gegenteil, die Provokation der „Freikämpfer für die Kultur“ war meiner Meinung nach stark übertrieben. und die künstlerischen Vorzüge blieben ihnen völlig verborgen.“