Творчески биографии на ренесансови художници. Възраждане. Художници от ранния Ренесанс

Имената на ренесансовите художници отдавна са заобиколени от универсално признание. Много съждения и оценки за тях са се превърнали в аксиоми. И все пак критичното отношение към тях е не само право, но и задължение на историята на изкуството. Само тогава тяхното изкуство запазва истинското си значение за потомството.

Пиеро дела Франческа

Пиеро дела Франческа доскоро беше най-малко познат и признат. Правилно е отбелязано влиянието на флорентинските майстори от началото на 15 век върху Пиеро дела Франческа, както и неговото обратно влияние върху неговите съвременници и наследници, особено върху венецианската школа. Въпреки това изключителната, изключителна позиция на Пиеро дела Франческа в италианската живопис все още не е достатъчно осъзната. Предполага се, че с течение на времето признанието му само ще се увеличи.

Пиеро дела Франческа (ок. 1420-1492) италиански художник и теоретик, представител на Ранния Ренесанс

Неговата най-голяма и най-красива творба е цикъл от стенописи на тема „Историята на кръста” в Арецо (1452-1466). Работата е извършена според волята на местния търговец Бачи. Може би духовник, изпълнител на волята на починалия, е участвал в разработването на програмата. Пиеро дела Франческа разчита на т. нар. „Златна легенда“ на Й. да Вораджине. Имал е и предшественици сред художниците. Но основната идея очевидно принадлежеше на него. В него ясно прозира мъдростта, зрелостта и поетичната чувствителност на твореца.

Едва ли единственият живописен цикъл в Италия от онова време, „Историята на кръста“, има двойно значение. От една страна, тук е представено всичко, което се разказва в легендата за това как е израснало дървото, от което е направен Голготският кръст, и как по-късно се е проявила неговата чудодейна сила. Но тъй като отделните картини не са в хронологичен ред, този буквален смисъл изглежда остава на заден план. Художникът е подредил картините така, че дават представа за различни форми човешки живот: за светоотеческото - в сцената на смъртта на Адам и в пренасянето на кръста от Ираклий, за светското, придворното, градското - в сцените на Савската царица и в Намирането на кръста и накрая за военната, битка - в "Победата на Константин" и в "Победата на Ираклий". По същество Пиеро дела Франческа обхваща почти всички аспекти на живота. Неговият цикъл включва: история, легенди, живот, творчество, картини от природата и портрети на съвременници. В град Арецо, в църквата Сан Франческо, политически подчинена на Флоренция, имаше най-забележителният фресков цикъл Италиански ренесанс.

Изкуството на Пиеро дела Франческа е по-реално, отколкото идеално. В него царува разумно начало, но не и рационалност, която може да заглуши гласа на сърцето. И в това отношение Пиеро дела Франческа олицетворява най-ярките, най-плодотворните сили на Ренесанса.

Андреа Мантеня

Името на Мантеня се свързва с идеята за художник хуманист, влюбен в римските антики, въоръжен с обширни познания по антична археология. През целия си живот той служи на херцозите на Мантуа д'Есте, беше техен придворен художник, изпълняваше техните инструкции, служеше им вярно (макар че те не винаги му даваха това, което заслужаваше). Независим, отдаден на своя висок идеал за древна доблест, фанатично верен на своето желание да придаде на творбите си бижутерска прецизност. Изкуството на Мантеня е сурово, понякога жестоко и в това то се различава от изкуството на Пиеро дела Франческа и се доближава до Донатело.

Андреа Мантеня. Автопортрет в параклиса Оветари

Той прославя римската доблест, почти по-добре, отколкото самите римляни. Неговите герои са бронирани и статуи. Неговите скалисти планини са прецизно изсечени от длето на скулптор. Дори облаците, плаващи по небето, изглеждат като излети от метал. Сред тези вкаменелости и отливки действат калени в битки герои, смели, сурови, упорити, отдадени на чувството за дълг, справедливост и готови на саможертва. Хората се движат свободно в пространството, но, подреждайки се в редица, образуват подобие на каменни релефи. Този свят на Мантеня не омагьосва окото, той смразява сърцето. Но не може да не се признае, че тя е създадена от духовния импулс на художника. И затова решаващо значение тук имаше хуманистичната ерудиция на художника, не съветите на неговите учени приятели, а мощното му въображение, неговата страст, обвързана с воля и уверено умение.

Пред нас е едно от значимите явления в историята на изкуството: великите майстори със силата на своята интуиция застават в една линия с далечните си предци и постигат това, което не са успели по-късните художници, изучаващи миналото, но неспособни да се равняват на тях.

Сандро Ботичели

Ботичели е открит от английските прерафаелити. Въпреки това, дори в началото на 20-ти век, с цялото възхищение от таланта му, те не му „простиха“ за отклонения от общоприетите правила - перспектива, светлосенки, анатомия. Впоследствие беше решено, че Ботичели се е върнал към готиката. Вулгарната социология обобщава своето обяснение за това: „феодалната реакция“ във Флоренция. Иконологичните интерпретации установяват връзките на Ботичели с кръга на флорентинските неоплатонисти, особено очевидни в неговите известни картини „Пролет“ и „Раждането на Венера“.

Автопортрет на Сандро Ботичели, фрагмент от олтарната композиция "Поклонението на маговете" (около 1475 г.)

Четейки съвременните научни коментари за тази картина, е трудно да се повярва, че самият художник е могъл да навлезе толкова дълбоко в митологичния сюжет, за да стигне до всякакви тънкости в интерпретацията на фигури, които дори и днес не могат да бъдат разбрани с един поглед , но в старите времена, очевидно, са били разбрани само в чашата на Медичите. По-вероятно е те да са били предложени на художника от някой ерудит и той е успял да постигне факта, че художникът е започнал да превежда словесната последователност междуредово във визуалната. Най-възхитителното в картината на Ботичели са отделните фигури и групи, особено групата на Трите грации. Въпреки факта, че е бил възпроизвеждан безкраен брой пъти, той не е загубил своя чар и до днес. Всеки път, когато я видите, изпитвате нов пристъп на възхищение. Наистина, Ботичели успя да комуникира със своите създания вечна младост. Един от учените коментатори на картината предполага, че танцът на грациите изразява идеята за хармония и раздор, за които флорентинските неоплатоници често говорят.

Ботичели притежава ненадминати илюстрации към Божествената комедия. Всеки, който е виждал неговите листове, неизменно ще ги помни, когато чете Данте. Той, като никой друг, е пропит с духа на поемата на Данте. Някои от рисунките към Данте имат характер на точен графичен надпис към поемата. Но най-красиви са тези, в които художникът измисля и композира в духа на Данте. Това са най-често срещаните сред илюстрациите на небето. Изглежда, че рисуването на рая е било най-трудното нещо за ренесансовите художници, които толкова обичат уханната земя и всичко човешко. Ботичели не се отказва от ренесансовата перспектива, пространствените впечатления в зависимост от ъгъла на гледане. Но в рая той се издига до пренасянето на неперспективната същност на самите предмети. Фигурите му са безтегловни, сенките изчезват. Светлината прониква през тях, пространството съществува извън земните координати. Телата се вписват в кръг като символ на небесната сфера.

Леонардо да Винчи

Леонардо е един от общопризнатите гении на Ренесанса. Мнозина го смятат за първия художник от онова време, във всеки случай името му идва на първо място, когато става въпрос за забележителните хора на Ренесанса. И затова е толкова трудно да се отклоним от обичайните мнения и да разгледаме безпристрастно неговото художествено наследство.

Автопортрет, където Леонардо се представя като стар мъдрец. Рисунката се съхранява в Кралската библиотека в Торино. 1512

Леонардо беше велик учен, проницателен мислител, писател, автор на Трактата и изобретателен инженер. Неговата всеобхватност го издига над нивото на повечето художници от онова време и в същото време му поставя трудна задача - да съчетае научно-аналитичния подход със способността на художника да вижда света и директно да се отдаде на чувството. Тази задача впоследствие занимава много художници и писатели. За Леонардо той придоби характера на неразрешим проблем.

Нека забравим за малко всичко, което ни нашепва прекрасният мит за художника-учен, и нека съдим за неговата живопис така, както съдим за живописта на други майстори от неговото време. С какво работата му се отличава от тяхната? На първо място, бдителност на визията и висока артистичност на изпълнение. Те носят отпечатъка на изящно майсторство и най-фин вкус. В картината на своя учител Верокио „Кръщението“ младият Леонардо рисува един ангел толкова възвишено и възвишено, че до него красивият ангел Верокио изглежда селски и долнопробен. През годините „естетическата аристокрация“ се засилва още повече в изкуството на Леонардо. Това не означава, че в дворовете на суверените изкуството му става придворно и придворно. Във всеки случай неговите мадони никога не могат да бъдат наречени селянки.

Той принадлежеше към същото поколение като Ботичели, но говореше неодобрително, дори подигравателно за него, смятайки го за изостанал от времето. Самият Леонардо се стреми да продължи търсенето на своите предшественици в изкуството. Не се ограничава в пространството и обема, той си поставя задачата да овладее светлинно-въздушната среда, която обгръща предметите. Това означаваше следващата стъпка в художественото разбиране реален свят, до известна степен отвори пътя за колоризма на венецианците.

Би било погрешно да се каже, че страстта му към науката пречи на художественото творчество на Леонардо. Гениалността на този човек беше толкова огромна, умението му толкова високо, че дори опитът да се „изправи до гърлото на песента му“ не можеше да убие творчеството му. Неговата дарба на художник непрекъснато пробиваше всички ограничения. Завладяващото в неговите творения е безпогрешната прецизност на погледа, яснотата на съзнанието, покорството на четката и виртуозната техника. Те ни пленяват с чара си, като мания. Всеки, който е гледал La Gioconda, си спомня колко трудно е да се откъснеш от нея. В една от залите на Лувъра, където се озовава до най-добрите шедьоври на италианската школа, тя триумфира и гордо властва над всичко, което витае около нея.

Картините на Леонардо не образуват верига, както много други художници от Ренесанса. В ранните му творби, като " Мадона Беноа", има повече топлина и спонтанност, но в него експериментът се усеща. "Обожание" в Уфици - и това е отлична основа, темпераментен, жив образ на хора, обърнати с благоговение към елегантна жена с бебе върху нея В "Мадона от скалите" ангелът, къдрокосият младеж, който гледа от картината, е очарователен, но странната идея за пренасяне на идилията в тъмнината на пещерата е отблъскваща. Тайната вечеря„Винаги съм се възхищавал на удачната характеристика на героите: нежния Йоан, суровия Петър, злодейския Юда. Но това, че толкова живи и развълнувани фигури са разположени по три, от едната страна на масата, изглежда неоправдано. конвенция, насилие срещу живата природа великият Леонардода Винчи, и тъй като той е нарисувал картината по този начин, това означава, че той я е възнамерявал по този начин и тази мистерия ще остане за векове.

Наблюдението и бдителността, към които Леонардо призовава художниците в своя Трактат, не ограничават творческите му възможности. Той съзнателно се стремеше да развихри въображението си, като гледаше стените, напукани от годините, в които зрителят можеше да си представи всякакъв сюжет. В известната уиндзорска рисунка на сангвиника „Гръмотевична буря“ на Леонардо е предадено това, което се разкрива пред погледа му от някакъв планински връх. Серия от рисунки на Уиндзор на тема Потопа е доказателство за едно наистина блестящо прозрение на художника-мислител. Художникът създава знаци, които нямат отговор, но предизвикват чувство на удивление, примесено с ужас. Рисунките са създадени от великия майстор в някакъв вид пророчески делириум. В тях всичко е казано тъмен езиквидения на Йоан.

Вътрешният раздор на Леонардо в залеза на дните му се усеща в две от творбите му: „Йоан Кръстител“ от Лувъра и автопортретът от Торино. В късния торински автопортрет художникът, достигнал дълбока старост, се оглежда в огледалото с отворен поглед иззад смръщените си вежди – той вижда в лицето му чертите на отпадналост, но вижда и мъдрост, знак за „есента на живота“.

Ренесансът е феноменално явление в историята на човечеството. Никога повече не е имало такъв блестящ изблик в областта на изкуството. Скулптори, архитекти и художници от Ренесанса (списъкът им е дълъг, но ще се докоснем до най-известните), чиито имена са известни на всички, дадоха на света безценни уникални и изключителни хора, които се показаха не в една област, а в няколко веднага.

Ранновъзрожденска живопис

Епохата на Ренесанса има относителна времева рамка. Първо, започва в Италия - 1420-1500 г. В този момент живописта и изобщо цялото изкуство не се различава много от близкото минало. Въпреки това за първи път започват да се появяват елементи, заимствани от класическата античност. И едва през следващите години скулптори, архитекти и художници от Ренесанса (чийто списък е много дълъг) бяха повлияни съвременни условияживотът и прогресивните тенденции окончателно изоставят средновековните основи. Те смело възприемат най-добрите образци на античното изкуство за своите произведения, както като цяло, така и в отделни детайли. Имената им са известни на мнозина, нека се съсредоточим върху най-известните личности.

Мазачо - геният на европейската живопис

Именно той направи огромен принос за развитието на живописта, превръщайки се в велик реформатор. Флорентинският майстор е роден през 1401 г. в семейство на артистични занаятчии, така че чувството за вкус и желанието да твори са в кръвта му. На 16-17 години се премества във Флоренция, където работи в работилници. Донатело и Брунелески, велики скулптори и архитекти, с право се смятат за негови учители. Комуникацията с тях и придобитите умения не можеха да не повлияят млад художник. От първия Мазачио заимства едно ново разбиране за човешката личност, характерно за скулптурата. Вторият майстор има основите. Изследователите смятат „Триптиха на Сан Джовенале“ (на първата снимка), който е открит в малка църква близо до града, където е роден Мазачио, за първата надеждна работа. Основното произведение са стенописите, посветени на живота на Свети Петър. Художникът участва в създаването на шест от тях, а именно: „Чудото на Статир“, „Изгонване от рая“, „Кръщението на Неофитите“, „Разпределение на имуществото и смъртта на Анания“, „Възкресението на сина на Теофил“. ”, „Свети Петър лекува болни със сянката си” и „Свети Петър на амвона”.

Италианските художници от Ренесанса са хора, които се посвещават изцяло на изкуството, без да обръщат внимание на обикновените ежедневни проблеми, които понякога ги водят до бедно съществуване. Мазачио не е изключение: брилянтният майстор умира много рано, на 27-28 години, оставяйки след себе си страхотни произведения и голям брой дългове.

Андреа Мантеня (1431-1506)

Това е представител на Падуанската живописна школа. Той получава основите на занаята си от осиновителя си. Стилът се формира под влиянието на творчеството на Мазачио, Андреа дел Кастаньо, Донатело и Венецианска живопис. Това определя донякъде суровия и суров маниер на Андреа Мантеня в сравнение с флорентинците. Той беше колекционер и познавач на културни произведения от античния период. Благодарение на стила си, различен от всеки друг, той се прослави като новатор. Най-много му известни произведения: „Мъртвият Христос“, „Триумфът на Цезар“, „Юдит“, „Битката на морските божества“, „Парнас“ (на снимката) и др. От 1460 г. до смъртта си той работи като придворен художник за херцозите на Гонзага.

Сандро Ботичели (1445-1510)

Ботичели е псевдоним, истинското му име е Филипепи. Не избира веднага пътя на художник, а първоначално учи бижутерско майсторство. Първо самостоятелна работа(няколко Мадони) се усеща влиянието на Мазачо и Липи. По-късно той също си създава име като портретист; по-голямата част от поръчките идват от Флоренция. Изтънченият и изтънчен характер на творбите му с елементи на стилизация (обобщаване на образите с помощта на конвенционални техники - простота на формата, цвета, обема) го отличава от другите майстори от онова време. Съвременник на Леонардо да Винчи и младия Микеланджело, той оставя ярка следа в световното изкуство („Раждането на Венера“ (снимка), „Пролет“, „Поклонението на влъхвите“, „Венера и Марс“, „Коледа“ и т.н.). Живописта му е искрена и чувствителна, а жизненият му път е сложен и трагичен. Романтичното възприемане на света в млада възраст отстъпи място на мистицизма и религиозната екзалтация в зряла възраст. Последните години от живота си Сандро Ботичели живее в бедност и забрава.

Пиеро (Пиетро) дела Франческа (1420-1492)

Италиански художник и друг представител на ранния Ренесанс, произхождащ от Тоскана. Стилът на автора се формира под влиянието на флорентинската живописна школа. В допълнение към таланта си на художник, Пиеро дела Франческа имаше изключителни способности в областта на математиката и последните годинипосвети живота си на нея, опитвайки се да я свърже с високо изкуство. Резултатът е два научни трактата: „За перспективата в живописта“ и „Книгата на петте правилни тела“. Стилът му се отличава с тържественост, хармония и благородство на образите, композиционна уравновесеност, прецизност на линиите и конструкцията, мека цветова гама. Пиеро дела Франческа притежава удивителни познания за техническата страна на живописта и особеностите на перспективата за онова време, което му печели висок авторитет сред съвременниците му. Най-известните произведения: „Историята на Савската царица“, „Бичуването на Христос“ (на снимката), „Олтарът на Монтефелтро“ и др.

Висока ренесансова живопис

Ако Проторенесанса и ранна ерапродължи почти век и половина и съответно век, то този период обхваща само няколко десетилетия (в Италия от 1500 до 1527 г.). Това беше ярка, ослепителна светкавица, която даде на света цяла плеяда от велики, многостранни и брилянтни хора. Всички клонове на изкуството вървят ръка за ръка, така че много майстори са били и учени, скулптори, изобретатели, а не само художници от Ренесанса. Списъкът е дълъг, но върхът на Ренесанса е белязан от творчеството на Л. да Винчи, М. Буанароти и Р. Санти.

Необикновеният гений на Да Винчи

Може би това е най-необикновената и изключителна личност в историята на света. художествена култура. Той беше универсален човек в пълния смисъл на думата и притежаваше най-многостранни знания и таланти. Художник, скулптор, теоретик на изкуството, математик, архитект, анатом, астроном, физик и инженер – всичко това е за него. Освен това във всяка една от областите Леонардо да Винчи (1452-1519) се доказва като новатор. До наши дни са оцелели само 15 негови картини, както и много скици. Притежавайки зашеметяващ жизнена енергияи жажда за знания, той беше нетърпелив, той беше очарован от самия процес на познание. На много млада възраст (20 години) той се квалифицира като майстор на Гилдията на Свети Лука. Най-много му най-важните произведениястоманена фреска „Тайната вечеря“, картини „Мона Лиза“, „Беноа Мадона“ (на снимката горе), „Дама с хермелин“ и др.

Рядко се срещат портрети на ренесансови художници. Предпочитаха да оставят образите си в картини с много лица. По този начин споровете около автопортрета на да Винчи (на снимката) продължават и до днес. Има версии, че го е направил на 60 години. Според биографа, художник и писател Вазари, великият майстор умира в ръцете на своя близък приятел крал Франциск I в неговия замък Кло-Люсе.

Рафаел Санти (1483-1520)

Художник и архитект, родом от Урбино. Името му в изкуството неизменно се свързва с идеята за възвишена красота и природна хармония. За един сравнително кратък живот (37 години) той създава много световноизвестни картини, фрески и портрети. Сюжетите, които изобразява, са много разнообразни, но винаги го привлича образът на Богородица. Напълно основателно Рафаело е наричан „майсторът на мадоните”, особено на тези, които е рисувал в Рим. Той работи във Ватикана от 1508 г. до края на живота си като официален художник в папския двор.

Всестранно надарен, подобно на много други велики художници от епохата на Ренесанса, Рафаело също е бил архитект и също е участвал в археологически разкопки. Според една от версиите последното хоби е пряко свързано с преждевременната смърт. Предполага се, че се е заразил с римска треска при разкопките. Великият майстор е погребан в Пантеона. Снимката е негов автопортрет.

Микеланджело Буоанароти (1475-1564)

Дългият 70-годишен мъж беше светъл, той остави на потомците нетленни творения не само на живописта, но и на скулптурата. Подобно на други велики ренесансови художници, Микеланджело живее във време, изпълнено с исторически събития и катаклизми. Неговото изкуство е прекрасна финална нотка на целия Ренесанс.

Майсторът поставя скулптурата над всички други изкуства, но по волята на съдбата се превръща в изключителен художник и архитект. Най-амбициозната му и необикновена творба е картината (на снимката) в двореца във Ватикана. Площта на фреската надхвърля 600 квадратни метраи съдържа 300 човешки фигури. Най-впечатляваща и позната е сцената на Страшния съд.

Италианските ренесансови художници притежават многостранни таланти. Така че малко хора знаят, че Микеланджело е бил и отличен поет. Тази страна на неговия гений се проявява напълно към края на живота му. До днес са оцелели около 300 стихотворения.

Късноренесансова живопис

Последният период обхваща периода от 1530 г. до 1590-1620 г. Според Енциклопедия Британика, Ренесансът като исторически период завършва с падането на Рим през 1527 г. Приблизително по същото време през Южна ЕвропаКонтрареформацията триумфира. Католическото движение гледаше с повишено внимание на всяко свободомислие, включително възхвалата на красотата на човешкото тяло и възкресяването на изкуството от древния период - тоест всичко, което беше стълбът на Ренесанса. Това доведе до едно особено движение - маниеризъм, характеризиращо се със загуба на хармония на духовното и физическото, на човека и природата. Но дори и през този труден период някои известни ренесансови художници създават своите шедьоври. Сред тях са Антонио да Кореджо (считан за основател на класицизма и паладианството) и Тициан.

Тициан Вечелио (1488-1490 - 1676)

Той с право се смята за титан на Ренесанса, заедно с Микеланджело, Рафаело и да Винчи. Още преди да навърши 30 години, Тициан си спечелва репутацията на „цар на художниците и художник на царете“. Художникът рисува предимно картини на митологични и библейски теми, освен това се прославя като отличен портретист. Съвременниците вярвали, че да бъдеш пленен от четката на велик майстор означава да получиш безсмъртие. И това е вярно. Поръчките до Тициан идват от най-уважаваните и благородни личности: папи, крале, кардинали и херцози. Ето само някои от най-известните му творби: „Венера от Урбино“, „Изнасилването на Европа“ (на снимката), „Носене на кръста“, „Корона от тръни“, „Мадона от Пезаро“, „Жена с огледало“ “, и т.н.

Нищо не се повтаря два пъти. Епохата на Ренесанса дава на човечеството блестящи, необикновени личности. Имената им са включени в световна историяизкуство със златни букви. Архитекти и скулптори, писатели и художници от Ренесанса - списъкът е много дълъг. Докоснахме се само до титаните, създали историята и донесли идеите на просвещението и хуманизма на света.

Възраждане (Ренесанс). Италия. 15-16 век. Ранен капитализъм. Страната се управлява от богати банкери. Интересуват се от изкуство и наука.
Богатите и могъщите събират около себе си талантливите и мъдрите. Поети, философи, художници и скулптори водят ежедневни разговори със своите покровители. За момент изглеждаше, че хората са управлявани от мъдреци, както иска Платон.
Спомниха си древните римляни и гърци. Който също изгради общество на свободни граждани. Къде основна стойност- човек (без да броим робите, разбира се).
Ренесансът не е просто копиране на изкуството на древните цивилизации. Това е смес. Митология и християнство. Реализъм на природата и искреност на образите. Физическа красота и духовна красота.
Беше просто проблясък. Точка Висок Ренесанс- това са около 30 години! От 1490-те до 1527 г От началото на разцвета на творчеството на Леонардо. Преди разграбването на Рим.

Мираж идеален святбързо избледня. Италия се оказа твърде крехка. Скоро тя била поробена от друг диктатор.
Но тези 30 години определят основните характеристики на европейската живопис за 500 години напред! До импресионисти.
Реализъм на изображението. Антропоцентризъм (когато човек е главният герой и герой). Линейна перспектива. Маслени бои. Портрет. Пейзаж…
Невероятно, но за тези 30 години те създадоха няколко брилянтни майстори. Които в друго време се раждат веднъж на 1000 години.
Леонардо, Микеланджело, Рафаело и Тициан са титаните на Ренесанса. Но не можем да не споменем и двамата им предшественици. Джото и Мазачио. Без които нямаше да има Ренесанс.

1. Джото (1267-1337)

Паоло Учело. Джото да Бондони. Фрагмент от картината „Петимата майстори на флорентинския Ренесанс“. Началото на 16 век. Лувър, Париж.

14 век Проторенесанс. Главният й герой е Джото. Това е майстор, който сам направи революция в изкуството. 200 години преди Високия Ренесанс. Ако не беше той, едва ли щеше да настъпи ерата, с която човечеството толкова се гордее.
Преди Джото е имало икони и фрески. Създадени са според византийските канони. Лица вместо лица. Плоски фигури. Неспазване на пропорциите. Вместо пейзаж има златен фон. Като например тази икона.

Гуидо да Сиена. Поклонение на влъхвите. 1275-1280 Алтенбург, музей Линденау, Германия.

И изведнъж се появяват фрески от Джото. Имат обемни фигури. Лицата на благородни хора. тъжно Жален. Изненадан. Стари и млади. различни.

Джото. Оплакването на Христос. Фрагмент

Джото. Целувката на Юда. Фрагмент

Джото. Света Ана

Фрески от Джото в църквата Скровени в Падуа (1302-1305). Вляво: Оплакването на Христос. В средата: Целувката на Юда (фрагмент). Вдясно: Благовещение на св. Анна (Майка Богородица), фрагмент.
Основната работа на Джото е цикълът от неговите стенописи в параклиса Скровени в Падуа. Когато тази църква се отвори за енориаши, тълпи от хора се изляха в нея. Защото никога не са виждали подобно нещо.
В крайна сметка Джото направи нещо безпрецедентно. Сякаш превеждаше библейски истории на прост, разбираем език. И станаха много по-достъпни за обикновените хора.

Джото. Поклонение на влъхвите. 1303-1305 Фреска в параклиса Скровени в Падуа, Италия.

Точно това ще бъде характерно за много майстори на Ренесанса. Лаконични изображения. Живи емоции на героите. Реализъм.
Между иконата и реализма на Ренесанса."
Джото беше възхитен. Но неговите иновации не бяха доразвити. Модата на международната готика дойде в Италия.
Само след 100 години ще се появи майстор, достоен наследник на Джото.
2. Мазачо (1401-1428)

Мазачио. Автопортрет (фрагмент от фреската „Св. Петър на амвона”). 1425-1427 Параклис Бранкачи в църквата Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия.

Началото на 15 век. Така нареченият Ранен Ренесанс. Още един новатор навлиза на сцената.
Masaccio е първият художник, който използва линейна перспектива. Той е проектиран от неговия приятел, архитекта Брунелески. Сега изобразеният свят е станал подобен на реалния. Архитектурата на играчките е нещо от миналото.

Мазачио. Свети Петър лекува със сянката си. 1425-1427 Параклис Бранкачи в църквата Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия.

Той възприема реализма на Джото. Въпреки това, за разлика от своя предшественик, той вече познаваше добре анатомията.
Вместо блокови герои, Джото има красиво изградени хора. Също като древните гърци.

Мазачио. Кръщение на неофитите. 1426-1427 Параклис Бранкачи, църква Санта Мария дел Кармине във Флоренция, Италия.

Мазачио. Изгонване от рая. 1426-1427 Фреска в параклиса Бранкачи, църквата Санта Мария дел Кармине, Флоренция, Италия.

Мазачо живя кратък живот. Той умря, подобно на баща си, неочаквано. На 27 години.
Той обаче имаше много последователи. майстори следващите поколенияотиде в параклиса Бранкачи, за да учи от стенописите му.
Така иновациите на Мазачио са възприети от всички велики титани на Високия Ренесанс.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 Кралска библиотека в Торино, Италия.

Леонардо да Винчи е един от титаните на Ренесанса. Което оказа огромно влияние върху развитието на живописта.
Именно той повиши статуса на самия художник. Благодарение на него представителите на тази професия вече не са просто занаятчии. Това са творци и аристократи на духа.
Леонардо прави пробив предимно в портрета.
Той вярваше, че нищо не трябва да отвлича вниманието от основния образ. Погледът не трябва да се лута от един детайл към друг. Ето как неговата известни портрети. Лаконичен. Хармонично.

Леонардо да Винчи. Дама с хермелин. 1489-1490 Музей Черториски, Краков.

Основната иновация на Леонардо е, че той е открил начин да направи образите... оживени.
Преди него героите в портретите изглеждаха като манекени. Линиите бяха ясни. Всички детайли са внимателно изчертани. Нарисуваната рисунка не може да е жива.
Но тогава Леонардо изобретил метода сфумато. Той засенчи линиите. Направи прехода от светлина към сянка много мек. Героите му сякаш са покрити с едва забележима мъгла. Героите оживяха.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519 Лувър, Париж.

Оттогава сфумато ще бъде включено в активния речник на всички велики творци на бъдещето.
Често има мнение, че Леонардо, разбира се, е гений. Но той не знаеше как да завърши нищо. И често не завършвах картини. И много от проектите му останаха на хартия (между другото в 24 тома). И като цяло той беше хвърлен или в медицината, или в музиката. А по едно време дори се интересувах от изкуството на сервирането.
Все пак помислете сами. 19 картини. И той е най-великият артист на всички времена. А някои дори не са близо до величието. В същото време, като е нарисувал 6000 платна през живота си. Очевидно е кой има по-висока ефективност.

4. Микеланджело (1475-1564)

Даниеле да Волтера. Микеланджело (фрагмент). 1544 Metropolitan Museum of Art, Ню Йорк.

Микеланджело се смяташе за скулптор. Но той беше универсален майстор. Както и другите му колеги от Възраждането. Затова живописното му наследство е не по-малко грандиозно.
Той е разпознаваем преди всичко по физически развитите си характери. Защото изобразяваше съвършен човек. В която физическата красота означава духовна красота.
Ето защо всичките му герои са толкова мускулести и издръжливи. Дори жени и стари хора.

Микеланджело. Фрагмент от стенопис " Страшният съд"

Микеланджело. Фрагменти от фреската "Страшният съд" в Сикстинската капела, Ватикана.
Микеланджело често рисува героя гол. И тогава добави дрехи отгоре. Така че тялото да е максимално изваяно.
Той сам рисува тавана на Сикстинската капела. Въпреки че това са няколкостотин цифри! Той дори не позволи на никого да търка боя. Да, той беше самотник. Притежава хладен и свадлив характер. Но най-вече беше недоволен от... себе си.

Микеланджело. Фрагмент от фреската „Сътворението на Адам“. 1511 Сикстинската капела, Ватикана.

Микеланджело е живял дълъг живот. Преживял упадъка на Ренесанса. За него беше лична трагедия. По-късните му творби са пълни с тъга и скръб.
Като цяло творческият път на Микеланджело е уникален. Ранните му творби са прослава на човешкия герой. Свободен и смел. IN най-добрите традициидревна Гърция. Как се казва Дейвид?
В последните години от живота това са трагични образи. Умишлено грубо дялан камък. Сякаш гледаме паметници на жертвите на фашизма от 20 век. Вижте неговата Pietà.

Микеланджело. Дейвид

Микеланджело. Пиета Палестрина

Скулптури на Микеланджело в Академията изобразително изкуствовъв Флоренция. Вляво: Дейвид. 1504 Вдясно: Пиета на Палестрина. 1555 г
Как е възможно това? Един художник в един живот преминава през всички етапи на изкуството от Ренесанса до 20 век. Какво трябва да правят следващите поколения? Е, върви по своя път. Осъзнавайки, че летвата е поставена много високо.

5. Рафаел (1483-1520)

Рафаел. Автопортрет. 1506 Галерия Уфици, Флоренция, Италия.

Рафаел никога не е бил забравен. Неговият гений винаги е бил признат. И през живота. И след смъртта.
Героите му са надарени с чувствена, лирична красота. Именно неговите мадони с право се смятат за най-красивите женски образи, създавани някога. Тяхната външна красотаотразява духовната красота на героините. Тяхната кротост. Тяхната саможертва.

Рафаел. Сикстинската мадона. 1513 Галерия на старите майстори, Дрезден, Германия.

Фьодор Достоевски каза известните думи „Красотата ще спаси света“ специално за Сикстинската Мадона. Това беше любимата му картина.
Чувствените образи обаче не са единствената силна страна на Рафаел. Той много внимателно обмисляше композициите на своите картини. Той беше ненадминат архитект в живописта. Освен това той винаги намираше най-простото и хармонично решение в организирането на пространството. Изглежда, че не може да бъде по друг начин.

Рафаел. Атинско училище. 1509-1511 Фреска в станциите на Апостолическия дворец, Ватикана.

Рафаел е живял само 37 години. Той почина внезапно. От настинка и лекарска грешка. Но неговото наследство е трудно да се надцени. Много художници идолизираха този майстор. Умножавайки чувствените си образи в хиляди свои платна.

6. Тициан (1488-1576).

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562 Музей Прадо, Мадрид.

Тициан беше ненадминат колорист. Експериментира много и с композицията. Като цяло той беше смел и блестящ новатор.
Всички го обичаха заради блясъка на таланта му. Наричан „Кралят на художниците и Художникът на кралете“.
Говорейки за Тициан, искам да поставям удивителен знак след всяко изречение. В края на краищата той внесе динамика в живописта. Патос. Ентусиазъм. Ярък цвят. Блясък от цветове.

Тициан. Възнесение на Мария. 1515-1518 Църква Санта Мария Глориози дей Фрари, Венеция.

Към края на живота си той развива необичайна техника на писане. Ударите са бързи. Дебела. Пасти. Нанасях боята или с четка, или с пръсти. Това прави изображенията още по-живи и дишащи. А сюжетите са още по-динамични и драматични.

Тициан. Таркин и Лукреция. 1571 Музей Фицуилям, Кеймбридж, Англия.

Това не ви ли напомня за нищо? Разбира се, това е техниката на Рубенс. И техниката на художниците от 19 век: барбизонци и импресионисти. Тициан, подобно на Микеланджело, ще премине през 500 години рисуване в един живот. Ето защо той е гений.

***
Ренесансовите художници са художници с големи познания. За да оставиш такова наследство, трябва да знаеш много. В областта на историята, астрологията, физиката и т.н.
Затова всяко тяхно изображение ни кара да се замислим. Защо е изобразено това? Какво е криптираното съобщение тук?
Следователно те почти никога не са допускали грешки. Защото са обмислили добре бъдещата си работа. Използвайки цялото си знание.
Те бяха повече от артисти. Те са били философи. Обяснявайки ни света чрез рисуване.
Ето защо те винаги ще бъдат дълбоко интересни за нас.

Възраждане, който процъфтява през 15-16 век, служи като нов кръг в развитието на изкуството и по-специално на живописта. Има и френско име за тази епоха - Възраждане. Сандро Ботичели, Рафаело, Леонардо да Винчи, Тициан, Микеланджело са някои от известните имена, които представят този период от време.

Художниците от Ренесанса изобразяват героите в своите картини възможно най-точно и ясно.

Психологически контекстпървоначално не е включен в изображението. Художниците си поставят за цел да постигнат яркост в това, което изобразяват. Независимо дали динамиката на човешкото лице или детайлите на заобикалящата природа трябваше да бъдат предадени в боя възможно най-точно. С течение на времето обаче психологическият аспект става ясно видим в ренесансовите картини, например от портретите може да се направят изводи за чертите на характера на изобразения човек.

Постижение на художествената култура на Възраждането

Безспорното постижение на Ренесанса беше геометрично правилен дизайн на картината. Художникът изгражда образа с помощта на разработените от него техники. Основното за художниците от онова време е да поддържат пропорциите на предметите. Дори природата попадна под математическите техники за изчисляване на пропорционалността на изображението с други обекти в картината.

С други думи, художниците през Ренесанса се стремят да предадат точно изображение, например, човек на фона на природата. В сравнение с модерни техникипресъздавайки изображението, видяно на някакво платно, тогава най-вероятно снимка с последващи корекции ще помогне да се разбере към какво са се стремили художниците от Ренесанса.

Ренесансовите художници са вярвали, че имат правото да коригират недостатъци на природата, тоест, ако човек имаше грозни черти на лицето, художниците ги коригираха по такъв начин, че лицето да стане сладко и привлекателно.

Геометричен подходв изображенията води до нов начин за изобразяване на пространствеността. Преди да пресъздаде изображенията върху платно, художникът маркира тяхното пространствено разположение. Това правило се налага с времето сред художниците от онази епоха.

Зрителят трябваше да бъде впечатлен от образите в картините. например, Рафаелпостигна пълно съответствие с това правило, създавайки картината „Атинското училище“. Сводовете на сградата са поразителни със своята височина. Има толкова много пространство, че започвате да разбирате размера на тази структура. А изобразените мислители на античността с Платон и Аристотел в средата показват, че в древния свят е имало единство от различни философски идеи.

Сюжети на ренесансовата живопис

Ако започнете да се запознавате с ренесансовата живопис, можете да направите интересно заключение. Темите на картините са базирани главно на събития, описани в Библията. По-често художниците от онова време изобразяват истории от Новия завет. Най-популярното изображение е Богородица с младенеца- малкият Исус Христос.

Героят беше толкова жив, че хората дори се покланяха на тези изображения, въпреки че хората разбираха, че това не са икони, те се молеха на тях и молеха за помощ и защита. В допълнение към Мадоната, ренесансовите художници много обичат да пресъздават образи Исус Христос, апостоли, Йоан Кръстител, както и евангелски епизоди. например, Леонардо да Винчисъздава световноизвестната картина „Тайната вечеря“.

Защо ренесансовите художници са използвали сюжети? от Библията? Защо не са се опитали да изразят себе си, създавайки портрети на своите съвременници? Може би по този начин са се опитвали да представят обикновените хора с присъщите им черти на характера? Да, художниците от онова време се опитват да покажат на хората, че човекът е божествено същество.

Изобразявайки библейски сюжети, ренесансовите художници се опитват да изяснят, че земните прояви на човека могат да бъдат изобразени по-ясно, ако се използват библейски сюжети. Можете да разберете какво е падението, изкушението, адът или раят, ако започнете да се запознавате с творчеството на художниците от онова време. същото изображение на Мадонапредава ни красотата на жената, а също така носи разбиране за земната човешка любов.

Леонардо да Винчи

Леонардо започва обучението си във Флоренция. Първата му картина, нарисувана около 1478 г., е "Мадона Беноа". Тогава имаше такива творения като „Мадона в пещерата“, "Мона Лиза", гореспоменатата „Тайна вечеря” и куп други шедьоври, написани от ръката на титан на Ренесанса.

Строгостта на геометричните пропорции и точното възпроизвеждане на анатомичната структура на човек - това е, което характеризира картините на Леонард да Винчи. Според неговите убеждения изкуството да се изобразяват определени образи върху платно е наука, а не просто някакво хоби.

Рафаел Санти

Рафаел Санти (1483 - 1520)известен в света на изкуството като Рафаело създава творбите си в Италия. Картините му са пропити с лиризъм и изящество. Рафаело е представител на Ренесанса, който изобразява човека и неговото съществуване на земята и обича да рисува стените на ватиканските катедрали.

Картините предават единството на фигурите, пропорционалното съответствие на пространството и образите и благозвучието на цвета. Чистотата на Девата е в основата на много от картините на Рафаело. Неговият първи изображение на Дева Мария- Това Сикстинската мадона, която е рисувана от известен художник през 1513 г. Портретите, създадени от Рафаел, отразяват идеалния човешки образ.

Сандро Ботичели

Сандро Ботичели (1445 - 1510)също ренесансов художник. Една от първите му творби е картината „Поклонението на маговете“. Изтънчената поезия и мечтателност са първоначалните му маниери в областта на предаването на художествени образи.

В началото на 80-те години на 15 век великият художник рисува стените на Ватиканския параклис. Стенописите, направени от неговата ръка, все още са удивителни.

С течение на времето неговите картини се характеризират със спокойствието на античните сгради, живостта на изобразените герои и хармоничността на образите. В допълнение, страстта на Ботичели към рисунки на известни литературни произведения, което също само добави известност към работата му.

Микеланджело Буонароти

Микеланджело Буонароти (1475 - 1564)- италиански художник, творил и през Ренесанса. Този човек, познат на много от нас, направи всичко възможно. И скулптура, и живопис, и архитектура, а също и поезия.

Микеланджело, подобно на Рафаело и Ботичели, рисува стените на ватиканските църкви. В крайна сметка само най-талантливите художници от онези времена са участвали в такава важна работа като рисуването на изображения по стените на католическите катедрали.

Повече от 600 квадратни метра от Сикстинската капелатой трябваше да го покрие с фрески, изобразяващи различни библейски сцени.

Най-известната творба в този стил ни е известна като "Страшният съд". Значение библейска историяизразено пълно и ясно. Такава прецизност в предаването на изображения е характерна за цялото творчество на Микеланджело.

ВНИМАНИЕ!За всяко използване на материали от сайта е необходима активна връзка към!

В трудни времена за Италия започва краткотрайният „златен век“ на италианския Ренесанс - така нареченият Висок Ренесанс, най-висока точкаразцвет на италианското изкуство. Така Високият Ренесанс съвпада с периода на ожесточена борба на италианските градове за независимост. Изкуството на това време е проникнато от хуманизъм, вяра в творческите сили на човека, в неограничените възможности на неговите способности, в разумната структура на света, в триумфа на прогреса. В изкуството проблемите на гражданския дълг, висок нравствени качества, подвиг, образ на красива, хармонично развита, силна духом и телом, героична личност, успяла да се издигне над нивото на ежедневието. Търсенето на такъв идеал доведе изкуството до синтез, обобщение, до откриване на общи закономерности на явленията, до идентифициране на тяхната логическа връзка. Чл Висок Ренесансизоставя частностите и незначителните подробности в името на обобщения образ, в името на желанието за хармоничен синтез на красивите страни на живота. Това е една от основните разлики между Високия Ренесанс и ранния.

Леонардо да Винчи (1452-1519) е първият художник, който ясно въплъщава тази разлика. Първият учител на Леонардо е Андреа Верокио. Фигурата на ангел в картината на учителя „Кръщение” вече ясно демонстрира разликата във възприятието на художника за света от миналата епоха и новата ера: без фронтална плоскост на Verrocchio, най-финото отрязано моделиране на обема и изключителна духовност на изображението. . Изследователите датират „Мадоната с цвете“ („Беноа Мадона“, както се е наричала по-рано, по името на собствениците) до времето, когато Верокио напуска работилницата. През този период Леонардо несъмнено е бил повлиян известно време от Ботичели. От 80-те години на XV век. Оцелели са две незавършени композиции на Леонардо: „Поклонението на влъхвите“ и „Св. Джером." Вероятно в средата на 80-те години е създадена „Мадона Лита“ в древната темперна техника, в образа на която намери израз типът на Леонардо женска красота: тежки, полуспуснати клепачи и фина усмивка придават на лицето на Мадоната особена одухотвореност.

Съчетавайки научни и творчески принципи, притежавайки както логическо, така и артистично мислене, Леонардо прекарва целия си живот в научни изследвания заедно с изобразително изкуство; разсеян, той изглеждаше бавен и оставяше след себе си малко изкуство. В миланския двор Леонардо работи като художник, технически учен, изобретател, математик и анатом. Първата голяма творба, която изпълнява в Милано, е „Мадоната на скалите“ (или „Мадоната на пещерата“). Това е първата монументална олтарна композиция от Високия Ренесанс, интересна и с това, че напълно изразява чертите на стила на писане на Леонардо.

Повечето страхотна работаЛеонардо в Милано, най-високото постижение на неговото изкуство е рисуването на стената на трапезарията на манастира Санта Мария дела Грацие на тема „Тайната вечеря“ (1495-1498). Христос вътре последния пътсреща се със своите ученици на вечеря, за да им съобщи за предателството на един от тях. За Леонардо изкуството и науката съществуват неразделно. Занимавайки се с изкуство, той прави научни изследвания, експерименти, наблюдения, преминава през перспективата в областта на оптиката и физиката, през проблемите на пропорциите в анатомията и математиката и т.н. „Тайната вечеря” завършва цял етап от научната работа на художника. изследвания. Това е и нов етап в изкуството.

Леонардо отделя време от изучаване на анатомия, геометрия, укрепление, мелиорация, лингвистика, стихосложение и музика, за да работи върху „Конят“, конен паметник на Франческо Сфорца, за който той основно идва в Милано и който завършва в пълен размер в началото на 90-те години в глина. Паметникът не беше предопределен да бъде въплътен в бронз: през 1499 г. французите нахлуха в Милано и гасконските арбалетчици застреляха конния паметник. През 1499 г. започват годините на скитанията на Леонардо: Мантуа, Венеция и накрая родният град на художника Флоренция, където той рисува картона „Св. Анна с Мария в скута”, от която той създава маслена картина в Милано (където се завръща през 1506 г.)

Във Флоренция Леонардо започва друга картина: портрет на съпругата на търговеца дел Джокондо, Мона Лиза, която става една от най-известните картини в света.

Портретът на Мона Лиза Джоконда е решителна стъпка към развитието на ренесансовото изкуство

За първи път портретният жанр се изравнява с композиции на религиозни и митологични теми. Въпреки всички неоспорими физиономични прилики, портретите на Куатроченто се отличават с, ако не външно, то вътрешно ограничение. Величието на Мона Лиза е предадено само от съпоставянето на нейната подчертано обемна фигура, силно изтласкана към ръба на платното, с пейзаж с видими сякаш отдалече скали и потоци, разтапящ се, примамлив, неуловим и затова въпреки цялата реалност на мотива, фантастично.

През 1515 г. по предложение на френския крал Франциск I Леонардо заминава завинаги във Франция.

Леонардо е най-великият художник на своето време, гений, открил нови хоризонти на изкуството. Той остави малко произведения, но всяко от тях беше етап в историята на културата. Леонардо е известен и като многостранен учен. Неговата научни откритияНапример неговите изследвания в областта на самолетите представляват интерес в нашата епоха на астронавтиката. Хиляди страници от ръкописи на Леонардо, обхващащи буквално всяка област на знанието, свидетелстват за универсалността на неговия гений.

Идеи монументално изкуствоРенесансът, в който се сливат традициите на античността и духът на християнството, намира най-ярък израз в творчеството на Рафаел (1483-1520). В неговото изкуство две основни задачи намериха зряло решение: пластичното съвършенство на човешкото тяло, изразяващо вътрешната хармония на всестранно развитата личност, в което Рафаел следва античността, и сложната многофигурна композиция, която предава цялото многообразие на свят. Рафаело обогатява тези възможности, постигайки удивителна свобода в изобразяването на пространството и движението на човешката фигура в него, безупречна хармония между околната среда и човека.

Никой от ренесансовите майстори не възприема езическата същност на античността толкова дълбоко и естествено, колкото Рафаел; не напразно той се смята за художника, който най-пълно се свързва древни традициисъс западноевропейското изкуство от новата епоха.

Рафаел Санти е роден през 1483 г. в град Урбино, един от центровете на художествената култура в Италия, в двора на херцога на Урбино, в семейството на придворен художник и поет, който е първият учител на бъдещия майстор

Ранният период от творчеството на Рафаело се характеризира перфектно с малка картина под формата на тондо „Мадона Конестабиле“, със своята простота и лаконизъм на строго подбрани детайли (въпреки плахостта на композицията) и специалното, присъщо на всички Рафаело произведения, тънък лиризъм и усещане за мир. През 1500 г. Рафаел напуска Урбино за Перуджа, за да учи в работилницата на известния умбрийски художник Перуджино, под чието влияние е написана Годежът на Мария (1504). Чувството за ритъм, пропорционалност на пластичните маси, пространствени интервали, съотношение между фигури и фон, съгласуваност на основните тонове (в „Годежът” това са златисто, червено и зелено в съчетание с нежно син небесен фон) създават хармонията, която се проявява още в ранните творби на Рафаело и го отличава от художниците от предишната епоха.

През целия си живот Рафаел търси този образ в Мадоната; многобройните му творби, интерпретиращи образа на Мадоната, му спечелиха световна слава. Заслугата на художника, на първо място, е, че той успя да въплъти всички най-фини нюанси на чувствата в идеята за майчинството, да съчетае лиризма и дълбоката емоционалност с монументалното величие. Това е видимо във всичките му мадони, като се започне от младежко плахата „Мадона Конестабиле”: в „Мадона на зелените”, „Мадона със щиглицата”, „Мадона в креслото” и особено на върха на духа и умението на Рафаело. - в „Сикстинската Мадона“.

„Сикстинската Мадона“ е едно от най-съвършените произведения на Рафаело от гледна точка на езика: фигурата на Мария и Младенеца, строго очертани на фона на небето, е обединена от общ ритъм на движение с фигурите на Св. В долната част на композицията са варварите и папа Сикст II, чиито жестове са насочени към Мадоната, както и изгледите на два ангела (по-скоро типичните за Ренесанса пути). Фигурите са обединени и от общ златист цвят, сякаш олицетворяващ Божественото сияние. Но основното е видът на лицето на Мадоната, който олицетворява синтеза на античния идеал за красота с духовността на християнския идеал, който е толкова характерен за мирогледа на Високия Ренесанс.

Сикстинската Мадона е късна творба на Рафаело.

В началото на 16в. Рим става главният културен център на Италия. Изкуството на Високия Ренесанс достига най-големия си разцвет в този град, където по волята на покровителстващите папи Юлий II и Лъв X едновременно работят художници като Браманте, Микеланджело и Рафаело.

Рафаел рисува първите две строфи. В Stanza della Segnatura (стая за подписи, печати) той рисува четири фрески-алегории на основните сфери на човешката духовна дейност: философия, поезия, теология и юриспруденция („Атинската школа“, „Парнас“, „Диспута“). , „Мярка, мъдрост и сила“ „Във втората стая, наречена „Строфата на Елиодор“, Рафаело рисува фрески върху исторически и легендарни сцени, прославящи папите: „Изгонването на Елиодор“

За изкуството на Средновековието и ранния Ренесанс е обичайно да се изобразяват науките и изкуствата под формата на отделни алегорични фигури. Рафаел решава тези теми под формата на многофигурни композиции, понякога представляващи реални групови портрети, интересни както със своята индивидуализация, така и с типичност.

Студентите помагат на Рафаело и при рисуването на ватиканските лоджии, съседни на стаите на папата, изрисувани по негови скици и под негово ръководство с мотиви на древни орнаменти, извлечени главно от новооткрити антични пещери (оттук и името „гротески“).

Рафаел изпълнява произведения от различни жанрове. Дарбата му на декоратор, както и на режисьор и разказвач, се проявява напълно в серия от осем картона за гоблени за Сикстинската капела върху сцени от живота на апостолите Петър и Павел („ Прекрасен уловриба", например). Тези картини през 16-18в. служи като своеобразен еталон за класиците.

Рафаело беше и най-великият портретист на своята епоха. (“Папа Юлий II”, “Лъв X”, приятелят на художника писателят Кастильоне, красивата “Дона Велата” и др.). И в неговите портретни образи като правило преобладават вътрешното равновесие и хармония.

В края на живота си Рафаел е непропорционално натоварен с разнообразни произведения и поръчки. Дори е трудно да си представим, че всичко това може да се направи от един човек. Той беше централна фигура артистичен животРим, след смъртта на Браманте (1514 г.), той става главен архитект на катедралата Св. Петър, отговаряше за археологическите разкопки в Рим и околностите му и защитата на древните паметници.

Рафаело умира през 1520 г.; преждевременната му смърт е неочаквана за съвременниците му. Прахът му е погребан в Пантеона.

трето най-големият майсторВисокият Ренесанс - Микеланджело - далеч надживява Леонардо и Рафаело. Първата половина от него творчески пътпада по време на разцвета на изкуството на Високия Ренесанс, а вторият - по време на Контрареформацията и началото на формирането на бароковото изкуство. От блестящата плеяда художници на Високия Ренесанс Микеланджело надмина всички с богатството на своите образи, граждански патос и чувствителност към промените в обществените настроения. Оттук и творческото въплъщение на краха на ренесансовите идеи.

Микеланджело Буонароти (1475-1564) През 1488 г. във Флоренция започва внимателно да изучава античната скулптура. Неговият релеф „Битката на кентаврите” вече е произведение на Високия Ренесанс по своята вътрешна хармония. През 1496 г. младият художник заминава за Рим, където създава първите си произведения, донесли му слава: „Бакхус” и „Пиета”. Буквално заловен от образите на древността. „Пиета“ отваря цяла поредица от произведения на майстора по тази тема и го поставя сред първите скулптори на Италия.

Връщайки се във Флоренция през 1501 г., Микеланджело, от името на Синьорията, се заема да извае фигурата на Давид от мраморен блок, повреден преди него от нещастен скулптор. През 1504 г. Микеланджело завършва известна статуя, наричан от флорентинците „Гигантът” и поставен от тях пред Palazzo Vecchia, кметството. Откриването на паметника се превърна в национално тържество. Образът на Давид вдъхновява много художници от Quattrocento. Но Микеланджело го представя не като момче, както при Донатело и Верокио, а като млад мъж в разцвета на силите си, и то не след битка, с глава на великан в краката му, а преди битката, при моментът на най-високо напрежение на силата. В красивия образ на Давид, в суровото му лице, скулпторът предаде титаничната сила на страстта, непоколебимата воля, гражданската смелост и безграничната сила на свободния човек.

През 1504 г. Микеланджело (както вече беше споменато във връзка с Леонардо) започва да работи върху картината на „Залата на петстотинте“ в Палацо Синьория

През 1505 г. папа Юлий II кани Микеланджело в Рим, за да построи гробницата му, но след това отказва поръчката и поръчва по-малко грандиозна картина на тавана на Сикстинската капела във Ватиканския дворец.

Микеланджело работи сам върху рисуването на тавана на Сикстинската капела от 1508 до 1512 г., рисувайки площ от около 600 квадратни метра. m (48x13 m) на височина 18 m.

Микеланджело посвещава централната част на тавана на сцени от свещената история, започвайки от сътворението на света. Тези композиции са обрамчени от същия рисуван корниз, но създаващ илюзията за архитектура, и са разделени, също от живописни пръти. Живописните правоъгълници подчертават и обогатяват реалната архитектура на тавана. Под живописния корниз Микеланджело рисува пророци и сибили (всяка фигура е около три метра), в люнети (арки над прозорците) той изобразява епизоди от Библията и предците на Христос като обикновени хоразаети с ежедневни дейности.

Девет централни композиции разгръщат събитията от първите дни на сътворението, историята на Адам и Ева, световен потоп, и всички тези сцени всъщност са химн на присъщата му личност. Скоро след завършването на работата в Сикстин, Юлий II умира и наследниците му се връщат към идеята за надгробен камък. През 1513-1516г. Микеланджело изпълнява фигурата на Моисей и роби (пленници) за този надгробен камък. Образът на Моисей е един от най-силните в творчеството на зрелия майстор. Той влага в него мечтата на мъдър, смел водач, пълен с титанична сила, израз, волеви качества, така необходими тогава за обединението на родината му. Фигурите на роби не са включени в окончателния вариант на гробницата.

От 1520 до 1534 г. Микеланджело работи върху една от най-значимите и най-трагични скулптурни творби - върху гробницата на Медичите (флорентинската църква Сан Лоренцо), изразяваща всички преживявания, сполетели самия майстор, родния му град и целия свят. страна като цяло. От края на 20-те години Италия беше буквално разкъсана от външни и вътрешни врагове. През 1527 г. наемни войници побеждават Рим, протестанти плячкосват католически светилища вечен град. Флорентинската буржоазия сваля Медичите, които управляват отново от 1510 г.

В настроение на тежък песимизъм, в състояние на нарастваща дълбока религиозност, Микеланджело работи върху гробницата на Медичите. Самият той построява разширение към флорентинската църква Сан Лоренцо - малко, но много високо помещение, покрито с купол, и украсява две стени на сакристията (вътрешността й) със скулптурни надгробни плочи. Едната стена е украсена с фигурата на Лоренцо, противоположната с Джулиано, а долу в краката им има саркофази, украсени с алегорични скулптурни изображения - символи на бързо течащото време: „Утро” и „Вечер” в надгробната плоча на Лоренцо, „Нощ” и „Ден” в надгробния камък на Джулиано.

И двата образа - Лоренцо и Джулиано - нямат портретна прилика, което се различава от традиционните решения от 15 век.

Павел III, веднага след избирането си, започна упорито да настоява Микеланджело да изпълни този план и през 1534 г., прекъсвайки работата по гробницата, която завършва едва през 1545 г., Микеланджело заминава за Рим, където започва втората си работа в Сикстинската капела - към картината "Страшният съд" (1535-1541) - грандиозно творение, което изразява трагедията на човешкия род. Чертите на новата художествена система се проявиха още по-ясно в това произведение на Микеланджело. Творческият съд, наказващият Христос е поставен в центъра на композицията, а около него във въртеливо кръгово движение са изобразени грешници, хвърлящи се в ада, праведници, възнасящи се на небето, и мъртви, които стават от гробовете си за Божия съд. Всичко е пълно с ужас, отчаяние, гняв, объркване.

Художник, скулптор, поет, Микеланджело е бил и брилянтен архитект. Той завършва стълбището на флорентинската Лаврентианска библиотека, проектира Капитолийския площад в Рим, издига портата на Пий (Porta Pia), а от 1546 г. работи върху катедралата Св. Петър, започната от Браманте. Микеланджело притежава рисунката и чертежа на купола, който е изпълнен след смъртта на майстора и все още е една от основните доминиращи елементи в панорамата на града.

Микеланджело почина в Рим на 89 години. Тялото му е откарано през нощта във Флоренция и погребано в най-старата църква в родния му град Санта Кроче. Историческото значение на изкуството на Микеланджело, неговото въздействие върху неговите съвременници и върху следващите епохи трудно могат да бъдат надценени. Някои чуждестранни изследователи го тълкуват като първия художник и архитект на барока. Но най-вече той е интересен като носител на големите реалистични традиции на Ренесанса.

Джорджо Барбарели да Кастелфранко, по прякор Джорджоне (1477-1510), е пряк последовател на своя учител и типичен художник от Високия Ренесанс. Той е първият на венецианска земя, който се обръща към литературни теми и митологични сюжети. Пейзажът, природата и красивото голо човешко тяло стават за него предмет на изкуството и обект на поклонение.

Още в първия известна творба“Мадона от Кастелфранко” (около 1505) Джорджоне се появява като напълно утвърден художник; образът на Мадоната е изпълнен с поезия, замислена мечтателност, пронизано с онова настроение на тъга, характерно за всеки женски образиДжорджоне. През последните пет години от живота си художникът създава най-добрите си творби, изпълнени в маслена техника, основна във венецианската школа по това време. . В картината „Гръмотевичната буря“ от 1506 г. Джорджоне изобразява човека като част от природата. Жена, кърмеща дете, млад мъж с тояга (който може да се сбърка с воин с алебарда) не са обединени от никакво действие, но са обединени в този величествен пейзаж общо настроение, общо състояние на ума. Образът на „Спящата Венера” (около 1508-1510) е пронизан с духовност и поезия. Тялото й е написано лесно, свободно, грациозно, не напразно изследователите говорят за „музикалността“ на ритмите на Джорджоне; не е лишено от чувствен чар. "Селски концерт" (1508-1510)

Тициан Вечелио (1477?-1576) е най-великият художник на Венецианския Ренесанс. Той създава произведения както на митологични, така и на християнски сюжети, работи в жанра на портрета, колористичният му талант е изключителен, композиционната му изобретателност е неизчерпаема, а щастливото дълголетие му позволява да остави след себе си богата творческо наследство, което оказа огромно влияние върху потомците.

Още през 1516 г. той става първият художник на републиката, от 20-те години - най-известният художник на Венеция

Около 1520 г. херцогът на Ферара му възлага да създаде поредица от картини, в които Тициан се явява като певец на античността, който е успял да почувства и най-важното да въплъти духа на езичеството („Вакханалия“, „Празник на Венера“ , „Бакхус и Ариадна“).

Богатите венециански патриции възлагат на Тициан да създаде олтарни образи и той създава огромни икони: „Успение Богородично“, „Мадона от Пезаро“

„Въвеждането на Мария в храма“ (ок. 1538 г.), „Венера“ (ок. 1538 г.)

(групов портрет на папа Павел III с племенниците Отавио и Александър Фарнезе, 1545-1546)

Той все още пише много на антични теми („Венера и Адонис“, „Пастирът и нимфата“, „Диана и Актеон“, „Юпитер и Антиопа“), но все повече се обръща към християнски теми, към сцени на мъченичество, в които езически жизнерадост, древната хармония се заменя с трагична нагласа („Бичуването на Христос“, „Каещата се Мария Магдалена“, „Свети Себастиан“, „Оплакване“),

Но в края на века чертите на предстоящото нова ерав изкуството, нов художествено направление. Това може да се види в работата на двама големи художници от втората половина на този век - Паоло Веронезе и Якопо Тинторето.

Паоло Каляри, по прякор Веронезе (той е от Верона, 1528-1588), е предопределен да стане последната певицапразнична, ликуваща Венеция от 16 век.

: „Пир в къщата на Леви“ „Брак в Кана Галилейска“ за трапезарията на манастира Сан Джорджо Маджоре

Якопо Робусти, известен в изкуството като Тинторето (1518-1594) („тинторето“-бояджия: бащата на художника е бояджия на коприна). "Чудото на Свети Марк" (1548)

(„Спасяването на Арсиное“, 1555 г.), „Въведение в храма“ (1555 г.),

Андреа Паладио (1508-1580, Вила Корнаро в Пиомбино, Вила Ротонда във Виченца, завършена след смъртта му от ученици по негов проект, много сгради във Виченца). Резултатът от неговото изучаване на античността са книгите „Римски антики“ (1554 г.), „Четири книги за архитектурата“ (1570-1581 г.), но античността за него е „жив организъм“, според справедливото наблюдение на изследователя.

Холандският ренесанс в живописта започва с „Гентския олтар“ от братята Хуберт (починал 1426) и Ян (ок. 1390-1441) ван Ейк, завършен от Ян ван Ейк през 1432 г. Ван Ейк подобри маслената техника: маслото го направи възможно да се предаде повече гъвкавост, блясък, дълбочина, богатство обективен свят, привличайки вниманието на холандските художници, с колоритната си звучност.

От многото мадони на Ян ван Ейк най-известната е „Мадоната на канцлера Ролен“ (около 1435 г.)

(„Човек с карамфил“; „Човек с тюрбан“, 1433 г.; портрет на съпругата на художника Маргарет ван Ейк, 1439 г.

Холандското изкуство дължи много в решаването на подобни проблеми на Рогиер ван дер Вейден (1400?-1464 г.) е типично произведение на Вейден.

През втората половина на 15в. обяснява работата на майстор с изключителен талант, Хуго ван дер Гоес (около 1435-1482) „Смъртта на Мария“).

Йероним Бош (1450-1516), създател на мрачни мистични видения, в които се обръща и към средновековния алегоризъм, “Градината на насладите”

Върхът на холандския Ренесанс е несъмнено творчеството на Питер Брьогел Стари, наречен Мужицки (1525/30-1569) („Кухнята на слабите“, „Кухнята на дебелите“). цикъл “Сезони” (друго заглавие - “Ловци в снега”, 1565 г.), “Битката на карнавала и Великия пост” (1559 г.).

Албрехт Дюрер (1471-1528).

„Празникът на розарията“ (друго име е „Мадона с броеницата“, 1506 г.), „Конникът, смъртта и дяволът“, 1513 г.; „Св. Джером“ и „Меланхолия“,

Ханс Холбайн Младши (1497-1543), "Триумфът на смъртта" ("Танцът на смъртта"), портрет на Джейн Сиймор, 1536 г.

Албрехт Алтдорфер (1480-1538)

Ренесанс Лукас Кранах (1472-1553),

Жан Фуке (ок. 1420-1481), Портрет на Шарл VII

Жан Клуе (ок. 1485/88-1541), син на Франсоа Клуе (ок. 1516-1572) - най- основен художникФранция 16 век портрет на Елизабет Австрийска, около 1571 г. (портрет на Хенри II, Мария Стюарт и др.)