Ренесансов художник. Големи италиански художници. Признат шедьовър или мистериозната усмивка на жената

Ренесансовата живопис съставлява златния фонд не само на европейското, но и на световното изкуство. Периодът на Ренесанса заменя мрачното Средновековие, подчинено на ядрото на църковните канони, и предхожда последвалите Просвещение и Новото време.

Струва си да се изчисли продължителността на периода в зависимост от страната. Ерата на културен разцвет, както обикновено се нарича, започва в Италия през 14 век, след което се разпространява в цяла Европа и достига своя апогей в края на 15 век. Историците разделят този период в изкуството на четири етапа: проторенесанс, ранен, висок и късен ренесанс. От особена стойност и интерес е, разбира се, италианска живописРенесанса обаче не бива да изпускаме от поглед френски, немски и холандски майстори. Именно за тях в контекста на времевите периоди на Ренесанса ще стане дума по-нататък в статията.

Проторенесанс

Периодът на Проторенесанса продължава от втория половина XIII V. до 14 век Тя е тясно свързана със Средновековието, в късния етап на което възниква. Проторенесанса е предшественик на Ренесанса и съчетава византийски, романски и готически традиции. Преди всички тенденции нова ерасе появява в скулптурата и едва след това в живописта. Последният беше представен от две школи в Сиена и Флоренция.

Основната фигура на периода е художникът и архитект Джото ди Бондоне. Представителят на флорентинската живописна школа става реформатор. Той очерта пътя, по който то се развива. Характеристиките на ренесансовата живопис се зараждат именно в този период. Общоприето е, че Джото успява да преодолее в творбите си стила на иконопис, общ за Византия и Италия. Той направи пространството не двуизмерно, а триизмерно, използвайки chiaroscuro, за да създаде илюзията за дълбочина. Снимката показва картината „Целувката на Юда“.

Представители на флорентинската школа стояха в началото на Ренесанса и направиха всичко, за да извадят живописта от дългия средновековен застой.

Периодът на Проторенесанса е разделен на две части: преди и след смъртта му. До 1337 г. работят и се появяват най-ярките майстори най-важните открития. След това Италия е засегната от чумна епидемия.

Ренесансова живопис: Накратко за ранния период

Ранен Ренесансобхваща период от 80 години: от 1420 до 1500 г. По това време той все още не се е отклонил напълно от миналите традиции и все още е свързан с изкуството на Средновековието. Но вече се усеща дъхът на нови тенденции; майсторите започват да се обръщат все по-често към елементите на класическата античност. В крайна сметка художниците напълно изоставят средновековния стил и започват смело да го използват най-добрите примери антична култура. Имайте предвид, че процесът вървеше доста бавно, стъпка по стъпка.

Ярки представители на ранния Ренесанс

Творчеството на италианския художник Пиеро дела Франческа принадлежи изцяло към периода на ранния Ренесанс. Творбите му се отличават с благородство, величествена красота и хармония, точна перспектива, меки цветове, изпълнени със светлина. IN последните годиниПрез живота си, освен с рисуване, той изучава задълбочено математика и дори написва два свои трактата. Друг ученик беше негов известен художник, Лука Синьорели, а стилът е отразен в произведенията на много майстори от Умбрия. На снимката по-горе е фрагмент от фреска в църквата Сан Франческо в Арецо, „Историята на Савската царица“.

Доменико Гирландайо е друг виден представител на флорентинската школа на ренесансовата живопис ранен период. Той е основател на известна художествена династия и ръководител на работилницата, в която започва младият Микеланджело. Гирландайо беше известен и успешен майстор, който се занимаваше не само със стенопис (параклис Торнабуони, Сикстина), но и със стативна живопис („Поклонението на влъхвите“, „Рождество Христово“, „Старец с внук“, „Портрет на Джована“ Торнабуони” - на снимката по-долу).

Висок Ренесанс

Този период, в който стилът се развива великолепно, пада на 1500-1527 г. По това време центърът се движи италианско изкустводо Рим от Флоренция. Това е свързано с възкачването на папския престол на амбициозния, предприемчив Юлий II, който привлече в двора си най-добрите художници на Италия. Рим става нещо като Атина по времето на Перикъл и преживява невероятен растеж и строителен бум. В същото време има хармония между клоновете на изкуството: скулптура, архитектура и живопис. Ренесансът ги събира. Те сякаш вървят ръка за ръка, допълват се и си взаимодействат.

През периода се изучава античността Висок Ренесанспо-задълбочено и възпроизведено с максимална точност, строгост и последователност. Достойнството и спокойствието заменят флиртуващата красота, а средновековните традиции са напълно забравени. Върхът на Ренесанса е белязан от творчеството на тримата най-велики Италиански майстори: Рафаел Санти (картината "Дона Велата" на горното изображение), Микеланджело и Леонардо да Винчи ("Мона Лиза" - на първата снимка).

Късен Ренесанс

Късният Ренесанс обхваща периода от 1530-те до 1590-те до 1620-те години в Италия. Изкуствоведите и историците свеждат творбите от това време до общ знаменател с голяма степен на условност. Южна Европае под влиянието на триумфиралата в него Контрареформация, която възприема с голяма предпазливост всяко свободомислие, включително възкресяването на идеалите на античността.

Във Флоренция е имало господство на маниеризма, характеризиращ се с изкуствени цветове и начупени линии. Той обаче стигна до Парма, където работи Кореджо, едва след смъртта на майстора. имаше свой собствен път на развитие Венецианска живописВъзраждане късен период. Паладио и Тициан, работили там до 1570 г., са най-ярките му представители. Работата им няма нищо общо с новите тенденции в Рим и Флоренция.

Северен ренесанс

Този термин се използва за описание на Ренесанса в цяла Европа, извън Италия като цяло и в частност в немскоговорящите страни. Има редица функции. Северният Ренесанс не е хомогенен и се характеризира със специфични черти във всяка страна. Историците на изкуството го разделят на няколко направления: френско, немско, холандско, испанско, полско, английско и др.

Пробуждането на Европа пое по два пътя: развитието и разпространението на хуманистичен светски мироглед и развитието на идеите за обновление религиозни традиции. И двамата се докосваха, понякога се сливаха, но в същото време бяха антагонисти. Италия избра първия път и Северна Европа- второ.

Ренесансът на практика няма влияние върху изкуството на севера, включително живописта, до 1450 г. От 1500 г. той се разпространява из целия континент, но на някои места влиянието на късната готика остава до появата на барока.

Северният Ренесанс се характеризира със значително влияние на готическия стил, по-малко внимание към изучаването на античността и човешката анатомия и подробна и внимателна техника на писане. Реформацията оказва важно идейно влияние върху него.

Френски северен ренесанс

Най-близо до италианския е френска живопис. Ренесансът е важен етап за френската култура. По това време монархията и буржоазните отношения активно се укрепват, религиозните идеи на Средновековието избледняха на заден план, отстъпвайки място на хуманистичните тенденции. Представители: Франсоа Кеснел, Жан Фуке (на снимката е фрагмент от "Мелен диптих" на майстора), Жан Клуз, Жан Гужон, Марк Дювал, Франсоа Клуе.

Германски и холандски северен ренесанс

Изключителни произведения на Северния Ренесанс са създадени от немски и фламандско-холандски майстори. Значителна роляРелигията все още играеше роля в тези страни и оказа силно влияние върху живописта. Ренесансът поема по различен път в Холандия и Германия. За разлика от произведенията на италианските майстори, художниците от тези страни не поставят човека в центъра на Вселената. През почти целия 15в. изобразяват го в готически стил: лек и ефирен. Повечето видни представителиХоландски Ренесанс са Хуберт ван Ейк, Ян ван Ейк, Роберт Кампен, Хуго ван дер Гоес, немски са Алберт Дюрер, Лукас Кранах Стари, Ханс Холбайн, Матиас Грюневалд.

На снимката е автопортрет на А. Дюрер от 1498г.

Въпреки факта, че произведенията на северните майстори се различават значително от произведенията италиански художници, те във всеки случай са признати за безценни произведения на изящното изкуство.

Ренесансовата живопис, както и цялата култура като цяло, се характеризира със светски характер, хуманизъм и така наречения антропоцентризъм, или, с други думи, първичен интерес към човека и неговата дейност. През този период се наблюдава истински разцвет на интереса към древно изкуство, и се извършва неговото възраждане. Епохата е дала на света плеяда от брилянтни скулптори, архитекти, писатели, поети и художници. Никога преди или след това културният разцвет не е бил толкова широко разпространен.

Възраждане (Ренесанс). Италия. 15-16 век. Ранен капитализъм. Страната се управлява от богати банкери. Интересуват се от изкуство и наука.
Богатите и могъщите събират около себе си талантливите и мъдрите. Поети, философи, художници и скулптори водят ежедневни разговори със своите покровители. За момент изглеждаше, че хората са управлявани от мъдреци, както иска Платон.
Спомниха си древните римляни и гърци. Който също изгради общество на свободни граждани. Където основна стойност- човек (без да броим робите, разбира се).
Ренесансът не е просто копиране на изкуството на древните цивилизации. Това е смес. Митология и християнство. Реализъм на природата и искреност на образите. Физическа красота и духовна красота.
Беше просто проблясък. Периодът на Високия Ренесанс е приблизително 30 години! От 1490-те до 1527 г От началото на разцвета на творчеството на Леонардо. Преди разграбването на Рим.

Мираж идеален святбързо избледня. Италия се оказа твърде крехка. Скоро тя била поробена от друг диктатор.
Тези 30 години обаче са определили основните характеристики Европейска живопис 500 години напред! До импресионисти.
Реализъм на изображението. Антропоцентризъм (когато човек е главен геройи герой). Линейна перспектива. Маслени бои. Портрет. Пейзаж…
Невероятно, но за тези 30 години те създадоха няколко брилянтни майстори. Които в друго време се раждат веднъж на 1000 години.
Леонардо, Микеланджело, Рафаело и Тициан са титаните на Ренесанса. Но не можем да не споменем и двамата им предшественици. Джото и Мазачио. Без които нямаше да има Ренесанс.

1. Джото (1267-1337)

Паоло Учело. Джото да Бондони. Фрагмент от картината „Петимата майстори на флорентинския Ренесанс“. Началото на 16 век. Лувър, Париж.

14 век Проторенесанс. Главният й герой е Джото. Това е майстор, който сам направи революция в изкуството. 200 години преди Високия Ренесанс. Ако не беше той, едва ли щеше да настъпи ерата, с която човечеството толкова се гордее.
Преди Джото е имало икони и фрески. Създадени са според византийските канони. Лица вместо лица. Плоски фигури. Неспазване на пропорциите. Вместо пейзаж има златен фон. Като например тази икона.

Гуидо да Сиена. Поклонение на влъхвите. 1275-1280 Алтенбург, музей Линденау, Германия.

И изведнъж се появяват фрески от Джото. На тях обемни фигури. Лица благородни хора. тъжно Жален. Изненадан. Стари и млади. Различен.

Джото. Оплакването на Христос. Фрагмент

Джото. Целувката на Юда. Фрагмент

Джото. Света Ана

Фрески от Джото в църквата Скровени в Падуа (1302-1305). Вляво: Оплакването на Христос. В средата: Целувката на Юда (фрагмент). Вдясно: Благовещение на св. Анна (Майка Богородица), фрагмент.
Основната работа на Джото е цикълът от неговите стенописи в параклиса Скровени в Падуа. Когато тази църква се отвори за енориаши, тълпи от хора се изляха в нея. Защото никога не са виждали подобно нещо.
В крайна сметка Джото направи нещо безпрецедентно. Той сякаш превеждаше библейски историидо просто ясен език. И станаха много по-достъпни за обикновените хора.

Джото. Поклонение на влъхвите. 1303-1305 Фреска в параклиса Скровени в Падуа, Италия.

Точно това ще бъде характерно за много ренесансови майстори. Лаконични изображения. Живи емоции на героите. Реализъм.
Между иконата и реализма на Ренесанса."
Джото беше възхитен. Но неговите иновации не бяха доразвити. Модата на международната готика дойде в Италия.
Само след 100 години ще се появи майстор, достоен наследник на Джото.
2. Мазачо (1401-1428)

Мазачио. Автопортрет (фрагмент от фреската „Св. Петър на амвона”). 1425-1427 Параклис Бранкачи в църквата Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия.

Началото на 15 век. Така нареченият Ранен Ренесанс. Още един новатор навлиза на сцената.
Masaccio е първият художник, който използва линейна перспектива. Той е проектиран от неговия приятел, архитекта Брунелески. Сега изобразеният свят е станал подобен на реалния. Архитектурата на играчките е нещо от миналото.

Мазачио. Свети Петър лекува със сянката си. 1425-1427 Параклис Бранкачи в църквата Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия.

Той възприема реализма на Джото. Въпреки това, за разлика от своя предшественик, той вече познаваше добре анатомията.
Вместо блокови герои, Джото има красиво изградени хора. Също като древните гърци.

Мазачио. Кръщение на неофитите. 1426-1427 Параклис Бранкачи, църква Санта Мария дел Кармине във Флоренция, Италия.

Мазачио. Изгонване от Рая. 1426-1427 Фреска в параклиса Бранкачи, църквата Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия.

Мазачио не оживя дълъг живот. Той умря, подобно на баща си, неочаквано. На 27 години.
Той обаче имаше много последователи. майстори следващите поколенияотиде в параклиса Бранкачи, за да учи от стенописите му.
Така иновациите на Мазачио са възприети от всички велики титани на Високия Ренесанс.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 Кралска библиотека в Торино, Италия.

Леонардо да Винчи е един от титаните на Ренесанса. Което оказа огромно влияние върху развитието на живописта.
Именно той повиши статуса на самия художник. Благодарение на него представителите на тази професия вече не са просто занаятчии. Това са творци и аристократи на духа.
Леонардо прави пробив предимно в портрета.
Той вярваше, че нищо не трябва да отвлича вниманието от основния образ. Погледът не трябва да се лута от един детайл към друг. Така се появяват прочутите му портрети. Лаконичен. Хармонично.

Леонардо да Винчи. Дама с хермелин. 1489-1490 Музей Черториски, Краков.

Основната иновация на Леонардо е, че той е открил начин да прави изображения... живи.
Преди него героите в портретите изглеждаха като манекени. Линиите бяха ясни. Всички детайли са внимателно изчертани. Нарисуваната рисунка не може да е жива.
Но тогава Леонардо изобретил метода сфумато. Той засенчи линиите. Направи прехода от светлина към сянка много мек. Героите му сякаш са покрити с едва забележима мъгла. Героите оживяха.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519 Лувър, Париж.

Оттогава сфумато ще бъде включено в активния речник на всички велики творци на бъдещето.
Често има мнение, че Леонардо, разбира се, е гений. Но той не знаеше как да завърши нищо. И често не завършвах картини. И много от проектите му останаха на хартия (между другото в 24 тома). И като цяло той беше хвърлен или в медицината, или в музиката. А по едно време дори се интересувах от изкуството на сервирането.
Все пак помислете сами. 19 картини. И той - най-великият артистна всички времена и народи. А някои дори не са близо до величието. В същото време, като е нарисувал 6000 платна през живота си. Очевидно е кой има по-висока ефективност.

4. Микеланджело (1475-1564)

Даниеле да Волтера. Микеланджело (фрагмент). 1544 Metropolitan Museum of Art, Ню Йорк.

Микеланджело се смяташе за скулптор. Но той беше универсален майстор. Както и другите му колеги от Възраждането. Затова живописното му наследство е не по-малко грандиозно.
Той е разпознаваем преди всичко по физически развитите си характери. Защото той изобразяваше съвършен човек. В която физическата красота означава духовна красота.
Ето защо всичките му герои са толкова мускулести и издръжливи. Дори жени и стари хора.

Микеланджело. Фрагмент от стенопис " Страшният съд"

Микеланджело. Фрагменти от фреската на Страшния съд в Сикстинската капела, Ватикана.
Микеланджело често рисува героя гол. И тогава добави дрехи отгоре. Така че тялото да е максимално изваяно.
Таван Сикстинска капеласам го е рисувал. Въпреки че това са няколкостотин цифри! Той дори не позволи на никого да търка боя. Да, той беше самотник. Притежава хладен и свадлив характер. Но най-вече беше недоволен от... себе си.

Микеланджело. Фрагмент от фреската „Сътворението на Адам“. 1511 Сикстинската капела, Ватикана.

Микеланджело е живял дълъг живот. Преживял упадъка на Ренесанса. За него беше лична трагедия. По-късните му творби са пълни с тъга и скръб.
Изобщо творчески пътМикеланджело е уникален. Ранните му творби са прослава на човешкия герой. Свободен и смел. IN най-добрите традиции древна Гърция. Как се казва Дейвид?
През последните години от живота е така трагични образи. Умишлено грубо дялан камък. Сякаш гледаме паметници на жертвите на фашизма от 20 век. Вижте неговата Pietà.

Микеланджело. Дейвид

Микеланджело. Пиета Палестрина

Скулптури на Микеланджело в Академията изящни изкуствавъв Флоренция. Вляво: Дейвид. 1504 Вдясно: Пиета на Палестрина. 1555 г
Как е възможно? Един художник в един живот преминава през всички етапи на изкуството от Ренесанса до 20 век. Какво да правя бъдещи поколения? Е, върви по своя път. Осъзнавайки, че летвата е поставена много високо.

5. Рафаел (1483-1520)

Рафаел. Автопортрет. 1506 Галерия Уфици, Флоренция, Италия.

Рафаел никога не е бил забравен. Неговият гений винаги е бил признат. И през живота. И след смъртта.
Героите му са надарени с чувствена, лирична красота. Неговите мадони с право се смятат за най-красивите женски образисъздавани някога. Техен външна красотаотразява и духовна красотагероини. Тяхната кротост. Тяхната саможертва.

Рафаел. Сикстинската мадона. 1513 Галерия на старите майстори, Дрезден, Германия.

Фьодор Достоевски каза известните думи „Красотата ще спаси света“ специално за Сикстинската Мадона. Това беше любимата му картина.
Сетивните образи обаче не са единствените силна странаРафаел. Той много внимателно обмисляше композициите на своите картини. Той беше ненадминат архитект в живописта. Освен това той винаги намираше най-простото и хармонично решение в организирането на пространството. Изглежда, че не може да бъде по друг начин.

Рафаел. Атинско училище. 1509-1511 Фреска в строфите на Апостолическия дворец, Ватикана.

Рафаел е живял само 37 години. Той почина внезапно. От настинка и лекарска грешка. Но неговото наследство е трудно да се надцени. Много художници идолизираха този майстор. Умножавайки чувствените си образи в хиляди свои платна.

6. Тициан (1488-1576).

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562 Музей Прадо, Мадрид.

Тициан беше ненадминат колорист. Експериментира много и с композицията. Като цяло той беше смел и блестящ новатор.
Всички го обичаха заради този блясък на таланта му. Наричан „Кралят на художниците и Художникът на кралете“.
Говорейки за Тициан, след всяко изречение искам да сложа Удивителен знак. В края на краищата той внесе динамика в живописта. Патос. Ентусиазъм. Ярък цвят. Блясък от цветове.

Тициан. Възнесение на Мария. 1515-1518 Църква Санта Мария Глориози дей Фрари, Венеция.

До края на живота си той се разви необичайна техникаписма. Ударите са бързи. Дебела. Пасти. Нанасях боята или с четка, или с пръсти. Това прави изображенията още по-живи и дишащи. А сюжетите са още по-динамични и драматични.

Тициан. Таркин и Лукреция. 1571 Музей Фицуилям, Кеймбридж, Англия.

Това не ви ли напомня за нищо? Разбира се, това е техниката на Рубенс. И техниката на художниците от 19 век: барбизонци и импресионисти. Тициан, подобно на Микеланджело, ще премине през 500 години рисуване в един живот. Ето защо той е гений.

***
Ренесансовите художници са художници с големи познания. За да оставиш такова наследство, трябва да знаеш много. В областта на историята, астрологията, физиката и т.н.
Затова всяко тяхно изображение ни кара да се замислим. Защо е изобразено това? Какво е криптираното съобщение тук?
Следователно те почти никога не са допускали грешки. Защото са обмислили добре бъдещата си работа. Използвайки всичките си знания.
Те бяха повече от артисти. Те са били философи. Обяснявайки ни света чрез рисуване.
Ето защо те винаги ще бъдат дълбоко интересни за нас.

Народите на Европа се стремят да възродят съкровищата и традициите, изгубени поради безкрайните войни на изтребление. Войните отнеха хората и великите неща, които хората създадоха от лицето на земята. Идеята за възраждане на високата цивилизация древен святдава живот на философията, литературата, музиката, възхода на природните науки и най-вече разцвета на изкуството. Епохата изисква силни, образовани хора, които не се страхуват от никаква работа. Именно в тяхната среда стана възможно появата на онези няколко гении, които се наричат ​​„титани на Ренесанса“. Точно онези, които наричаме само по име.

Ренесансът е предимно италиански. Ето защо не е изненадващо, че именно в Италия изкуството достига своя най-висок възход и разцвет през този период. Именно тук има десетки имена на титани, гении, велики и просто талантливи художници.

МУЗИКА НА ЛЕОНАРДО.

Какъв късметлия! – ще кажат мнозина за него. Той беше надарен с рядко здраве, красив, висок и със сини очи. В младостта си носеше руси къдрици, гордият му външен вид приличаше на Свети Георги на Донател. Имаше нечувана и смела сила и мъжка доблест. Той пееше страхотно и композираше мелодии и стихотворения пред публиката. Играна на всяка музикален инструментНещо повече, той сам ги е създал.

За изкуството на Леонардо да Винчи съвременници и потомци никога не са намирали други определения освен „блестящо“, „божествено“ и „велико“. Същите думи се отнасят и за научните му откровения: изобретил е танк, багер, хеликоптер, подводница, парашут, автоматично оръжие, водолазен шлем, асансьор, решил най-трудните проблемиакустика, ботаника, медицина, космография, създал проект за кръгъл театър, изобретил часовниково махало век по-рано от Галилей, начертал сегашните водни ски, развил теорията на механиката.

Какъв късметлия! - ще кажат мнозина за него и ще започнат да си спомнят любимите му принцове и крале, които са търсили запознанство с него, представления и празници, които той е измислял като художник, драматург, актьор, архитект и им се е забавлявал като дете.

Дали обаче беше щастлив неудържимият столетник Леонардо, чийто всеки ден даряваше на хората и света видения и прозрения? Той предвиди ужасната съдба на своите творения: унищожаването на Тайната вечеря, разстрела на паметника на Франческа Сфорца, ниската търговия и подлите кражби на неговите дневници и работни книги. Общо само шестнадесет картини са оцелели до днес. Малко скулптури. Но имаше много рисунки, кодирани рисунки: като героите на съвременната научна фантастика, той промени детайл в своя дизайн, сякаш за да не може друг да го използва.

Леонардо да Винчи е работил в различни видовеи жанрове на изкуството, но най-голяма слава му носи живописта.

Една от най-ранните картини на Леонардо е Мадоната на цветето или Мадона Беноа" Вече тук художникът действа като истински новатор. Той преодолява рамките на традиционния сюжет и придава на образа по-широк, универсален смисъл, каквито са майчината радост и любов. В тази работа бяха ясно проявени много характеристики на изкуството на художника: ясна композиция от фигури и обем на формите, желание за краткост и обобщение, психологическа изразителност.

Продължението на започнатата тема беше картината „Мадона Лита“, където ясно беше демонстрирана друга характеристика на творчеството на художника - игра на контрасти. Завършването на темата беше картината „Мадона в пещерата“, която отбеляза идеалното композиционно решение, благодарение на което изобразените фигури на Мадоната, Христос и ангелите се сливат с пейзажа в едно цяло, надарено със спокоен баланс и хармония .

Един от върховете на творчеството на Леонардо е фреската " Тайната вечеря„в трапезарията на манастира Санта Мария Дела Грацие. Тази работа е не само невероятна обща композиция, но и точност. Леонардо не просто предава психологическо състояниеапостоли, но прави това в момента, когато достигне критична точка, превръща се в психологически взрив и конфликт. Този взрив е предизвикан от думите на Христос: „Един от вас ще Ме предаде. В тази работа Леонардо използва напълно техниката на специфично сравнение на фигури, благодарение на което всеки герой се явява като уникална индивидуалност и личност.

Вторият връх на творчеството на Леонард беше известен портретМона Лиза или Джоконда. Тази творба бележи началото на жанра психологически портрет V европейско изкуство. При създаването му Голям майсторбрилянтно използва целия арсенал от инструменти артистичен израз: резки контрасти и меки полутонове, замръзнала неподвижност и обща плавност и променливост, фини психологически нюанси и преходи. Целият гений на Леонардо се крие в удивително живия поглед на Мона Лиза, нейната тайнствена и загадъчна усмивка, мистичната мъгла, покриваща пейзажа. Това произведение е един от най-редките шедьоври на изкуството.

Всеки, който е видял "Джоконда", донесена от Лувъра в Москва, си спомня моментите на пълна глухота край това малко платно, напрежението на най-доброто в себе си. Джоконда изглеждаше като „марсианец“, представител на неизвестното - вероятно бъдещето, а не миналото човешко племе, въплъщение на хармонията, за която светът не се е уморил и никога няма да се умори да мечтае.

За него може да се каже още много. Изненадан, че това не е измислица или фантазия. Например, можете да си спомните как той предложи да преместите катедралата Сан Джовани - такава работа ни учудва, жителите на ХХ век.

Леонардо каза: " Добър художниктрябва да може да напише две основни неща: човек и представяне на неговата душа. Или това се казва за „Колумбина“ от Ермитажа в Санкт Петербург? Някои изследователи наричат ​​нея, а не платното от Лувъра, „Джоконда“.

Момче Нардо, така се казваше във Винчи: незаконен син на литературен нотариус, който смяташе птиците и конете за най-добрите създания на Земята. Любими от всички и самотни, които огъваха стоманени мечове и рисуваха обесени хора. Той измисли мост над Босфора и идеален град, по-красив от тези на Корбюзие и Нимайер. Той пееше с мек баритон и караше Мона Лиза да се усмихва. В един от последните си тетрадки този късметлия пише: „Струваше ми се, че се уча да живея, но се учех да умирам“. След това обаче той го обобщи: „Добре изживеният живот е дълъг живот.“

Възможно ли е да не се съгласим с Леонардо?

САНДРО БОТИЧЕЛИ.

Сандро Ботичели е роден във Флоренция през 1445 г. в семейството на кожар.

Първото оригинално произведение на Ботичели се счита за „Поклонението на маговете“ (около 1740 г.), където основните свойства на оригиналния му маниер - мечтателност и фина поезия - вече са напълно отразени. Той беше надарен с вродено чувство за поезия, но ясна нотка на съзерцателна тъга минаваше през него буквално във всичко. Дори Свети Севастиан, измъчван от стрелите на своите мъчители, изглежда замислен и откъснат от него.

В края на 1470-те години Ботичели се сближава с кръга на фактическия владетел на Флоренция Лоренцо Медичи, наричан Великолепния. В луксозните градини на Лоренцо се събра общество от хора, вероятно най-просветените и талантливи във Флоренция. Там е имало философи, поети и музиканти. Цареше атмосфера на възхищение от красотата и се оценяваше не само красотата на изкуството, но и красотата на живота. Прототипът на идеалното изкуство и идеален животАнтичността беше разгледана, възприемана обаче през призмата на по-късни философски пластове. Без съмнение, под влияние на тази атмосфера първият голяма картинаБотичели "Примавера (Пролет)". Това е съновидна, изящна, невероятно красива алегория на вечния цикъл, постоянна актуализацияприрода. Тя е проникната от най-сложните и причудливи музикален ритъм. Фигурата на Флора, украсена с цветя, танцови грациив райската градина те представляваха образи на красота, които все още не бяха виждани по това време и поради това направиха особено завладяващо впечатление. Младият Ботичели веднага заема видно място сред майсторите на своето време.

Високата репутация на младия художник му осигурява поръчка за библейски фрески за Сикстинската капела във Ватикана, която той създава в началото на 1480 г. в Рим. Той пише „Сцени от живота на Моисей“, „Наказанието на Корей, Датан и Авирон“, демонстрирайки удивително композиционно майсторство. Класическото спокойствие на старинните сгради, на фона на които Ботичели развива действието, контрастира рязко с драматичния ритъм на изобразените герои и страсти; движението на човешките тела е сложно, объркващо, наситено с експлозивна сила; създава впечатление за разтърсваща хармония, беззащитност видим святпред бързия натиск на времето и човешката воля. Стенописите на Сикстинската капела за първи път изразиха дълбокото безпокойство, което живееше в душата на Ботичели, което се засили с времето. Същите тези фрески показват удивителния талант на Ботичели като портретист: всяко от многото изрисувани лица е напълно оригинално, уникално и незабравимо...

През 1480-те години, завръщайки се във Флоренция, Ботичели продължава да работи неуморно, но спокойната яснота на Примера вече е далеч зад гърба му. В средата на десетилетието той написва знаменитото си „Раждането на Венера“. Изследователите отбелязват в по-късни работимайстори на морализъм и религиозна екзалтация, необичайни за него преди.

Може би по-значимо от късно рисуване, Рисунките на Ботичели от 90-те - илюстрации за “ Божествена комедия» Данте. Рисува с явна и неприкрита наслада; Визиите на великия поет са предадени с любов и внимание чрез съвършените пропорции на многобройни фигури, обмислена организация на пространството, неизчерпаема находчивост в търсене на визуални еквиваленти на поетичното слово...

Въпреки всякакви душевни бури и кризи, Ботичели остава велик художник, майстор на своето изкуство до самия край (умира през 1510 г.). За това ясно свидетелства благородната скулптура на лицето в „Портрет млад мъж“, изразителна характеристика на модела, не оставяща никакво съмнение за неговата висока човешко достойнство, солидната рисунка на майстора и приятелския му поглед.

Ренесансът започва в Италия. Придобива името си поради драматичния интелектуален и артистичен разцвет, който започва през 14 век и оказва силно влияние върху европейското общество и култура. Ренесансът се изразява не само в картините, но и в архитектурата, скулптурата и литературата. Най-видните представители на Ренесанса са Леонардо да Винчи, Ботичели, Тициан, Микеланджело и Рафаело.

В тези времена основна целхудожниците имаха реалистично изображение на човешкото тяло, така че те рисуваха главно хора и изобразяваха различни религиозни теми. Изобретен е и принципът на перспективата, който отваря нови възможности за художниците.

Флоренция става център на Ренесанса, Венеция заема второ място, а по-късно, по-близо до 16 век, Рим.

Леонардо ни е познат като талантлив художник, скулптор, учен, инженер и архитект от Ренесанса. ПовечетоПрез целия си живот Леонардо работи във Флоренция, където създава много шедьоври, известни по целия свят. Сред тях: „Мона Лиза“ (известна още като „Джоконда“), „Дамата с хермелин“, „Беноа Мадона“, „Йоан Кръстител“ и „Св. Анна с Мария и Младенеца Христос."

Този артист е разпознаваем благодарение на уникалния стил, който е изградил през годините. Рисува и стените на Сикстинската капела по лична молба на папа Сикст IV. Ботичели пише известни картини на митологични теми. Такива картини включват „Пролет“, „Палас и кентавърът“, „Раждането на Венера“.

Тициан е ръководител на флорентинската школа на художниците. След смъртта на своя учител Белини Тициан става официалният, общопризнат художник на Венецианската република. Този художник е известен със своите портрети на религиозни теми: „Възнесението на Мария“, „Даная“, „Земна любов и небесна любов“.

Италианският поет, скулптор, архитект и художник е нарисувал много шедьоври, от които - известна статуя"Давид" от мрамор. Тази статуя се превърна в основна атракция във Флоренция. Микеланджело рисува свода на Сикстинската капела във Ватикана, което е голяма поръчка от папа Юлий II. През периода на своето творчество той обръща повече внимание на архитектурата, но ни дава „Разпятието на Св. Петър“, „Погребване“, „Сътворението на Адам“, „Предсказател“.

Творчеството му се формира под голямото влияние на Леонардо да Винчи и Микеланджело, благодарение на които придобива безценен опит и умения. Рисува парадните стаи във Ватикана, представляващи човешка дейности изобразяващи различни сцени от Библията. Между известни картиниРафаел - „Сикстинската мадона“, „Трите грации“, „Свети Михаил и дяволът“.

Иван Сергеевич Церегородцев

Безспорно постижение на Ренесанса е геометрично правилният дизайн на картината. Художникът изгражда образа с помощта на разработените от него техники. Основното за художниците от онова време е да поддържат пропорциите на предметите. Дори природата попадна под математическите техники за изчисляване на пропорционалността на изображението с други обекти в картината.

С други думи, художниците през Ренесанса се стремят да предадат точен образ, например на човек на фона на природата. Ако го сравним със съвременните техники за пресъздаване на видяно изображение върху някакво платно, тогава най-вероятно фотографията с последващи корекции ще помогне да се разбере към какво са се стремили ренесансовите художници.

Ренесансовите художници вярвали, че имат право да коригират недостатъците на природата, тоест, ако човек имаше грозни черти на лицето, художниците ги коригираха по такъв начин, че лицето да стане сладко и привлекателно.

Леонардо да Винчи

Ренесансът стана такъв благодарение на мнозина творчески личностикоито са живели по това време. Световноизвестният Леонардо да Винчи (1452 - 1519) създава огромен брой шедьоври, чиято цена възлиза на милиони долари, а ценителите на неговото изкуство са готови да съзерцават неговите картини дълго време.

Леонардо започва обучението си във Флоренция. Първата му картина, нарисувана около 1478 г., е „Беноа Мадона“. Тогава имаше такива творения като „Мадона в пещерата“, „Мона Лиза“, гореспоменатата „Тайната вечеря“ и множество други шедьоври, написани от ръката на титан на Ренесанса.

Строгостта на геометричните пропорции и точното възпроизвеждане на анатомичната структура на човек - това е, което характеризира картините на Леонард да Винчи. Според неговите убеждения изкуството да се изобразяват определени образи върху платно е наука, а не просто някакво хоби.

Рафаел Санти

Рафаел Санти (1483 - 1520), известен в света на изкуството като Рафаело, създава творбите си в Италия. Картините му са пропити с лиризъм и изящество. Рафаело е представител на Ренесанса, който изобразява човека и неговото съществуване на земята и обича да рисува стените на ватиканските катедрали.

Картините предават единството на фигурите, пропорционалното съответствие на пространството и образите и благозвучието на цвета. Чистотата на Девата е в основата на много от картините на Рафаело. Първото му изображение на Дева Мария е Сикстинската Мадона, която е нарисувана от известния художник през 1513 г. Портретите, създадени от Рафаел, отразяват идеалния човешки образ.

Сандро Ботичели

Сандро Ботичели (1445 - 1510) също е ренесансов художник. Една от първите му творби е картината „Поклонението на маговете“. Тънка поезияи мечтателността са първоначалните му маниери в областта на предаването на художествени образи.

В началото на 80-те години на 15 век великият художник рисува стените на Ватиканския параклис. Стенописите, направени от неговата ръка, все още са удивителни.

С течение на времето неговите картини се характеризират със спокойствието на античните сгради, живостта на изобразените герои и хармоничността на образите. Освен това е известна страстта на Ботичели към рисунки за известни литературни произведения, което също само добави известност към творчеството му.

Микеланджело Буонароти

Микеланджело Буонароти (1475 – 1564) е италиански художник, творил и през Ренесанса. Този човек, познат на много от нас, направи всичко възможно. И скулптура, и живопис, и архитектура, а също и поезия. Микеланджело, подобно на Рафаело и Ботичели, рисува стените на ватиканските църкви. В крайна сметка само най-талантливите художници от онези времена са участвали в такава важна работа като рисуването на изображения по стените на католическите катедрали. Той трябваше да покрие повече от 600 квадратни метра от Сикстинската капела с фрески, изобразяващи различни библейски сцени. Най-известната творба в този стил ни е известна като „Страшният съд“. Смисълът на библейския разказ е изразен пълно и ясно. Такава прецизност в предаването на изображения е характерна за цялото творчество на Микеланджело.